Transcripciones
1. Acerca de esta clase: Dependiendo de a quién preguntes, color es o la parte más emocionante
del proceso de ilustración o la más aterradora. Soy una de esas personas que siente que el color es la parte más emocionante del proceso de ilustración, sobre todo, porque soy ilustrador de la naturaleza, obtiene el divertido trabajo de crear ilustraciones que aún hablan con lo verdadero espíritu del animal que estoy ilustrando pero también llego a ser un poco juguetón con el color para que esté trayendo mi propia voz artística única a la pieza también. Es una cosa muy divertida de equilibrar una vez que te lo cuelgas,
una vez que te traspases esa parte de terror de acercarse al color. Una de las cosas que va a hacer la parte colorante de ilustrar sea mucho más fácil es solo tener un entendimiento básico de alguna teoría del color y tener alguna comprensión básica de cómo cosas como la saturación y el valor te ayudarán crear una ilustración fuerte. Eso es lo que vamos a aprender en esta clase. Esta clase se va a impartir en Photoshop, pero realmente puedes usar cualquier app de arte digital que quieras. Voy a pasar por el proceso de solo mostrarte cómo escojo los colores de una foto de referencia, cómo ajuste esos colores en base a lo que sé de la teoría del color para que pueda crear una paleta de colores más agradable para empezar. Entonces voy a usar esa paleta para colorear el pájaro que he dibujado. Entonces voy a llevar esa misma paleta a todo un montón de mezcla
digital de colores y llegar a una paleta secundaria que voy a usar para el fondo de la ilustración. Al final, te voy a mostrar algunos consejos y trucos finales que utilizo todo el tiempo cuando necesito ajustar los colores en mis ilustraciones de naturaleza. Va a ser realmente divertido si estás listo para ser juguetón y confiado con tu color. Entérate del primer video y empecemos.
2. Conceptos básicos de la teoría del color: Empecemos revisitando alguna teoría básica del color. La mayoría de nosotros aprendimos esto cuando éramos niños y algunos de ustedes revisitaron los conceptos en la escuela de arte. Pero, ¿cuándo fue la última vez que realmente pensaste en la teoría del color? Vamos a hacer un refresco rápido. Ahora hay toneladas de clases y tutoriales y libros que profundizan en la teoría del color, y esta lección no es eso. Esto es sólo un recordatorio rápido antes de pasar a trabajar con el color porque vamos a estar pensando en algunos de estos conceptos básicos de la teoría del color mientras trabajamos en una ilustración de la naturaleza. Esta es una rueda de color. Está dividido en tus colores primarios, que son rojo, azul y amarillo. estos días a veces las primarias se definen en realidad como cian, magenta y amarillo. Cualquiera que sea la versión de las primarias que elijas usar realmente depende de un montón de factores, pero para esta clase, solo
me voy a quedar con el clásico rojo, azul y amarillo. Siguiente paso, tenemos los colores secundarios, que son verde, naranja, y violeta. Obtienes estos colores mezclando los colores primarios juntos. El rojo y el azul hacen un violeta, amarillo y el azul hacen verde, y el rojo y el amarillo hacen naranja. El siguiente paso, comienzas a mezclar tus colores primarios y tus colores secundarios y comienzas a obtener colores terciarios. Esos son amarillo-naranja, rojo-naranja, rojo-violeta, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde. Ahora los colores que ves en la rueda de color son 100% de tono o color puro. Esas palabras son intercambiables, tonalidad y color. No a menudo vas a estar usando estas selecciones específicas de tonos 100 por ciento puros en tus ilustraciones, en
cambio, vas a estar usando tonos, tintes y sombras. Si mezclas el blanco con un color puro, obtienes un tinte. Si mezclas el negro con un color puro, obtienes un tono, y si mezclas el gris con un color puro, obtienes un tono. Honestamente, la terminología no es terriblemente importante, así que no te dejes empantanar con ella. Tan solo ten en cuenta que puedes mezclar blanco, negro o gris para cambiar el color con el que estás trabajando en algo menos del 100% de tono puro. Para esta clase, estamos trabajando digitalmente y voy a estar trabajando en Photoshop pero vas a tener unas opciones de selector de color similares, sin importar en qué aplicación de arte digital estés trabajando. Si se trata de Procreate o Photoshop o Illustrator o Affinity, lo que sea, vas a tener una situación similar de selector de color. Vamos a estar trabajando digitalmente. Vamos a estar mezclando nuestros colores digitalmente, así que echemos un vistazo muy rápido a solo el diseño básico del seleccionador de colores en Photoshop, y donde vas a estar mezclando esos tintes y tonos y tonos. En la esquina superior derecha de nuestro selecker de color, esta va a ser la versión más pura de cualquier color que hayamos seleccionado. He cogido rojo, y se puede ver aquí mismo tengo esta pequeña caja de advertencia, y esta caja de advertencia me permite saber que el color que he seleccionado está fuera de gama para imprimir. Si estoy haciendo arte para un libro infantil o tarjetas de felicitación o cualquier otra cantidad de cosas, esto me hace saber que esto no va a imprimir bien, si imprime en papel o un producto o lo que sea. En realidad puedo simplemente tocar esto y me llevará a la versión corregida del color que está dentro de la gama de impresión. Eso es sólo una cosa divertida de saber, pero hablemos de cómo podemos hacer alguna mezcla básica de colores haciendo nuestros tintes y tonos y tonos. Si solo tomamos este color y lo movemos hacia la izquierda en nuestro selector de color, estamos agregando blanco. Cada vez que movemos esto más hacia la izquierda, estamos agregando más blanco con el rojo, igual que si estuviéramos mezclando pintura, y así es como estamos creando nuestros tintes. Si vamos todo el camino hacia la izquierda, claro, vamos a conseguir 100 por ciento de blanco. Ahora si volvemos a la esquina derecha, vuelta a nuestro rojo 100 por ciento puro, ahora si nos
movemos hacia abajo, vamos a estar mezclando negro en esto, y como estamos mezclando negro en, vamos a estar creando un sombra. Nuevamente, la redacción de esto no es súper importante. Solo es importante saber que si tiras de tu selector de color hacia abajo, estás mezclando negro hasta llegar a este rico negro en la esquina inferior derecha. Ahora si volvemos a subir a la cima, a nuestro color rojo brillante, en lugar de simplemente ir recto, si empezamos a tirarlo hacia abajo también, nos estamos mezclando en un gris con nuestro rojo y estamos empezando a llegar a algunos más de esos colores neutros en su lugar. Eso es solo un resumen básico rápido de mezclar en blanco y negro y gris con los colores. Ahora, en realidad puedes ir un poco más profundo en esto, realidad
puedes cambiar tu configuración predeterminada. Este valor predeterminado es matiz, que es tu color que estás seleccionando, también puedes cambiarlo a saturación. Simplemente tendrás un deslizador de saturación aquí que te
permite hacer tus colores más o menos saturados, que es lo mismo que estás haciendo si estás tirando de tu color
hacia la izquierda en la escala de brillo de saturación de tonalidad, solo estás agregando el blanco. Entonces también puedes ajustar tu brillo también con solo usar el deslizador, que de nuevo solo va a agregar un poco de negro, y va a hacer que todo sea un poco más oscuro. Si quieres, puedes meterte con la mezcla, y decir que quieres agregar un poco de tono verde a tu rojo, puedas probar que si quieres agregarle un poco de azul, puedes usar los deslizadores para probar eso. Hay un montón de cosas que puedes hacer solo usando este recolector de color. Pero si te sientes súper abrumado por todo eso, no te preocupes porque no necesariamente lo vas a necesitar. Es solo algo que puedes usar para
jugar y explorar un poco con tu color. Siempre y cuando sepas que en la esquina superior derecha está tu color puro, medida que arrastras sobre, añades blanco,
arrastras hacia abajo para agregar negro, o arrastras en un ángulo para agregar gris, estás bien para ir. Entonces si estás haciendo arte para impresión, solo ten un ojo en esta pequeña advertencia gamut aquí que te dirá cuándo estás usando un color que no se va a replicar cuando se imprime. Sé que el recolector de colores de Photoshop hace la vida realmente fácil y mezclar colores digitalmente hace la vida realmente fácil. Pero realmente recomiendo comprar una rueda de color artista como una rueda de color física real, o hacer una. Si no quieres comprar uno, solo consigue un poco de papel, unos marcadores, o pinta, vuelve loco. hecho de tener una referencia táctil rápida para elegir esquemas de
color hace una diferencia
tan grande a la hora de no sentirte abrumado por el color, y podrás elegir fácilmente colores armoniosos de esa manera. De eso en realidad vamos a hablar en la siguiente lección. Dirígete al siguiente video y sigamos adelante y empecemos con eso.
