Introducción a la cinematografía: cómo crear videos geniales

1. Introducción: Hola, bienvenido a mi curso de introducción al cine. Soy Kris y soy cineasta y fotógrafo de Inglaterra. Llevo haciendo videos la mayor parte de mi vida y las habilidades que aprendí en los primeros años de mi carrera. Algunas de las habilidades más importantes que he aprendido, aprender lo que es la iluminación de tres puntos, y entender cómo usar una cámara y entender cómo usar la regla de 180 grados. Todo siendo realmente importante en mi carrera, y estas son las habilidades que aprendí desde el principio. Sigo usando todos los días, en cada sesión de video que hice. Entonces a pesar de que me tomó unos años aprender estos fundamentos, voy a cubrir todas las cosas que necesitas saber cuando empiezas por primera vez. Entonces primero vamos a hablar de la configuración de la cámara. Entonces qué apertura significa, qué es la ISO, qué velocidad de obturación es. Todos estos otros ajustes de cámara realmente importantes que necesitas saber. Entonces vamos a pasar a enfocar, cómo enfocar manualmente y diferentes formas de enfocar tu lente. Técnicas de composición y encuadre , movimiento de cámara, iluminación, sonido, y luego solo un resumen general y consejos y trucos que puedes utilizar en tu carrera de video. Entonces si nunca has cogido una cámara de video antes, eso está completamente bien. Nos vamos a ir desde el principio. Los Pescadores te muestran todo lo que necesitas saber para poder empezar en tu viaje cinematográfico. Entonces únete a mí en este viaje y te voy a mostrar todo lo que necesitas saber. Entrémonos en ello. 2. Contorno de la cámara: Ahora, antes de seguir adelante y crear un video increíble, primero solo necesitamos tirarlo unos pasos hacia atrás y averiguar cómo usar realmente una cámara y qué significan los ajustes ordenados en la cámara. Ahora la mayoría de las cámaras réflex digitales y la mayoría de las cámaras en estos días tienen un modo automático incorporado. Por lo que este modo automático controla tu velocidad de obturación, tu apertura, tu ISO, tu balance de blancos. Y esto está bien, sobre todo si eres principiante, está bien porque puedes empezar a aprender los conceptos básicos de la composición. Pero el problema es que pierdes el control cuando usas un modo automático si estás disparando afuera, pero quieres aprovechar un balance de blancos diferente, por ejemplo, no vas a poder hacer eso porque el camara va a pensar que estás tratando de hacer algo mal y te pondrá en el ajuste correcto. Y desafortunadamente, esto sí limita la creatividad. Por lo que es realmente importante entender cómo usar el modo manual en tu cámara. Ahora, sí parece ser aterrador al principio, todos estos números, todos estos ajustes, todos estos nombres. Sí parece ser realmente complicado, pero hay algunos términos básicos que necesitas conocer. Y te voy a pasar por estos ahora mismo. 3. Velocidad de obturación: Entonces antes de que realmente saltemos a la configuración, necesitamos convertir nuestra cámara en modo manual y cada una de las cámaras es diferente, pero generalmente, la mayoría de las cámaras se burlan de esto con una m Así que simplemente gira el dial a M y eso te pondrá en un manual modo. Entonces, no vayas por el modo deportivo, no vayas por el modo retrato. No vayas por LV, una V, lo que sea, asegúrate de seleccionar m Esto te pondrá en ese modo manual. Ahora una vez que estés en ese modo manual, podemos empezar a prestar mucha atención a los ajustes. Y el primer ajuste del que vamos a hablar es la velocidad de obturación. La velocidad del obturador se representa generalmente una slash 50. Ese es típicamente el número que vas a decir. Y tu velocidad de obturación está afectando dos cosas, el brillo de los disparos y el desenfoque de movimiento. Entonces, empecemos con el brillo. Por lo general, cuando abras el obturador, entrarás, dejarás que entre más luz en el sensor de la cámara. Esto significa que entrarás en tener un video más brillante. Y generalmente cuando abres tu velocidad de obturación y dejas entrar más luz, vas a disminuir ese número. Entonces, en lugar de decir uno más de 50, por ejemplo, diría uno más de 41 sobre 21 sobre 10. Aquí la regla es cuanto menor sea el número, más brillante va a ser la imagen, y cuanto mayor sea el número va a ser la imagen Docker. Pero no sólo es el brillo que controla la velocidad del obturador, También es el desenfoque de movimiento. Por lo que si tiras tu velocidad de obturación a 1 sobre 10, notarás que todo se ve realmente borroso. Y esto se debe a que tu disparo solo está abriendo diez veces cada segundo. Por lo que vas a conseguir mucho desenfoque de movimiento en el fotograma. Ahora si vamos por la dirección opuesta y vamos a 1 sobre 1, 0, 0, 0, 0, 0 por ejemplo. Esto significa que el obturador de tu cámara se va a abrir cien, diez veces por cada segundo. Y esto significa que todo se va a ver realmente crujiente. Ahora generalmente piensas que quieres ese movimiento realmente Chris. Pero el problema es que no se ve natural. Por supuesto, si estás filmando algo así como una escena de pelea o algo de alto ritmo y luego aumentar tu velocidad de obturación es una forma realmente interesante de agregar un poco de emoción al trabajo de tu cámara. Pero generalmente quieres mantener tu velocidad de obturación alrededor de una sobre 50 si estás grabando video en tiempo real. Ahora presta mucha atención al hecho de que acabo de decir, si estás grabando video en tiempo real, si estás grabando video en tiempo real, tu velocidad de obturación será típicamente una mayor de 50. Pero si estás disparando a cámara lenta, eso aumentará de acuerdo a la velocidad de fotogramas. 4. Velocidad de fotogramas: Ahora, por lo general, cuando veas tasas de fotogramas, esto va a ser representado por un número seguido por FPS. Y FPS es sinónimo de cuadros por segundo. Por lo que generalmente si estás grabando video en tiempo real, esto será alrededor de 25 FPS. O si estás en América, esto serán 30 FPS. Ahora la forma en que funciona tu cámara es captura montones de imágenes fijas y agruparlas juntas y crea un video a partir de todas esas imágenes fijas. Ahora, no tienes que puntar todas estas imágenes fijas juntas en la cámara hace eso por ti. Pero hay que elegir cuántos fotogramas o imágenes fijas tienes por 1 segundo de video. Y si estás grabando video en tiempo real, quieres estar alrededor de los 25, puedes tener 23.97, 24, 25 o 30. Este es una especie de punto dulce para el video en tiempo real. Te darás cuenta si estás disparando un 12 fotogramas por segundo, por ejemplo, todo se ve un poco glitchy. Se ve un poco raro. Casi parece que estás filmando una animación de stop motion o un algodón. No se ve del todo real. Pero te darás cuenta si tomas eso en dirección opuesta y disparas en una velocidad de fotogramas más alta, lo que 60 cuadros por segundo. Todo parece realmente fluido, y esto sí funciona en algunas escenas, pero generalmente quieres mantener tus velocidades de fotogramas alrededor de 25 FPS. Ahora volviendo a mi punto sobre la velocidad de obturación, mencioné que si estás grabando video en tiempo real, entrarás en cuál es tu velocidad de obturación para estar alrededor de 1 sobre 50, pero eso cambiará dependiendo de las velocidades de fotogramas. Por lo que generalmente quieres que tu velocidad de obturación sea el doble de las velocidades de fotogramas. Entonces si estás grabando video en tiempo real, quieres que tus velocidades de fotogramas sean de 25 fotogramas por segundo, y por lo tanto el doble de eso para obtener una velocidad de obturación de uno de más de 50. Entonces, adelante, hablemos de video en cámara lenta y tengamos en cuenta esa regla. Entonces cuando estamos grabando video en cámara lenta, queremos aumentar nuestras velocidades de fotogramas. Porque si ralentizamos 25 fotogramas por segundo metraje al 50 por ciento, digamos que eso nos va a llevar a 12.5 fotogramas por segundo y eso no va a quedar genial. Queremos asegurarnos de que cuando bajamos el metraje de cámara lenta, siempre vuelva a 25 fotogramas por segundo al menos. Entonces vamos a duplicar eso. Vamos a subir hasta 50 cuadros por segundo. Esto significa que cuando vendemos la tensión baja al 50 por ciento, vuelve a bajar al 25 por ciento. Entonces si duplicamos nuestras velocidades de fotogramas, esto significa que podemos tener nuestro metraje. Pero la cosa es que cuando duplicamos nuestra velocidad de fotogramas a 50 fotogramas por segundo, esto significa que también tenemos que ajustar la velocidad de obturación en consecuencia. Por lo que su velocidad de fotogramas ahora es de 50, y esto significa que su velocidad de obturación ahora debería ser de una más de 100. Te darás cuenta si disparas a 50 fotogramas por segundo con una velocidad de obturación de decir, uno de más de 50 o uno de más de 60, dependiendo de lo que tu cámara te permita hacer. Esto no se verá correcto, se vería raro. Obtendrás cantidades raras de desenfoque de movimiento y simplemente no se verá correcto. Por lo que generalmente mantenga su velocidad de obturación el doble de lo que su velocidad de cuadro. Entonces si lo querías realmente metraje a cámara lenta, querías súper lenta. Entonces digamos que queríamos disparar a tal vez 300 fotogramas por segundo. Por lo tanto, tendríamos que cambiar nuestra velocidad de obturación a 1 sobre 600, y entonces realmente podemos frenar nuestro metraje. Entonces si 25 fotogramas por segundo es en tiempo real, eso significa que tienes 12 juegos de 25 fotogramas por segundo en ese video de 300 fotogramas por segundo. Por lo que realmente se puede decir que para touchdown, la cosa es que, si estás disparando con una cámara réflex digital, mayoría de las réflex digitales a un máximo de salida en alrededor de 60 fotogramas por segundo o 120 si se trata de una cámara réflex digital de gama alta. Entonces si estás disparando a los 120, realmente solo necesitarías llevar tu obturador hasta 240. Ahora, cuando se trata de tus velocidades de fotogramas, tus velocidades de fotogramas solo ajustan realmente la velocidad de fotogramas, la franja de cantidad registrada por segundo. No afecta cuán claras u oscuras son las imágenes. Pero cuando vinculamos la velocidad de obturación y la velocidad de fotogramas para conseguir ese look perfecto en nuestro video, cuando aumentas la velocidad de fotogramas, por lo tanto tienes que aumentar tu velocidad de obturación, que está reduciendo la cantidad de brillo entrando en la cámara. Entonces, por lo tanto, técnicamente, cuando estás disparando a velocidades de fotogramas más altas, cuando estás tratando de disparar a cámara lenta, estás perdiendo luz en tu cámara. Entonces ten eso en cuenta si eres le dispara a cámara lenta. 