Guía para principiantes de la fotografía (DSLR y fotografía (DSLR (DSLR )

1. Introducción: Hola, mi nombre es Chris y soy cineasta y fotógrafa de tiempo completo de Inglaterra. En este curso, estoy hablando todo de fotografía. Si eres nuevo en la fotografía o si estás buscando entrar en la fotografía un poco más en serio, entonces este curso es para ti. En este curso, vamos a cubrir todo lo que necesitas saber, desde empezar a configuraciones de cámara hasta composición y encuadre. Vamos a hablar de iluminación. Hablaremos de las lentes y los diferentes tipos de lentes que puedes obtener. Después seguiremos a hablar los diferentes tipos de fotografía, tan larga exposición, retrato, poca luz, deportes y acción. Entonces terminaré con un pequeño tutorial de edición y te mostraré cómo editaría mis fotos en Adobe Lightroom. Toma tu cámara réflex digital o tu cámara sin espejo, y empecemos a aprender a tomar fotos increíbles. Vamos a meternos en ello. 2. Modo automático de modo vs. manual: Cuando obtienes tu primera cámara réflex digital o tu primera cámara sin espejo, es muy fácil poner la cámara en modo automático, tomar una foto y se verá bastante decente. Pero el problema es que cuando confías en modo automático de tu cámara, estás confiando en que va a conseguir la configuración correcta cada vez. Desafortunadamente, este no es el caso. A veces puede estropearse y si es una toma realmente importante, así que tal vez eres fotógrafo de bodas y necesitas ese tiro perfecto. Bueno, si confías en esos ajustes automáticos, no puedes garantizar que vaya a hacerlo bien. Lo más probable es que pueda hacer, pero no se puede garantizar eso. Es por ello que necesitamos aprovechar al máximo nuestro sensor de cámara y de lo que nuestra cámara es capaz al cambiar nuestra cámara al modo manual. En primer lugar, ¿qué es el modo manual? Bueno, el modo manual básicamente te va a permitir controlar todos tus ajustes independientemente unos de otros. Si configuras un modo automático en tu cámara, y lo haces generalmente girando el dial en la parte superior de la cámara a A. Podemos tener diferentes modos como P, TV, AV, B, y luego algunos otros diferentes ajustes. Pero si lo configuras en un modo automático, tu cámara analizará la escena y averiguará qué ajustes probablemente deberías estar usando en este entorno. Pero cuando cambias a modo M o manual, significa que puedes controlar la velocidad del obturador, la apertura, el balance de blancos, el ISO. Puedes controlar todos estos ajustes independientes unos de otros. Esto significa que puedes capturar looks específicos que atiendan tu estilo y tus diferentes necesidades. El motivo por el que queremos este control del modo manual es porque uno, nos devuelve nuestra libertad creativa. Si queríamos una velocidad de obturación larga, entonces ponerla en manual y cambiar la velocidad de obturación nos permite hacer eso. Si queremos que el tiro se vea un poco oscuro y un poco más de mal humor, entonces podemos ajustar la configuración en consecuencia para llegar a esa mirada. El problema es con un modo automático, es que simplemente te daría una foto agradable la mayor parte del tiempo. Si estás tratando de agregar estilo a tu fotografía entonces automático es una forma muy difícil de lograrlo, así que cambia al modo manual. Ese es nuestro primer paso. En los próximos videos, te voy a hablar a través todos los diferentes ajustes que debes conocer para aprovechar al máximo tu cámara y su sensor. 3. Apertura: El primer escenario que vas a querer saber es la apertura. Una abertura va a controlar dos cosas, una, va a controlar las cantidades de luz en los disparos. Dos, cambiará la cantidad del marco que está en foco. Centrémonos en la parte de brillo primero. Cuando veas apertura en tu cámara, probablemente dirá F seguido de un número, y esto puede variar en cualquier lugar desde 1.2, 1.6, 1.8 hasta alrededor de F22. Por supuesto, dependiendo de tu lente en combinación de tu cámara, esto cambiará. Pero la regla de oro para la apertura es, el amor por la abertura, por lo que cuanto menor sea el número. F1.8, por ejemplo, que dejará entrar más luz que una apertura mayor. Si estuvieras disparando en una habitación oscura, querrías tirar de la abertura hacia abajo a un número menor de alrededor de F1.8. Ahora probablemente te estés preguntando cuál es la abertura en realidad. Bueno, esencialmente dentro de la lente de tu cámara, hay estas cuchillas y se cierran y se abren para dejar que entre más o menos luz en el sensor de la cámara. Cuando tengas un número menor, las cuchillas se van a abrir y tendrás una abertura más grande en la lente de tu cámara. Esto significa que vas a dejar entrar más luz en el marco, más luz en el sensor de la cámara, y esto significa que vas a obtener más luz en tu foto. Considerando que cuando lo tire hacia abajo al revés, por lo que F22, en realidad vas a cerrar estas cuchillas y eso va a crear un pequeño agujero en tu lente, lo que significa que menos luz es capaz de pasar. Al hacer esto, significa que obtienes una imagen oscura. Primero las cosas primero, si quieres una imagen más clara, tira tu apertura hacia abajo a F1.8, F2, F3, F4, y si quieres oscurecer, tire hacia arriba hasta alrededor de F22. Por supuesto, puedes escoger el número que coincida con tu escena, pero más oscuro es un número más alto, más ligero es un número menor. Ahora, la apertura no sólo controla la ligereza, sino que también controla el plano de enfoque. Sin complicarse demasiado, esencialmente esta es la parte del marco que está en foco. Si tienes una apertura de F22, básicamente significa que la mayor parte de tu marco va a estar en foco. Significa que si esta toma fuera filmada en F22, estaría en foco y el fondo estaría en perfecto enfoque también. tanto que cuando sacamos hacia el otro lado, así que vamos a F1.8. Significa que si estoy enfocado, el fondo se desenfocará y eso estará fuera de foco. Esencialmente, solo estás dibujando una línea entre la lente de la cámara y el back-end de tus tomas. Si tiene un número más alto, todo va a estar enfocado. Pero cuanto menor sea el número, menor será la cantidad del marco en el foco. Si tienes una abertura de F1.8 y yo sostengo mi mano aquí arriba, significa que el avión de enfoque va a estar alrededor de este gran vecino. Sólo mi mano estará enfocada y luego todo fuera de esa área se desenfocará hacia fuera de foco o borrosa. Apertura controla la cantidad de luz que entra en el sensor de la cámara y la apertura también controla la borrosidad del marco, entonces ¿cuánto hay en foco? Ahora, no hay una regla específica para qué número debes establecer en tu apertura. Ninguna escena específica tiene un número preferido. Depende de ti y de tu creatividad averiguar el número apropiado. Solo recuerda, un número menor, F1.8 va a añadir más luz y tener menos en el foco, mientras que un número mayor F22 será más oscuro, pero más del marco estará en foco. 4. Velocidad de obturación: A continuación tenemos velocidad de obturación y velocidad de obturación, como la abertura controla dos cosas diferentes. En primer lugar, afecta el brillo. Si tienes un número de obturador más alto, vas a cerrar la luz que entra en sensor de tu cámara y tendrás un disparo más oscuro, y si vas al contrario, si abres tu obturador por lo que tienes una velocidad de obturación más larga, eso significa que vas a dejar entrar más luz. Pero, ¿cuál es el obturador? Ahora esencialmente el obturador de tu cámara es una 'puerta' y está cerrada por defecto, pero cuando disparas el obturador, lo que tomas una foto, estas puertas, se abren y cierran de nuevo hacia abajo. Cuanto más tiempo se abren, más luz entra en el sensor de la cámara. Si configuro mi velocidad de obturación a 100, que es 100 de segundo, eso es realmente rápido, el obturador está abierto para [NOISE] un segundo muy breve, está abierto y cerrado. Considerando que si tire eso hacia abajo a un segundo, por lo que un segundo completo, significa que cuando presiono el botón gatillo, [RUIDO] está abierto y cerrado para que permanezca abierto por más tiempo con ese más tiempo velocidad de obturación. Lo primero que controla la velocidad del obturador es la luz, por lo que si tienes un obturador muy rápido, básicamente significa que una pequeña cantidad de luz entrará en el sensor de la cámara. Pero si abres eso y tienes el obturador abierto por 2, 3, 4, 5 , 6 segundos, se va a abrir y eso es mucha luz entrando en esa foto. Pero por supuesto, la velocidad de obturación no se trata solo de brillo, velocidad de obturación también controla la cantidad de desenfoque de movimiento en el fotograma. Si tienes una velocidad de obturación muy rápida de 1/500, por ejemplo, se va a abrir y cerrar en 1/500 de segundo, lo cual es muy rápido. Esto significa que si estás tomando fotos de alguien saltando en el aire, van a ser muy afilados y muy nítidos. Pero si iba a bajar ese número a 1/10 de segundo, está abierto un poco más y esto significa que cuando se toma una foto de alguien tomando ese salto de nuevo, el obturador va estar abierto un poco más, por lo que va a difuminar ese movimiento hacia la foto. Es por eso que cuando estás tomando una foto de alguien saltando y hay un poco de desenfoque, es porque la velocidad de obturación se establece en el número equivocado. La velocidad de obturación necesita ser más rápida. Esencialmente, la velocidad de obturación solo está mezclando el movimiento en la foto. Si tu obturador está abierto por un segundo, significa que un segundo de movimiento se va a hornear en esa foto. Si estás haciendo algo que es muy lento y no se mueve mucho, entonces puedes permitirte tener una velocidad de obturación más lenta, por lo que puede estar abierta durante más tiempo, por lo tanto conseguir más luz en, y realmente no importa demasiado sobre el desenfoque de movimiento porque no hay muchos movimientos. Generalmente, si estás haciendo fotografía de retratos, recomendaría probablemente alrededor de 1/100 o 1/150. Pero si estuvieras tomando una foto de alguien haciendo algo explosivo, tan de alta energía como un salto o un back-flip por ejemplo, vas a estar mirando 1/500, 1/600 en algún lugar mucho más rápido. Por supuesto, para que puedas ponerte muy creativo con tu velocidad de obturación y puedes mantenerla abierta por un periodo de tiempo más largo para que puedas hacer cinco segundos o 10 segundos. Puedes aprovechar todo ese movimiento y puedes crear unas fotos de exposición más largas, o podrías hacer alguna pintura ligera. Es por eso que solo estás moviendo luces en el marco, y debido a que el obturador está abierto, va a mezclar todo ese movimiento en una sola foto. Por supuesto, cuanto más tiempo esté abierto el obturador, más movimiento va a estar en el marco. Por lo tanto, si estás sosteniendo la cámara y está abierta durante cinco segundos, significa que vas a tener que quedarte perfectamente quieto, y eso no es posible. Si tienes un obturador abierto, un obturador realmente largo, te recomendaría poner tu cámara en un trípode. Pero si tu obturador está por encima de 1/100 o 1/50 en un empujón, entonces puedes salirte con la tuya de mano. Tu velocidad de obturación está controlando la luz, y también está controlando la cantidad de desenfoque de movimiento en el fotograma. 5. ISO: Al siguiente arriba, tenemos ISO. El ISO o el ISO es esencialmente solo una herramienta de brillo digital. El ISO no controla el aspecto de la foto. Sólo va a aumentar o disminuir el brillo del marco. Generalmente con el ISO, cuanto mayor sea el número, más brillante será la imagen, por lo que si tienes un ISO de 100 y luego comparas eso con ISO 3,200, 3,200 va a ser mucho más brillante. El problema con ISO, sin embargo, es que es una herramienta de brillo digital. Esto no se hace en el sensor de la cámara, esto no se hace en la lente, esto se hace en la cámara. Esencialmente, es como tomar una foto y luego subir el brillo en el programa de edición. Si sacas el número ISO demasiado alto para exponer la imagen correctamente, significa que no solo vas a sacar todas las partes limpias de la imagen, significa que también vas a traer todas las imperfecciones en las zonas más oscuras. Este es ese patrón ruidoso o granulado que ves a través de la pantalla. Esencialmente, porque estás tirando hacia arriba esas áreas oscuras del marco, esencialmente estás revelando todas las imperfecciones del sensor de la cámara. Generalmente, quieres mantener tu ISO lo más bajo posible. Piensa en tu ISO como último recurso. Si no puedes tirar tu velocidad de obturación hacia abajo para dejar entrar más luz y si no puedes ajustar tu apertura para dejar entrar más luz, entonces tu ISO es tu próximo lugar al que ir. Pero si puedes conseguir más luz en el sensor de la cámara agregando luces o ajustando la abertura o la velocidad del obturador, entonces eso es lo que quieres hacer primero antes de la ISO. El ISO, agradable y simple, es esencialmente sólo una herramienta de brillo digital. Simplemente hace que la imagen sea más brillante u oscura. 