3. Armonía del color: Ahora que hemos hecho la versión rápida de la teoría básica del color, hagamos la versión rápida de las armonías de color. Los esquemas de color monocromáticos se basan en un tono específico, solo un tono. Debido a esto, son muy cohesivos. Para este esquema de color, elegirás un color como azul-violetas y luego podrás elegir cualquier número de tintes,
tonos y tonos de ese color para crear tu propia paleta. A pesar de que estás empezando con un solo color, realmente
puedes crear una amplia paleta utilizando todos los tonos, tintes y tonos. Esquemas de colores análogos se componen de tres colores que se sientan uno al lado del otro en la rueda de color, como el amarillo, el verde y el amarillo-verde. Ahora, con cualquier armonías de color, vas a estar usando una variedad de tonos y tonos tensos. Para este ejemplo, tal vez elijas amarillo-verde como tu color más saturado, tu color más puro. Entonces puedes agregar un poco de blanco al amarillo y al verde para
llegar a un par de otras opciones de color variadas que no son 100 por ciento puras. Los esquemas de colores de cortesía se basan en dos colores que se sientan uno frente al otro en la rueda de color, como mis favoritos, azul y naranja. Nuevamente, puedes usar tonos y tonos tensos para construir tu paleta de colores. Entonces aunque comienzas con solo azul y naranja, en realidad
puedes crear una paleta de colores que se vea así. Se puede ver que hay una tonelada de flexibilidad en esto. Los esquemas de color de cortesía divididos cuentan con un color más un color a cada lado de su complemento. Volviendo a nuestro azul, sabemos que es cumplido es naranja. Para encontrar ese split de cortesía, los colores van a estar a ambos lados de la naranja. En este caso, nuestro esquema de color complementario split va a ser azul, rojo-naranja, y amarillo-naranja. Los esquemas de color triádicos se hacen mediante el uso de colores que están espaciados a distancias iguales en la rueda de color formando un triángulo. Aquí encontrarás algunas combinaciones de colores clásicas como azul, rojo y amarillo, o violeta, verde y naranja. Por último, los esquemas de color tetradic son solo dos pares de cortesía dispuestos juntos. Estos forman un rectángulo en la rueda de color. Un ejemplo de esto sería azul y naranja, y morado y amarillo. Recuerda que probablemente no
usarás los colores puros con los que estás empezando cuando mires la rueda de color, estarás jugando con tu valor y saturación y obteniendo esos tonos, tintes y tonos. Por lo que todos los colores no están peleando audazmente por la supremacía en tu ilustración. Enfréntate al siguiente video. Antes de hablar más de color, quiero mostrarles algunas inspiraciones que voy a estar pensando mientras trabajo en la ilustración para esta clase.
4. Inspiración: Antes de empezar, quiero llevarte a través de algunas cosas que me
parecen particularmente inspiradoras cuando estoy pensando en el color. Te voy a mostrar algunos ilustradores de libros infantiles cuyo trabajo me
encanta de la era de mediados de siglo y también de los años 70 y 80, y luego te voy a mostrar algunas ilustraciones de aves que también me parecen realmente inspiradoras. Empiezo con el trabajo de Brian Wildsmith. Brian Wildsmith es un ilustrador de la naturaleza y un ilustrador de libros para niños, y su obra era tan audaz y colorido y textural y preciosa. Esta es una de mis piezas favoritas de las suyas y si conoces mi trabajo en absoluto, sabes que me encanta una paleta de cortesía azul y naranja y esto realmente está construido sobre eso. Tienes tus bonitos cielos azules y luego tenemos algunos de estos hermosos tonos naranjas en los renos que apenas se repiten entre el rebaño. Esto es simplemente realmente precioso, solo un ejemplo realmente exitoso de usar una paleta de colores limitada de una manera que todavía es realmente variada y en capas y hermosa. Echemos un vistazo al siguiente ejemplo. A continuación tenemos a Eric Carle, quien creo que su trabajo es conocido por casi todos los que alguna vez han visto un libro para niños. Esta no es la Oruga Muy Hambrienta. Este es sólo su libro de animales. De verdad quería mostrarles esta preciosa pieza de águila aquí mismo, que es con unas paletas de colores monocromáticos. Pero es tan animado y en capas y precioso. Si sientes que te estás limitando solo eligiendo un color o dos colores, realmente no lo eres. Es un lugar de partida, y luego solo construyes sobre él y creas algo precioso y animado como esto. A continuación tenemos Seasons de John Birmingham. Esto es obviamente un libro sobre las estaciones. Este es uno de mis spreads favoritos. Esta es una de las temporadas sobre otoño y solo siento que ha hecho un trabajo tan hermoso, solo captando la luz de un día de otoño, hay cosechas y estás en el bosque. Tenemos todos estos hermosos amarillos y naranjas y marrones, y luego solo algunos de ahí de verdes también. Esto es sólo un uso realmente hermoso de una paleta de colores análoga donde todos los colores se encuentran uno al lado del otro en la rueda de color. Es muy armonioso, muy textural, realmente precioso. Por supuesto, no puedo dejarte sin compartir alguna ilustración de aves, inspiración de color. Esto está en un libro más grande llamado El arte del pájaro y celebra a 40 artistas de aves diferentes. Yo sólo quiero mostrarles muy rápidamente el trabajo de James Lansdowne. Los colores son tan magníficos. Se puede ver aquí como en esta ilustración de pinzón de tazón, está basando sus ilustraciones en la naturaleza, en el pinzón tazón y los colores reales para luego construir el resto de la ilustración alrededor de esos colores. Eso es lo que vamos a estar haciendo en esta clase. Vamos a tomar lo que sabemos, que son los colores de un pájaro y luego vamos a construir el resto de la ilustración en base a esos colores. Simplemente es realmente hermoso y cohesivo. Entonces por supuesto este es uno de mis favoritos. Los colores de este pájaro son tan maravillosos y es un pop
tan magnífico contra los colores más neutros del ave hembra y los fondos. Es realmente magistral cómo estos colores sobresalen de todo lo que está detrás. Muy bien amigos, espero que hayan disfrutado tan solo un pequeño vistazo a alguna inspiración de color y de verdad espero que se tomen algún tiempo para mirar a alrededor algunas ilustraciones del pasado para obtener un poco de inspiración de color para su propio trabajo. Está bien. Dirígete al siguiente video y realmente vamos a sumergirnos en el uso de algunos colores en una ilustración.
