Composición de fotografía: un curso completo

1. Lección 1 Introducción: Hey, bienvenido al curso de composición de imágenes. Entonces, ¿qué es exactamente una composición? El término composición significa armar y puede aplicarse a cualquier obra de arte, desde la música hasta la escritura, hasta la fotografía. Y eso se arregla usando un pensamiento consciente. En esencia, la composición se trata de armar objetos en tu visor de tal manera que enfatice los bits que quieres, haciendo que destaquen de la manera correcta en tu fotografía. Estos objetos incluyen cualquier cosa en primer plano, el fondo, los que enmarcan la imagen, y lo más importante, la luz. En pocas palabras, la competencia es cómo los elementos de la foto están dispuestos dentro de sí mismos. Por lo que una composición puede estar conformada por muchos elementos diferentes, son sólo unos pocos. Es como el artista juntó esas cosas dentro de un marco que ayudan a que una fotografía se vuelva más o menos interesante para la vista. En pocas palabras, una buena fotografía tomará muchos caminos diferentes y los combinará en una composición estéticamente agradable es cómo un artista cuenta una historia dentro de los confines de un solo marco. Entonces, ¿por qué necesitamos aprender composición en primer lugar? Uno de los mayores problemas que encontramos con los fotógrafos aficionados es que no saber lo que se necesita para componer una gran fotografía. A menudo una fotografía o pasará largos días capturando fotos. Sólo dos escritos con un conjunto de imágenes con las que él o ella no está completamente satisfecho. Sharp, la iluminación, la exposición pudo haber resultado genial. Ah, la composición de las fotos deja algo que desear. En resumen, les falta el factor vol que ven en otros fotógrafos tomas. Por lo que innovar la competencia dirige el ojo del espectador. Puede crear imágenes realmente llamativas y agradables. La composición no se trata sólo de lo que hay en el marco, sino de la disposición visual de los elementos dentro del marco. Salta la historia que deseas transmitir a través de tus imágenes. Hace que tus fotos destaquen y la convierte en una gran imagen. Y no sólo un tiro aficionado. La composición es el fundamento sobre el que se construyen las grandes fotografías. Y un ojo para una buena composición te ayuda a encontrar tu estilo y a construir tu confianza como nota para otro esfuerzo. Recuerda, una gran imagen suele ser una mezcla de varios ingredientes, como la luz hermosa, el tema, el momento perfecto, el momento oportuno, el estado de ánimo. Pero lo más importante, es una visión personal y composición lo que más importa. De hecho, una vez que dominas el arte de la composición, sabes exactamente qué elemento se necesita para componer una gran toma antes de incluso tocar el botón del obturador. En consecuencia, te liberará para concentrarte en otros ingredientes, entra en hacer una hermosa fotografía. Entonces, ¿qué aprenderás en este curso en particular? El curso está construido con el objetivo de hacerte entender las diversas tuercas y pernos que van a crear una buena composición. En una fotografía, aprenderás los consejos y trucos que los fotógrafos profesionales utilizaron para crear una gran imagen diseñada entendiendo los diversos elementos que entran en componer una gran toma, como tipos de enfoque agudo, centro de interés, regla de tercios, colores, encuadre, textura, etcétera. Lo cubriremos todo. Lo más importante, también aprenderás a evitar los errores que suelen cometer los fotógrafos aficionados. Y por último, una vez que debes tener la composición, te liberará para que puedas enfocarte en otros ingredientes que vayan a crear una hermosa fotografía. Entonces, ¿a qué esperas? Estoy súper emocionado de verte dentro del curso. Empecemos. 2. Lección 2 Cosas que recordar en distancia: Composición. Entonces en la introducción entendimos el término composición significa armar. Y eso puede aplicarse a cualquier obra de arte, desde la música hasta la escritura hasta la fotografía. Y eso se arregla usando un pensamiento consciente. Por lo que la composición en términos de fotografía, no es más que una disposición agradable de elementos dentro de un mar. Y cuando hablamos de una escena, básicamente estamos hablando de tres elementos importantes. Uno, el tema principal de tu fotografía. En segundo lugar, el primer plano y el ajuste de fondo. Y por último pero no menos importante, los objetos de apoyo dentro de tu fotografía. Hablaremos de todo esto a medida que avancemos por el curso. Pero hay algo muy importante que necesitamos saber antemano antes incluso de empezar a hacer clic en nuestra primera fotografía. Entonces cosas a preguntar antes de tomar una fotografía y qué es lo que hay que tener en cuenta incluso antes de presionar el botón del obturador y hacer clic en una fotografía. En primer lugar, ¿tienes un tema claramente definido? Ahora, ¿qué quiero decir con eso? En fotografía? Como sujeto es simplemente el objeto que se muestra en la imagen. Pero una sola fotografía puede elegir varias cosas. Entonces, ¿cuál es el tema? El sujeto es el foco en la imagen, tanto literalmente como el punto más agudo de la fotografía como en sentido más figurativo. Entonces si estás mirando esta fotografía en particular en tu pantalla en este momento, puedes entender muy bien que la araña en esta imagen en particular es mi tema principal. Y por lo tanto observarán que está más enfocado en comparación con otros elementos dentro de esta fotografía en particular. Entonces, en otras palabras, el sujeto deja a los fotógrafos la decisión sobre aspectos como iluminación, composición, ajustes de exposición, y mucho, mucho más. Incluso la decisión de mantener una velocidad de obturación particular depende de si tu sujeto se está moviendo o quieto, e incluso la decisión de qué marco mantendrás mientras haces clic en tu fotografía también dependerá de conocer a tu sujeto de antemano. Y por lo tanto, el sujeto juega un papel esencial en la conformación de una imagen completa. ¿ Qué sentimientos intentas invocar? Algo que hace una gran fotografía es su capacidad para transmitir emoción. Emoción en una fotografía o cualquier obra de arte es lo que ayuda al espectador a conectarse con una pieza. Si esa emoción es prevalente para el espectador. Ahora, la emoción o un sentimiento es lo que puede sacar una instantánea de la oscuridad y hacerla brillar. Piensa en una imagen normal del atardecer desde una orilla de Hawaii con solo el horizonte y una brillante ley de inmersión del sol naranja. Ahora es hermoso con seguridad y aún mejor cuando se ve en persona. Ahora Pula vuelve a acercar a un ángulo más amplio y muestra