Acuarela de pensamientos en un florero de vidrio: pintura floral paso a paso con luz y transparencia

1. INTRODUCCIÓN: Hola a todos, y bienvenidos a este alegre tutorial en el que te mostraré cómo pintar pensamientos coloridos en un jarrón de cristal Esta es una pintura muy encantadora y vibrante con una hermosa composición de color que ojalá te traiga mucha alegría y diversión mientras la pintas. Puedes pensar que se ve difícil porque hay muchos elementos para pintar, pero me gustaría cambiar tu pensamiento de Esto es difícil a esto es fácil, pero necesito bajar la velocidad y pintar todo paso a paso. Te guiaré a través de todo el proceso, y verás que definitivamente es factible Simplemente tenemos que pintar muchos elementos más pequeños que eventualmente se unirán en una pintura grande y hermosa. No va a estar usando ninguna técnica difícil aquí, ni siquiera el líquido de enmascaramiento. Pintaremos todo usando solo dos técnicas básicas de acuarela, mayoría húmeda sobre seca y solo un poco húmeda sobre húmeda. No hay nada desafiante en términos de técnica. El principal reto en este proyecto es paciencia y seguir cuidadosamente el proceso. Esta pintura tardará un poco más de tiempo terminar si decides seguir mis pasos de cerca, pero realmente creo que el resultado final valdrá la pena. En la vida real, la pintura se ve bellamente vibrante, colorida y positiva, y me hace feliz cada vez que la miro. Espero que sientas lo mismo una vez que termines tu propia versión. Yo describiría este proyecto como adecuado para pintores más avanzados, pero sólo porque hay muchas flores para pintar, no porque una sola parte sea técnicamente difícil. Eres un principiante, absolutamente puedes probarlo. Puedes simplificar la forma de pintar o usar este proyecto como un desafío suave y seguir todos los pasos. También puedes pintar solo un pensamiento o tal vez una pequeña composición de tres flores No es necesario pintar toda la obra de arte final. Un pequeño estudio de una sola flor es una manera maravillosa de practicar el orden de las capas. Y para ver cómo afecta cada capa a las demás. Este es un ejercicio muy útil. Espero que te sientas inspirado para probar esta pintura, y si estás listo, sigamos adelante, y te explicaré el proceso de pintura que vamos a seguir. 2. Proyecto y recursos: He preparado una selección de recursos útiles para su proyecto disponibles en la sección de proyectos y recursos. Encontrarás un archivo PDF con la lista de suministros que utilicé para esta pintura, junto con una foto de referencia y una imagen de mi obra terminada para orientación. dibujos lineales en varios tamaños También se proporcionan dibujos lineales en varios tamaños para que pueda imprimirlos y transferirlos a su papel de acuarela en el tamaño que mejor se ajuste a sus necesidades. Mi pintura está en un formato de 15 por 11 pulgadas. Además, hay fotos de progreso de trabajo para ayudarte a seguir el proceso y enfocarte en áreas específicas. Siéntase libre de explorar estos materiales y utilizarlos para crear su propia pintura única y hermosa. Por favor, comparta su pintura final en la sección de proyectos y recursos. También les animo a que se tomen el tiempo para ver trabajo de cada uno en la Galería de Proyectos Estudiantiles. Siempre es inspirador ver lo que otros crean y el apoyo de tus compañeros de puede ser increíblemente reconfortante. No olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. Por último, recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de comenzar a pintar. Esto te dará una comprensión clara de qué esperar en cada etapa del tutorial. Si encuentras útil esta clase, agradecería mucho te agradecería mucho que dejaras una crítica honesta. Sus comentarios me ayudarán a mejorar mi contenido y ayudar a otros estudiantes a decidir si unirse a esta clase. Gracias de antemano. 3. Plan de pintura: En esta pintura, no usé líquido de enmascaramiento, lo que puede ser un alivio para algunos de ustedes. No obstante, si te gusta trabajar con líquido enmascarante, puedes aplicarlo a lo largo los bordes de las flores y del jarrón. Esto te permitirá pintar el fondo con mayor libertad porque vamos a empezar por el fondo. Sentí que los contornos de las flores y el jarrón no eran demasiado complejos, así que decidí no enmascararlos y simplemente pintar cuidadosamente alrededor de ellos. Comenzaremos con el fondo y lo pintaremos en dos pasos. En el primer paso, aplicaremos un lavado básico a todo el fondo. En el segundo paso, agregaremos otra capa al área verde en la parte superior izquierda. Pintaremos las franjas y profundizaremos la sombra debajo del jarrón Después de eso, comenzaremos a pintar las flores. dividí en grupos de colores similares porque este es el enfoque más práctico y nos ayuda a evitar mezclar demasiados colores y terminar con tonos fangosos Comenzaremos con la flor más ligera, el pensamiento blanco con el Después pintaremos los tres principales pensamientos morados. Primero, aplicaremos la capa inicial, y luego agregaremos los detalles. Como ya tenemos mezclas moradas en la paleta, usaremos para pintar los pétalos morados restantes, y también una flor más blanca y morada con centro amarillo. En este punto, la pintura comenzará a verse más colorida y llena de luz, y por lo general aporta un agradable estallido de energía para seguir pintando. Usa esta energía para pintar los pensamientos amarillos y naranjas, y después de eso, terminaremos las flores pintando las de pétalos rosados Una vez terminadas las flores, cambiaremos nuestra paleta de colores a verdes y pintaremos todos los elementos verdes. Aplicaremos una capa verde inicial a las hojas y tallos. Después agregaremos una segunda capa para crear sombras y finalmente terminar la vegetación con los acentos de color verde oscuro más profundos En la etapa final, nos centraremos en el jarrón de vidrio. Este paso completará la pintura y reunirá todos los elementos. Al final, también haremos algunos ajustes a las sombras debajo del jarrón y llevaremos un poco más de luz a esa zona. En las etapas iniciales del proceso de pintura, es posible que experimente la llamada etapa fea, que suele aparecer en muchas pinturas. Este proyecto en particular, lo sentí justo después de terminar las primeras capas de fondo y después de pintar el primer pensamiento blanco A pesar de que entendí exactamente por qué la pintura me parecía extraña en este momento, todavía tenía que superar algunos pensamientos negativos al respecto. Cuando empecemos a pintar el fondo, voy a explicar por qué me sentí así y también por qué no me di por vencido y por qué tú tampoco deberías. Ahora que conocemos los pasos de la pintura, saltemos directamente al proceso. 4. Fondo: capa inicial: En esta primera parte, aplicaremos la capa inicial al fondo. En esta pintura, trato todo lo rodea el jarrón y las flores como fondo, incluido el mantel rayado Tenemos que dividir el fondo en dos pasos separados. La razón de ello es que tenemos sombras muy suaves sobre la mesa combinadas con franjas que tienen bordes más duros. Siempre que aparezcan bordes blandos y duros en la misma zona, siempre es más fácil y seguro pintar primero todo lo que sea suave y borroso Y sólo después en los elementos con bordes más afilados. Entonces en este primer paso, crearemos una capa base suave, y en el siguiente paso, pintaremos las franjas. Antes de comenzar, me gustaría llamar su atención sobre los colores y el aspecto general del fondo. Notarás más tarde que pinto las rayas con bastante rapidez sin preocuparte por bordes perfectamente rectos. También verás que pinto el fondo de una manera bastante suelta sin enfocarme demasiado en los detalles. En las fotos de trabajo en curso, se pueden ver transiciones de color borrosas suaves, pero también algunos bordes más nítidos y lo que podríamos llamar pequeñas No intenté que este fondo fuera perfecto. Quería mantenerme suelta y poner más atención en las flores, que son el foco principal de esta pintura. Realmente me gustaría que dejaras ir cualquier presión a la hora de pintar el fondo y no enfocarte en pequeños detalles. Cuando te aflojes, usa un pincel más grande y más agua, lograrás un efecto de acuarela más suave pictórico. Por supuesto, si ese es el look al que estás apuntando. En lo personal, no quería trabajar demasiado en esta área. Lo segundo y aún más importante que me gustaría mencionar es la elección del color, sobre todo los colores de las rayas. Observe que, aparte de los verdes ligeramente más brillantes en la esquina superior izquierda, resto de los colores de fondo son bastante neutros. Incluso podríamos decir que no se ven muy limpios ni frescos. Esta fue en realidad la razón por la que inicialmente no me gustó el fondo cuando lo terminé, porque, como ya sabrás, me encantan los colores atrevidos y vibrantes. No obstante, esta fue una decisión muy intencional, y hay una buena razón para ello. Debido a que queremos que las flores se vean brillantes, vibrantes y alegres, es una muy buena idea usar colores menos saturados y más apagados en el fondo De esta manera, cuando pintamos las flores, sus colores aparecerán naturalmente más vibrantes porque se colocan junto a un fondo más silencioso, más neutro Esta es una de las formas más sencillas de hacer que los colores se vean más fuertes colocándolos contra tonos más suaves y apagados Además, ya hay hermosos contrastes de color dentro de las propias flores, como los pétalos amarillos junto a los morados, lo que también ayuda a crear un aspecto vivo y enérgico Entonces, cuando pintes tu fondo, trata de no usar colores muy saturados y no te desanimes si tu fondo se ve opaco o extraño en esta etapa Prometo que una vez pintes las flores, todo se unirá y toda la pintura se verá vibrante y colorida. Para el fondo, usaré un pincel 12, el pincel redondo más grande que tengo. Intenta no usar un pincel muy pequeño porque te hará concentrarte demasiado en los detalles. Aquí, nuestro objetivo es cubrir todo el fondo de forma rápida y holgada Preparemos nuestros colores. Vamos a necesitar unos marrones cálidos, así que comenzaré con la sienna quemada y mezclaré con un pequeño toque de amarillo Windsor profundo Agrega abundante agua y mantén esta mezcla muy ligera y acuosa También necesitaremos un gris neutro, así mezclaré la siena quemada con el azul ultramarino Esta combinación crea un gris natural suave. Para la esquina superior izquierda, también necesitaremos algunos greens. Usaré