Transcripciones
1. Introducción: Trabajo en acuarela y gouache, y me gusta pintar animales lindos en piezas de textura complejas detalladas. Hola, soy Vanessa. Soy ilustrador, y hoy estaremos hablando de gouache. Yo uso gouache de manera diferente a muchos artistas. A mí me gusta regarlo para que actúe más como acuarela. Esto me permite tener el efecto de la acuarela sin los inconvenientes. Entonces, en lugar de conseguir ese efecto rayado que tiene la acuarela, gouache llenará toda una forma sólida la cual funcionó particularmente bien con la forma en que me gusta pintar en capas. Ahí en la clase, te guiaré por todo
mi proceso por cómo creo mis ilustraciones. Cubriremos consejos para pintar con gouache como cómo conseguir líneas limpias por capas, cómo evitar puntos calientes por secado, e incluso cómo ajustar para el cambio en la humedad. Cubriremos consejos para esbozar a tu personaje, sacar colores en Photoshop, luego sumergirte directamente en probar nuestros colores, colocar lavados y agregar detalles finales. Este proyecto es una buena manera de
saltar rápidamente a algunas de estas técnicas sin preocuparse por detalles complicados, pero también diviértete diseñando un personaje que represente algo que te pueda gustar. Espero que te alejes de esta clase con una mejor comprensión de cómo usar gouache que puedes usar para hacer tus propias pequeñas ilustraciones lindas. Me emociona mostrarles mi proceso. Empecemos.
2. Trabajar con gouache: Entonces, las principales herramientas que utilizo son pintura, paletas, pinceles y papel. Entonces, la pintura que uso es una vez gouache excepto mi negro que es acuarela. Hago esto porque es un poco más transparente y es una preferencia personal. Puedes usar gouache para todo el asunto si quieres. Tengo alrededor de 20 pinturas pero en realidad solo necesitas ocho colores para conseguir la mayoría de los colores que alguna vez querrías crear, un rojo cálido y fresco, un azul cálido y fresco, un amarillo cálido y fresco, y luego blanco y negro. No creo que necesites nada elegante para tus paletas, estas son solo unas baratas que me dieron por un par de dólares. Tiendo a guardar mis pinturas y mis paletas todo el tiempo. Esto es parcialmente por pereza pero también porque es más económico porque la pintura puede estar realmente húmeda. No tienes que usar pintura fresca cada vez. Los colores que mayormente vas a estar usando, debes tener esos sean frescos pero el resto puede ser viejo y realmente no importa. Aquí tienes una de las ventajas del lavado de tinta
acuarela, las pinturas a base de agua es que son re-mojables pero ten cuidado porque no toda la pintura es re-mojable. Por ejemplo, el lavado acrílico no es re-mojable. Entonces, prueba para asegurarte de que tu pintura se pueda volver a mojar después de que esté puesta antes de intentar hacer esto con tus paletas o de lo contrario tendrás que conseguir nuevas paletas. Realmente solo uso dos pinceles, un cepillo de tamaño mediano ligeramente cónico y luego un pincel de detalle más pequeño. Puedo hacer prácticamente cada forma que hago casi todas mis piezas solo uso estos dos pinceles. El último pedazo es mi papel de acuarela. Elijo usar bloques de acuarela de arcos, que son un manojo de trozos de papel todos pegados juntos en un cubo. Esto ayuda a evitar que el papel se deforme mientras pintas. Si no optas por usar bloques de acuarela, puedes usar otro tipo de papel de acuarela. Ahí afuera hay un montón de tipos pero si usas hojas planas, tienes que estirar el papel de acuarela, que significa que tienes que mojar todo el asunto y pegarlo en los bordes para que te guste un tablero de ilustración de acuarela. Si quieres conocer más sobre cómo hacerlo, esto consulta los recursos. Si optas por comprar un bloque de acuarela, el primer paso que tienes que hacer al abrirlo es quitar este trozo de papel negro que está en la parte superior. La forma en que haces esto es usar un cuchillo de paleta o simplemente un cuchillo normal, y mételo aquí y luego simplemente
sácalo así. Entonces, hay tres componentes para pintar gouache, agua, pintura, y tiempo. Todo se trata de cuánto de cada uno de esos que tienes. Entonces, quieres asegurarte de que tengas un buen equilibrio entre tu pintura y tu agua y con qué rapidez o lentitud aplicas la pintura va a afectar la consistencia general de la forma y también tu capacidad para pintar limpiamente en capas . gouache está pensado para ser utilizado con la consistencia de pintura helado
derretido pero eso es demasiado grueso para pintar de la manera que lo hago. Entonces, rego mi gouache hacia abajo para que se parezca más a la acuarela. Te mostraré cómo obtener una buena consistencia para bonitas capas pareadas. Entonces, me gusta mezclar. Pintaré un poco más grueso primero y luego le agregaré agua. Entonces, para intentar volver a agregar pintura al agua una vez que ya tengas obtén liquidez. Entonces, empieza más grueso y ve más ligero a medida que vas, y puedes probar en tu papel. Entonces, quieres ese tipo de consistencia. Se quiere poder ver un poco diminutas motas del papel viniendo. Eso se está poniendo demasiado delgado. Eso es demasiado ligero. Eso es un poco demasiado grueso pero esa es la consistencia perfecta, y la forma en que lo haces es por la cantidad de pintura y agua que tienes en tu pincel. Entonces, no quieres tener demasiada agua también terminan así y no quieres tener demasiado poco terminar así,
y lo rápido que la apliques lo hará más parejo. Entonces, ese es el tercer componente que es el tiempo, así. Entonces, una vez que pones un color plano, no
