Ilustración con acuarela: transforma objetos cotidianos en personajes caprichosos | Hélène Baum | Skillshare
Menú
Buscar

Velocidad de reproducción


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Ilustración con acuarela: transforma objetos cotidianos en personajes caprichosos

teacher avatar Hélène Baum, Illustrator

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:14

    • 2.

      El proyecto

      5:08

    • 3.

      Inspiración

      3:23

    • 4.

      Reunión de objetos

      2:18

    • 5.

      Bocetado

      5:18

    • 6.

      Transformación

      6:43

    • 7.

      Opciones de color Parte 1

      11:00

    • 8.

      Opciones de color Parte 2

      5:40

    • 9.

      Conceptos básicos de la acuarela

      9:28

    • 10.

      Técnicas de acuarela Parte 1

      13:54

    • 11.

      Técnicas de acuarela Parte 2

      8:17

    • 12.

      Pintura Parte 1

      9:02

    • 13.

      Pintura Parte 2

      6:09

    • 14.

      Pintura Parte 3

      8:34

    • 15.

      Conclusión

      1:18

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

7094

Estudiantes

99

Proyectos

Acerca de esta clase

¿Quieres aprender a pintar ilustraciones únicas y originales? Aprende a transformar objetos cotidianos en personajes ingeniosos y a darles vida con acuarelas.

Los artistas, ilustradores y diseñadores son valorados por ser capaces de proyectar una visión personal o diferente del mundo. En esta clase, practicaremos cómo inspirarnos en las pequeñas cosas y cómo observar nuestro entorno con una mirada imaginativa.

Te mostraré el proceso de transformación de objetos cotidianos en personajes fantasiosos, muy inspirados en el arte japonés. A partir de nuestra imaginación y nuestra mirada creativa, pero también de colores, texturas y trucos de acuarela sorprendentes, crearemos una historia visual insólita. Aprenderemos a:

  • Observar lo que nos rodea y crear bocetos iniciales 
  • Dibujar y pintar con precisión con una caja de luz
  • Transformar objetos en criaturas creativas
  • Hacer elecciones de color que resulten únicas y sorprendentes
  • Usar técnicas de acuarela para lograr un aspecto original

Tanto si se trata de un principiante de la ilustración como de un artista experimentado, esta clase debería ser un ejercicio divertido para la imaginación, facilitar el pensamiento creativo y dar el impulso para explorar el medio de la acuarela de forma personal.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Hélène Baum

Illustrator

Profesor(a)

Hélène is a French/German  illustrator and designer who lives in Berlin. 

"There are no lines in nature, only areas of colour, one against another"
said painter Édouard Manet.

This quote evokes a principle that is strong in Hélène’s life and work.

Coming from a diverse cultural background, what defines her universe is a sense of “collage” and kaleidoscopic identity. She creates vibrant spaces where through humour, magic and idealism, elements from different cultures coexist in peace and diversity is celebrated.

The colourful images draw inspiration from her environment and personal life but also largely from mythology, black history, art, ... Ver perfil completo

Level: Beginner

Valoración de la clase

¿Se cumplieron las expectativas?
    ¡Superadas!
  • 0%
  • 0%
  • Un poco
  • 0%
  • No realmente
  • 0%

¿Por qué unirse a Skillshare?

Mira las galardonadas Skillshare Originals

Cada clase tiene lecciones cortas y proyectos prácticos

Tu membresía apoya a los profesores de Skillshare

Aprende desde cualquier lugar

Ve clases sobre la marcha con la aplicación de Skillshare. Progresa en línea o descarga las clases para verlas en el avión, el metro o donde sea que aprendas mejor.