oro verde por su cuenta y también una mezcla de oro verde y azul ultramarino Esto le da un verde muy bonito, de aspecto natural. También puedes usar sub verde o cualquier verde similar que tengas en tu paleta. También agrego un pequeño toque de siena quemada y azul ultramarino a mi primera mezcla marrón para hacerla un poco más Todavía lo mantengo muy ligero en valor y muy acuoso. Decidí comenzar a pintar del lado derecho y luego moverme en sentido antihorario Si esto no te resulta cómodo, puedes , por supuesto, comenzar en una zona diferente. Debido a que quiero crear transiciones de color suaves en el fondo, estaré trabajando mayormente mojado sobre mojado. Sin embargo, no estoy mojando todo el fondo a la vez. En cambio, solo mojé una pequeña sección en la que voy a trabajar de inmediato. El agua se seca bastante rápido, por lo que trabajar en áreas más pequeñas manejables te da un control mucho mejor Empiezo aplicando la mezcla marrón y luego poco a poco cambio al gris. Si sientes que el ritmo de pintura es demasiado rápido para ti, un consejo muy útil es preparar un recipiente separado con agua limpia y usar un segundo cepillo solo para mojar el papel. De esta manera, no tienes que limpiar constantemente tu cepillo principal. Un cepillo se usa solo para agua limpia y el otro se usa para pintar. Por encima de las flores, intenta usar pinceladas verticales más grandes para sugerir esas suaves formas verticales y borrosas en el fondo Pero recuerda que siempre puedes adaptar el fondo a tu propia visión. No tienes que pintar estas formas verticales en absoluto. Puedes crear un fondo claro simple con solo una pequeña variación de color. También puedes hacerlo más interesante salpicando algo de pintura o agua limpia para crear puntos más claros . Hazlo tuyo. La foto de referencia es sólo una guía y no tiene que seguirse exactamente. Asegúrate de que este lavado de fondo muy ligero llegue hasta los bordes de las flores. Está perfectamente bien si accidentalmente pintas ligeramente sobre los pétalos. La capa es muy ligera, y luego se cubrirá fácilmente con los colores de las flores. También podemos levantar algo de pintura después para limpiar los bordes. En realidad, es mejor ir ligeramente por encima de las flores que dejar un hueco blanco visible entre las flores y el fondo, lo que parecería antinatural Ahora mojé la esquina superior izquierda y cambio a mis mezclas verdes. Sólo quiero sugerir algunas plantas de fondo. No estoy tratando de recrear esta área exactamente. Simplemente agrego algunas formas verdes suaves. Trato de sostener mi pincel en un ligero ángulo, imaginando apuntarlo hacia alrededor De esta manera, empiezo a sugerir la dirección general del fondo. La luz, las sombras y posteriormente las franjas se mueven desde la parte superior izquierda hacia la parte inferior derecha. Quiero apoyar este movimiento con mis pinceladas. Agrega un poco de marrón cerca del fondo y mezcla un poco más de azul ultramarino en tus verdes para variar el Por lo que es posible que partes del papel ya comiencen a secarse. Cuando agregas más pintura, posible que veas algunos bordes más duros, y eso está completamente fino. Permita que eso suceda. En realidad queremos ver una combinación de bordes blandos y duros. Este contraste suele verse muy bonito en acuarela. Trate de no estar tenso mientras pinta, relájese y permita pequeñas imperfecciones. Si usas un poco demasiada agua, eso también está bien. En acuarela, suele ser mejor tener un poco más de agua que no suficiente. Puedes inclinar suavemente tu pintura para ayudar a que los colores se muevan y se mezclen en el papel. Esto ayudará a crear transiciones más suaves. Ahora continúa con el lado izquierdo del fondo. Mezclar nuevamente la siena quemada y el azul ultramarino y pintar con esta Observe lo acuosa que es la pintura y cuán ligera queda el valor Varía el color cambiando entre tonos grises y marrones más cálidos. Deja algunas áreas pequeñas sin pintar y enjuaga y mancha rápidamente tu pincel para suavizar algunos bordes La idea es mantener algunos puntos más claros mientras se mantienen transiciones suaves. En esta etapa, en realidad estoy pintando mojado sobre seco sin humedecer previamente el papel porque me siento cómodo trabajando rápidamente y suavizando los bordes a medida que avanzo. Pero no dude en humedecer previamente el papel primero, si eso hace que el proceso de pintura sea más fácil para usted y ayuda a que sus colores se mezclen más suavemente. Yo uso un cepillo grande y trabajo bastante rápido, suavizando cualquier borde duro en cuanto los note. Ahora pinta la sombra proyectada por el jarrón, aplica la mezcla gris a la izquierda y a la derecha, y deja la zona media más clara. Y debajo del jarrón, agregue más siena quemada y coloque suavemente el marrón cálido también alrededor de la zona media más clara Al final de este tutorial, cuando todo esté completamente seco, usaremos un cepillo de fregado para levantar algunos aspectos destacados aquí A continuación, continúe pintando el lado derecho, aplique un tono gris azul muy claro, siguiendo la dirección general de las sombras desde la parte superior izquierda hacia la inferior derecha. Esta primera capa es nuestra base. Hemos colocado las sombras suaves principales, y en la segunda capa de fondo, agregaremos las rayas del mantel y profundizaremos los tonos de las plantas en la esquina superior izquierda Ahora, me gusta limpiar la cinta de enmascarar alrededor del papel, y ahora podemos dejar que todo se seque completamente, y en la siguiente parte, terminaremos el fondo. 5. Fondo: rayas: Ahora vamos a llevar el fondo un paso más allá agregando otra capa a los greens en la esquina superior izquierda y lo más importante, pintando las rayas en el mantel y profundizando la sombra proyectada del jarrón Notarás que después de esta etapa, la hermosa luz reflejada en comienza a aparecer la hermosa luz reflejada en medio de la sombra. Aún no es completamente visible, pero estamos llegando paso a paso. Primero limpiaré el lado izquierdo de mi paleta para crear un espacio de mezcla más limpio porque ahora vamos a cambiar ligeramente la paleta de colores. Pero antes de pasar a las franjas, terminemos la zona verde en la parte superior izquierda. Necesito un poco más de verde, así que mezclo el oro verde con el azul ultramarino Utilizaré esta mezcla para agregar más definición a las formas de las plantas en el fondo. También guardo una botella de spray con agua limpia cerca. Recojo mi mezcla verde y empiezo a agregar más textura aplicando muchas pinceladas cortas que sugieren hojas pequeñas Varío el tono del verde agregando más azul ultramarino o más oro verde a mi mezcla Después de colocar algunas pinceladas, me perdí suavemente esa zona con agua limpia La idea es mantener unos bordes afilados y permitir que otros se difuminen. Esto crea una buena combinación de bordes suaves y duros en la parte superior de la primera capa más suave. Ahora, pasaré a pintar las franjas. Para las franjas, necesitaremos una violeta, una naranja y una azul. Dejé de usar violeta Windsor hace algún tiempo, pero aún así lo mantengo en mi paleta. Y para este cuadro, decidí hacer una excepción y usarlo para las rayas. También usaré un naranja transparente listo para usar un naranja transparente listo para y también necesitaré azul ultramarino Agrego una pequeña cantidad de amarillo Windsor profundo a la naranja para calentarla, y un poco de rosa permanente a la violeta para desplazarla un poco más hacia el púrpura. Las franjas en la espalda son más suaves y más borrosas. Entonces después de aplicar la pintura, enseguida enjuago mi pincel y suavizo los bordes con un cepillo limpio y húmedo Cuanto más cerca están las franjas del espectador, más definidas y afiladas se vuelven sus bordes Sigo cambiando ligeramente los colores y noto que no estoy usando una regla ni ninguna otra herramienta para pintar estas franjas. Quiero lograr un look más pictórico, así que no me importa si las líneas no son perfectamente En esta pintura, quiero aflojarme un poco y no estresarme demasiado por la perfección Este también es un buen momento para hablar un poco más sobre el color. Como mencioné anteriormente, las rayas y los colores de fondo en general no son muy vibrantes. El violeta, el naranja y el azul son silenciados intencionalmente. De hecho, pueden parecer un poco opacos o incluso ligeramente sucios en esta etapa, lo que puede resultar incómodo, sobre todo si como yo, te encantan los colores limpios y vibrantes. Sin embargo, silenciar estos colores es muy importante aquí. Si las rayas estuvieran pintadas con colores saturados fuertes, atraerían demasiada atención y competirían con las flores, no sólo por su color, las rayas también tienen otras dos características que naturalmente llaman la atención. Forman un patrón repetitivo, y tienen bordes relativamente afilados. Tres elementos en particular, llaman la atención en una pintura, color fuerte o contraste de túnel, bordes afilados y patrones repetitivos. Debido a que las flores son el foco principal de esta obra de arte, necesitamos ser más restringidos con estas rayas, aunque no se vean muy atractivas en esta etapa Esto es exactamente lo que permite que las flores brillen más tarde. En cuanto al violeta Windsor, personalmente ya no uso el color porque prefiero mezclar mi propio violeta usando azul ultramarino con magenta quinacrodon o Esta mezcla me da tonos violetas mucho más interesantes, que van desde azulados hasta rosados, y también se ve Usaremos esta mezcla para los pensamientos morados más adelante, y verás lo hermosos que pueden ser esos morados. En la zona de sombra de las franjas, mezclo un poco de violeta con mi naranja para crear una naranja pardusca más apagada y para sugerir que esta parte de la raya está en Una vez que todo esté completamente seco, podemos agregar una capa más muy ligera para profundizar algunas de las sombras, pero solo si sientes que es necesaria en tu propia pintura En mi caso, definitivamente necesito oscurecer la sombra proyectada del jarrón, y también quiero agregar algunas sombras suaves sobre la mesa Mezcle una mezcla muy ligera y acuosa de siena quemada, azul ultramarino y un Utilizo esta mezcla grisácea pálida para pintar suavemente algunas áreas de sombra, y suavizo los bordes rápidamente a medida que avanzo Las franjas debajo deben estar completamente secas, lo contrario se difuminarían demasiado al aplicar esta