5. Apertura: A continuación, hablemos de apertura. Se marca una abertura en tu cámara con una F, Así tendrás F1, 0.8, F21, F22. Tu apertura está controlando dos cosas. Uno, la cantidad de luz que entra en la cámara para que puedas controlar qué tan brillantes u oscuros entran las imágenes en B, pero también ajusta el plano de enfoque. Ahora la apertura es en realidad una serie de cuchillas pequeñas en lente de tu cámara que se abren y cierran dependiendo del número. Y esto va a dejar que más o menos luz entre en su sensor de cámara. Ahora si abres tu abertura a un número bajo, como f, 1.8, por ejemplo, entonces entrarás en cargas de luz en tu cámara porque tu apertura la abertura y por lo tanto lo contrario si cierras tu abertura. Entonces vamos a un número mayor. Por lo que F22 con F0 va a reducir las cantidades de luz que entra en el sensor de la cámara. Entonces, cuanto menor sea el número, más luces, mayor será el número, menos luz. Tu apertura también controla el campo de enfoque o el plano de enfoque. Y esencialmente lo que esto significa es cuánto de tu video va a estar enfocado. Entonces saquemos la apertura hacia abajo a F1 0.8. Lo que está pasando aquí es que nuestro plano de enfoque está reduciendo. Por lo que sólo un pequeño elemento en el marco va a estar en foco. Entonces si colocamos un objeto en medio del marco, el primer plano va a estar borroso y el fondo va a ser borroso. Ahora podemos mover nuestra lente de cámara para cambiar el enfoque. Por lo tanto, podemos enfocarnos en las diferentes áreas del marco. Por lo que puede enfocarse entre objetos en primer plano, el medio del marco, y luego el fondo. Por lo general, cuando la gente está tratando de darle un vistazo a ese bonito YouTube, están tratando de desenfocar el fondo. Así es como quieres acercarte a él. Se desea tirar de su abertura hacia abajo a un número menor. Y eso significa que cuando te enfocas en la persona frente a la cámara, el fondo explotará. Realmente puedes notar una diferencia en estos dos tiros. Entonces cámara a, por el momento se puede ver todo lo que es tipo de enfoque. Está un poco borroso, pero no es demasiado borroso. Pero cuando miramos la cámara B, todo en segundo plano se está difuminando un poco más. Esta cámara, cámara a está configurada en F4 y esta cámara de aquí está configurada en F2. Entonces a pesar de que hay una pequeña diferencia en el número aquí, uno es F4, uno es F2. Hay una diferencia bastante drástica en la parte posterior de los disparos. Entonces cuando un número más pequeño representa un foco más pequeño lleno y por lo tanto más desenfoque, lo contrario es un número más grande. Por lo que F22 significa que más va a estar en foco. Hay un plano de enfoque más grande. Entonces generalmente si tienes un F22, puedes poner a alguien necesita una cámara y un puede mandar a alguien fuera al fondo. Y en general ambas personas van a estar enfocadas. Realmente lo puedes ver en este ejemplo. Hay un objeto en primer plano y objetos en el fondo, pero que ambos en foco. Ahora si cambiamos nuestra apertura a 1.8, realmente se puede ver que el objeto de primer plano está en foco, pero el fondo está completamente ensangrentado. Apenas podemos identificar lo que está en la parte posterior del disparo. Por lo que tu apertura está controlando la cantidad de luz que entra en el sensor de la cámara, pero también está controlando la cantidad de borrosidad en el cuadro. Ahora cuando se trata de velocidad de fotogramas y velocidad de obturación, existen reglas bastante estrictas sobre qué números debes estar seleccionando. Pero cuando se trata de apertura, todo es elección creativa. No tienes que tener unos ochos de punto F1 o un F22. Depende de ti como el creativo y el operador de cámara averiguar qué número quieres seleccionar, porque cada número te daría un aspecto ligeramente diferente. 6. ISO: Ahora el siguiente escenario del que vamos a hablar es el ISO. Y el ISO es básicamente sólo una función de brillo digital. Ahora la velocidad de obturación y apertura de dejar físicamente más o menos luz en el sensor de la cámara. Pero la ISO no está controlando nada así. El ISO es simplemente digital. Por lo que el ISO sólo va a aumentar el brillo o disminuir el brillo, pero no está controlando ninguna luz. Entonces esto significa que si estás filmando en entornos con poca luz y aumentas el ISO, vas a empezar a ver el ruido de la cámara en la toma. Generalmente se desea mantener el ISO lo más bajo posible. Pero si sí necesitas aumentar eso, entonces es mejor aumentar eso que tener un perro tiros subexpuestos. Diferentes cámaras tienen diferentes rangos de números ISO. Diferentes cámaras tienen diferentes niveles de sensibilidad en cada número ISO diferente. Entonces vamos a comparar la Canon 5D y la Sony A7 S. El Sony A7 se parece ser un Rey de luces bajas. Puedes aumentar el ISO y tu imagen seguirá luciendo realmente limpia. Pero cuando haces lo mismo con una Canon 5D, por ejemplo, si aumentas la ISO en, vas a conseguir que aparezca un ruido digital realmente feo en el video. Por lo que es realmente importante echar un vistazo a qué cámara estás usando. Averigua qué ISO es mejor para tu cámara e intenta no llevarla más allá de ese número. Generalmente, se quiere tratar de evitar tomar un puesto de cámara ISO 800 a menos que la cámara diga que puede manejarlo, pase ese número. 7. Balance blanco: Ahora el siguiente ajuste es el equilibrio de blancos. La luz que vemos a nuestro alrededor es toda una temperatura de color específica. Y generalmente cuanto más cálidas o cuanto más anaranjadas sean las luces, cuanto menor sea el número y el color la luz, mayor será ese número. Y estos están representados por números llamados Kelvins. Por lo que en general, la luz del día es alrededor de 55 o 56 100 Kelvins o 55 o 56 100 K. Y cuando estás filmando por dentro y estás usando bombillas de tungsteno, Es un poco más cálido. Vas a estar o a las 4300, vas a ser un 3200 Kelvins. Ahora la razón por la que es importante entender qué luz de color estás usando. Y lo mismo es porque quieres emparejar el balance de blancos de tu cámara con las luces o la escena en la que estás. Entonces si estaba filmando afuera, por ejemplo, a la luz del día, esa es una luz bastante fría. Entonces eso va a ser alrededor de 55 o 56, 100 Kelvins. Es realmente importante que pongas tu cámara a ese Kelvin o ese número de balance de blancos. Entonces si estás filmando afuera, pon el balance de blancos en tu cámara a la luz del día, 5500 Kelvins. Y eso significa que entrarás en conseguir el equilibrio de color perfecto en tu marco. Tienes que conseguir el balance de blancos perfecto. El problema es que si estaba disparando afuera y disparé en un balance de blancos de 3200, desafortunadamente, todo se vería completamente diferente. Los colores serían para enfriar. Y el problema es, que eso no es un problema para las cámaras de cine de gama alta porque se puede cambiar todo sobre impuesto. Pero cuando estás filmando en una cámara réflex digital, si filmaste en el balance de blancos equivocado, desafortunadamente, no hay mucho que puedas hacer para arreglar eso en el idiota, o vas a tener realmente naranja o realmente crees en metraje. Por lo que es realmente importante echar un vistazo a la luz que te rodea, averiguar la temperatura general de color de la habitación y configurar la cámara en ese número específico. Tan solo recuerda en 5500 es una luz azul del día, 3200 es un tungsteno cálido. Por supuesto, la luz de las velas va a arrastrarse a más 2000 y luego las luces fluorescentes van a ir aún más allá. Entonces tal vez 6000. Pero generalmente solo recuerda, 32 es cálido, 55 se llama, y 43 está en algún lugar del medio. Este es el que los veo a menudo. La mayoría de la gente dice que mi metraje se ve demasiado naranja en mi metraje se ve demasiado azul. Sea lo que sea tonto que esté mal. Es el balance de blancos. Te olvidaste de fijar el saldo de blancos. Así que asegúrate de configurar el balance de blancos de tu cámara antes de hacer otra cosa. 8. Perfiles de imagen: Y el siguiente paso vamos a hablar de perfiles de imagen. Ahora, el perfil de imagen es básicamente una forma de que tu cámara maneje el color. Entonces generalmente o vas a tener Rick 709 o estándar o vas a tener piso. Por supuesto que también puedes tener perfiles personalizados, pero eso se va a poner un poco demasiado elegante para nosotros ahora. Por lo que sólo nos centraremos en estos dos ajustes. Tenemos pisos y tenemos estándar. Ahora la mayoría de las cámaras réflex digitales tienen unas cantidades realmente buenas de rango dinámico. Y el rango dinámico básicamente corresponde a la cantidad de datos que tu cámara puede capturar. Entonces si estás en un entorno de alto contraste, por ejemplo, tal vez estés dentro y filmarás algo y hay una gran ventana en el fondo y tienes montones de luz del día derramando. Si estás filmando a alguien dentro , va a estar completamente subexpuesto o doc. Y luego fuera podría estar sobreexpuesta o completamente blancos y