Guía del nuevo fotógrafo: composición, haz mejores fotos con cualquier cámara digital

1. Introducción: A lo largo de esta clase, te enseñaré Técnicas de composición de fotografía que puedes utilizar para hacer fotos más convincentes, más interesantes para ti, tu familia, o tu trabajo. Soy Sheila para Drucker, dueña de la fotografía Tierra y Cielo. Soy un retrato de eventos en la naturaleza fotógrafo. Y estoy muy emocionado de compartir con ustedes consejos y técnicas que he aprendido en mi viaje fotográfico. Esta es la primera clase de una serie de cuatro partes diseñada para fotógrafos, especialmente principiantes, que quieran aprender habilidades y técnicas que les ayudarán a mejorar sus fotos. Y lo mejor es que no necesitas equipo caro. Cualquier cámara digital funcionará. Un smartphone, puntar y disparar, DSLR, lo que sea que tengas. Esta clase se enfocará en cinco técnicas de composición, regla de tercios, líneas de liderazgo, simetría y equilibrio, contraste y encuadre. Al final de esta clase, tendrás una comprensión mucho mejor de estas técnicas a medida que las aplicas mientras completas el proyecto de clase. Esta clase es genial para los aficionistas, para el fotógrafo familiar, y para cualquiera que necesite usar fotos en sus presentaciones de trabajo, las habilidades que aprendas serán una base para un mayor aprendizaje en tu fotografía viaje. Nos vemos en la siguiente lección donde hablamos del proyecto de clase. 2. PROYECTO DE CLASE: Para el proyecto de clase, se te invita a hacer al menos un feto y utilizando una o más de las técnicas compositivas que aprenderás en esta clase. Publica tus fotos en la galería del proyecto junto con comentarios sobre lo que hiciste que fue diferente en la foto, cómo aplicaste las técnicas y cosas así. Se te anima a incluir obras en curso, ideas y experimentos. Estoy muy emocionado de ver tus proyectos. 3. Convierte a la cuadrícula: regla de los tercios: La primera técnica de composición de la que hablaremos es la regla de los tercios. El regla de tercios se desarrolló a partir de la sección dorada, una proporción o proporción matemática desarrollada por los nerds matemáticos griegos hace más de 2 mil años. Esencialmente, es una cuadrícula que divide tu marco en nueve cajas iguales con dos líneas verticales y dos horizontales. La mayoría de las cámaras digitales y las aplicaciones de cámaras de teléfonos inteligentes tienen una cuadrícula integrada en el software que puedes usar para aplicar sobre tu pantalla para ayudarte a tener la sensación de posicionar a tu sujeto. Los sujetos suelen ser más interesantes cuando se colocan a la izquierda o a la derecha en el marco en lugar de en centro muerto. Los sujetos centrados pueden funcionar. Simplemente tiende a ser un poco estático y no tan comprometido. Veamos algunos ejemplos de cómo funciona la regla de los tercios. En una foto. El arremolinamiento de la nieve en la luz de la calle es el tema de esta foto. El me moveré por la imagen, luego volveré a círculo al sujeto. El sujeto está en el recuadro central superior y en la cuadrícula. El ojo viaja a la luz distante en el cuadro central izquierdo, luego a la reflexión sobre la roca en el cuadro inferior derecho. El espectador se dedica a la escena por más tiempo. Para una mejor conexión. Es como tener una conversación. El cruce de líneas o puntos de interés. En esta foto, las líneas de punto de interés se cruzan en la cara del hombre. Todo el sujeto es el caballo y su jinete tiene un hoyo ahí. colocación a la derecha de la imagen les da espacio para moverse en la dirección implícita del viaje. Los paisajes pueden ser particularmente desafiantes a la hora de aplicar la regla de los tercios. Esta es una de esas veces en las que quieres preguntarte, es realmente aplicable a esta escena la regla de los tercios? ¿ Dónde funcionaría mejor otra técnica compositiva? Hay un concepto de considerar con paisajes y esa es la colocación de horizonte. Rara vez es buena idea colocar el horizonte en el centro del marco. Divide la imagen por la mitad, arriba e abajo. Con el fin de poner énfasis en el cielo. Mover el horizonte a la línea inferior en la regla de la rejilla de tercios. Si el primer plano es más interesante que colocar el horizonte en la línea superior de la regla de los tercios. En ocasiones la regla de los tercios no funciona. Esto puede ser especialmente cierto para retratos o vida silvestre cuando el sujeto está mirando directamente al barril de la lente, como podemos ver con este retrato de este doc. Esta es una ocasión en la que una imagen centrada funciona muy bien. Lo más importante que hay que recordar sobre la regla de los tercios es que no es una regla dura y rápida. Se trata de una guía. Puede haber otras técnicas compositivas que funcionarían mejor la regla de los tercios al controlar al componer tu escena. La siguiente técnica compositiva que veremos es las líneas principales. Nos vemos en la siguiente lección. 