quieres meterte con él porque si lo
haces obtienes algo que se llama punto caliente, que es donde intentas aplicar pintura a un área donde ya has aplicado pintura pero no está completamente seco. Conseguirás un poco de relámpago. Es difícil de ver probablemente pero obtendrás un poco de aligeramiento en estos bordes. Entonces, si intentas meterte demasiado con la superficie superior, empezarás a levantar la pintura, y si miras de cerca puedes ver que esta zona de
la parte inferior es más ligera que la de la parte superior. Eso se debe a que la pintura que ya estaba ahí ha sido levantada por el agua de mi pincel. Esto creará en realidad una sección más ligera permanente. No importa cuántas capas de pintura te pongas después, no puedes deshacerte de ella. Entonces, realmente lo mejor es simplemente pintar una forma de color y dejarla sola y solo ser paciente y luego obtendrás un color que te guste al final. Aquí te dejamos un claro ejemplo de este concepto. Pinté primero esta plaza azul y luego volví a entrar y traté
de pintar encima de ella en esta esquina pero no hizo nada que quisiera y solo aclaró el color, razón por la
cual tengo un encendedor aquí abajo. Esto sucederá en cualquier momento que intentes meterte con pintura que no esté completamente seca. Por lo tanto, deja que tu pintura se seque completamente antes de pasar a capas cualquier cosa encima de ella. Un gran factor que afecta el tiempo de secado es la humedad de tu habitación. Personalmente tengo estos pequeños lectores de humedad. Esto se debe a que soy un nerd total y me
importa mucho el hale húmedo está en mi habitación porque realmente afecta mi pintura. Esta cosa me dice que al 64 por ciento aquí dentro que es bastante alto. Entonces, eso significa que todo va a tardar más en pintar. El motivo es porque hay más humedad en el aire, que se mete en tu papel y también se mete justo en tu pintura. Entonces, cuando hay más humedad en el aire, la humedad en tu pintura tarda más en secarse. Entonces, solo tienes que ser un poco más paciente cuando está húmedo. Si está realmente, realmente seco, lo que recomiendo es tener una toalla de papel húmeda apenas ligeramente encima de tu pintura y entre capas. Entonces, deja que cada capa se seque completamente, luego coloca la toalla de papel húmeda hacia abajo durante dos segundos o así y luego intenta hacer la siguiente capa. Te da más tiempo porque la cantidad de tiempo que tarda en
secarse es también lo rápida o lentamente que puedes rellenar formas. Entonces, es más fácil pintar cuando está húmedo rellenar formas pero más difícil esperar a que cada forma se seque. Entonces, este paso totalmente no es necesario pero si quieres empollar como yo, conseguí este pequeño lector de humedad fuera de Amazon por $5 o $7 y es una pequeña herramienta realmente cool para saber cómo está la humedad en tu habitación. Yo personalmente prefiero tener la humedad alrededor del 45 al 50 por ciento. Eso es sólo una preferencia personal porque siento que me da la mayor cantidad de tiempo para planchar en cada forma pero no tanto más tiempo de lo que estoy sentado ahí todo el día esperando
que se seque pero porque realmente es humedad aquí dentro, definitivamente va a llevar más tiempo. Entonces, otra cosa a tener en cuenta cuando es realmente húmedo es que tu pintura querrá extenderse un poco más sobre el papel porque
el propio papel tiene un poco más de humedad en él. Entonces, una buena manera de moverse por esto es simplemente espesar tu pintura un poquito. Entonces, no agregues tanta agua. Creo que es una buena idea simplemente experimentar con esto, pintar algunas pequeñas muestras en un pedazo de papel áspero solo para conseguir y sentir la cantidad de agua que debes estar agregando en base a lo húmedo que es el día. Entonces, ahora te mostraré algunos consejos para cómo rellenar formas. El primero es que es tu tentación cada vez que
tienes un cuadrado para delinearlo pero no quieres
hacerlo con ningún medio a base de agua porque un lado empezará a secarse antes el otro y obtendrás un contorno alrededor del forma entera la cual no quieres. Entonces, lo que necesitas hacer con todas las formas es escoger un lado y moverte al otro lado. Siempre empiezo por la izquierda porque soy diestro y de esa manera no estoy metiendo la mano en mi pintura. Entonces, solo escogeré una esquina y me mudaré de esa esquina hacia afuera. Puedes hacer barritas como esta, la parte superior e inferior pero no vayas demasiado lejos en la forma y de esa manera cuando recojas más pintura, puedes agregar en donde estuviste por última vez. Muévete de un lado a otro, así. Entonces, lo mismo es cierto aunque no estés pintando un cuadrado. Si estás pintando una forma extraña, aún
tienes que escoger un lado y luego pasar de ese lado al otro y tienes que elegir por dónde empezar y seguir adelante con ella, tratando de mantener tan pocas áreas como esta abiertas por sí mismas. Quieres básicamente mantener tu borde que se mueve hacia el otro lado mojado, no