brillantes. Y generalmente si tu cámara tiene un número de rango dinámico bajo, así que un rango dinámico de 10, por ejemplo, entonces tiene que haber mucho contraste ahí. Pero si tienes una cámara con un gran rango dinámico, entonces vas a poder capturar el detalle en los aspectos más destacados. Entonces fuera de la parte brillante y en las sombras, que son las partes oscuras del marco. Generalmente, cuanto mejor sea la cámara, más cara será la cámara, mayor será el rango dinámico. Y esto es a lo que quieres apuntar. Ahora, volviendo a nuestros perfiles de color, si disparas en un perfil de color plano, lo que esto significa es que la cámara no le va a hacer nada a esto. Por lo que solo te va a dejar toda esta información de color para que juegues en la edición. Pero el problema es que cuando pones este metraje en tu cámara, todo se ve gris y desaturado y esto se debe a que toda esa información de color está ahí. Depende de ti como editor y el grado de color para calificar la imagen o el video dependiendo de cómo quieras que se vea. Ahora, un perfil estándar, y esto es típicamente lo que verías en modo automático. Esto es cuando la cámara básicamente hace grado de color de ojos o corrección de color para ti. Y aumenta el contraste, aumenta la saturación. Aumenta todo hasta un punto donde se ve bien, pero tienes menos control. Por lo que ese gran rango dinámico ya no es porque tu cámara ha grabado en el perfil estándar y está sobreexpuesta. Los reflejos subexpondrán las sombras o editarán con demasiada saturación. Ahora si eres principiante, generalmente el estándar está bien la mayor parte del tiempo. Pero a medida que estás empezando a aventurarte en áreas más profesionales del video, quieres intentar disparar lo más plano posible o disparar en este perfil de color plano para capturar todo ese detalle en cámara. Porque entonces cuando estás en la edición, puedes decidir cuántos datos quieres sobreexponer o subexponer. Ahora tu cámara podría no decir estándar o pisos. Se puede decir pendiente tres ESL. Slope t2 es completamente diferente en todas y cada una de las cámaras y en todas y cada una de las marcas. Así que haga su investigación y averigüe qué significa cada perfil de color y qué perfil de color va a funcionar para usted y sus necesidades. Por lo que tienen esos todos los ajustes importantes de la cámara que debes notar cuando comienzas por primera vez y cuando creciste esa cámara. Todos estos números pueden parecer realmente intimidantes al principio, pero si te tomas el tiempo para jugar con tu cámara y experimentar con todos estos ajustes diferentes. Entras muy rápidamente te diste cuenta de lo que puede hacer tu cámara, lo que cada ajuste diferente le va a hacer a tu video. Y por lo tanto, puedes empezar a crear videos de alta calidad mucho antes. 9. Enfocar: Entonces en este momento actual en el tiempo, tienes tu set de apertura, tu ISO establece tu velocidad de obturación, velocidad de fotogramas, balance de blancos, y tu perfil de imagen ahí, conjuntos pícaros que ya tienes listos para ir. Pero el problema es que ahora necesitamos pensar en el enfoque. Porque si no estamos prestando atención al enfoque, todo podría ser borroso, que significa que todo este trabajo duro podría ser para nada porque no quieres unos tiros fuera de foco. Ahora en general, la mayoría de las cámaras en estos días vendrán con una opción de autofocus realmente increíble. Pero el problema es el autofoco, pesar de que es genial y es realmente beneficioso en ciertas áreas del cine. Es un poco de muleta y no quieres confiar en ella. Usar autofocus es increíble. Pero hay momentos en los que el autofoco no va a hacer lo que quieres que haga. Entonces tal vez quieras sacar el foco de algo en primer plano al segundo plano en unos momentos específicos en el tiempo. Además, el enfoque no te va a dar esa opción. autofoco normalmente solo se enfocará en lo que está en el centro del cuadro o en lo que es típicamente el sujeto. Entonces tal vez tu haciendo un tiro de gimbal realmente bonito detrás de un poste. Cuando este post pasa frente a la cámara, estos son ahora los nuevos sujetos, al parecer de acuerdo con el autofoco, y te va a desplazar el foco. Así que intenta acostumbrarte al enfoque manual porque esto te va a dar más control, lo que te permitirá tener más creatividad y libertad con tu cineasta. Ahora este es el tipo de lente de 40 milímetros. Y este pequeño anillo de aquí es el anillo de enfoque. Ahora, esta es una lente de primer nivel y también puedes conseguir lentes de zoom donde tienes el anillo de enfoque y luego tienes el enlace Zoom también. Pero esta lente prime solo tiene ocho anillo de enfoque. Entonces cuando estás echando el foco girando, esto es lo que va a cambiar el enfoque. Ahora normalmente verás en la mayoría de las lentes que tienes AF y EF, autofocus y enfoque manual. Entonces de inmediato, lo que quieres hacer es simplemente cambiar al enfoque manual. Y ahora todo lo que tienes que hacer tú mismo. Otra son algunas formas diferentes de controlar tu enfoque en tu lente cuando estás haciendo esto manualmente. Y la primera forma es simplemente hacer esto a mano. Entonces estás sosteniendo tu cámara y mientras la estás filmando, solo estás ajustando este anillo de enfoque mientras estás llenando la toma y simplemente ajustando manualmente ese enfoque. Y eso está bien cuando vas de mano o estás en el hombro donde estás en el trípode o en un deslizador, algo donde la cámara no se mueve demasiado. Pero el problema es cuando se pasa a un gimbal o a una leva estable. El problema es que si comienzas a tocar la lente que vas a empezar a afectar el equilibrio de la cámara. Y esto va a hacer las cosas realmente difíciles. Entonces aquí es donde un sistema de enfoque inalámbrico o cableado realmente va a ser beneficioso para usted. Ahora se trata de una unidad de enfoque inalámbrica. Esta es la película de PD Alive at at dos. Este es solo uno de los muchos sistemas enfocados inalámbricos diferentes que puedes obtener. Pero esto es realmente beneficioso porque significa que montas esto en tu cámara. Y cuando consigues esto se sincroniza con un controlador, significa que este motor de enfoque va a vivir en la lente. Y significa que puedes controlar el foco con este mando a distancia desde la distancia. Esto significa que si tienes la cámara en un gimbal, por ejemplo, y no puedes tocar la lente. Significa que puedes operar el gimbal y aún así estar tirando del foco mientras te disparan por aquí. Alternativamente, sin embargo, se puede conseguir un sistema más grande. Entonces, en lugar de usar esto, puedes tener un mando a distancia de mano grande. Entonces este de aquí es el controlador de mano para el núcleo tilta Nana. Ahora bien, esto es realmente beneficioso porque lo que puedes hacer aquí, en lugar de controlar el enfoque tú mismo con un control del pulgar, en realidad podrías entregarle esto a alguien más. Podrías enfocarte en filmar y puedes darle esto a alguien y ellos solo pueden preocuparse todo por enfocarse. Por lo que tienes este dial de enfoque controlado muy bonito aquí. Podrías usar un sistema de monitor inalámbrico. Pueden estar preocupados por el foco mientras ella se preocupa por mover la cámara o viceversa. Ahora esta es la opción que la mayoría de los videógrafos profesionales van a utilizar. Esta es una gran opción porque puedes cambiar tu enfoque en la marcha. Pero significa que tienes que preocuparte por filmar, enmarcar y enfocar. Pero esta opción es realmente genial porque le das la responsabilidad a otra persona y luego ellos pueden controlar el enfoque y asegurarse de que todo esté perfectamente enfocado. Entonces si estás en el hombro y ajustarás el foco tú mismo con la mano, tal vez en un trípode, haces lo mismo. Estás usando uno de estos sistemas de enfoque inalámbrico, pero el controlador del pulgar, o estás entregando tu foco a alguien más y lo están controlando con una ballena. Lo que sea. Tener control de tu enfoque es realmente importante porque si obtienes el tiro más hermoso, la iluminación es increíble. Los ajustes de la cámara son en gran medida actores rendimiento fue increíble. Si el disparo es borroso y es porque estás fuera de foco que el disparo es completamente inútil. No se puede arreglar unas tomas borrosas en post lamentablemente. Por lo que no importa qué opción tomes. Preste mucha atención a su enfoque. Intenta encontrar un sistema de enfoque que funcione para ti y asegúrate de que todas tus tomas estén enfocadas. Ahora si estás en una cámara réflex digital en entonces más seguro es que esta función no estará disponible para ti. Pero si te estás moviendo a cámaras réflex digitales más altas o cámaras de cine de bajo presupuesto, eso podría encontrar una característica llamada “focus peaking”. En realidad no se puede conseguir un máximo de enfoque en un sistema de monitor externo también. Entonces si tienes una pequeña cámara réflex digital y no tienes un máximo de enfoque, entonces te recomendaría conseguir un monitor externo para poner en tu cámara que te permita conseguir un máximo de enfoque. Y el máximo de enfoque básicamente va a afilar los bordes del marco que están enfocados. Entonces digamos que tienes a alguien en el centro del cuadro. Si pones tu foco en su punto máximo, cuando te enfocas en esta persona, obtendrás esta línea dura y sólida alrededor de la persona que está enfocada. Y esto te está dando una confirmación de que tu disparo está enfocado. El máximo de enfoque es una de esas características realmente impresionantes en cámara que realmente te va a beneficiar como creativo. Te da esa confirmación de que todo lo que estás filmando está en foco. Así que aprovecha al máximo uno de estos métodos de enfoque usan que usaremos este controlador. Nosotros enfocamos el máximo en tu cámara si está disponible para ti y solo asegúrate de que dispararon siempre esté enfocado. Ahora si no tienes el dinero para comprar un sistema de seguimiento inalámbrico o si no estás disparando en el hombro, tienes que disparar en un gimbal y no puedes controlar un foco tú mismo o simplemente no estás demasiado seguro de que te mueves enfoque, luego intenta reducir tu apertura. Por lo que tire hacia arriba hasta alrededor de F6, F11, F16. Y al hacer eso, todo va a estar más o menos enfocado. Y prácticamente lo pones a un número y lo dejas tal como está. Tan solo intenta acercar demasiado a la gente a la lente. falta de eso aunque puedes usar tu autofocus, pero autofocus, A pesar de que es genial, la mayoría de las veces, puede arruinarse es un sistema informático, es electrónica por lo que puede arruinarse. Habrá momentos en los que se arruinará y sí limita tu creatividad también. Por lo que recomendaría seriamente poner el tiempo y el dinero en invertir en algún equipo de enfoque decente. 