4. ¡Lineales de caligrado! Líneas principales: La siguiente técnica compositiva de la que hablaremos son las líneas de espera. principales son líneas en una fotografía que se utilizan para llamar la atención del espectador hacia un punto focal específico. Por lo general, su sujeto. Las líneas principales pueden ser cualquier cosa, podrían ser vías del ferrocarril, podrían ser una línea de cerco, podrían ser troncos caídos, camino, cualquier cosa que guíe el ojo del espectador en un viaje por tu fotografía. ¿ Cómo se usan las líneas de liderazgo en una imagen? En primer lugar, usted, por supuesto, identificaría cuál va a ser su materia. Y luego repasa tu escena, mira a tu alrededor y mira si hay algo que pueda usarse como línea de liderazgo. Como se mencionó, ¿hay elementos que podría utilizar? Las vías del ferrocarril, los árboles del camino, hasta las sombras del sol entrando. Todas estas cosas son elementos potenciales que podrías usar como línea de liderazgo. Los rayos de sol y las sombras pueden crear elementos de línea principal. En esta foto, el riel, la sombra del riel, y el borde del camino llevan el ojo del espectador al sujeto caminando en el camino a cierta distancia. Asegúrate de tomarte tu tiempo mientras posicionas tu cámara en diferentes ubicaciones, diferentes ángulos, alto, bajo, lo que sea. Para asegurarte de que estás utilizando tus líneas de liderazgo a lo mejor para enfatizar tu tema. Y también ten en cuenta que probablemente no vas a clavar el tiro en uno, tomar la fotografía y sólo estamos mirando es en realidad el resultado de varias visitas a ese lugar en particular, ese camino a la misma hora del día y alrededor de 20 tiros. Y como yo era sujeto en esa fotografía en particular, tuve que correr adelante y ponerme en posición de posar, y así sucesivamente. Experimenté con diferentes ángulos de cámara, bajos, paisajísticos , verticales, diferentes ajustes en la cámara, y diferentes posiciones en el camino hasta que sentí que tenía la composición. Simplemente escribe. Las líneas de espera son herramienta compositiva que puedes usar para llamar la atención sobre tu tema, para guiar el ojo del espectador a un punto específico de tu imagen. A continuación, veremos cómo se puede utilizar la simetría y el equilibrio en la composición. 5. Simetría y equilibrio: Una imagen simétrica es equilibrada, pero no todas las imágenes balanceadas son simétricas. Déjame mostrarte. Cementerio es a veces referido como equilibrio formal. Ambos lados de la imagen tienen igual peso visual y el efecto es obvio para el espectador. Las tres velas reflejadas en el vidrio de abajo es una imagen muy equilibrada. También, las grúas de cerro de arena en este paisaje donde hay reflejo en el agua también crea una imagen equilibrada. El ojo del espectador se dibuja a través de una imagen equilibrada por igual sin descansar en 1 de interés. El equilibrio visual aporta estabilidad y armonía a una imagen. Y la imagen desequilibrada, sin embargo, puede sentirse muy enérgica y dinámica. Una vez que entiendas por qué una imagen está balanceada o desequilibrada, puedes usar intencionalmente esta herramienta en tu storytelling fotográfico. El tamaño, el color y la posición de un objeto en el marco influye en su visual. Espera, déjame mostrarte. En esta imagen las cajas centradas y equilibradas. Al igual que la caja, la apuesta Quayle está centrada haciendo decir esto, imagen equilibrada. Aquí tenemos dos cajas de igual tamaño y color, dándoles igual peso visual. El peso visual es la percepción basada en el tamaño, colocación, la ligereza relativa o la oscuridad de un sujeto. Esta foto de aves en un comedero está balanceada porque las aves cooperativamente se arreglaron a uno a cada lado con una en el centro. Ahí la colocación es equilibrada. Las cinco aves son del mismo tamaño y aproximadamente los mismos colores claros. Esto se une para una imagen visualmente equilibrada. Se puede agregar peso visual colocando objetos más lejos del centro. El cuadro derecho se