Transcripciones

1. Introducción: Hola a todos. Soy Ellen Baum y soy una Ilustradora Freelance con sede en Berlín, Alemania. Originalmente, soy diseñador gráfico. Yo era principalmente diseñador gráfico hasta hace tres años y renuncié a mi trabajo y decidí hacer ilustración. Siempre he dibujado y esa siempre ha sido mi pasión. No había practicado la pintura en mucho tiempo, y he tenido que volver a enseñarme. En mi trabajo, utilizo principalmente dos técnicas, que son: arte vectorial y acuarela. En esta lección, nos vamos a centrar en el aspecto acuarela de la misma. Como puedes ver en mi trabajo, es súper colorido. Colorido para mí es el principio y el fin de todo. Creo que realmente es un símbolo de vida. Veo todo a través del color. Por eso me encanta usar paletas de colores muy audaces y vibrantes. Otro tema súper importante en mi trabajo es la diversidad. Muchos de mis clientes piden mi trabajo porque hago un principio de mostrar gente de color y orígenes diferentes en las pinturas que hago. Hago un montón de bodegones y los objetos que están a mi alrededor y mis libros y cosas simplemente aparecen en ellos. Esto también va a ser en parte lo que vamos a hacer en nuestros proyectos de clase. Se va a tratar, no hacer bodegones, por el contrario, vamos a recoger objetos de nuestros hogares y transformarlos en personajes musicales vivos. Haremos eso inspirándonos en la cultura y el arte japoneses. Esta clase no va a ser sobre la pintura clásica de acuarela, va a ser más sobre mí enseñándote algunas cosas que he aprendido, técnicas que uso que hacen que mi trabajo sea tan específico, y solo animarte a crear tu propio estilo, para experimentar con cualquier medio que te guste usar, y la importancia de encontrar una forma de pintar que sea tuya. Entonces si te gusta mi trabajo, puedes seguirme en Instagram o echar un vistazo a algunas cosas más en los sitios web. Ambos enlaces están en pantalla ahora mismo, y podemos pasar a nuestros proyectos. 2. El proyecto: Por lo que nuestro proyecto de clase va a ser sobre transformar objetos cotidianos en personajes caprichosos que parecen haber salido a la vida. Para ello, nos inspiraremos en el arte y la cultura japonesas. Por lo que después de haber mirado alguna inspiración, pasaremos por nuestras casas, miraremos los objetos que queremos pintar, y una vez que lo hayamos hecho, podemos bosquejarlos usando una caja de luz. Te mostraré algunos conceptos básicos y teoría del color y acuarela, veremos los efectos de acuarela y luego entraremos en el proceso de pintura. Por lo que los dos grandes aprendizajes que queremos obtener de nuestra clase son uno técnico con bocetos y pintura y un poco de teoría del color y conceptos básicos de acuarela. Entonces el segundo, y tal vez incluso el más importante, es entrenar el ojo creativo. Como artista no importa si eres un profesional o simplemente aficionado. La capacidad de ver algo más en el mundo que te rodea, de ver las cosas de una manera diferente y con una mente creativa es lo que hará que tu arte sea realmente especial, y también hace que la vida sea realmente interesante. Pasemos a ver qué herramientas necesitaremos. Si eres alguien que ya pinta y dibuja mucho, no hay tantas cosas nuevas que necesitarás. Creo que primero, bolígrafos, boceto con goma de borrar y por supuesto, sacapuntas, pintar acuarelas. Vienen en una amplia variedad de marcas, que pueden ser muy baratas, muy caras. Te dejaré esto en manos de ti lo que quieras usar, con qué frecuencia pintas. Yo uso mayormente encoger una marca, vienen en estos no bolígrafos ni en tubos. Si vas a pintar mucho, puedes comprar tubos, puedes comprar tubos, con los que puedes recargar tus bolígrafos o simplemente usar directamente desde el tubo. Tampoco necesitas tantos colores por supuesto, si no es algo que haces todos los días, lo más importante, un amarillo, un rojo, un azul, un negro y blanco que necesitarías, y a partir de estos podemos mezclar cualquier color en realidad. Cualquier otra cosa que quieras agregar en la parte superior depende de ti. Asegúrate de tener también pozos de mezcla o algún soporte donde podrás mezclar colores, pero también pozos de mezcla extra. Asegúrate de tener algo de papel de seda con el que frotar tus pinceles y algo de agua. mí me gusta tenerlo en una jarra porque cuando no lo usas, puedes cerrarlo. No se derrame. Alguna cinta, que usaremos para adjuntar nuestro boceto a nuestro papel de acuarela cuando pintemos. Entonces por supuesto pinceles, utilizo más exclusivamente cepillos redondos versus los planos que son más cuadrados. Este es el más grande que tengo, y luego de tamaño mediano y me gusta tener unos realmente pequeños para detalles, liners. Esta marca es serie majestuosa royal langnickel, me han funcionado bien hasta ahora, pero hasta que tú veas lo que más te convenga y experimentar. cuanto al papel, esto es solo papel de copia reciclado normal, que usaremos para bosquejar. No necesitamos nada más elegante para esa etapa. Entonces papel para pintar, estoy realmente acostumbrado a esta marca ahora, he estado usando desde hace muchos años. No es técnicamente papel de acuarela pero, no sé, solo me gusta la sensación de ello y cómo se extiende la pintura. Se puede, por supuesto, también utilizar papel de acuarela, que suele ser más granulado y áspero. Asegúrate de conseguir algo que no sea demasiado grueso. Se trata de 200 gramos, lo que ayudará cuando utilicemos la caja de luz. Si es demasiado grueso, en realidad podríamos no ver el boceto que hay debajo. Ahora la caja de luz ya se encendió, necesitaremos una caja de luz. Este es un formato A4, que es totalmente suficiente para lo que vamos a hacer. Puedes conseguirlo realmente barato en línea, yo conseguí éste por 18€ y solo lo enchufa. Este, en realidad se puede modular la luz, lo que puede ser útil. Entonces ahora que sabemos qué herramientas necesitamos y hemos pasado por nuestro proyecto de clase, quiero animarte a compartir y subir lo que estás haciendo a medida que avanzamos. Pasemos a nuestra primera lección, que va a ser sobre inspiración. 3. Inspiración: Esta lección es sobre inspiración. Buscar inspiración es una parte esencial del proceso creativo. Hace que nuestro trabajo sea más rico porque nos conectamos con cosas que ya existen o las experiencias que otras personas han tenido también. Somos parte del mundo y todo lo que hacemos en el presente está conectado con el pasado y con lo que otras personas han hecho o están haciendo en este momento. Lo importante es que no copies, sino que transformes esta inspiración en algo que es tuyo. La inspiración puede provenir de muchas, muchas fuentes de cualquier lugar en realidad. Puede venir de tus aficiones, de tu música, de la lectura, de otras personas, de experiencias que has tenido viajando, realmente cualquier cosa al final que te haga tic y que solo te inspire a crear algo nuevo fuera de ella. Como dije antes, la inspiración para este proyecto está tomada del arte y la cultura japonesas. De manera más específica, vamos a ver el fenómeno que se llama Tsukumogami. Entonces, ¿qué es Tsukumogami? Era una creencia medieval en Japón que alguna vez las herramientas habían alcanzado alrededor de 100 años y la gente las descartó porque pensaban que eran demasiado mayores. Estos objetos cobrarían vida y estarían bastante enojados porque acababan de ser desechados al borde de la carretera sin ningún agradecimiento ni consideración por los servicios que habían prestado a los humanos durante tanto tiempo, lo que saltaría a la vida y vendría y perseguiría a los humanos. Podemos ver en este material que los objetos que se han transformado en Tsukumogami han crecido caras. En ocasiones se han agregado los rostros al objeto, pero a veces también se ve como rasgos que los objetos ya habían convertido en ojos y bocas, lo mismo para las extremidades. Algunos tienen piernas nuevas o como miembros de animales, pero algunos simplemente transforman apéndices que ya tenían en piernas o brazos o simplemente parecen cojear. Si el tema de Tsukumogami y Yokai en general es algo que te interesa, podrás encontrar todas las referencias a los libros que estoy mostrando en este momento en la sección de recursos. Entonces por qué esta inspiración, creo que el tema nos ayudará a ser realmente juguetones y usar nuestra imaginación y nuestro ojo creativo. No necesitamos hacerlo tan espeluznante como Tsukumogami, solo podemos hacer divertidos personajes con objetos de nuestra casa si quieres una inspiración más local. Creo que todos hemos visto en nuestra infancia la belleza y la bestia de Disney, solo piensa en las tazas y las teteras y todos los objetos en el castillo que cobran vida también. Entonces el arte japonés también es hermoso en sí mismo, lo que también nos dará inspiración en este nivel di-lístico y a nivel técnico. Para recapitular, hemos establecido la importancia de la inspiración y nos hemos conectado con una vieja creencia japonesa y las artes japonesas que nos inspirarán y nos ayudarán a transformar los objetos en personajes caprichosos. El siguiente paso será encontrar estos objetos en nuestros hogares y pasemos a la siguiente lección. 