5. Explorar la saturación: Está bien, así que vamos a explorar algo de saturación de color. Ahora, un error que los nuevos ilustradores o ilustradores
digitales tienden a cometer es usar colores que están demasiado saturados. Básicamente, estás eligiendo la versión 100 por ciento pura
del color en lugar de usar un tinte o un tono o un tono. Es realmente gracioso porque nuestros ojos nos dirán que una rana es verde, así que por supuesto elegimos el verde más verde para expresarlo. Eso es lo que nuestro cerebro siente que es correcto, pero la realidad es que muy pocas cosas en el mundo natural ocurren en el color más saturado, y aunque lo hagan, no necesariamente necesitamos ilustrarlas de esa manera, especialmente si estamos haciendo arte que se imprimirá en libros o en productos, porque esos colores más saturados como este rojo brillante no son en realidad reproducibles en estampados. Siempre hay que tener eso en cuenta como artistas de la naturaleza. Ahora, para demostrar este punto exacto, echemos un vistazo a esta foto de esta rana arbórea verde brillante. Primero, solo hagamos algunas conjeturas sobre qué colores podríamos usar para ilustrar a esta rana, y me voy a ir un poco por la borda con esto. Lo que busco es un bonito verde, parece un rojizo anaranjado, un azul, y un amarillo. Yo sólo voy a apagar esto, y sólo voy a hacer esto desde la memoria, sólo
voy a usar mi recolector de color, y ver si podemos conseguir algunos colores decentes. Podrías escoger este color verde brillante. De nuevo, realmente voy por encima de la cima aquí con esto, así que sólo ten eso en cuenta. Déjame agarrar un pincel, y sólo garabateemos en algunos colores aquí, y luego necesito conseguir un rojo. Es un rojo-naranja, vamos a tirarlo un poco, rojo-naranja, y entonces también necesito agarrar un amarillo. El amarillo no era muy brillante sin embargo, así que podría ser capaz de conseguir ese. Entonces también necesitamos un azul, así que vamos a escoger un azul, y ya ves, verdad
voy por algunos sólo colores saturados aquí y
puedo algunos sólo colores saturados aquí y
puedodecir mirando esto que esto no es correcto. Esto va a ser divertido ver cuáles son los colores correctos. Ahora voy a usar mi herramienta cuentagotas, y voy a sacar los colores exactos de áreas específicas que puedo usar para mi ilustración. Quiero empezar con este verde, que es un poco más oscuro de lo que pensaba. Vayamos aquí, y solo garabateemos ese verde, y ya se puede ver la diferencia entre este verde que adiviné y este verde que es realidad. Es más de un color silenciado, y cuando lo tiramos hacia arriba en nuestro recolector de color, vemos que tiene algo de negro mezclado con ese tono verde brillante. Definitivamente está tonificado. El siguiente que queremos agarrar es este rojo-naranja del pie, y también está en el ojo. Esta es una rana arbórea de ojos rojos, pero es una especie de rojo-naranja. Ahora, para este, este es en realidad casi un color puro de la foto, pero nos vamos a encontrar un problema de que va a estar fuera de gama. Yo sólo voy a seguir adelante y sólo cambiar eso a la versión tonificada para que mientras estoy haciendo mi arte, sé que estoy haciendo algo que se va a imprimir, eso no va a tener una tonelada de cambio de color que me va a hacer super triste. A continuación, vamos a agarrar este color amarillo, en el
que sentí que estaba más cerca, pero mira la diferencia en esos dos. Este amarillo que en realidad está en la foto tiene algo más de gris mezclado con
él, no es tan puro de un matiz. Entonces el último que necesitamos agarrar es el azul, y sólo agarremos desde aquí mismo. Nuevamente, miren nuestra diferencia. Este azul en realidad se ha metido un poco de verde mezclado con él. Parece que es más un azul-verde, y está un poco más abajo en nuestro recolector de color. En el lado izquierdo, es lo que hubiera adivinado los colores estaban en esta rana, y luego en el lado derecho está lo que realmente son los colores en esta rana. Este es un ejercicio muy divertido de hacer con las fotos para que realmente puedas ver las relaciones de color entre diferentes colores en una foto, sobre todo si estás trabajando en una ilustración de la naturaleza. Esto es realmente importante para entender esas relaciones. Es importante entender que sólo porque pensamos que una rana es el verde más brillante, no
significa que A, eso es cierto, y B, si eso es cierto, no significa que tengamos que ilustrarla en este color. Si dibujo la rana usando estos colores a la derecha, todavía
va a lucir vibrante y hermosa por las relaciones entre los colores, mientras que esto en realidad se vería bastante pálido, sería por encima de la parte superior al final. Esta es una práctica realmente divertida. Esto se puede hacer con fotos, y también se puede hacer con ilustraciones. Si tienes curiosidad por cómo otro artista o un pintor o un diseñador gráfico usaron el color, agarra una imagen, póngala en Photoshop o Procreate o lo que sea, y usa tu herramienta cuentagotas para explorar los colores. Ve qué colores se usaron, ve qué tan saturados están, desaturados están, realmente consigue una comprensión más profunda de cómo están funcionando los colores en algunas de tus piezas de arte favoritas y creo que estarás realmente sorprendido por algunas de las cosas que descubrirás. Dirígete a la siguiente lección, y vamos a hablar de explorar el valor.