coloca lejos a la derecha, arrojando la imagen fuera de equilibrio, pesar de que ambas cajas son de igual tamaño y color. De igual forma, las Dos Torres en esta foto crean una imagen desequilibrada. Ambos del mismo tamaño y color. Pero la colocación da la imagen y sensación desequilibrada. El contraste entre la luz y la oscuridad crea equilibrio. Los colores neutros y más claros son más ligeros que los colores más oscuros o más brillantes, que llevan más peso visual. Tenemos aquí una pequeña caja oscura y una caja de color claro más grande. Esta es una imagen equilibrada. El cuadro más oscuro de la izquierda, pesar de que es más pequeño, pesa visualmente más que el cuadro más claro de la derecha. Por las mismas razones, esta foto paisajística fue balanceada. El árbol más oscuro de la izquierda es más pesado visualmente que la cubierta de madera de color más claro de la derecha. Cambiar el color de las cajas a rojo y amarillo produce una imagen equilibrada debido a la lectura Ser un color visualmente más pesado que el amarillo. De igual forma, el óxido rojo en la cadena y esta imagen lleva más peso que la marcha verde. El equilibrio y la simetría en una fotografía guían el ojo del espectador a través la imagen sin poner énfasis en un punto de interés específico. El color, el tamaño y la colocación de un objeto influyeron en el peso visual. Los colores más oscuros y brillantes llevan más peso visual que los más ligeros y de colores más neutros. Y hablando de colores y objetos más claros y oscuros, eso nos lleva a nuestra siguiente herramienta compositiva. Contraste. 6. Contraste: contraste es la diferencia entre colores o tonos. El color rueda es ampliamente utilizado en el arte para representar la relación entre los colores. Al mirar la rueda de color, es muy fácil determinar qué colores contrastan y qué colores son más complementarios. El color rueda se organiza agrupando colores en función de cómo se relacionan entre sí. Las flechas sobre las ruedas en el diagrama señalan diversos grados de contraste. Este diagrama se puede encontrar en los recursos. Mirar la rueda de color es fácil averiguar qué combinaciones tienen más contraste ya que estos colores se ubican uno frente al otro en la rueda. El rojo y el verde es el más común. Los colores también se pueden dividir en dos grupos. Cálido y fresco. Los colores cálidos son los rojos, las naranjas y los amarillos. Los colores fríos son azules y morados y verdes. Esta foto está en el lado fresco del espectro de colores con el azul, el color dominante en el cielo y el agua. La foto fue filmada alrededor de media hora antes de la puesta del sol. Por lo que los tonos cálidos de la hora dorada son recogidos por la hierba y el árbol en el medio suelo y las plumas bronceadas de las grúas de cerro de arena en primer plano. El contraste entre cálido y fresco está presente. No obstante, el tono general es muy fresco. Esta foto tiene contraste de cálido y fresco. El pasto bronceado en primer plano y el brillante árbol sicamore amarillo o colores cálidos en contraste con el fresco suelo medio del Juniper verde y las frescas nubes de tormenta azul en la distancia. contraste tonal es la diferencia entre brillante y oscuro en una imagen. Y es particularmente relevante en imágenes en blanco y negro. Un contraste tonal se divide en Heikki e imágenes discretas. Las fotos de Heikki son muy brillantes con pocas sombras. Por ejemplo, el primer plano nevado es brillante con muy pocas sombras. fotos de Loci tienen más sombras, por lo que el contraste entre la luz y la oscuridad es más llamativo. Esta foto de la mano de un guitarrista a la sombra de la cabeza de afinación crea una imagen de contraste muy fuerte. Los colores que están uno al lado del otro se llaman analagosos. Colores. Tener pocos colores mantiene la imagen simple y el efecto puede ser bastante dramático. Los colores de este termómetro galileo, o rojo, azul y morado, todos los cuales están uno al lado del otro en la rueda de color. Azul y rojo hacen morado. Por lo que esto funciona bastante bien con la iluminación púrpura en el fondo. La textura es otra forma de crear contraste. En esta foto, el ladrillo de adobe áspero se contrasta con estuco liso y de color más claro. fondo borroso crea textura visual. El sujeto afilado y enfocado contra el fondo suave y fuera de foco. Las distracciones en el fondo son difuminadas usando profundidad de campo, lo que hace que esta cardenal norte femenino destaque sobre el fondo