quieres que se seque porque si se seca, entonces consigues esos puntos calientes de los que te hablé. Necesitas tener toda la zona con la que estás trabajando estar mojada, eso hace que toda la forma se mantenga uniforme cuando termines. Esto puede sentirse contador intuitivo debido a la forma en que te enseñan en la escuela primaria para delinear una forma antes de llenarla pero si puedes romper ese hábito, al final tendrás formas mucho más limpias. En el lado opuesto cuando quieres pintar alrededor de la forma, tienes que elegir qué dirección ir y quieres mantener ambos lados lo más mojados posible como lo haces. Entonces, aquí hay una buena manera de hacer eso. Empiezas en una esquina como antes e intentas mover cada lado de ida y vuelta. Entonces, mueves un poco este lado, luego vuelves y mueves el otro lado de él, luego vuelves aquí y te mueves un poco aquí. Si esperas entre los dos lados, mantiene ese borde mojado, que es lo que necesitas. Es como si tiraras la pintura a través del papel, de un lado de la forma al otro. Para recapitular, las tres cosas en las que hay que pensar son la pintura, el agua y el tiempo. Te habrías dado cuenta de que tengo que pintar bastante rápido como para mantener ese filo de lo que estaba hablando mojado a medida que te mueves. No quieres que ese lado se seque. Entonces, hay que pintar cada forma con bastante rapidez. Cual es la razón por la que cuando comienzas por primera vez, probablemente
quieras tener formas bastante medianas. Hace que sea más fácil pintar si no son demasiado pequeños o demasiado grandes. Para este último consejo, te mostraré los beneficios de estratificar pintura versus pintar formas al lado del otro. Creé estos dos bloques de color de antemano y
los dejé secar para mostrarte lo que quiero decir de la pintura en capas. Entonces, si pongo un rectángulo aquí junto a este otro rectángulo. Si no consigues esas formas perfectas una junto a la otra, posible que empieces a notar que hay esta línea oscura apareciendo entre las dos formas. Esta zona es marrón, azul pero este es de color marrón verdoso que está apareciendo en el medio. Eso se debe a que la acuarela y el gouache son medios transparentes. Significa que son muy liquidez y delgadas, por lo que se pueden ver las capas de otra pintura debajo. Entonces, decidí tratar de usar esta propiedad de acuarela y gouache a mi beneficio. Entonces, en lugar de hacer eso donde consigo esa línea, en lugar de pintar encima y si haces esto, todo
el rectángulo es el color de esa línea, pero significa que no tienes una línea entre las formas en absoluto. Significa que obtienes formas bonitas y limpias para todos tus colores. Desarrollé este proceso un poco por
necesidad porque naturalmente tengo manos muy inestables, así que no podía confiar en mí mismo para pintar dos formas una
al lado de la otra sin meter esa línea en el medio. Entonces, esta fue mi solución para lidiar con el problema. Algo a tener en cuenta cuando este proceso de estratificación es que cambia un poco el color. Entonces, si miras a este marrón, este marrón es mucho más vibrante y brillante que este marrón porque ha sido estratificado encima del azul. Entonces, ves un poquito del azul debajo. Esto significa que hay que pensar un poco cómo trabajar con colores complementarios. Echemos un vistazo a cómo interactúa el azul con un color de cortesía como el amarillo. Primero, agreguemos amarillo justo al lado del azul y luego para comparar, pintemos el amarillo en la parte superior. Como puedes ver de inmediato, este amarillo no es el amarillo brillante pero es decir,
es un amarillo mucho más tenue que le tiene un poco de tinte azul-verde. Entonces, si quieres pintar un color realmente brillante, tienes que pintar esos por separado por cómo interactúan los colores y cambian a medida que los capas, puede ser útil probarlos.
3. Materiales y boceto: Antes de empezar, echemos un vistazo a los materiales que uso para mi proceso. Por lo que las herramientas esenciales que necesitas son la pintura, una paleta para mezclar tu pintura, papel de
acuarela, pinceles de pintura, y tanto un medio como un pequeño para los detalles, y esbozar materiales. Las otras herramientas que utilizo son papel carbono, y cinta para transferir, y un bolígrafo de gel blanco para correcciones. Estaremos sumergiéndonos más profundamente en todos estos más adelante en el proceso. Empecemos con el primer paso, que es el thumbnailing y el sketching. Por lo que hay tres pasos para este proceso. El primer paso es miniaturas más o menos en mi cuaderno de bocetos. El segundo paso es imprimir esos bocetos muy ligeramente en papel de impresora, y luego usar un lápiz mecánico para rellenar esos bocetos con más detalle. Hago este proceso de tres pasos porque me permite llegar
a un buen gesto que me gusta, luego refinar ese gesto sin perder el gesto original borrando todo el asunto. Cuando estoy pulgar, me gusta enfocarme en el gesto y la forma general. No me gusta empantanarme con los detalles en este punto en absoluto, así que tiendo a hacerlos bastante pequeños, y hacer un montón de ellos muy rápido. Entonces las piezas con las que elegí ir fueron las que pensé que tenían la composición más fuerte, las formas más fuertes, y parecían piezas que serían las más divertidas de pintar. Entonces una vez elegí los seis que me gustaron, los traje a mi computadora, los volé, y luego los imprimí muy a la ligera, así que tuve un esquema en el que trabajar para el siguiente paso. Una vez que tenemos el contorno, solo
tenemos que trazar sobre él para obtener el boceto final. Esto me permite probar diferentes ideas, y si no me gustan, sólo
puedo borrarlas, y aún así tener el gesto original y bosquejo ahí para trabajar. Se resuelve ese problema milenario que tienen todos los artistas donde les gusta mejor el gesto y el boceto original que la final. Esto te permite probar un montón de cosas sin perder lo que te gustó de tu dibujo original. Hice estos seis aquí, y elegí éste porque me gusta más el gesto. Ahora, que tenemos el boceto final, podemos pasar al desbaste de color.