4. Reunión de objetos: Ahora que sabemos de qué se trata el proyecto, tenemos nuestra inspiración. Podemos dar la vuelta en nuestro hogar y recoger los objetos que necesitamos. Vamos a recoger tres de ellos sólo porque creo que es agradable tener alguna variedad. Si solo eliges bosquejar y pintar uno o dos o si quieres hacer más, toca a ti pero creo que tres es un buen número y solo consigues algunos objetos con formas muy diferentes para jugar. Dicho esto, te dejaré pasar por tu casa. Pasaré por el mío, y volveremos a reunirnos con el objeto que encontramos. Cuando estés pasando por tu casa, trata de mirar ya tus posesiones con un ojo imaginativo, lo que siempre me ayuda es crear pequeñas narrativas en mi mente como si mis zapatillas tuvieran caras o que si mi cepillo de dientes escurriera con una pasta de dientes. Objetos con los que las formas pueden por supuesto ser elecciones obvias porque ya se ven divertidas, pero ¿te imaginas que incluso tu pertenencia más básica cobrando vida? He pasado por mi casa y he encontrado los tres objetos que quiero convertir en personajes. He elegido mi tetera porque es algo que uso todos los días, y es una tetera normal, todavía tiene algunas características bonitas, pero creo que va a ser divertido simplemente imaginarlo convirtiéndose en algo vivo. Entonces he elegido mi peine Afro, que también es un objeto de uso diario. De verdad pensé que estos ya parecían dientes o piernas, y es como la forma general también con el agujero aquí, podría ser algo así como un ojo. Realmente me gusta ese objeto. El tercero es realmente pequeño. Es un quemador de incienso; soporte de incienso. Es un poco viejo y maltratado, pero pensé que esto ya parecía pie y algo que podrías hacer con los agujeros y punta lenta aquí y el hecho de que también se abra. Tengo curiosidad por ver lo que has elegido en casa. Ahora que tenemos nuestro material primordial, podemos pasar a la primera fase de transformar nuestros objetos en personajes caprichosos. Pasemos a la siguiente lección, que es bosquejar. 5. Bocetado: bosquejo es la base de la obra de arte. Técnicamente, es el acto de traducir lo que vemos al dibujo. Siempre siento que es un momento en el que nos ponemos bastante íntimos con el objeto que queremos dibujar porque hay que mirarlo con atención, mirar sus formas y especificidades, y realmente llegar a conocer el carácter del mismo. A pesar de que no recomendaría que nadie se salte ninguna parte de este curso, aunque seas principiante en el dibujo y el boceto y que tal vez te sientas incómodo si es realmente necesario también puedes encontrar mis propios bocetos en la sección de materiales. Podrás descargarlos y luego continuar en la siguiente lección. Por lo que procederemos en dos pasos y bocetos, primero, haremos un boceto muy áspero y luego empezaremos a refinarlo. Por lo que algunos consejos antes de empezar. Depende de ti lo detallado que quieras hacer tus bocetos, sobre todo si eres principiante y quieres mantenerlo bastante general para empezar, está bien si quieres entrar y tener tantos detalles como sea posible, eso también es genial. Depende de ti. Guarda los elementos que hacen que tu objeto sea único. Si bien ya estás dibujando, puedes conocer tu objeto y averiguar en qué tipo de personaje se va a convertir. Entonces ahora he tomado en el objeto, miré las formas generales como aquí, es bastante redondo y aquí también. Aquí entra la curva. Entonces las especificidades son como este tipo de cuello, estas aberturas. Creo que voy a guardar los patrones para más tarde por si acaso. Recuerda, esto no es una competencia en el dibujo. Entonces solo tómate tu tiempo. Sé realmente áspero y general al principio. Habrá tiempo para que se vea mejor después. Así es como se ve mi boceto realmente rudo ahora mismo. Aviso como si no me importara volver de nuevo si creyera que quería que la forma fuera diferente. También puedes hacer esto tantas veces como necesites hasta que ya estés contento con tu boceto en bruto. Entonces una vez que tengamos esto, podemos pasar a refinar lentamente. Entonces quédate con éste. Ahora también tomaremos la caja de luz, colocamos nuestro boceto en bruto sobre ella, tomamos una hoja de papel fresca. Enciende la caja de luces. Entonces se ven las líneas a través. Ahora podemos empezar simplemente a elegir qué partes nos gustan y como poco a poco llevarla al lugar que queremos que sea. Entonces ahora puedes ver que ya está mucho más limpio. Pero aun así encontré algunas cosas que quería refinar totalmente bien. Nuevamente, quédate con ésta y toma una nueva hoja de papel. Vuelve a encender la caja de luces porque no se trata de dibujar el objeto perfecto. No es una clase sobre dibujo y pintura hiperrealistas. Tan solo quiero tener una sensación general del objeto. Entonces podemos usar para transformar en la siguiente clase. Realmente se trata de entrenar tu ojo creativo y usar tu imaginación más que de ser correcto en cómo debe ser algo. Este es mi boceto limpio el cual utilizaré en la siguiente etapa. Haré esto por todos los demás objetos y luego podremos seguir adelante. Entonces, para recapitular, hemos hecho bocetos limpios de nuestro objeto, y hemos llegado a conocer un poco mejor nuestros objetos. Por lo que ya estamos listos para el siguiente paso de la transformación. Ya hemos hecho las bases y utilizaremos los bocetos de pantalla para transformar los objetos en los personajes caprichosos. Entonces pasemos a la siguiente lección. 6. Transformación: Ahora que tenemos nuestros objetos recogidos y esbozados, ¿cómo los transformamos en personajes vivos? Mirando atrás a la inspiración de los Tsukumogami, ¿qué los hizo parecer vivos y juguetones? Tenían caras con expresiones aterradoras, divertidas, tristes o raras. Algunos tenían extremidades, humanas, o animales, y parecían que se movían y hablaban. Ahora usaremos estos atributos y las impresiones que hemos hecho de nuestros objetos mientras los dibujamos para crear personajes caprichosos únicos. Vamos a preceder. Elige con qué boceto quieres empezar. Toma tu boceto limpio. Voy a empezar de nuevo con el soporte de incienso. ¿ Hay algo en tu objeto que ya se parezca a una característica en la que podrías transformarla? Al igual que por ejemplo, mi soporte de incienso, creo que estos ya se ven realmente como ojos y esto como boca y me podría imaginar esto siendo un pie o una pierna. No estoy seguro de este perilla tal vez esto solo se queda ahí así que es reconocible, aún qué objetos era. Una vez que hayas decidido qué características quieres agregar, dónde quieres colocar muchos ojos y boca y brazos. Si es más humano o animal, entonces usted una vez más, por favor limpie hoja de papel en su boceto. Ponte tu caja de luz y simplemente ya dibuja estas características en tu objeto. No empieces con copiar el objeto está debajo, comienza con las entidades que quieres agregar. Haciendo una boca aquí. Por eso decía como no dibujes ya el objeto que está debajo porque probablemente cambiarás la forma del mismo. Coloca lo que cambia primero y luego al final, puedes rellenar el resto del objeto. Yo quiero agregar algunos dientes. Aquí voy a transformar este pie en un lago literal. Ahora que he agregado esto, sé que puedo terminar de dibujar esta parte. Estos los estoy transformando en fosas nasales. Este ya son mis primeros objetos, no siempre necesitas hacer mucho. Apenas pocas acciones para cambiar un objeto en una cara. Pasando a los siguientes objetos, el peine Afro. Aquí, me quedé con estas partes de plástico porque pensé que ya parecían ojos y los dientes o dientes centrales. En realidad estaba pensando en convertirlos en piernas como una especie de araña. En realidad me gustaron los objetos teniendo una boca así que podría simplemente agregar una boca aquí. A lo mejor este