Heleboro en acuarela: flor realista paso a paso

1. INTRODUCCIÓN: Hola, y bienvenidos a este tutorial de alibar. En esta clase, te guiaré a paso a través de pintar esta hermosa flor llena de morados profundos y ricos verdes exuberantes Este proyecto es un poco más avanzado, pero no importa tu nivel de habilidad, eres muy bienvenido a probarlo, especialmente si estás de humor para un desafío gentil. Explora hermosas combinaciones de colores y aprende a mezclar esos morados oscuros profundos junto con otros tonos llamativos y vibrantes que dan vida a esta flor También tendrás mucha práctica con la técnica wet on wet que usaremos a lo largo de los pétalos para crear transiciones suaves y profundidad. Se trata de una pintura más exigente que pide paciencia, un poco de precisión y algo de coraje con el color. Pero si te tomas tu tiempo y te quedas con el proceso, estoy seguro de que te sentirás realmente orgulloso de lo que creas. Hay tantos detalles hermosos para disfrutar en el camino, las delicadas vetas en los pétalos y ese precioso contraste entre los estambres claros y el centro más oscuro de la Es una de esas pinturas que lleva tiempo, pero es increíblemente gratificante verlo unirse lentamente. Mostrarte paso a paso cómo abordar un tema más complejo como este. Por supuesto, podría simplificarse, pero en este tutorial, disminuiremos la velocidad, observaremos cuidadosamente y nos centraremos en construir nuestra pintura con intención. No nos apresuraremos, tómalo una capa a la vez. Para que las cosas sean más fáciles y relajantes, he dividido este tutorial en partes más pequeñas para que puedas moverte a través él cómodamente y a tu propio ritmo, construyendo poco a poco la pintura sección por sección. Espero que te sientas inspirado y emocionado por comenzar. Reúna sus suministros, respira hondo y empecemos a pintar juntos. 2. Proyecto y recursos: He preparado una selección de recursos útiles para su proyecto disponibles en la sección de proyectos y recursos. Encontrarás un archivo PDF con la lista de suministros que utilicé para esta pintura, junto con una foto de referencia y una imagen de mi obra terminada para orientación. dibujos lineales en varios tamaños También se proporcionan dibujos lineales en varios tamaños para que pueda imprimirlos y transferirlos a su papel de acuarela en el tamaño que mejor se ajuste a sus necesidades. Adicionalmente, hay fotos de progreso de trabajo para ayudarte a seguir el proceso y enfocarte en áreas específicas. Siéntase libre de explorar estos materiales y utilizarlos para crear su propia pintura única y hermosa. Por favor, comparta su pintura final en la sección de proyectos y recursos. También te animo a que te tomes el tiempo para ver trabajo de cada uno en la galería de proyectos estudiantiles. Siempre es inspirador ver lo que otros crean, y el apoyo de tus compañeros de puede ser increíblemente reconfortante. No olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. Por último, recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de comenzar a pintar. Esto te dará una comprensión clara de qué esperar en cada etapa del tutorial. Si encuentras útil esta clase, agradecería mucho que te agradecería mucho que dejaras una crítica honesta. Sus comentarios me ayudarán a mejorar mi contenido y ayudar a otros estudiantes a decidir si unirse a esta clase. Gracias de antemano. 3. Plan de pintura: Antes de saltar al proceso de pintura, tomemos un momento para mirar el tema en su conjunto y platicar a través del plan. Creo que todos podemos estar de acuerdo en que la paleta de colores en la foto de referencia es absolutamente hermosa, y eso es lo que inmediatamente me atrajo a esta flor. La combinación de púrpura profundo, rosas suaves y esos jugosos verdes vibrantes es simplemente impresionante, y sabía que se traduciría maravillosamente en una pintura de acuarela Los morados oscuros son especialmente llamativos. A pesar de que lograr ricos colores profundos en acuarela a veces puede ser un desafío, en este caso, me sentí bastante seguro al respecto. inmediato pensé en usar mezclas con pinturas grises, especialmente combinaciones de magenta y Alizarin carmesí con Pains gray para crear esos tonos aterciopelados profundos Llevo un tiempo queriendo explorar estas combinaciones de colores, así que esta se sintió como la oportunidad perfecta. iluminación en la referencia también es encantadora con reflejos brillantes y sombras fuertes. Este tipo de contraste lo convierte un tema ideal para acuarela. Cuando miré más de cerca, noté que hay bastantes detalles intrincados En ese punto, tuve que decidir cuánto quería simplificar. La simplificación puede significar no sólo pintar las cosas de una manera más flexible, sino también eliminar elementos que no son esenciales Este caso, elegí mantener bastante del detalle porque sentí que realmente valdría la pena. Quería que este fuera un estudio más detallado, algo en el que podamos reducir la velocidad y disfrutar realmente observando y pintando todas esas hermosas estructuras. Al mismo tiempo, todavía quería que se sintiera como una pintura, no una foto. Entonces, si bien no simplifiqué mucho en términos de detalle, sí simplifiqué la composición. Compara la foto de referencia con la pintura terminada, notarás que eliminé las flores desenfocadas en el fondo y también los estambres secos que descansaban sobre los pétalos Sentí que estos elementos no eran necesarios, pero claro, si te gustan, puedes incluirlos absolutamente en tu propia versión. Ayuda a visualizar la composición final, abrí la foto de referencia en la app Adobe Fresco en mi iPad y experimenté un poco Quité el fondo y pinté uno más simple digitalmente. Probé algunas opciones, incluyendo fondos más claros, pero al final, elegí uno más oscuro. fondo más oscuro realmente ayuda a resaltar la luz en los pétalos y crea un contraste más fuerte tanto con las flores como con las hojas. Repitiendo algunos de los colores principales de la flor en el fondo también ayuda a mantener la composición del color armoniosa sin distraer al sujeto principal A continuación, pensé en enmascarar el líquido. A menudo uso líquido de enmascaramiento alrededor de los bordes del sujeto principal para poder pintar el fondo más libremente, pero no siempre. En este caso, primero llené los espacios negativos de mi dibujo lineal con un color plano solo para ver claramente las formas. Esto me ayudó a notar que las áreas de fondo entre los pétalos y las hojas son en realidad bastante simples. Por eso, decidí que podía pintar cómodamente alrededor de ellos sin usar líquido de enmascaramiento. No obstante, los estambres en el centro son una historia diferente. Si intentáramos pintar cuidadosamente alrededor de cada forma diminuta, interrumpiría el flujo, especialmente cuando se trabaja con lavados suaves húmedos sobre húmedos en los pétalos Así que aquí el uso de líquido de enmascaramiento tiene perfecto sentido. Nos permite pintar los pétalos con libertad y confianza sin preocuparnos por conservar esos pequeños detalles Entonces en esta pintura, los estambres son la única zona donde voy a aplicar líquido de enmascaramiento Después de tomar estas decisiones, dediqué algún tiempo a planear todo el proceso. Qué pintar primero, qué viene después, qué colores usar y cómo construir las capas. Esta etapa de planeación a veces puede llevar bastante tiempo. Y en este caso, me tomó unos días. Una vez que tengo un plan claro en mi cabeza, el proceso de pintura se vuelve mucho más relajado y agradable. Entonces así es como abordaremos esta pintura paso a paso. Comenzaremos aplicando líquido de enmascaramiento para proteger los estambres y luego comenzaremos con el fondo A continuación, pintaremos las hojas en tres etapas, una capa inicial, una segunda capa para profundizar los colores, y finalmente los detalles Después pasaremos a los sépalos, siguiendo el mismo proceso de tres pasos Después de eso, cambiaremos de verdes a morados y pintaremos los cogollos en dos etapas Entonces empezaremos a trabajar en los pétalos. Primero, aplicaremos una capa base a todas ellas. Después de eso, profundizaremos los colores trabajando en dos rondas para que podamos pintar pétalos alternos sin molestar a las capas anteriores Una vez que tengamos una base sólida, agregaremos las hermosas vetas y los detalles más finos. Finalmente, eliminaremos el líquido de enmascaramiento y nos centraremos en las declaraciones, la parte más delicada e intrincada, y llevaremos toda la pintura hasta su finalización Como puede ver, hay bastantes pasos involucrados. Por lo que esta es una oportunidad maravillosa para practicar pacientes. Tómate tu tiempo y te prometo que valdrá la pena. Dividió intencionalmente el proceso en partes más pequeñas para que pueda seguir cómodamente y tomar descansos cuando lo necesite. No tienes que terminar este cuadro de una sola vez, y lo más probable es que no lo hagas eso está absolutamente bien. Esto no es una carrera, y no hay presión para precipitarse. Deje que esta sea una experiencia tranquila y agradable, una oportunidad para reducir la velocidad, concentrarse y pasar un tiempo significativo con sus pinturas. Intenta pensar en esto como un proyecto más largo e inmersivo, una oportunidad para practicar tus técnicas, generar confianza y simplemente disfrutar del proceso de pintura Y solo por este tiempo, permítete alejarte de todo lo demás. Deja de lado las distracciones, suelta la presión y concéntrate en este momento creativo y tranquilo Espero que estés listo ahora porque en la siguiente parte, comenzaremos aplicando el líquido enmascarador. 