10. Composición y encuadre: introducción: Entonces ahora que tenemos nuestra tonelada de cámara encendida, entendemos la configuración de la cámara y todo está perfectamente enfocado que ahora podemos pasar a la composición y el encuadre, porque enmarcar una toma va mucho más allá que solo agarrando una cámara y simplemente filmando lo que sea que esté delante de ti. Usar las tomas correctas, los ángulos y el encuadre correcto realmente puede ayudar a contar una historia y crear material cinematográfico realmente hermoso. 11. Tamaños y ángulos: Ahora voy a comenzar esta sección hablando de tamaños y ángulos de disparo específicos. Ahora estos términos se lanzan alrededor de inicio en todas partes del globo. No importa si se trata de una pequeña producción indie o si se trata de una gran película de Hollywood, estos términos son universalmente conocidos. Entonces, aprender qué son todos estos y qué significan son súper importantes si estás buscando meterte en el cine. Por lo que el primer término es extremo amplio. Y eres extremo ancho es exactamente lo que suena. Es solo un tiro ancho realmente grande de un sujeto. A continuación tenemos un tiro ancho. Y esto es un tiro ancho otra vez, pero es sólo un poco más cerca. Y típicamente si estás filmando a alguien, tu tiro ancho va a ser de pies a cabeza. Vas a ver todo en el marco. A continuación tenemos un tiro medio y esto se está acercando. Tu tiro medio generalmente está por encima de las rodillas. Se utiliza el término tomas medias, pero también se usa el término tiro medio. Tan medio medio medio, que ambos significan lo mismo y eso es enmarcar desde las rodillas hacia arriba. A continuación tienes un acercamiento y eso es exactamente lo que suena. Es sólo un acercamiento de alguien y esto es generalmente desde el pecho hacia arriba. Entonces en algún lugar por aquí, entonces tienes tu primer plano extremo. Y tu primer plano extremo se va a centrar en los detalles. Entonces si estamos llenando a esa misma persona, el COSO extremo va a ser un cierre en el costado de la cara o tal vez sólo el globo ocular o la boca de la nariz. Tu primer plano extremo está recogiendo esos detalles precisos. Entonces tienes tu ancho extremo, tienes tu ancho, tu medio de corte medio, estás de cerca y estás muy cerca. Todos estos bastante fáciles de entender. Entonces vamos a complicarnos un poco más ahora hablemos de ángulos. Por lo que un ángulo alto va a colocar la cámara en una posición más alta y miraremos hacia abajo. Y generalmente se usa un ángulo alto cuando se está mirando hacia abajo a alguien. Entonces estás tratando de hacerlos parecer inferiores. Entonces es casi como si estuvieran mirando hacia arriba a la cámara. Y típicamente ves esto cuando los padres están mirando hacia abajo a los niños, o tienes un personaje divino mirando hacia abajo a los otros personajes, entonces tienes el reverso de eso. Y este es un ángulo bajo. Esto es bajo hasta el suelo mirando hacia arriba, y este es el reverso de eso. Entonces, uh, mirando hacia arriba a esa poderosa figura, así que esto implica que la persona a la que estamos mirando, israelí poderoso, claro, aunque no tiene que significar eso. Pero en general, cuando estos dos se utilizan en el cine, esto es lo que estamos tratando de transmitir. Tan alto ángulo mirar hacia abajo es mirar hacia abajo a alguien y el ángulo bajo es mirar hacia arriba a ese alto personaje Todopoderoso. Ahora vamos a ir un poco más de fantasía y vamos a hablar de establecer tomas. Por lo que un tiro estableciendo es básicamente sólo un tiro que va a establecer la escena. Entonces si estamos filmando un video en una casa, por ejemplo, el tiro estableciendo sería el exterior de la casa. Por lo que es solo una toma de la casa afuera. Y entonces podemos cortar a ver la acción. Todo el punto de la toma establecedora es establecer dónde y cuándo se está llevando a cabo esta acción. Entonces si solo cortamos directamente en una escena y solo cortaríamos entre diferentes ángulos. Realmente no sabemos dónde está pasando esto, qué hora al día es esto, y un montón de otros factores. Pero si usamos el tiro estableciendo para empezar, sabemos que estamos en esta casa y aquí es donde se está llevando a cabo la escena. Simplemente nos está dando más información al público. A continuación tenemos OTS o sobre el hombro. Y sobre el hombro es exactamente lo que suena. Se coloca en la cámara detrás de alguien mostró veo que se puede ver la parte posterior de su cabeza, se puede ver su hombro. Y las tienes enmarcadas en un lado del marco. Y generalmente se ve esto en una conversación. Entonces digamos que tenemos a dos personas en una escena aquí en primer plano de los disparos. Tenemos el sobre el hombro, así que tenemos la parte posterior de la cabeza en el lado que está en primer plano. Y entonces el tema principal es el sujeto real que estamos hablando. Entonces, por lo general esto se usa en una escena tipo conversación, y eso nos lleva bastante bien a la regla de 180 grados. Ahora, el grado 180 sonará realmente complejo, pero en realidad es bastante simple una vez que tienes la cabeza alrededor de la idea. Ahora la regla de 180 grados es una regla que se utiliza para mantener equilibrada la orientación. Entonces tenemos una conversación entre dos personas. Si usamos correctamente la regla de 180 grados, Entendemos que estos dos personajes se están mirando unos a otros teniendo una conversación. Pero cuando no se usa correctamente, gente puede estar buscando en direcciones aleatorias y lo mismo parecerá apagado. No se verá genial, no se verá bien. Y si no sabes lo que es que podrías confundirte. Entonces generalmente lo que es la regla de 180 grados es que está poniendo una línea en el centro de la escena. Entonces tienes a dos personas charlando. Entonces dibuja una línea por la mitad de su cara. Están parados uno frente al otro. Ponga una línea por el medio de ellos y saque a un lado. Para que puedas escoger el lado izquierdo o puedes escoger el lado derecho, solo tienes que pegarte a ese lado. Entonces si vamos a pegarnos al lado derecho, apégate a ese lado para que puedas conseguir tu primer plano de tu única persona de ese lado. Y pueden conseguir el primer plano de la otra persona de ese mismo lado. Ahora cuando hagamos esto, si disparamos esto desde el mismo lado, va a parecer que se están hablando entre sí. Pero el problema es que cuando cruzamos esa línea, deseando un disparo desde un lado, cruzamos y ametrallamos, el otro disparo desde el otro lado, parece que están mirando en la misma dirección. Por lo que es realmente importante que sigamos la regla de 180 grados para asegurarnos de que nuestros personajes se estén mirando unos a otros. Y esto es realmente importante porque si descuidas esto, entonces tu espectador va a estar realmente confundido. Normalmente se ve esto con parodias de comedia o películas de bajo presupuesto. Tienes gente mirando la misma dirección, tienes esta conversación vista, y la gente está enfrentando la misma dirección. Y si no sabes lo que buscas, se llena, pero no sabes por qué. Por eso no tendrías una conversación con alguien detrás de su cabeza. Por lo tanto, no cree ese efecto en cámara. Sigue la regla de 180 grados y no tendrás ningún tema. Por supuesto, que no es una regla estricta. Si sabes lo que estás haciendo y sabes cómo romper la regla de 180 grados que realmente puedes usar eso para confundir al público a propósito. Pero generalmente, cuando estás empezando en el cine y la fotografía, no estás tratando de confundir a la gente. Estás tratando de hacer una película que él va a entretener a gente y quieres que la gente entienda lo que está pasando. Entonces sigue la regla de 180 grados y evitarás confundir a tu público. 