6. Equilibrio de blancos: El siguiente ajuste que vas a querer saber es tu balance de blancos. El balance de blancos es esencialmente sólo refiriéndose al color de la temperatura de la luz. Cuando piensas en la luz, la luz se mide en Kelvins. Si alguna vez has tenido que comprar bombillas entonces ya estás plenamente al tanto de esto. Podrías comprar una bombilla que diga 3200K o 5500K o 5,000K, por ejemplo, la K representa a Kelvins. Esencialmente, este es solo el color. Tenemos una escala de colores y generalmente las luces más cálidas son un número menor, y las luces más frías o más luces azules son un número mayor. Si tuvieras una luz naranja o de tungsteno, una de esas bombillas cálidas que obtienes, eso sería en algún lugar alrededor de 3200. Entonces si te fuiste por el contrario y tuvieras una luz blanca o luz natural, por ejemplo, este sería un número mayor, por lo que es más una luz azul más fría, y esto es 5500 Kelvins. Se puede ir todo el camino a los extremos también. Podrías ir por unas luces fluorescentes blancas brillantes, que serían seis o 7,000 y luego las luces de vela a ese color de la llama estarían en algún lugar alrededor de 2 mil. Ahora, ¿cómo se correlaciona eso con tu cámara? Bueno, es realmente importante que tu balance de blancos esté ajustado al color de la escena. Por ejemplo, en esta escena, estoy usando una luz blanca. Yo pondría mi cámara a 5500 Kelvins. Ahora, si no configuré esto a 5500 Kelvins, si configuro esto a 3200 Kelvins, entonces significa que el color estará completamente equivocado. A pesar de que se me ve bien a los ojos cuando tomo la foto si estoy ajustado al balance de blancos equivocado, lamentablemente, se vería demasiado naranja o demasiado azul. Si de verdad quieres conseguir el color perfecto, entonces quieres mirar la escena, mirar la forma en que estás tomando tus fotos, e intenta emparejar el color de la luz en la cámara con el color de la luces en la escena. Permítanme simplemente darles algunos ejemplos. Si estás tomando fotos afuera en medio del día, es un día soleado, querrías establecer tu balance de blancos en cámara a 5500 Kelvins. Ahora si fuera a entrar y estaba oscuro afuera y había unas lámparas con más de una luz de tungsteno naranja entonces me gustaría establecer mi balance de blancos a 3200. Ahora, si estás tomando fotos individuales, entonces en realidad puedes salirte con la suya estableciendo tu balance de blancos automático y eso estará bien la mayoría de las veces. Pero si estás tomando múltiples fotos en la misma ubicación, así que tal vez estés haciendo fotografía de retratos. Entonces si configuras esto en automático entonces cada foto individual va a ser un poco diferente una de la otra. Esto significa que o vas a tener que arreglar esto en la edición o eso simplemente no sería consistencia a ninguna de estas fotos. Todos estarán un poco más calientes o un poco más fríos. Un poco más naranja o un poco más azul que los demás. Definitivamente recomendaría establecer el balance de blancos al color de la escena. Por supuesto, que en realidad puedes romper esa regla y puedes ajustarla a un ajuste diferente si quisieras manipular la imagen para lucir diferente. Por ejemplo, si yo estaba afuera y quería que la imagen se viera un poco más fría, un poco más azul, entonces en lugar de fijar el balance de blancos a 5500, tiraré de eso al revés y bajaré 4300 o incluso 3200. Esto crearía una imagen realmente azul. A pesar de que el balance de blancos no está ajustado a la escena ajustando esto a un número diferente, significa que en realidad podemos controlar el color de la escena y la foto. Ahora estoy plenamente consciente de que el balance de blancos suena realmente difícil, para empezar. Me llevó bastante tiempo envolver mi cabeza alrededor balance de blancos y qué números debería estar poniendo en cada escena diferente. Pero solo juega con tu cámara y solo intenta tomar fotos enunos tu cámara y solo intenta tomar fotos en entornos diferentes con unas pocas configuraciones de iluminación diferentes en diferentes números de balance de blancos y ver cómo las imágenes cambian a lo largo de cada entorno diferente. Está todo bien y bueno yo sentada aquí y hablando contigo y diciéndote qué números usar. Pero hasta que realmente hayas tomado una foto y viendo los resultados por ti mismo, no se hundirá completamente. Definitivamente recomendaría solo ajustar el balance de blancos en tu cámara, tomar fotos y ver cómo cada foto difiere entre sí. Esencialmente para dorar este video hacia arriba, el balance de blancos es el color de las luces y quieres intentar igualar el color de la luz con el ajuste en la cámara. 7. RAW con JPEG: El siguiente ajuste que vas a querer saber es RAW versus JPEG. RAW y JPEG son dos formatos de archivo diferentes en los que puedes capturar tu foto. RAW y JPEG no son ajustes que cambien el aspecto de tu imagen, RAW y JPEG, son esencialmente solo el formato de archivo en el que se encuentra la imagen. Establecer tu foto en JPEG o configurar tu foto en RAW, no hace diferencia en cómo se ve, es solo la cantidad de control que tienes en la edición. Esencialmente, JPEG va a ser el formato de archivo predeterminado con el que vas a trabajar. Si estás filmando en modo automático, JPEG es lo que se va a seleccionar. Pero el problema con JPEG es está destinado a personas que no tienen una comprensión completa de la fotografía o que no les importa lo suficiente para saberlo, solo quieren una imagen medio decente fuera de la cámara. JPEG esencialmente solo se aferra en color, contrasta la saturación en la imagen, y luego solo te da un aspecto decente directamente de la cámara. Pero el problema es que podría sobreexponer algunas áreas que pudiera soplar completamente el cielo, por ejemplo, por lo que podría ser completamente blanco, o podría subexponer las sombras, por lo que las partes oscuras del la imagen podría perderse. El problema es que una vez que has tomado una imagen en JPEG, todos esos colores se queman en la imagen. Si una imagen está sobreexpuesta, no se puede arreglarla. No obstante, con RAW, se obtiene un poco más de libertad. JPEG te da un pequeño acceso de lo que es capaz el sensor de la cámara y la cámara, pero RAW te da todo el potencial. El RAW te da todo el detalle resaltado, te da todo el detalle de tono medio, y todo el detalle de la sombra. Cuando cargues la foto en tu computadora, la imagen se verá muy gris, pero verás que todas las partes de la imagen están muy bien expuestas. Esencialmente, estás obteniendo toda la información disponible para ti, que puedas tomar la decisión sobreexponer los aspectos más destacados si lo deseas, o subexponer las sombras si quieres. Pero es tu decisión creativa y llegas a tomar todas esas decisiones. El problema con RAW sin embargo, debido a que el archivo de imagen está manteniendo todos estos datos disponibles para usted, los archivos de imagen son mucho más grandes. Una imagen JPEG típica podría ser 5-10 megabytes, mientras que un solo archivo JPEG podría estar en cualquier lugar de 20-50 megabytes para una foto. Si te preocupa el espacio en la computadora, entonces JPEG podría ser la opción para ir. Pero si eso no es un problema y realmente quieres un control total de cómo va a verse tu imagen, entonces si tomas en RAW, significa que tendrás acceso completo al sensor de la cámara. Déjame darte un ejemplo. Voy a mostrar dos fotos en pantalla ahora. El primero es una imagen JPEG, y la segunda es una imagen RAW. Ahora, esta es la misma foto, he configurado mi cámara para disparar un RAW y un JPEG al mismo tiempo. Con esta foto, sólo voy a tirar hacia abajo las partes más brillantes de la imagen. Como verás, el JPEG realmente no está haciendo nada, ese cielo blanco sigue siendo muy blanco. Pero en la imagen RAW que cielo blanco ahora se ha expuesto adecuadamente, podemos ver el detalle en el cielo y tenemos toda esa información retenida para nosotros. RAW y JPEG son dos formatos de archivo diferentes en los que podemos grabar nuestras fotos, pero RAW nos da más información y JPEG solo nos da un aspecto muy rápido y decente directamente de la cámara. Si quieres una foto profesional, recomendaría rodar RAW, pero si quieres una foto medio decente, que en realidad no requiere mucha edición, JPEG es el camino a seguir. 8. Regla de los tercios: Una de las mayores diferencias entre fotografía profesional y amateur es la composición y el encuadre. Pero, ¿qué es eso? Bueno, la composición y el encuadre se está refiriendo básicamente a cómo estás enmarcando tu tiro, así que donde estás colocando a tus sujetos dentro del marco. Ahora hay algunas técnicas y reglas de composición diferentes que puedes usar para enmarcar tus imágenes para hacer que tus imágenes se vean más profesionales. El primero es la regla de los tercios. Ahora la regla de los tercios no es necesariamente una regla, es solo un uso de guía para ayudarte a encuadrar tomas o sujetos específicos, y esencialmente, todo lo que necesitas hacer es dibujar dos líneas horizontales a través tu pantalla y dos líneas verticales por tu pantalla. En la mayoría de las cámaras réflex digitales o sin espejo por cierto, realidad puedes encender una superposición para que realmente puedas ver la regla de los tercios sobre tu imagen. Esto no está horneado en la imagen final, solo ves esto cuando estás tomando la foto, así que esto realmente te va a ayudar a entender la regla de los tercios. Una vez que hayas pasado un poco de tiempo con la guía encendida ahora puedes apagar esto porque una vez que hayas tomado suficientes imágenes, esto se convertirá en segunda naturaleza para ti. Tienes tus dos líneas a través de la horizontal y dos líneas por el eje vertical. Sin embargo, ¿cómo las usas? Bueno, esencialmente solo quieres colocar tus sujetos en estas líneas por lo que si estás tomando una foto de un paisaje, por ejemplo, entonces puedes poner el horizonte ya sea en la línea de fondo o en la línea superior. Si estás tomando una foto de primer plano de alguien, podrías colocar sus ojos a través de la línea horizontal superior, o alternativamente, si estás tomando una foto de un hito, por ejemplo, podrías en realidad usa una de las líneas verticales para compensarlo desde el centro para que pudieras ponerlo ya sea en la línea izquierda o la línea derecha y luego puedes alinear los horizontes para ir a través de la parte inferior y has consiguió una composición realmente interesante y única. Por supuesto, la regla de los tercios definitivamente no es una regla, definitivamente no puedes romper esto y hay otras técnicas que puedes usar para encuadrar tus tomas. 9. Simetría: Siguiendo la regla de los tercios, la siguiente técnica que puedes usar es la simetría. Esencialmente, el objetivo de la simetría es igualar un lado del cuadro con el otro lado del marco. Esto puede lograr una imagen realmente equilibrada y realmente visualmente agradable. Generalmente, si estuviera tomando una foto de una persona, las colocaría en el mismo centro del marco, y luego tendría objetos similares enmarcados detrás de ellos espejados uno frente al otro. O alternativamente, si estás tomando fotos de un hito, por ejemplo, puedes colocarlo perfectamente en el centro, y esto creará un bonito aspecto simétrico. El objetivo aquí es simplemente hacer que esto se sienta visualmente equilibrado entre la izquierda y la derecha o la parte superior y la parte inferior. Ahora cuando se trata de simetría, no hay guías ni reglas que puedas usar en tu pantalla. Todo depende solo de ti y lo que estás equilibrando en el marco. Simplemente asegúrate de que la izquierda y la derecha o la parte superior y la parte inferior se sientan simétricas, hazlo sentir visualmente equilibrado, y eso es simetría. Si usas simetría, puedes obtener un resultado de aspecto realmente hermoso. 