a una pareja en una silueta sentada en las sillas de césped frente las olas y llegando el uno al otro para agarrarse de las manos. Ahora, diferentes personas se conectarán con cada foto de diferentes maneras, o tal vez no en absoluto. Aquellos de humor romántico disfrutarán de la foto de la pareja. Y esos sólo buscaban un ambiente tranquilo sin ninguna distracción, podrán disfrutar de esta singular puesta de sol. Y por último pero no menos importante, una de las cosas más importantes que uno necesita tener en cuenta antes de hacer clic tu fotografía es ¿cuál es la historia que intentas contar a tu público? La gente suele mirar una pieza de arte y esta historia de CS. Una mente humana siempre está tratando de llenar los espacios en blanco. Camina para darles algunas pistas y contar la historia dentro de tu fotografía. Entonces, al fotografiar cualquier cosa, busca la emoción y la acción que te ayude a crear una historia en la mente del espectador. El tema es definitivamente importante, pero también lo es todo lo demás dentro del marco. El fondo y el primer plano ayudarán a contar esa historia. Es el objeto donde esperarías encontrarlo, o está en un lugar inusual? ¿ Es por sí mismo o se destaca entre el desorden? Considera todo en tu fotografía. Y si no tiene razón para estar ahí, considera acercarte más o ajustar tu ángulo para eliminar cualquier distracción. Y cuando se trata de tipos de disparos, ten en cuenta que se puede hacer un disparo largo, un tiro medio, un primer plano, y un extremo de cerca al tomar una foto. 3. Lección 3 del centro de interés: En esta conferencia en particular, estaremos centrándonos más en algo que nos referimos como el centro de interés. Y para conseguir un buen sector de interés dentro de tu imagen, enfoque es algo que es muy importante. Ahora uno necesita ajustar los ajustes de distancia en la lente para definir el sujeto, que es su centro de interés, Shopee. Y básicamente uno debe tratar siempre de producir una imagen nítida con un centro de interés bien definido. Entonces si miras esta primera imagen en particular por aquí, observarás que la botella con estos purpurines es mi centro de interés, mientras que todo lo demás se ha difuminado. Y para eso, he utilizado el concepto de profundidad de campo. Eso es algo que hablaremos más adelante. Si estoy mirando esta segunda imagen a lo largo de un año, observarán que esta parte particular de mi imagen donde estas letras aman y este pequeño corazón particular se ha posicionado. Ese es mi centro de interés dentro de una imagen. Entonces, ¿qué básicamente es un centro de intereses? Entendemos eso. Por lo que básicamente el éxito de la mayoría de las fotografías depende de que haya un aspecto dominante el cual se conoce como el centro de interés y a veces referido como el centro de foco. Punto focal. Ahora, todas las buenas imágenes tienen un centro de interés, que es un punto que llama la atención de los ojos. Ahora algunas imágenes pueden tener un centro de interés muy natural. Pero identificar y colocar adecuadamente el centro de intereses es primordial para la composición de un cuadro exitoso. Entonces entendamos algunos de los puntos muy importantes mientras adelante y definamos un centro de intereses específico dentro de tu imagen. Ahora, cada imagen debe tener un principio, idea, tema, o centro de intereses al que los ojos del espectador se sienten atraídos automáticamente. cuadro sin un centro de interés dominante o con más de un centro de interés dominante suele ser desconcertante para el espectador. Ahora un espectador se confunde y se pregunta, ¿qué hace esta imagen todo arriba? Y cuando la imagen tiene uno y sólo un punto dominante de intereses, el espectador entiende rápidamente la imagen. lo que un fotógrafo suele tener muchos factores o elementos que pueden ser utilizados y dispuestos dentro de un área de imagen para llamar o dirigir la atención. Ahora algunos de estos elementos son líneas, formas, figuras humanas no, y textura. Hablaremos más de esto en las próximas conferencias. Ahora aquí te dejamos un consejo rápido que puedes tomar a mano antes de que terminemos esta conferencia. Por lo tanto, intenta evitar colocar a tu sujeto en medio del marco porque eso hará que la imagen no sea interesante de mirar. Dónde vas adelante y coloca tu centro de interés o tu tema principal es algo a lo que nos referiremos en los próximos temas. 4. Lección 4 de la regla de los terceros: Hey, bienvenido de nuevo. Por lo que en nuestra última conferencia hablamos sobre centro de interés. Y también mencionamos que en las próximas conferencias entenderemos a dónde vamos adelante y colocamos nuestro centro de interés? Se dio una propina en la que se mencionó que se debe evitar mantener el centro de intereses exactamente en el centro del marco. Porque eso en realidad hace que tu imagen se vea un poco poco poco interesante. Y ahí es donde entra en panorama la regla de los tercios. Ahora regla de tercios es una manera fácil de crear énfasis, equilibrio e interés en su trabajo. Entonces, entendamos qué es exactamente. Por lo que uno de los principios más fundamentales de la composición fotográfica es la regla de los tercios. De hecho, es una técnica de composición tan fácil reunir y sin embargo tiene un efecto muy poderoso en cualquier imagen. Y una vez aprendidas, sabes enmarcar adecuadamente tus fotos la manera que coloca a tu sujeto en uno de los deportes más atrayentes dentro del marco. Entonces, básicamente, lo que dice la regla de tercios es, divide el área de imagen en tercios, tanto vertical como horizontalmente. Y luego se mira en el centro de interés a una de las intersecciones de las líneas que están marcadas en OU verde. Ahora puedes entonces crear una sensación de equilibrio a tu composición. Echémoslo a través de algunos ejemplos más, ya sabes, dónde estás en tu pantalla es un ejemplo de las partes que se cruzan que conforman la regla de tercios. Se puede percibir cómo se utilizó la regla de los tercios en el siguiente ejemplo? Ahora déjame mostrarte eso. Ahora si observas que cuando aplicé la regla de los tercios a mi visor, la silla que es el tema o el centro de interés en esta imagen en particular, cae en la intersección de un rendimiento. ¿ De acuerdo? Y por lo tanto, hace que la imagen se vea mucho interesante en comparación con si la silla se colocó exactamente en el centro del marco. Echemos un vistazo a algunos ejemplos más por aquí y lo entenderás mejor. Ahora veamos este ejemplo particular por aquí donde se puede ver un barco navegando hacia el mar. Y si observas, mi centro de interés está exactamente colocado en el centro del marco. Y por eso, siento que esta imagen en particular