12. Regla de los tercios: A continuación, hablemos de composición. Y la composición suena complicada, pero básicamente es como estamos enmarcando nuestras tomas. Ahora no importa si eres cineasta principiante y cineasta avanzado, todos tenemos que pensar en cómo componemos nuestros videos o tomas. La composición es k, porque la composición puede ocultar o revelar información que es realmente importante en tu video. Ahora hay montones de técnicas composicionales realmente avanzadas y complicadas que puedes usar en tu video. Pero generalmente la técnica compositiva más rápida y fácil y generalmente la más comúnmente utilizada es la regla de los tercios. Probablemente has oído hablar de ella, o probablemente lo has visto antes. Probablemente ya has visto las rejillas antes. Voy a hablar todo de eso ahora porque usar la regla de tercios puede ser extremadamente beneficioso. Ahora si enciendes la cámara o si miras la cámara de otra persona, es probable que vayas a ver esta cuadrícula. Tienes dos líneas horizontales y dos verticales, y estas se usan para ayudarte a usar la regla de los tercios. Ahora la regla de los tercios es muy fácil de entender. Simplemente coloca tus objetos en una de las líneas. Entonces digamos que estás filmando una entrevista, por ejemplo, tienes a alguien hablando en lugar de colocarlos smack bang en el medio. Por supuesto, si estás hablando con una cámara, entonces ponlos en el medio. Pero si están hablando fuera de cámara, así que digamos que están mirando por ahí. No querrías ponerlos en el medio. pondrías en uno de los tercios. Entonces en este ejemplo, si miraba por allá, me pondrías en el tercero, a la derecha. Por lo tanto, tengo todo este espacio con el que estoy hablando, y sólo hay una pequeña cantidad de espacio detrás de mí. Siempre quieres intentar evitar poner grandes cantidades y espacio negativo detrás de alguien. Simplemente concéntrate en conseguir espacio entre los frentes de ellos y el final del marco. Por supuesto, no son solo entrevistas y cabezas parlantes para las que puedes usar la regla de tercios. A lo mejor estás haciendo videografía paisajística. Entonces una captura de los planos de esta escena, coloca el horizonte en una de esas líneas horizontales, y vas a conseguir una composición realmente agradable. Entonces volviendo al ejemplo anterior, cuando hablamos de la regla de 180 grados, piensa en tu regla de tercios cuando estés haciendo este ritmo conversacional. Entonces tienes a dos personas charlando, solo sujetos palaciegos en esas dos líneas verticales. Y vas a crear una composición de aspecto realmente pareja y hermosa. Ahora bien, esta rejilla, esta regla de tercios grilla, podría no estar activada. Si no puedes encenderlo, en tu cámara, entonces en serio te recomendaría hacerlo porque realmente ayuda. Pero una vez que hayas apagado, una vez que estés acostumbrado a ello, siempre te imaginas automáticamente esas líneas en tu marco. Es algo que hago hoy, pesar de que no he usado la cuadrícula de mi cámara desde hace unos cinco o seis años. Todavía me imagino visualmente esa grilla y cada vez que enmarque un tiro, siempre estoy colocando a la gente en esas líneas. 13. Introducción a movimiento de cámara: movimiento de la cámara es una de las partes más importantes del cine, porque cómo mueves tu cámara, realmente puede marcar la diferencia en cómo se ve tu video. Si quieres un tiro de seguimiento hermoso, usa un gimbal. Si quieres crear un todavía momentos realmente hermosos, tal vez uses un trípode o tal vez te acerques realmente y usas una plataforma de hombro. Las herramientas que utilizamos y el tipo de movimiento que utilizamos en nuestras tomas realmente pueden ayudar a realzar tu historia y perseguir tu video y contarte una historia específica y una manera específica. Pero, ¿cuáles son los diferentes tipos de movimientos de cámara disponibles para nosotros? ¿ Y cuáles son las herramientas que necesitamos para crear ese movimiento específico de cámara? Entrémonos en ello. 14. Trípode: Entonces, en primer lugar, la mayoría tienes los disparos estáticos, que se filman al usar un trípode. Por lo que tu cámara en un trípode. Y por lo tanto se puede panear que va de izquierda a derecha. Podemos inclinar, que está subiendo y bajando. Pero esencialmente estás bloqueado a uno puntos específicos y puedes moverte en este espacio o puedes mantenerlo estático. Ahora los trípodes son geniales. Hay algunas personas que dirán que necesitas usar un gimbal para todo o necesitas usar una leva de hombro para todo. Pero en general, el trípode es un básico absoluto si estás filmando contenido de entrevista o contenido como este, o quieres ponerlo en un trípode, sobre todo si se trata de un contenido de forma larga. Ahora el trípode puede ser realmente útil también si quieres crear movimientos dinámicos, pero quieres la precisión de usar un trípode. Entonces tal vez algo está pasando por la cámara y necesitas un látigo realmente sólido, entonces usarías el trípode y tendrías una linda cabeza fluida en tu trípode para crear un troppo de pan realmente bonito que realmente impresionante, pero pueden ser bastante limitados porque estás pegado a uno puntos específicos. Puedes decirlo, puedes panear, puedes hacer lo que quieras en ese lugar, pero estás pegado a ese punto específico. Entonces si hay más movimiento involucrado en el que quizá quieras pensar, otra opción. 15. PDas y hombro: Y esto nos trae al hombro de corte manual. Por lo que esto literalmente es simplemente sujetar la cámara o puedes tenerla montada en tu hombro. Este artilugio de aquí es una plataforma de hombro. Por lo que subirías al monitor a esta sección. Este es el mango y luego montarías la cámara en estas placas aquí arriba. Y luego tienes la cámara encerrada aquí. Entonces tienes el monitor aquí, la cámara está de vuelta aquí. Y esto significa que tienes la libertad de mover tu cuerpo. Ahora esto es realmente impresionante. Y típicamente esta es la opción que muchos equipos de TV usarán porque puedes obtener rápidamente lo que quieres. Realmente no hay mucha configuración o pelusa alrededor. Puedes correr rápidamente y conseguir lo que quieras y puedes ponerte realmente intrincado con el hombro. También puedes recrear esto con mano también. Puedes obtener movimientos de mano realmente precisos usando una configuración de mano. Pero esto también es bastante limitado porque estamos limitados a los movimientos de nuestro cuerpo. Entonces a medida que estamos caminando, si tenemos un movimiento bastante más rápido que necesitamos hacer a medida que empezamos a correr. Vamos a ver más movimiento de arriba y abajo en los tiros y esto podría volverse inutilizable. Por lo que disparar en el hombro o disparar de mano es en realidad una forma realmente simple y realmente fácil de capturar tu video. Y sí paso mucho tiempo en hombro, sobre todo cuando necesito conseguir tomas precisas o acercamientos o no hay demasiado movimiento involucrado. Pero cuando necesitas más movimiento, la leva del hombro probablemente no la va a cortar a menos que quieras tu tiro por todo el lugar con este movimiento lleno de baches. Entonces aquí es donde podemos hablar de deslizadores y Gimbels y levas estables. 16. Gimbal, Steadicam y deslizadores: Ahora esto de aquí es un cardán y estos están disponibles literalmente en todas partes. Siento que cualquier otra empresa en el cine y misterio está haciendo su versión de un gimbal. Y puedes conseguirlos en todo tipo de formas y tamaños. Puedes conseguirlos con un anillo grande. Se puede obtener un modo no revelado. Obtienes más de una versión de mano como esta. Pero independientemente de cómo se vean, el propósito básico de esto es que obtienes un movimiento suave, por lo que obtienes tomas suaves usando un cardán. Entonces una vez que tienes tu cámara en tu gumbo, tienes que equilibrar esto. Entonces como pueden ver, esto implica que mueva todos estos motores alrededor de éstos. Tengo que tratar de encontrar el punto dulce perfecto para equilibrar esto. Porque si no está balanceado, el cardán no funcionará desafortunadamente, así que hay que equilibrarlo. Y luego como puedes ver, es bastante preciso. Tienes que asegurarte de conseguir esto perfecto. Pero una vez que tienes eso balanceado, solo enciendes esto. Y entonces el cardán sólo va a hacer todo el trabajo duro por ti. Entonces como puedes ver, independientemente de cuánto movimiento haya, la cámara apenas se mueve. Tiene esta fluidez realmente agradable al movimiento. Y esa es generalmente la opción. No va mucha gente. Ahora, los Gimbels son geniales y puedes conseguir algo de RED en nuestros tiros. Puedes perseguir a alguien con esta cosa y vas a conseguir esta ruta en tomas de seguimiento de IES y algunos movimientos de cámara realmente suaves desde el cardán. Pero el problema es Gimbels o electrónico, lo que significa uno, son un poco difíciles de usar cuando está lloviendo a lamentablemente, es bastante esponjoso de configurar. Entonces si estás en un tiroteo ocupado y tienes una toma realmente urgente que necesitas agarrar, configurar el cardán, reequilibrar, conseguir cada vez que cambias una lente o cambias algo puede llevar mucho tiempo y puede sumar, y puede tardar mucho tiempo en tus brotes. Entonces sí, a pesar de que los Gimbels son realmente impresionantes y definitivamente tienen su lugar en el mundo del cine puede ser bastante rápido, y sí tienen esas invitaciones. Del otro lado otra vez, tablas, tienes levas estables y levas estables de la versión más tradicional del gumbo. No es electrónico. Todo se hace equilibrando los pesos en la parte superior de los conteos estables en la parte inferior de la leva estable. Y esto te permite ese fluido y decir, Ahora generalmente las levas estables son parecen ser más confiables porque no hay motores, No hay electrónica. Pero por supuesto aunque hay una curva de aprendizaje con una leva estable, y lamentablemente simplemente no son accesibles para mucha gente. Ahora son todas versiones más pequeñas de levas estables como la leva de deslizamiento. Pero de nuevo, esa es una gran curva de aprendizaje. No puedes simplemente recogerlo e irte como lo harías con un cardán. Y entonces por supuesto también tienes deslizadores. Por lo que un deslizador es básicamente solo una pista de mini tren en la que coloques tu cámara. Y puedes mover tu cámara de izquierda a derecha. Por lo que físicamente moviendo la cámara en este hermoso movimientos suaves y puedes panear e inclinar al mismo tiempo para obtener algunos resultados realmente interesantes. Ahora slide es un realmente bueno si estás haciendo disparos de precisión de cerca o si estás en una entrevista y quieres que tu convertida tenga un poco de movimientos suaves. Eso se ve realmente bonito. Pero claro que no vas a ver tanto movimiento en un slider porque estás limitado a una pista, entonces lo harías en un gimbal. Por lo que estas tres herramientas son realmente grandes formas de agregar movimiento a tus tomas y ese movimiento cinematográfico realmente suave. Pero dependiendo de lo que quieras, dependerá de qué herramienta vas a elegir. 