4. Color Roughing: Entonces, ahora que tenemos nuestro boceto, antes de sumergirnos en la pintura, es bueno hacer un color áspero. Entonces, cuando digo color rugoso, me refiero solo a un plan de los colores que vas a usar para tu pintura final. Hay muchas formas diferentes de color rugoso, elijo un color rugoso digitalmente en Photoshop, solo porque es una herramienta que ya tenemos y me resulta más fácil, pero también puedes colorear rugoso a mano, o puedes colorear áspera en app como Procreate, realmente depende de ti. Todo el punto de esto es solo para conseguir colores que te gusten. Entonces, qué colores vas a usar antes de pintar la final. Otra gran ventaja de este paso
es, que permite probar muchos colores todos juntos en múltiples iteraciones diferentes, lo cual es realmente bueno para el trabajo del cliente. los clientes les gusta mucho ver múltiples opciones de una pintura y de esa manera les estamos dando tantas opciones como sea posible, y digital creo que es una gran manera de hacerlo porque te permite probar muchas cosas muy rápidamente. Entonces, sumémonos y empecemos a elegir nuestros colores. Entonces, me gusta tomar mi boceto y ponerlo como mi primera capa en Photoshop. Esto es para que pueda configurarlo para multiplicarse, y ver todos mis colores debajo mientras trabajo, y mantengo el fondo blanco porque el fondo de esta pintura va a ser blanco. Entonces, no necesito otro color ahí. Realmente no hay orden ni preferencia para armar las cosas, solo
me gusta empezar con el color que creo que es más importante que para mí es el color zorro. Entonces, para las formas grandes, me gusta usar la herramienta de la herramienta de lazazo solo porque es muy rápido llenar las cosas, y realmente no necesitas ser demasiado perfecto con esto, solo
quieres poder bloquear en tus colores realmente aproximadamente. Usé el cubo para llenar eso, y si es algo que quiero ser un poco más limpio, puedo pintar un poco más en forma. me gusta hacer diferentes capas para cada color porque esto me permite cambiar solo ese color y no tener que preocuparme por que el resto de la pieza cambie. Entonces, un buen recurso para mejorar en el uso del color es un sitio web llamado Kuler y hay otro que se llama Color-Collective, que ambos son realmente buenos sitios que solo tienen muchos colores
diferentes que son buena inspiración, buen lugar para empezar si te sientes atascado en qué tipo de colores usar. No hay una forma correcta o incorrecta de colorear áspera, solo
se trata de bajar los colores para que sepas dónde vas cuando vas a estar pintando tu pintura final. Y otra cosa a tener en cuenta es que los colores digitales son siempre tan ligeramente diferentes a los que son los colores que puedes crear con pintura real. No seas demasiado perfecto al respecto y no te preocupes demasiado, es solo para darte un guía. No tienes que usar un [inaudible] para hacer esto si no tienes uno, es mucho más fácil y más rápido, pero también puedes usar un ratón para trazar las formas con la herramienta de lazazo si quieres. Entonces, ahora solo voy a llenar el resto de las formas básicas. Entonces ahora que tenemos las formas básicas, puedo volver a entrar y agregar los detalles. Y para los detalles, en su mayoría solo quiero
decirme una idea básica de dónde van a estar las cosas. Entonces me gusta agregar pequeñas líneas al pelaje de mi animal, pero no necesito saber exactamente dónde va a estar cada línea. Esta es solo una idea áspera para hacerme saber, recuerda poner líneas aquí. De acuerdo, ahora que nos hemos asentado en los colores, imprimamos esto y
usemos esto como guía. El siguiente paso es que te mostraré cómo transferir el boceto al papel de acuarela.