me parece un poco poco poco interesante. Ahora sigamos adelante y ampliamos un poco este marco y aplicamos una regla de tercios. Y vamos a entender cuánta diferencia hace a esta imagen en particular. Por lo que los llevaré a esta siguiente imagen por aquí, y observarán que la regla de tercios se ha aplicado a lo largo de un año. Y por eso, mi sujeto ahora cae en la intersección de una de las líneas verdes por aquí. Y eso es algo que pone una vida más en este cuadro en particular. Se ve mucho más interesante y atractivo. Ahora veamos este ejemplo en particular. Hay vasta se ha jugado en algún lugar dentro de mi marco. Y observarán que hay mucho espacio vacío dentro de esta imagen en particular. Y eso es porque he ido adelante y aplicado específicamente la regla de los tercios a lo largo del año, que va por delante y coloca a mi sujeto en el punto de intersección de las líneas verdes. ¿ Lo estás? ¿ De acuerdo? Echemos un vistazo a algunos ejemplos más por aquí. De acuerdo, Ahora estamos por aquí. Se puede ver que hay un pequeño inserto a lo largo del año, que en realidad está gobernando una pequeña piedra o algún objeto dentro de la arena. Y luego por el lado derecho, puedo ver que hay una nave que es techo. Y observarán que si sigo adelante y aplico la regla de los tercios a lo largo de un año, una vez más, mis sujetos se colocan en puntos intersecantes interesantes. Entonces ahora debes haber entendido que simplemente deslizando tu sujeto sobre una de las líneas que se cruzan de la regla de la tercera cuadrícula, tu foto inmediatamente se vuelve más atractiva porque es impredecible. Alinear tu sujeto de esta manera mejora la tensión visual en la foto, haciéndola más interesante para el espectador. Y la tensión visual tiende a hacer para una mejor composición fotográfica. Y es por ello que una regla de tercios es tan poderosa. Es increíble cómo hacer un ajuste tan simple dentro de tu marco puede tomar una fotografía potencialmente aburrida y hacerla más dinámica de mirar. 5. Técnicas de ÉNFasis de lección 5: Hey, bienvenido de nuevo. Entonces en el mundo de la fotografía ahora hablemos de énfasis. El énfasis se define como una idea u objeto dentro de la obra que llama la atención y se convierte en un punto focal. El punto focal se refiere a un área en la composición que tiene la mayor significación e idea que el artista quiere llamar la atención como el aspecto más importante. El énfasis es uno de los principios de Arte y Diseño, que por supuesto también incluye la fotografía. Un principio suena complicado, pero en realidad es solo un marco para componer una imagen. Y eso es algo que vamos a enfatizar más y conseguir una buena comprensión en esta conferencia en particular o en ti. Entonces en la composición fotográfica, utilizamos principios del diseño para ayudarnos a crear una imagen cohesiva que en realidad cuente la historia, atraiga al espectador, mantenga la atención del espectador, y lo más importante, se vea bien. Y cualquier fotografía que estén en el mundo decidirá hacerlo a través de diversas técnicas. Entendamos en detalle cuáles son estas técnicas. Entonces, en primer lugar, entenderemos ¿cómo se puede seguir adelante y crear énfasis usando el color? Entonces veamos estas dos imágenes a lo largo de un año. Ahora puedes enfatizar el punto focal de tu foto limitando los colores de tu fondo para que solo el tema de la foto sea de color brillante. Y también puedes enfatizar el punto focal mediante el uso de colores complementarios también, como en el ejemplo a la izquierda, puedes observar que todo el fondo es en realidad de color blanco y negro. Pero mi enfoque principal está en estos donantes. Y por lo tanto observarás ese día sólo los que están apareciendo en formato o rueda coloreada. Y de igual manera, si miras esta imagen en particular hacia la derecha, es una imagen completamente en blanco y negro, pero quiero seguir adelante y poner el énfasis en el paraguas OU, y esa es la razón por la que he ido adelante y dado el tono rosa. Entonces lo que he hecho aquí es que he ido adelante y limitado los colores dentro mis fotografías para que los colores brillantes se vuelvan más prominentes y sean más visibles a simple vista. Un cambio de color puede crear un punto focal en un diseño. Cuanto más contrastante sea el cambio, más el punto demanda la atención del espectador. contraste más suave puede llamar la atención gradualmente de un área a otra. Tu elección de colores debe estar en consonancia con cómo quieres que tus usuarios procedan en tu página. Echemos un vistazo al próximo 0 año. Ahora si vas adelante y miras estas imágenes en tu pantalla, entenderás que he ido adelante y he hecho uso del valor del color a lo largo año con el fin de seguir adelante y crear un énfasis en ciertos elementos en estas fotografías. Ahora, cuando se utiliza un contraste claro y oscuro para crear un punto focal dentro de una composición, generalmente lo referimos como un énfasis. Usando valor. Valor define qué tan claro u oscuro es un color dado o puede ser. Los valores se entienden mejor cuando se visualizan como una escala de gradiente de la oscuridad a la luz. Cuanto más varianza tonal en una imagen, menor será el contraste. Cuando se usan tonos de valor similar juntos, también crean una imagen de bajo contraste. Ahora aquí podemos seguir adelante y mirar algunos ejemplos donde podemos seguir adelante y crear énfasis usando el método de encuadre. Ahora enmarcar en fotografía se refiere a la técnica de dibujar foco al sujeto en la foto al bloquear otras partes de la imagen con algo dentro del C. Ahora los marcos se pueden ubicar en el centro de la imagen, están al lado de su bordes. Entonces, en otras palabras, encuadre es una técnica que los fotógrafos usarían para dirigir la atención de los espectadores hacia el tema principal de la imagen. Como puedes ver en estas dos imágenes sobre ti y posicionar alrededor del sujeto un árbol y arco, o incluso personas, por ejemplo, pueden crear un marco dentro del área de la imagen. Entonces, por ejemplo, si miras esta imagen en particular, puedes ver que la cueva realmente está creando un efecto de encuadre dentro de mi fotografía. En tanto que si miras esta imagen en particular a lo largo de un año, puedes ver que la entrada al Taj Mahal realmente ha utilizado para seguir adelante y crear un marco en el que puedo ver a mi sujeto realmente entrando por ese entrada particular y moviéndose hacia el Taj Mahal. Ahora los sujetos encerrados por un marco se separan del resto del cuadro y por lo tanto se enfatizan. Ahora veamos el énfasis usando perspectiva. Ahora, Perspectiva en fotografía es importante porque crea una ilusión de una escena