capa. Pinto muy ligera y rápidamente con un pincel grande porque no quiero molestar a las rayas. En la sombra proyectada del jarrón, utilizo un valor ligeramente más oscuro y preservo cuidadosamente la sección media más clara. Al oscurecer las áreas circundantes, la luz reflejada en medio de esa sombra se vuelve mucho más visible debido al mayor contraste Posteriormente, levantaremos aún más luz y suavizaremos algunos de los bordes con un cepillo de fregado También varío el color dentro de la sombra, moviéndome entre tonos azulados y parduscos para introducir más interés visual De lo contrario, la sombra se vería plana y sin vida. Agrego unas sombras suaves en el lado derecho, y después de eso, podemos tomarnos un breve descanso. Deja que todo se seque completamente o usa un secador de pelo si lo prefieres. En la siguiente parte, comenzaremos a pintar la primera flor. Volveremos nuevamente a la sombra scat del jarrón, al final de este tutorial una vez pintadas todas las flores y el jarrón, así podremos ajustar su valor tonal final si es necesario Por ahora, deja que todo se seque, y pasemos a la primera flor. 6. Pansy blanco: En esta parte, pintaremos nuestra primera flor. Puede que no sea la más emocionante en términos de color, pero tenemos que empezar por alguna parte y comenzar con la flor más ligera es una muy buena manera de facilitar suavemente el proceso antes pasar a colores más fuertes y saturados Para esta flor, voy a usar un pincel tamaño seis para empezar. Limpiaré el lado izquierdo de mi paleta para mantener mis colores frescos y limpios y también cambiaré el agua después de pintar el fondo para que pueda volver a trabajar con agua completamente limpia. Echas un vistazo más de cerca a esta flor, probablemente notarás que algún color de fondo todavía es visible en los pétalos y que los bordes no están perfectamente limpios y lisos. En situaciones como esta, me gusta usar un cepillo de fregado Estoy usando un pincel galeria tamaño cuatro de Windsor Newton. No necesitas este cepillo exacto. Cualquier cepillo plano pequeño con cerdas ligeramente más rígidas, por ejemplo, un pincel acrílico pequeño funcionará bien Este pincel de galeria en realidad está hecho para pintura acrílica. Humedezco el pincel, lo coloco suavemente sobre una toalla de papel para eliminar el exceso de agua, y luego envuelvo ligeramente el borde del pétalo hacia adelante y hacia atrás para reactivar la pintura de fondo Después de eso, froto esa zona con una toalla de papel para levantar la pintura De esta manera, puedo limpiar color de fondo no deseado y también suavizar y refinar los bordes de los pétalos Otro paso opcional que uso a menudo es un borrador necesario Esta es una goma de borrar suave moldeable que puedo dar forma a un rollo delgado y pasar suavemente sobre mis líneas de lápiz para eliminar el exceso de grafito y aclarar Normalmente hago esto, sobre todo cuando estoy pintando objetos de colores claros porque no me gustan las líneas de lápiz muy oscuras que se muestran a través de la pintura. A veces con fines tutoriales, dejo intencionalmente las líneas de lápiz más oscuras para que las veas más claramente en los videos. Pero en general, prefiero bocetos muy ligeros. Para el centro de la flor, necesitaremos una mezcla violeta. Mi favorita es una mezcla de magenta quinacrodon y azul ultramarino Esto crea un violeta muy brillante y flexible, y usaremos esta mezcla para todos los pensamientos morados en esta pintura Me gusta mucho esta combinación porque puedo cambiar fácilmente el color hacia el rosa o azul dependiendo de lo que necesite la zona. A menudo mantengo ambos colores ligeramente separados en mi paleta y los mezclo entre ellos, así que tengo una gama completa de violetas disponibles También necesitaremos amarillo Windsor profundo para las áreas amarillas. Y la última mezcla que necesitamos es un gris suave hecho de siena quemada y azul ultramarino Agrego un pequeño toque de amarillo Windsor profundo a este gris para calentarlo ligeramente. Ahora coge un gris muy claro y usando la técnica de mojado sobre seco, empieza a pintar las sombras en los pétalos. Aplica el gris y si es necesario, enjuaga y seca rápidamente tu pincel y luego suaviza suavemente los bordes de la sombra Mientras la pintura aún está húmeda, también recojo una pequeña cantidad de amarillo y la dejo caer en algunas zonas del gris para que los colores se mezclen suavemente en el papel Algunas de las sombras tienen bordes suaves, así que las suavizo inmediatamente con un cepillo limpio y húmedo Otras formas de sombra son más nítidas, así que simplemente dejo esos bordes como están Alternativamente, puedes dejar todos los bordes afilados y luego ablandarlos con una brocha fregadora una vez que la pintura esté Normalmente, evito pintar dos pétalos vecinos al mismo tiempo. No obstante, con estos pensamientos, dejo intencionalmente un hueco sin pintar muy, muy delgado entre Algunos de los pétalos tienen bordes más claros y la línea apestosa sin pintar ayuda a sugerir un borde más ligero En el pétalo derecho, me cae un pequeño toque de violeta porque eso es lo que puedo ver en la foto de referencia. Observe que estoy dejando con cuidado los reflejos más brillantes sin pintar Preservar el blanco del papel porque es el blanco más puro que podemos tener en acuarela Habrá varios reflejos tan brillantes a lo largo de las flores, y juegan un papel muy importante en la creación de una fuerte sensación de luz. También notarás que estoy pintando alrededor de las áreas moradas del centro. La razón de ello es que estoy pensando en el futuro en cómo interactuarían el gris y el violeta. Si primero pinté gris y luego apliqué violeta encima después, el violeta quedará embotado por el gris de abajo Al dejar estas áreas sin pintar ahora, puedo aplicar violeta brillante limpio en la siguiente capa Por supuesto, no tenemos que seguir exactamente la foto de referencia. Somos pintores y podemos cambiar lo que queramos. También estoy tratando de simplificar las formas tanto como sea posible. No estoy apuntando al hiperrealismo. Una vez terminada la primera capa, podemos secarla con un secador de pelo. Recuerda siempre esperar uno o dos minutos después de usar un secador de pelo porque el papel se vuelve caliente. Si comienzas a pintar de inmediato, la pintura se secará muy rápido y puede ser muy difícil de controlar. Dale al papel un breve momento para que se enfríe a temperatura ambiente. Cuando el papel esté completamente seco, podemos recoger nuestra mezcla de quinacrodon magenta y azul ultramarino y pintar No necesitamos que coincidan perfectamente los colores de la foto de referencia. Simplemente podemos tomar la idea general y traducirla a nuestra propia pintura. Aplico el violeta mientras dejo unas diminutas áreas blancas en el centro y además dejo una pequeña forma sin pintar en el pétalo inferior para ese hermoso acento amarillo Después de eso, seca la capa violeta. Mientras el papel se enfría, mezcla un tono ligeramente más oscuro de violeta usando los mismos dos colores, magenta quinacradón y azul ultramarino y agrega un poco de pinturas grises Una vez que el centro esté completamente seco, use este violeta más oscuro para pintar las líneas finas características que irradian desde el centro Se trata de líneas simples, delicadas pintadas en húmedo sobre seco. También decidí profundizar el violeta cerca del centro, así que coloqué el mismo violeta oscuro entre las franjas alrededor del centro A continuación, quiero agregar un poco más gris a los pétalos de la derecha y de la izquierda para crear más profundidad y empujar suavemente esos pétalos más atrás. Las sombras más fuertes ayudan a mostrar que el pétalo inferior se está adelantando. El pétalo inferior también está parcialmente en sombra, así que agrego un gris ligeramente más oscuro allí también. Como toque final, coloco a Windsor Yellow profundamente en el centro, y si es necesario, agrego un ligero toque de amarillo en el lado izquierdo. Y eso completa nuestra primera flor. Es un comienzo suave y sencillo y un muy buen calentamiento antes de pasar a las siguientes flores. En la siguiente parte, comenzaremos aplicando la primera capa a los pensamientos morados 7. Pañas moradas: capa inicial: En esta parte, comenzaremos a pintar los pensamientos morados. Por ahora, nos centraremos únicamente en las tres flores principales. Después de que terminemos estos, pasaremos a los pétalos morados restantes más adelante. Me gustaría trabajar primero en estas tres flores porque son muy similares en color y estructura, y tiene sentido pintarlas todas al mismo tiempo. cambiará a un pincel un poco más grande de tamaño ocho ya que será más fácil y rápido aplicar esta capa inicial a los pétalos con un pincel más grande. En esta etapa, no nos estamos enfocando en los detalles, por lo que un pincel más grande nos ayuda a trabajar de manera más eficiente. Usaremos exactamente la misma mezcla de violetas que para el penoso anterior, magenta quinacrodon No estoy mezclando ningún nuevo color aquí. Empiezo con una mezcla que contiene más quinacrodon magenta, por lo que el color es más cálido y más en el lado morado Observe que los dos pétalos superiores son más cálidos y un poco más rojizos, así que ahí utilizo más magenta Los pétalos laterales e inferiores, sin embargo, son más fríos y más violetas. Entonces para esos, agregaré más azul ultramarino a la mezcla Empiezo pintando los pétalos superiores más cálidos y luego paso a los más fríos, más violetas. Si un pétalo muestra variación de valor, por ejemplo, áreas más claras y áreas más oscuras dentro del mismo pétalo, trata de observarlo y capturarlo de una manera muy sencilla. En esta etapa, enfocarse únicamente en aplicar el color general principal. Por ejemplo, algunos pétalos claramente tienen una sombra más oscura con un borde más agudo, y no podemos pintar de manera realista ese tipo de contraste en una sola capa Es mucho más fácil aplicar primero el color base mientras se conservan cuidadosamente los reflejos y las áreas más claras. Entonces una vez que esta capa esté completamente seca, construye tranquilamente las sombras y tonos morados más profundos en la siguiente capa Para los pétalos de violeta más fríos, mezclo en mucho más azul ultramarino y menos magenta quinacrodon Ten cuidado de no hacer que el color luzca azul. Todavía queremos una violeta. Así que trata de encontrar un buen equilibrio entre los dos pigmentos. A medida