5. Transferencia: Ahora que tienes tu boceto final, lo
vamos a transferir a nuestro papel de acuarela. Entonces, para transferir nuestro boceto a papel de acuarela, vamos a usar papel carbono, que es solo una fina pieza de papel de seda con grafito en un lado. Entonces, para pegarlo en tu papel, vas a usar cinta de artista,
que es una cinta que es menos pegajosa de lo que sería la cinta normal. También me gusta quitarme un poco aquí y ponerlo en mi mano para que sea menos pegajoso. Entonces, solo voy así, solo para que sea un poco menos pegajoso, para que así, te lo puedes quitar de tu papel y tu papel de transferencia sin arruinar ninguno de ellos, porque esto es reutilizable muchas veces, he tuvo esto durante cinco años. Entonces, todo lo que haces es darle la vuelta, y lo cinta en la parte trasera porque cada vez que estás presionando en el frente, tienes el potencial de dejar marcas con las manos. Entonces, estás tratando de evitar nada, porque este material no se borra particularmente bien, y así, quieres asegurarte de que no lo presionas más de lo que tienes que hacer. La otra cosa que me gusta hacer es que me gusta arrancar mi foto, y la razón por la que hago esto es, para que así, pueda ver la mayor cantidad de espacio posible alrededor de mi imagen. Entonces, eso me ayuda a saber dónde colocarlo en el papel, porque no se puede ver muy bien. Entonces, eso me ayuda a saber cuánto espacio dejar alrededor del dibujo. Entonces, lo que haces es tomar algo de eso, tomar más de esto, y puedo ver donde quiero colocarlo, y luego simplemente pegarlo. Entonces, cómo funciona esto es que tienes tu papel de impresora
encima del papel carbón encima del papel de acuarela. El motivo por el que tienes eso es porque el papel carbón tiene grafito en un lado, por lo que de esa manera al aplicar presión a
esto, transfiere mágicamente el dibujo al papel de color agua debajo. Para transferir tu dibujo, me gusta usar un bolígrafo. Realmente no importa qué tipo de bolígrafo uses, siempre y cuando tenga una punta lo suficientemente dura que no puede ser un bolígrafo de fieltro. Yo uso pluma en lugar de lápiz porque, esa manera, en realidad se puede ver qué partes ya transferidas. Está bien. Entonces, empecemos a transferir. A mí me gusta dibujar las pequeñas líneas, las cosas que van a ser líneas, en la final como líneas. Eso es sólo una especie de preferencia personal. Puedes delinear la forma si quieres, pero por lo demás, en su mayoría solo delineo. Entonces, no voy a transferir las líneas dentro de la bufanda porque cada vez que tengas una línea delgada, lo mejor es transferir o dibujar los tú mismo con lápiz después porque el papel carbón no borra al 100 por ciento. Entonces, en su mayoría se cubrirá con la pintura. Pero cualquier pequeña línea que no se cubra con la pintura, es mejor simplemente dibujar a mano porque de esa manera,
si sucede que la dibujas en un lugar ligeramente diferente
o optas por si sucede que la dibujas en un lugar ligeramente diferente dibujarla en un lugar diferente cuando termines, no tienes ese fantasma de una pequeña línea de lápiz ahí que no quieres. Entonces, por ejemplo, en la playera aquí, no
voy a dibujar las rayas, sólo
voy a dibujar el contorno. De esa manera, puedo rellenar las rayas a mano después. Quieres asegurarte de que lo consigues todo, así que no olvides ninguna pequeñita forma porque una vez
que te quitas el papel carbono, básicamente no puedes ponerlo de nuevo para encontrar dónde lo tenías antes, porque no podrás saber exactamente dónde lo fue. Entonces, solo comprueba para asegurarte. Para estas líneas de bufanda, me gusta simplemente hacer una especie de hacer el exterior de la forma, no la parte interior completa, solo para que sepa más o menos dónde está sin tener que preocuparme por todos los detalles. Entonces, ahora que tenemos todas las líneas, saquemos el papel de la impresora. A mí me gusta quitármelo aquí en lugar de después de quitarme el papel de transferencia, porque de esa manera, tengo menos probabilidades de rasgar mi papel de transferencia. Es bueno mantener a este tipo contigo porque, de esa manera, cuando estás pintando, puedes usarlo como referencia por si pierdes una línea mientras estás pintando. Si se desvanece por debajo de un color, puedes mirarlo. Entonces, quítate eso. Se puede ver a dónde he girado mi papel antes, y ahora, tengo nuestra foto final. Esa es la magia del papel carbono. Entonces, si no quieres transferir tu dibujo, puedes dibujar directamente sobre papel de acuarela. Pero la razón por la que hago esto es, de esa
manera, personalmente dibujo muy oscuro, y si dibujo directamente en esto, estaré borrando y dibujando oscuro, habrá toneladas de líneas grises borrosas que estoy tratando de evitar tener. Entonces, me gusta dibujar primero mi boceto y luego transferirlo con papel de transferencia. Entonces, el último paso es limpiar un poco el dibujo. mí me gusta usar una goma de borrar amasada para quitar las pequeñas manchas que pueda haber conseguido aún, y luego usar un lápiz bastante afilado para entrar y agregar esas líneas de lápiz o ditto que no lo puse antes. Entonces, sólo me gustaría borrar algunos de los manchados que hay ahí. Estoy dibujando mis detalles a mano en lugar de transferirlos porque es mucho más fácil borrar este lápiz que borrar papel carbón, y para los detalles, es mejor dibujarlos a lápiz, y algo que sea fácil de borrar.