4. Aplicación del líquido enmascarar: Antes de comenzar a aplicar líquido enmascarador, me gusta aligerar suavemente el boceto a lápiz usando una goma de borrar amasada Una goma de borrar amasada es suave y flexible. Puedes darle forma a un rollo y moverlo ligeramente sobre el dibujo. Levanta el exceso de grafito y suaviza las líneas sin eliminarlas por completo. Especialmente me gusta hacer esto cuando estoy pintando áreas más claras, y aquí me enfocaré principalmente en aligerar los estambres Para enmascarar, estaré usando el líquido de enmascaramiento Windsor Newton, que tiene un tinte amarillo. En lugar de trabajar directamente desde la botella, vierto una pequeña cantidad en una tapa de una botella vieja del líquido enmascarador lo suficiente para lo que necesito. También mantén cerca un pequeño trozo de jabón, lo cual es muy importante a la hora aplicar líquido de enmascaramiento con un cepillo. Para este paso, siempre uso un cepillo económico. líquido de enmascaramiento puede ser bastante duro en las cerdas, así que suelo mantener algunos cepillos sintéticos baratos solo para este propósito También use un pequeño recipiente separado de agua para enjuagar el cepillo. Nunca uso el agua de mi pintura principal. Empiezo vertiendo una pequeña cantidad de líquido enmascarante en la taza y luego cierro inmediatamente la botella. Esto ayuda a evitar que se seque y lo mantiene utilizable por más tiempo. También evito sumergir mi cepillo directamente en la botella ya que es menos conveniente y expone el fluido al aire durante demasiado tiempo. Antes de recoger el líquido enmascarante, sumerjo mi cepillo en agua limpia y lo froto suavemente sobre el jabón. Esto crea una capa protectora en las cerdas y ayuda a evitar que se peguen entre sí Y no te preocupes el jabón no afectará tu papel o pintura más adelante. Ahora puedo sumergir el pincel en el líquido enmascarador y comenzar a aplicarlo. Tómate tu tiempo aquí y trata de quedarte dentro de las líneas de lápiz. Se trata de un área pequeña con detalles intrincados, por lo que sí requiere un poco de precisión Vale la pena tener cuidado porque una vez que se retira el líquido enmascarante, los bordes serán muy visibles, sobre todo porque los estambres estarán rodeados de tonos mucho más oscuros Los materiales de la clase, encontrarás una ilustración que muestra exactamente dónde apliqué el líquido de enmascaramiento, lo que debería ser útil como guía. No hay necesidad de apresurar este paso. Es el único lugar en esta pintura donde el líquido de enmascaramiento es realmente necesario a menos que decidas enmascarar también los bordes de los pétalos y las hojas. Si quieres hacer eso, este es el momento de aplicarlo. Una vez que hayas terminado, enjuaga bien tu cepillo con agua y límpialo nuevamente con jabón. Esto mantendrá las cerdas en buen estado. Sin jabón, el líquido enmascarante se secará y los pegará juntos. Ahora deja que el líquido de enmascaramiento se seque completa y naturalmente. Una vez que esté seco, pasaremos a pintar el fondo. 5. Fondo: El líquido de enmascaramiento ahora está completamente seco por lo que podemos pasar a pintar el fondo. Antes de comenzar y también de vez en cuando durante la pintura, me gusta rociar ligeramente mis pinturas con agua limpia usando una botella de spray. Esto ayuda a suavizarlos y hace que sea más fácil recoger un color más fluido y viable Empecemos por preparar nuestras mezclas. Para esto, suelo usar un cepillo plano, solo uno simple y económico sintético. Hace que sea mucho más rápido recoger grandes cantidades de pintura de los pozos y transferirlas al área de mezcla. La primera mezcla que prepararemos es quinacrodon magenta con pinturas grises Me gustaría mencionar que mi quinacrodon magenta está hecho con pigmento PR 122, que es una versión muy brillante Algunas pinturas de diferentes marcas tienen el mismo nombre de este color, pero están hechas con pigmento P V 19. Y éste tiende a ser un poco más oscuro y más silenciado. Entonces, si deseas lograr resultados similares, asegúrate de tener el pigmento PR uno, 22. Esta mezcla ya da un morado profundo, pero me gustaría cambiarlo ligeramente. Entonces voy a añadir un toque de permanente lazaren carmesí. Esto mueve el color un poco hacia el lado rojo y crea un púrpura realmente rico y hermoso. Para los greens, usaré una mezcla de oro verde, pinturas grises y tono amarillo verde Windsor. Esta será mi base verde. Puedo ajustarlo fácilmente, agregando más oro verde para un tono más cálido, más claro o más pinturas grises para un verde más oscuro más profundo. Empezaré a pintar en la sección superior donde tenemos dos pequeñas formas de fondo. Entonces me moveré hacia abajo por el lado izquierdo, y después de eso, pintaremos el lado derecho de arriba a abajo. Voy a rotar ligeramente la pintura para que esta primera zona sea más cómoda de alcanzar. Es un pequeño ajuste, pero realmente ayuda con el control, especialmente en estos espacios más apretados Para esta parte, voy a estar usando el pincel Tamaño seis. Aquí estoy pintando húmedo y seco, simplemente llenando estas pequeñas áreas con un verde oscuro. Ahora, voy a cambiar a un pincel si ten y pasaré a la sección de fondo más grande de la izquierda. Comenzaré con el verde y luego poco a poco la transición a los púrpuras Podrías notar que sigo trabajando mojado sobre seco, que no es mi enfoque habitual para los fondos. Normalmente, prefiero mojado sobre húmedo para transiciones más suaves y suaves. Y si disfrutas de esa técnica, no dudes en usarla aquí. No hay absolutamente nada malo en eso. Esta vez, elegí húmedo y seco por dos razones. Primero, supe que la flor en sí tardaría bastante en pintarse por todos los detalles. Quería mantener el fondo relativamente rápido y sencillo. Húmedo y seco es más rápido porque no necesitamos aplicar una capa inicial de agua. Y la segunda razón es que es más fácil lograr tonos más oscuros de inmediato. Cuando pintamos mojado sobre húmedo, la capa de agua adicional diluye el pigmento y una vez que todo se seca, los colores pueden parecer más claros de lo esperado Eso puede significar agregar otra capa más tarde. Aquí, quería llegar a esos tonos profundos de una sola vez. Por supuesto, la compensación es que húmedo y seco pueden resultar en transiciones menos suaves. Podrías notar algunas ligeras inconsistencias, y eso está perfectamente bien Eso no me importa aquí porque la flor naturalmente atraerá la mayor parte de la atención. En el lado izquierdo, paso de verde profundo a un morado intenso y luego a un magenta quinacredon más limpio A pesar de que los colores se ven bastante oscuros, sigo usando una buena cantidad de agua en mis mezclas. Esto ayuda a mantener la pintura húmeda por más tiempo, lo que facilita la mezcla y crea transiciones más suaves. hoy es bastante cálido aquí donde estoy pintando, así que la pintura se está drenando rápidamente Sé que eso podría crear algunas áreas desiguales, pero estoy feliz de abrazar eso. También usando morados y magentas en el fondo para hacer eco de los colores del sujeto principal Esto crea una bonita conexión entre la flor y el fondo, haciendo que toda la pintura se sienta más cohesionada El morado en el fondo también puede sugerir tristemente otras flores en la distancia sin necesidad de pintarlas en detalle. A continuación, pintaré las secciones más pequeñas en la parte inferior, y luego pasaré al área superior derecha. Aquí nuevamente, empiezo con verde y luego la transición al morado. Trato de colocar un poco de púrpura entre las hojas, así que después tendremos un hermoso contraste entre las formas verdes y el fondo. Una vez rellenadas todas las secciones, dejaremos que todo se seque completamente. Y cuando el fondo esté completamente seco, pasaremos a pintar las hojas. 