podría ser un tercer ojo, voy a ver cómo va eso cuando empiece a dibujar. Hemos hecho que los dientes parezcan como si fueran piernas caminando. He añadido ojos, ojos locos simplemente mirando diferentes direcciones y uso el borde para hacer pequeñas cejas saliendo. Se está tirando de la lengua. Tan solo para agregar un poco de variación de la otra. Ya son polluelos que quiero agregar más tarde, y he decidido mantener esto como una apertura apenas otra vez, por lo que el objeto también se mantiene un poco reconocible. Pasemos a los últimos objetos. El tetera, la forma ya me hace pensar como un pájaro, y así voy a usar el pico, como literalmente es un pico. Esta es la cola y agregamos el rostro en esta región. De verdad me gustaría añadir unas piernas aquí. Para esto realmente agrega un poco más de detalle que los demás, que son más simples de esa manera. Como puedes ver, he añadido plumas y como las patas de pollo tal vez no tanto pollo, pero alguna forma de pájaros y que esto se vea realmente como un pico de pájaro también, he añadido un tercer ojo, que creo que he querido añadir en una de los dibujos y también hizo que el mango pareciera una pluma de cola. Ahora, estamos listos para ir al siguiente paso. Entonces, para recapitular, hemos utilizado nuestros dibujos preliminares para convertir nuestros objetos en personajes. Tenemos ahora bocetos claros con los que podemos usar para pintar. Ahora que nuestros dibujos están hechos, podemos pasar a la siguiente fase de la transformación de nuestros personajes, cual estaremos agregando color y textura. Antes de que realmente sigamos trabajando en los personajes sin embargo, estaremos entrando en un enfoque más teórico al color. Estaremos viendo la paleta de colores, conceptos básicos de la acuarela, y algunos efectos específicos. Pasemos a la siguiente lección. 7. Opciones de color Parte 1: Por lo que en esta lección vamos a sumergirnos en colores. Los colores son siempre el evento principal en mi arte. Me encantan audaces, vibrantes, abundantes, y en combinaciones inusuales. Toda persona tiene una relación única con el color y naturalmente se siente atraída por los diferentes tonos y tonalidades, y así es como debe ser. Pasaremos brevemente por los conceptos básicos de la teoría del color, pero el objetivo aquí es conseguir que experimentes con color y encuentres una paleta que te haga hormiguear por dentro. La teoría del color es básicamente un conjunto de pautas prácticas relativas a mezcla de colores y los diferentes efectos que se pueden lograr mediante combinaciones de colores específicas. Pasaremos por los conceptos básicos de la teoría del color usando esta rueda de color, que vamos a llenar poco a poco. Empezamos por el centro. Estos son los colores primarios, que son rojo, azul y amarillo. Se les llama colores primarios porque no se pueden obtener mezclando otros dos colores juntos. Normalmente los sacas del tubo directamente del [inaudible]. Esto es amarillo. Esta combinación de colores es muy audaz. posible que lo conozcas desde la Bauhaus, por ejemplo, hace que sea una identidad visual muy reconocible. personal, me encanta la combinación de estos tres colores. Para algunos podría ser un poco demasiado, pero todo el mundo [inaudible]. De estos colores primarios, obtenemos los siguientes tres que son colores secundarios, también conocidos como colores complementarios, y así la forma en que funcionan es que obtienes cada uno de ellos mezclando dos de las primarias. Tan amarillo y rojo, rojo y azul, azul y amarillo. amarillo y el rojo juntos crean naranja. El rojo es bastante pigmentado. Tenemos que añadir un poco más amarillo, luego amarillo y azul, nos da verde. Es un poco desordenado, pero se obtiene el punto. Entonces azul y rojo, lo que nos da púrpura. Dependiendo de qué colores primarios uses, porque por supuesto, también hay diferentes tipos de amarillo, y rojo, y azul, los colores secundarios también cambiarán. Por lo general, cuando obtienes los colores secundarios directamente de mezclar colores primarios, tienden, en mi opinión, a ser menos hermosos que los tonos directos que puedes comprar. Pero creo que solo es útil ver cómo funciona la teoría. Lo interesante de los colores secundarios es que armonizan con los dos colores que los crearon y están en contraste con el tercero que no se utilizó para crearlo. Por lo que el naranja crea el mayor contraste con el azul, morado con el amarillo, porque fue creado de azul y rojo. verde es el mayor contraste con el rojo porque fue creado con azul y amarillo. Esto es algo bueno a tener en cuenta cuando estás haciendo una imagen. Si quieres un contraste muy fuerte, sabes que puedes usar estas combinaciones de colores. Si quieres algo más armonizado, entonces tiene más sentido mantener el complemento con los dos colores primarios que lo crearon. Pasamos a los colores terciarios. Estos se obtienen mezclando el complementario y el secundario. Será más fácil verlo en el volante. Tenemos que añadir los colores que ya tenemos a la rueda exterior. Hemos entrado a nuestros colores primarios y secundarios en la rueda exterior, ahora será más fácil ver cómo se crean los colores terciarios. Se crearán a partir de la primaria y la secundaria. Aquí tendremos algo entre amarillo y naranja. Aquí tendremos algo entre naranja y rojo, y así sucesivamente. Básicamente solo tonalidades diferentes de estos dos colores. más rojizo, morado más azulado, y esta rueda sólo tiene 12 pasos, pero puedes, por supuesto, hacer que estos intermediarios sean tan pequeños como quieras y crear tantos tonos como quieras. Ya hemos completado nuestra rueda de color. Ahora se pueden ver los colores terciarios, que son como híbridos de lo secundario y primario. Te habrás dado cuenta de que no estamos usando ningún blanco y negro en esto. Eso se debe a que el negro es considerado como la suma de todos los colores y el blanco, la ausencia de todos los colores. Por lo general esta teoría del color puro, se deja fuera. No obstante, sí lo usamos, por supuesto. Son muy útiles para hacer que los colores sean más oscuros y claros. Por ejemplo, si tomamos la naranja, si agrego blanco, haré un tono más claro de naranja. Si añado negro, tengo mucho negro ahí dentro. Se ha vuelto marrón básicamente. Si hubiera agregado menos, déjame sólo tomar un poco de naranja y [inaudible], tendríamos diferentes tonalidades. Entonces de manera general, si mezclas todos los colores juntos, obtendrás algo marrón y también si mezclas todas las primarias juntas, entonces tenemos con acuarela, específicamente, otra forma de hacer tonalidades más claras o color con solo usar más agua. Esta naranja, cuando está muy saturada, es así y al agregar agua, puedo hacerlo más ligero y ligero. Puedes hacer esto en tu paleta por supuesto, no directamente en tu papel, solo para estar seguro. Porque agregar la pintura blanca también agrega más pigmentos y hace que el color sea más opaco. Si quieres quedarte translúcido y ligero, entonces es mejor agregar agua. Veremos más de esto también en los conceptos básicos de acuarela. Un concepto más que también es útil es la noción de colores cálidos y fríos, por lo que cualquier cosa que esté de este lado del espectro suele verse como colores cálidos. Básicamente colores que se emiten de amarillo y rojo, y cualquier cosa que contenga azul está en el lado frío del espectro. Este es otro elemento a tomar en consideración al agregar color a una pintura. De la misma manera que el azul y el naranja son el mayor contraste también porque son calientes y cálidas, puedes crear estos efectos. Yuxtaponando colores de lado opuesto. Si quieres hacer tu propia rueda de color, estaré adjuntando la plantilla en el área de descargas. Creo que es muy útil tener que referirme sólo. También tengo uno para mí que rellené con colores directos de mi paleta lo que hace para colores más brillantes. Sí, es útil solo tener una visión general de lo que tienes y cómo se ve. Entonces algo que encuentro útil para mí es también tengo esto donde tengo todos mis colores catalogados con los nombres y números en caso de que necesite comprarlos de nuevo. Es bonito tener una visión general porque, claro, los puedes ver en tu paleta, pero aquí, también los he diluido mitad de camino para que pueda ver cómo se ven cuando son claros y cuando están oscuros. 