tridimensional. Perspectiva hace que un objeto mire más lejos, están muy cerca en relación con. Elementos en tu escena. Perspectiva en fotografía se define como el sentido de profundidad o relación espacial entre objetos en una fotografía junto con sus dimensiones con respecto a lo que ve el espectador del emisor. Por lo que para seguir adelante y crear un énfasis usando perspectiva, acércate al tema para una perspectiva más dramática, que también creará énfasis. Ahora pon la cámara en un ángulo bajo o más alto cerca del punto focal de la foto. Tú, por ejemplo, si miras estas dos imágenes, puedes entender que he ido adelante y creado un énfasis usando perspectiva poniendo la lente de la cámara muy, muy cerca de mi tema. Y al tomar la cámara en un ángulo más alto o más bajo cerca del punto focal de mi fotografía. Y si avanzas y miras estas dos imágenes en particular, puedes ver que hay elementos repetidos dentro de mis fotografías. Y si tienes un elemento repetido en tu imagen como escalera de lámpara de noche o cualquier cosa que se esté repitiendo a intervalos regulares. Entonces puedes seguir adelante y crear énfasis usando la perspectiva capturando los elementos que son más grandes y más cercanos a la perspectiva de la cámara. Ahora también podemos seguir adelante y crear un énfasis en nuestra fotografía haciendo el mejor uso de un espacio negativo. Espacio negativo es el área que rodea al sujeto principal en una fotografía la cual se deja desocupada. En pocas palabras, es el espacio alrededor del sujeto mismo el que ayuda a definir el espacio positivo. Cuando utilizas juntos creativamente, espacio negativo y positivo puede comunicar la composición de tu fotografía. Es decir, el uso del espacio negativo aumenta en gran medida la sensación de aislamiento del sujeto desde el fondo. espacio negativo enfatiza y define el tema principal de la foto y ayuda a dibujar la mirada del espectador hacia ella. Al desabarrotar la composición, le proporciona a la imagen espacio para que el sujeto se crie y se involucre con la vista. También se puede seguir adelante y crear un énfasis usando la textura dentro de su fotografía. Ahora los humanos son muy curiosos por el contraste de texturas ásperas y lisas dentro de una fotografía, y dibujará la mirada puramente por la diferencia. Ahora un buen fotógrafo puede mostrar énfasis usando textura mostrando un contraste entre diferente textura dentro de la fotografía. En los ejemplos anteriores, el punto focal, tienen más texturas, agrupan los fondos. En los ejemplos que puedes ver en tu pantalla, puedes observar que el punto focal que son estas chicas tienen más textura que los fondos que son o bien superficies lisas, reflectantes o rugosas. Al utilizar la textura para el énfasis, tenga en cuenta que una superficie texturizada caries más peso visual que la superficie lisa. Y para equilibrar estas áreas, hacer de la zona texturizada una parte más pequeña de la fotografía que esta otra olla. Ahora, como se puede ver en esta fotografía, a lo largo del año, la textura de la pared en el fondo contrasta con los modelos, piel lisa y brillante aquí. La poca profundidad de campo sirve además para crear un énfasis en el modelo a medida que se dibujan nuestros ojos, el foco de los objetos. Y también la separa completamente del fondo. No obstante, si tu objetivo es seguir adelante y crear un desequilibramiento tu fotografía, entonces, por todos los medios, permite que las superficies texturizadas dominen con áreas lisas más pequeñas. Incluso se puede seguir adelante y crear un énfasis usando formas y formas dentro de una fotografía. Ahora la palabra forma y forma en la fotografía a veces se usan indistintamente. No obstante, los términos suelen ser dos personajes visuales distintos. En términos básicos, una forma describe un área plana y cerrada del espacio. Ahora las formas se pueden construir con colores y líneas. Todas las formas están limitadas a dos dimensiones, ancho y largo. Ahora va. Y otras formas irregulares fluidas se conocen como formas orgánicas, mientras que las formas angulares como cuadrados y triángulos se conocen como formas geométricas. Ahora las formas en un arte visual difieren de forma porque se perciben como tridimensionales. Operan en ancho, longitud y profundidad. Las formas pueden ser geométricas o de forma libre sin delineación específica ni límite visual. La diferencia entre forma y forma es simplemente ligera. Cuando enciendes un sujeto, aparece más tridimensional por el contraste de la luz y la sombra en el sujeto. Sin engañar al sujeto, es puramente bidimensional en apariencia, y por lo tanto sólo es un cambio de siluetas y un gran ejemplo de usar la forma en la fotografía. El motivo por el que las siluetas son tan atractivas es porque normalmente no vemos objetos como estos son el hielo puede tomar en un rango dinámico mucho mayor que nuestras cámaras. Por lo que aparte del factor novedad de una silueta, el contraste de una forma muy oscura contra un fondo más brillante dibuja y muere. Entonces, en otras palabras, la diferencia entre forma y forma es simplemente ligera. Cuando se enciende el sujeto, aparece más de tres dimensiones debido al contraste de luz y sombra sobre el sujeto. Y sin sombrear a un sujeto, es puramente bidimensional en apariencia y, por lo tanto, sólo es una forma. Entonces, mientras que la forma y la forma en la fotografía juegan papeles diferentes, cada uno cultiva un nivel distinto de impacto y compromiso dentro de tu fotografía. 6. Lección 6 y ViewPoints: Ahora años una pequeña fotografía o secreto que voy a compartir con ustedes. Los ángulos de cámara y la fotografía tienen un impacto importante en cómo una foto hace sentir al espectador y el mensaje que galería. Te sorprenderías de cómo un simple que acabo de decir en tu ángulo con un sujeto puede transformar tu foto por completo. Y en esta conferencia en particular, aprenderemos cómo funciona esto y te ayudaremos a aprender a elegir los mejores ángulos de cámara para tus fotografías. Por lo que diversas posiciones de cámara pueden ser altas, medias o bajas, izquierdas, derechas o rectas, pueden dar un punto de vista diferente, perspectiva o un efecto visual a tu fotografía. Un punto de vista o ángulo de cámara adecuado es un factor importante en una buena composición. Y reposicionando su sujeto dentro del marco del visor y cambiando el punto de vista de la cámara. Nuestro ángulo de cámara son dos formas sencillas de controlar esa composición. Háganos saber de eso un poco con más detalle. Por lo que los ángulos de cámara son una referencia para ser las tomas están compuestas. Aunque interpretado de manera diferente por diferentes