6. Hojas: capa inicial: El fondo ahora está completamente seco por lo que podemos comenzar a pintar las hojas. Empezaré limpiando el lado izquierdo de mi paleta para poder preparar colores frescos y para que veas claramente lo que estoy mezclando. Para esta etapa, creo que un pincel talla ocho va a funcionar muy bien. Para los greens, he decidido usar una mezcla de amarillo transparente y sombra verde azul Windsor. La razón de esta elección es que las hojas contienen una gama de tonalidades desde verdes amarillentos más cálidos hasta tonos más fríos y más azulados Incluso puedes notar toques de azul en los sépalos, por lo que esta combinación ayuda a mantener todo armonioso a lo largo de la pintura Me gusta crear una pequeña gama de colores en mi paleta, una mezcla equilibrada de los dos colores en el medio. Más azul agregado en un lado y más amarillo en el otro. De esta manera, puedo recoger fácilmente el tono exacto que necesito en este momento. Empezaré con la hoja de la izquierda. Se puede ver que tiene dos áreas de color distintas, una verde más amarilla en un lado y una verde azulado más fría en el otro Para mantener estos colores limpios y frescos, primero pintaré un lado y luego volveré al otro lado una vez que esté seco. Comenzaré por recoger una mezcla con más amarillo y aplicarla húmeda sobre seca. Si bien todavía está húmedo, voy a caer un poco más del verde medio para crear una variación suave. Ahora pasaré a la siguiente hoja, y aquí voy a aplicar un color similar en un lado e introduciré suavemente un verde ligeramente más rico a lo largo de la vena central En esta etapa, simplemente estamos estableciendo los colores base. Todavía no hay necesidad de enfocarse en los detalles. Sólo queremos cubrir todas las hojas con sus tonos verdes generales. Aquí comenzaré con el verde medio y luego introduciré amarillo más transparente a lo largo del borde. El amarillo transparente es un color hermoso y resplandeciente que se mezcla muy bien con otros colores. Si lo tienes, te recomiendo encarecidamente usarlo. Si no, puedes crear un efecto similar mezclando un amarillo frío con un amarillo cálido, manteniendo la mezcla ligeramente en el lado del color. Por ejemplo, podrías mezclar amarillo Windsor con amarillo Windsor profundo. Mientras pinto, estoy tratando de dejar la vena central sin pintar por ahora ya que son bastante prominentes y las definiremos más claramente más adelante Para crear un verde más oscuro, mezclaré amarillo transparente y tono verde azul Windsor con algo más oscuro. Aquí estoy usando un poco de púrpura, pero las pinturas grises en realidad serían una opción aún mejor. Voy a seguir aplicando estos colores base en todas las hojas siempre observando los cambios entre verdes más cálidos y fríos y tratando de preservar las venas principales. Este es un ejercicio maravilloso tanto para la observación como para mezcla de colores porque hay tanta variedad de verdes en las hojas. Pero recuerde, la precisión del color es menos importante que los valores tonales Aunque tus greens no coincidan perfectamente con la referencia, lo que realmente importa es si son lo suficientemente claros u oscuros en los lugares correctos. Al trabajar en esta capa inicial, ya sean hojas, sépalos, o más tarde los pétalos, ayuda imaginar que aún no hay sombras y detalles. Incluso puedes entrecerrar los ojos ante tu referencia para simplificar lo que ves Solo estamos buscando el color general general. Piense en esta capa como una base o un mapa de colores. No hace falta que esté oscuro. Construiremos profundidad gradualmente en las siguientes capas por ahora enfocarnos en identificar si un área se inclina más hacia el amarillo o el azul y ajustaremos tus mezclas en consecuencia. Una vez que la primera capa esté seca, volveré a la hoja inicial y pintaré el segundo sitio con un verde más azulado más frío También voy a pintar la hoja pequeña en la parte inferior. Solo necesitaba esperar un momento para que la zona arriba se secara ligeramente antes de continuar. Para acelerar las cosas, secaré suavemente esta capa con un secador de pelo y luego terminaré las últimas secciones restantes. Uno de ellos es más amarillo, y para el área final, mezclaré un verde más claro con un sutil toque de púrpura. Ahora tenemos la capa base aplicada a todas las hojas. Deja que todo se seque completamente, y en el siguiente paso, comenzaremos a construir la segunda capa. 7. Hojas: profundización de los colores: Esta parte será muy similar a la anterior. Estaremos usando los mismos colores, pero el objetivo es ligeramente diferente. Ahora queremos profundizar los colores. Eso significa hacerlas más intensas, más saturadas y en algunas zonas más oscuras. Quizás te estés preguntando por qué no hicimos esto en la primera capa de inmediato, y esa es una muy Por supuesto, podríamos tratar de lograr todo de una sola vez. Pero el efecto sería diferente, no dramáticamente diferente, pero suficiente como para que prefiero construir color gradualmente en capas. Debido a que la acuarela es transparente, una sola capa siempre permite que parte del papel blanco se muestre a través. Esto puede hacer que el color parezca más claro y menos profundo. Pero una vez que tenemos una capa base, agregar otra capa transparente en la parte superior aumenta la riqueza y profundidad porque ya no estamos pintando directamente sobre papel blanco Es por ello que construir color con capas es tan efectivo. Lleva un poco más de tiempo, pero realmente vale la pena. Otra ventaja es el control. Con cada nueva capa, podemos ajustar suavemente tanto el color como los valores del túnel, haciendo pequeños refinamientos en lugar de tratar de conseguir que todo sea perfecto a la vez Para esta etapa, voy a estar trabajando mojado sobre mojado. Y voy a explicar por qué a medida que avanzamos. Empezaré por aplicar una fina capa de agua limpia a una sección, y luego dejaré caer el color. Hay algunas razones por las que elegí esta técnica aquí. En primer lugar, es más suave en la capa anterior. Al trabajar sobre una superficie húmeda, puedo introducir suavemente el color y dejar que se extienda forma natural sin perturbar lo que ya hay debajo Si trabajo para mojar y secar, necesitaría mover más el cepillo, lo que aumenta el riesgo de levantar o perturbar la capa anterior. La segunda razón es que crea transiciones más suaves. Los colores se mezclan más naturalmente sobre una superficie húmeda, lo que ayuda a unificar el área y suavizar cualquier borde Y finalmente, ayuda a refinar el aspecto general. Esta capa no sólo profundiza los colores, sino que además suaviza sutilmente cualquier pequeña imperfección de la primera capa dando La diferencia entre la primera y la segunda capa puede parecer bastante sutil, pero eso es completamente normal. Estamos construyendo todo gradualmente, profundidad, color y forma paso a paso sin apresurarnos Una vez que termines, deja que esta capa se seque completamente. Puedes usar un secador de pelo si quieres acelerar las cosas, y cuando todo esté seco, pasaremos al siguiente paso y terminaremos las hojas. Y. 8. Hojas: pinta las venas: Esta parte tomará un poco más de tiempo porque ahora nos enfocaremos en sumar las venas y hacer ajustes finales para llevar las hojas a una etapa terminada. Empezaré con un pincel talla cuatro. Tómate un momento para volver a mirar cada hoja y pregúntate si hay algo que puedas refinar o mejorar. Por ejemplo, en esta primera hoja, siento que el verde azulado podría ser un poco más profundo, así que rápidamente aplicaré otra capa húmeda sobre seca para Ahora pasando a la siguiente hoja, empezaremos a trabajar en las venas. Primero, me gusta limpiar y refinar la vena central. Hago esto pasando un cepillo húmedo a lo largo de esa vena para reactivar suavemente la pintura y luego levantarla con una toalla de papel Esto ayuda a suavizar la forma y hacer que la vena sea más definida. Para las venas secundarias más pequeñas, levantamiento llevaría mucho tiempo, especialmente porque estamos usando colores de tinción que son más difíciles de eliminar. Entonces, en cambio, usaremos un método mucho más simple y controlado. Pero primero, limpiaré rápidamente la vena central de la siguiente hoja también. Ahora, mezclaré amarillo transparente con un pequeño toque de amarillo Windsor profundo para crear un amarillo ligeramente más cálido, y usaré esto para teñir las venas para que no queden de blanco puro. Mientras estoy aquí, también agregaré una pequeña sombra sutil entre las hojas. A continuación, pasaremos a usar guash. Voy a usar guash blanco permanente Windsor Newton. Voy a exprimir una pequeña cantidad solo un poco es suficiente y colocaré sobre una superficie coloreada para que pueda ver el color con más claridad. A este blanco, voy a añadir un poco de amarillo Windsor profundo y siena quemada, creando un marrón amarillento cálido muy claro Este será el color para nuestras venas. Comenzaré con mi pincel redondo tamaño cuatro, pero rápidamente me doy cuenta de que es un poco demasiado grande para detalles tan finos. Entonces voy a cambiar a una brocha de forro tamaño cero. Un cepillo liner o un rigger tiene cerdas puntiagudas muy finas, que lo hace perfecto para pintar líneas delicadas como venas Trabajar con gouache a esta escala puede ser un poco complicado Encontrar la consistencia adecuada requiere algo de práctica, y también vale la pena recordar que el gouache se seca un poco más oscuro y más transparente de lo que parece cuando está mojado Debido a eso, es posible que necesites repasar las venas más de una vez para hacerlas visibles. Por lo general, agregar un poco más de blanco a la mezcla ayuda a que destaquen. En esta pintura, el contraste es bastante sutil, por lo que las venas no serán extremadamente audaces, pero puedes construirlas suavemente. Tómate tu tiempo aquí. No hay necesidad de apresurarse. Esta etapa realmente se beneficia de la paciencia y la precisión. Después de pintar las venas, también puedes realzarlas agregando sombras muy sutiles a su lado usando un verde ligeramente más oscuro. Esto no sólo hace que las venas sean más visibles, sino que también le da a la hoja una sensación más tridimensional. Notarás lo fino que es este cepillo. Casi se siente como pintar con solo unas cerdas. Es perfecto para este tipo de trabajo de detalle, y lo usaremos nuevamente más tarde para sépalos y pétalos Repetiré el mismo proceso en las siguientes hojas. Primero, refinando la vena central, luego pintando las venas más pequeñas con la mezcla de gouache En esta hoja, primero usaré la sienna quemada para pintar las venas y luego repasarla con la mezcla de gouache más ligera También noto un toque de rojo en la punta de la hoja, así que agregaré