6. Explorar el valor: En este video, vamos a estar explorando el valor. Este es otro error común al usar paletas de
colores y no es que no tienen mucha variación en el valor, lo
que hace que una imagen se vea realmente plana y aburrida. Todas las partes de la ilustración que tienden a tener problemas de valor sólo tienden a mezclarse. Nada realmente llama la atención hacia la ilustración o alrededor de la ilustración. Es solo plano y justo. El valor es cómo es claro u oscuro un color. Así es como se ve una escala de valor desde el color más claro, que es blanco hasta el color más oscuro, que es negro. De nuevo, esto puede ser complicado cuando estamos usando color
porque a veces el color hace que el valor sea difícil de discernir. Aquí te dejamos un ejemplo de dos colores que aparecen muy diferentes. Pero cuando los convertimos a escala de grises y vemos los valores, vemos que son exactamente el mismo valor. Si hiciera una ilustración con estos dos colores, nada destacaría realmente. Todo se ve así, ahí está. También puedes usar el valor para dirigir el ojo alrededor una ilustración para mostrar realmente al espectador dónde debe estar prestando atención. También se puede utilizar para definir áreas de la ilustración como el primer plano, el medio suelo y el fondo. Así es como luce eso. Una forma realmente rápida de comprobar tus valores en cualquier aplicación de arte digital es simplemente hacer una nueva capa, llenarla de negro, y luego cambiar tu modo de mezcla a saturación. Ahora vas a estar viendo todo en escala de grises. Esta es una ilustración que he hecho. Si quería comprobar para ver si los valores están demasiado cerca uno del otro porque tal vez me preocupa que no esté leyendo muy bien, solo
puedo seguir adelante y encender mi capa de saturación negra. Ahora puedo ver todo en escala de grises. Aquí se puede ver que tengo todo en primer plano en los valores más oscuros. Después a medida que volvemos a la ilustración, obtienes tus valores medios y luego obtienes tus valores más ligeros como fondo. Ahora si tengo esta ilustración con valores oscuros para las hojas y tallos, y entonces también tuve un color realmente oscuro en el fondo, todo se va a blob juntos y nada va a
destacar realmente y dejar que el ilustración leer con nitidez al espectador. Echemos otro vistazo rápido a eso. Esta es una pieza de arte conceptual para la Bella Durmiente y esta es de Eyvind Earle quien es increíble con valores. Mismo truco, voy a hacer una nueva capa y la vamos a llenar de negro, entonces sólo voy a cambiar esto por saturación y ahora se convierte a escala de grises. Se puede ver lo hermosa que es esta ilustración, porque todo lo que está en el área de primer plano aquí mismo es valores oscuros. Tenemos unos arbustos de valor oscuro justo aquí en el medio terreno y luego todo lo que está en el fondo son valores más claros. Tu ojo realmente solo se abalanza por esta ilustración y luego se vuelve
atraída hacia el castillo debido a esos son algunos de los valores más ligeros en toda la ilustración. Eso es realmente exitoso. Esto de nuevo, al
igual que lo del cuentagotas es algo realmente bueno para practicar. Si quieres ver cómo están usando valor otros ilustradores, echa un vistazo a esto. A veces te sorprendería que no estén usando muy bien los valores. Entonces a veces te sorprenderá que estén siendo realmente astutos con ellos y usándolos para guiar tu ojo alrededor de las ilustraciones. También puedes hacer esto con tus fotos de referencia. Si estás dibujando un paisaje o algo así y no estás seguro de cuáles deberían ser las partes más oscuras de tus ilustraciones y cuáles deberían ser los valores más claros de tu ilustración, toma una foto, añade esta capa negra sobre ella y convertirlo en saturación, y luego puedes ver dónde
necesitarían estar tus valores más oscuros y ligeros si estuvieras dibujando algo similar a ese paisaje o lo que sea. Este es otro truco realmente divertido para tener en tu cinturón de herramientas de aprender a estar cómodo con el color. En el siguiente video, te voy a llevar por mi proceso de
creación de una paleta de colores para una ilustración de la naturaleza. Enfréntate a esa lección y empecemos.
7. Color inspirado en la naturaleza: Ahora que conoces algunos conceptos básicos de teoría del color y armonía del color o probablemente ya sabías esas cosas, pero has tenido un poco de refresco, trabajemos a través de una ilustración y aplicamos parte de ese conocimiento del color. Soy ilustrador de la naturaleza. Me encanta dibujar aves y animales y todo desde el mundo natural. Hoy vamos a estar dibujando un pájaro. Ahora, me estoy desafiando a dibujar un pájaro que normalmente no me gusta dibujar, porque no me gustan los colores del mismo. Pero voy a usar un poco de teoría del color, y te voy a mostrar cómo hago que funcione. Si tuviera una asignación de ilustración para este pájaro, tendría que averiguar cómo hacer que los colores se vean armoniosos aunque no
creo particularmente que esta foto de referencia sobre este pájaro sea los colores más bellos del mundo. Aquí está el boceto desde el que estoy trabajando. Es solo un boceto súper sencillo de este banderín pintado, y luego tengo algo de follaje en primer plano, el suelo medio, y el fondo. Mi idea es que tendré mis valores más oscuros en los frentes, y luego mis valores más claros hacia ese reverso de la ilustración, pero aún no estamos pensando en eso. Lo que queremos hacer primero, es que queremos empezar a dibujar el pájaro. Con cualquier ilustración de
la naturaleza, lo fácil es que sabes por dónde empezar con el color. Muchas ilustraciones estás como, “Oh, no sé de qué color debería hacer esto. No sé por dónde empezar”. Pero lo genial de dibujar algo que necesita
parecerse a una cosa real que existe en el mundo, es que tienes un punto de partida para el color. Lo que sé empezando ahora mismo, son los colores de este pájaro. Voy a usar esos colores para escoger una paleta de colores para el pájaro, y luego voy a construir el resto de mi paleta de colores alrededor de eso. Déjame seguir adelante y sólo agarrar mi foto de referencia aquí mismo. Sólo voy a usar mi herramienta cuentagotas. De nuevo, estoy trabajando en Photoshop. No tienes que usar Photoshop para hacer esto. Esto es justo en lo que me siento más cómodo. Yo sólo voy a dejar caer el ojo los cuatro colores principales, que van a ser este azul en la cabeza, este rojo del cuello y el pecho. Después hay un poco de como un amarillo brillante en el ala, y luego también hay un verde brillante en el ala. Entonces hay algunas otras variaciones de color ahí, pero solo quiero mantener esto bastante simple para construir mi paleta. Entonces una vez que haya elegido mis colores, podré construir sobre mi variación de color a partir de eso. Déjame solo garabatear los cuatro colores que acabo de ver cayeron de la foto. Nuevamente, la caída de ojos de las fotos es una manera realmente divertida de entender cómo funcionan los colores juntos, cuáles son las relaciones, y verás algunas situaciones de colores sorprendentes. Cuando miro estas selección de cuatro colores, definitivamente