personas. Ángulo de cámara, en términos simples, se define como el ángulo en el que la cámara se enfrenta en relación con el sujeto. Ahora, los ángulos de cámara pueden dar a una audiencia e información emocional debido a que el ángulo de la cámara es esencialmente la relación entre la cámara y el sujeto. Entonces entendamos los diferentes ángulos de cámara en detalle. Entonces primero, hablaremos de la cámara a nivel de ojos. Pero este es el tipo más común de corto usado, ya que es el ángulo del mundo real al que todos estamos acostumbrados. Escogió el tema, ya que esperaríamos verlos en la vida real. ¿ Y eso es o un tiro neutral? Ángulo alto, un disparo de ángulo alto muestra que el sujeto de arriba a gamba está enojado hacia abajo hacia el sujeto. Y esto enojado tiene un efecto de hacer que el sujeto parezca menos poderoso o incluso sumiso. Ángulo bajo. Este disparo se toma desde abajo el sujeto y la cámara se enfurece hacia arriba con el sujeto. Puede darle al sujeto una sensación de poder y dominio en un tiro. a ojo de pájaro. Esta toma muestra al sujeto desde arriba directamente. Esta vista es antinatural y es muy diferente. Por lo que se puede utilizar para crear un efecto dramático, son para mostrar una perspectiva espacial diferente. También puede dar al público una sensación divina, que puede hacer que las cosas incluidas en lo agudo parezcan pequeñas y a veces incluso insignificantes. Una vista inclinada o inclinada holandesa. Ahora es aquí donde está la cámara. Bug estaba realmente dedicado a un lado para que el horizonte esté en ángulo. Ahora esto puede crear tanto un efecto interesante como dramático. Ahora las tomas que puedes capturar dentro de un fotograma pueden ser de diversos tipos. Vamos a entenderlos también, un poco en detalle. Por lo que el primero es un tiro largo extremo. Ahora en tiro largo extremo se puede retomar desde hasta un cuarto de milla de lo que estás fotografiando. Y es generalmente establecer un ajuste, a menudo llamado como establecer tiro al capturar una imagen en movimiento, Su distancia significa que se muestra muy poco detalle. De esta manera, este tipo de disparo se utiliza para dar una impresión general en lugar de dar cualquier tipo de información específica dentro de un año después de unirse. Un tiro largo. Un tiro largo es quizás el tipo de corto más difícil de categorizar. Pero generalmente se define como una carta de tamaño natural, que incluye un pantalón corto completo afilado, completo muestran todo un cuerpo humano desde la cabeza hasta sus pies. No obstante, los tiros largos no se limitan a engañar a corto. Disparo medio. Disparo medio suele involucrar a un sujeto siendo una persona. Y el disparo incluye partes de su cuerpo que tenían una bestia mafiosa que puede ser más de una persona en un aguijón medio. Pero si hay más de tres personas, tiende a convertirse en un agudo largo. Por lo que los punzantes con más de una persona se clasifican como variaciones de tiro medio. Un tiro de cerca. Un primer plano muestra muy poco fondo y muchas veces se enfoca en cara son algunos detalles específicos dentro de una escena. Todo como es muy a menudo se enfocan en segundo plano. Ahora este tipo de disparo se utiliza a menudo para magnificar algo. Nuestra muestra su importancia. Se puede utilizar para cualquier cosa, desde cartas sobre papeles hasta caras de animales, una fotografía o una puede usar un primer plano para hacernos sentir más o menos cómodos con alguien con la intimidad que se crea por el corto. A menudo se utiliza un lente de zoom con el fin de obtener el encuadre requerido para este tipo de tomas. Y tiro de primer plano extremo. Extreme close-up, como su nombre indica. Este tipo de su disparo es una versión extrema del corto de primer plano. Generalmente apuntando a magnificar el sujeto son algo dentro del marco hasta tal punto que el ojo humano no sería capaz de experimentar eso en la realidad. Por ejemplo, un primer plano extremo de una cara sólo mostraría una parte del rostro como una boca o ojos sin ningún detalle de fondo. Se trata de un tiro muy artificial. Por lo que se puede utilizar para crear diversidad y un efecto dramático. El enfoque debe ser muy agudo con este corto. Por lo que es importante que el afilado esté configurado correctamente con la iluminación y el ángulo correctos. Y luego se toma la fotografía con extremo cuidado. 7. Lección 7 y sombras: Entonces hablemos ahora de luces y sombras. Ahora probablemente no pienses tanto en ellos mientras disparas. Pero las sombras y las luces pueden hacer que una escena más dramática si sabes usarlas de la manera correcta. La iluminación es un importante elemento creativo de la composición. Y controlando la luz y dirigiéndola a donde quieras. Se pueden someter los objetos o elementos distrayentes en la escena para dar más énfasis a los principales puntos de interés. Entonces todo se trata de la luz para fotografiar es escribir con luz. Fotografía fue dedicar tanto tiempo y discusión al tema de luz que es fácil malentender su énfasis. La fotografía de luz y sombra está utilizando luces y sombras fuertes para crear silueta abstracta o anónima, especialmente en monocromo con luces de alto contraste. Las imágenes pueden crear perspectivas muy únicas. Y cuando tienes luces duras son fuentes de luz brillantes. Se pueden crear realmente grandes imágenes de luz y sombra. luz y las sombras se pueden utilizar en la composición para crear un estado de ánimo, para llamar la atención sobre un área, para modificar o distorsionar una forma, o para sacar forma y textura en un sujeto. Las sombras, por otro lado, son una clave para la forma aparente. En fotografías. Sin sombras, el sujeto registra sin forma, curvaturas ni textura, lo que significa que aparece extremadamente plano y a veces incluso sin vida. Si bien la cantidad de luz es un factor importante en la creación de fotografías, hay más en hacer una imagen interesante que ilumine incluso a tu sujeto. En la mayoría de los casos, incluso la luz que cae a través de los sujetos elimina todas las sombras y deja a la persona u objeto en una foto luciendo plana. No obstante, las sombras sutiles en un lado del rostro de la persona proporcionan una sensación de forma. Y un rayo de luz que brilla en la habitación a un pequeño pasadizo, dejando gran parte de ella en sombra, hace que parezca una imagen tridimensional. Es la forma en que se usa la luz en combinación con sombras lo que hace que el sujeto cobre vida. Y aquí hay un consejo rápido. Aparte de añadir profundidad a las imágenes, las sombras mismas pueden ser objeto de una fotografía. El algo misterioso sobre esta forma oscura. El espectador se queda preguntándose sobre la persona o cosa que está lanzando la sombra. Y las sombras se pueden usar para rellenar artísticamente un espacio por lo demás vacío en un marco también. 