que aplico la mezcla, se puede ver claramente el cambio de color. Ya no es un púrpura cálido, sino que tampoco es azul. Es un violeta limpio y fresco. Por supuesto, si un pétalo contiene un área ligeramente más cálida más morada, puedes dejar caer un poco más de quinacridona magenta mientras la pintura aún está húmeda En general, sin embargo, trato de mantener estos pétalos más en el lado violeta. Pero por ejemplo, los bordes exteriores de algunos pétalos tienden a ser un poco más morados. También observe que sigo dejando huecos muy estrechos entre los pétalos y no olvide conservar las diminutas áreas blancas y amarillas en el centro mismo de cada flor. Puede que no sea muy visible en la pintura final en la imagen escaneada, pero en la vida real, el azul ultramarino en esta mezcla crea un violeta muy hermoso y vibrante En esta flor, hay algunos reflejos muy fuertes, así que dejo algunas pequeñas formas triangulares sin pintar para capturarlas. Mi consistencia de pintura es bastante acuosa. No estoy tratando de aplicar una capa oscura y pesada de pintura. Esta es solo la capa inicial y puede permanecer ligera y transparente. Todavía no necesitamos alcanzar valores oscuros fuertes. Una vez que esta capa base esté en su lugar, será mucho más fácil construir tonos más oscuros en la segunda capa. También notarás que pinto sobre las áreas que luego se volverán mucho más oscuras en los centros de las flores. En las sartenes blancas anteriores, dejamos los centros sin pintar para que luego pudiéramos aplicar violeta limpio Aquí, no necesitamos dejar esas áreas intentas porque las zonas más oscuras estas flores también serán moradas Esta primera capa no dañará a la siguiente. Por el contrario, nos ayudará a lograr un morado más profundo y rico en el siguiente paso Una vez que hayas aplicado esta capa inicial a todos los pétalos de las tres flores, deja que todo se seque completamente. En la siguiente parte, comenzaremos a trabajar los detalles en estos pensamientos morados 8. Pañises morados: detalles: Una vez que la primera capa nuestros pensamientos morados esté completamente seca, podemos pasar a agregar sombras y detalles Esta parte será un poco más larga porque me gustaría mostrarte los pasos exactos que utilizamos para pintar estas flores. El mismo proceso se repetirá para todos los demás pensamientos más adelante. Quieres explicar el escenario con más detalle ahora para que luego puedas pintar las flores restantes con más confianza, incluso sin seguir de cerca cada paso Por supuesto, seguiré mostrándote cómo pinto las otras flores, pero con menos explicación tal vez para que el proceso no se vuelva repetitivo o aburrido Antes de comenzar, rocíe mis pinturas con agua limpia para activarlas y facilitarlas trabajar con ellas. Seguiré usando la misma mezcla principal de violetas, el magenta quinacrodon, mezclado con azul ultramarino, pero también necesitaremos un púrpura más oscuro Para eso, preparo una segunda mezcla de quinacrodon magenta y pinturas grises Estaré usando un pincel talla ocho. Recojo la mezcla violeta regular y empiezo a aplicarla en las áreas de sombra usando la técnica húmeda y seca. Observe que mi pintura sigue siendo bastante acuosa. El valor no es muy oscuro por sí mismo, pero cuando se coloca encima de la primera capa, inmediatamente se vuelve más profundo. Si necesito un tono aún más oscuro, siempre puedo agregar un pequeño toque del morado más oscuro de la segunda mezcla. En esta etapa, me enfoco principalmente en profundizar las sombras y crear la textura ligeramente arpillada de los pétalos Para lograr este efecto, dejo deliberadamente algunos bordes duros de la pintura más oscura, especialmente cerca de los bordes de los pétalos. No necesitamos suavizar todos estos bordes. Por el contrario, ayudan a crear una textura viva y la estructura característica de los pétalos del pensamiento Ahora utilizo la mezcla de púrpura oscuro profundo para pintar los centros oscuros de las flores. No necesitamos copiar exactamente la foto de referencia. Basta con sugerir una forma irregular similar a una estrella con brazos irregulares que irradian desde el centro Recuerda dejar las dos pequeñas formas blancas y el centro amarillo sin pintar por ahora Una vez que estos centros oscuros están en su lugar, se vuelve mucho más fácil juzgar qué tan oscuros podemos empujar los pétalos circundantes. En el pétalo inferior y el pétalo de la izquierda, utilizo más azul ultramarino en la mezcla En el pétalo derecho, agrego un poco más quinacrodon magenta azul ultramarino juega un papel muy importante aquí porque crea esa hermosa y fresca violeta brillante Observe cómo dejo pequeños huecos entre mis pinceladas. La técnica simple ayuda a crear la textura arjida natural de los pétalos Siempre podemos volver sobre las áreas que ya hemos pintado y agregar un tono más oscuro si es necesario. Aquí, por ejemplo, agrego un morado más profundo para fortalecer algunas sombras y empujar esos pétalos un poco más atrás. Ahora podemos pasar a la siguiente flor y repetir los mismos pasos. Para los dos pétalos superiores, de nuevo, utilizo un morado más cálido con más quin acrodon magenta Aplico la pintura principalmente en las zonas más oscuras y decido caso por caso si quiero suavizar los bordes o dejarlos Por ejemplo, en el pétalo superior derecho, se puede ver claramente un borde agudo de sombra donde los pétalos se superponen. Deliberadamente dejo aquí una ventaja dura para representar esa superposición. También tiro el color hacia los bordes del pétalo, nuevamente, dejando pequeños huecos entre las pinceladas Esto agrega textura y también ayuda a describir la forma del pétalo. Estos trazos irregulares rotos sugieren que el pétalo está ligeramente rizado En el pétalo inferior, vuelvo a comenzar por establecer los tonos más oscuros en los centros Una vez que los centros oscuros están en su lugar, sigo agregando sombras a los pétalos circundantes. Nuevamente, observe cómo dejo pequeños huecos entre las pinceladas y cómo simplifico las formas de sombra en comparación con la foto de referencia Y en la tercera flor, sigo exactamente el mismo proceso. Esta vez empiezo pintando primero el centro oscuro. No hay una razón especial para ello. Simplemente me llamó la atención, así que decidí comenzar por ahí. De hecho, comenzar por la zona más oscura suele ser un enfoque muy bueno porque inmediatamente establece la máxima oscuridad en la flor y te ayuda a juzgar todos los demás valores con mayor facilidad Me gusta especialmente la interacción cromática entre magenta quinacredón y el azul ultramarino Crea unas violetas muy ricas y animadas. Una vez que hayas aplicado la segunda capa a las tres flores, seca todo a fondo con un secador de pelo o simplemente espera hasta que la pintura se seque de forma natural. Cuando la pintura esté completamente seca, podemos agregar los detalles finales que dan vida a estas flores. Primero, tomamos Amarillo Windsor profundo o cualquier amarillo cálido que tengas y pintamos el centro amarillo, recordando preservar las dos pequeñas formas blancas. Ahora con la punta de un pincel pequeño, vamos a pintar las venas. Este es un paso muy importante, a pesar de que estos detalles son bastante sutiles. Creo que las venas añaden mucho carácter a las flores y nos ayudan a describir la forma de los pétalos. La dirección de estas líneas es especialmente importante porque muestran cómo se curvan y doblan los pétalos. Al principio, utilizo una brocha talla cuatro, pero después me cambio a una brocha mucho más delgada que me resulta más fácil de controlar. Si tu cepillo redondo pequeño tiene una punta muy fina, puedes usarlo fácilmente en su lugar. Asegúrate de que las líneas sean muy, muy delgadas. No queremos que sean gruesas o pesadas porque eso parecería antinatural Para las venas, utilizo el mismo color violeta que en los pétalos, solo un poco más oscuro. Trate de no hacerlos demasiado oscuros tampoco. Si algunas de las líneas son apenas visibles, eso está perfectamente bien. Podemos hacer algunos de ellos un poco más fuertes, especialmente más cerca de los bordes de los pétalos, pero en general, apuntar a un tono que sea apenas un paso más oscuro que el área circundante. Usa solo una pequeña cantidad del púrpura oscuro profundo para reforzar la sombra justo en el centro de la flor. Opcionalmente, también podemos usar un cepillo limpio y húmedo para reactivar suavemente pintura seca en algunas áreas y levantar un poco de color con la toalla de papel para restaurar el resaltado No necesitamos usar un cepillo de fregado para esto. Un cepillo redondo regular funciona bien. Este paso no es esencial, pero puede ser útil si, por ejemplo, perdiste accidentalmente algunas áreas más ligeras. Más importante aún, también uso la punta de mi clan de pincel para suavizar los bordes, donde dejé diminutos huecos blancos entre los pétalos Al frotar suavemente a lo largo esos finos huecos y secarse con una toalla de papel, los bordes se vuelven más suaves y integran de manera más natural con los pétalos Repito el mismo proceso de pintura en las otras flores. En este punto, me cambio a un cepillo liner decir cero. Si tienes un pincel de rigor, eso también funcionará perfectamente. Se trata simplemente de un pincel fino muy pequeño con cerdas más largas, que facilita la pintura de líneas largas y delicadas Observe que estas venas no son líneas rectas que van desde el centro hasta los bordes. Se ramifican. Comienzan muy cerca del centro, y a medida que se mueven hacia el borde exterior del pétalo, cambian suavemente de dirección y se dividen en líneas más pequeñas. Termina las flores añadiendo un toque final de púrpura oscuro en el centro. Con solo unas cuidadosas pinceladas, hemos completado los tres principales pensamientos morados En la siguiente parte, pintaremos los pétalos morados restantes y un pensamiento morado más claro con un centro amarillo 9. Otros pansias morados: Hemos terminado los tres principales pensamientos morados, y como aún tenemos nuestras mezclas moradas en la paleta, podemos continuar con los pétalos morados restantes en esta composición Muchos de ellos son pétalos individuales esparcidos por todo el ramo, pero también tenemos una flor morada más clara. Este es un poco diferente. Es de tono más claro que los pensamientos anteriores y tiene una hermosa zona amarilla en el pétalo inferior Quisiera llamar su atención los valores del túnel y especialmente sobre los aspectos