me recuerdan por qué no me gusta dibujar este pájaro seguro. Esta no es una situación de color que realmente me emociona. Con el rojo, el amarillo, y el azul primario estaría bien, pero con tirar este verde brillante aquí, y es duro. Pero si estaba dibujando esto para una asignación, necesito asegurarme de que este pájaro sea reconocible como un banderín pintado. Necesito mantener colores que sean armoniosos. Necesito asegurarme de que las relaciones entre los colores sean correctas. Eso significa que a pesar de que estoy construyendo mi propia paleta de colores en este momento, no
voy a cambiar la parte superior de este pájaro a un azul bebé, y azul la parte del cuerpo a un burdeos oscuro o algo así. Porque va a ser difícil reconocer a ese pájaro, así que realmente tengo que trabajar con la paleta de colores que me dan, y necesito averiguar cómo puedo hacer que eso sea más agradable. Ahora bien, esto en realidad es bastante fácil, aparte del hecho de que no me gustan los colores. Pero la parte fácil es que
sabemos, aquí tenemos cuatro colores. Sé que voy a tener que escoger un esquema de color tetradic. Voy a tener que elegir cuatro colores. Si solo volvemos a volverse a nuestra rueda de color, recuerda que los esquemas de color tetradic son dos pares de complementos que se sientan uno frente al otro en la rueda de color. En este caso, tendríamos estos morados y amarillos, y el rojo y el verde podrían ser nuestra paleta de colores tetradic. Construyamos en lo que ya tenemos y veamos si eso funciona. Ahora, la razón por la que creo que eso va a funcionar es que
ya tenemos el azul como uno de nuestros colores principales, y creo que sólo pasar eso a una violeta en realidad va a funcionar bastante bien. No va a ser realmente impactante y todavía va a hacer reconocible a este pájaro, pero visualmente va a ser mucho más agradable, porque aquí estamos trabajando dentro de los límites de la teoría del color. Empecemos a escoger algunos colores. Ahora puedes usar el picker de color si quieres o también puedes simplemente usar las muestreas, si tienes muestrarios que has usado que
realmente te gustan o si tienes colores aquí arriba que usas todo el tiempo. Cualquier cosa que funcione para ti. Quiero asegurarme de que el violeta que estoy eligiendo tenga un poco de matiz azul. Voy a ir con el violeta oscuro, creo que para el noggin. Ahora, eso podría ser demasiado oscuro. Ya veremos. El rojo, en realidad
me gustaría elegir un rojo que esté un poco tonificado de este rojo muy brillante. Creo que sólo va a funcionar mejor en la ilustración. Entonces lo mismo con el amarillo y luego el verde. Yo solo quiero escoger versiones de esos colores que tal vez no estén tan puramente saturados. Recuerda siempre cuando estás escogiendo estas paletas, tienes acceso a todos los tonos y tintes y tonos de este color, que no tengas que usar solo los tonos puros. De nuevo, podrías estar usando el selector de color para esto. Se puede ver aquí, donde mi amarillo encaja aquí. Está en medio de agregar un poco de blanco a este color puro de amarillo, que creo que sería un poco mucho. Entonces por el verde, quiero hacer lo mismo. Ahora el verde es un poco complicado, porque me gustaría tonificarlo, pero todavía necesito tener ese brillo a ella. Yo sólo voy a escoger un verde oliva brillante, y creo que esto del lado derecho va a ser una paleta de colores viables para nuestra ilustración. Echemos un vistazo rápido a eso. Déjame volver aquí, y voy a hacer una nueva capa. Entonces solo voy a empezar a bloquear mis colores, solo para que pueda tener una idea de si esto va a funcionar o no, y justo como un sentido general de cómo va a ser. Yo sólo de nuevo, quiero asegurarme de que lo que estoy haciendo va a seguir siendo fiel al pájaro real que estoy ilustrando. Ahora, esta pequeña sección de aquí, aquí en realidad sólo un color neutro que
parece que se haría a partir de mezclar algunos de los otros colores. Pero sólo voy a seguir adelante y hacer esto una versión más ligera del morado oscuro que hemos usado ahí. Creo que eso sólo va a quedar muy bien para nuestros globos oculares. Creo que estos colores se ven bien. mí me preocupa un poco que estas violeta en la cabeza van a estar un poco demasiado oscuras, pero voy a seguir adelante y empezar a trabajar con ella de todos modos, porque siempre hace pequeños ajustes mientras trabajo. Como ya puedes ver, apenas de ver aquí esta paleta de colores básica, esto aún se apara el espíritu del pájaro que estamos ilustrando. Si ves esto, aún sabrías que se trataba de un banderín pintado. Si supieras lo que era un banderín pintado en primer lugar, sería realmente fácilmente identificable. A pesar de que he tomado la paleta de colores que dejé caer del pájaro y he transitado hacia algo que encaja en la teoría básica del color, todavía
funciona en conjunto como ilustración de la naturaleza. Yo sólo voy a empezar a pintar en este pajarito ahora, y luego en la siguiente lección, vamos a hablar de los colores de fondo y cómo vamos a colorear todas estas hojas en base a los colores que acabamos de elegir el pájaro.
8. Color secundario: Aquí están nuestros avances hasta ahora en esta ilustración de banderines pintados. Así se veía el color áspero y luego aquí es donde estamos con el color hasta ahora. Se puede ver, a pesar de que hemos desplazado el azul de la parte superior de la cabeza hacia más de como un violeta azul o violeta, esto todavía funciona muy bien. Todavía es reconocible como esta ave en particular. El siguiente paso es tomar esta paleta de colores y usarla para colorear en el resto del fondo de esta ilustración. Obviamente, teníamos nuestro punto de partida que son los colores
y el pájaro, y entonces sólo vamos a usar todos esos para construir. Cuando partimos de estos cuatro colores que usamos aquí mismo, vamos a estar eligiendo colores de fondo que
nos van a dar una sensación general de cohesión en lugar de simplemente escoger colores aleatorios del seleccionador de colores o del muestra de color. Esto nos va a dar un tipo general más agradable. Ahora bien, esta parte sí toma un poco de prueba y error, pero con paciencia y práctica, sí se vuelve más intuitiva con el tiempo. Quiero que empieces pensando en lo que quieres transmitir en tu ilustración. ¿ Hay algún estado de ánimo o emoción específico que estás tratando de transmitir? Una hora específica del día o tal vez cierta temporada, como primavera u otoño. Pregúntate, ¿cuál es la narrativa visual aquí? ¿ Qué trato de decir con esta ilustración? ¿ A qué estoy tratando de evocar con esta ilustración? Empieza siempre con lo que conoces y construyes a partir de ahí y cuanto más específico puedas ser, más fácil es construir una paleta de colores. Sé que si quiero una ilustración que vaya a exhibir una escena nocturna, entonces sé que voy a estar confiando en muchos azules y morados en mi ilustración. Si estoy pensando que algo se va a llevar a cabo en el otoño, entonces sé que voy a tener muchos amarillos y naranjas, algunos pops de rojo y algunos marrones, sólo algunos colores realmente terrosos. Pensar en eso antes de que incluso empieces a trabajar en cualquiera de tu color, es realmente una gran idea. Nuevamente, este es un proceso realmente intuitivo y aquí es realmente donde comienzas a ver las relaciones entre colores y comienzas a hacer ajustes, realmente