8. Lección 8 y patrones: Las líneas son un elemento de diseño. Y así se suman a la composición de una imagen. El dirigir el ojo del espectador hacia y a lo largo de la foto al punto focal. También impactan en el estado de ánimo de la foto dependiendo del tipo de línea y cómo se utilice. Las líneas en realidad pueden dar una estructura a tus fotografías. Pueden unificar la composición dirigiendo el ojo y la atención del espectador hacia el punto principal de la imagen. O llevar los ojos de una parte de la imagen a otra. Pueden llevar a los ojos al infinito, dividir la imagen e incluso pueden crear patrones. Por lo que prestar atención al impacto de las líneas en la fotografía y usar las líneas para sumar al espectador experimentado puede llevar tu composición fotográfica al siguiente nivel. A través de la perspectiva lineal. Las líneas pueden dar un sentido de profundidad a la fotografía. Las líneas paralelas parecen converger, creando una ilusión de profundidad. Estas líneas rectas y paralelas fenómeno. Y uno de los elementos más finos de la fotografía, siempre pasado por alto sobre líneas verticales, diagonales, horizontales y curvas crean diferentes estados de ánimo. Las líneas verticales comunican al espectador una sensación de cuerda, rigidez, poder, y solidaridad. Por otro lado, las líneas horizontales representarán paz, tranquilidad y tranquilidad. Las líneas diagonales representan movimiento, acción y velocidad. Un cuadro con línea diagonal transmite una sensación de acción dinámica incluso cuando el sujeto es estático. Echemos un vistazo a ellos uno por uno. Entonces, veamos primero las líneas horizontales. Las líneas horizontales suelen ser interesantes y proporcionan una estabilidad y descanso a tu imagen. Y también el tema que está involucrado en tu imagen. Se trata más de una permanencia y consistencia definida a tu fotografía. Y también sirven como línea divisoria, creando un ancla al sujeto o al objeto con él. Por otro lado, si miramos las líneas verticales, las líneas verticales no son más que humor. Hacen aún más poderosamente la fotografía. Prueba a sostener la cámara verticalmente mientras ves una. Trató de disparar estas líneas. Esto crea más longitud a tu escena. Tratando de transmitir o retratar el Haydn lo. También puedes sentirte libre de romper la regla. Y un encuadre horizontal puede tener un sentido el más fuerte en tu fotografía. Las líneas diagonales por otro lado, cuando las miramos, sí llamaron la atención del espectador muy rápidamente. Y confía en mí, se ven muy atractivas en una imagen. Normalmente trabajan creando un punto de interés dentro del marco más líneas de intersección dentro de ellos a la fotografía tiene ventaja, creando impresionantes perspectivas. Hay un sentido de dinámica a la imagen como si algo siempre se mueve dentro de ella. La ilusión es la ventaja de las líneas diagonales. Muchos estudios han revelado que las personas a menudo enfatizan una imagen al afirmar que el sujeto viaja de izquierda a derecha, ahí trabajar a su favor y pueden crear algunas imágenes realmente memorables para ti. Por lo que siempre hay varios factores incluyendo estas líneas dentro de tu marco. Siempre ocurre en combinación de líneas horizontales, verticales y diagonales. Cuando intentamos alinearnos con el visor y hacerlo recto y paralelo. Eso siempre es importante para ellos. Creando un sabor fuerte a tu fotografía. Eso no es perturbación, cualquier ilusión no deseada que se cause. Como algunos podrían pensar que eso podría suceder. No crea ninguna distracción quitando a los espectadores que siempre intentaron equilibrar estas líneas y hacerlas lucir rectas. Al igual que cómo equilibramos el horizonte. Hacer esto hará que el sujeto dentro del marco se vea mucho más bonito. Ahora entendamos patrones. Los patrones están a nuestro alrededor, pero raramente pensamos fotografiarlos. Es como si estuviéramos pre-programados para fotografiar solo ciertos temas como personas, camas, paisajes, etc. Ahora si eso suena como tú, entonces definitivamente te estás perdiendo un elemento muy importante en tu composición de imagen. La fotografía de patrones utiliza elementos que se repiten. la repetición de líneas, formas, tonos En realidad,la repetición de líneas, formas, tonos o colores puede seguir adelante y crear imágenes interesantes que son fotógrafos que utilizaron un patrón como tema principal de un archivo de imagen. Otros lo utilizan para realzar la composición general y el aspecto de su foto real. Ahora los patrones pueden ser tanto naturales como artificiales. Ahora ambos traerán en realidad un sentido de ritmo visual y armonía a tus fotografías. Y si empezamos a buscar un patrón dentro y alrededor de nosotros, observaremos que se repiten elementos gráficos venomosos, fuertes como líneas , colores, formas, o formas. Eso son factores que se crean en y alrededor de nosotros. Creando tus imágenes alrededor de elementos o patrones que se repiten. El ancho proporciona un cuadro de buena unidad y una estructura. Mapeado y reputación crea un ritmo que los ojos definitivamente disfrutarán mirando. Cuando las líneas, formas y colores dentro de una imagen ocurren de manera ordenada, crean un patrón que a menudo y responde al atractivo de tus fotografías. Por lo que traté de usar líneas y patrones con más frecuencia en tu fotografía porque siempre están alrededor. Tú. Basta con mirar a tu alrededor y siempre los encontrarás. Simplemente son añadirlas a tus fotografías y ver la composición de tu fotografía pasando al siguiente nivel. 