más destacados de algunos de estos pétalos. Para los reflejos más brillantes, deliberadamente dejo el papel sin pintar para crear una fuerte sensación de Realmente me encanta cómo estos diminutos reflejos blancos aparecen aquí y allá en los pétalos. Casi se siente como si la luz brillante estuviera bailando a través las flores y creando un ambiente fresco y luminoso Intenta conservar estos reflejos y pinta alrededor de ellos con el mayor cuidado que puedas. Voy a usar ai six brush para esta parte. Comencemos de nuevo con nuestra mezcla de magenta rinacredon y azul ultramarino Usa este color para aplicar el tono principal a los pétalos que se asientan detrás de los amarillos. Normalmente, pintaría un pétalo, me saltaría el que está justo al lado y volvería más tarde después de que el primero se seque. Aquí, sin embargo, simplemente dejo brechas muy pequeñas entre pétalos vecinos. Posteriormente, suavizaré estos huecos para que se conviertan en bordes sutiles más claros Muy tanto el color como el valor a medida que pintas. Usa más quin acrodon magenta para más cálidos, más pétalos morados, y más azul ultramarino para los más fríos, más En las zonas más oscuras, también puedes caer un poco de esa mezcla de color púrpura profundo Aplicar la misma mezcla violeta a los pétalos pequeños visibles entre los más grandes y también a la culata de apertura del lado derecho. Rápidamente seco estos primeros pétalos con un secador de pelo y luego aplico el violeta a los dos pétalos restantes aquí. Asegúrate de conservar un pequeño resaltado sin pintar. En esta etapa, sólo estoy colocando los colores principales de las flores. Aún no estoy pensando en los detalles. Me estoy enfocando principalmente en aspectos destacados y áreas más ligeras que necesitan mantenerse muy ligeras. Ahora cambio a un pincel mayor tamaño ocho y empiezo a pintar los dos pétalos superiores de la flor morada más clara. No te pongas demasiado oscuro aquí, pesar de que estos son los pétalos más oscuros de esta flor en particular Mantén el tono bastante ligero por ahora. Lo profundizaremos en la siguiente capa. Y nuevamente, recuerda dejar sin pintar las zonas de resaltado Una vez que termines esta capa, sécala con un secador de pelo. A continuación, mezclo un violeta muy, muy claro. Yo uso el mismo quinacrodon magenta y azul ultramarino, y agrego un pequeño toque de amarillo Windsor profundo para silenciar ligeramente El amarillo es complementario al violeta, por lo que neutraliza suavemente la intensidad Agrega mucha agua. Esta mezcla debe ser muy, muy ligera y transparente. Usa el violeta pálido para pintar los tres pétalos inferiores de esta flor. Nuevamente, recordando para preservar los aspectos más destacados. Si bien la pintura aún está húmeda, puedes caer en un color un poco más fuerte, ya sea más violeta o un toque de magenta quinacrodon puro para introducir alguna variación En la foto de referencia, se puede ver una hermosa transición en estos pétalos, especialmente en el más grande desde el amarillo a través un tono lavanda muy suave y hacia bordes ligeramente más oscuros. Una vez que estés satisfecho con esta primera capa, seca todo a fondo. No. Ahora pasamos a la segunda capa donde profundizaremos los colores. Debido a que la capa inicial ya está en su lugar, es mucho más fácil lograr oscuros más ricos La primera capa ahora sirve como nuestro tono más claro, y mientras pintamos la segunda capa, podemos dejar intencionalmente pequeños espacios entre los trazos de pincel para que el color más claro debajo se muestre a través De esta manera, no sólo profundizamos el color sino que también construimos un poco de textura visual, sobre todo a lo largo de los bordes de los pétalos En áreas como esta de aquí, no trates de analizar exactamente lo que ves en la referencia. No necesitamos entender completamente cada forma. En cambio, céntrese en las principales áreas de color y lo más importante, en los valores tonales Asegúrate de crear algunas sombras profundas fuertes donde sea necesario. Ahora también podemos aplicar otra capa violeta a los pétalos aquí y profundizar su color Observe cómo el violeta muy claro de la primera capa permanece visible en las áreas resaltadas que pintamos alrededor. También profundicemos el color en el segundo pétalo. Para los pétalos más claros, agrego sombras ligeramente más oscuras tanto en el pétalo izquierdo como en el derecho justo encima del pétalo inferior principal. Estas sombras empujan suavemente los pétalos laterales hacia atrás y permiten que el pétalo inferior grande salga adelante. También dejo caer un poco más de violeta en el pétalo inferior principal. Como tercer paso, cambio a un pincel liner más pequeño tamaño cero, y al igual que en las flores anteriores, agrego las venas muy delgadas. Siento que estas delicadas líneas agregan mucho carácter a las flores, y realmente disfruto pintarlas. A veces, aunque un pétalo no muestre claramente venas en la referencia, todavía me gusta agregar algunas simplemente porque encuentro que las flores a menudo se ven más expresivas con ellas. El paso final para esta flor es el centro. Aplico amarillo Windsor profundo en esa zona, y mientras la pintura aún está húmeda, enjuago mi pincel y suavizo suavemente los bordes del amarillo con un pincel limpio para crear una transición más suave hacia el violeta circundante Después de secar el amarillo, también agrego algunas venas muy sutiles a los pétalos más claros usando mi pincel delineador. También necesitamos agregar un poco más de violeta a los dos pétalos laterales. Después usando el mismo pincel fino y una mezcla de color púrpura profundo, pinto las rayas más oscuras que irradian desde el centro Como toque final, utilizo de nuevo este morado oscuro para profundizar la sombra justo en el centro mismo de la flor Y con eso, se acaban las flores moradas. En la siguiente parte, pasaremos a pintar los pensamientos amarillos y naranjas 10. Panillas amarillas y naranjas: Pero en esta parte, cambiaremos completamente nuestra paleta de colores y pintaremos los pensamientos amarillos y naranjas bellamente contrastantes pensamientos amarillos y naranjas En cuanto a la técnica y al orden de las capas, nada cambia dramáticamente. La principal diferencia aquí estará en los colores. Usaré un pincel talla ocho para esta etapa. Ya limpié el lado izquierdo de mi paleta y cambié el agua en mi contenedor para que podamos trabajar con colores frescos y limpios. Empecemos por preparar los colores. Empezaré con el amarillo Windsor, mi amarillo frío. Y mézclalo con Windsor Yellow Deep. Esta combinación funciona muy bien para estas flores. Como siempre, la primera capa es la capa base. Empiezo buscando los colores más claros que puedo ver en los pétalos que estoy a punto de pintar En la primera flor, el pétalo izquierdo tiene hermosos reflejos, pero no son de color blanco puro. Entonces en lugar de dejar el papel completamente sin pintar, aplico un lavado muy ligero de amarillo Windsor En la parte inferior y en el lado derecho, puedo usar un amarillo más fuerte porque no hay reflejos muy brillantes que necesiten conservarse ahí. Para las segundas sartenes, utilizo amarillo Windsor profundo como color base y lo aplico a toda la flor. Esto crea una base perfecta para las capas posteriores. También pienso en el futuro en cómo afectará este amarillo a los próximos colores. En este caso, funciona muy bien porque el amarillo es uno de los componentes principales de los tonos naranja y rojo que aplicaremos posteriormente. El naranja más profundo se creará a partir del amarillo Windsor profundo y el rojo quinacrodón Incluso si usas un naranja listo para usar, como el naranja transparente, esta capa inferior amarilla solo hará que el color se vea más vibrante También considero los centros granate muy oscuros. El amarillo debajo tampoco dañará esos colores oscuros, así que no necesito dejar estas áreas sin pintar Una vez terminada esta primera capa, lo seco todo con un secador de pelo. Ahora pasamos a la segunda capa donde profundizamos los colores y pintamos las sombras Si mezclamos un amarillo frío con amarillo cálido, obtenemos un amarillo más neutro que puede funcionar como color básico de sombra. Pero para que sea un poco más oscuro y más natural, solo necesitamos agregar una cantidad muy pequeña de color complementario. En este caso, violeta. Solo un pequeño toque es suficiente para cambiar el amarillo y crear una sombra creíble Usar colores complementarios es una forma muy efectiva de crear sombras neutras. Empiezo con esta mezcla amarilla neutralizada y la aplico en las zonas de sombra Esta primera flor, sin embargo, también podemos ver algunas sombras más cálidas. Podemos crearlos usando colores de la misma familia de colores o de una gama de colores análoga vecina. Podríamos usar naranja transparente o un toque de quin rojo acrodon Pero en mi caso, agrego un poco de CNA quemado al amarillo para crear una sombra más limpia y cálida Hay muchas formas de modificar el amarillo para las áreas de sombra, pero lo más importante a recordar es usar solo una cantidad muy pequeña de cualquier pigmento adicional. El amarillo es extremadamente sensible, y es muy fácil hacer las sombras se vean fangosas y antinaturales Un pequeño toque de violeta, marrón, naranja o rojo suele ser más que suficiente si quieres conseguir una sombra cálida. En el pétalo superior derecho, uso un poco más de siena quemada para calentar y profundizar la sombra Ahora para la segunda flor, comenzamos a construir los tonos rojos anaranjados más profundos. Aquí uso principalmente el rojo de quinacridona, que se convierte en una naranja rica cuando se aplica sobre la base amarilla cálida Me gustaría mostrarles dos formas distintas de aplicar la pintura. El primer método es comenzar con un color más oscuro y aplicarlo húmedo sobre seco. En este caso, coloco rojo quinacrodón directamente sobre la capa amarilla seca Después de colocar el color fuerte, enjuago rápidamente mi pincel y suavizo los bordes con un pincel limpio a menos que intencionalmente quiera mantener un borde de sombra afilado Aquí hay otro ejemplo. Coloco el rojo a lo largo del borde del pétalo y luego lo ablanda hacia el centro, creando una transición suave del rojo al amarillo El segundo método, que te puede resultar más fácil funciona de la manera opuesta. Empezamos con un tono claro. Aquí utilizo un lavado ligero de naranja transparente, pero puedes usar con la misma facilidad