te vas a poner cómodo sin prueba y error, una teoría del trabajo en color. A pesar de que podrías empezar con una paleta específica como esta, medida que comienzas a trabajar, podrías estar haciendo pequeños ajustes y ajustes solo
en función de lo que ves y de cómo funcionan juntos los colores. Vamos a empezar construyendo una paleta para el fondo de esta ilustración y luego como uso ese palet para dibujar realmente esto, puede que esté haciendo algunos ajustes a medida que voy en el camino. Para esta ilustración, sé dos cosas. En primer lugar, sé que quiero ser juguetón con los colores de las hojas y las ramas. No tengo que ser literal y hacer las hojas verdes y las ramas marrones. Puedo si quiero, pero no quiero en este momento. Lo que realmente quiero hacer es simplemente experimentar con algunos de estos colores que ya he usado, las violetas, los rojos, los verdes y el amarillo. Quiero hacer un poco de mezcla de color y solo ver con qué puedo llegar a trabajar. Ahora, lo segundo que sé es que quiero que mis valores más oscuros estén en primer plano de esta pieza y luego mis valores más claros en el fondo. Este es el boceto original donde ya he encerrado en que quiero que las hojas y el frente sean más oscuros en valor. Entonces a medida que retrocedemos por la ilustración, todo se vuelve un poco más ligero que eso. Usando esos dos bits de conocimiento, puedo empezar a trabajar en colores para los elementos de fondo. Para ello, voy a hacer un poco de mezcla de colores. Voy a crear algunos colores nuevos a partir de esta paleta de colores original aquí mismo. Me va a dar ese hermoso sentido de cohesión que no
obtendría si solo estuviera escogiendo colores aleatorios de todas partes. Ahora bien, si eres un pintor tradicional, mezclar colores con pintura y mezclar colores en Photoshop o cualquier aplicación digital obviamente no son lo mismo. Eso está bien. Las cosas van a funcionar un poco diferente, pero nos vamos a relajar y sólo vamos a trabajar con lo que tenemos y nos vamos a divertir de todos modos. Empezando por mis colores originales, solo
voy a seguir adelante y elegir un pincel. No importa qué pincel estés usando, pero estoy usando el nuevo pincel pastel de Kyle Webster. Voy a seguir adelante y déjame solo agarrar mis cuatro colores aquí y voy a seguir adelante y solo garabatear algunas muestras bastante grandes de cada una porque solo voy a mezclar unos colores sobre estos y solo voy a ver lo que puedo conseguir que pudiera ser útil. Ahora, creo que quiero tener un poco de vibra otoñal en mi ilustración. Estoy pensando que a lo que quiero ir quizá sea un naranja posiblemente, tal vez algunos colores otoñales. A ver cómo va eso. Voy a cambiar mi pincel para multiplicar y eso me va a dejar envolver estos colores uno encima del otro. En realidad sólo voy a empezar mezclando un poco de amarillo y un poco de rojo. Porque sé que quiero una naranja y eso sólo me da un rojo más oscuro. Si recupero el amarillo encima de otro amarillo, obtengo un amarillo rico, así que esa es una posibilidad. Ya que tengo este color seleccionado, solo
voy a seguir adelante y lo capa sobre el morado y también sobre el verde. ver qué colores obtengo y luego sigamos adelante y hagamos lo mismo con nuestro rojo. Ya ves cuando capa esto sobre el morado, solo
estoy consiguiendo unos oscuros realmente oscuros los cuales probablemente no van a funcionar para esta ilustración. Voy a tratar de reducir la opacidad de mi pincel. Voy a reducir la opacidad a cerca del 50 por ciento y esto me va a dar algo de transparencia. Imagina que estás mezclando colores con acuarelas y eso es básicamente lo que es esto. Si me acabo de poner esto en capas, lo que tengo pasando aquí, puedes ver que solo consigo variaciones más sutiles. A ver si tenemos una naranja bonita. Entonces solo vamos a seguir estratificando y experimentando, viendo lo que obtenemos. Cada vez que hago esto, solo voy a agarrar mi cuentagotas y ver si tengo algo que parezca que podría ser interesante. Yo sólo voy a seguir experimentando. Ahora, esto se ve podría ser una bonita naranja que he puesto aquí. Sí, así que esta naranja de aquí parece que podría ser realmente buena. Adelante y pongámoslo aquí como posibilidad ya que sí quiero
tener una paleta de colores otoñales. Este amarillo podría funcionar muy bien, ya veremos. Este color marrón oscuro. Este es un color rojo más oscuro. Aquí se puede ver sólo por mirar estos cuatro colores que aunque cuando se mira este lío a la derecha, no
se ve bien ni cohesionado en absoluto. Pero debido a que estoy construyendo colores basados en estos cuatro colores originales, solo los
estoy estratificando unos sobre otros y consiguiendo estos resultados realmente bastante cohesivos y simplemente realmente construyendo paletas de colores que voy a poder hacer un lote con. Estas son una posibilidad segura, pero también siento que quiero tener un pequeño pop de morado, decir eso cuatro veces rápido. Básicamente sólo voy a seguir haciendo lo que he estado haciendo. Yo sólo voy a añadir un poco de morado a los colores que acabo de
poner sólo para ver si puedo conseguir algo que pudiera ser útil. Ups. Siempre me estoy asegurando de volver a cambiar mi pincel a 100 por ciento de opacidad cuando estoy probando estos colores que estoy haciendo, lo contrario voy a conseguir la versión transparente en lugar de la versión a todo color. Quiero la versión a todo color. A mí me gusta este marrón naranja de aquí mismo, creo que eso iba a ser agradable. Entonces también me gusta este rojo de aquí. Eso se ve bastante bien hasta ahora. Entonces otra cosa que puedo hacer es,
recuerda, puedo mezclarme en algunos neutrales. Puedo tratar de entrar con un gris y ver qué colores obtengo al hacer eso y ver si consigo algo útil. También puedo entrar con negro con mi opacidad ajustada al 50 por ciento y solo hacer un poco más de mezcla y ver qué más puedo conseguir. Eso es demasiado oscuro. Creo que ese morado va a ser demasiado oscuro, pero hombre, me gusta mucho. Ese es un morado oscuro realmente bonito que tengo ahí. Déjame seguir adelante y solo hacer una nueva capa. Voy a seguir adelante y llenarlo de blanco. Entonces solo lo voy a hacer un poco más pequeño aquí para poder ver mis colores de los que estoy eligiendo. Voy a ir con un poco de surtido de colores aquí. Entonces solo vamos a probar y ver qué funciona mejor para esta ilustración. Al igual que la última vez, vamos a hacer un color áspero. Podemos tener una idea de lo que va a funcionar mejor. Entonces podemos ir de ahí y simplemente trabajar en nuestros colores. Esta es la paleta potencial desde la
que voy a estar trabajando para los colores de fondo. Esto se basa en los colores del banderín. Todo debería ser realmente cohesivo y realmente encantador a medida que empiezo a juntar todo esto. Voy a hacer una nueva capa. Tengo mi pincel vuelto a la normalidad. Simplemente voy a empezar a bloquear en algunos colores super aproximadamente en este color rugoso. No estoy tratando de ser ordenado por ningún medio, solo
