Transcripciones
1. Introducción: Creo que si estás creando algo, tienes que estar divirtiéndote. Oigan, todo el mundo. Yo soy Christoph, soy artista, ilustrador y diseñador. Al principio, empecé como pintor y artista tradicional en la universidad. Después descubrí el arte digital y la ilustración, y me di cuenta de todas las cosas divertidas locas que podías hacer con él. Mi sonido es muy gráfico y vibrante. Utilizo una combinación de colores, formas y texturas para mantener las cosas interesantes. En mi carrera, he realizado una amplia gama de trabajos desde identidades de marca para festivales de música, ilustrar para museos, e incluso diseñar para algunos cineastas increíbles. En esta clase, estaremos aprendiendo a llenar nuestras ilustraciones de energía y realmente llevándolas a la vida usando colores de algunas maneras divertidas y emocionantes. Para esta clase, vamos a estar usando Procreate para el iPad. Se trata de una aplicación de dibujo y pintura increíblemente simple, que te deja saltar directo a la creación. El mejor modo de aprender algo es usarlo en la práctica. Por lo que hoy, vamos a estar haciendo una ilustración de nuestro personaje favorito de televisión o cine. Lo que estoy enseñando hoy es más de un fundamental, que de la habilidad. Entonces lo que aprendas aquí, puede aplicarse a cualquier otra parte de tu trabajo. Creo que cualquiera que ame crear y traer nuevas ideas e historias al mundo, puede quitarle algo a esta clase. Estoy tan emocionado de que te unes a la clase. No puedo esperar a ver las impresionantes ilustraciones con las que se te ocurre. Ahora, empecemos.
2. El proyecto: El proyecto para la clase de hoy es hacer una ilustración de tu personaje favorito de TV o película. Este proyecto es un gran lugar para empezar para cualquiera ya que es bastante fácil de entrar. Incorporar algo que te gusta es una gran manera de aprender algo nuevo. Te mantiene motivado y emocionado por terminar el proyecto. La mayor parte de mi arte está inspirado en la televisión, las películas y la música. En realidad descubrí el estilo que tengo ahora durante el arte de Juego de Tronos. Para esta clase, estaré usando Procreate. Esa es mi aplicación de hacer arte go-to ya que es simple y fácil de usar. También es muy potente y tiene algunas herramientas geniales. Si no cuentas con Procreate, puedes seguir adelante en cualquier otro programa de arte que tengas. Algunos consejos antes de empezar. Número 1, elige un personaje icónico. Esto ayudará a cruzar tu punto de vista y a dejar que otras personas sepan quién es el personaje. Punta número 2, tómalo con calma. Intenta comenzar con algo sencillo que sepas que puedes terminar. Es realmente divertido dibujar a estos personajes con peinados locos, diseños
increíblemente detallados, pero si haces demasiado trabajo para
ti, es posible que no tengas el tiempo y la energía para terminarlo. Soy muy culpable de esto, y por eso tengo toneladas de dibujos sin terminar. Consejo número 3, toca algo de música o incluso ve un programa de televisión o película de tu personaje es. Podría ayudarte a conseguir algunas ideas, o al menos, ponerte de buen humor. Ten en cuenta estos pasos y lo harás bien. Asegúrate de consultar la descripción del proyecto para obtener más detalles. También he incluido una paleta de colores inicial para que experimentes. Te veré en la siguiente lección.
3. Selección de fotos de referencia: En este video, voy a estar dando algunos consejos sobre cómo elegir buenas fotos de referencia para tus ilustraciones. En primer lugar es la legibilidad y la silueta. Esto es importante para que cuando la gente vea tu trabajo, sepan lo que están mirando de inmediato. Podrán obtener el mensaje que intentas transmitir. Aquí te dejamos algunas preguntas que hacerte, ¿
puedes leer la imagen como una miniatura? Si entrecerras los ojos, ¿la imagen aún tiene sentido? Segundo es la iluminación. El foto de referencia debe tener buen contraste e iluminación. Esto es importante porque la luz es lo principal que describe la forma del sujeto. La luz nos muestra la forma del rostro y sus rasgos. Una foto mal iluminada no nos da tanta información visual con la que trabajar, y nuestro dibujo termina luciendo plano y poco interesante. Último es la resolución de la foto. En la medida de lo posible, trate de encontrar una imagen de mayor resolución. Esto nos ayuda a echar un vistazo más de cerca a los detalles y nos da más información visual. Esto es especialmente útil cuando estás trabajando en tamaños de lienzo más grandes.
