Gradación creativa de color para cineastas y YouTubers

1. Grado de colores creativos: Bienvenido a tu guía completa sobre gradación de color para video. En este curso, voy a descomponer qué es la calificación de color y los diferentes principios que debes entender cuando te acercas a un grado de color. Entonces vamos a profundizar en todas las herramientas que vas a usar. Entonces al final de este curso, vamos a pasar por un proyecto juntos. Te voy a mostrar algunos escenarios diferentes de gradación de color, y cómo me acercaría a él, y las diferentes cosas que haría para sacar los looks creativos que quiero de mis videos. Ahora, si no nos hemos conocido antes, mi nombre es Jeven Dovey. Tengo una productora con sede en Los Ángeles, y también tengo un canal de YouTube donde imparto cine y hago muchas películas de aventura. La gradación del color es un aspecto grande a todo lo que hago. Cuando estoy creando mis películas de aventura, un grado de color realmente ayudará a contar mi historia. Es uno de los elementos que sumerge a alguien en lo que está pasando. Ahora, mi objetivo con este curso es hacerlo accesible a cualquier persona de cualquier nivel. Si acabas de empezar con el video, voy a descomponer todas estas herramientas y apuntarte en la dirección correcta de con qué empezar. Si eres alguien que está un poco más avanzado, bueno, también te voy a mostrar todas las herramientas que tienes accesibles y las diferentes cosas que necesitas para empezar a mirar para que puedes crear grados de color que sean muy específicos y exactamente lo que necesitas para un tiro. Ahora en este curso, estoy usando Final Cut Pro para toda mi gradación de color. Ese es el software que utilizo. Si eres nuevo en Final Cut Pro, tengo un curso completo aquí en Skillshare que pasa por todo lo que necesitas saber a hora de usar Final Cut Pro. Pero todas las herramientas que voy a estar usando en Final Cut Pro, también puedes encontrar en otros softwares. Este curso no se limita solo a usuarios de Final Cut Pro. Hay una tonelada que desempacar en este curso, así que vamos a entrar bien en él. 2. ¿Qué es la degradación del color?: ¿ Qué es la clasificación de color? En su núcleo, básicamente es solo cambiar tu color y tus valores de exposición en un tiro de una mirada a otra. Es tan simple como eso. Estás retocando tu contraste, tu saturación y cómo se ven los colores. Ahora hay dos formas en que rompo la calificación de color. Primero es arreglar problemas, y luego segundo es looks creativos. Si tu cielo está súper expuesto o el tono de piel de alguien se ve demasiado azul, esas son correcciones que haces para arreglar la imagen. Entonces un look creativo es lo que haces más allá estas correcciones para darle a tu imagen algo un poco diferente. Si querías crear el clásico verde azulado naranja que ves en el cine de Hollywood, este es un look creativo que luego agregas después de haber hecho tus correcciones iniciales. Otra forma de pensar en los looks creativos es agregar más contraste o incluso crear menos contraste. Hay todas estas opciones que tomamos cuando estamos trabajando en nuestros videos, en que tenemos que pensar cuando realmente estamos haciendo el grado de color. Sólo hay tantas direcciones diferentes que puedes ir, realmente necesitas pensar en qué es lo que estás creando y qué aspecto quieres fuera del metraje. Si solo quieres tener un look limpio, lo que vas a hacer es arreglar todas las tomas y luego asegurarte de que todos coincidan. Ese es el primer paso de cualquier proceso de clasificación de color. Entonces a partir de ahí, podrías agregar un look creativo encima de eso. Para mí personalmente, cuando estoy trabajando en mis videos de YouTube, muchas veces solo quiero arreglar tomas y hacerlos lucir bien. No estoy tan preocupada por el look creativo. No obstante, cuando estoy trabajando en más de una película, algo que tiene más de una historia en ella, voy a añadir más de una mirada porque el look ayudará a realzar la historia que estoy contando. También cuando estoy trabajando con clientes, voy a estar arreglando muchos problemas y también crear un look que coincida con su marca y su estilo. Cuando estás haciendo un grado de color, los diferentes componentes que vas a estar ajustando son tu exposición, tu contraste, tu saturación y tus colores. Esos son los cuatro elementos que vas a usar al unísono para limpiar tu imagen, para arreglarla, y luego crear tu look. Al principio cuando empiezas a mirar las herramientas de clasificación de color y todo el flujo de trabajo, puede parecer un poco desalentador, pero en realidad es mucho más fácil de lo que piensas, especialmente cuando sabes exactamente qué herramienta hace qué. 3. Comprender el material LOG: Antes de meternos en todas las diferentes herramientas de gradación de color que vamos a usar, quiero tener una discusión sobre cómo filman su metraje. Porque la forma en que realmente disparas en la cámara va a cambiar la forma que vas a acercarte a tu calificación de color cuando entres en esa etapa de tu proceso de edición. Hay dos formas principales en las que puedes filmar en cámara. Hay algunas otras formas, pero me voy a centrar en el aspecto normal o en imágenes estándar y de registro. La diferencia es que uno de ellos tiene un aspecto específico que sale de la cámara. Tiene contraste, tiene saturación, tiene color, y el otro es plano. Tiene menos contraste, menos saturación, y menos color. El motivo por el que rodarías en registro es para que puedas conservar rango dinámico y puedas hacer más gradación de color en la edición. Cuando estás filmando