10. Líneas principales: La siguiente técnica compositiva es líneas de liderazgo. Ahora, las líneas principales son esencialmente solo líneas en el marco que te atraen a un punto de interés. Si estás haciendo fotografía callejera, por ejemplo, entonces podrías usar el paisaje o la arquitectura o tal vez podrías acercarte a una barandilla, y esta barandilla cayendo la distancia podría apuntar hacia sus súbditos. Esencialmente, una línea de liderazgo es solo una línea en el marco que lleva tu ojo en un viaje a tu sujeto. Ahora, claro, como acabo de decir, podrías usar una barandilla para esto, y esa podría ser la línea dentro del marco o simplemente podría ser la forma en que encuadres una imagen. Si estás tomando una foto en un puente, entonces puedes usar ambos lados del puente para llevarte hacia el horizonte donde pueden estar tus sujetos. Todo el punto de líneas de liderazgo es también tomar los ojos en este viaje visual por el marco y apuntarte a tu sujeto. Puedes ponerte realmente interesante con esto, y puedes cambiar tu perspectiva y tu ángulo desde donde estás tomando tu foto para maximizar realmente la cantidad de líneas de liderazgo dentro del marco. 11. Perspectiva: A continuación, vamos a hablar de perspectiva y ángulo. Ahora, cuando estás tomando una foto, es muy tentador solo sostener la cámara, pie, y simplemente tomar una foto. Pero piensa en cómo podría verse desde un ángulo bajo, cómo podría verse desde un ángulo alto, cómo eso haría que la imagen se vea o se sienta diferente. Es muy fácil y muy seguro y muy cómodo simplemente pararse ahí y tomar tu foto, pero tal vez podrías bajarte al suelo y puedes mirar hacia arriba hacia tu sujeto, y hacer eso hace que el sujeto se siente poderoso, o simplemente podría darte un ángulo realmente fresco. O alternativamente, puedes ir por un ángulo alto, y puedes mirar hacia abajo sobre tu tema, y eso los hace sentir inferiores. O incluso podrías jugar con la rotación de la cámara. No tienes que estar perfectamente equilibrado, no tienes que tener el horizonte completamente recto. Tal vez puedas jugar con un ángulo holandés, que es una inclinación de ángulo de 45 grados para que puedas girar la cámara, mirar hacia arriba hacia alguien, y eso podría crear una perspectiva realmente interesante, y por lo tanto, una foto realmente interesante. La próxima vez que estés tomando fotos, realmente quiero que pienses en cuál es el ángulo y la perspectiva más interesante aquí. No te limites a ir por tu típica foto de pie. Realmente piensa en dónde podría tomar la foto desde diferentes perspectivas, diferentes puntos de vista, diferentes ángulos, y realmente tratar de encontrar el mejor ángulo para su foto. 12. Profundidad: A continuación, quiero hablar profundidad porque está todo bien y bueno, solo enmarcar un tema dentro del marco. Pero podría sentirse muy plano, y la razón por la que es porque estás pensando tu foto en un espacio bidimensional. Intenta pensar en tu foto en un espacio 3D, así que lo que hay en primer plano, medio y fondo. Si tienes algo en primer plano de tu foto, realmente puede crear un elemento de profundidad dentro de tu marco. A lo mejor hay algunos patrones bonitos en esta barandilla. A lo mejor podrías disparar a través de este patrón en esta barandilla y eso te daría un primer plano realmente agradable. Entonces tienes tu tema y el trasfondo detrás de ellos. Tienes tres capas visuales a tu foto haciendo esto, y por lo tanto, estás creando ese elemento de profundidad y espacio dentro del marco. Ni siquiera tienes que disparar a través de las cosas. Simplemente puedes colocar un objeto cerca lente de la cámara y eso te da ese bonito enfoque, y por lo tanto, eso te da esa bonita profundidad dentro del marco. No pienses en tus fotos en un espacio bidimensional. Piensa en tus fotos en un espacio tridimensional. No solo estás enmarcando tus temas, también estás pensando lo que hay en mi primer plano, fondo, y el espacio intermedio. 13. Frame en un marco de marco: A continuación, quiero hablar de marco dentro de un marco. Esta es una técnica compositiva simple que en realidad puede seguir adelante de nuestro video anterior que era todo sobre profundidad. Marco dentro de un marco es exactamente lo que suena. Es usar un objeto o un marco dentro de la foto para enmarcar a tus sujetos. Un ejemplo muy fácil de esto es, digamos, estás parado en un túnel y tu sujeto está parado fuera del túnel. Si utilizas los bordes del túnel para enmarcar esa foto, en realidad puede crear un look realmente interesante y profesional. Tienes a tu sujeto y están enmarcados dentro de un marco, por lo que un marco dentro de un marco. Ahora todo el punto a esto es agregar profundidad al marco. Volviendo a nuestro video anterior, la profundidad es el primer plano, el sujeto, y el fondo por lo que agregar en un fotograma dentro tu fotograma es una forma muy rápida y fácil de agregar esa profundidad. 14. Espacio negativo: Entonces, por último, quiero hablar espacio negativo porque típicamente cuando estás enmarcando una foto, quieres tener mucho espacio entre los sujetos y el borde del marco. Pero en realidad puedes jugar con tu espacio y en realidad puedes tener espacio negativo dentro del marco para que puedas romper las reglas, romper lo que se siente natural y tener espacio negativo. Pero, ¿cómo se crea este espacio negativo? Bueno, si estás tomando una foto de alguien, si están mirando hacia la distancia, en lugar de tener un montón de espacio frente a ellos, puedes enmarcarlos para que estén mirando al mismo borde del marco. Todo esto de repente se siente muy claustrofóbico porque tienes mucho espacio detrás del sujeto y si lo haces correctamente, puede sentirse muy poderoso y realmente puede ayudar a hacer la foto se siente incómoda y claustrofóbica. El espacio negativo es esencialmente más espacio detrás del sujeto que frente a los sujetos. Normalmente quieres más espacio al frente, pero con espacio negativo, puedes tener ese encuadre extraño y puedes hacer eso para crear una emoción específica. Sin embargo, no es solo la gente con la que puedes hacer esto, si tienes un hito por ejemplo, podrías enmarcar el sujeto para estar en la esquina de tu foto. Podríamos tenerlo justo al borde de la foto y eso crea mucho espacio negativo. No sientas que siempre tienes que atenerse a estas reglas o a estas guías, en realidad puedes romper estas y ser flexibles y esto crea un verdadero elemento de malestar en tu foto y eso de nuevo, puede ayudar a mejorar la sensación de una foto. Si estás tratando de tomar una foto de alguien que está ansioso por ejemplo, si usas encuadre negativo y espacio negativo dentro de las tomas, realmente puede ayudar a acentuar ese sentimiento. 15. Luz natural: A la hora de tomar fotos, podrías tener la mejor cámara del mundo, la mejor cámara que el dinero puede comprar. Pero si no tienes suficiente luz dentro de la escena, desafortunadamente, habrá mucho grano, habrá mucho ruido digital. Tendrás que levantar tu ISO, y todo se pondría un poco feo, y un poco aficionado. Es realmente importante que nos enfoquemos en nuestra iluminación. Ahora, cuando hablo de iluminación, por cierto, no hablo de larga exposición. Es muy posible estar en un ambiente muy oscuro, tirar de tu velocidad de obturación hasta 30 segundos, y obtendrás una gran cantidad de luz golpeando tu sensor de cámara. Cuando hablo de iluminación, hablo más en particular fotografía de retratos, por ejemplo. Aquí es donde estamos en un entorno, y necesitamos que nuestra velocidad de obturación esté alrededor uno sobre 100, uno más de 200. Si no podemos ajustar la configuración de nuestra cámara para añadir más luz a la escena, es por eso que necesitamos añadir más luz a la escena. Además de añadir luz para ayudar a la cámara y añadir más luz a la toma, también puedes dar forma a tu luz para crear personaje dentro de la foto. Hay algunos tipos diferentes de configuraciones de iluminación de las que quiero hablar. No obstante, antes de pasar a hablar de iluminación, solo hablemos de trabajar con luz natural. Estás tomando una foto de alguien con luz natural. ¿ Qué podemos hacer en estos entornos? Bueno, cuando estás tomando fotos afuera, afortunadamente, tienes la gran luz en el cielo, el sol. Vas a tener suficiente luz en la cámara para hacer lo que necesites hacer. No obstante, el problema es que la luz solar puede ser un poco halagadora si estás disparando en las zonas equivocadas. Lo primero que haría es uno, o disparar en un día nublado. Cuando las nubes han terminado, esencialmente sólo tenemos una gran softbox sobre el sol, y se obtiene una iluminación realmente suave. No obstante, si tienes que disparar en un día soleado, entonces definitivamente recomendaría alejar a tus sujetos del sol, para colocar el sol detrás de ellos. El motivo por el que sugiero esto, es porque si alejas al sujeto del sol, significa que el sol estará detrás de ellos, y no obtendrás sombras duras que aparezcan en su rostro. No obstante, también podemos comprar un kit reflector 3M1 o un 5M1, y podemos rebotar o suavizar la luz. O incluso podríamos usar algún relleno negativo para crear alguna forma y añadir más luz a la cara. Esto de aquí mismo es una hoja reflector emergente 5M1. Como verán, tenemos este gran lado plateado del reflector, y esto se usa para rebotar la luz. Si estuviera afuera y fuera soleado, y quisiera añadir un poco más de luz en la cara de mi sujeto, usaría este reflector plateado para rebotar la luz en su rostro. Como se puede ver, esto es sin, y luego cuando agrego esto, estoy rebotando la luz de nuevo en, y es solo agregando algo más de luz a este lado de la cara. Por supuesto, aunque no es solo este reflector plateado lo que obtienes en estos kits 5M1, también tienes oro y blanco. Como pueden ver, puedo quitarme esta chaqueta de la difusión, y luego en el interior de esta, tenemos oro, y tenemos blanco. Como se puede ver, este es el lado dorado del reflector. Si solo coloco esto de vuelta donde estaba antes, se puede ver que estoy reflejando una luz más cálida en mi cara. Si quieres una foto que sea plateada, puedes añadir oro para añadir luz más cálida a la cara. Alternativamente, sin embargo, eso es bastante dramático, por lo que podemos usar el lado blanco del reflector, para agregar un rebote de luz más sutil en la cara. Cuando estés sosteniendo uno de estos reflectores, solo quieres sostenerlo a unos 45 grados, y luego solo afina eso hasta que recibas esa luz rebotando en la cara. Por supuesto, sin embargo, si no quisieras rebotar la luz, y solo querías suavizar la luz solar, alternativamente, solo podríamos usar la difusión. Dentro de esta chaqueta, tenemos esta pieza de difusión. Esencialmente esto sólo va a actuar como las nubes sobre el sol, por lo que sólo va a suavizar esa luz. Todo lo que tendrás que hacer es solo sostener esto por encima de tu tema, y obtendrás una iluminación suave realmente agradable. Esto es sin, y esto es con. Ahora tengo una luz softbox en mi luz, por lo que no verás una diferencia masiva en este ejemplo. Pero suavizar la luz es una forma muy rápida y fácil de controlar la luz natural dentro de la escena. Entonces claro también, tienes el quinto lado, que es el lado negro, y esto es para un relleno negativo. En lugar de añadir luces, un relleno negativo va a ayudar a detener la luz. Se va a cancelar algo de esa luz fuera. Si sostienes el lado negro de esto al lado de alguien, va a ayudar a que esa luz se rebote y se golpee la cara. Esto sólo va a ayudar a darnos un poco más de una mirada de mal humor, al cancelar algo de esa luz en un lado de la cara. Si estás tomando fotos de alguien afuera y es un día soleado brillante, entonces o quieres alejarlas del sol, o bien puedes usar el reflector y kit de difusión para rebotar o suavizar la luz. Eso te daría un aspecto halagador realmente agradable en tus fotos. 