8. Opciones de color Parte 2: Ahora, con nuestro conocimiento de la teoría del color y nuestras preferencias de color, tenemos una doble misión. Una, queremos jugar con colores y averiguar qué nos gusta a cada uno, cuáles son nuestras preferencias un poco más profundas. dos, queremos crear una paleta de colores para nuestros proyectos, cual estará conformada por cinco colores más sin incluir el blanco y el negro. Empecemos a jugar con nuestras paletas, estaré yuxtaponando algunos colores terciarios con los primarios. Esto es amarillo, pero es un poco más anaranjado, así que lo llamo un color terciario. Colores de cortesía, también puedes jugar con saturación y tonalidades diluidas, y simplemente divertirte en general. Simplemente ve salvaje con tu paleta, prueba todos los colores uno al lado del otro y solo ve lo que te gusta, lo que se siente cómodo, lo que te hace sentir caliente por dentro, o tal vez también lo que realmente no te gusta. Para que veas si eres alguien a quien le gustan más los colores cálidos o los colores fríos más. Si eres alguien a quien le gusta la combinación de estos. Si eres alguien a quien le gusta más pastel o audaz. Realmente se puede ver cómo cuando se combinan diferentes colores el efecto es muy diferente, como los junto a un amarillo es bastante similar. Uno al lado de unos rojos profundos, es un contraste realmente grande. El rosa, aunque no es tan rojo como esto también crea un bonito contraste y junto al azul da una impresión más fresca. Porque si no tienes tantos bolígrafos, puedes explorar más con la mezcla de diferentes tonalidades. Veamos también qué pasa cuando haces con, ahora he mezclado rosa y verde. También es interesante, solo hace rosa un effier más oscuro. Soy un amante del color muy audaz, así que tiendo a usar los colores bastante directamente fuera del panel. Yo sí mix, pero el efecto final suele ser un muy fuerte, pero realmente hay mucho por explorar en la mezcla de colores como este. medida que avanzas, empezarás a tener una idea de lo que te gustaría usar para este proyecto. Creo que por mí mismo, he decidido ir por este amarillo más oscuro por un azul. cual creo que es un azul cerúleo, no estoy seguro. Para rosa magenta, bonito, terroso, casi naranja-marrón, y no añadiré rojo realmente fuerte a la mezcla. Los tonos mayormente cálidos y supongo que el azul será el color de contraste. Entonces por supuesto también tenemos el negro y el blanco. En general, tiene sentido definir su paleta de colores antes de comenzar una nueva obra de arte. No siempre tienes que elegir solo cinco ejemplares, podrías usar tantas como quieras, todos los colores incluso o menos. También puedes ir un monocromo, solo tienes que usar un tono y sus diferentes variaciones. Siempre es útil definir esto de antemano, entonces realmente puedes enfocarte en la pintura. Por experiencia, he pasado mucho tiempo solo pensando en qué color usar a continuación en medio de la pintura, que no siempre es lo más productivo. Para recapitular, hemos aprendido cómo funciona la mezcla de colores a través de la teoría del color, y hemos encontrado nuestra propia paleta única que vamos a usar al pintar a nuestros personajes. Ahora, que tenemos nuestro conjunto especial de colores, vamos a entrar en técnicas y efectos de color de agua para que podamos hacer aún más fantásticos nuestros caprichosos personajes. 9. Conceptos básicos de la acuarela: Esta lección será sobre los conceptos básicos de la acuarela. Toda herramienta de pintura y dibujo tiene sus propias cualidades soberbias únicas. acuarela se ha convertido en mi medio de elección porque me encanta su versatilidad. Como mencioné antes, no estoy entrenado en pintura acuarela, así que todo lo que sé acaba de aprender a través del ensayo y el error, experimentando, y también, por supuesto, mirando cómo lo hacen otros artistas. Pasemos por lo muy básico de este medio. acuarela o aquarell es una pintura a base de agua, lo que significa que los pigmentos contenidos en la pintura están unidos por una solución a base de agua y que utilizamos agua para diluir y aplicar la pintura. Por ejemplo en la pintura al óleo, usaríamos aceite y trementina. Como has adivinado y como está en el nombre, el agua es el elemento clave de esta técnica de pintura. Te mostraré por qué. La cantidad de agua que utilizas generará diferentes efectos. Si usas muy poca agua así, la pintura estará muy saturada de pigmentos y muy opaca. También será muy fácil controlar cómo se ve la pintura. Un poco como usar una pluma, es una distribución bastante pareja de los pigmentos en la superficie. Entonces cuanto más diluyas esto, más claro se pondrá como hemos visto en el capítulo de color. También como hay menos pigmentos y más cantidad de agua, será más difícil controlar a dónde van estos pigmentos. Como ya puedes ver, tienden a seguir el pincel y a ir a donde se mueve el agua. Una vez que esto se seque, entonces sabrás cómo se ve la superficie porque los pigmentos seguirán moviéndose y acumulándose en algunos lugares hasta que ya no puedan hasta que esté seca. Por supuesto que aún puedes hacer líneas pareadas con esto, pero más ligeras. Entonces podemos usar mucha agua. Hay dos maneras de hacerlo. O bien aplica mucha agua ya en su papel directamente y luego agrega su pintura allí, o simplemente diluye más en sus paletas y luego aplica. Se puede ver que aquí la pintura se difunde por completo. Es una pérdida total de control o lo que quieras hacer, pero es un efecto interesante. Esta técnica de poner agua en el papel primero se utiliza a menudo para lavados. utiliza mayormente un lavado para hacer un fondo, te puedo mostrar brevemente. Ten en cuenta que ahora para este proyecto tenemos papel de acuarela muy fino, muy ligero, sus apenas 200 gramos. Si quieres pintar algo que use mucha más agua, es mejor conseguir un papel más pesado para que no se mueva tanto. Creo que éste no va a tomar realmente tanta humedad. Para hacer un lavado, primero mojas tu papel, y tan grande como lo necesites. Realmente usé esto para fondos. Son solo dos y medio, y luego puedes elegir el color que necesites. Ya se puede ver el papel arriba, dilatado, moviéndose. Básicamente solo haciendo un gradiente, podrías hacer un cielo como este. Puedes decidir simplemente mezclar diferentes colores. Imagina si estuvieras haciendo una puesta de sol o algo así, esto te permite simplemente hacer una gran superficie. Simplemente crea fondos interesantes para lo que quieras pintar más adelante. Aquí hemos visto y también en el lavado que la pintura se difunde en mucha agua. Esto es lo realmente hermoso de qué color es que realmente puedes jugar con eso. Si solo golpeas la superficie, haz estos círculos difusos, y dependiendo de nuevo cuánto o cuán pequeña hagas la pintura que amortiguaste dentro puedes hacer impresiones más pequeñas. Estoy de acuerdo, jugar con esto y solo ver qué efectos puedes hacer. La belleza realmente en la acuarela es esta tensión entre algunas cosas que realmente están controladas y luego algunas cosas que no están en absoluto, y donde se hace cargo la pintura. Si logras mezclar estas dos propiedades de las pinturas, entonces tu trabajo se pone realmente interesante. Por ejemplo, mezclemos lo muy saturado y controlado con algo menos control. Aquí puedo pintar como si estuviera sosteniendo un bolígrafo. Sé exactamente lo que estoy haciendo. Puedo establecer las formas donde quiera. Simplemente lo colorearé. Entonces empiezo a añadir agua. Yo quiero hacer un poco de pelo, así que agrego mucha agua aquí mismo en mi papel y poco a poco empiezo a unirlo a la forma que ya he hecho. Entonces podría agregar cosas a mi cabello. Apenas esta transición de algo muy controlado y dibujado precisamente pintado un poco rápido ahora, pero se obtiene lo que quiero decir. Después entrando en esta explosión de formas muy espontáneas, porque aún no sabemos cómo se verá esto cuando se seque. Es simplemente realmente hermoso, y es bastante único creo entre las técnicas de pintura. Que la pintura simplemente también tiene su propia vida de alguna manera. Necesitas mucha paciencia si no quieres que suceda algo como esto donde un color sangra al siguiente. Si quieres tener dos superficies de color una al lado de la otra, realmente tienes que esperar a que se seque una antes de agregar la siguiente, o puedes estar seguro de que habrá una contaminación en la otra superficie. También es realmente hermoso, es un efecto que puedes hacer a propósito. Pero si sí quieres superficies muy distintas con color agua, definitivamente necesitas esperar a que todo se seque antes de continuar. Para resumir, hemos aprendido los fundamentos de la pintura con acuarelas. Hemos aprendido la importancia de la cantidad de agua que usas al pintar con este medio, y empezamos a tener una idea del estilo de pintura que podemos hacer con las acuarelas. Ahora que tenemos los fundamentos abajo, podemos pasar a aprender algunos efectos más específicos. Eso ya veremos en la siguiente lección. 