un poco de rojo quinacrodón Bueno, en realidad lo exageraré poco para crear un sutil toque de color Y ahora me gustaría profundizar aquí el verde azulado Voy a aplicar el color entre las venas, lo que también ayudará a que las venas se destaquen más. Para esto, volveré a cambiar a mi tamaño fush y luego agregaré sombras suaves a lo largo de las venas como antes Voy a repetir los mismos pasos sobre las hojas restantes. Podrán notar que a medida que el gouache se seca, se vuelve menos visible, así que continúo acodando tonos más claros para ir acumulando poco a poco el efecto En esta etapa, también podemos introducir un poco de textura extra. Usaré un verde ligeramente más oscuro para agregar algunas marcas orgánicas irregulares, muy sutiles solo para darle más interés a la superficie. En la hoja pequeña además de las venas, también profundizaré la sombra con un verde más oscuro Ahora, voy a usar un cepillo de fregado en mi caso, un cepillo de galeria Windsor Newton tamaño cuatro para ablandar suavemente uno Sumerjo el cepillo en agua, elimino el exceso, y froto ligeramente esa zona. Después dejo la pintura con una toalla de papel. Esto crea una transición más suave y natural. A continuación voy a añadir un amarillo más brillante, y esta vez, estoy usando el amarillo Windsor. También puedo ver algunos acentos rojizos, así que volveré a usar rojo quinacrodon para También me gustaría oscurecer un poco más la hoja debajo del tallo Comenzaré con una mezcla de verde y morado y luego la profundizaré aún más con un verde más oscuro Por último, tenemos dos hojas pequeñas en la parte inferior. En la hoja en forma de corazón, comenzaré pintando la vena central. Después agrega un toque de quinacradón rojo, en la punta y Ya que esta hoja se sienta a la sombra, profundizaré usando una mezcla de verde y morado Aquí, no me preocupa demasiado hacer coincidir los colores exactos. Mi pensamiento es muy sencillo. Es hoja verde, así que uso verde. Está en la sombra, así que lo hago más oscuro y agrego púrpura para conectarlo con los colores circundantes y para silenciar y profundizar naturalmente el verde En la última hoja, voy a crear una textura interesante usando pinceladas irregulares simples. Con un verde más oscuro, voy a pintar pequeñas formas orgánicas, dejando los huecos entre ellas. Esto crea una textura sutil pero hermosa. Para terminar, aplicaré una capa más en el lado rizado de la hoja, nada complicado, solo profundizando ligeramente los tonos usando los mismos verdes y Y con eso, se acaban las hojas. Y 9. Sépalos: capa inicial: En esta parte, vamos a pintar los sépalos. Son elementos verdaderamente hermosos, especialmente el que está en la parte inferior con su encantadora gama de colores y vetas intrincadas Puede parecer complejo al principio, pero verás que en realidad es más manejable cuando lo tomamos paso a paso Para este paso, estaré usando un pincel tamaño seis para aplicar la capa inicial a todos los sépalos. Comenzaré con un verde amarillento, una mezcla de amarillo transparente con algunas sobras de verde de Me gusta comenzar con el color más claro, más brillante, y luego poco a poco pasar a verdes y finalmente a morados Seguiremos el mismo enfoque que con las hojas. Esta primera capa se trata simplemente de crear un mapa de colores, colocando los colores principales en las áreas correctas. no hay necesidad de preocuparse por Todavía no hay necesidad de preocuparse por los contrastes fuertes o los tonos profundos Podemos sugerirlos suavemente, pero el enfoque principal debe estar en establecer las relaciones generales de color y preservar las áreas más claras. Para el siguiente seple, comenzaré con la sienna quemada y luego la transición a verde y púrpura En la punta, volveré al amarillo transparente. Este sépalo atrapa mucha luz, así que mantendré el valor general del túnel bastante ligero Ahora pasando a los sépalos en la parte inferior, comenzaré con una mezcla verde hecha de amarillo transparente, azul windsor, sombra verde, y pinturas grises En realidad hay dos sépalos aquí, pero los trataré como una forma más grande por ahora Esta zona es un poco más compleja en términos de color, así que tómate tu tiempo observando. verde es la base, pero también hay hermosos tonos azules, así que introduciré más azul windsor en esas zonas. También traeré un poco de morado, principalmente magenta quinacrodon y dejaré que estos colores se mezclen suavemente en el papel Cuando el morado se encuentra con el verde o el azul, se vuelve más silenciado, lo que aquí funciona muy bien Especialmente me gusta agregarlo a lo largo de la vena central. No te preocupes si el morado parece desaparecer en esta etapa. La capa verde sigue siendo muy ligera y se secará aún más pálida. Entonces tenemos muchas oportunidades para fortalecer esos colores más tarde. Que creo que esto es suficiente para esta sección por ahora. Mientras estamos aquí, también apliquemos rápidamente colores base al tallo de la derecha. Ya que es un área pequeña, no voy a crear un paso separado para esto. Noto un poco de rojo, así que usaré rojo quinacrodon en un lado, y luego unos toques de púrpura oscuro y verde para completar la base Recuerda, esta capa inicial es solo una base. Si sabes que luego estarás agregando más capas, no hay necesidad de que esta sea perfecta. Las siguientes capas refinarán y mejorarán todo. Lo que importa es que cubrimos el blanco del papel y establecemos una base para colores más ricos y profundos Ahora, deja que todo se seque completamente. Puedes usar un secador de pelo si lo deseas, recuerda dejar que el papel se enfríe antes de pasar a la siguiente capa. 10. Sépalos: profundización de los colores: En esta parte, aplicaremos la segunda capa de ajuste de capa. Ahora profundizaremos los colores y fortaleceremos las sombras. El objetivo aquí es preparar los sépalos para la etapa final, que será el veteado Antes de agregar esos detalles finales, queremos asegurarnos de que los valores tonales y las sombras ya están bien establecidos Comienza con el primer sépalo usando los mismos colores que antes y el pincel tamaño seis, comenzaré en la parte superior con morado, luego gradualmente la transición al verde a medida que me muevo hacia abajo lo que me estoy enfocando aquí es en la sombra, así que la estoy dando forma a partir de lo que veo en la referencia. Dentro de las áreas verdes, también puedo introducir tonos ligeramente más azulados para agregar variedad Y en las zonas de sombra más oscuras, profundizaré el color con un morado más rico Ahora pasaré al siguiente sépalo. Aquí la sombra es más fuerte en un lado de la vena central, así que comenzaré colocando primero la forma más oscura. Entonces construiré suavemente las áreas de sombra circundantes. Al aplicar el verde, ablandaré el borde inferior para que solo quede más definida la parte superior de la forma Esto ayuda a crear una transición más natural. Y aquí una nota rápida y disculpa, mi cámara dejó de grabar por un momento Entonces lo que ves ahora es después de unos minutos de trabajo. He añadido más formas verdes y también pinté la vena central con púrpura. Continuaré agregando un poco más de siena quemada en la parte superior y algunas formas verdes adicionales Estas formas simples y suaves ayudan a sugerir la estructura acanalada del sépalo También dejaré caer algunos acentos verdes más oscuros para reflejar lo que puedo ver en la referencia y terminar esta zona con un toque de verde amarillento en la punta A continuación mezclaré más de mi base verde, amarillo transparente, los vientos son azules, y dolores grises, y la utilizaré para agregar una pequeña sombra cerca. También voy a repasar el tallo otra vez para profundizar los colores. el lado izquierdo, reforzaré el quinacridón rojo, y en el resto, voy a construir el verde Cerca de la base, agregaré un púrpura más oscuro más profundo para fortalecer la sombra. Ahora para el seple final, comenzaré con un verde más oscuro en el lado izquierdo donde está la sombra más profunda Esta vez estoy agregando más pinturas grises a mi mezcla verde para lograr esa profundidad. Dejaré un pequeño hueco para el área de la vena más ligera, que refinaremos más adelante. Los bordes pueden parecer un poco afilados por ahora, pero siempre podemos suavizarlos después con un cepillo húmedo o un cepillo de fregado A medida que continúo, estoy usando los mismos colores que antes. Pero debido a que ahora tenemos múltiples capas, los tonos aparecen más ricos e intensos El blanco del papel ya no está influyendo tanto en el color, lo que nos da esa mirada más profunda Al pintar, tengo en cuenta que hay una sombra proyectada por la flor a través de la parte superior del sépalo. Entonces en esa zona, me aseguraré de usar el color verde más oscuro. También estoy introduciendo un poco más de azul windsor y magenta quinacredon en esta capa para enriquecer la variación de color Para las sombras más profundas, mezclaré el verde con algunos de los morados oscuros que ya están en mi paleta y lo aplicaré selectivamente. Terminaré este seple equilibrando suavemente los greens en la zona inferior Ahora me alejaré por un momento y miraré la pintura en su conjunto. Noto que la sombra en el primer sépalo sigue siendo un poco demasiado clara, así que volveré a entrar y profundizarla ligeramente con otra capa de verde y púrpura Dado que la superficie ya