6. Pruebas de color: Antes de pasar a la ilustración final, tenemos que decidir cómo mezclar pintura para tratar de igualar nuestro color digital áspero. Nunca vas a poder obtener tus colores
exactamente los mismos que tu color digital rugoso, eso se debe a que lo digital funciona realmente diferente a la pintura real. Pero el objetivo de esta etapa es tratar de acercar tus colores
lo más posible y también entender dónde serán diferentes los colores en la final. Se quiere empezar probando primero los colores más claros. Entonces, voy a empezar por tratar de igualar este color del suéter. El motivo por el que estoy mezclando los colores más claros aquí primero, como el melocotón y el blanco, es porque sé que el color es un color bastante claro y tiendo a,
al mezclar mis colores, solo tipo de movimiento de ligereza u oscuridad incluso cuando los estoy mezclando en mi paleta. No hay realmente una razón enorme para esto, sólo una preferencia personal, pero me resulta más fácil hacer un seguimiento de. En ocasiones, nos volvemos demasiado oscuros, puedes añadir un poco de color más claro de nuevo hasta que se vea bastante cerca. Entonces, me gusta usar el papel de desecho aquí solo para probar y ver. Está bien. Sí, eso se ve bastante cerca. Es un poco más vibrante que esto, eso se debe en gran medida a que lo digital tiene mucho más colores apagados que las pinturas reales. Entonces, casi siempre cuando pintes tu final, tu final va a ser un poco más vibrante y un poco más claro, como menos oscuro, como estos pantalones probablemente van a ser más claros en la final. Voy a pintar esta pequeña muestra de aquí, y decir que ese va a ser mi color de suéter. Entonces, me gusta apuntar por mí mismo, como nota, los colores que utilicé para poder recrear. Entonces, la razón por la que escribo esto es que me ayuda a recordar cuando realmente estoy haciendo la pintura qué colores mezclé durante la prueba. ocasiones, habrá días en medio
cuando haga las pruebas de los colores y cuando realmente pinte la final, y para entonces, puede que haya olvidado cómo mezclé los colores. Entonces, de esta manera, sólo lo tengo todo escrito para mí. Entonces, si necesito recrear un cuadro, lo que sea, lo tengo ahí para mí. Voy a crear un par más de estos. Ahora, tengo pequeñas muestras para todos los colores que vamos a usar como guía para cuando recreemos nuestra pieza final. Esto es algo que me he vuelto bastante bueno haciendo porque he tenido mucha pintura experimentada en este punto. Entonces, no te frustres si te lleva un poco más de tiempo averiguar qué colores quieres usar o cómo hacer coincidir el color rugoso digital que creaste. Es algo que ustedes van a mejorar a lo largo del tiempo. Una vez que tengamos nuestros colores descubiertos, necesitamos averiguar cómo van a interactuar en capa entre sí. Si recuerdas de antes, pintura en
capas cambia cómo interactúan los colores. lo tanto, es útil crear una pequeña guía para
planear cómo vas a capas tus colores para la pieza final. Todo este proceso tarda alrededor de una hora, es porque necesito
que cada capa se seque antes de poder pasar a la siguiente. Entonces, ya lo he hecho de antemano, pero te volveré a guiar por el primer par de pasos solo para darte una idea de lo que estoy hablando. Entonces, me gusta empezar con una pequeña capa base que es simplemente melocotón y blanco que acaba de cumplir con todos los demás colores. es necesario y no tienes que hacerlo, pero es sólo algo que me gusta porque mezcla todos los colores un poco más suave. Después de la capa de melocotón, agrega en un rectángulo del color del jersey. Eso es porque sabía que el color del jersey iba a estar debajo de la mayoría de los otros colores. Entonces, lo tercero que tuve que probar fue este color de libro. Debido a que un libro es bastante ligero, quería saber si podía o no ponerlo en capas encima de la capa base solamente o si podía ponerlo encima del color morado también. Entonces, pintar tanto el azul claro aquí
encima de ambos rectángulos déjame saber muy rápido,
vale, esto es mucho más ligero, esto se parece más al verdadero azul que imaginé en mi color digital rugoso. Esto empieza a parecer mucho más como si fuera sólo una especie de suéter más oscuro, y ese no es el look que voy a buscar. Entonces, decidí que para este color azul, voy a capas sólo el melocotón y el azul, y no tener el color del suéter debajo de él. Lo siguiente que quiero probar es cómo capas los colores más oscuros de mis cuadros. Entonces, tengo esto dividido en dos pilas de color, eso es porque estos son los colores fríos. Este es el pañuelo y ese es el abrigo, y aquí hay un color cálido. Este es el pelaje del zorro, las orejas del zorro, y los pantalones del zorro. Yo quería tener estos separados,
por lo que hablé antes con los colores de cortesía, que no se puede capas de esos, no sin conseguir que todo el asunto se vea realmente fangoso. Entonces, para hacer los colores fríos, quiero pintar un gran rectángulo del azul claro que sé que quiero tener debajo de todos los demás colores. En general, a la hora de averiguar cómo pintar en capas, me gusta tratar de poner capas debajo de tantas formas como sea posible, porque de esa manera, no hay