estoy tratando de bajar algo de color para poder juzgar si mis valores van a ser buenos. Te voy a mostrar el truco del valor que ya hemos repasado. Te voy a mostrar cómo lo uso en este punto para asegurarme de que estoy bien para ir. Ahora, para esto, estoy poniendo mis diversas capas de mi ilustración por su cuenta porque tengo la sensación de que en este color rugoso, voy a querer cambiar algunas cosas como lo que está pasando ahora mismo. Diga definitivamente freak este paseo es demasiado intenso para esto así que solo voy a hacer una superposición rápida de color y puedo cambiarlo por esta naranja en lugar de lo cual tampoco me gusta. Dejémoslo con el rojo por ahora. Entonces vamos a agarrar este color naranja. Tengo unas cuantas formas de hoja que voy a querer agregar en el fondo aquí sólo para agregar algo de profundidad. Entonces también tendremos un color de fondo y no creo que vaya a ser este amarillo. Creo que este amarillo va a ser demasiado audaz. Sí, demasiado audaz. Pero de nuevo, sólo vamos a hacer algún ensayo y error. Si mezcle entonces un poco de blanco, eso funciona un poco mejor. No estoy seguro de que sea 100 por ciento exitoso todavía pero ya casi estamos. Vamos a hacer algunos retoques, va a estar bien. Déjame simplemente dibujar en la rama. No ese color. Ahí vamos. Tiene una vibra realmente otoñal pasando ahora mismo con esto. Ahora, agreguemos una nueva capa, y luego sigamos adelante y llenemos esa capa de negro. Podemos cambiarlo a saturación, y ahora puedo ver si esto se mantiene fiel a mi visión original. Mi visión original fue los colores más oscuros en el frente, los valores medios en el medio, y luego los valores más claros en la espalda. Eso está funcionando hasta ahora. Siento un poco como si quisiera que los valores medios no fueran tan
oscuros para que a lo que realmente estoy prestando atención sea al pájaro. No lo sé, en realidad sí me gustan esos valores como son. En realidad sí se ve sorprendentemente bueno, pero no soy un 100 por ciento vendido en los colores. Echemos un vistazo a esos de nuevo. Simplemente voy a empezar a hacer algunas superposiciones de color. Probemos este morado oscuro que inicialmente no creí que me iba a gustar. Pero vamos a ver qué pasa si sólo tenemos un poco de tinker con los colores. Este morado y amarillo podría ser bonito. Estoy un poco desgarrado sobre si quiero dejar el color violeta o si quiero ir con más de un color azul violeta. Entonces las hojas solo ordenarán una primaria de azul, rojo y amarillo trabajando de nuevo. manera tentativa, voy a usar algo de este azul, pero creo que lo voy a poner encima del morado. Definitivamente sólo vamos a tener un momento en el que sólo vamos
un poco con el flujo y ver qué pasa con esta ilustración mientras estamos trabajando en ella. Pero de nuevo, porque estos no son solo colores aleatorios que seleccioné, son colores que se basan en esta paleta de colores original del pájaro, todo va a estar sintiéndose más cohesivo. Simplemente va a tener una mejor vibra general. Voy a seguir adelante y llegar a colorear y echemos
un vistazo a cómo se ve cuando termine. Hasta el momento he bloqueado en sólo mis ásperos colores de las hojas y ramas en los fondos. Acabo de usar algunos pinceles ásperos para bloquear en las formas aquí. De verdad voy a empezar a estratificar un poco de color ahora, igual que lo hice con el pájaro. Te darás cuenta de que tonificé el amarillo en el fondo sólo un poco, el fondo se va, porque sólo se sentía un poco agresivo en lo que va el brillo. Acabo de tonificar eso un poquito y creo que ahora se ve mucho más cohesivo. Simplemente voy a seguir junto con agregar en algo más de textura. Estoy usando este pincel realmente genial de Kyle Webster de una de sus actualizaciones de pinceles de invierno; se llama cepillo roto. Simplemente tiene esta textura realmente preciosa y también tiene mucha dinámica de color incorporada. Es realmente agradable para capas en diferentes capas de color y textura. Otro pincel que me gusta usar para hacer esto es su cepillo Gouache a Go Go. También tiene algo de textura realmente bonita, pero es un poco más suave, un poco menos agresivo. En realidad probablemente voy a usar el Gouache a Go Go para esto. Voy a seguir adelante y sólo seguir en capas en todos esos colores ahora. Muy bien amigos. Eso es todo para esta ilustración de banderines pintados. terminé de agregar en todos los colores frondosos y el fondo y todo. Sólo un recordatorio, esto es con lo que empezamos; un pájaro cuyo color realmente no disfruto, mis globos oculares no lo aman, y me desafié a crear una ilustración usando algunos conceptos básicos de la teoría del color como base para mis paletas de colores y luego construir sobre eso. Realmente puedes ver cómo pasamos de crear nuestras paletas de colores originales para tratar de capas muchos colores diferentes y Photoshops para que pudiéramos ver qué diferentes combinaciones de colores íbamos a conseguir. Hacer eso realmente nos ayudó a encontrar esta paleta de colores realmente bastante armoniosa que se mantiene fiel a la naturaleza. Esto todavía se ve como un banderín pintado, pesar de que los colores no están exactamente bien y en realidad
es un poco más agradable a la vista porque
no es esta paleta de colores brillantes locos originales que obtuvimos cuando nos coloreamos de la foto de referencia. Es por ello que la teoría del color es tan importante cuando estás dibujando desde la naturaleza, porque puedes elegir el color directamente de una foto de referencia y obtener una paleta que esté bien, son los colores exactos, pero no va a ese hermoso matiz que va a venir de entender cómo funcionan
los colores juntos y cómo crear una armonía realmente agradable con tus colores. Refrescarse en esa teoría básica del color de vez en cuando. Es tan importante volver a. Lo último que hice en el proceso de ilustrar las hojas fue que acabo de agregar un poco de textura a todas mis capas. Después cogí este color púrpura claro de las alas y las patas
del pájaro y luego lo usé como color resaltado en las hojas oscuras que están en primer plano, lo cual creo que está bien. Ahora a lo largo de este proceso, notaste que tenía activada mi capa de valor. Al trabajar, estaba encendiendo y apagando continuamente mi capa de comprobación de valor, para que pudiera asegurarme de que me mantenía al día con mi idea original; que eran mis valores más oscuros en el frente, tonos medios en el medio, y valores más claros a medida que me muevo hacia atrás en la ilustración. Eso fue súper útil para comprobar y luego
por supuesto seguí refiriéndome de nuevo a mi buff de color, que sí cambió un poco a medida que avanzaba por aquí. Porque de nuevo, mucho de esto es solo prueba y error, y realmente aprender a hacer ajustes que funcionen con los colores que estás escogiendo. La mayoría de los ajustes que hice aquí fueron o agregando en alguna de esta violeta azul porque pensé que el morado era demasiado intenso. Entonces en algunos casos, solo mezclando un poco de blanco con algunos de los colores solo para hacerlos un poco más ligeros de lo que eran, porque no pensé que estuviera bastante funcionando. Enfréntate al siguiente video. Acabo de tener unos trucos finales que te
voy a mostrar para que si eres artista digital, puedas hacer algunos ajustes rápidos de color siempre que lo necesites.