un rojo quinqudon diluido Aplico el color claro a todo el pétalo, y mientras la pintura aún está húmeda, caigo en un rojo quinacrodón más fuerte cerca los bordes y tiro unos trazos más largos hacia el centro En este caso, estamos trabajando mojado sobre mojado, lo que facilita lograr transiciones suaves. Repitamos esto una vez más en el pétalo más grande. Primero, aplico un ligero lavado de naranja transparente. De nuevo, puedes usar en su lugar un rojo quinacrodón claro o incluso solo los vientos son amarillos profundos Y luego mientras la superficie aún está húmeda, agrego rojo quinacrodon más fuerte alrededor de los bordes y permito que se mezcle Ambos enfoques funcionan igual de bien. Simplemente depende de si prefieres trabajar mayormente húmedo sobre bordes secos y suavizantes o pintar más húmedo sobre mojado. Después seco estos pétalos y aplico rojo quinacrodón al pétalo final, dejando un pequeño hueco triangular para que el amarillo de la primera capa quede visible como resaltado Una vez que la capa anterior esté completamente seca, podemos agregar los detalles oscuros característicos. Me cambio a un pincel tamaño seis y mezclo un color granate profundo. Combino siena quemada con permanente Alizarin carmesí para crear la versión más clara de este color Después mezclo un segundo pétalo más oscuro agregando una pequeña cantidad de pinturas grises. Ahora tenemos un granate más claro y otro más oscuro. Comienzo con el granate más claro y pinto las características formas oscuras en los tres pétalos amarillos He aprendido que estas formas en el centro de los pensamientos a menudo se llaman manchas o manchas Asegúrate de colocarlos en la posición correcta y evita pintar sobre el centro mismo y las dos pequeñas esquinas ligeras en los pétalos laterales. Intenta mantener la forma general similar a la referencia, pero recuerda, no tiene que ser una copia exacta. Mientras la pintura aún está húmeda, recojo el granate más oscuro y lo dejo caer en partes de la mancha para introducir más variación en Repita el mismo proceso en la segunda flor. En este caso, utilizo un poco más permanente de lazarina carmesí para mantener el color un poco más en el lado rojo Después de que todo esté completamente seco, utilizo un pincel más pequeño y la mezcla granate oscuro para pintar las líneas finas que irradian desde el centro También he aprendido que a estos a veces se les llama bigotes Ahora, con un tono muy claro de rojo quinacrodon, agrego unas sombras delicadas para realzar la textura de los pétalos Empiezo con una pequeña sombra rosada la izquierda usando mi pincel delineador Después vuelvo a cambiar a un pincel talla seis, y usando una mezcla muy ligera de rojo quinaquedón, a veces mezclado con un poco de dip amarillo Windsor, agrego sombras suaves en algunos lugares Lo más importante es que coloco una sombra suave justo por encima del pétalo inferior. Esto ayuda a separar el pétalo inferior de los pétalos laterales y empuja el pétalo lateral ligeramente hacia atrás. También agrego algunas formas triangulares alargadas de sombra en los pétalos para sugerir su textura de papel ligeramente arrugada Observe que estas sombras son muy sutiles. Solo son ligeramente más oscuros que el amarillo principal. Realmente no queremos hacerlos demasiado fuertes. También profundizo el centro de la flor con una mezcla granate más oscura para aumentar la sensación de En la segunda flor, empiezo asegurándome que los pétalos superiores estén lo suficientemente oscuros. Mezcle rojo quinacrodon con un pequeño toque de sarín permanente carmesí para crear un rojo más profundo y aplicarlo a un rojo más profundo y aplicarlo Después de eso, utilizo naranja transparente o también podríamos usar una tonelada de rojo quinacrodon para agregar más marcas y textura en los pétalos para mejorar el efecto arrugado Como toque final, también podemos agregar algunas vetas muy delgadas aquí y allá. Y asegúrate de volver a profundizar el centro de la flor para empujarla de nuevo visualmente Finalmente, usando la punta de un pincel limpio, corro suavemente por algunos de los bordes de los pétalos para reactivar la pintura y levantar un poco de color con una toalla de papel Esto hace que los bordes sean ligeramente más ligeros y mucho más suaves. Si dejamos fuera demasiada pintura, siempre podemos volver a aplicar suavemente un poco de amarillo Y esto completa los pensamientos amarillos y naranjas. Este contraste entre los morados y los amarillos realmente comienza a hacer que la pintura cobre vida. En la siguiente parte, pintaremos las flores rosadas, lo que nos ayudará a crear un hermoso equilibrio de colores en toda la composición. Tómate un breve descanso si quieres, y cuando estés listo, pasaremos a las dos últimas flores. 11. Fibras rosas: En esta parte, pintaremos las dos últimas flores y completaremos una etapa muy importante de la pintura. Una vez terminadas estas flores, se harán todas las flores en nuestra composición Entonces este es un momento perfecto para hacer una pausa y apreciar lo lejos que has llegado. Recuerda que pintar no se trata de velocidad. No es una carrera y no hay competencia. Tómate tu tiempo, no te apresures y disfruta del proceso. Nos fijamos pequeñas metas en el camino y las alcanzamos paso a paso. Voy a usar ahora un pincel talla ocho para esta primera capa. He limpiado el lado izquierdo de mi paleta y he cambiado el agua para poder trabajar con colores limpios. Comencemos mezclando un amarillo neutro usando una combinación de vientos fríos o amarillo y amarillo cálido o amarillo profundo Además del amarillo, también necesitaremos rojo quinacredón y un rosa ligeramente más frío, en mi caso, rosa permanente Estos tres colores son suficientes para esta capa inicial. Aquí noto que me olvidé de dibujar una de las formas de pétalo, así que rápidamente la bosquejé en. Ahora podemos comenzar aplicando un lavado muy, muy ligero de color amarillo. En mi caso, se ve un poco más anaranjado porque todavía hay un poco de rojo en mi cepillo, y el agua ya no está perfectamente limpia, pero eso está absolutamente bien. Solo necesitamos una base cálida muy ligera. Si bien este primer lavado aún está húmedo, deja caer un poco de quinacridona roja y deja que se extienda suavemente en la pintura húmeda Observe que estoy usando mucha agua y consistencia de pintura muy acuosa Ayuda a crear lavados suaves y transiciones de color suaves Coloco el rojo principalmente en las zonas que inmediatamente me llaman la atención en la foto de referencia. Esta es sólo una capa inicial, así que me concentro en colocar los colores principales que puedo ver en la flor, pero en un valor tonal más claro, y a la vez, conservo las áreas y resaltes más claros El pétalo inferior es más amarillo. Cerca del centro, utilizo un amarillo más fuerte, y hacia los bordes, mantengo el tono más claro. A lo largo del borde exterior, agrego un toque de quinacrodón rojo Por lo que este pétalo muestra una transición suave de un centro amarillo a un borde más cálido ligeramente anaranjado. Tres Mientras la pintura aún está húmeda, también puedo caer un poco más rojo quinacrodon para profundizar ligeramente Para el pétalo superior derecho, empiezo con un lavado muy ligero de rojo quinacrodon y luego caigo en un tono más fuerte del mismo También agrego rosa permanente porque ese color rosa es claramente visible en ese pétalo. Cerca del centro, también agrego un pequeño toque de amarillo. Pinto el pétalo izquierdo de manera similar, nuevamente, agregando un amarillo ligeramente más fuerte más cerca del centro. La segunda flor rosada es muy similar a la primera. Aplicar ligeros lavados de amarillo y rosa, manteniendo el amarillo cerca del centro y colocando rojo quinacudón a lo largo de los bordes de los pétalos En esta flor, los dos pétalos superiores son ligeramente más fríos, así que utilizo filas permanentes para ellos. Además, recuerda dejar el pequeño resaltado sin pintar en el pétalo izquierdo Una vez terminada la capa inicial en ambas flores, deja que todo se seque completamente o usa un secador de pelo para acelerar el proceso. Cuando la primera capa está completamente seca, podemos pasar a profundizar los colores y agregar detalles Ahora cambio a un pincel tamaño seis. Empiezo fortaleciendo los cálidos tonos rojos en el pétalo izquierdo. Aplico rojo quinacrodon usando la técnica wet on dry y luego ablanda los bordes para que se funda suavemente en la Al mismo tiempo, agrego algunos trazos sutiles con bordes más duros para sugerir una textura suave y arrugada También profundizo el color en el pétalo superior derecho. Empiezo con rojo quinacridón en la zona de sombra, pero puedo ver que el valor aún no es lo suficientemente oscuro Entonces, para profundizar esta sombra, utilizo un color análogo con un rango de valores tonales más amplio En este caso, carmesí de lazarina permanente. Esto me permite llegar a un rojo más oscuro, más rico. Luego agrego más rosa a las áreas circundantes al pétalo y dejando caer un poco más de amarillo cerca del centro. En general, mantengo estos dos pétalos superiores ligeramente más oscuros que el resto de la flor. También agrego sombras para separar claramente los pétalos superpuestos. Disfruto mucho pintando estas formas triangulares cortas y alargadas a lo largo los bordes de los pétalos. Crean un bonito efecto arrugada. Al suavizar algunos de los bordes y dejar otros más afilados, agregamos variedad e interés visual A continuación, agrego un poco más de amarillo a los pétalos. Después de eso, noté que el pétalo superior aún necesita más profundidad, así que utilizo una mezcla más concentrada de rojo de quinacridona y rosa permanente para oscurecer Para mantener la flor equilibrada, también oscurezco ligeramente el pétalo izquierdo En la segunda flor, empiezo oscureciendo el pétalo superior izquierdo usando una rosa permanente más fuerte También profundizo el pétalo inferior con un rosa más fuerte y refuerzo el amarillo cerca del centro Después fortalezco los colores de los pétalos derecho e izquierdo aplicando los mismos colores que en la primera capa. Esta segunda capa naturalmente hace que los colores sean más ricos e intensos En el pétalo superior derecho, hay una hermosa sombra superpuesta, así que empiezo por darle forma con rosa permanente. Estos pétalos superpuestos son muy atractivos porque introducen una sensación de translucidez, al igual que en los pensamientos morados que pintamos antes. Una vez terminada la segunda capa, seca las flores por completo. Entonces podemos agregar los detalles finales. Mezcla winsor amarillo profundo con sarín permanente carmesí. Esto crea un marrón cálido y vibrante, bastante similar a la sienna quemada, pero ligeramente más rico Usa este color para pintar las manchas centrales en los pétalos de ambas flores Vuelva a secar la pintura y prepare un tono mucho más oscuro agregando zarine carmesí más permanente y un toque de Con esta mezcla oscura y un pincel pequeño liner o simplemente la punta de un pincel redondo fino, pinte los delicados bigotes oscuros en los centros Ahora, profundiza el centro mismo de cada flor para crear una sensación de profundidad más fuerte También agrego un poco más amarillo Windsor profundo alrededor del centro. Finalmente, termina las flores pintando las finas venas usando los mismos colores que en los pétalos, rojo quinacredón y rosa permanente Repita exactamente el mismo proceso en la segunda flor rosa. Primero, los bigotes oscuros, luego el centro más profundo, y finalmente, las delicadas venas Y con eso, hemos alcanzado un hito muy importante en esta pintura. Todas las flores están terminadas y la obra de arte ya se ve brillante, soleada y llena de vida. Todavía tenemos dos goles más pequeños por delante. Primero pintando las hojas y tallos y el segundo, pintando la cara de cristal. Tómate un breve descanso si quieres, y en la siguiente parte, volveremos a la pintura con ojos frescos y energía fresca. 