está seca, esta es una buena oportunidad para hacer ese ajuste. Y eso completa la etapa. En la siguiente parte, nos centraremos en los hermosos detalles finales, el veteado en los sépalos M. 11. Sépalos: pinta las venas: Esta es mi parte favorita de toda la pintura. Ahora vamos a agregar esas hermosas y delicadas venas a los sépalos. Hay algo realmente especial en esta etapa, la forma en que los morados interactúan con los greens y los azules y cómo estas líneas finas repente dan vida a todo Añaden tanto carácter y elegancia. Para pintar las venas, estaré usando el pincel assize zero liner. Estas líneas son muy finas, por lo que tener un pincel con una punta fina y afilada es esencial. Sea cual sea el cepillo que estés usando, asegúrate de que llegue a un punto realmente bueno. Intenta mantener tus líneas delicadas. Si se vuelven demasiado gruesos, podemos perder ese refinado efecto intrincado Para los colores, usaré principalmente tonos morados, pero también voy a introducir un poco de verde aquí y allá para que el patrón no se sienta demasiado uniforme. Voy a estar mirando la foto de referencia para orientación general, pero no estoy tratando de copiar cada línea exactamente. En cambio, mi objetivo es recrear la sensación general del patrón Hay tres cosas clave a tener en cuenta al pintar estas venas. Primero, mantén las líneas muy delgadas. Usa un pincel con punta fina y comienza con trazos ligeros y delicados. Siempre puedes espesar ciertas áreas después, pero es mucho más difícil fijar una línea que sea demasiado gruesa desde el principio Varíe la línea con sutilmente. Deja que las líneas se estrecharan hacia los extremos casi como sus líneas, para que se sientan suaves y naturales como si desaparecieran suavemente en la superficie del sépalo. Enfatizar algunas intersecciones. Un poco engrosando algunas intersecciones, hacen que el patrón se vea más orgánico y visualmente interesante Mientras trabajo aquí, también haré algunos pequeños ajustes. Profundizaré una sombra en el sépalo izquierdo y suavizaré el borde con una También usaré la brocha depuradora para suavizar suavemente algunos bordes duros y levantar algo de pintura para crear Estos pequeños refinamientos pueden marcar una gran diferencia. En el lado izquierdo, siento que la zona es un poco demasiado ligera, así que rápidamente me glasearé sobre ella con un verde claro cálido y la secaré con un secador de pelo Este es un buen recordatorio de que siempre podemos ajustar y refinar las cosas a medida que avanzamos. Ahora estoy listo para comenzar el veteado. Empezaré con un morado muy claro, solo para trazar un mapa hacia donde quiero que vayan las líneas. Una vez que esté contento con la colocación, repasaré con un color más fuerte, reforzando áreas seleccionadas y engrosando ligeramente algunas intersecciones En este punto, mis lineamientos de lápiz han desaparecido en su mayoría bajo la capa de pintura. Si lo prefieres, puedes redibujar ligeramente las venas antes de pintar Pero en realidad me gusta trabajar sin ellos. Permite más libertad, y las líneas se sienten más limpias sin marcas de lápiz visibles. En el lado derecho, comenzaré la vena central y luego en las venas ramificadas más pequeñas Observe que la vena principal no es perfectamente recta. Tiene un flujo natural, ligeramente irregular que se suma al realismo. Para la vena principal, estoy usando quinacrodon magenta puro. Crea un hermoso contraste contra los verdes y azules. También variaré la fuerza del túnel de las venas. Algunas secciones son más oscuras, especialmente en las intersecciones mientras que otras permanecen más claras Las líneas también varían ligeramente en anchura. Todo esto ayuda a evitar un aspecto uniforme plano y en su lugar crea un patrón orgánico más vivo. Una vez que las venas están en su lugar, me gusta alejar el zoom y mirar la pintura en su conjunto. Esto me ayuda a detectar cualquier área que pueda necesitar ajustes. Aquí noté un área pequeña que necesita un toque más verde, y también agregué un poco más de siena quemada al sépalo de la derecha Esta es una de las ventajas de trabajar en capas transparentes. Siempre podemos refinar y mejorar a medida que avanzamos. Y con eso, se acaban los sépalos. En la siguiente parte, pasaremos a pintar los cogollos morados profundos. Y. 12. Botones: capa inicial: En esta parte corta, aplicaremos la capa inicial a los peros. Estaré usando un pincel tamaño seis, y comenzaré limpiando mi paleta para poder mezclar colores frescos y limpios, y así puedes ver claramente lo que estoy usando. Para la mezcla principal, combinaré quinacrodon magenta con pinturas grises y luego agregaré un toque de carmesí lazarina permanente para desplazar la tonalidad ligeramente hacia el lado rojo Esto nos dará un rico púrpura profundo. También tocaré un poco de alizarina carmesí pura y magenta quinacrodon puro en la paleta para que pueda alcanzarlos fácilmente cuando Y en la parte inferior, también me quedaré con un poco de tono azul verdoso Windsor. Comenzaré aplicando el azul Windsor en medio del pero donde puedo ver un sutil resaltado. Entonces cambiaré a la mezcla púrpura principal y pintaré alrededor de esa zona. Dado que el azul aún está húmedo, los colores se mezclarán suavemente en el papel Hacia la punta del murciélago, voy a introducir más azaren carmesí para traer un tono rojizo ligeramente más cálido Una vez que los colores principales estén en su lugar, recogeré un morado más concentrado, más oscuro y lo agregaré a las áreas de sombra más profundas. Aquí me gusta usar un suave movimiento de dabbing con el cepillo. Esto permite que se libere más pigmento exactamente donde lo coloco en lugar de extenderlo con una pincelada regular. Es una técnica muy útil cuando se quiere construir profundidad e intensidad en un punto específico. Al bate de la derecha, también voy a introducir algunos amarillos. Comenzaré con amarillo transparente en la parte superior, luego la transición a carmesí de alizarina y finalmente al morado en la base Podrías notar un pequeño detalle que me perdí aquí. Justo debajo del sépalo, en realidad hay una sección más oscura de malo que no pinté en esta etapa Solo lo noté más tarde mientras trabajaba en los pétalos y terminé tratándolo como parte de la flor en su lugar. Si prefieres estar más cerca de la referencia, puedes incluir esa zona púrpura más oscura ahora. Pero honestamente, es un detalle tan pequeño que no afectará el resultado general, sobre todo porque se vuelve menos notorio en la pintura terminada. Para el mal final, comenzaré con lazarin carmesí y luego en púrpura en las zonas sombreadas En general, estos cogollos son bastante oscuros. Entonces, incluso en esta etapa inicial, podemos apuntar a tonos relativamente profundos. La capa se secará un poco más tarde, pero nos dará una base fuerte, y los colores finales aparecerán más ricos y vibrantes 13. Capullos - Incorporación de sombras: Después de aplicar la capa inicial, ahora tenemos una buena base para trabajar. En esta parte, profundizaremos los tonos oscuros y terminaremos los murciélagos con unos pequeños ajustes y detalles Ya se puede ver que a pesar los colores se veían muy oscuros cuando están mojados, aparecen más claros una vez secos. Eso es porque el blanco del periódico aún se muestra a través. Para lograr colores más ricos y profundos, necesitamos construirlos en capas Entonces ahora volveré con la misma mezcla de púrpura oscuro y enfocaré en fortalecer las sombras más profundas. Trata de no sobrecargar la superficie aquí. Lo mejor es usar el menor número posible de pinceladas. Esta particular mezcla morada no está muy manchada, lo que significa que es más fácil perturbar la capa anterior incluso cuando está seca. Así que trabaja suavemente y coloca los tonos más oscuros con intención. También agregaré el morado más oscuro a lo malo de la derecha. Primero, sugiero ligeramente la estructura con algunas líneas, y luego profundizo las sombras En el murciélago inferior, comenzaré pintando algunas líneas para indicar la separación entre los pétalos. Después aplicaré un tono más oscuro esta vez con un poco más de Alizarin carmesí hacia la parte inferior y finalmente profundizaré la sombra justo debajo de los sépalos Volveré brevemente al murciélago anterior y aplicaré una fina capa de lisarina carmesí sobre el Esto lo calienta y lo desplaza ligeramente hacia el rojo. Pero en un momento, levantaré un poco de pintura para traer de vuelta algo de ese amarillo. Ahora voy a secar todo a fondo. Una vez que la capa esté completamente seca, podemos hacer algunos ajustes finales. Para levantar reflejos, usaré mi cepillo seis de tamaño regular en lugar de un cepillo de fregado Lo sumerjo en agua limpia. Retira el exceso sobre una toalla de papel, y luego activa suavemente la pintura antes de levantarla con una toalla de papel. Esto crea reflejos sutiles muy suaves. Ahora, prefiero usar un cepillo redondo regular aquí porque estos colores se levantan con bastante facilidad, así que no hay necesidad de una fregadora rígida Un pincel más suave es más suave en el papel y crea reflejos de aspecto natural más delicados, que es exactamente lo que queremos en este caso. Voy a repetir este proceso en los otros murciélagos también. Después de eso, alejaré el zoom y echaré un vistazo a toda la pintura. Noté que uno de los sepos se ve un poco demasiado pálido en comparación con los demás y se siente un poco inconcluso A pesar de que es similar en la referencia, decidí agregar algunas veteadas para que se alinee más con el resto de la pintura Ahora estoy mucho más feliz con cómo se ve todo. Tómate un momento ahora, respira hondo, y tal vez tómate incluso un breve descanso. Y cuando estés listo, pasaremos a pintar los pétalos. 