que tener esos pequeños bordes superpuestos entre dos colores o formas diferentes. Entonces, por aquí, voy a pintar el naranja del zorro, y porque ese es el color cálido más claro, sé que quiero que esté debajo de todos los demás colores cálidos más oscuros. Lo estoy pintando tanto en el morado como en el color base porque aún no estoy seguro si quiero tener esos colores en capas o no. Es por eso que me gusta hacer una prueba de color porque me ayuda a saber : “Está bien, estos están bien o estos son demasiado vibrantes”. Me permite arreglarlo de antemano. Entonces, lo siguiente que quieres hacer es entonces pintar el siguiente color más oscuro y ver cómo va a capas. Entonces, esta sería la bufanda. Continuarás con este proceso para todos los colores más oscuros. El motivo por el que me detengo aquí es porque los colores más oscuros, porque son más oscuros, en realidad cubrirán la mayoría de los colores que hay debajo de ellos. Entonces, no es tan difícil averiguar cómo capas esas como lo es averiguar las más ligeras. El objetivo de este paso es ayudarte a averiguar cómo interactuarán los colores, que puedas averiguar en qué orden aplicar tu pintura. Entonces, usando esto como guía, ahora
podemos empezar a anotar el orden en el que vamos a pintar. La primera capa que conocemos va a ser la capa base. Entonces, pasando de los más claros a los más oscuros, los siguientes dos colores más oscuros son el libro y el suéter. Debido a que ambos colores se sostienen ambos solos y están superpuestos, realmente no importa cuál pintes primero. Simplemente elegí pintar primero el suéter. A veces, me gusta ponerme pequeñas notas cuando estoy haciendo esto para decir que necesito no pintar el suéter debajo del libro sin embargo, sólo para recordarme. Estos son los únicos dos colores que solo tienen la base debajo. Entonces, no importa en qué orden los pintes. Lo mismo se aplica a los siguientes dos colores medianos, que son la bufanda y la naranja zorro. Entonces, realmente no importa cuál de esas que elijas pintar primero. Elegí pintar la bufanda. Entonces, el siguiente color será el color zorro. Entonces, entonces los siguientes colores más oscuros son el abrigo azul y el marrón que son los pantalones. De nuevo, realmente no importa cuál hagas primero, así que puedes hacer cualquiera. Elegí hacer el abrigo, lo que significa que tienes que hacer los pantalones a continuación. Entonces, esto es lo último que voy a agregar al pantalón que es una capa clara del color negro más oscuro. Este último paso soy yo agregando solo un poquito del abrigo azul a los pantalones, solo para agregar algo extra de armonía de color. Entonces, para recapitular, quieres empezar con la capa base, que es ésta aquí mismo, porque va debajo de todo. Entonces quieres pasar a los siguientes colores más oscuros, que son el jersey y el libro, y se pueden pintar en cualquier orden. Entonces, los siguientes colores más oscuros son la bufanda y el color zorro. Dividirlos en dos pilas por los colores de cortesía, porque estos son azules y estos son anaranjados. De nuevo, no importa en qué orden pintes esto. Después, pasas a los siguientes colores más oscuros, que es el abrigo y los pantalones. Después, después de eso, pasas a los siguientes colores más oscuros, que son los pantalones más oscuros y el color del abrigo. Si agrupa esto en claro, medio y oscuro, entre cada pila, no
importa cuál pintes primero. Tan sólo mientras sigas moviéndote de lo más ligero a lo más oscuro. Ahora que terminamos con el arduo trabajo de planear el orden, ahora
podemos pasar a la parte divertida, que es pintar la final.
7. Colocar los lavados: Ahora que hemos terminado nuestras pruebas de color, vamos a pasar a pintar nuestro primer lavado. El primero que vamos a hacer es este color melocotón base, y la razón por la que queremos hacer eso es que por lo general quieres moverte de más claro a más oscuro. Vamos a aplicar esta capa en todas partes de la pintura que no es blanca, y la razón por la que estamos haciendo eso es que mueva todos los demás colores y es la capa base a toda la pintura, y sabemos que todas las pinturas van a interactuar porque descubrimos nuestros colores durante nuestra prueba de color. Entonces, aquí es donde se une toda nuestra planeación, solo
podemos seguir el plan que ya hemos creado. Entonces, para la capa base, me gusta mezclar un poco más de pintura que yo para los otros colores, porque vas a estar aplicándola al espacio más grande, y no quieres quedarte sin pintura en medio de una forma porque necesitarás trabajar bastante rápido por forma. Entonces, no quieres estar corriendo para hacer más pintura en medio de una forma. Ahora, vamos a dejar que esto se seque. Ese es el lavado final. Si como yo, tienes algunos pequeños errores, aquí en el espacio en blanco, aquí te damos un gran consejo para cómo deshacerte de ellos. mí me gusta usar un bolígrafo de gel blanco, esto es solo un bolígrafo de gel blanco sacra para repasar, y no quieres dibujar una línea, quieres darle un toque. Esto ayuda a imitar la textura del papel. Estaríamos como si estuvieras tatuando casi. Aquí, notarás que en su mayoría se deshace de esa pequeña forma. mí me gusta hacer esto cerca del final, no al principio, porque de esa manera todas mis capas están ahí dentro y solo puedo arreglar pequeños problemas como ese, y es como si nunca hubieran pasado. De acuerdo, lo hicimos, ahora tenemos todos nuestros lavados abajo, que puedan pasar a los detalles finales.