16. Iluminación de tres puntos: Por supuesto, sin embargo, si sí necesitas tomar algunas fotos de retratos dentro, por ejemplo, vas a necesitar algo de iluminación. Hay algunas distintas configuraciones de iluminación que podemos usar para capturar fotos de gran aspecto. El primero es la iluminación de tres puntos. Ahora, cuando se trata de iluminación de tres puntos, puedes usar luces de video continuas. Estas son luces que permanecen encendidas todo el tiempo. O puedes usar un flash/luces estroboscópicas, que está destinado más para la fotografía. Esencialmente, cuando tomas tu foto, la luz parpadeará al mismo tiempo que tomas la foto para que las luces estén ahí. No importa si usas unas luces de video o unas linternas de fotografía. Cualquiera de las opciones funciona para esto porque es más el posicionamiento de las luces lo que conforma una configuración de iluminación de tres puntos. Cuando se trata de tres puntos, esencialmente, solo tienes tres luces. Tienes tu llave, tu relleno y tu retroiluminación. Se trata de dos luces detrás de la cámara y una luz detrás del sujeto. Tu luz Key, tu luz principal, va a estar justo en el costado de la cámara y va a estar brillando una buena cantidad de luz en la cara. Después a continuación, tenemos la luz de relleno, que está en el lado opuesto de la cámara. Esto solo está llenando cualquier sombra que la luz clave pudiera haber creado. Hasta ahora hay dos luces. Entonces tenemos nuestra luz de fondo y esta es una posición de luz detrás la persona brillando de nuevo sobre ellos, y esto solo nos va a dar una bonita luz para el cabello. La luz del pelo del cabello está ahí para separar el sujeto del fondo. Tienes tres luces. Como dije antes, estas pueden ser luces continuas de video o estas pueden ser flashes de fotografía o luces estroboscópicas. Nuestra iluminación de tres puntos es nuestras tres luces, dos en la parte delantera, una en la parte posterior. Tenemos llave, relleno, luz de fondo. Estas tres luces te darán un aspecto complementador realmente agradable que es genial para la fotografía de retratos. 17. Iluminación de dos puntos: Siguiendo desde nuestra iluminación de tres puntos, contamos con iluminación de dos puntos. Para una iluminación de dos puntos, vamos a empezar con nuestros tres puntos, pero vamos a sacar nuestras luces de relleno. En nuestros tres puntos, teníamos 1, 2, 3. Ahora vamos a sacar la luz número 2. Sólo tenemos una luz en el frente, y una luz en la parte trasera. Cuando estás haciendo esto, es importante que tengas tu llave y tu retroiluminación en lados opuestos de los sujetos. Si tu luz clave está a la derecha del sujeto, es importante que la luz de fondo esté la izquierda del sujeto, así que crea una línea diagonal entre estas luces. Eliminar una de estas luces esencialmente crea sombras en un lado de la cara. Esto nos está dando un poco más de un look de mal humor, y por lo tanto un poco más intenso. Si estás tomando fotos de retratos y quieres que tengan una bonita ventaja, entonces considera usar dos puntos en lugar de tres puntos. 18. Iluminación dura con la luz dura: Cuando se trata de iluminar tus fotos, hay dos tipos diferentes de fuentes de luz que puedes tener, una luz dura y una luz suave. Esencialmente, la diferencia es que uno se difunde y uno no lo es. Una luz dura es una fuente de luz realmente dura, y esto puede crear sombras realmente duras. Si estás tomando fotos de personas, normalmente quieres evitar esto porque vas a conseguir algunas sombras realmente duras que aparecen en su rostro. Pero la iluminación dura puede ser muy beneficiosa si estás tratando llenar un espacio o crear sombras dentro del espacio. Entonces del otro lado tenemos una iluminación suave y esto es exactamente lo que suena. Estás usando difusión o tela o tela blanca para suavizar las luces. Tener una iluminación suave te da un aspecto realmente suave, natural y no ves sombras duras en la cara. Es más un suave roll-off. Este tiro aquí está siendo filmado con una luz de caja blanda y esa es una fuente de luz suave. Como se puede ver, no hay sombras duras en mi cara. Sólo hay un suave roll-off en el costado de mi cara. Generalmente, si estás tomando fotos de personas y quieres que las fotos se vean halagadoras, recomendaría usar una fuente de luz suave en lugar de una fuente de luz dura. Ahora, si nos fijamos en unas luces de construcción, esa es una fuente de luz dura porque está arrojando luz muy dura. Pero un kit de iluminación de caja suave que es una luz suave es muy suave y suave. Es muy posible suavizar una luz dura. Si tienes una camiseta blanca o un trozo de tela blanca o unas sábanas blancas, puedes sujetarla frente esa luz dura para suavizar eso. Esencialmente, el sol es una luz dura y la nube suaviza la luz dura. En un día nublado se obtiene luz suave y en un día soleado se obtiene una luz dura o una iluminación dura. Recuerda, siempre que estés iluminando a la gente, quieres tratar de apegarte a una iluminación suave, pero si estás iluminando espacios, puedes usar una iluminación dura. 19. Iluminación RGB (color: iluminación de RGB (colorar): A continuación, tenemos iluminación RGB o roja, verde, azul, o color. La iluminación de color se puede utilizar con un propósito muy creativo. Iluminación a color, podemos utilizar para fotografía de retratos, podemos utilizar esto para fotografía de producto o cualquier tipo de fotografía que pueda ser capturada en un entorno cerrado. Nuestro punto de partida para la iluminación de color es simplemente apagar todas las luces dentro del espacio y tratar de bloquear mayor cantidad de luz natural posible. Estamos empezando por una habitación realmente oscura, entonces podemos convertir nuestras luces normales usando un gel de color o alternativamente, podemos acceder a la iluminación RGB, que son luces LED, que pueden ir rojo, verde, azul o cualquier color que queramos que se vayan, y luego solo podemos acumular y añadir color en. Ahora típicamente, al trabajar con color, siempre recomendaría usar colores contrastantes. Si miras la rueda de color, quieres tomar dos colores que son lados opuestos de la rueda de color y usar los dentro de tus fotos. Podrías usar naranja y azul o morado y amarillo o rojo y verde. El uso de estos colores opuestos crea un agradable nivel de contraste de color dentro de la imagen y eso nos va a dar algunos looks realmente interesantes en nuestra fotografía. Típicamente, aconsejaría en contra de solo usar un color porque si usas tres luces y todas están puestas en rojo, entonces desafortunadamente, vamos a perder nuestra definición y habrá una falta de profundidad dentro del marco. Pero si usamos dos colores que son lados opuestos de la rueda de color, puedes crear un agradable nivel de contraste de color. Tal vez dos luces en el frente estén puestas en rojo y la de atrás se pone en verde por lo que obtenemos ese bonito contraste de color, o tal vez solo estamos usando dos luces, tal vez una puede ser naranja, una puede ser azul. Eso nos dará ese bonito contraste otra vez. No importa qué esquema de color estés mirando, pero definitivamente recomendaría usar la rueda de color para tener colores opuestos. El color es algo que lleva un poco de práctica así que definitivamente recomendaría configurar una sesión de práctica y solo conseguir algo de iluminación de color, tomar montones de fotos con diferentes colores y averiguar de qué te gusta el look y qué tipos de looks que puedes crear usando iluminación RGB o color. 20. Fotografía Flash: Cuando se trata de añadir luces adicionales a tus fotos, una de las formas más rápidas y fáciles para que un fotógrafo agregue esa luz es usar un flash o una luz de velocidad. Pero el problema es que si solo pones esto en tu cámara y te enfrentas a esta luz directamente hacia la persona a la que te estás tomando una foto, la foto va a estar realmente sobreexpuesta, y sólo va a ser muy duro y directo y no se verá muy halagador en absoluto. Se verá realmente amateur y eso no es lo que buscamos si queremos tomar fotos profesionales. Ahora hay muchas formas diferentes en las que podemos usar un flash para agregar luz extra a nuestra escena. En primer lugar, solo queremos empezar agregando el flash en la parte superior de la cámara. Usaríamos tu zapata caliente o tu adaptador de zapata fría en la parte superior para añadir esto. Entonces solo quieres asegurarte de que se hunda a tus cámaras para que cuando tomes una foto realmente parpadea. Como ya he mencionado, la primera forma de añadir luces es brillar directamente este flash hacia los sujetos. Pero el problema es que esto sí crea esa mirada realmente dura. La primera opción es suavizar la luz. Normalmente si tienes un flash, obtienes una de estas gorras. Esto es sólo un tapón de difusión. colocarías en la parte delantera del flash, y esto sólo va a suavizar instantáneamente esa luz, por lo tanto creando un aspecto un poco más suave. Nuevamente, aunque personalmente, siento que esto es un poco demasiado dramático. Aquí es donde se puede inclinar el flash hacia arriba. Vamos a sacar la difusión, y luego podremos acceder a estas tarjetas. Estas cartas aquí son cartas de rebote, y deben estar en la parte superior de tu flash. Sacas esto y como puedes ver, ahí está esta broca de plástico aquí. Esto solo está repasando nuestra luz para inclinar la luz hacia la tarjeta de rebote, y luego la luz va a subir, golpear la carta, y rebotar. En lugar de golpear directamente a la persona, esto ahora con la carta de rebote va a golpear esto primero y luego rebotar sobre el sujeto. Esta es una gran manera de suavizar eso aún más. Por supuesto, sin embargo, si no tienes una tarjeta de rebote, solo podrías rebotarla de una pared o del techo. En lugar de tener el flash orientado directamente hacia adelante, se podría inclinar esto hacia arriba y rebotar la luz del techo, por lo tanto, llenando el espacio. El problema es sin embargo si tienes un techo oscuro. Si tienes un techo negro o si tienes techos realmente altos, entonces esa luz se va a perder y no verás eso. Esto solo funciona realmente si tienes techos más bajos y es de un color blanco o de un color más brillante. Si tiene techos altos o techos oscuros, alternativamente, podría apagar el flash y rebotarlo de la pared. Puedes fingir que la pared es una luz por lo que estás rebotando de la pared y luego está golpeando al sujeto. El problema con rebotar sin embargo es cuando rebotas la luz sobre una pared, tomará el color de la pared y lo pondrá en el sujeto. Si tienes una pared blanca, eso no importa porque tienes una bonita luz blanca y solo puedes ajustar el balance de blancos en la cámara para compensarlo. Pero si estás rebotando en una pared que es azul brillante o verde brillante, obtendrás todos esos colores rebotando de nuevo sobre el tema. Es realmente importante que cuando estás rebotando la luz, estés mirando dónde podría estar rebotando la luz y averiguando si hay algún color derramando sobre la persona. Entonces por último pero no menos importante, tengo mi forma favorita de agregar flash y eso es realmente quitar el flash de la cámara. Tendrías que asegurarte de que tuvieras un flash inalámbrico en este ejemplo. Entonces en general lo que hago es estallar la tarjeta de rebote y uso el rebote o lo reboto del techo. Tomo la cámara, tomo la foto y estoy sosteniendo las luces aquí arriba. Esto esencialmente ahora va a parecer como si tuviera una configuración de luz en un soporte de luz. Podrías configurar esto en un soporte de luces si quisieras agregar múltiples linternas. Pero si solo tienes el uno, solo tienes que sujetar esta longitud aproximadamente del brazo a un poco más de un lado, y eso te va a dar una mirada bonita, y te va a dar un poco más de forma. Por supuesto, esa opción depende de si tu flash es inalámbrico o no. Si no está ahí, puedes comprar adaptadores que conviertan esto en un flash inalámbrico, y definitivamente lo recomendaría. Ahora con la fotografía flash, también puedes aprovechar al máximo la iluminación en color. Puedes comprar geles de colores, que son esencialmente solo pequeños pedacitos de plástico que se adhieren a la parte superior del flash. Nuevamente, puedes recrear ese aspecto del mismo color usando tu flash, en lugar de luces de video continuas o grandes luces de configuración. Independientemente de si estás usando un flash en tu cámara, estás usando luces de video externas, o simplemente estás aprovechando la luz natural y usando un kit reflector para controlar esa luz, es realmente importante que pienses en la iluminación porque uno, necesitas meter luz en el sensor de tu cámara. Pero dos, quieres controlar la luz, para controlar el look y la sensación de tu imagen. No tiene sentido simplemente arrojar luz tu foto porque necesitas agregar luz extra. Realmente tienes que croft esto y desarrollar un look que funcione para el tono de tu foto. Piensa en la iluminación desde un punto de vista técnico, pero también piensa en la iluminación desde un punto de vista creativo, porque realmente puedes ayudar a crear un estado de ánimo con tu iluminación. Desafortunadamente, cuando se trata de fotografía, una de las cosas que la gente siempre pasa por alto es la iluminación. Simplemente agregar una luz o dos extra en ángulo recto puede ser realmente la diferencia entre un aficionado y una foto profesional. Pasa algún tiempo conociendo tu iluminación y haz algunos experimentos con tu fotografía e iluminación. 