4. Bocetado: En este video, vamos a estar dibujando y construyendo el marco de nuestra composición ilustrativa. Vamos a empezar dibujando algunas miniaturas. Estos son dibujos que nos ayudan a descifrar la composición que queremos para nuestra ilustración. Esto será bastante sencillo y sencillo, ya que estamos dibujando un retrato. La mayoría de mis dibujos tienden a estar compuestos simétricamente y bastante de cerca, por lo que podemos ver más del rostro del sujeto, ya que ahí es donde se encuentra la mayor parte del movimiento y el carácter. Una vez que consigamos nuestra composición en un buen lugar, podemos empezar a construir más nuestro dibujo. Al hacer bocetos, comienza usando formas simples y pensando en tu sujeto como un montón de formas tridimensionales juntas. Entender cómo los objetos 3D se traducen en imágenes 2D, hará que tus dibujos sean más realistas e interesantes. A mí me gusta traer mi foto de referencia al lienzo y meter los hitos faciales del sujeto para conseguir una mejor semejanza. Una vez que tengamos nuestro boceto en bruto hecho, encienda la opacidad de capa y haga una nueva capa en la parte superior. Vamos a hacer boceto más limpio usando una versión aproximada como guía. Repasa tu dibujo y refina las formas con líneas más deliberadas. Puedes repetir este proceso varias veces, refinando aún más tu dibujo cada vez. Pero me gusta afinar mi dibujo sólo una vez, así que llegamos a mantener toda la holgadeza y energía de nuestro boceto. Encuentro que cuanto más refino mi boceto, más rancio y robótico termina siendo el dibujo. Sólo recuerda, manténgalo sencillo y suelto. Ahora estamos listos para empezar a entintar. Te veré en el siguiente video.
5. Arte de línea: Hey, bienvenido de nuevo. Ya tenemos nuestro boceto hecho y está listo para ser entintado. Tengo dos cosas que me gusta tener en cuenta al dibujar mi liner y eso es peso de línea y calidad de línea. Cuando hablo de peso de línea, estoy hablando del grosor y delgadez de nuestras líneas. Podemos usar la variación en el peso de línea para darle una sensación de profundidad y peso a un dibujo de otra manera plano. Tiendo a hacer líneas más gruesas y
pesadas alrededor de las esquinas y curvas, ya que esas son típicamente donde las sombras tienden a formarse. Nuevamente, todo se remonta a la luz y a la forma en que interactúa con su sujeto. La calidad de línea te ayuda a describir la textura, la
luz y el movimiento dentro del dibujo. calidad de línea se refiere a la forma en que dibujas tus líneas. ¿ Son rectas, curvas, angulares, lisas, rugosas, nuevas varias líneas o tan pocas como sea posible. Las líneas que decidas usar, marcan el tono para toda tu pieza. Por ejemplo, si quieres que el espectador se sienta tranquilo y a gusto, normalmente
dibujarías tu línea lenta y deliberadamente y utilizarías líneas lisas y curvas, bordes menos duros. Para una ilustración con mucha acción, dibujarías con trazos
más rápidos, más dentados y probablemente
usarías muchas líneas para ayudar a enfatizar la energía en tu dibujo. Cada trazo individual dice algo no sólo de tu obra de arte, sino también de ti como artista. Tómese un tiempo para mirar a través de sus dibujos anteriores y estudiar qué líneas utilizó. Entonces piensa en lo que habrías hecho de manera diferente. Te sorprenderás de lo mucho que puedes aprender de ti mismo y de tu arte.