10. Técnicas de acuarela Parte 1: En la lección anterior, hemos aprendido los fundamentos de la pintura en acuarela. Ahora quiero mostrarles tres técnicas que utilizo que producen bellos efectos. Se trata de gradientes, estratificación, y yuxtaposición monocromática. Vamos a sumergirnos en gradientes. Como hemos visto en los conceptos básicos de la acuarela, la acuarela tiene una tendencia natural a crear gradientes. Esto lo hemos visto con la difusión. Al igual que cuando mojamos el papel y agregamos pintura, podemos ver que ya es en sí mismo un gradiente. Es más oscuro en el medio y va más ligero y más ligero y más ligero. Usaremos esta tendencia natural de la pintura para hacer nuestros propios gradientes con diferentes combinaciones de colores. Por supuesto, la forma más fácil de hacer un gradiente es usar solo un color, y así es un gradiente monocromo. Mismo principio que aquí, agregamos el color que queremos, luego nos quitamos el exceso de pintura, y tomamos esta pintura que ya está en el papel y simplemente la arrastramos hacia fuera hasta que no haya color en absoluto. Esta es la forma más sencilla de hacer gradientes con un solo color. Para hacer un gradiente de dos en color, es el mismo principio básicamente estaremos haciendo dos gradientes monocromáticos, que cruzan en el medio. Una vez más tomaré esta naranja, haré bastante saturada al principio. Quítate el exceso de color, tira de esto, quiero que se ponga muy ligero en el medio, pero no se haya ido del todo. Ahora tomo mi segundo color, tomo un rojo más oscuro, lo coloco aquí. Una vez más, quita el exceso de pintura y tira de ella hacia el centro, por lo que se fusionarán aquí. A veces un lado se seca un poco, puedes ayudarlo mojándolo de nuevo. El gradiente a veces se ve un poco incómodo mientras aún está mojado, pero una vez que se seca, se suavizará. También usa un poco de agua ahora. Si uso menos, puedo controlarlo un poco más así. De nuevo, tienes que probar cuánta agua funciona para ti. Por supuesto también puedes, una vez más, hacer una variación donde primero mojar la superficie y luego agregar el color. Para mí, esta es sólo una forma muy inestable de trabajar, pero para cada uno lo suyo. Tengo un poco de tendencia a que me guste controlar a dónde van las cosas en ciertas situaciones dependiendo de lo que esté pintando. Sí, esto también puede ser un camino a seguir. Entonces podemos pensar de nuevo en la teoría del color y en lo que hemos aprendido ahí. Aquí tenemos un gradiente bastante armonizado de naranja a una especie de rojo. Por supuesto, el rojo está contenido en naranja, así que no hace falta decir que realmente deberían fusionarse bien. Ahora si tomamos colores de cortesía, eso se pone un poco más complicado. Porque como hemos visto, cuando mezclamos primaria y de cortesía, podemos conseguir un color cercano al marrón o al gris. Vamos a intentarlo. Voy a tomar un poco de azul, sacarlo, y naranja más claro. Se puede ver en el medio que está creando una especie de verde caqui. Se trata de una combinaciones de colores especiales, sobre todo en el medio. De verdad me encanta esto, es mi gradiente favorito. No a todos les puede gustar. Realmente deberías probar como hicimos con las paletas de colores, lo que te gusta y demás. Acabo de hacer unas cuantas formas, podemos rellenar. Hagamos otra vez una armonizada. Por ejemplo, si estás haciendo corazones, empieza con rojo en la parte inferior, arrástrelo un poco, quiero que esto se ponga un poco más ligero aún, así que empuja hacia atrás los pigmentos. Entonces me voy a llevar un poco de magenta me voy, coloca en la parte superior. Estoy siendo realmente desordenado. Ahora lo estoy empujando hacia el rojo. rosa y el rojo suelen ser realmente fáciles de mezclar, tienen una transición realmente suave. Entonces podríamos probar otra combinación de colores de cortesía. He dibujado una especie de forma de manzana, tal vez podríamos incluso hacer un gradiente que ha llamado a las fuentes desde diferentes ángulos, por lo que colocando rojo. Por supuesto, no siempre tienes que hacer gradientes en el sencillo camino de derecha a izquierda, podría ir en cualquier dirección que quieras, todos modos lo necesites. cortesía al rojo es verde, en este caso colocaré el color en el medio y luego trabajaré mi camino al rojo por ambos lados. Tienes que trabajar un poco más rápido. En estas situaciones, si agregas más parámetros, más ángulos, más colores diferentes para que los colores que has puesto primero no se sequen porque entonces se vuelve un poco más complicado. Por supuesto, si vuelves a agregar agua, sobre superficie de acuarela, tiene tendencia a aflojarse de nuevo y podrías seguir pintando, pero no siempre funciona con todos los pigmentos. Esto también es algo que descubrirás cuando solo experimentes con tus colores desde tu paleta. Cada marca y cada color diferente tiene, por supuesto, una composición química diferente y algunas de ellas simplemente reaccionan manera muy diferente a diferentes efectos. Una vez que se hayan secado, algunos de ellos realmente se aflojarán de nuevo cuando añadas agua y algunos no. Tratarás de averiguarlo por ti mismo. ¿ Por qué no probar un gradiente con tres colores? A lo mejor me llevo de nuevo este azul. Porque estoy usando tres colores diferentes, sería demasiado complicado hacer los tres al mismo tiempo, como aquí. Aquí todavía estamos justo en los dos mismos, pero tendría que limpiar mi cepillo con demasiada frecuencia aquí. Tenemos el primero, y después vamos a añadir un poco de magenta en la parte superior. Prueba esto por ti mismo, prueba algunas formas diferentes, diferentes combinaciones, prueba varios colores, o simplemente monocromo, y sí, puedes crear tu propio vocabulario de gradiente, por lo que la yuxtaposición monocromática. Este es un término que he inventado, no sé si realmente existe, pero es como lo llamo yo. Es una técnica muy sencilla, solo necesita paciencia. Al igual que hemos visto en los conceptos básicos de la acuarela, básicamente se basa en que esperemos que las superficies se sequen completamente antes de continuar, y en la tendencia de los pigmentos a reunirse de forma natural en el borde de una superficie cuando esa superficie se seca. El modo en que funciona es que eliges tu color, haces la superficie que deseas. Ten cuidado de no hacerlo demasiado saturado, demasiado oscuro, o será difícil de ver. Después esperas a que esa superficie se seque. Esperemos un momento. Parece que ya se ha secado. Ahora que esa superficie se ha secado, ya se puede ver que muy ligeramente el borde es un poco más oscuro que el interior de la forma, que los pigmentos se han reunido ahí. Volvemos a tomar el mismo color, solo hacer la siguiente superficie de color junto a él, y también hay un poco de superposición, por lo que volverás a hacer esa parte un poco más oscura y esperar a que esto se vuelva a secar. Mientras tanto, como usualmente uso esta técnica para pintar hojas, bueno, eso es lo que la uso mucho porque crea estructura sin tener que dibujar líneas en realidad, y te mostraré cómo se parecen a las hojas. Para ahorrar tiempo, ya he pintado cada segundo superficie, así que tienen tiempo para secarse y luego podría crear las que faltan y veremos aparecer este efecto. Nuestras superficies de prueba se han secado. De verdad se puede ver esta línea muy bien ahora. Entonces puedes ver en estas hojas que he llenado, también puedes ver las líneas, y parece que las he pintado, pero en realidad no lo he hecho. Acabo de yuxtaponar estas mismas superficies de color una junto a la otra, y esperar a que se sequen. Simplemente se superponen ligeramente también para que se oscurezca un poco. Se pueden hacer muchas cosas con esto. En realidad también he pintado esta superficie de mesa con esta técnica, como se puede ver en el ejemplo. Una vez más, sólo pruébalo. Pruébalo con todos los colores que quieras. Basta con mirar alrededor, también puedes ver lo que tienes en tu casa que está estructurado de esta manera. Cosas que tienen el mismo color como aquí, pero aún tienen alguna forma de patrón en su interior. La madera es un muy buen ejemplo para ello y las plantas. Te dejaré experimentar y veremos el último efecto. 