21. Distancia focal: Cuando se trata de tomar fotos, gente suele creer que todo está controlado en la cámara. Pero lo que pasa es que hay dos partes del paquete de la cámara. Tienes el cuerpo de la cámara y luego tienes la lente, y la lente en realidad puede marcar una diferencia masiva en tus fotos. Un gran ejemplo de esto es su longitud focal. Ahora tu distancia focal es esencialmente solo el número de tu lente, lo que representa el zoom. Si miras una lente de zoom, por ejemplo, dirá 18, 24, 32, 50, irá todo el camino hasta un número. O si tienes una lente prime, esta se establecerá en un número específico. Tu distancia focal es esencialmente lo zoom que está en el tiro. Cuando tienes un número menor, 16, 18, esto significa que tienes un campo de visión muy amplio. Pero cuando lo tire hasta un número más alto, así que vamos a ir 105. Esto significa que vas a estar muy acercado, por lo que estás enfocado en un área muy específica del marco. No es solo acercar y alejar lo que controla la distancia focal. La distancia focal también controla en realidad las características de los disparos. Si tomaste una foto más cercana de alguien con la distancia focal establecida en 18, notarás que se ve completamente diferente a una foto tomada al 105 o a un número más alto como ese. El objetivo realmente puede cambiar la forma de la imagen y puede cambiar la forma del sujeto frente a la cámara. Tomemos tres fotos. Vamos a enmarcar estos todos como primeros planos, habrá tres fotos de mí. El primero será de 18 milímetros, el segundo será de 55, y el tercero será de 85. Entonces tenemos tres fotos todas configuradas a diferentes longitudes focales, y notarás que todas se ven muy diferentes. Los ajustes de la cámara son los mismos en todos estos, la iluminación es idéntica. La iluminación no ha cambiado en absoluto, pero todos se ven muy diferentes. Esto se debe a la distorsión de la distancia focal. Me veo muy delgada en la versión de 18 milímetros de la foto, pero cuando cambio eso hasta el 50 milímetro, mi cara se llena un poco más. Entonces cuando voy todo el camino hasta el 85, mi cara está empezando a verse un poco más grande. Esta es la distancia focal en juego. La distorsión de la lente creada por esa distancia focal es lo que está cambiando la forma de mí dentro de todas estas diferentes fotos. Es realmente importante que cuando estás tomando fotos, comprendas completamente cómo tu lente específica y la distancia focal que elijas van a distorsionar el sujeto. Si quieres que alguien sea un poco más delgado entonces ve por un número más pequeño. Si quieres que alguien esté un poco más lleno en la cara, ve por un número alto. Por lo general, si estás tomando fotos de personas, quieres estar en aproximadamente alrededor del área de 50 milímetros. Porque alrededor de la marca 50 es un aspecto bastante natural. Por lo tanto, no sólo la distancia focal controla cómo se acercan o se alejan las imágenes, sino que también controla realmente la cantidad de distorsión dentro del marco. Elige una distancia focal con la que estés contento y entienda cómo afectará eso a tu imagen. 22. Lentes de Prime vs. Los niños: Ahora cuando estés mirando comprando lentes, notarás que hay dos tipos diferentes lentes de fotografía disponibles. Tienes una lente zoom y tienes una lente prime. Esencialmente una lente zoom tiene la opción de cambiar la distancia focal para que puedas obtener un 18-35, un 24-105, un 35-50. Este es solo el rango de distancia focal disponible para estas lentes. Entonces tienes una lente de distancia focal fija o una lente prime. Se trata de solo una lente de 50 milímetros, una lente de 30 milímetros y una lente de 18 milímetros. Esta es solo una distancia focal, por lo que no se puede acercar y no se puede alejar. Enseguida, la principal diferencia entre estos dos lentes es que la lente zoom tiene más flexibilidad, la lente principal solo tienes una distancia focal. Normalmente pensarías que la lente de zoom es el camino a seguir. Bueno, a pesar de que tienes menos flexibilidad en una lente prime, definitivamente hay un beneficio para usar una lente prime porque, uno, vas a conseguir un look muy consistente. Debido a que la distancia focal es fija, nada va a cambiar. Lo único que va a cambiar cuando tienes una lente prime puesta es todo lo que haces en la cámara para que la lente no va a cambiar nada. El problema es que cuando estás en una lente de zoom está haciendo zoom en realidad puede cambiar la abertura de la cámara. Si estás configurado en F2.8 en un objetivo 24-105, y estás configurado en 24 en la distancia focal. Si acercas a 105, tu apertura realmente se elevará a F4. Este es el problema con algunas lentes fotográficas. No tienes un ajuste consistente en todas las diferentes longitudes focales lo que significa que si no tienes cuidado y no estás prestando atención, algunas fotos serán más brillantes que otras fotos. Tener una lente prime significa que tu apertura no va a cambiar sin que lo sepas. Obviamente, todavía se puede cambiar la abertura, pero no va a ser diferente entre cada fotograma. Depende de ti ajustar eso manualmente. Definitivamente hay un aspecto más consistente y una facilidad de uso con lentes de primer nivel sobre lentes de zoom. Las lentes Prime también generalmente producen una imagen más agradable. La mayoría de los fotógrafos y la mayoría de los videógrafos también se inclinarían hacia una lente principal en lugar de una lente de zoom porque obtienes una imagen más agradable de una lente principal. El problema es que aunque las lentes prime pueden volverse caras si tienes que comprar un conjunto. Un lente zoom es una forma muy agradable y asequible de obtener todas las longitudes focales que puedas necesitar. 23. Filtros: Una de las grandes formas de alterar tu foto es usar filtros en tu lente. Si miras el frente mismo de tu lente, donde está el cristal, notarás que hay un hilo y es por eso que puedes atornillar un filtro. Hay diferentes tipos de filtros, y todos ellos tienen la intención de hacer cosas diferentes. En este video, te voy a pasar por algunos de los más populares y por qué es posible que quieras usar uno de estos para tu trabajo de fotografía. El primero es un filtro ND, un filtro de densidad neutra. La forma más fácil de describir esto es un par de gafas de sol para la lente de tu cámara. Como se puede ver, este es un filtro muy oscuro y esto se debe a que se trata de ND 1000. Ahora, los ND están calificados en fuerza. Un ND2 no es tan intenso como un ND 1000. Cuanto mayor sea el número, más oscuro es el filtro. Pero, ¿por qué querrías quitar la luz del marco? ¿ Por qué pondrías algo oscuro frente a la lente? Como se puede ver, si pongo esto delante de esta lente de video, se puede ver que básicamente se acaba de hacer completamente ese marco negro. Bueno, quitarlo del marco básicamente significa que puedes dejar más luz a través de tus otros ajustes. Si querías hacer una foto de larga exposición en el día, así que querías mantener tu obturador abierto durante unos 20 segundos. Si no tuvieras un filtro ND, tu imagen se sobreexpondría por completo, y acabarías de obtener una foto blanca. Pero cuando quitas la luz que entra en la lente de la cámara, significa que puedes aprovechar esa abertura más larga del obturador, y por lo tanto puedes obtener una foto de exposición más larga. Esencialmente, esto es simplemente quitar la luz que entra en el sensor de la cámara para que puedas abrir el obturador por periodos de tiempo más largos. Es sólo controlar esa luz que entra en la cámara. El siguiente paso, tenemos un filtro polarizador. Se trata del filtro número 2. Un filtro polarizador va a bajar un poco tu luz, pero eso no es para lo que se pretende esto. Un filtro polarizador va a aumentar la saturación en tus greens y tus azules. Si te enfrentas al sol, y pones un filtro polarizador en la lente de tu cámara, si lo das la vuelta, notarás que el cielo se volverá más o menos azul. Lo mismo funciona para el pasto también. Si estás filmando un campo, y giras esto, se volverá más o menos verde, más saturado. Si anillas tu cámara hacia el sol y haces lo mismo, desafortunadamente, no verás mucha diferencia. Esto sólo es realmente cuando te estás mirando lejos del sol. Pero la belleza de un filtro polarizador también es que en realidad puede eliminar reflejos de tu foto. Si estás tomando una foto de un edificio y hubo reflejos del cielo en el edificio, y quieres quitarlos. Si usas un filtro polarizador, te pones esto, da la vuelta a esto y notarás que esos reflejos desaparecen. Eso es muy práctico. Filtro número 3, tenemos un tiffen black pro mist. Esto es como un filtro de efectos especiales. Ahora una niebla pro es esencialmente sólo eso para florecer los aspectos más destacados. Si sientes que tu foto se ve un poco nítida y un poco clínica, entonces puedes simplemente hacer estallar un filtro tiffen pro de niebla en tu lente y eso suavizará todo. Ahora, este es un cuarto negro pro niebla. Puedes conseguir la mitad o puedes conseguir un completo. Cuanto mayor sea el número, más intensa es la mirada. Si vas todo el camino hasta el completo, entonces significa que va a parecer muy dramático y muy onírico. Es un filtro muy estilizado, pero realmente puede ayudar a mejorar tus fotos. Entonces por último tenemos otro filtro de efectos especiales. Este es el filtro de rayas claras cinepacks. Si miras de cerca esta lente, notarás que hay líneas por la mitad de la lente. Todo el punto de esto es cambiar algunas de las luces y crear algunas rayas de luz. De nuevo, colocaremos esto frente a la lente. Como puedes ver, mirando hacia atrás ahí, estás obteniendo estas bonitas rayas a través de la lente. Por supuesto, esto es muy estilizado y muy particular, pero es realmente impresionante tener esa opción cuando estás tomando tus fotos. Entonces claro también, no tengo uno conmigo aquí, pero el último filtro es probablemente el más básico, y ese es el filtro UV, el filtro ultravioleta. Todo el punto de esto es básicamente detener los rayos UV que dañan tu lente de cámara y el sensor de tu cámara. Pero la mayoría de la gente solo usa esto como una forma de proteger su lente. Enroscas el filtro UV. Se ve completamente claro. No afecta tus fotos, pero está protegiendo tu sensor de cámara, y a la gente le gusta usarlo para proteger el extremo de su lente. Si rascas tu lente, no hay mucho que puedas hacer al respecto. Pero si rascas el filtro UV, acabas de comprar un filtro nuevo y tu lente sigue siendo segura. Tienes un filtro UV que protege tu lente. Tienes un filtro de densidad neutra que oscurece la imagen. Tienes un filtro polarizador que elimina reflejos y realza la saturación. Entonces tienes un filtro de niebla profesional que florece tus reflejos. Entonces tienes un filtro de efectos especiales como este filtro de rayas claras, y eso solo va a manipular las luces en el marco. Ahora, es realmente importante que compres el filtro adecuado para tu lente. Si miras tu lente al final de la lente, debe haber un número. Debería decir 77, 72, 68, en algún lugar alrededor de ahí. Asegúrate de comprar el número correcto. Porque si compras un filtro que es 77 milímetros y el diámetro de tu lente es de 72, estos no se atornillarán. Es realmente importante que encuentres el diámetro de la lente, y luego coincidas eso con el filtro. Eso es realmente importante. En realidad no puedes comprar filtros parados, lo que básicamente significa que puedes convertir un filtro más grande para trabajar en una lente más pequeña. Se trata de un milímetro de 77 y la lente que estoy en este momento es un 72, por lo que puedo comprar filtro parado, por lo que podría usar esto en esta lente. Pero el problema es que no puedes ir por el otro lado. Si la lente es demasiado pequeña para la lente de tu cámara, no hay nada que puedas hacer al respecto, desafortunadamente. Ahí vas, los filtros son una gran manera de controlar tu imagen y darte más flexibilidad y opciones creativas cuando estás tomando tus fotos. 