6. ¡Momento de colorear!: Ahora por el pan y la mantequilla de la lección de hoy. En este video, vamos a estar dando vida a nuestra ilustración con color. Empecemos rellenando con color nuestras principales áreas. También mezcle tanto la herramienta de lazazo como la herramienta de pincel. Los colores que empieces dentro de esta etapa no importan tanto. Los vamos a estar cambiando en un rato. Llenemos nuestro carácter y los antecedentes. Una vez que tengamos rellenada nuestra capa de color principal, empecemos a bloquear las diferentes áreas de nuestro personaje. Haz una nueva capa encima de nuestra capa de color principal y configúrela la máscara de recorte. Esto nos permitirá dibujar en una capa separada a vez que estamos constreñidos a nuestra capa principal. Usa un color diferente para esta capa. Repita hasta que se llenen todos los bloques de color. Elegir tus colores. Empecé con dos colores principales diferentes que se complementan bien entre sí. No entraré demasiado en la teoría del color ya que no la uso mucho yo mismo. Pero una cosa buena a saber, es qué colores se complementan entre sí. Por lo general son opuestos en la rueda de color. A mí me gusta ir a través y un poco a la izquierda o a la derecha. También querrás que uno de tus colores sea más oscuro que el otro. Esto ayuda a agregar contraste a la ilustración. Algunos tonos son intrínsecamente más brillantes u oscuros que otros. En realidad es una división limpia por el medio. Tomemos por ejemplo, un tono amarillo contra un tono azul profundo. Están a la misma ligereza y saturación, pero cuando los ponemos uno al lado del otro y los desaturamos, azul es mucho más oscuro que el amarillo. Ten esto en cuenta para ayudarte a equilibrar tus colores. Al componer colores, típicamente tengo dos o tres áreas principales de color. Dentro de esas áreas, utilizo colores gratuitos o análogos. Quieres usar el contraste para dibujar la mirada del espectador hacia algo, por lo que la parte de tu ilustración con más contraste debe ser donde intentas que se vean. Por lo general para mí, esa es la cara. Una de las herramientas más importantes a utilizar a la hora de elegir tus colores es un ajuste de saturación de tonalidad y brillo. Cuando establezcas un color, usa esta herramienta para afinar bien o trata de un color completamente diferente. Otra cosa que me gusta hacer para probar algunas nuevas combinaciones de colores, es duplicar todas mis capas de color y combinarlas, después experimentar con la herramienta de tonalidad y saturación. Esta es una forma fácil y divertida de descubrir nuevas combinaciones que no habrías pensado. Te sugiero probar algunas de estas combinaciones hasta que te vean bien. Esto te ayudará a desarrollar tu propio estilo de coloración. Recuerda mantener
separadas tus capas de bloqueo de color originales y usa una capa combinada como guía para que elijas el color. Además, todo el punto de la clase es que trate usar diferentes colores que normalmente no usarías, así que no tengas miedo de experimentar. Si estás teniendo algunos problemas con esta parte de la lección al principio, he incluido una paleta de colores llena de mis colores más usados para que pruebes. Ahora que tenemos listos nuestros colores principales, es hora de pintar. Te veré en el siguiente video.
7. Pintura: Enhorabuena por llegar hasta aquí. En este video, te estaré mostrando cómo tomar los colores que hemos trazado y hacer que
se salgan de la página usando luces y sombras. Empiezo el proceso de pintura con sombras simples, creo una nueva capa encima de la capa de color principal, y cambio la máscara de recorte. Empecemos con nuestra piel de personaje. Por regla general uso, las sombras son más frías, más oscuras y menos saturadas mientras que los reflejos son más cálidos, claros y más saturados. Para obtener un color de sombreado, selecciono el color base, abro la rueda de color, tire de la selección hacia abajo, haciéndola más oscura, y un poco hacia el medio, desaturándolo un poco, luego arrastra el anillo de color exterior un poco hacia el lado azul. No te pongas demasiado oscuro ni lo desatures porque vamos a volver a pasar por este proceso. Trae tu foto de referencia y averigua de dónde viene tu fuente de luz principal. Busca los principales trozos de sombras y rellena esos. Para esta etapa, estaremos usando un pincel de entintado sólido para mantener nuestras sombras más definidas. No hace falta que esté demasiado limpio o perfecto porque lo volveremos a repasar más tarde. Una vez que tengas tus sombras principales abajo, estaremos entrando con algo de iluminación. Crea una nueva capa. Todavía debe estar dentro de tu máscara de recorte. Selecciona tu color base una vez más, agrega algo de saturación, hazlo más ligero y arrastra el anillo exterior hacia los amarillos para los cyans dependiendo de dónde estés en la rueda de color. Empieza a trazar en algunos de los aspectos más destacados con tu arbusto sólido, luego cambia al pincel más suave más pictórico y suaviza algunos de los bordes del corazón. En cualquier momento del proceso de pintura, intenta seleccionar una de tus