14. Pétalos: capa inicial: Ahora comenzaremos a pintar las flores principales. En este primer paso, aplicaremos una capa inicial a todos los pétalos con una pequeña excepción. En esta etapa, presentaremos esos hermosos tonos cálidos y brillantes que aportarán una calidad completamente nueva a la pintura Si miras la referencia de obra en curso, puedes ver que estaremos cubriendo la mayoría de los pétalos con colores base. Al tiempo que deja algunas áreas pequeñas sin pintar, como el último pétalo superior y algunos de los bordes delgados y rizados Incluso el solo hecho de observar esa imagen te da una buena idea de la dirección en la que vamos. Seguiré guiándote, claro, paso a paso y mostrarte exactamente cómo lo abordo. Primero, limpiaré el lado izquierdo de mi paleta para preparar mezclas frescas. También cambiaré el agua ya que ahora estaremos trabajando con colores más brillantes y más limpios, especialmente amarillos, y no queremos que se vuelvan opacos por los pigmentos sobrantes Debido a que los pétalos son más grandes y queremos trabajar de manera eficiente, voy a cambiar a un pincel tamaño diez. Preparemos los colores principales, rojo quinacredón, magenta quinacredón, amarillo transparente, siena quemada Mantendré mis mezclas moradas al otro lado de la paleta para que aún sean de fácil acceso. Para los pétalos, trabajaremos mojados sobre mojados para lograr transiciones suaves y gradientes suaves Comenzaré aplicando una capa de agua limpia al primer pétalo de la izquierda y ligeramente al siguiente. No hay necesidad de mojar toda la harina a la vez porque para cuando lleguemos al último pétalo, la superficie ya estaría seca. Es mejor trabajar en secciones más pequeñas manejables. También estoy evitando el borde delgado y rizado. Esta zona permanecerá sin pintar para preservar ese resaltado Empezaré con amarillo transparente ya que es el color más brillante y limpio Mientras aún está húmedo, voy a introducir sienna quemada y luego poco a poco me voy a pasar al magenta quinacudon Ahora voy a pasar al segundo pétalo, y aquí voy a usar una mezcla de quinacrodon magenta y quinacrodon Esto crea un hermoso tono rojo medio que podemos cambiar fácilmente ya sea más hacia el magenta o más hacia el rojo, dependiendo de la zona. Como siempre, aplico primero una capa de agua para mantener la superficie húmeda y permitir que los colores se mezclen suavemente. El tercer pétalo tiene más tono marrón, por lo que comenzaré con la sienna quemada cerca del centro y luego introduciré magenta y rojo hacia los bordes Esto va a ser mucho más oscuro después, pero por ahora, sólo estamos estableciendo una base y cubriendo el blanco del papel. En el cuarto pétalo, también comenzaré con amarillo transparente, luego la transición a rojo quinacradón y magenta hacia los bordes, dejando el borde rizado Podrán notar que estoy tratando estos pétalos como una sola zona conectada. A pesar de que son formas separadas, en esta etapa está perfectamente bien si los colores se mezclan entre ellas. Definiremos los pétalos individuales más claramente en capa posterior. Ahora pasemos a la flor en la esquina inferior izquierda. Aquí voy a necesitar un quinacrodon magenta limpio, puro, así prepararé un espacio fresco para También usaré el azul Windsor, que todavía tengo en mi paleta. Comenzaré aplicando una capa de agua sobre toda la flor, incluyendo el tallo. El agua ya no está perfectamente limpia, pero eso está bien. Todavía está bien para esta etapa. Asegúrese de que la superficie esté bien mojada. Es mejor tener demasiada agua que muy poca. Ahora voy a empezar a aplicar color, comenzando con un magenta quinacrodon fuerte Es un color muy vibrante y potente. Si bien se ablanda ligeramente a medida que se seca, sigue siendo uno de los rosas fríos más intensos Cuando se combina con el azul Windsor, crea un morado más apagado Debido a que el azul Windsor tiene un sesgo verde, la mezcla se vuelve ligeramente tenue, lo que aquí funciona maravillosamente También nos ayuda a mantener la armonía del color con el resto de la pintura. Para la última flor, es útil preparar todos los colores con anticipación. Este incluye una gama más amplia. Tenemos aquí magenta, rojo quinacredón, carmesí lizarina, púrpura, siena quemada, e incluso toques de verde. En los pétalos laterales, usaré una mezcla de rojo y magenta. En el pétalo principal, voy a aplicar lizarin carmesí y siena quemada por un lado y la mezcla morada por el En la zona verde, usaré una mezcla de amarillo transparente y azul windsor. También hay un fuerte resalte blanco en este pétalo, así que asegúrate de preservar esa área. Puedes sugerir suavemente una sombra suave si quieres. Pero en esta etapa, es más importante mantener ese resaltado limpio y ligero. Este es también el momento en el que me di cuenta que algo se sentía un poco mal en mi pintura, pero aún no me había dado cuenta de que antes me perdí una pequeña área morada oscura de la cama. Si también dejaste esa zona sin pintar, puedes seguir adelante y llenarla ahora con los colores de pétalos circundantes Lo corregiré en el siguiente paso, pero es un poco más fácil hacerlo en esta etapa. Y esa es nuestra capa inicial para los pétalos. Ahora deja que todo se seque completamente, y en las siguientes dos partes comenzamos a profundizar los colores y construir más profundidad en los pétalos 15. Pétalos: profundizar los colores, parte 1: En esta parte, comenzaremos a profundizar los colores en los pétalos Yo digo comenzar porque he dividido el escenario en dos partes. En esta, nos centraremos en estos cuatro pétalos, y en la siguiente parte, pintaremos los restantes. El motivo de esto es simple. En esta etapa, queremos crear una clara separación entre los pétalos. Y como volveremos a estar trabajando mojados sobre mojados, la pintura se mantendrá mojada por un tiempo, así que necesitamos trabajar en pétalos alternos. De esta manera, evitamos tocar áreas que aún están mojadas y evitamos que los colores fluyan involuntariamente entre ellas. Antes de comenzar, asegúrate de que puedes ver claramente los bordes de tus pétalos. Si es necesario, vuelva a dibujarlos suavemente. Me concentro principalmente en los bordes exteriores más que en las líneas de las vetas internas, ya que no quiero que esas marcas de lápiz permanezcan visibles. Al igual que con los sépalos, podemos improvisar las venas después Mi paleta, todavía tengo los mismos colores de la capa anterior. Solo mezclaré un poco más de siena quemada y refrescaré mi mezcla de rojo quinacrodon y magenta quinacrodon Empezaré con el primer pétalo. Al mirarlo, puedo ver que le vendría bien un poco más rosa y marrón, así que comenzaré aplicando una capa de agua limpia y luego introduciré esos colores. Este pétalo también tiene una sombra más oscura con un borde afilado porque estoy trabajando mojado sobre mojado, no voy a poder crear ese borde nítido en este momento, por ahora simplemente profundizaré colores con la sienna quemada y la mezcla de magenta rojo e introduciré suavemente un poco de púrpura en el área de la sombra Yo Ahora pasando al siguiente pétalo. Este es bastante oscuro con fuertes tonos marrones y más rojos y magenta hacia los bordes. Prepararé dos mezclas más oscuras. Sienna quemada con dolores grises para un marrón oscuro, y magenta quinacredón con azul windsor y dolores grises para un rico Primero aplicaré una generosa capa de agua, asegurándome de que la superficie esté uniformemente húmeda. No me preocupo demasiado por llegar a las líneas de lápiz. Normalmente dejo un pequeño hueco y luego tire de la pintura hacia el borde. Ahora comenzaré con la mezcla marrón y luego introduciré el morado oscuro cerca de los estambres Donde estos colores se encuentran, crean un tono hermoso, profundo, complejo. Alrededor de la parte media del pétalo, usaré una mezcla de rojo y magenta, y también puedo caer en un toque de amarillo transparente para mayor variación. Mantenga sus mezclas de pintura bastante fluidas para que no se sequen demasiado rápido en el papel. Una vez que todo el pétalo está cubierto y todavía mojado, llegamos a un paso importante. Recogeré el morado oscuro y usaré un suave movimiento de frotado para colocar más pigmento cerca del centro Esta técnica de dabbing libera más pintura exactamente donde la necesitas, lo que te permite construir esas sombras profundas y ricas sin sobretrabajar la superficie Se puede ver que cuando inclino la pintura, la pintura sigue moviéndose. Esto me dice que la superficie está muy bien mojada. Aprovecharé eso y agregaré un poco más de la mezcla de púrpura oscuro y alguna mezcla adicional de magenta rojo. En lugar de mezclar con el pincel, simplemente inclinaré la pintura para dejar que los colores fluyan y se mezclen de forma natural. Mientras este pétalo se asienta, prepararé color para el siguiente, una mezcla de quinacuin magenta con un toque de púrpura o azul windsor Después de aplicar una capa de agua, pintaré este pétalo usando esa mezcla. Ahora, pasemos a la última flor en esta sección. Usaremos los mismos colores que antes, pero debido a que estamos estratificando, el resultado será más rico e intenso Antes de agregar la pintura, tómate un momento para revisar tu capa de agua. La superficie debe tener un shen incluso alto, sin manchas secas y sin charcos de agua más grandes Si ve agua acumulándose en el borde cuando inclina el papel, simplemente use su cepillo para redistribuirlo sobre toda la superficie Ahora, voy a empezar a aplicar color. En el lado izquierdo, una fuerte mezcla de rojo, magenta y marrón. A la derecha, más magenta. En el medio, siena quemada, y en la parte inferior, algo verde También introduciré un poco de verde en la zona superior y lo tiraré suavemente hacia el tallo. Nuevamente, inclinaré ligeramente la pintura para ayudar a que los colores se mezclen de forma natural. Una vez que la pintura deje de moverse, deje que todo se seque. Si es posible, déjelo secar de forma natural. Por lo general, resulta en un acabado más suave. Pero si la superficie empieza a perder su shen y te gustaría acelerar las cosas, también puedes usar un secador de pelo. En la siguiente parte, vamos a repetir el mismo proceso sobre los pétalos restantes. 