12. Hojas y tallos: Espero que estés listo para pasar a los elementos verdes en nuestra pintura. En esta parte, te mostraré cómo pinto las hojas y los tallos. Dividiremos la etapa en tres pasos claros. En el primer paso, aplicaremos capa verde básica a todos los elementos verdes. Después de que esta capa se seque, aplicaremos una segunda capa para oscurecer las áreas seleccionadas Por último, en el tercer paso, agregaremos los tonos más oscuros para aumentar la profundidad y la dimensionalidad Cree que trabajar en al menos tres capas es un enfoque muy efectivo. La primera capa representa los tonos más claros. La segunda capa crea los tonos medios, y la tercera capa establece los valores más oscuros Esta gama tonal más amplia nos ayuda a crear formas tridimensionales más convincentes Mezclemos el color para la capa base inicial. Mezcle oro verde con azul ultramarino, y también agrego un pequeño toque de color verde Windsor, tono amarillo para que el verde luzca un poco más fresco También guardo algo de oro puro en el costado también. No es necesario usar exactamente los mismos pigmentos. Si tienes sub verde o putas verdes, por ejemplo, funcionarán perfectamente bien Simplemente puedes ajustarlos ligeramente. Por ejemplo, agrega un poco de amarillo cálido a las putas verdes. También puede usar Windsor verde, tono amarillo o incluso Windsor verde, tono azul y modificarlo agregando un poco de amarillo. Usaré una brocha talla seis para esta parte. También cambio mi agua porque quiero trabajar con verduras limpias y frescas. Primero recojo un color verdoso muy claro y neutro de la parte superior de mi paleta Todavía queda algo de color de fondo sobrante aquí. Utilizo el verde suave para llenar los espacios entre las flores en la zona superior, y luego me dejo caer un poco más verde. Y ahora viene la parte fácil y relajante. Esta etapa en realidad es muy sencilla. Realmente se siente como colorear en un libro para colorear. Todo lo que tenemos que hacer es aplicar una capa verde básica a todos los elementos verdes. En este punto, todavía no estamos pensando en la forma, la luz o la sombra. Solo quiero cubrirlo todo con una capa base verde amarilla. Al hacer esto, puedes, por supuesto, variar el tono del verde, agregar más oro verde, más azul ultramarino, un toque de amarillo, o incluso un verde diferente si quieres Simplemente estás estableciendo la sensación general del follaje. Puedes hacer que los greens se vean más frescos agregando más vientos o verdes o un toque de amarillo transparente Puedes hacerlos más olivos agregando un poco de Bnciena o naranja Usa cualquier mezcla verde que sientas que va a funcionar bien con tus flores. Un buen dibujo es muy útil en esta etapa. Así que asegúrate de que tus formas principales de hojas y tallos estén dibujadas claramente Tengo las formas principales en su lugar, pero estoy constantemente revisando la foto de referencia y dejando deliberadamente pequeños huecos entre algunas áreas verdes para sugerir espacios entre hojas y tallos. Se puede ver que en esta hoja más pequeña, aún se ve algún color de fondo, pero eso no es un problema porque el verde la cubrirá fácilmente. Intenta usar una consistencia de pintura que te permita aplicar lavados suaves y uniformes sin demasiados bordes duros Pero si obtienes algunas flores o bordes afilados, no te preocupes por ellas. Solo agregarán una textura más natural al follaje. Llena los espacios entre las flores y pinta cuidadosamente a lo largo del borde del jarrón. También hay algunas hojas en el lado derecho, así que no olvides incluirlas. Como puedes ver, estamos utilizando una técnica muy sencilla de mojado sobre seco y aplicando lavados planos Oh. Ahora muévete hacia abajo y empieza a pintar los tallos. Aquí quiero llamar su atención dos áreas muy importantes antes de que sea demasiado tarde. En la imagen de progreso de trabajo, se puede ver claramente dónde apliqué el verde en esta etapa. Observe que dejo una tira sin pintar a lo largo del borde del jarrón, y aún más importante, también dejo una zona sin pintar en medio del Aquí es donde estará la superficie del agua. Por favor, trate de no pintar sobre estas dos áreas. Son esenciales para crear el efecto de vidrio transparente posteriormente. En la segunda y tercera capa verde, también pintaremos cuidadosamente alrededor de estas áreas, y sólo cuando pasemos al jarrón, las llenaremos de color. A partir de este punto, puedo trabajar un poco más rápido porque no está pasando nada muy complejo. Simplemente aplico la capa verde claro a todos los tallos siempre recordando para evitar las dos áreas que acabo de mencionar Una vez terminada la primera capa verde, secar todo por completo, y luego podemos pasar a la segunda capa. Ahora, la primera capa verde está seca y estamos listos para profundizar algunas áreas y agregar más dimensionalidad Todavía estoy usando un pincel tamaño seis. Para los colores, sigo usando la misma mezcla verde, verde dorado con azul ultramarino y un toque de tono amarillo verde Windsor Además, preparo una mezcla de verde más oscuro mezclando oro verde, azul ultramarino y pinturas grises M partiendo del lado izquierdo, trabajo a través del área verde sección por sección, comparando constantemente mi pintura con la foto de referencia. Dondequiera que vea que un área debe ser más oscura, aplico la segunda capa y simplifico todo. Realmente no necesito saber si estoy pintando una hoja, un tallo, o algo más. Mi único objetivo es colocar formas más oscuras para introducir más profundidad. En la mayoría de las zonas, no me molesto en suavizar los bordes. Los bordes duros están perfectamente bien aquí. Si miras la imagen de trabajo en progreso, puedes ver claramente dónde se aplica la segunda capa verde más oscura. En la hoja más grande, dejo huecos muy finos sin pintar para sugerir la vena central y algunas venas secundarias Repito el mismo enfoque en la hoja más pequeña. En esta etapa, ya se puede comenzar a introducir los greens más oscuros en algunos lugares, pero nos centraremos principalmente en los acentos más oscuros en el tercer paso a menos que un área en particular sea muy oscura en la referencia Notarás que las formas empiezan a verse bastante abstractas, sobre todo en las zonas entre las flores. No estoy tratando de describir cada hoja con precisión. Simplemente estoy construyendo formas abstractas que luego se leerán como follaje cuando se vean como un todo. En esta hoja aquí, pinto la vena central y las venas ramificadas directamente con el verde en lugar de dejar huecos Yo hago lo mismo en la hoja inferior. Todo se pinta de una manera muy simplificada utilizando una técnica básica de húmedo sobre seco. Ahora, paso a los tallos por encima del nivel del agua, y esta es la parte más intuitiva de la pintura y honestamente la parte más difícil de explicar Simplemente observo la foto de referencia, noto las áreas que más me destacan, y luego las traduzco a mi pintura. Me concentro principalmente en las zonas más oscuras entre los tallos porque más me atraen la atención También me dejo caer un poco de marrón para introducir un poco de variación de color. Mi principal objetivo es aumentar la variedad de valores de túnel. Tengo en cuenta que la fuente de luz viene del lado izquierdo, y por esa razón, a menudo dejo el borde izquierdo de un mechero de tallo para sugerir que la luz lo golpee. Recojo un poco de siena quemada y la mezclo en mi verde más claro También presento el tono más cálido en los tallos debajo de la superficie del agua Estos tallos son un poco más fáciles de pintar porque sus formas están claramente definidas Puedo tratar cada tallo individualmente y aplicar la segunda capa verde para oscurecerlos. Nuevamente, evito pintar a lo largo del borde izquierdo para mantener una tira más ligera iluminada por el sol También oscurezco los tallos que están más atrás y más Se termina la segunda capa, se seca todo con un secador de pelo, y en el tercer y último paso, solo agregamos unos acentos más oscuros cuidadosamente colocados Utilizo la mezcla verde más oscura con pinturas grises y cambio a un pincel de cuatro tamaños más pequeños Repaso las áreas verdes y comparo cada sección con la foto de referencia buscando manchas que necesiten ser empujadas más oscuras. Se trata de ajustes muy pequeños, formas diminutas y líneas cortas que fortalecen la profundidad y hacen el follaje se sienta más tridimensional. También comparo los valores de túnel de los verdes con las flores, especialmente con los centros muy oscuros de las flores. Para mantener la pintura equilibrada, el follaje también necesita algunos acentos oscuros profundos. De lo contrario, las hojas se verían demasiado ligeras en comparación con las flores. Una vez que estos oscuros están en su lugar, las flores y el follaje se sienten mucho más armonizados Ahora comparten un valor tonal similar desde muy claros hasta tonos medios hasta oscuros profundos, lo que ayuda a que la pintura sienta más completa y realista, pesar de que las áreas verdes aún se ven bastante abstractas cuando se ven de cerca Ahora, seque todo a fondo, y en la parte final de este tutorial, pintaremos el jarrón de vidrio. 