24. Fotografía de larga exposición: La fotografía de larga exposición es una técnica de fotografía que se utiliza para crear imágenes hermosas. Pero, ¿qué es y cómo lo hacemos? Bueno, la fotografía de exposición más larga es esencialmente aprovechando un obturador abierto. Sólo va a difuminar todo el movimiento dentro del marco para crear una hermosa foto. Ahora, el ejemplo típico de una foto de exposición más larga es el tráfico. Te tomas una foto del tráfico con una larga velocidad de obturación y verás todas las luces traseras y los faros todos difuminando en esta realmente bonita racha de luz. Esa es una fotografía de larga exposición en el trabajo. Pero, ¿cómo capturamos una foto de larga exposición? Bueno, antes que nada, quieres conseguir tu cámara, asegurarte de que esté en modo manual, y luego tira de tu obturador hasta un número mayor. En algún lugar alrededor de 10 segundos, 20 segundos, o 30 segundos. Entonces quieres poner tu cámara en un trípode. Es realmente importante que hagas esto, porque si estás sosteniendo la cámara, todos tus diminutos movimientos serán horneados en el metraje, y terminarás con un resultado desordenado. Querrá poner su cámara en un trípode, tirar de su velocidad de obturación hasta una velocidad de obturación larga, y luego ajustar todos sus otros ajustes en consecuencia. Ahora, quieres configurar el temporizador en tu cámara durante dos segundos si puedes. Esencialmente, esto significa que una vez presionas el obturador, se tardan dos segundos antes de que empiece a tomar la foto. El motivo por el que sugiero esto es porque la acción física de presionar hacia abajo el botón Obturador podría añadir sacudida a la foto, lo que arruinará tus resultados. Establece un temporizador de dos segundos, y luego deja que tu cámara tome su foto. Ahora, si estás tomando fotos de exposición más largas durante el día, vas a necesitar controlar la cantidad de luz que entra en el sensor. Es por eso que usaríamos nuestro ND o nuestros filtros de densidad neutra. Pon un filtro ND en la parte frontal de tu lente y luego ajusta todos tus ajustes que obtienes la exposición correcta. No obstante, si estás haciendo una foto de exposición larga por la noche cuando está oscura y las luces de la calle están encendidas, no necesitarás un filtro ND a menos que vayas por una velocidad de obturación realmente larga. Pero por defecto, probablemente no necesites tu filtro ND, por lo que puedes quitarlo si estás capturando tu exposición más larga afuera por la noche cuando está oscuro. Eso es esencialmente. Solo tienes que asegurarte de que tienes una velocidad de obturación abierta, tu cámara está en un trípode, y tienes un filtro ND si necesitas controlar la luz. Esa es tu fotografía de exposición más larga. Ahora, es realmente importante que cuando estás tomando fotos de larga exposición que tengas movimiento dentro del marco. No tiene sentido tomar una foto de exposición más larga de una foto en un museo de arte porque desafortunadamente, nada está cambiando y nada va a pasar. Asegúrate de tener movimiento en el marco para poder verlo. Si estuvieras tomando una foto de un río, las ondulaciones en el agua crearán una foto suave realmente agradable. O tal vez podrías tomar fotos de autos en una carretera que el tráfico te va a dar ese borroso realmente bonito y verás las luces difuminando en el marco. Alternativamente, sin embargo, si estás en un hito ocupado en un centro de la ciudad ajetreada, entonces realmente puedes usar una larga exposición para deshacerte de gente porque la gente se va a mover con tanta frecuencia. Si estableces tu velocidad de obturación a 30 segundos, en 30 segundos, todas las personas se habrían movido y cambiarían sus posiciones. Siempre y cuando nadie cuelgue demasiado tiempo, entonces deberían desaparecer por completo de la foto. Debido a que están aquí uno uno y luego pasan por el marco y desaparecen, no es lo suficientemente largo para que se horneen en la imagen. Por supuesto, si están ahí parados durante 20 segundos o 30 segundos y no se mueven, entonces van a estar en el marco. Pero si solo están pasando, entonces solo tener esa larga velocidad de obturación, teniendo ese efecto de exposición larga, eso realmente va a ayudar a deshacerse de ellos. Si quieres hacerlo como no hubiera nadie en este hito, si tienes esa velocidad de obturación más larga y esa es una gran manera de deshacerte de esas personas, tan larga exposición es una técnica realmente impresionante que aprovecha al máximo la velocidad de obturación en tu cámara para crear unos hermosos resultados impresionantes. 25. Fotografía deportiva: Cuando se trata de tomar fotos de deportes o acción, quieres asegurarte de que estás prestando mucha atención a dos ajustes en tu cámara, velocidad de obturación y tus modos de ráfaga. En primer lugar, la velocidad de obturación, sabemos qué es eso. Es por cuánto tiempo ese obturador permaneciendo abierto, y sabemos que cuanto mayor sea la velocidad de obturación, más crispira será la acción. Si estás capturando deportes o cualquier acción, quieres asegurarte de tener un obturador alto, porque si tienes un obturador inferior, verás desenfoque de movimiento en el marco, y eso parece amateur. Quieres asegurarte de que estás a unas velocidades de obturación adecuadas, por lo que 1/200, 1/400, 1/500, una de estas velocidades de obturación más altas debe hacer el truco. Si estás viendo desenfoque en tus imágenes sin embargo, entonces quieres aumentar eso a un número aún mayor. Pero claro, sin embargo, también quieres asegurarte que estás prestando atención a tus modos de ráfaga. No quieres que te pongas en un solo tiro, quieres que te fije en disparos múltiples o de varios fotogramas. Esencialmente esto significa que si estás configurado para solo disparo cuando tomas una foto, tomará una foto. Pero si tienes este configurado un modo de disparo múltiple o un modo de ráfaga, significa que cuando presionas el obturador hacia abajo, si lo mantiene presionado y no lo sueltas, significa que la cámara tomará tantas fotos por segundo como la cámara es capaz de. El número de fotos que puede tomar por segundo variará, pero esto puede ser en cualquier lugar entre cuatro y tal vez 15 fotos por segundo. Si alguien salta al aire, si solo tienes que mantener pulsado ese botón con ese modo de ráfaga habilitado, significa que obtendrás un cierto número de fotos por segundo, para que puedas ver cada una de las partes de esa acción se capta. Esto significa que no estás tratando de conseguir una sola foto de los momentos perfectos. Simplemente puedes mantener presionado el botón del obturador y es posible que obtengas la foto que estás buscando. Entonces por supuesto, una vez que tengas la foto, puedes deshacerte del resto de esa ráfaga que en realidad no necesitas. Tener tus cámaras puestas en modo ráfaga es una gran manera de asegurarte de que no te pierdas la toma que buscas. Si alguien está haciendo un back-flip, quieres ese momento perfecto cuando esté en el aire. Si alguien patea una pelota en un campo de fútbol, quieres ese momento donde su pie solo toca la pelota, y la pelota está empezando a viajar. Con un modo de ráfaga habilitado, eso es muy posible capturar. 26. Retrato fotográfico: Cuando se trata de fotografía de retratos, hay algunas cosas a las que quieres prestar mucha atención. Uno es la configuración de la cámara y dos es su iluminación. Así que vamos a saltar a nuestra configuración de cámara. Tu velocidad de obturación no necesita ser demasiado alta, pero tampoco puede ser demasiado baja. Si la persona frente a la cámara está haciendo algunas poses y algunos movimientos, quieres asegurarte de que no estés demasiado bajo hasta el punto donde podría difuminar. Por lo general cuando estoy haciendo fotografía de retratos, puse mi velocidad de obturación a alrededor de 1/100 o 1/150 en algún lugar de esa zona. Entonces, si se mueven, no habrá ningún desenfoque de movimiento pero sigo dejando entrar suficiente luz en el sensor de la cámara. Entonces la abertura puede ser lo que necesite ser. Esto no importa para la fotografía de retratos. Puede ser abierto o cerrado, alto o bajo, no importa. Tu ISO también puede ajustarse a donde necesita ir. Pero en general, siempre intentaría mantener esto lo más bajo posible. Pero tu balance de blancos es lo que realmente va a importar aquí. Quieres asegurarte de que fijas tu balance de blancos al color de la escena porque si estableces balance de blancos auto aquí, significa cuando estás editando todas estas fotos desde el misma ubicación, todos van a ser colores ligeramente diferentes. Entonces si estableces el balance de blancos a un ajuste específico, digamos luz diurna o tungsteno 55 o 32, eso significa que todas tus fotos van a tener ese mismo look y ese mismo color aplicado a ella. Esto es realmente importante si estás en una ubicación y tomas potencialmente cientos de fotos de la misma persona en el mismo fondo. No quieres tener que entrar y hacer esos ajustes de sintonía fina en la edición para cada foto, solo establece tu balance de blancos antes de empezar a tomar las fotos. Después siguiente quieres prestar atención a la iluminación porque dar forma a tu iluminación aquí es realmente importante. Entonces para la fotografía de retratos, normalmente recomendaría ya sea tres puntos o iluminación de dos puntos. Definitivamente recomendaría tener una fuente de luz más suave en lugar una fuente de luz dura porque una fuente de luz suave puede darte resultados halagadores realmente hermosos. Entonces por supuesto también, como el fotógrafo es tu trabajo hacer que la persona frente a la cámara se sienta lo más cómoda posible. Por lo que hay que tener un diálogo abierto con ellos y hacerlos sentir cómodos con el proceso. También vale la pena señalar que es posible que tengas que ajustarlos y moverlos y ponerlos en diferentes posiciones. Simplemente asegúrate de que haya una línea abierta de comunicación entre tú como fotógrafo y el modelo en pantalla. Aquí es realmente importante no tener miedo de decirle a alguien que pruebe una pose diferente o que mueva la cabeza de cierta manera. Es realmente importante que se obtenga la foto correcta en lugar de mirar hacia atrás y que no se vea del todo bien. Así que no tengas miedo de mover a alguien o modificar algo o pedirles que hagan algo ligeramente diferente o intentes una pose diferente. Todo el punto de la fotografía de retratos es probar diferentes looks, diferentes estilos, diferentes poses, hasta que encuentres las pocas fotos adecuadas. Entonces ten ese diálogo abierto entre tú y la persona a la que estás tomando las fotos para asegurarte de que obtienes los mejores resultados. Esto realmente es una colaboración aquí, hay que confiar en ellos, tienen que confiar en ti. Por lo que es realmente importante que los escuches y averigües lo que necesitas para conseguir las mejores fotos. La fotografía de retratos puede ser muy divertida, sobre todo si tienes a alguien con quien es genial trabajar. Acabas de poner un poco de música genial en y lejos te vas. Es un proceso realmente divertido. Sin embargo, solo un recordatorio, solo asegúrate de establecer tu balance de blancos de antemano. Usa la iluminación complementaria, por lo que tres puntos o dos puntos, y luego asegúrate de que estás teniendo esa conversación abierta con la persona a la que estás tomando fotos. 