17. Grano de cámara: Y perdí la cabeza. Voy a hablar de grúas de cámara, jigs de cámara o cámara Boone's, estos tres nombres diferentes, pero todos básicamente significan lo mismo. Este es un sets up por qué pones un peso en un extremo. Pusiste la cámara en el otro extremo. Obtienes este movimiento realmente bonito arriba y abajo en tus tiros. Normalmente las ves en estudios de televisión y las ves en películas también, que estas gigantescas grúas que se mueven arriba y abajo ahora puedes conseguir baratas, unas versiones más pequeñas, más amigables para viajar de estas grúas de cámara. Y eso sí crean estos efectos realmente sorprendentes. Cuando te inclinas con el movimiento, se veía realmente genial. Pero el problema es que estás encerrado en unos puntos específicos, solo te moverás hacia arriba y hacia abajo. Entonces, por tanto, si hay una pérdida de movimiento y necesitas seguir los movimientos, no es la opción que quieres tomar. Generalmente, las grúas son realmente buenas para establecer tiros. O si estás en una escena donde la persona no se está alejando de la cámara que en el espacio único, entonces las grúas son una gran opción en esta instancia. Normalmente cuando estoy filmando un video de baile o un video musical, consigo que alguien haga esa actuación frente a la cámara. Y hago unas pólizas sobre que la grúa subiendo y bajando porque me da ese look cinematográfico realmente caro que se ve en los videos musicales. Por supuesto, las grúas pueden ser grandes, voluminosas y pesadas, y están bastante abiertas a los montajes y pueden ser bastante caras si vas por las versiones más caras. Entonces esto no es amigable para principiantes, pero puedes conseguir algunas tomas realmente interesantes e increíbles usando una grúa de cámara, boom o configuración de trabajo. 18. Futro de movimiento de cámara: Ahora todas estas herramientas son realmente geniales y también tengo un propósito completamente diferente. Por lo que no hay una herramienta que haga el trabajo. Verás una pérdida de cineastas corriendo por ahí con un gimbal y eso es cada tienda. Simplemente correrán por ahí con el cardán. Bueno, también verás a cineastas que tenían apenas glúteos con trípode para todos los brotes. Pero no hay ninguna herramienta que haga que cada toma piense realmente en sus tomas, piense en su escena, piense en lo que quiere de esas tomas específicas e intente averiguar qué herramienta haría el trabajo por usted. Típicamente, encuentro que ese equilibrio entre ese cardán, el hombro, el trípode de mano, y la grúa es un equilibrio perfecto a partir de mis producciones. Por supuesto, sin embargo, si eres nuevo en el cine, que invertir en todas estas diferentes opciones puede ser bastante cara. Entonces si eres principiante, entonces te recomendaría conseguir un trípode porque no puedes ir mal con un trípode y conseguir un buen show por venir. Debido a que el equilibrio entre trípode y mostró una leva puede crear un video increíble 3D. Y luego cuando tengas el dinero, invierte en un cardán y ten el equilibrio entre trípode al hombro y gimble. 19. Iluminación: introducción: En esta lección, estamos hablando todo de iluminación. Y la iluminación lamentablemente es una de esas áreas donde la mayoría de los cineastas principiantes suelen pasar por alto. Ya ves que lysing es en realidad la principal diferencia entre los videos profesionales y los videos amateur. No importa si estás filmando un video de YouTube en casa o estás filmando un éxito de taquilla de Hollywood con un presupuesto de 100 millones de dólares. La diferencia entre un gran visual y un mal visual es que estás lysing. Tenemos a esto. Estamos punto en la tecnología donde casi todas las cámaras que tenemos accesibles para nosotros pueden verse increíbles si usaban de la manera correcta. Por lo que no importa si estás filmando un video en una cámara de cine de 50000 libras, tu iPhone, si estás usando la configuración de iluminación correcta, puedes crear unos resultados realmente interesantes y visualmente agradables. Entonces a pesar de que probablemente estés más interesado en conseguir una gran cámara o enfocarte en una gran lente. Lo mejor que puedes hacer para tu carrera cinematográfica es invertir tu tiempo en aprender lysing. Ahora, sólo voy a cubrir algunos de los conceptos básicos en esto, pero realmente recomendaría adentrarme en la iluminación. Porque si pones tiempo en aprender iluminación y aprendes diferentes técnicas de iluminación y aprendes a controlar la luz dentro de tu escena en la que entras, te ayuda a crear algunos resultados realmente sorprendentes y visualmente agradables en junto a ningún tiempo. 20. Trabajar con luz natural: Si estás filmando un video, no tienes acceso a la iluminación que simplemente evitar filmar cuando oscurece. Porque vas a tener que aumentar tu ISO. Vas a tener que sacar al máximo todos los ajustes de tu cámara y no va a quedar genial si tuvieras iluminación, te recomendaría seriamente hacerlo porque puedes crear algunos resultados realmente interesantes. Pero si no tienes iluminación que tratar de filmar cuando tengas los cilios de luz más disponibles. Ahora la luz natural es genial para nuestras cámaras. Nos da toda la luz que necesitamos para exponer correctamente nuestro video. Pero el problema es que puede ser un poco difícil de controlar si no sabes lo que estás haciendo. Entonces solo te voy a pasar por unas cuantas formas diferentes de cómo puedes controlar las luces naturales disponibles para ti. Ahora bien, si es un día soleado y quieres filmar un video con un fondo borroso , baja tu apertura a F1 0.8, por ejemplo. Desafortunadamente, se va a sobreexponer. Será demasiado brillante y todo tu tiro sería sólo lengua blanca. Esto se debe a que hay demasiada luz disponible para ti en la escena. Entonces en este caso, lo mejor que puedes hacer es invertir en un filtro ND o un filtro de densidad neutra para tu cámara. Y el filtro ND es básicamente el equivalente a un par de gafas de sol para tu lente de cámara. Entonces, esencialmente lo que esto está haciendo es simplemente poner un pedazo de vidrio oscuro delante de la lente de la cámara, que va a tirar hacia abajo la exposición. Y eso significa que puedes usar tu punto F1 una abertura para obtener tu fondo borroso y no vas a sobreexponer. Ahora, los filtros ND vienen en diferentes fortalezas. Se puede conseguir N d2, 468. Y estas son una vieja manera de subir a los miles. Generalmente, cuanto mayor sea el número, más oscuro será el resultado. Pero en serio recomendaría conseguir un filtro ND variable porque esto significa para el filtro uno se obtiene N d2, 468, y todos estos otros números. Te da flexibilidad y eso significa que puedes aprovechar todos los ajustes de tu cámara. Entonces ahora que tienes el brillo controlado, tienes la exposición correcta en tu cámara, y se ve genial. Ahora podemos enfocarnos en dar forma a las luces y trabajar con las luces. Entonces, en primer lugar, vamos a abordar las sombras. Si estás filmando a mitad del día, entonces lo más probable es que tengas luz solar brillante mirando hacia abajo a tu sujeto. Ahora lo mejor que puedes hacer es colocar el sol detrás ellos y asegurarte de que el sol no se derrame sobre su cara. Porque el problema es que cuando estás filmando a alguien y tienen unas luces en la cara, va a crear sombras duras, poco favorecedoras. Y van a estar entrecerrando todo el tiempo, lo cual nunca se ve genial. Así que dale la vuelta y pon el sol detrás de ellos. O alternativamente, podemos suavizar eso con difusión. Ahora la difusión viene en muchas formas diferentes, pero esencialmente la difusión es sólo una hoja que la luz solar compone y él va a suavizar eso. Las nubes básicamente actúan como difusor natural. Por lo que notarás en un día nublado, tendrás una luz realmente agradable envolviendo alrededor de tu cara. Pero en un día soleado es duro y directo. Entonces si usamos la difusión, podemos suavizar esa luz solar y crea unos resultados mucho más halagadores. La difusión que utilizo es esta hojas de difusión pop-up que compré a Amazon. Esto era de alrededor de 15 libras. Creo que se puede conseguir precio muy similar en otro lugar también. Pero básicamente todo lo que tienes que hacer es simplemente sostener esto frente a tus luces y vas a suavizar esa lyse. Por supuesto, puedes obtener versiones mucho más grandes de esto. Esto es genial para cerca en el trabajo, pero si estuviera haciendo unas tomas anchas, entonces necesitaría algo mucho más grande para enmascarar esa luz solar usando difusión en tus tomas es una de las mejores maneras de conseguir eso realmente bonito efectos de iluminación suave que podría estar buscando. Alternativamente, en lugar de difundir la luz, podemos rebotar la luz de respaldo sobre el sujeto. Entonces si tienen la luz del sol entrando de este lado, en realidad puedes usar el rebote para rebotar la luz hacia el otro lado de la cara, llenando esas sombras. Ahora el problema es con rebote de luz es que puede ponerse un poco intenso para el sujeto. Tienes la luz del sol por aquí y tienes la luz del sol rebotando de este rebote aquí abajo C, pero dos fuentes de luz golpeándote bastante caliente. Puede causar entrecerrados y puede ser un poco incómodo. Pero si tu talento se siente cómodo con esto, entonces esto puede crear un look realmente bonito, hermoso similar a esta difusión pop-up. Podrás obtener reflectores pop-up, para que puedas obtener un reflector plateado, un reflector dorado, un reflector blanco. Y oh, tienes que hacer es solo sostener esto debajo de tus sujetos así. Y a medida que entra la luz, va a rebotar de nuevo en su cara. nuevo, puedes conseguir versiones realmente grandes de esta difusión, pero esa realmente pequeña es perfecta porque solo coloca en tu bolsa y siempre la tienes si la necesitas, entonces dure hasta vamos a hablar de relleno negativo. Y esto básicamente es simplemente quitarle la luz a la escena. Entonces en lugar de