muy suave. El contraste se puede utilizar para transmitir el estado de ánimo. Imágenes de alto contraste están llenas de energía. Este cierre de relámpagos transmite emoción y tal vez sólo un poco de peligro. En resumen, se puede lograr contraste entre colores, tonos y texturas. Estos son elementos que ayudan a contar la historia. Ya que estás honrando tu viaje fotográfico. Mantén los ojos abiertos para contrastes en tu entorno. Color, aclarado, arco, texturas, cosas de las que hemos hablado. Y espero ver algunos de estos en sus proyectos de clase que hemos cubierto para técnicas compositivas hasta este punto. En la siguiente técnica compositiva hablaremos de este encuadre. Nos vemos en un minuto. 7. Encuadrar al sujeto: Enmarcar es, literalmente, mirar a través del visor y decidir qué vas a poner en tu lienzo. Esa es sólo la definición literal del encuadre. encuadre compositivo es el siguiente paso. Ese es el acto de ser intencional y mirar alrededor de tu escena para ver si hay algo que puedas usar para enmarcar a tu sujeto dentro de tu Canvas. Bueno, déjame mostrarte las montañas distantes y la banda de hojas naranjas en los árboles están enmarcadas por el marco de la ventana. Ahora esta casa de rancho abandonada, luego enmarcada nuevamente por las ramas en la parte superior izquierda y derecha de la imagen. El sombra a través de la imagen y completa el marco. Dentro de un marco. El encuadre da un contexto fotográfico y puede implicar ubicación. Da una sensación de profundidad y capas. Significa que el ojo del espectador hacia un punto focal y posiblemente lo mantiene ahí. A veces es lo que no puedes ver lo que llama la atención hacia tu punto focal. En esta foto. Disparando a través de una abertura y un muro de bloque, bloquea la vista de la calle y las casas. Entonces vemos a nuestro sujeto, un tipo entrar a los perros, emergió de la parte oculta de la escena, disparando a través de ventanas, túneles, ramas. Entonces en este caso, un hueco y un muro de bloques intriga al espectador. Dibujando en la historia. Un marco no necesita recorrer todo el camino alrededor de tu sujeto. Basta con uno o dos lados. Y puede ser bastante sutil. Esta mariposa reina está enmarcada por dos tallos verticales a cada lado con una hoja cruda arriba, completando el marco. Al usar el encuadre compositivo en tus imágenes, es una buena idea preguntarte, ¿esto va a sumar o restar importancia a mi imagen? A veces mirar a través de algo es simplemente desorden. A veces es mejor simplemente ir directamente a tu tema y usar una técnica diferente. Pero solo ten en cuenta mientras miras a tu alrededor y ves lo tienes en tus imágenes que podría ser capaz de usar y luego decidir, ¿agrega o resta? Nos vemos en la siguiente sección donde terminaremos algunos pensamientos finales. 8. Reflexiones finales: Gracias por tomar esta clase. Agradezco su tiempo. Hemos cubierto cinco técnicas compositivas en esta clase. Y tal vez te estés preguntando ahora mismo, ¿a dónde voy desde aquí? Cada vez que alineas un tiro, estás tomando decisiones. Esas elecciones se guían por las técnicas que has aprendido en esta clase. Aplicando estas técnicas, te convertirás en un fotógrafo mucho más intencional. Y lo estarás, tus fotos serán guiadas por considerar preguntas como, esta imagen es balanceada? ¿ Existen elementos que pueda utilizar para enfatizar mi tema? ¿ Qué colores veo? ¿ Cómo efecto el contraste mi imagen? ¿ Cómo puedo juntar esto para contar mi historia? Practica las técnicas de estas lecciones y tus fotos mejorarán. Y deportista practica, simulacros día tras día repetidamente, repetidamente, para que se convierta en segunda naturaleza en el juego. No es diferente con la fotografía. Practicas tus habilidades y se convierte en segunda naturaleza. Empiezas a ver tus imágenes de manera diferente. Y eso mejorará tus fotos. Y por último, y quizá lo más importante, no se desanime. Nadie es perfecto en esto a la vez. Y te diré, no todas las fotos son ganadoras de premios. Esa es sólo la forma en que es. Pero eso está bien. Lo importante es que estás aprendiendo, estás de viaje. En algún momento, vas a mirar atrás a tus fotos de hace seis meses, un año, y vas a ver cuánto has mejorado. El proyecto de clase te ayudará en tu viaje. Publica tus fotos, y con el tiempo, verás mejoría. Espero que se unan a mí en la próxima clase, segunda parte de esta serie, donde te enseñaré sobre ajustes de cámara que te ayudarán a hacer mejores fotos. Nos vemos pronto.