13. Florero de vidrio: Bienvenidos a la parte final de este tutorial. En esta etapa, terminaremos la pintura trabajando en el jarrón de vidrio y ajustando ligeramente la sombra debajo de él. Empezaré con un pincel talla seis. Preparo un área limpia en el lado izquierdo de mi paleta para mezclar azul ultramarino puro y también un color beige neutro hecho de siena quemada y Empecemos por el borde del jarrón de cristal. Recoge el azul ultramarino y mézclalo con un verde oscuro para crear un color turquesa profundo Aplica este color oscuro al borde, empezando por las zonas más oscuras A partir de este momento, pintaremos formas abstractas que eventualmente se unirán para crear la ilusión de un jarrón de vidrio. Me gustaría que cambiaras ligeramente tu mentalidad aquí. En lugar de pensar que estás pintando un jarrón, piensa en ello como crear una colección de formas pequeñas, abstractas, claras y oscuras. Estas formas son muy pequeñas y muchas veces estaremos trabajando solo con la punta del pincel. Si estás pintando en un formato más pequeño, necesitarás simplificar aún más las formas o cambiar a un pincel más pequeño. Pero trata de no apresurarte. Observa y recrea cuidadosamente las formas que puedes ver en el borde más tarde alrededor de la superficie del agua, y finalmente en el fondo del jarrón Estas tres áreas requieren la mayor paciencia y precisión. Comienza con las formas más oscuras más prominentes y construye lentamente los colores más claros a su alrededor. Asegúrate de dejar algunas áreas blancas sin pintar. Ahora cambio a un cepillo tamaño cuatro para un mejor control. Recojo una mezcla de azul ultramarino y siena quemada y empiezo a pintar el borde de la superficie del agua Estas formas horizontales alargadas describen la pared de vidrio y el borde del agua dentro del jarrón. Si bien la pintura varía tanto el color como el valor. Concéntrese especialmente en los tonos más oscuros y colóquelos junto a las áreas blancas para crear un fuerte contraste. Al pintar vidrio, los bordes afilados y el alto contraste son extremadamente importantes. A continuación vuelve a mezclar azul ultramarino con un poco de verde oscuro y usa esta turquesa oscura para pintar las formas más oscuras en el fondo del jarrón Es mucho más fácil comenzar con los acentos más oscuros y establecer primero su colocación Una vez que están adentro, se vuelve más fácil rellenar las áreas restantes. Notarás verdes, azules y marrones en la referencia. Intenta incorporar todos estos colores. En vidrio, los colores se distorsionan y se mezclan, y queremos sugerir ese efecto No te preocupes por lavados irregulares o bordes duros. En realidad son muy importantes aquí. Los bordes duros ayudan a crear la superficie brillante reflectante del vidrio. Usa valores de luz para pintar algunas de las formas más claras y luego agrega algunas marcas más oscuras y saturadas. Recuerda siempre dejar sin pintar las zonas blancas más brillantes Una vez que los tres elementos más importantes están en su lugar, el borde, el borde de la superficie del agua y las formas más oscuras en la parte inferior, ya tenemos una estructura fuerte para el jarrón A partir de este momento, el proceso se vuelve más fácil porque estaremos trabajando con áreas más grandes y ya no necesitamos ser tan precisos. Ahora mezcla un marrón claro y neutro usando siena quemada y un poco de azul ultramarino Y enfocarse en la parte superior del jarrón y especialmente en la superficie del agua. Debido a que tenemos una línea de lápiz clara que indica el nivel del agua, podemos marcar ligeramente esta área con la mezcla beige. Sin embargo, observe que en el lado izquierdo, hay una forma vertical ligera. Deja esta zona sin pintar por ahora. Hay una reflexión que queremos conservar. Aplica el marrón claro y luego cambia a tonos más azulados y continúa pintando formas abstractas Cerca del borde, hay una forma más oscura que me parece un pequeño corazón. Entonces pinto una versión simplificada de la misma. Ahora, llene la superficie del agua con lavados muy ligeros de marrón, azul y verde Nuevamente, dejando algunas zonas blancas. Intenta seguir las formas curvas del jarrón. Imagina que estás pintando sobre una superficie redonda. Después de eso, llena la esquina superior izquierda del jarrón con un lavado marrón muy celeste. Muévete hacia el lado derecho de la superficie del agua y vuelve a aplicar tonos azul claro y marrón, dejando algunas zonas blancas. Mi pintura es muy acuosa aquí e intencionalmente desigual. También permito deliberadamente que se formen bordes duros. Oh en la esquina a un marrón beige muy claro. Al observar la referencia, puedo ver algunas formas verticales. Entonces pinto una versión simplificada de ellos, dejando finos huecos blancos entre las formas. Ahora mezclo un poco más de mi color beige Bnciena y azul ultramarino Y esta vez, también agrego un pequeño toque de amarillo Windsor profundo para calentarlo ligeramente. Con esta mezcla muy acuosa, pinto el lado izquierdo del jarrón Después cambio a un gris más neutro, seguido de un poco verde. Poco a poco voy llenando las áreas blancas restantes con capas muy ligeras de diferentes colores. En el fondo del jarrón, todavía hay algunas formas abstractas que necesitan ser pintadas. Nuevamente, recordando conservar algunos reflejos blancos. Usa una variedad de colores, marrones, grises, verdes y azules Puedes comenzar con marcas muy ligeras y luego fortalecerlas si es necesario. En general, el fondo mismo del jarrón contiene formas más rotas e irregulares, formas más rotas e irregulares, mientras que el vidrio de arriba se ve más frío y más suave Para la parte superior, aplique lavados más suaves, más unificados de gris, marrón y azul En el lado derecho del jarrón, todavía puedo ver algunos reflejos brillantes, así que dejo esas áreas sin pintar Los bordes afilados contra lavados suaves son esenciales para sugerir vidrio reflectante Yo Ahora, deja que todo se seque. Cuando la pintura esté seca, podemos agregar algunos acentos finales. Comienza con una mezcla gris de siena quemada y azul ultramarino, y pinta las líneas verticales del lado izquierdo del jarrón Agrega algunas formas verticales muy ligeras con bordes afilados. Estas marcas de bordes duros colocadas sobre lavados más suaves crean un efecto reflectante convincente. Agrega algunas manchas más oscuras en el fondo del jarrón. Termina el jarrón agregando unas delicadas formas verticales apenas visibles tanto en el lado izquierdo como en el derecho. Las marcas de asentamiento juegan un papel muy importante en la creación de la ilusión del vidrio transparente. Después de terminar el jarrón, noté que la sombra debajo de él sigue siendo un poco demasiado clara. Entonces ahora usando pincel tamaño 12, oscurecí la sombra con una mezcla de azul ultramarino y También me cae un pequeño toque de verde. Profundizo la sombra en el lado izquierdo, en el lado derecho, y directamente debajo del jarrón Ahora, seque todo por completo. Como toque final, podemos potenciar la luz reflejada del cristal sobre la mesa. Para ello, utilizo un cepillo depurador. Lo mojé, lo sangré sobre una toalla de papel y envuelvo suavemente la superficie en algunos lugares. Esto reactiva la pintura. Luego levanto la pintura con una toalla de papel para crear puntos suaves y claros que parecen reflejos danzantes. Puedes probar esto con tu cepillo redondo regular, pero es mucho más difícil. Un cepillo de fregado, que en realidad es un pincel plano para pintura acrílica tiene cerdas un poco más rígidas y hace que sea mucho más fácil activar la pintura y luego Con este pincel, también puedes suavizar algunos otros bordes o dejar pequeños resaltados en otra parte de la mesa si es necesario Ahora puedes firmar tu pintura, quitarte la cinta de enmascarar y tomarte un momento para ver lo que has creado. Espero que estés contento con tu resultado y que hayas disfrutado de este tutorial. Estoy muy contento con cómo resultó la pintura. Me encanta el ramo colorido y la ilusión de vidrio creada en el papel. Se trata de una pintura brillante, alegre que quedaría preciosa en la pared. En el video final, recapitularemos brevemente las ideas más importantes de este tutorial 14. Resumen: En primer lugar, felicidades por completar esta colorida pintura de Pensamientos en un jarrón de vidrio Este fue un proyecto más largo y detallado, y terminarlo es un logro maravilloso. Ahora, tomemos un momento para recapitular lo que exploramos juntos en este tutorial Aprendimos a acercarnos un ramo detallado dividiéndolo en elementos manejables más pequeños y pintándolos paso paso en lugar de tratar de abordar toda la composición a la vez Creamos un plan de pintura claro y trabajamos en un orden lógico, comenzando por el fondo, luego moviéndonos a las flores seguido de la vegetación y terminando con el jarrón de vidrio Exploramos cómo los colores de fondo más suaves y neutros pueden hacer que los colores brillantes de las flores parezcan más vibrantes y luminosos por contraste. Enfocado en pintar los Pensamientos en múltiples capas transparentes, preservar los reflejos y colocar cuidadosamente los tonos más oscuros para crear forma, profundidad y delicadas texturas de pétalos Aprendimos a mezclar violetas expresivas, amarillos cálidos, naranjas, rosas, y cómo los sutiles cambios entre tonos cálidos y fríos agregan vida y variación Usa una combinación de bordes suaves y duros, pinceladas rotas y venas delgadas para sugerir la delicada superficie ligeramente argada de los pétalos de pensamiento Construimos las hojas y tallos en tres etapas, claro, medio y oscuro para crear profundidad y un aspecto tridimensional natural sin complicar demasiado Aprendimos a pintar un jarrón de vidrio enfocándonos en formas abstractas, claras y oscuras, fuertes contrastes y bordes afilados en lugar de intentar pintar el objeto mismo. Finalmente, utilizamos técnicas de elevación y sutiles ajustes tonales para realzar reflejos, reflejos y sombras, aportando más luz y claridad a la pintura terminada Muchas gracias por pintar junto a mí. Espero que hayan disfrutado este proyecto y hayan descubierto nuevas formas de abordar complejas composiciones florales con confianza y paciencia. Feliz pintura y ojalá te vea la próxima vez. Bye