capas de sombra o iluminación y juega con la herramienta de tono y saturación. Ajustar y ajustar constantemente los colores es una parte muy importante del proceso de pintura. Una vez que tus reflejos estén en un buen lugar, vamos a volver a nuestras sombras. Esta vez, selecciona tu color de sombra, y vamos a repetir el proceso que teníamos antes, hazlo más oscuro y fresco, pero esta vez no vamos a desaturar. Nuevamente, usando tu foto de referencia, mira qué partes de las sombras son más oscuras. Por lo general son más oscuros y más intensos donde las partes o rasgos del cuerpo se están cubriendo o tocando entre sí. En la cara, suele estar debajo de la nariz, los pómulos, entre los labios, alrededor de los ojos y párpados, y dentro de los oídos. Lo que estamos haciendo es construir lentamente nuestras luces y sombras a nuestra imagen. Volvamos a los aspectos más destacados. Nuevamente, seleccione nuestro primer color de resaltado, y repita el proceso. Recuerda, siempre sigue mirando hacia atrás a tu foto de referencia. Ahora que hemos bloqueado y después pintado la mayor parte de nuestra imagen, volvamos a la herramienta de esponja y refinemos nuestra pintura. Es importante no ensuciar demasiado, de lo contrario, estarás desdibujando todo el detalle y la definición en la que pintaste. En su mayor parte, vas a querer mantener esos bordes del corazón y solo manchar las superficies blandas. Las superficies blandas son partes de la piel que no se pliegan ni se pliegan mucho. Algunas de las superficies blandas más comunes van a ser la frente, parte superior de la nariz, y las mejillas. Usa la herramienta de esponja con moderación. Una vez que lo hayamos hecho, vamos a sumar algunos reflejos y sombras detallados. Estos serán nuestros reflejos más brillantes y nuestras sombras más oscuras. Para los aspectos más destacados, me gusta agregar en llantas luces con colores saturados realmente brillantes. Estos pueden ser de tu color base o de un color diferente por completo. Dibuja a lo largo de algunos de los bordes de tu dibujo, tratando de mantener tu fuente de luz en línea. Encuentro que estos funcionan muy bien, sobre todo si los agregas justo al lado de tus colores más oscuros. Eso trae mucho contraste e interés a tu pieza. Entonces puedes entrar con blanco puro. Pero uso esto con moderación. Menos es más. Me gusta agregar en blancos alrededor de los bordes a la nariz, alrededor de los párpados, y en las esquinas de la boca. Nuestras sombras más oscuras actuarán en su mayoría como acentos que enfatizan los aumentos de pliegues que no obtienen mucha capa. Ahora que tenemos dibujado a nuestro personaje, vamos a estar buscando maneras de realmente sacar a personalidad de
un personaje en este próximo video. Te veré ahí.
8. Agrega elementos de diseño: [ MÚSICA] Ahora, que tenemos la mayor parte de nuestra pintura hecha, es hora de agregar algunos elementos de diseño. Piensa en la película o muestra de tu personaje de. Vamos a estar usando esto para agregar algunos huevos de Pascua a nuestro dibujo. Esto puede ser parte de la historia del personaje, su personalidad, una broma interna, cualquier cosa memorable. Selecciono espolvorear en líneas o citas del programa de televisión. Algunas cosas icónicas que he elegido para este proyecto son alienígenas, una linterna, las cintas X Mulder a su ventana, y un OVNI. Cuando hago estos dibujos para el fondo, me gusta hacerlos muy sueltos y sencillos, casi infantiles. [ MÚSICA] Una vez que se hagan esos, empecemos a trabajar en el fondo. Me gusta usar patrones, formas, texturas, trazos de pincel
grande, y color para realzar nuestra ilustración. Me gusta pegarme a cuatro o cinco colores diferentes para un fondo. Intenta usar uno o dos colores que utilizamos para un personaje. Ayuda a atar la imagen. Utilizo estos elementos de diseño como una forma de equilibrar la composición de nuestro dibujo. Si un lado empieza a sentirse un poco pesado, equilibrarlo agregando algo del otro lado. Piénsalo como una escala. Si tuviste demasiado a un lado, tu dibujo sentirá como si estuviera volcando. Esto es importante porque tu composición da forma a la forma en que el espectador experimenta tu trabajo. Ahí, lo tienes. Obra de arte terminada, lista para presumir ante tus amigos, familiares, y el resto del mundo.
9. Reflexiones finales: Tú lo lograste. Enhorabuena. Me alegra tanto que decidieras unirte a mí para la clase de hoy. Cubrimos todo, desde bocetos hasta colorear hasta detalles finales. Si hay algo que espero que te quites de esta clase es divertirte y experimentar. Prueba cosas nuevas, es como debe ser. Sube tu dibujo a la galería de proyectos en la página de la clase. De esa manera llegas a compartir tu amor por el show o película con todos los demás. no hablar, presumir de sus grandes nuevas habilidades de arte. Si disfrutas de esta clase tanto como me encanta hacerla, deja una reseña. Esto me ayudará mucho cuando haga aún mejor la siguiente clase. Además, deja algunas sugerencias para nuevos temas de clase que te gustaría ver. Asegúrate de seguir mi perfil para más actualizaciones. Te veré la próxima vez.