8. Agregar detalles: El último paso es agregar detalles a la ropa y al pelaje para dar vida a tu personaje. Hay dos detalles diferentes que agrego, textura y trabajo de línea. El texturizado, me gusta crear con cepillado seco, que es solo usar menos agua en tu pincel mientras pintas. Entonces, una de las cosas que me gusta de mi proceso de pintura es que me gusta usar la pintura que ya he mezclado para mis lavados como mi textura. Eso se debe a que esta pintura se seca un poco más oscura. Entonces, si solo le agrego un poco menos de agua, no
tengo que volver a mezclar pintura para mi textura. Entonces, si quiero hacer pequeñas líneas en mi zorro para su pelaje, solo
mezco un poquito de agua en esta pintura que ya está seca aquí, y algo que me gusta hacer es que me gusta tocar la punta de mi pincel sobre la toalla de papel que tengo aquí solo para asegurarme de que no haya agua que no necesite en el pincel, y lo pruebo para algo del papel rayado, solo para asegurarme de que sea un poco agradable y rayado antes de pasar a pintar los detalles de mi final. Siempre quieres usar el cepillo pequeño para
cepillarte en seco, de lo contrario, obtendrás grandes marcas gruesas, que puedes usar a veces si quieres. cepillado en seco es una gran técnica para cualquier cosa que quieras tener un poco de textura a ella. No tiene que ser solo de piel, también uso la misma técnica en el abrigo. Básicamente, solo creo aquí un montón de pequeñas líneas rayadas. Realmente no hay ningún orden o estilo en particular que tengas que pintar. A mí me gusta moverme con la
forma, para que si te imaginabas estar encima de un animal real, no
sería perpendicular al pelaje del animal. Nunca va a hacer lo mismo,
pero con el color de la capa simplemente re-mojando algo del azul que usé para el abrigo, y asegurándome de que no esté demasiado mojado, luego agregar textura. Si pones algo un poco demasiado oscuro, también
puedes usar un poco de toalla de papel para borrar parte de la textura, por lo que no está tan oscuro como lo pinté originalmente. Siempre trato de hacer el cepillado en seco primero antes de hacer mi línea. Para linework, soy trabajo uso la pintura que ya
he mezclado aquí así como algunos colores nuevos, pero agrego un poco más de agua que la que hago para el cepillado seco. Pero aun así me gusta poner la punta ahí para asegurarme de sacarla la mayor parte. Siempre es bueno probar tus líneas aquí en un trozo de papel separado primero antes de hacer las líneas, porque de esa manera, sabes que estás obteniendo la consistencia correcta, porque quieres que estas líneas sean un poco menos rayadas que sus líneas de cepillo seco. Entonces, mientras pintamos las líneas en la bufanda, recordarás que no transferimos estas líneas, las dibujamos con lápiz. Entonces, de esa manera, no tenemos que preocuparnos si los metemos exactamente en el lugar correcto esta vez. Algo que me gusta hacer cuando estoy dibujando estas líneas es mantener mi pincel bastante plano. Te ayuda a conseguir una línea más limpia. Entonces, por eso estoy girando tanto mi pincel. Entonces, puedo conseguir el lado plano. Entonces, está en un punto. Entonces, para los botones, quiero que sean un poco más oscuros de lo que es el cepillado seco. Entonces, mezclé el negro en el azul que ya tengo porque de esa manera, no
es tan oscuro como si lo pintara solo negro recto. Una cosa es que, en los colores más oscuros, notarás a veces pierdes tus líneas, y es un poco difícil ver dónde estaban las líneas que originalmente dibujaste. Entonces, algo que puedes hacer si te cuesta verlos es
volver sobre ellos con lápiz otra vez antes hacer los detalles solo para que sepas dónde están, porque mientras lo hagas bastante ligero, serás capaz de borrarlo. Estos últimos pasos pueden ser realmente únicos para cada persona individual. Todo se trata de cuánta personalidad quieres agregar a tu pintura, cuántas líneas, cuánta textura. Entonces, esto variará mucho por persona. Personalmente me gusta poner mucha textura en mi pintura, por lo que esto puede tardar hasta una hora. Entonces, vamos a saltar al cuadro final. Entonces, ahora tengo la pieza final con todos los detalles. Como puedes ver, no aplicé textura a cada forma. Creo que una combinación de formas texturizadas y formas
planas ayuda a crear una sensación de profundidad en la pintura. Eso es todo, terminaste tu pieza.
9. Reflexiones finales: Lo hicimos todo el camino desde hablar de bocetos iniciales hasta los detalles finales. Has aprendido algunos consejos básicos sobre cómo usar gouache y cómo capas de pintura. Espero que hayas disfrutado aprendiendo sobre el gouache y esto te inspire a salir y probarlo por ti mismo. Me encanta ver cualquier cosa que hayas creado desde la prueba inicial hasta la ilustración final. Muchas gracias por tomar la clase, no
puedo esperar a ver lo que ustedes hacen.
10. Explora más clases en Skillshare:
Vanessa Gillings, Illustrator