16. Pétalos: profundizar los colores, parte 2: Una vez que la capa anterior se haya secado, realmente se puede ver cuánta profundidad hemos logrado. Debido a que hemos construido dos capas, el blanco del papel ya no se muestra a través, y los colores ya se ven mucho más ricos En esta parte, nos centraremos en los pétalos restantes. Antes de comenzar, prepararé un poco más de pintura. Repasemos rápidamente los colores que estoy usando. Quinacredon magenta y rojo quinacredón sienna quemado mezclado con pinturas grises. Una mezcla púrpura de magenta, los vientos son azules, y pinta gris, y también agregaré un toque de lisarina carmesí a Como antes, estaré trabajando mojado sobre mojado, así que comenzaré aplicando una capa de agua y luego introduciré los colores. Al aplicar el agua, evitaré cuidadosamente el área resaltada del lado izquierdo. Dejaré un pequeño hueco para que pueda conservar un borde nítido aquí. Comenzaré con la conformación quinacrodon magenta que resalte primero para que no lo pierda accidentalmente Después aplicaré magenta en el lado opuesto del pétalo, pasando gradualmente a una mezcla de magenta y rojo quinacrodón A medida que me acerque al centro, introduciré un morado más oscuro con un sarín carmesí y finalmente usaré el morado más profundo justo cerca de los Entonces mientras la pintura aún está húmeda, voy a acumular la intensidad agregando más pigmento, más magenta y rojo, un toque de siena quemada en el centro, y púrpura más profundo donde las sombras son más fuertes El área oscura cerca de los estambres es especialmente importante porque crea contraste para los estambres más claros en el centro de la flor Mientras inclino suavemente la pintura para ayudar a que los colores se mezclen, también agregaré un pequeño toque de amarillo transparente mezclado con siena quemada en un par de manchas solo para introducir un poco de calidez y variación En el siguiente pétalo, comenzaré con una mezcla de amarillo y rojo y luego la transición a magenta hacia los bordes. Este pétalo también tiene una sombra más nítida y oscura que aún no definiremos completamente Volveremos a él más tarde una vez que esta capa esté seca. Pasando a los siguientes pétalos, continuaré con el mismo enfoque, aplicando primero una capa de agua y luego agregando color a la superficie húmeda. Aquí comenzaré con un púrpura más oscuro para establecer una clara separación y sombra entre los pétalos. En el pétalo de la derecha, quiero profundizar más el color Añadiré más púrpura en un par de zonas e introduciré un toque de naranja cálido en el lado derecho. Voy a tener cuidado de no cubrir la zona azul. Quiero que eso sea visible. Para la sombra más profunda, usaré la mezcla morada. Si es necesario, rápidamente mezclaré un lote fresco usando magenta, azul Windsor y gris dolores. También quiero fortalecer esa zona azul, así que prepararé una mezcla limpia de azul Windsor y la aplicaré ahí, dejando que se mezcle naturalmente con los colores circundantes. Entonces Ahora pasando a la última flor, aquí comenzaré con los pétalos laterales. Y en realidad, en este caso, estoy trabajando mojado sobre seco en lugar de mojado sobre mojado. Esto se debe a que necesito conservar un borde afilado, y esta área también es lo suficientemente pequeña como para no necesitar una capa llena de agua. Voy a usar rojo y púrpuras en las zonas más oscuras mientras dejo algunas secciones más claras sin pintar cerca de la parte superior También voy a introducir ahí un poco de marrón amarillento. En el pétalo opuesto, comenzaré con el mismo marrón amarillo cálido y luego transición a púrpura oscuro y finalmente a una mezcla de rojo y magenta. Este es también el momento en el que me di cuenta plenamente que antes me había perdido esa pequeña zona oscura. Terminé pintándolo como parte del pétalo en lugar de lo malo de arriba. Pero como puedes ver, sigue funcionando visualmente, así que no hay necesidad de preocuparse demasiado por ello. Y eso completa la etapa. Ahora deja que todo se seque completamente y prepárate para el siguiente paso. Añadiremos detalles más pequeños antes de pasar al veteado final Quién 17. ¿Cómo agregar detalles?: Antes de comenzar a pintar las venas en los pétalos, necesitamos asegurarnos de que los pétalos estén completamente preparados. Esto significa terminar todos los ajustes ahora porque una vez que añadimos las vetas, se vuelve mucho más difícil volver atrás y cambiar nada sin perturbar esos finos detalles Entonces en esta parte, repasaremos cada flor y completaremos cualquier cosa que aún necesite refinarse. Primero, no quiero dejar el pétalo superior completamente blanco. Ahora que todo a su alrededor está pintado, podemos agregar con seguridad algunas sombras suaves. Aplicaré una ligera capa de agua y luego introduciré magenta, rojos y morados muy diluidos , principalmente a lo largo de la parte superior y los lados y los bordes Voy a mantener el centro más ligero ya que ahí es donde la luz golpea con más fuerza. A continuación, regresaré al pétalo izquierdo y pintaré esa zona de sombra. Aplicaré un poco de agua y luego agregaré una mezcla morada con lazarin carmesí en la parte más oscura, mezclándola suavemente hacia suavemente Repetiré un proceso similar en el pétalo de la derecha, primero en el área de tono naranja más cálido, y luego en la sombra púrpura más oscura Ahora moviéndose a la flor en la parte inferior derecha, hay algunos pequeños detalles que me gustaría refinar aquí. Primero, agregaré un poco más verde a la hoja en el fondo. Se trata de un área pequeña, menos importante, por lo que no hay necesidad de sobretrabajarla. Apenas un toque de verde más oscuro en el centro y un verde amarillo más claro hacia los bordes. Oh otro detalle es el sutil pliegue en el lado izquierdo del pétalo. Para crear este efecto, simplemente pintamos sombras suaves por encima y por debajo de esa área, dejando un espacio más claro en el medio. Este contraste crea la ilusión de un pliegue donde el área más clara parece estar más alta y captar más luz. Este también es un buen momento para agregar sombras proyectadas. Al principio no estaba seguro de si incluirlos, pero decidí agregarlos un poco más suaves que en la referencia. Comenzaré con un morado diluido muy claro para trazar las formas de las sombras. Una vez que esté contento con su colocación, profundizaré en áreas seleccionadas con un tono ligeramente más fuerte Por último, nosotros nos encargaremos de los tallos. Mantenga esto simple, solo un poco de verde, algo de púrpura más oscuro para mayor profundidad y bordes suavemente mezclados No hay necesidad de sobretrabajar estas áreas. En la flor de la izquierda, también agregaré algunos toques de magenta y púrpura más profundo e incluso un pequeño toque de amarillo en el pétalo para variar. Y eso es todo lo que tenemos que hacer antes de la etapa final. Ahora estamos listos para pasar a pintar las venas. 