27. Edición en Adobe Lightroom: parte 1/2: Una vez que hayas tomado todas tus fotos, ahora necesitas que estas se importen a Adobe Lightroom. Así que déjame pasarte por ese proceso ahora. Como puedes ver, estamos dentro de Adobe Lightroom, y para poder importar tu foto, primero solo quieres entrar en la esquina inferior izquierda y seleccionar el botón Importar. Entonces solo quieres navegar por tu disco duro, tu carpeta, lo que tengas, quieres navegar hasta donde están esas fotos. Como verás, obtendrás todas tus fotos cargando. Ahora como se puede ver, los míos están diendo.cr2 y eso es porque estoy editando archivos sin procesar en este ejemplo. Ahora como se puede ver, algunas de estas fotos están empezando a apagarse y eso es porque previamente he importado y exportado estas desde Adobe Lightroom. Si no lo has hecho antes, si es la primera vez que estás importando ciertas fotos a Lightroom, todas solo aparecerán a todo color. Puedes simplemente importarlos todos o puedes seleccionar desmarcar todos y luego solo puedes pasar y marcar los que quieras importar. Sólo voy a importar éste, así que seleccionaré eso, y presionaré “Importar” en la parte inferior derecha. Eso sólo tomaría un segundo para que los importaran. Ahora como se puede ver, si hago doble clic en esta foto, se gira alrededor de la manera equivocada. Puedo rotarlo aquí así o alternativamente, puedo volver a la vista principal y simplemente puedo rotarla así. Esto es generalmente a lo que voy porque significa que puedes resaltar fotos específicas. Entonces seleccionaré el primero, mantendré presionada Mayús hacia abajo, seleccionaré el segundo, y simplemente rotarlas al mismo tiempo. Si tienes 300, 400, 500 fotos, simplemente Comando A o Control A para seleccionarlas todas y luego solo girarlas de la manera correcta. Simplemente los rotas a todos de una sola vez. Por el momento estamos en la pestaña de la biblioteca, pero no podemos hacer ninguna edición aquí. Tenemos que hacer doble clic en la foto y entrar en Desarrollar en la parte superior derecha. Eso cargará el desarrollo o la pestaña de edición. Ahora como se puede ver estamos dentro de la pestaña de desarrollo y otra a la derecha tenemos todas estas diferentes selecciones. Por encima de la izquierda, se puede ver también, tenemos todos estos presets. Puedes agregar un preset encendido si lo deseas. Ahora estos vienen preinstalados en Adobe Lightroom o puedes instalar tus propios presets. Puedes seleccionar uno que funcione para ti. Me gusta bastante el look de éste CN18, eso se ve realmente bonito. Pero no voy a añadir un preset. En cambio, voy a ir a la derecha a estas carpetas. Sólo voy a pasar por estos uno por uno y explicarte lo que hacen y lo que estaría haciendo en el camino. En la carpeta básica, tenemos nuestra temperatura básica y tinte, por lo que todo esto es balance de blancos. Si quisieras calentar esto, empujarlo hacia los números más altos. Si quieres enfriarlo, empujarlo hacia los números más bajos. Sólo voy a calentar esto un poco. Entonces tienes el tinte. Si tu cámara dispara más verde o más morado, puedes cambiar esto de la otra manera para corregirlo. Canon está un poco en el lado verde, así que voy a empujar eso hacia los púrpuras solo para equilibrar eso un poco. Entonces tienes tu exposición, que es tu brillo. Sólo voy a tirar de eso un poco. Ahora tienes el contraste. Como se puede ver si tire esto hacia arriba, sólo va a hacer que esas oscuras más intensas y la parte más brillante es más intensa. Sólo voy a añadir un poco de contraste. Entonces se puede ver que este cielo está completamente soplado, está sobreexpuesto. Podemos ir al slider resaltado y podemos jalar esto para restaurar esos aspectos destacados. Ahora, si tuvieras una imagen JPEG, esto no sería posible. Esto sólo es posible por el formato raw que estoy editando. Entonces tienes tus sombras. Esta es la parte más oscura, por lo que puedo tirar de las sombras hacia arriba para traerlas también. Pero como pueden ver, si me levanto demasiado alto, estamos exponiendo todo este ruido y grano, así que sólo lo tire hacia arriba una cierta cantidad. Entonces tenemos a los blancos. Esto es bastante autoexplicativo. Se pueden ver las partes blancas de la imagen o las nubes en este ejemplo, así que tire de esas hacia abajo, tira el brillo de aquellos hacia abajo. Simplemente expone esto mucho más bonito. Entonces tienes a los negros y puedes hacerlos más intensos o menos intensos. Entonces en general, una vez que haya balanceado todo esto, volveré a contrastar y solo agrego un toque más contrastante. Creo que se ve muy bien. Si quisieras comparar esto con el original, por cierto, entonces podrías bajar a la parte inferior izquierda aquí abajo y puedes presionar YY. Decir esto a la izquierda es el antes y esto a la derecha es el después. Ya se puede ver que hemos hecho algunos cambios bonitos. Entonces aquí abajo tenemos presencia, por lo que se puede añadir algo de texturizado, que si acercamos, se puede ver que sólo va a intensificar ese detalle. Pero en lo personal, me parece que se pone un poco mucho así que sólo voy a mantener eso bastante bajo. La claridad hace algo similar. Simplemente intensifica esos detalles. Entonces el slider Dehaze es perfecto si estás tomando fotos y estaba un poco ahumado o un poco nebuloso. Simplemente puedes tirar el deslizador Dehaze a través y simplemente restauraría parte de ese detalle. Entonces tienes vibración y saturación, que es solo la intensidad del color. Generalmente, me gusta mantener la vibración más alta que la saturación. Tengo la saturación en torno a más cinco y la vibración puede subir hasta alrededor de 30 o así. Por supuesto, esto cambiará dependiendo tu foto y cuál sea tu estilo. Si quisieras ir lleno en blanco y negro, solo puedes tirar ese deslizador de saturación todo el camino hacia abajo o podrías tirarlo todo el camino hacia arriba, pero eso se siente un poco intenso. Personalmente por mi estilo, me gusta guardarlo en algún lugar por ahí. Entonces la siguiente es tu curva de tono y si estás familiarizado con las curvas en Adobe Premiere o After Effects, esto funciona exactamente igual. Si no, te atropellaré. Tienes tu RGB1, que es tu blanco, así que este es tus canales rojo, verde y azul. Si tuviéramos que tirar de la parte superior derecha hacia la izquierda, verías que va a aumentar el brillo en las partes brillantes, lo más destacado. Entonces si tire de la parte inferior izquierda hacia arriba, va a aumentar el brillo en las sombras o en las áreas oscuras, y entonces el medio va a ser tus medios puntos. Si quieres hacer un área más brillante, empujas hacia arriba a la izquierda y si quieres hacerla más oscura, lo tiras hacia abajo a la derecha. Debido a que tenemos RGB, podemos pasar a los canales individuales y podemos tirar el brillo hacia abajo o hacia arriba en cada canal de color individual. Puedes conseguir realmente específico con tu corrección de color y tu clasificación de color aquí. Generalmente sin embargo, me salto esa parte. Siento que hago mucho más del levantamiento pesado en la HSL y el color se desliza hacia arriba en lugar de en las curvas de tono. En HSL secundaria, tienes saturación de tonalidad y luminancia. Como se puede ver, puedo seleccionar colores específicos aquí. Voy a empezar por el matiz, que es tu color, y nos dirigimos al azul. Aquí tenemos el cielo azul. Si tire del deslizador azul hacia la izquierda, va a cambiar el color porque el matiz es color. Entonces si vas a la saturación y nos dirigimos a ese azul de nuevo, puedes ver que va a aumentar o disminuir la saturación solo en el canal azul. Como se puede ver, estoy aumentando la saturación en el blues, pero el resto de la imagen se está quedando puesta, no está cambiando. Entonces tu luminancia es esencialmente solo el brillo en ese canal de color, por lo que puedo tirar de la luminancia hacia abajo para hacer que ese cielo pop o puedo tirarlo hacia arriba para que sienta que está correctamente expuesto. Pero personalmente siento que es un poco molesto tener que pasar por estas diferentes pestañas, así que voy a la pestaña de color. Puedes seleccionar tu color y tienes tono, saturación y luminancia todo en esa misma ventana. Centrémonos en este edificio, es de un color amarillo anaranjado. Quiero tirar de eso un poco hacia abajo. Puedo ir al deslizador de tonalidad y solo puedo tirar de eso por ahí. Hagamos eso más de una naranja y luego solo bajaré un poco la saturación para que no sea tan intensa. Entonces iremos al azul y solo haremos que el azul sea un poco más azul agua-azul como este. Ahí vamos. Siento que eso realmente está empezando a unirse. A continuación está la gradación de color, y este es sus reflejos, tonos medios y sombras. Ve tus reflejos en la parte inferior derecha, sombras de abajo a la izquierda, y tonos medios en la parte superior. Estás separando todas las partes brillantes, las partes oscuras, y partes en el medio. Se puede cambiar el color de estas áreas. Un punto culminante sería el cielo aquí arriba. Si cambié los reflejos hacia rojo, se puede ver que las partes más brillantes de la imagen se pondrán rojas. Pero si empujo las sombras hacia el azul aquí abajo, se puede ver que se va azul, pero el cielo es rojo. Para que puedas conseguir alguna gradación de color realmente interesante y creativa aquí usando esta pestaña. Nuevamente, generalmente evito esto o si lo uso, solo lo estoy usando un poco solo para inclinar un color de una manera específica. Entonces tenemos detalle y este es nuestro afilado digital y reducción de ruido. Si acerco todo el camino hacia los detalles, mantén mucha atención a los detalles en esta imagen. Si saco la cantidad de afilado a cero, puede ver que se ve un poco suave. Pero si saco eso todo el camino hasta 100, se siente mucho más agudo. El problema es que cuando agregas demasiada nitidez digital, puede empezar a sentirse un poco antinatural, sobre todo si tira del radio y el detalle hacia arriba. Se puede ver que realmente está empezando a verse no muy bien en absoluto. Ahora debido a la compresión de subir este archivo a Skillshare, es posible que no puedas ver esto correctamente. Cuando estés en Lightroom, tira de tu deslizador de afilado todo el camino hacia arriba y solo ve lo intenso que puede ser esto. En general, me gusta mantener las cantidades alrededor 20 luego tire del radio y el detalle todo el camino hacia abajo de nuevo. Eso se siente mucho más natural. Entonces tienes tu reducción de ruido. Si vamos a una parte aburrida de la imagen, y si acabo de tirar de la exposición todo el camino hacia arriba, puede ver que esto es todo el ruido. Pero si bajamos a la reducción de ruido, se puede ver que puedo levantar la luminancia y eso va a empezar a comer lejos con ese ruido. También puedo ajustar el detalle y los deslizadores de contraste y luego también puedo entrar en color, detalle, y suavidad y eso realmente suavizará eso. El problema es, sin embargo, si te vas demasiado intenso en esto, entonces realmente comienza a suavizar la imagen. Como se puede ver si vuelvo a bajar la exposición a donde estaba, se puede ver que la imagen se ve muy suave. Si estás aplicando reducción de ruido, por lo general mantendría esto bastante sutil para mantener los números pequeños si es posible. Pero no necesito ninguna reducción de ruido en esto, así que sólo voy a tirar el mío todo el camino hacia abajo, y luego simplemente volveré a ajustar la exposición. Sólo volveré a tirar de esa exposición hasta donde estaba. Entonces debajo del detalle, tenemos correcciones de lente y esto es esencialmente correctivo para cualquier distorsión en tu lente. Entonces si tuvieras una lente gran angular, una lente ojo de pez o si tenías un teleobjetivo que estaba distorsionando, puedes distorsionar la lente para ir a donde quieras que vaya. Por ejemplo, si tuvieras un ángulo realmente amplio como este y puedes ver que tu horizonte está empezando a doblarse, solo puedes tirar ese deslizador hacia atrás para que termines con una bonita línea recta como esta. Esto sería antes y esto sería después. Por supuesto, también puedes tirarlo al revés, pero esto es esencialmente solo compensando esa distorsión de lente que obtendrás en tus lentes. Esto es principalmente para tus ángulos anchos o tus lentes tipo pez. Entonces, por supuesto, puedes agregar algunos desfringing, que es esencialmente cualquier pequeña imperfecciones que la lente pudo haber creado al color. Entonces por debajo de eso, tenemos transformada. En transformación, se puede