agregar luces extra o suavizar las luces que vamos a quitar la luz. Entonces si sostienes algo blanco o reflexivo a tu sujeto, entonces vas a conseguir que la luz se derrama de nuevo sobre ellos. Pero si sostienes algo negro a tu sujeto, esencialmente lo que esto está haciendo es bloquear la reflexión, rebotando de nuevo sobre tu tema. Entonces vamos a conseguir un poco más de sombra en el lado de la cara. Ahora esto es realmente beneficioso porque va a ayudar a dar forma a la iluminación en el rostro de tu sujeto. Y esto nos va a dar más contraste, y por lo tanto va a hacer que tus metrajes se vean más cinematográficas. Nuevamente, puedes obtener hojas realmente grandes de relleno negativo. Se puede conseguir unas hojas negras pop-up realmente grandes. Podrías usar uno de estos pequeños filtros pop-up. O alternativamente, puedes simplemente sostener una chaqueta o algo negro Nexi tu sujeto. Y eso sólo va a quitar algo de esa luz en un lado de su cara. Por supuesto, sin embargo, si no quisieras la molestia de pelear con el sol y usar rebote negativo falla y difusión. Entonces puedes simplemente filmar en un día nublado y vas a conseguir una iluminación suave realmente agradable. Por supuesto, si estás filmando por dentro, entonces también puedes aprovechar las luces naturales. No coloque a su sujeto en la esquina de la habitación. Colóquelos junto a una ventana, angularlos ligeramente hacia la ventana, y luego filmarlos. Y se va a quedar genial. tu cámara y a cada cámara del planeta le encantan las luces. Cuanto más luz pueda obtener, mejor resultado va a pagar. Así que intenta evitar poner a la gente en rincones de punto en la habitación o filmar afuera por la noche donde no hay luz diurna disponible para ti. Aprovecha al máximo las luces diurnas porque tu cámara me va a dar las gracias por eso con unas imágenes cinematográficas realmente geniales. 21. Iluminación de tres puntos: Ahora, digamos que estás filmando por dentro y sí tienes acceso a las luces. ¿ Cuál es la mejor configuración de iluminación y cómo uso estas luces para crear un resultado realmente agradable? Lo que suele ser la configuración estándar de iluminación go-to es la iluminación de tres puntos. La iluminación de tres puntos, como probablemente adivinaste, es una configuración de iluminación que utiliza tres luces. Ahora en esta configuración actual aquí, solo estoy usando en realidad unos sets de iluminación de dos puntos en lugar de un tres. Y la razón es porque me gusta el look un poco más moodioso. Si añadí una tercera luz a la escena, toda mi cara estaría adecuadamente expuesta por do bastante como este look ligeramente moodista en este ejemplo. Entonces aunque te voy a mostrar la configuración de iluminación de tres puntos también es realmente útil para mezclar un poco las cosas, experimentar con diferentes configuraciones de iluminación, sacar luces y mover luces alrededor y crear que funcione para ti. Pero con todo lo dicho, saltemos a la configuración de iluminación de tres puntos. Por lo que la configuración de iluminación de tres puntos siempre comienza con tu luz clave. Ahora tu luz clave son tus luces principales. Esta es tu gran fuente de luz y esto está justo fuera cámara y él es el lysing el sujeto. Debe estar en un lado de su cara. A continuación, vamos a traer luz de llenado apagado. Y esta es una segunda luz del otro lado de la cámara Eso va a llenar las sombras. Entonces esencialmente en este punto tienes dos luces delante de los sujetos, una a cada lado de la cámara. También vale la pena señalar que generalmente tu luz clave debe ser más brillante de lo que llenarás las luces. Por lo que primero la luz debe ser más brillante que las segundas luces. Y entonces nuestra tercera luz en esa configuración de iluminación de tres puntos es una luz de fondo o una luz de pelo. Entonces el problema es que si iba a apagar mis luces traseras en la escena, como pueden ver, no hay verdadera separación entre yo y el fondo. Por lo que agregar en una retroiluminación es una forma realmente genial de agregar separación entre tu sujeto y su fondo. Entonces tu retroiluminación es solo una luz que colocaste detrás de tu sujeto. Lo colocas justo fuera de la cámara o como lo he hecho en mi ejemplo, puedes montarlo ligeramente justo encima del marco y tenerlo angulado hacia abajo. Se quiere tratar de evitar meterlo en el marco si se puede. Pero básicamente lo colocas fuera de los disparos y lo brillas en la parte posterior del sujeto para que atrapa su cabello y crea este bonito destellos a su alrededor. Esto te va a dar realmente buena separación entre tu sujeto y tus antecedentes. Y esto es realmente importante también. Si estás filmando a alguien contra un fondo oscuro, agregando estos faros, estos hacia atrás en tu escena te va a dar esa separación, que hará que tus sujetos salten de tu escena. Por lo que la configuración de iluminación de tres puntos consiste en tres luces, luces clave, luz de llenado, retroiluminación. Para tres luces, puedes conseguir una nulla de configuración realmente genial explicada antes de que no solo vaya a 3 por cada configuración de iluminación. Intenta experimentar con tu iluminación y sacar una de estas luces. Como se puede ver en este ejemplo, esto sólo está usando dos luces y me está dando un poco de sombra a este lado de la cara, que creo que funciona en este ejemplo. Por supuesto, siempre se aseguran de que tu iluminación esté funcionando con tu proyecto. Y asegúrate de que si estás creando un video realmente brillante y vibrante, entonces no estás creando sombras en un lado del facial, creando una mirada realmente bonita y hermosa en tu talento. 22. Trabajar con iluminación práctica: Y luego, por último, voy a hablar de iluminación práctica. Ahora, el lysing de partículas es básicamente solo la iluminación en la escena. Entonces en este ejemplo, iluminación práctica sería esta luz aquí atrás. Y luego tienes estas cuatro luces de tira por aquí. Por lo que se trata de luces prácticas, luces que se pueden ver. Y estos te van a ayudar a agregar carácter y profundidad a tu escena. Por lo que la iluminación práctica es realmente útil para darle profundidad de disparo. Si colocas un bulto todo el camino en la parte posterior del disparo y enciendes eso. Te va a dar un tiro con tanta profundidad porque ahora podemos ver qué hay ahí atrás. Esencialmente, no estás tratando de ocultar estas luces. Estás tratando de hacer estas partes de tu escena y traer zanahorias o en tu video. Cuando se trata de iluminar con tu llave, tu relleno, y tu retroiluminación, quieres intentar evitarlos. No muestres estos en la toma, pero con tu iluminación práctica, tus lámparas, tus sombras de lámpara, lo que quieras agregar a la escena, en realidad estás agregando carácter y por lo tanto creando profundidad en tu escena. Así que apóyate en la iluminación práctica y úsalo para realzar el aspecto de tus videos. Se puede ver si apago estas prácticas luces, esta cosa se vería muy aburrida. Entonces van, he apagado todas las luces prácticas de la escena. Tengo mis luces de llave aquí arriba, tengo mis luces traseras allá arriba. Pero he apagado todas las luces prácticas y la escena de repente se ve realmente aburrida. No hay personaje y no hay sabor. Así que aprovecha al máximo la iluminación práctica para agregar carácter y sabor a tu escena. 23. Sonido: Como probablemente se pueda notar por todos los micrófonos y equipos de sonido que me rodean en este momento, en esta lección, estamos hablando de sonido. Ahora el problema es que cuando comienzas a hacer videos por primera vez, la tentación es enfocarte en los visuales y solo en los visuales, porque cuando ves visuales cinematográficos, instantáneamente piensas que eso es profesional. Pero el problema es que el sonido siempre se pasa por alto y el sonido es el 50% de tu video en el sitio es video. Un lado es sonido. Y si tienes un gran metraje cinematográfico, pero el audio es terrible, entonces desafortunadamente tu video, nos veremos poco profesionales y una luz de relleno. El motivo por el que muchos cineastas aficionados o principiantes cometen este error es porque el sonido puede ser bastante intimidante para empezar. O al menos eso es lo que piensa la gente. Capturar audio de gran calidad es más sencillo de lo que probablemente pienses. Esencialmente la punta para ello es conseguir un micrófono. No importa qué micrófono sea. Basta con acercarlo lo más a la persona que habla como sea físicamente posible. Entonces eso significa que el micrófono incorporado en tu cámara no lo va a cortar. No puedes confiar en el micrófono de tu cámara para grabar un gran audio. El micrófono que se acaba de utilizar como referencia. Entonces si necesitabas escuchar algo genial, si necesitabas sincronizarlo con tu audio profesional, entonces eso está ahí como referencia. Pero en realidad no usarías el micrófono de tu cámara para grabaciones de audio de alta calidad. Entonces, ¿qué usarías? Bueno, aquí hay una gama completamente diferente de micrófonos y equipos. Y te voy a hablar a través de todas estas opciones, pero solo recuerda, independientemente de la opción que elijas, la regla número uno es acercarte al micrófono a la persona que habla. Puede ser un micrófono escopeta, un micrófono vocal, un micrófono lavalier. Puede ser un micrófono inalámbrico, puede ser una grabadora de audio, puede ser un teléfono, puede ser un teléfono, lavalier, micrófono, sea lo que sea, solo hazlo bonito y ciérralo. Y te garantizo que obtendrás audio de gran calidad. Entonces déjame pasarte por todas las cosas diferentes que tengo en esta mesa y hablarte de cuándo y dónde usarías cada una diferente. Entonces, empecemos con este. Este es el micrófono con el que he estado hablando durante todo este curso, y este es el Shore SM7B. Se trata de un micrófono vocal de gama alta, y esto se utiliza para este tipo de videos. También se utiliza para la voz