9. Lección 9 Contrast, equilibrio y otros factores: Entonces veamos algunos de los más elementos que entran en una buena composición de imagen y contrastan siendo uno de ellos. Ahora si tengo que definir el contraste en términos muy simples, no es más que la diferencia en las áreas brillantes y oscuras de la imagen. Si el contraste es muy alto, la imagen se ve animada. Y por el contrario, si el contraste es bajo, la imagen puede parecer plana y monótono lo es. No obstante, hay un pequeño lado de volteo a eso también, porque usaremos tanto tipo de contraste como cuando sea necesario. Ahora, el contraste es un elemento clave para transmitir ciertos estados de ánimo a través de tu imagen. Así que las fotos de alto contraste saldrán. Mostrarán texturas en el tema y darán una sensación de edginess, de alta energía y de fuerza. Por lo que el alto contraste se utiliza básicamente en la fotografía callejera o en la fotografía de naturaleza. Las imágenes de bajo contraste, por otro lado, tienden a tener una sensación muy soñadora. Por lo que el bajo contraste funciona bien para retrato al aire libre. Y sobre todo si estás tratando de seguir adelante y crear un look sombrío o vintage. Por lo que antes de tomar cualquier fotografía, piensa en qué más quieres transmitir y luego busca el tipo de contraste que hará que destaque. Entonces en palabras muy simples, contraste es el rango de diferencia entre diferentes tonos en una fotografía. En la fotografía en blanco y negro, el contraste describe la diferencia entre el tono más oscuro y el más claro, pero también define la escala de grises. En la fotografía de color, los contrastes se aplican a lo bruscamente que los colores sobresalen unos de otros. Contraste como medio efectivo para dirigir la atención del espectador hacia el centro de intereses. Por lo que el posicionamiento de los elementos del sujeto para crear un contraste les da un énfasis añadido y dirigir la atención de los espectadores hacia ello. Ahora bien, aunque hay mucho debate sobre lo que acaba de escribir en términos de contraste, quieres que tus tonos pasen de oscuros a muy brillantes con cada color entremedio que se muestra en las fotografías anteriores. Ahora esto se puede ver mejor en fotografías en blanco y negro como quieras, verdadero negro a blanco y cada sombra en el medio. Ahora, esencialmente, un buen contraste es lo que permita que tus colores hagan reventar tus temas para estar bien definidos. Entonces, al disparar, siempre trata de imaginar cuáles serán tus opciones de contraste antes de incluso tomar el tiro y enloquecer cuando finalmente llegues a la computadora o a la habitación oscura. Al igual que con todo, la práctica es algo que te hará perfecto. Ahora hablemos de algo llamado como equilibrio visual. Ahora, el equilibrio visual en realidad trae cierta estabilidad y cuántos a una imagen. En tanto que en ciertos casos y la composición desequilibrada pueden hacer que una imagen se vea realmente dinámica y enérgica. Porque el equilibrio visual imparte cierto campo a una imagen o a una fotografía o puede, y optará por hacer que la escena sea equilibrada o desequilibrada en base a su es para expresar el significado detrás de la fotografía. Ahora, el equilibrio Vigil es algo que aporta cierta estabilidad y armonía a una imagen que es en ciertos casos y la composición desequilibrada puede hacer que una imagen se vea realmente dinámica y enérgica. Porque el equilibrio visual imparte cierto campo a una imagen o a una fotografía, o pueden optar por hacer que la escena sea equilibrada o desequilibrada para ayudar a expresar el significado detrás de la fotografía o cuál es la intención detrás de él adelante y haciendo clic en esa fotografía. Ahora una imagen perfectamente equilibrada es aquella donde los arreglos de los elementos son tales para que ningún área se domine entre sí. El equilibrio incluye cómo están dispuestos todos los elementos para crear una estabilidad en una pieza de trabajo. En AP, el equilibrio depende del tamaño y el número de objetos dentro de una escena. En un lado de la pintura o una fotografía tiene un gran número de objetos grandes, y el lado opuesto tiene pocos objetos pequeños. La paz puede parecer desequilibrada al espectador. Objetos del mismo tamaño y número en lados opuestos de la imagen tienden a producir una composición equilibrada. El posicionamiento del sujeto dentro del área de la imagen es el factor que debe ser considerado cuidadosamente. La composición se mantiene en equilibrio por dos métodos diferentes, simétricos así como un simétrico. Entendemos a ambos a detalle. Ahora bien, si bien no todas las fotografías equilibradas son simétricas, todas las fotografías simétricas definitivamente están equilibradas. La simetría, también conocida como el equilibrio formal, se logra cuando ambos lados de la imagen tienen igual peso. Ahora los fotógrafos han creado licencia para tomar este cementerio tan literalmente son como Olvídalo terriblemente como quieran. Como puede ver por los dos ejemplos que he mostrado a continuación. Ahora, cada fotografía está igualmente equilibrada si se divide por el medio. Sin embargo, uno es literalmente simétrico y el otro utiliza diferentes elementos de composición. Aparece en métrica conocida alternativamente como saldo informal. El equilibrio asimétrico es un poco más difícil de lograr. Cuanto más seas consciente del equilibrio asimétrico en tu composición personal, más fácil será en tu práctica diaria. Entonces básicamente, la simetría transmite equilibrio y proporción en una fotografía. Y es una forma de patrón que ilustra la conciencia del paciente, a menudo a través de la reflexión y la rotación. El uso de la simetría o una simetría como herramienta artística permite explorar completamente diferentes reflexiones de composición. Uno de los mejores ejemplos de esto. Ahora hablemos de colores. Y hay dos razones principales para eso. Los colores nos pueden ayudar a contar historias y se puede utilizar para comunicarse a nivel emocional. La parte de la emoción es lo que encuentro realmente, realmente importante. Yo llegaría tan lejos como decir que el color es el factor primordial que se encarga de hacer que una foto se sienta excitante, viva, misteriosa, o tal vez hasta melancolía o poco sombría. Al mirar la imagen en la parte superior de la página, se puede ver que algo tan simple como la ropa en la línea contra una pared se ve realmente dramático y se siente emocionante solo por los colores. Por lo que los colores pueden ayudar a contar historias y se puede utilizar para comunicarse a nivel emocional. Los colores pueden hacer que una foto se sienta emocionante, animada o incluso triste. Los colores también se pueden utilizar simplemente como un elemento en el que centrarse cuando se toman fotografías animadas. Y ahora hablemos de ritmo y movimiento en tu composición. Ahora léalos. Un componente crítico de la música, la danza y la poesía es también una cualidad de gran significación en las artes visuales. ritmo puede afectar la calidad de la experiencia de visualización para su público y ayudar a dibujar y mantener la vista dentro del marco. El patrón se puede pensar como un sujeto de ritmo. Y que el patrón siempre tendrá ritmo, pero los ritmos no necesariamente tendrán un patrón. Y mientras se habla de movimiento, tener una reputación de elementos en tu foto puede producir el aspecto y la sensación de un movimiento. Ahora, el movimiento es el camino que el ojo del espectador toma a través del trabajo de un impar, muchas veces para enfocar áreas. Dichos movimientos se pueden dirigir a lo largo de líneas, bordes, formas, y color dentro de la obra del arte. Por lo que hay muchas formas en las que se puede crear un ritmo o un movimiento en una fotografía. Pero el patrón estándar que se usa con mayor frecuencia es una reputación. Este ritmo estándar implica que los mismos elementos o similares se repitan a intervalos regulares. Ahora, piensa en esto barcos igualmente espaciados en esta imagen en particular. Por aquí hay una serie de ventanas a un costado del edificio de departamentos de la ciudad, o la serie de árboles que se puede ver en la segunda imagen de aquí. En ambas imágenes, esa reputación es algo que está dando el ritmo y el movimiento a estas imágenes en particular. Así que intenta agregar estos pequeños sabores a tu composición de imagen e intenta ver la diferencia que hace en el tipo de fotografías que tomas en el futuro. 