ver podemos ajustar el deslizador vertical para agregar algo de rotación. Podemos hacer el deslizador horizontal para agregar algo de rotación o algún sesgo al eje horizontal, entonces podemos agregar algo de rotación. Podemos cambiar la relación de aspecto de esto, podemos aumentar la escala, podemos compensar la x y la yPero esta imagen no necesita nada de eso así que sólo voy a deshacer todos esos ajustes y eso se ve muy bien. Después después, tenemos los efectos y tú tienes tu viñeta y tienes tu grano. Si tiramos de la cantidad en las viñetas todo el camino a la izquierda, se puede ver que obtenemos esta viñeta negra realmente intensa. Pero si vamos todo el camino hacia la derecha, obtenemos esa misma intensidad pero con el blanco. Sólo voy a tirar esto hacia el negro y se puede ver si ajustamos los medios puntos, va a cambiar donde se sienta esa viñeta. Puedes tener una muy bonita sutil en las esquinas o puedes hacerlo muy intenso. Entonces podemos cambiar la redondez para que podamos tenerla más de un círculo o podemos tenerlo más como un bonito borde. Entonces tenemos nuestro emplumado, que es sólo la suavidad. Entonces cero va a ser bastante intenso, 100 va a ser muy suave. Entonces tenemos nuestros puntos destacados y como se puede ver, sólo va a sacar plumas las esquinas en esos reflejos. Pero no soy un fanático masivo de tener viñeta así que sólo voy a mantener eso en cero y nos moveremos hacia abajo al grano. Ahora el grano realmente va a agregar grano en lugar de quitarte el grano. Incluso si no tienes grano en la imagen, si quisieras, podrías tirar de tu deslizador de grano todo el camino hacia arriba para que puedas agregar un grano falso a la imagen. También puedes cambiar el tamaño y la rugosidad de esto si quisieras ajustar el look de esto. Por supuesto, no tienes que agregar esto, esto es completamente estilístico y es tu elección como creativo. Pero en general, me gusta mantener mis imágenes lo más limpias posible, así que lo mantengo en cero. Entonces el último ajuste que tenemos aquí es la calibración. Esto es solo ajustar las sombras, la primaria roja, la primaria verde, y la primaria azul. Esta es solo otra forma de hacer cualquier ajuste al color. Entonces si un color se siente ligeramente fuera, solo puedes tirar el tono o la saturación de un canal de color específico alrededor para hacer esos ajustes afinados. Pero en general, esa es una pestaña que siempre salto. 28. Edición en Adobe Lightroom: parte 2/2: Entonces si subimos hasta aquí en la parte superior, puedes ver que tienes este ícono de cultivo, por lo que en realidad podemos recortar esto. Puedes hacer esos ajustes y luego puedes ver que tienes tu ángulo aquí para que puedas cambiar el ángulo de tu foto. Entonces puedes entrar en relación de aspecto y realmente puedes ajustar la relación de aspecto, para que puedas ir por personalizado, uno por uno, que es cuadrado, cuatro por cinco, o puedes cambiarlo a un específico relación de aspecto allí. Pero una vez que estés contento con eso, solo puedes cerrar eso y eso hará esos ajustes. Entonces junto a eso tenemos este pequeño yeso o este ícono de curita, y esto es sólo para arreglar cualquier imperfecciones. Si trataras de quitar una mancha de la cara de alguien, podrías usar esto. Acerquemos la imagen. Digamos, simplemente dibujaremos alrededor de esto aquí. Esto es lo que queremos quitar. Ahora si muevo este círculo hacia la izquierda, se puede ver que estoy copiando lo que hay la izquierda y lo estoy agregando a la derecha. Ahora, puedo ajustar el tamaño de esto, puedo ajustar la pluma, puedo ajustar la opacidad. Pero una vez que esté contento con eso, puedo cerrar eso y eso debería deshacerme de eso. Yo necesitaría hacer un poco más de trabajo sin embargo, solo para difuminar eso y hacer que se vea mucho más bonito. A continuación tenemos el ojo rojo o el corrector de ojos de mascota. Si tienes ojo rojo en una de tus fotos al usar flash, solo puedes usar esta opción. Simplemente seleccionarías el ojo rojo, dibujarías el círculo alrededor y eso lo arreglaría para ti. Simplemente pueden ajustar el tamaño de la pupila, el deslizador oscurecer y hacer esos ajustes. Entonces la siguiente opción al otro lado de aquí es este círculo. Como puedes ver, esta es una forma de agregar máscaras a tu imagen. Se puede seleccionar el sujeto, que va a encontrar a alguien en el marco y sólo va a dibujar una máscara alrededor de ellos. Ahora como se puede ver, solo decía que detecte sujeto, pero como no hay un sujeto en el marco, probablemente no los encuentres. En lugar de hacer eso, podemos bajar a seleccionar cielo. Como se puede ver, Adobe Lightroom va a averiguar dónde está el cielo. Como se puede ver, se ha descubierto que este es el cielo. Entonces puedes hacer cualquier ajuste a esa máscara específica, puedas cambiar el tinte, la temperatura, la exposición, el contraste, los reflejos , la textura, y puedes ajustar todos estos otros ajustes en ese específico solo área. Entonces ahí abajo puedes ver que tienes la herramienta de pincel. En lugar de confiar en la IA para averiguar qué hay que ajustar, en realidad se puede entrar y simplemente pintar sobre lo que se siente necesita ser ajustado, y por supuesto, puede cambiar el tamaño de la pincel bajando a aquí y puedes ajustar el emplumado, el flujo, y la densidad. Entonces una vez que hayas hecho eso, has seleccionado tu área que quieres ajustar, solo entrarás en vigor y puedes cambiar todos esos ajustes de nuevo. Eso es terrible aunque así que vamos a volver a esta zona tú, puedes ver a continuación tenemos un gradiente lineal. Si seleccionamos eso, seleccionamos y sostenemos en la parte superior y luego arrastramos hacia abajo. Se puede ver, se puede tener este bonito gradiente lineal viajando hacia abajo. Podemos volver a entrar en nuestros deslizadores. Podemos ajustar la temperatura, los tintes, la exposición, los reflejos. Como se puede ver, sólo lo está afectando en la parte superior de la imagen y luego se desplumbra a medida que la imagen avanza hacia abajo. Si tuvieras un cielo realmente brillante y no pudieras bajarlo con tu pestaña de exposición, solo podrías agregar este efecto gradientes lineales a la parte superior de la imagen solo para derribar el intensidad de esos aspectos destacados. Entonces por supuesto tenemos unos gradientes radiales. Simplemente puedes dibujar una máscara en el sensor. Si seleccionamos gradientes radiales y dibujamos aquí un círculo, se puede ver que sólo va a afectar lo que hay en este círculo y podemos mover el círculo por donde queramos. Nuevamente, exposición, tinte, temperatura, podemos hacer todos estos ajustes aquí. Pero eso sólo va a ser este círculo. Puede seleccionar un color específico. Tengo la herramienta cuentagotas cargada. Seleccionaré este azul en el cielo. Como se puede ver, va a averiguar qué es azul en el marco y aquí es donde podemos entrar y podemos cambiar la temperatura del azul, podemos ajustar los tintes del desenfoque, podemos entrar y ajustar la exposición, contraste, reflejos. Sólo va a afectar ese canal azul. Siento que esto ha hecho un trabajo realmente agradable de eso. Cerramos eso abajo y luego vamos a nuestra última opción de enmascaramiento. Porque he aplicado esta máscara, como se puede ver, en realidad no puedo añadir otra máscara por aquí. Tengo que subir a esta opción aquí y seleccionar, Crear Nueva Máscara. Ahora acabamos de hacer el último que es un rango de luminancia. Esto es sólo, de nuevo, vamos a conseguir la herramienta cuentagotas. Vamos a seleccionar un color y sólo hay que averiguar cuál es esa intención en términos de brillo. Podrías ajustar la luminancia. Como se puede ver, todo lo rojo se va a ajustar. Si saco esto a través, se puede ver que estoy aislando los edificios y dejando el cielo por sí sola. Se puede ver, de nuevo, si bajo la exposición, eso va a hacer estos ajustes. Pero no soy un fanático masivo de eso, así que solo voy a eliminar eso. Ahora bien, si quisiera copiar esta gradación de color y ponerla en mi otra imagen, hay dos formas de hacerlo. Yo también podría entrar en la parte inferior izquierda y así vamos a Copiar. Puedo revisar todo si quería revisar todo, o podría desactivar el recorte si la otra imagen está enmarcada ligeramente diferente. Seleccionaré Copiar, volver a esta vista en la biblioteca y solo iré a esta imagen, entraré en Desarrollar y solo seleccionaré Pegar. Como se puede ver, ese color ahora se ha agregado en. Por supuesto, si quisiera, entonces podría simplemente hacer algunos ajustes solo para que este color, ahora funcione perfectamente con esta imagen. Antes estaba un poco oscuro, así que solo tirar de esto lo hace un poco más agradable. Este fue el antes y este es el después. Todo lo que he tenido que hacer fue ajustar una de las fotos y se ajusta eso a la otra. Por supuesto, sin embargo, si no quisieras hacerlo de esa manera, quizá digamos que tienes 100 imágenes, bueno, todo lo que tendrías que hacer es volver a esta vista. Digamos que ahí hay 100 imágenes. Simplemente resalta todos y asegurándose los ajustes funcionen ese primero. A continuación, entra en la parte inferior derecha, sincroniza la configuración , sincroniza, y tomará todos esos ajustes de la primera imagen y pegarlos en las otras imágenes. De nuevo, podemos entrar en esa segunda imagen y solo podemos hacer esos ajustes a la exposición y tenemos nuestra imagen perfecta ahora en Lightroom. Eso es todo por la clasificación de color y la corrección de color en Lightroom pero ¿cómo exportamos esto? Pues bien, puedes seleccionar una sola imagen o puedes seleccionar múltiples imágenes. Después iremos a la parte inferior izquierda y presionaremos Exportar. Entonces puedes ver que tienes exportación a carpeta específica, por lo que podemos elegir a dónde va a ir esto. Sólo voy a poner esto en mi carpeta del Curso de Fotografía. Entonces simplemente nos desplazaremos hacia abajo y puedes hacer el cambio de nombre de archivos, puedes cambiar el nombre de estos archivos a algo específico. Textos personalizados podrían ser Curso de Fotografía, como se puede ver, este es un ejemplo de Fotografía Course.JPEG, y puedes tener una extensión minúscula o mayúscula, pero sólo voy a mantener eso como minúscula. Entonces desplázate por aquí, tienes tu formato de archivo. Voy a exportar esto a un JPEG, me aseguro que la calidad sea hasta 100. Si tire eso hacia abajo a 10, va a ser realmente pequeño tamaño de imagen, pero la calidad no va a estar ahí. Lo he sacado hasta 100 y eso va a ser realmente de alta calidad. Entonces todo lo demás aquí está completamente bien. Si quisieras agregar algunas marcas de agua y entonces podrías hacerlo agregando en tus marcas de agua. Pero por ahora no me voy a molestar con eso. Simplemente presionaremos Exportar. Como se puede ver, el Curso de Fotografía A se ha cargado, esas dos imágenes ahora se han exportado desde Adobe Lightroom. Si acabamos de obtener la información sobre esto, porque la calidad estaba en 100, puede ver esta imagen es de 25.8 megabytes, por lo que es realmente de alta calidad, pero es de un tamaño de archivo grande. Si querías un tamaño de archivo más pequeño, entonces solo exporte a una calidad de 60, 70, 80. Pero ahí vas, así es como importarías tus fotos a Adobe Lightroom y editarías usando todas las diferentes configuraciones disponibles para ti en Adobe Lightroom. 29. Outro: Ahí vas. Eso es todo para este curso de fotografía. En este momento en el tiempo, deberías sentirte bastante cómodo operando y capturando fotos en tu cámara réflex digital o tu cámara sin espejo. Mi reto para ti ahora es usar todas estas técnicas que has aprendido en este curso e ir a tomar tres fotos. Estos pueden ser cualquier cosa que te guste, estos podrían ser larga exposición, podrían ser fotografía de retratos, podrían ser fotografía nocturna, fotografía deportiva, sea lo que sea, solo toma tres fotos que eres orgulloso y subirlos a la sección de proyectos de los estudiantes, y voy a comentar mis pensamientos y opiniones sobre su trabajo. Por supuesto, si te interesa conocer más sobre el cine y la fotografía, entonces por favor considera revisar uno de los cursos de mi perfil. Pero muchas gracias por ver este curso. Realmente aprecio tu apoyo y ojalá, te veré en el próximo curso. Nos vemos ahí.