11. Técnicas de acuarela Parte 2: Ahora analizaremos la técnica de estratificación. Una vez más, esto se trata mucho de paciencia. Una vez más, como hemos visto en los fundamentos de la acuarela, la pintura de acuarela es en sí bastante translúcida, por lo que realmente podemos jugar con eso con diferentes capas. También hay cosas a tener en cuenta porque por supuesto, esta pintura es soluble en agua. Cuando añadas una segunda capa para poner la primera, ten cuidado de no añadir demasiada agua o simplemente suavizarás la primera capa de nuevo. Ya veremos cómo tener cuidado en qué colores se van a capas y cómo. Empecemos con eso en realidad. Podría tomar un poco rojo y hacer una superficie encima del amarillo. Ya lo he diluido bastante para que podamos ver qué pasa. Todavía se puede ver la forma amarilla debajo de la plaza. Aquí se puede ver el borde de la misma. Por supuesto, esa olla roja ha sido naranjada porque el amarillo está debajo. Si usara el rojo de una manera muy saturada, entonces solo cubriría la capa debajo y ya no la veríamos en absoluto. Tenemos que pensar en la teoría del color aquí. Porque cuando capas, los mismos principios están activos. Por ejemplo, si tomo un poco de azul y lo agrego, se puede ver que la parte que está encima del amarillo ahora se ha vuelto verde, o se ve verde porque el amarillo brilla con el azul y hemos visto que el azul y el amarillo hace verde. Ese es un efecto realmente bonito. Pero entonces si tomo el morado, que es el color complementario al amarillo, es un poco más difícil porque se ve un poco gris, un poco pardo. Ten eso en cuenta cuando encuentres eso, sobre todo si capas de forma bastante translúcida la columna inferior brillará y cambiará el código superior. Si lo hacemos con un color más oscuro y le agregamos uno claro muy translúcido en la parte superior, eso no es suficiente, apenas veremos el código superior, sobre todo cuando se seque. También porque un poco de la primera capa se volverá a blandir, manchará a la superior. Si está más oscuro debajo, probablemente obtendrás algo de ese color en tu segunda capa. Como ahora tengo un poco de rojo en mi amarillo. Por lo general siempre es más fácil usar un color más oscuro que el que se utiliza en la primera capa. Agregado el color de cortesía en la parte superior, es bastante ligero. Apenas lo veo. Es decir, desde donde estoy sentado se ve un poco pardo. Esta es una forma de capas, simplemente agregando un color encima del otro. Puede ser bastante útil si estás pintando caras, por ejemplo. Quieres hacer tal vez capa ligera primero y luego agregar algunos detalles faciales más en la parte superior. Es una manera realmente buena de hacerlo. Entonces podemos usar capas monocromáticas. Ahí es básicamente donde usas, como yo tengo aquí una naranja muy clara y estoy tomando esa misma naranja pero de la manera más saturada. Simplemente volveré a subir encima, para que pueda agregar más detalle en la superficie inferior con el mismo color. No siempre necesitas cambiar los colores solo para agregar más detalle a algo. Nuevamente, podemos hacer lo mismo con el verde. Este fue el verde claro y agregando versión saturada en la parte superior. Si no saturas demasiado tu color superior como aquí, realidad puedes hacer algunos acabados bastante sutiles con esto, que creo que es realmente hermoso. A menudo uso esta técnica solo para agregar detalles sobre lo que sea que estoy pintando. Por ejemplo, si tuviera recipiente de cerámica lento y quiero agregar algunos adornos, lo hago porque la superficie también es agradable y seca, no se está aflojando. Realmente podrías pintar toda una pintura más encima de lo que ya tienes. Realmente me gusta crear textura haciendo estos pequeños puntitos, que es similar al punteado. A veces solo es agradable agregar estos pequeños detalles para romper la forma en que se ve la pintura. Simplemente puedes jugar con formas. También es hermoso cuando parte de algo se superpone una forma y luego no lo hace en la otra. Entonces si tienes unos blancos muy opacos en tus paladares, incluso puedes ver qué pasa cuando añades el blanco a un color más oscuro. Esto también es pintura de acuarela. Si realmente quisieras agregar un blanco muy opaco, incluso podrías usar algunas otras pinturas. Usa un poco de gouache, un poco de acrílico para colorear. Esto cuando se seca, se vuelve a absorber por el color debajo. Es posible que necesites agregar muchas capas. Y otra vez, si quieres algo muy sutil, también es algo agradable de hacer. Estos son algunos de los efectos de estratificación que uso que me gusta sólo hacer mi trabajo un poco más rico. Para recapitular, hemos aprendido tres nuevas técnicas que podemos utilizar con la acuarela, sus gradientes, estratificación, y yuxtaposición monocromática. Ahora que hemos cavado en colores y tenemos nuestras paletas y hemos aprendido los fundamentos de la acuarela, y tenemos nuestros efectos para crear bonitas texturas, ahora podemos empezar a pintar nuestros caprichosos personajes. 12. Pintura Parte 1: Por lo que habíamos dejado de lado nuestros objetos de boceto por un tiempo para que pudiéramos aprender sobre el color y la acuarela. Ahora que eso está hecho y tenemos todas estas nuevas habilidades y nuestra paleta de colores, ahora podemos empezar con la pintura. Intentemos por cada objeto que pintamos aplicar los tres efectos que hemos aprendido, y utilizar la mayoría de los colores en nuestra paleta de cinco más blanco y negro. Voy a pasar por cómo pinté mis tres objetos. En esta lección, pasaremos por la primera. Entonces aunque ahora estamos atacando la obra final, aún intenta tratarla como un experimento. Mantente juguetón, mantente relajado mientras lo haces. Suena un poco cursi, pero siempre me siento como los sentimientos que tienes mientras pintas, como la alegría y sólo la alegría en realidad se pueden ver en el resultado de la pintura. Así que solo diviértete. Elige qué personaje quieres empezar a pintar, colócalo en tu caja de luz, y luego tu papel de acuarela encima. Para mantenerlo en su lugar, voy a usar cinta adhesiva. Puede ser útil poner ya el Lightbox. Este objeto es bastante pequeño así que no hay riesgo de que lo encubriremos con la cinta, es cuando tienes algo más grande para que puedas ver lo que estás haciendo. Esto nos ayudará a mantener nuestra pintura en su lugar porque vamos a colorear en nuestro boceto básicamente, y con el agua, el papel se va a mover un poco y por supuesto, también podrías cambiar el papel así que al menos esto asegura que permanecerá en su lugar. Trataremos de aplicar los tres efectos que aprendimos en cada pintura, gradientes, yuxtaposición y estratificación mientras también usamos la paleta que hemos creado. Entonces echa un vistazo a tu pintura antes de empezar, solo para ver tipo de dónde quieres usar qué color y qué efecto. Estoy pensando en usar un gradiente en el cuerpo. A lo mejor de rosa para la pierna a marrón y marrón en la parte superior. Estoy pensando tal vez rosa para los labios, y cualquier detalle usaré los colores restantes, que son amarillos y azules. El interior de la boca quiero usar mayormente rojo en diferentes tonos, y luego los detalles serán negros. Entonces, procedamos. Como hemos aprendido, ahora estoy haciendo mi gradiente, sacando el color tanto como puedo. Ahora estoy agregando segundo color aquí. Aquí lo haremos un poco más oscuro. Por lo que se puede ver que en realidad, somos una especie de mezcla de dos tipos de gradientes. Es por un lado, un gradiente monocromo. Entonces de rosa oscuro a rosa claro y marrón oscuro a marrón claro y luego encima de eso, de rosa a marrón. Parte superior, quiero hacer sólo de un gradiente marrón monocromo a marrón claro. Voy a dar la vuelta a mi dibujo porque esto tiene que secarse y no quiero meterle la mano. Poco a poco empezando a aclarar este color marrón. Voy a añadir mucha agua ahora, que sea realmente ligera porque voy a llenar esto, porque hay un montón de secciones para pintar. Por todos los detalles, nos tomaremos un tiempo y para que todo encaje al final. Tan solo para hacer acentuar la característica especial aquí, por lo que el cuello es visible. Me gusta pintar los dedos de los pies dejando estos entre libre y también, tiene un poco de tiempo para secarse. Entonces esta es de nuevo la idea de la yuxtaposición. Si dejo estos para que se sequen un poco antes de colorearlos, tendremos