sobre el trabajo. Pero generalmente en video, esta es una fuente de ambiente donde vas a ver esto. Normalmente también ves esto en podcast también. Y la razón por la cual es porque produce un sonido realmente claro. Suena increíble. Pero la cosa es que si tuviera que dar un paso atrás y hablar con este micrófono, no sonaría tan bien. Ahí vas. Estoy de vuelta aquí. Y a pesar de que este brillante micrófono suena genial cuando estoy cerca de él, desafortunadamente, cuando estoy todo el camino de vuelta aquí, simplemente no suena bien. Pero cuando estoy así de cerca, de repente es increíble micrófono. Simplemente suena increíble. Ahora este tipo de micrófono tiene que estar realmente cerca de la persona que habla. Como se puede ver, esto ha estado en la tienda durante todo el curso. Y la razón por la que la suerte que acabo de demostrar es porque si sacáramos esto del refugio, no sonaría nada bueno. Por lo que este tipo de micrófono solo es genial en estos tipos de videos más casuales. Si estuvieras haciendo una entrevista profesional, por ejemplo, y no quisieras ver el micrófono, entonces esta no sería opción a elegir. Entonces eso nos lleva al micrófono de la escopeta o al micrófono de la pluma. Y ese es este micrófono de aquí. Y es el mismo tipo de historia. Cuando estoy así de cerca, suena increíble. Pero cuando voy por aquí, simplemente no suena cerca de tan bueno. Ahora bien, este micrófono es realmente bueno porque puedes sacar esto fuera de tus tomas como, como puedes ver, a pesar de que puedes ver este cable en la forma en que el micrófono sale a la tienda, pero aún suena genial. Ahora bien, este es típicamente el tipo de micrófono que usarías si estuvieras haciendo una entrevista. Estos micrófonos son ligeros y son realmente buenos para agarrar los sonidos frente a ellos. Muchos micrófonos de escopeta también rechaza el sonido que entra desde un costado o la parte trasera del micrófono. Entonces si estoy hablando con este micrófono, estoy hablando al frente de esto. Suena genial. Pero al segundo que voy al costado de este micrófono, pesar de que estoy igual de cerca, todavía no suena cerca de tan bueno como si estuviera por aquí. Entonces como puedes ver, esto sería realmente bueno para trabajos de localización. Entonces si estabas afuera o en un estudio y habia otro ruido pasando en el estudio. Esto sería genial porque rechazaría parte de ese ruido exterior, como dije antes también. Se puede montar esto fuera del marco y se puede ocultar por completo eso de la toma para que no se vea ningún micrófono en tiro. Por lo que es probable que vaya a este micrófono y más de lo que iría al micrófono V6. A pesar de que cuando estás así de cerca, éste sí suena posiblemente mejor. El siguiente es el micrófono lavalier inalámbrico. Tienes un lo transmite con un micrófono y tienes un receptor, y el receptor se conecta a una grabadora de audio. Ahora, la persona que lleva la capa de nivel con este transmisor, solo pueden tomar este cable. Pueden ponerlo debajo de su ropa y solo pueden hacer clic en eso en su ropa. Y ahora estás escuchando el audio desde el micrófono lavalier. Ahora lo grandioso es porque se trata de un micrófono ponible. No importa adónde vaya. Entonces si voy todo el camino de vuelta aquí, pesar de que estos micrófonos no sonaban bien. Ahora, este micrófono Todavía suena genial porque está unido a mí dondequiera que vaya. Este micrófono también va y suena genial. Entonces como puedes decir, encantadores micrófonos van a ser la opción que vas a buscar. Si estás sujeto a moverte. Entonces tal vez estás haciendo una toma de la persona caminando por el camino y luego hablando con cámara. Aquí es donde me encanta LA sería útil porque no tienes que montar uno de estos micrófonos. Simplemente puedes dejar que el sujeto camine y ser libre. El problema con estos encantadores y micrófonos sin embargo, es porque son inalámbricos, en realidad pueden interferir con otras señales. Por lo que podrías conseguir si abandonas o podrías obtener alguna interferencia. O alternativamente, pueden frotar contra la ropa o el pecho o la piel o el vello del pecho de la persona. Y ese sonido no suena gracia en absoluto. Por lo que tienes que asegurarte de que esto se coloca perfectamente en tus temas. Se puede conseguir algo llamado F invisible, que es lo que se monta este amor para quitarle el pegajoso. Entonces como puedes ver, este es un amor invisible y básicamente es solo esta billetera de silicona en la que el micrófono puede sentarse. Simplemente puedes pegarle esto al interior de tus asignaturas enseñadas o sus chaquetas o donde sea que lo estén usando. Y realmente va a reducir el sonido de ese frote. Tan encantadora matriz de calificaciones si necesitas un sujeto para moverte, pero pueden abandonar. El micrófono de escopeta es una opción realmente genial y es realmente bueno para sacarlo al marco porque llega al sonido. Pero si quisieras usar esto en movimiento, entonces tendrías que sostenerlo y solo se pone un poco molesto. Y el micrófono de nicho Judea suena genial, pero sólo se puede usar realmente es proximidad cerrada. Por supuesto, sin embargo, si quisieras usar el micrófono de la escopeta fuera y por ahí, podrías usar un convertidor inalámbrico. Mira que conectas esto al backend del micrófono de la escopeta, y por lo tanto, este micrófono se vuelve inalámbrico. Para que no tengas que preocuparte por que los cables se toquen con una grabadora. Podrías simplemente sostener esto de forma inalámbrica por encima de tus sujetos, o incluso pueden sostenerlo en el fotograma y pueden grabar el audio de forma inalámbrica de esa manera. Ahora cuando sí tomas tu micrófono de escopeta y lo conviertes en un micrófono inalámbrico, ¿qué hace? Lo mismo que un lavalier. Por lo que funciona con un receptor y el receptor graba en una grabadora de audio. Ahora, el registro de audio es probablemente uno de los grabadores de audio más utilizados en el mercado. Ahora es bastante viejo. Es el Zoom odio Fortran. Y como puedes ver, tiene estos dos puertos en la parte inferior, pero también tiene su propio micrófono. Por lo que podría usar esto para grabar su audio de su laboratorio o de su micrófono inalámbrico. O podrías enchufar este micrófono aquí también. O alternativamente, puedes simplemente sostener esto y hablar con el micrófono así. Y entonces por supuesto, la opción más amigable con el presupuesto es usar este micrófono de solapa de teléfono. Entonces esto es lo mismo que un micrófono lavalier. Simplemente enchufa esto a tu teléfono. Y en lugar de tener esta cara caja de micrófono, esencialmente, solo tienes que enchufar esto a tu teléfono y luego solo puedes usar la aplicación de grabación de voz en tu teléfono. Esto a tus sujetos, y vas a conseguir ese audio realmente agradable de alta calidad. Creo que esto son 50 libras. Un decente micrófonos escopeta probablemente va a costar 100, esto es 300. Un buen sistema de nivel S va a costar en cualquier lugar entre uno a 400. Esto es alrededor de 200. Y entonces esta cosa de aquí es alrededor de doscientos, trescientos también. Por supuesto que lo son, había opciones mucho más baratas en los mercados disponibles para ti. Simplemente haz una búsqueda rápida, busca micrófonos, micrófonos escopeta, micrófono de estudio, micrófono lavalier inalámbrico. Encontrarás grandes opciones en Amazon o sitios web similares. Apenas la regla número 1 cuando se trata de tu micrófono, no importa qué micrófono estés usando. Simplemente consúltalos agradables y cercanos a la persona que habla. Ahora en algún momento del futuro, voy a crear un curso o un episodio de larga duración hablando todo sobre cómo obtienes audio realmente de alta calidad, cómo monitorizar tus niveles. Pero por ahora, lo mejor que puedo decirte es solo conseguir un micrófono, acercarlo a la persona que habla, y usar eso en lugar del micrófono de la cámara. Y al instante hay que tener un gran audio. 24. Summary, cuestionario y Outro: Ahí vas. Ahora estamos al final del curso. Entonces si has llegado a este punto, entonces hemos hablado todo sobre los ajustes que debes usar en tu cámara. Hablamos todo sobre el enfoque y cómo enfocar manualmente tu cámara. Hablamos de técnicas de composición y encuadre, movimiento de cámara, iluminación, y también hemos cubierto el sonido. Por lo que en este punto del tiempo, deberías estar lo suficientemente cómodo como para salir por ahí y empezar a filmar algunos videos geniales. Avanzando, voy a producir una versión más avanzada de este curso para enfocarme en algunas técnicas más avanzadas y más específicas. Pero por ahora, esto debería ser perfecto para empezar. Ahora antes de que te alejes de esta lección, tengo un rápido quiz de tres preguntas para que respondas. Pregunta número 1. Si fuera a disparar en cámara lenta, ¿qué le haría a las velocidades de fotogramas, lo aumentaría o lo disminuiría? Pregunta número 2, ¿cuáles son los nombres de las tres luces en una configuración de iluminación de tres puntos? Y pregunta número tres, ¿cuál es el nombre de su disparo? Si conoces las respuestas a esas tres preguntas, entonces solo deja tus respuestas en la sección de comentarios. Yo también estoy aquí. También podría echar un vistazo al siguiente curso, y ese es el curso de Adobe Premiere Pro. Por lo que sigues este curso, tienes tu increíble metraje cinematográfico hermoso. Pero, ¿cómo lo editas? Bueno, utilizas Adobe Premiere Pro y si sigues ese tutorial, aprenderás a importar tus secuencias, editarlas en una secuencia en los efectos en tus secuencias y luego exportarlas a un archivo de vídeo terminado. Entonces si tienes curiosidad por editar en Premiere Pro, eso adelante y echa un vistazo a ese curso. Pero ahí tienes. Eso es todo para el curso de introducción al cine. Muchas gracias por ver esta lección. De verdad aprecio tu apoyo y ojalá te vea en la siguiente lección o en el siguiente curso. Nos vemos entonces.