18. Pétalos: pinta las venas: Esta parte realmente transformará tus flores y las dará vida al agregar las vetas. Puede llevar un poco de tiempo, así que es una buena idea reservar alrededor de una hora y disfrutar de este proceso. Antes de comenzar a pintar las venas, haré algunos pequeños ajustes usando una brocha fregadora Empezaré suavizando el borde duro alrededor del resaltado de este pétalo. O Entonces suavizaré el borde de la sombra sobre el tallo. También levantaré algo de pintura para crear un resaltado más fuerte en el lado izquierdo de esta flor. Aquí quiero limpiar el resaltado blanco en el borde rizado Accidentalmente lo repasé antes con algo de rojo, así que levantaré suavemente ese color. También crearé un pequeño resaltado en la parte inferior de este pétalo. Y aligeré ligeramente la punta de éste. Estos pequeños refinamientos ayudan a preparar la superficie antes de agregar los detalles finales Ahora, estoy listo para comenzar a pintar las venas. Voy a usar un cepillo de forro tamaño cero. Comenzaré con una mezcla suave de amarillo y marrón y la usaré para colocar unas líneas muy claras en el primer pétalo. En Entonces cambiaré a una mezcla de quinacrodon rojo y quinacrodon magenta y comenzaré a construir el veteado en el pétalo Normalmente empiezo en un punto aleatorio, solo algo que me llama la atención en la referencia. En esta etapa, las líneas son muy ligeras y sutiles. No quiero ir demasiado oscuro enseguida. En cambio, los construyo gradualmente, fortaleciendo posteriormente áreas seleccionadas, especialmente más cercanas al centro. Como mis líneas de lápiz ya no son visibles, simplemente estoy usando la referencia como guía e improvisando La idea clave es que las venas deben ser delgadas y delicadas, volviéndose ligeramente más gruesas y oscuras hacia el centro y estrechándose a medida que se mueven hacia afuera También puedes usar las venas para crear la forma del pétalo. Por ejemplo, por la forma particular de las venas, podemos sugerir cómo se curva o dobla el pétalo a lo largo de los bordes. Voy a repetir este proceso en los otros pétalos. Algunas líneas serán apenas visibles, otras un poco más definidas. Pero en general, siguen siendo finas y sutiles. En el pétalo derecho, comenzaré con un tono rojizo en la zona naranja más cálida y luego continuaré construyendo las vetas En las secciones más oscuras, cambiaré a un morado más profundo que las líneas permanezcan visibles. En el pétalo superior, agregaré rápidamente y secaré primero una capa rosa suave y luego pintaré las venas en la parte superior. Me imagino las venas irradiando hacia afuera desde el centro en un patrón tipo abanico Para la flor en la parte inferior izquierda, prepararé un púrpura ligeramente más brillante usando una mezcla fresca de magenta y azul Windsor. Aquí, las venas son un poco más notorias y algunas de ellas se inclinan hacia el azul. Empezaré colocando las principales venas más prominentes. Estos ayudan a establecer la estructura, y luego agregaré venas secundarias más finas en el medio Voy a repetir esto en el pétalo adyacente, prestando atención a cómo cambia ligeramente el patrón. Las venas para formas fluidas más redondeadas aquí. Nuevamente, tanto el ancho como la resistencia tonal. Mantenga los extremos muy finos y suaves y permita que algunas áreas destaquen un poco más. En la última harina, el veteado es más sutil, así que sólo voy a añadir unas líneas delicadas Aquí, también profundizaré una pequeña sombra a lo largo de un lado de la vena central Usaré un tono ligeramente parduzco y lo mezclaré suavemente. Esto lo repito suavemente en el lado opuesto, teniendo cuidado de no exagerar Por último, agregaré algunas líneas de meta más donde sea necesario, y eso completa la etapa. Espero que le haya resultado agradable y que se sintiera más manejable de lo que podría haber parecido al principio Una vez que estés listo, pasaremos a pintar los estambres. 19. Estambres: En esta parte, terminaremos la pintura. Esta es probablemente la etapa más intrincada y detallada y también la más difícil de describir paso a paso porque el proceso está menos estructurado Pero te guiaré a través de las ideas y decisiones clave. Y con la ayuda del video, la foto de referencia y la pintura terminada, estoy seguro que podrás seguirlo. Y recuerda, puedes simplificar esta área tanto como quieras y agregar tantos detalles con los que te sientas cómodo. Comenzaré quitando el líquido de enmascaramiento usando mi herramienta de recolección de enmascaramiento de goma probada y probada. Y ahora nos queda una forma blanca brillante, aterradora, que al principio puede resultar un poco intimidante Y para que sea menos abrumador, el primer paso es bajarlo de tono aplicando un color base muy claro. Para ello, mezclaré un lavado muy pálido de siena quemada y amarillo transparente Aplícalo por toda el área usando un pincel tamaño cuatro. Las puntas de los estambres son más claras y amarillas, mientras que la zona más cercana al centro es un poco más oscura Entonces en las partes superiores, usaré más siena quemada, e incluso introduciré un toque de rojo cerca del centro Una vez hecho eso, lo secaré todo, y luego podremos comenzar a agregar los detalles. Sólo para darte una idea, esta etapa me llevó alrededor de media hora completarla. Así que tómate tu tiempo y no te apresures. Para los detalles, voy a cambiar a una talla cero, cepillo liner, el mismo que usé para las venas. También puedo volver al pincel tamaño cuatro para áreas un poco más grandes. En cuanto a los colores, voy a seguir usando la mezcla marrón amarillo claro, CNM quemado, y los marrones más oscuros creados con toques de púrpura Cuando se trabaja en un área tan compleja, es difícil seguir un plan estricto. Normalmente empiezo con las formas que más destacan y poco a poco construyo todo paso a paso. Por ejemplo, empiezo pintando los espacios más oscuros entre los estambres. Estos son fáciles de identificar y ayudan a definir la estructura. Empiezo con un marrón claro. Esto me da más control y facilita el ajuste si es necesario. Si cometo un error, es más fácil quitar el marrón ligero que un color muy oscuro si lo uso ahora. También hay algunos elementos más grandes alrededor de las declaraciones. Voy a usar mi pincel talla cuatro para bloquearlos más rápidamente con un tono marrón claro. H. Aquí también es donde realmente podemos usar un poco de pintura negativa. Por ejemplo, en lugar de llenar toda esta pequeña área con una pintura oscura, puedo imaginar que hay un estambre que tiene un color de este marrón más claro que utilicé en la primera etapa, y puedo pintar a su alrededor Esto crea la ilusión de declaraciones adicionales sin tener que pintar cada una individualmente. Puede repetir esta técnica en diferentes áreas para construir profundidad, complejidad y agregar más declaraciones en el fondo. En este punto, las formas comienzan a hacerse más claras y la zona se siente menos abrumadora. Ahora puedo comenzar a profundizar los tonos. Volveré a los espacios más oscuros con marrones y morados más ricos, refinando las formas y fortaleciendo el También continuaré usando la técnica de pintura negativa donde ayuda a definir formas adicionales. A continuación, usaré un marrón claro para trazar líneas finas entre los estambres, ayudando a separarlos y sugerir su estructura También agregaré sombras muy sutiles a lo largo de algunas de ellas. Las anteras, las pequeñas puntas redondeadas de los estambres, suelen tener una línea que recorre el medio Entonces voy a incluir ese detalle también. Continuaré ajustando gradualmente los valores del túnel, profundizando algunas áreas y refinando otras hasta que todo se sienta equilibrado Entonces volveré a cambiar a mi pincel tamaño cuatro y usaré una mezcla de amarillo transparente y siena quemada para agregar sombras un poco más fuertes en declaraciones seleccionadas Más cerca del centro, también puedo introducir un poco de rojo como puedo verlo en la referencia. Finalmente, trabajaré en los pequeños elementos circundantes usando marrones y rojos más oscuros para refinar su forma y bordes Voy a dejar que eso se seque y si es necesario, profundizar más los tonos Entonces como toque final, agregaré algunos pequeños toques de amarillo transparente aquí y allá para devolver una sensación de calidez y luz a las declaraciones. Y con eso, el cuadro está completo. Ahora puedes firmar tu trabajo y quitar la cinta de enmascarar para revelar esos bordes limpios. Siempre es un momento tan satisfactorio. Este ha sido un viaje bastante largo y definitivamente desafiante, pero también muy gratificante. Estoy muy contento con el resultado final, y espero que usted también. Tómese un momento para apreciar lo que ha creado, y espero que también se sienta un poco aliviado de que ya se haya terminado Enhorabuena. En la parte final, resumiremos brevemente lo que hemos aprendido a lo largo de este tutorial 20. Resumen: Enhorabuena por completar esta pintura hellebor. Este fue un proyecto más detallado y en capas, y espero que no solo hayan disfrutado del proceso, sino que también se sientan orgullosos de lo que han creado. Recapitulemos rápidamente las cosas más importantes que exploramos Comenzamos analizando la referencia, simplificando la composición y planificando todo el proceso paso a paso antes de comenzar la pintura En lugar de tratar de lograr todo de una sola vez, trabajamos en múltiples capas transparentes para construir gradualmente valores tonales más ricos y fuertes Exploramos la mezcla de púrpura intenso, verdes vibrantes y tonos cálidos, manteniendo la paleta de colores general cohesiva y equilibrada Utilizó ambas técnicas intencionalmente mojadas sobre mojadas para transiciones suaves y gradientes suaves y mojadas sobre secas para bordes más nítidos y tonos más oscuros más fuertes Al dividir la pintura en partes más pequeñas y trabajar paso a paso, hicimos que un tema complejo se sintiera mucho más manejable y menos abrumador Desde venas en las hojas y pétalos hasta asentar texturas y sombras, aprendimos cómo los pequeños detalles pueden dar vida a una pintura sin sobretrabajarla Lo más importante, este proyecto consistió en frenar, observar cuidadosamente y permitir que la pintura se desarrollara gradualmente con paciencia e intención Muchas gracias por pintar junto a mí. Espero que este proyecto te ayude a generar confianza con las capas, mezcla de colores y el trabajo en temas botánicos más detallados Toma lo que has aprendido aquí y úsalo en tus futuras pinturas y lo más importante, disfruta del proceso. Feliz pintura y ojalá te vea la próxima vez. Adiós.