un lindito ribetecito entre ellos. Si los coloreo de uno tras otro, mientras todo sigue bastante mojado, se derretirá juntos y se convertirá en una gran blob. Entonces sí, a menudo tienes que esperar un poco a que las cosas se sequen pero también puedes usar ese tiempo para pintar todos los bits o simplemente hacer algo más por completo. Entonces mientras esto se seca, solo trabajaré en los ojos un poco como definir la forma un poco mejor. Si acabo de mojar mi pincel, puedo mojar también la pintura otra vez y solo utilizarla para definir la forma, manera más precisa sin añadir ningún color nuevo. Siempre que lo necesites, solo puedes usar una hoja de papel extra. Ve qué tan saturada está tu pintura en el pincel para asegurarte de que obtuviste la saturación correcta. Ahora, decidí simplificar un poco la boca. También había hecho dientes en la parte inferior, pero estaba un poco demasiado lleno. Por lo que en realidad ahora he tomado la decisión de sólo mantener los dientes superiores. Esto es algo que puedes hacer por supuesto una vez que estás pintando y ves que algo es demasiado o realmente no te gusta. Todavía puedes cambiarlo. A lo mejor puedes recordar, pero en mi objeto había algunos patrones. Los he guardado un poco para la nariz, pensando ahora que podría ser bueno añadirlos arriba. Para hacerlo un poco más cómico, en realidad tengo ganas de agregar algunos pelos pequeños en la pierna. Por lo que hemos pintado a nuestro primer personaje. Hemos utilizado todos los efectos que aprendimos y tratamos de mantener una postura relajada durante el cuadro. Pasemos a los dos siguientes. Te estaré mostrando en la siguiente lección lo que hice con mis dos objetos restantes, y recuerda publicar tus primeros resultados ya en la galería. 13. Pintura Parte 2: En la sesión anterior, pintamos nuestros primeros objetos, ahora seguiremos con los otros dos. Simplemente seguiremos aplicando los hechos y el paladar, manteniendo el mismo estado mental. Si bien usamos todas las mismas cosas, todavía intentaremos que se vean un poco diferentes. Cada uno será único, pero aún así parte de la serie. Ahora te mostraré lo que he hecho con mis dos personajes restantes. Para este porque no he usado mucho rojo, creo que ese será el color principal. Nuevamente, quiero tener algunos gradientes y piernas. A lo mejor yuxtaposición con el agua de afuera. Aquí me voy a quedar en un gradiente monocromo, así que sólo voy de rojo oscuro a rojo claro. Trazando ligeramente las formas. Sé amable con cómo cambió el color hacia la parte superior. En busca de un bonito sprite amarillo. Voy a hacer marrón el interior de la boca. Recuerda que aquí había dientes pequeños. Voy a mantenerlo blanco. fondo parece estar seco, ahora puedo hacer el esquema. Creo que podría ser agradable invertir el amarillo y el rojo aquí, así que empieza con el amarillo, dibuja un gradiente en rojo en la parte superior. Siempre va a haber acuarelas simétricas, perfectas. Ese también es el encanto de la misma. Le he puesto un poco de agua a mi pintura. Estoy tratando de remojarlo sin sacar demasiado al pintor. También podemos dejar que se seque. Parte de derrames, realmente puedes salirte con mucha agua. En ocasiones, es más fácil dejarlo secar un poco primero. Estas cosas suceden. Si suceden errores, solo integre a su pintura, saca lo mejor de ella. No es realmente un error si aún haces que se vea bien al final. Me faltan las pupilas a los ojos. Realmente no hemos usado ninguna capa aquí excepto por los ojos. Pero me gusta bastante el dibujo tal como es, así que le añadiré la final tocada a la lengua, y creo que ya terminamos. 14. Pintura Parte 3: Mi personaje de tetera es el más grande que tengo y uno de los más detallados. Creo que este sería el perfecto para volver a probar realmente todos estos efectos y usar todos los colores de la mejor manera posible. Estoy pensando en hacer el cuerpo mayormente azul, con azul y marrón para las plumas, y luego en los pies y el pico, usar los otros colores cálidos, el rojo y amarillo y un poco de marrón, tal vez el rosa pueda venir de nuevo en las mejillas y en estos pétalos de aspecto florido. Esta será realmente la ocasión para probar la yuxtaposición monocromática y los gradientes. Veamos cómo va esto mientras empiezo a pintar. Voy a empezar con la superficie más grande, sólo el fondo. Pintar mejilla mientras la pintura está mojada para que se pueda fusionar más en el fondo, y estoy completamente bien con solo dejarla volver loca. Si bien estoy haciendo el fondo, realmente estoy tratando de buscar la estructura de una tetera. Las zonas que están más en la curva, un poco más debajo, las estoy haciendo más oscuras, así que tienes este sentido de un poco de tridimensionalidad. Tenemos mucha luz en este video, así que puedes ver lo que estoy haciendo, pero cuando estás pintando tus propios personajes, quizá quieras atenuar un poco la luz para que realmente puedas ver las líneas de tu boceto en el caja de luz un poco más fácil. No te pongas demasiado oscuro por lo que aún puedes ver tus colores, pero un poco más oscuro definitivamente ayuda. Ahora aquí, hay una charca de agua y el color se ha ensamblado. Lo voy a desprender un poco con mi pincel porque tardaría mucho tiempo en secarse, y en realidad no quería que tanto azul estuviera en la superficie. Antes de que podamos continuar en esta zona, esto tiene que secarse ahora. Si bien lo hace, los pies no están tocando el fondo azul, así que ya puedo empezar a pintar esos. Porque son más pequeñas, también voy a usar un cepillo más pequeño. Esto también se va a secar ahora. Creo que esta zona se ve bastante seca, así que seguiré con el pico. Ahí, quiero hacer un gradiente de rojo a amarillo, tal vez con un poco de marrón en el inicio del pico. Con esto podría añadir después. Empezaré con el rojo. Esperaré a que esto se seque antes de poder continuar con la fosa nasal y la boca y la abertura en la punta del pico. Ahora mismo hay mucho secado, yo podría hacer la pupila, el iris del ojo. En mis patas de pollo o de pájaro, tengo muchas plumas y quiero hacerlas todas marrones camino hasta aquí. Esta será una mezcla de gradientes y yuxtaposición monocromática. Nuevamente, no queremos que estas superficies se toquen porque necesitan secarse antes de que podamos continuar. Realmente asegurándome de que aún quiero seguir pintando, pero asegurándome de no tomar plumas que realmente están al lado de la otra. Hice la punta de esta pluma un poco más oscura de lo que quería, así que con mi pincel y un poco de agua, estoy tratando de eliminar algún exceso de color. De aquí en adelante, me gustaría que mis plumas se volvieran azules lentamente. A la siguiente capa, voy a hacer gradiente de marrón a azul. Porque este marrón está muy cerca del naranja, cuando se reúne con el azul, es un poco como lo que vimos con los gradientes naranja y azul. Crea un color grisáceo, caqui marrón en el medio. Pero creo que encaja realmente bien ahora también con ellos siendo plumas. Estos parecen que se han secado, por lo que podemos continuar con este fin. Ahora has pintado tus tres personajes caprichosos. Ahora tienes tres tsukumogamis, o monstruos, o fantasmas, o simplemente objetos divertidos. Enhorabuena. En la siguiente lección, veremos los resultados y terminaremos esta clase. 15. Conclusión: Enhorabuena nuevamente por terminar tus obras de arte. ¿ Cómo se ven del todo? Si te gusta hacer a estos personajes, ¿por qué no convertirlo en un reto diario o semanal? También podrías decidir hacerlo posesión tsukumogami así. Hemos pasado por todo desde la inspiración, encontrar nuestros materiales, hacer bocetos, transformar, aprender sobre la teoría del color, aprender sobre los conceptos básicos y efectos de la acuarela, y luego pintar. Lo más importante, hemos utilizado nuestra imaginación y nuestra creatividad, produzco algo único. Sea cual sea la obra de arte que hagas, qué medio usas, solo trata de recordar explorar experimentos, ser juguetón, divertirte con ella. No hay bien ni mal, lo importante es solo encontrar una manera de trabajar que más te convenga y que haga brillar tu arte. Sígueme y mi trabajo en Instagram o en mis sitios web, y estar al día sobre cualquier nueva clase. Sería increíble si pudieras compartir tus obras de arte en la pestaña Proyectos y Recursos para que todos podamos echar un vistazo e inspirarnos el uno del otro. Espero que hayas disfrutado de la clase. Muchas gracias por seguir, y nos vemos la próxima vez.