10. Lección 10 de profundidad del campo: Ahora antes de seguir adelante y terminar la serie sobre composición, quiero tocar un poco la base en la profundidad de campo. Porque la profundidad de campo es algo que realmente puede agregar vida a la composición de una imagen. Y cualquiera que alguna vez haya manejado una cámara y entienda lo que es una abertura también sabe cuál es la profundidad de campo. Ahora, la profundidad de campo no es más que la cantidad de distancia entre los objetos más cercanos y los más lejanos que aparecen con enfoque aceptablemente agudo en una fotografía. Entonces, por ejemplo, si estás mirando esta fotografía de un año, que es de una mesa de billar y tiene unas bolas en ella. Y observarán que el balón que está muy cerca de la lente, aparece con enfoque agudo. tanto que el segundo, que está un poco alejado de la lente, está fuera de foco. Y entonces el tercero, que es nuestro año, está completamente fuera de foco. Ahora eso es algo que uno puede lograr al administrar la profundidad de campo dentro de una imagen. Ahora controlar la cantidad de profundidad de campo en una fotografía es una de las cosas más importantes que puedes hacer. Es cómo se puede controlar lo que está en enfoque agudo y lo que no está enfocado. Y esto es vital porque permite enfatizar ciertas partes de tu fotografía y desenfatizar ciertas partes. Ahora, la profundidad de campo depende de la apertura de la lente, la distancia focal de la lente y la distancia entre la lente y el sujeto. Ahora toquemos base un poco en esto para que entres mejor de qué se trata la profundidad de campo. Ahora si alguien quiere entender qué es la profundidad de campo, necesita tener una comprensión justa de lo que es una apertura de cámara. Ahora, la abertura es el agujero que permite que la luz entre a través de la lente. Y es un tamaño de apertura en la lente. Cuando realmente se toma la foto. Cada apertura tiene un número f-stop. Ahora bien, no voy a entrar en muchos detalles de esto porque apertura F-stop es un tema grande y una serie de conferencias separada en sí misma. Pero hay que entender que la profundidad de campo se refiere a cuánto de la escena está enfocada, tanto delante como detrás del sujeto enfocado. Por ejemplo, si estás mirando este cubo sobre Europa, cambiando el f-stop, cambiando el f-stop, puedo seguir adelante y hacer que el fondo se difumine o sea más nítido dentro de una imagen. Ahora gran profundidad de campo significa que la mayor parte de tu imagen estará enfocada. Y una profundidad de campo pequeña o poco profunda significa que sólo una parte de la imagen estará en foco y el descanso será difuso. Ahora, ¿cómo se relaciona esto con el número f-stop de tu abertura? A medida que aumenta el número de f-stop, la nitidez también aumenta. Y cuanto menor sea el número f-stop, más estrecha será la profundidad de campo. Cuanto más grande sea el f-stop, más amplia será la profundidad de campo. Entonces si miras esta imagen en particular a lo largo del año, observarás que a medida que y cuando mi número de f-stop esté aumentando, la nitidez aumenta en la imagen. Por otro lado, cuanto menor sea el número f-stop, estrecha será la profundidad de campo que me meto dentro de esta imagen en particular. Siempre se puede seguir adelante y controlar el número f-stop en la cámara mediante el uso del triángulo de exposición. Ahora por qué entender la profundidad de campo es importante porque entender esta importante faceta de la fotografía digital, hará que tu fotografía se destaque más que otros fotógrafos en algunas de las escenas que quieres fotografiar, te gustaría que todo estuviera bien enfocado. En tanto que en otras escenas, sólo querrás que una parte del tema esté en enfoque agudo. Y por eso es importante entender el concepto de profundidad de campo en la fotografía. Y también es vital que te des cuenta de que puedes afectar la profundidad de campo al usar cualquier Canadá dado. Ahora años COMO tanto div que quiero seguir adelante y compartir con ustedes. La apertura de lente más grande que está manteniendo un f-stop de 1.8 a 3.5 ofrecerá las siguientes ventajas. Te permitirá disparar más con solo luz natural. Y te ayudará a reducir las sombras duras y los ojos rojos que son causados por el flash. Permitirá que pase más luz por la cámara y serás capaz de elegir una velocidad de obturación ligeramente mayor. También te ayuda a reducir el desenfoque de movimiento. Y por último, pero no menos importante, te ayuda a reducir la profundidad de campo para el efecto. Sigamos adelante y miremos algunas de estas imágenes que te darán una mejor comprensión de cómo simplemente cambiar la profundidad de campo y hacer que tu fondo sea borroso o tienda, en realidad puede cambiar toda la composición y la forma en que el espectador mira tus fotografías. Ahora con eso, llegamos al final de la serie de conferencias sobre el arte de la composición de imágenes. Ahora recuerda, la práctica es algo que te hará perfecto. Ahora lo que aprendas en esta serie de conferencias, ¿suena como demasiado alto y orden y uno que nunca cumplirás. No te preocupes. Todo el mundo piensa que al principio, esa teoría es más desalentadora que ponerla en práctica. A medida que practiques y te acostumbras, se convertirá en una segunda naturaleza para ti. Te encontrarás de forma casi automática y rápida identificando el centro de interés. Localizarlo correctamente en el marco, componer para el equilibrio al visor y tomar una imagen efectiva y bien compuesta proporciona el énfasis que desea sin siquiera pensar en ello. La palabra clave es, sin embargo, practicar, cuando practicas hacer algo bien con la suficiente frecuencia, entonces comienzas a hacerlo bien todo el tiempo sin siquiera tener que pensar en ello. Entonces sigamos adelante y empecemos a hacer clic en algunas imágenes maravillosas y llevemos tus habilidades de composición al siguiente nivel.