9. Trucos finales de color: No es raro terminar una ilustración y sentir que los colores aún no están del todo bien. Por lo general, un ajuste rápido arreglará eso. Te voy a mostrar cuatro maneras en que hago estos ajustes en Photoshop. Si estás usando Procreate u otra aplicación de arte digital, también se aplicarán
las mismas teorías básicas. Deberías poder hacer algo similar. Mi primer objetivo suele ser simplemente añadir una capa de saturación de matiz y brillo sobre todo el arte o tal vez como máscara de recorte a una sección específica. A lo mejor es como uno de estos grupos si sentía que un área específica necesitaba un ajuste. Todo lo que les voy a mostrar en este video es no destructivo. Eso significa que no va a afectar este arte que creé. Simplemente voy a agregar capas encima de este arte que puedo eliminar si no quiero,
o puedo encenderlas y apagarlas para tener una sensación de si lo que he hecho está funcionando o no. Para agregar mi capa de saturación de matiz y ajuste de brillo, solo
voy a tocar el pequeño icono del medio círculo aquí abajo. Pick “Tono/Saturación”. Si vuelvo atrás y miro mis capas, está en su propia capa encima de todo lo demás en mi ilustración. Cualquier ajuste que realice bajo este menú Propiedades, va a afectar toda mi ilustración. Tengo un slider donde puedo retocar con el matiz si quiero, pero definitivamente no quiero hacer eso. lo que sí quiero pensar es quizá sólo ajustar un poco la saturación. Se siente un poco demasiado brillante así que puedo bajarlo solo un poquito. Si quiero ver la diferencia aquí, todo lo que tengo que hacer es golpear el icono del globo ocular. Este fue mi arte original. Ahora si vuelvo a golpear el globo ocular, me muestra mi capa de saturación de matiz y ajuste de brillo, que realmente no hace una gran diferencia aquí, es solo un pequeño ajuste, pero a veces eso es todo lo que necesitas en sus ilustraciones. Lo bonito de estas capas de ajuste es que puedes agregar múltiples capas de ajuste diferentes y activarlas y apagarlas y solo ver qué versión realmente va a funcionar mejor para ti. Lo siguiente que voy a hacer es otra capa de ajuste, y esto es sólo un ajuste de brillo y contraste. puede ver que agregó su propia capa aquí. Si voy a Propiedades, ahora puedo usar mis
deslizadores de brillo y contraste para ajustar mi brillo y contraste de mi ilustración. Puedo levantarlo o bajarlo, y entonces por supuesto puedo activar o desactivar esto si quiero ver qué está funcionando. Entonces puedo cambiar de ida y vuelta entre las dos capas de ajuste que ya tengo. Otro truco es agregar un relleno de color y luego usar un modo de fusión para crear una superposición cohesiva en toda tu ilustración. Esto se puede hacer con unos tonos fríos o tonos cálidos o incluso neutrales. Si sentía que esta ilustración se veía un poco tonificada demasiado cálida, podría hacer una superposición azul y luego
probar algunos modos de mezcla para ver qué funcionaría mejor. Lo que voy a hacer es que en realidad voy a crear una capa de relleno. Voy a ir a Capa,
Nueva capa de relleno y luego color sólido. Simplemente lo va a llenar con lo que haya seleccionado hasta ahora. Digamos que quiero enfriar un poco esto. Esto requiere un poco de experimentación, así que no te frustres si esto no se siente como un proceso de racionalización para ti. Definitivamente se necesita un poco de prueba y error para encontrar las cosas que mejor funcionen para el arte que quieres crear. A partir de aquí, solo puedo seguir adelante y recorrer mis modos de fusión. De nuevo, sólo haremos un poco de prueba y error. Por lo general, siento que la opacidad como mejor al 50 por ciento o menos, generalmente alrededor del 50 por ciento al 35 por ciento me va a dar la mirada que
quiero sin que realmente afecte demasiado mi color subyacente. Solo estoy usando la flecha hacia abajo para desplazarse por mis opciones. De nuevo, puedo encender y apagar esta capa para ver qué pasa cuando agrego estos colores. Porque he hecho una capa de relleno de color, puedo hacer doble clic en el color, y vamos a ver cuando trato de agregar un tono cálido en su lugar. Ahora, puedo escoger un tono anaranjado o lo que quiera, dale “Ok”. Ahora verás que toda la ilustración realmente ha conseguido más de un tono cálido y brillante general de lo que tenía antes. Apagemos eso. Tenemos tres opciones diferentes para agregar algunos ajustes de última hora al color de una ilustración. Una de las últimas cosas que puedes hacer, es que solo puedes agregar una superposición de textura. Ahora cuando haces esto, normalmente quieres hacer superposiciones que sean tonos neutros o como pastoreo o marrones. Pero también puedes hacer algo similar a esta capa donde estamos agregando calentamientos y enfrías. También puedes usar una superposición de textura que tenga algún color en ella. Nuevamente, esto es solo un poco de experimentación para ver qué funciona mejor para ti. He copiado mi superposición de textura y la he pegado en mi documento de pájaro. Esta textura es en realidad bastante grande, así que solo voy a redimensionarla solo hasta que consiga una buena cantidad de textura. Puedes hacer esto tan grande o tan pequeño como quieras cuando estás haciendo superposiciones de textura. Ahora de nuevo, sólo voy a elegir un modo de fusión. Esta vez voy a bajar la opacidad al 35 por ciento, y sólo estoy usando la flecha hacia abajo de mi teclado sólo para desplazarse por las opciones para ver si algo parece que podría funcionar. La superposición suele ser una opción bastante buena. Es solo agregar un poco de textura y simplemente hacer todo cohesivo. Pero también tenemos algunas otras opciones que parecen que podrían ser interesantes también. Realmente solo depende del efecto general que quieras obtener de tu ilustración. Si quieres tonificar un poco tus colores, vivir aquí abajo en saturación de tonalidad y color, suele ser un lugar bastante bueno para existir. A lo mejor bajar eso al 25 por ciento. Nuevamente, puedo apagar esto, puedo volver a encenderlo y puedo usar cualquiera de estos ajustes y combinación entre sí, para que pueda hacer una superposición de textura, y entonces tal vez también tenga mi saturación de matiz y brillo encendido. Simplemente toma un poco de juguetear para conseguir todo exactamente como lo quieres. Solo tienes que probar estas cosas y ver qué funciona mejor para tu ilustración. O si te sientes seguro de cómo se
ve tu ilustración sin ningún ajuste ni texturas, quédate con eso. No tienes que hacer ninguno de estos ajustes de última hora. Estos son solo para esos momentos en los que sientes que algo está un poco apagado, y tal vez solo necesitas hacer que tu ilustración sea un poco más cálida o más fría, o tal vez simplemente tonificarla un poco con un neutro. Dirígete al siguiente video y solo voy a hablar muy brevemente sobre obtener inspiración de la naturaleza cuando estás eligiendo tus paletas de colores.
10. Color desde la naturaleza: Tanto si eres un ilustrador de la naturaleza como si no, naturaleza proporciona las paletas de colores más inspiradoras. A medida que empieces a prestar atención a esos, te darás cuenta de que estás menos intimidado por el color. Snap fotos de la naturaleza siempre que estés fuera o
guarde fotos de la naturaleza que veas en Instagram o Pinterest o donde sea. Obviamente no necesariamente quieres dibujar directamente de las fotos de otra persona, pero puedes construir paletas de colores utilizándolas como referencia. También puedes construir palés de colores a partir de estos bits de inspiración y simplemente crear una biblioteca de ellas para momentos en los que necesitas una paleta de colores rápida y fácil, o cuando necesitas empezar a trabajar en un proyecto de ilustración y simplemente no estás seguro sobre los colores. Cuanto más notes el color y las relaciones entre los colores, más seguro te vas a sentir al usar el color. Es una práctica tan divertida solo para empezar a prestar atención a las paletas de colores en la naturaleza que hacen que tus globos oculares sean realmente felices, así que simplemente sal y diviértete con eso.
11. Reflexiones finales: Intimidado por el color, la mejor manera de ir más allá de ese sentimiento es practicando. Recuerda, paciencia y práctica. El único modo en que vas a mejorar haciendo cualquier cosa, en realidad, es siendo paciente y practicando. Pasa algún tiempo prestando atención a los colores que te atraen naturalmente,
especialmente a los colores en la naturaleza. Usa Photoshop o Procreate, o lo que sea que tu aplicación favorita sea para echar los ojos palets de color de fotos o ilustraciones, y realmente empezarás a entender las relaciones entre los colores, y las suposiciones que hacemos sobre el color que puede o no ser cierto. Puedes empezar a pensar en cómo puedes usar todas esas cosas en tu propio trabajo de ilustración. También puedes usar los trucos de comprobación de valor para ver cómo otros ilustradores, diseñadores y artistas, usan el valor para guiar la mirada alrededor de la pieza, y cualquier otra cosa que estén usando valor para transmitir realmente. Podrás empezar a construir tus propias paletas de colores inspiradas en la naturaleza. Usa esos en tu propio trabajo. Recuerda, aunque no seas un ilustrador de la naturaleza, aún
puedes inspirarte en el color de la naturaleza. Podrás combinar los colores que ves en la naturaleza, con lo que sabes de la teoría del color y construir hermosas paletas de colores cohesivas que harán bellas ilustraciones sin importar lo que estés dibujando. Gracias por ver esta clase. Si disfrutaste esto y quieres recibir correos
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