en un perfil estándar, podrías tener elementos como los cielos en tu tiro se sobreexponen o las partes más oscuras de tu imagen se vuelvan completamente negras. Considerando que cuando estás disparando en el registro, todos esos valores de exposición se comprimen para que al entrar en la gradación de color, puedas establecer las diferentes exposiciones a donde las quieras y en realidad se puede obtener más información de cada disparo. Muchas veces usarás una toma de registro para poder traer de vuelta tus cielos o levantar tus sombras. Simplemente te da mucho más control creativo cuando estás nivelando el color. Ahora, cuando empieces a empujar tus exposiciones, tu saturación, y tu color alrededor en un tiro, va a empezar a romper la imagen dependiendo de cómo la disparaste. Muchas cámaras como sin espejo, DSLR, GoPro, cualquier cámara pequeña va a estar disparando en un Kodak que podría no permitirte empujar el grado de color a estos extremos donde estás cambiando el registro y realmente haciendo mucha calificación de color en él. El motivo de eso es que el Kodak que estás usando va a ser algo así como 8 bits, y cuando estés filmando en un Kodak de 8 bits, solo puedes empujarlo hasta ahora y en cierto punto la imagen lo hará empezar a romperse. Para que pudieras ver aquí mismo, hay esta banda en el cielo y eso es porque esta imagen fue empujada demasiado lejos. Entonces esto es algo a considerar cuando estás filmando con tu cámara. A veces podría tener más sentido no usar la configuración de registro si realmente estás tratando de empujar la imagen alrededor. 4. Espejos de video: Repasemos un par de herramientas que vas a utilizar para poder ver todas tus exposiciones y todos tus colores. A estos se les llama alcances de video. Cuando estés en Final Cut, en tu ventana principal, puedes subir a Ver y hacer clic en Video Scopes, y estos aparecerán en el lado izquierdo. También puedes usar el atajo Apple 7 y eso también abrirá esta ventana. Si estás usando una pieza de software diferente, solo tendrás que encontrar dónde están los alcances de video. Me gusta usar dos ámbitos diferentes cuando estoy calificando de color. Utilizo un alcance vectorial, que es todos tus valores de color en un gráfico de sobrecarga. Tienes rojo, tienes magenta, azul, cian, verde y amarillo. Es en este gráfico que es fácil ver dónde están los colores para dónde está el cursor en la línea de tiempo. En este momento, tengo una rueda de color levantada. Esta rueda de color es todos los valores de color. Se puede ver esto representado en este ámbito vectorial. En un alcance vectorial, el centro es blanco y no hay saturación. Cuando sales de ese centro, te estás moviendo hacia un color. Cuanto más lejos estás del punto central es cuánta saturación hay en ese color. Si voy a traer solo una herramienta básica de corrección de color y estoy en saturación, cuando tire hacia arriba mi saturación, verás que todos los valores de color se están estirando más lejos de eso punto central. Cuando bajo mi saturación, todos los valores de color se están moviendo hacia el centro. Se puede ver en mi rueda de color a la derecha que todos los colores se están desaturando cuando todo se mueve hacia el centro y la saturación se está volviendo súper brillante cuando todos los valores de color se están moviendo hacia el borde exterior. Esta es una gran manera de ver qué colores hay en tu imagen y cuánta saturación tiene cada uno de esos colores. Déjame simplemente sacar un tiro para poder mostrarte esto en algo que no sea solo una rueda de color. En el tiro, lo que estoy viendo son algunos blues, veo unos rojos, y veo amarillos en la barra de luz. Cuando miramos nuestro alcance vectorial, si miras estas luces amarillas brillantes aquí, se están estirando muy lejos hacia el amarillo. Se podría ver eso como una representación visual en el ámbito vectorial. Ahora, se podía ver que las sombras son algo azules. Aquí hay algo de saturación para todos esos elementos. También se puede ver que las montañas son rojas y se puede ver la saturación aquí. Ahora cuando tire mi saturación para toda la toma, se puede ver que todos estos valores se están alejando de ese punto central y la imagen se está saturando mucho más. Si derribo esto, todo se está desaturando a blanco y negro, y entonces no vas a ver nada en tu alcance vectorial. Esta herramienta va a ser súper útil cuando realmente estás haciendo tus notas de color para jugar con tu saturación y realmente ver dónde están tus colores en una representación visual. Ahora la segunda herramienta que utilizo es una forma de onda. Hay diferentes estilos de formas de onda, pero el que uso más a menudo se llama forma de onda luma. Ya verás aquí a la izquierda, esta es mi forma de onda luma, y esto es todos mis valores de exposición desde cero hasta 100. Estoy usando el gráfico de pasos para poder mostrarte cómo se representan estos en este gráfico. En el lado derecho donde es de color blanco brillante, verás que el blanco brillante está al 100 por ciento. En el lado izquierdo donde es negro puro, está en cero en mi forma de onda. Entonces todos los pasos están en el medio. Esta va a ser una herramienta súper útil para juzgar tu exposición por una toma, especialmente cuando estás haciendo correcciones. Si tu cielo es demasiado brillante, lo verás representado en este gráfico. Vamos a tirar hacia arriba el mismo tiro que estábamos mirando antes, y ahora se podía ver que todos sus valores de exposición están en esta forma de onda. Esas luces brillantes que vemos, esas se están estirando más allá de 100. Entonces las partes oscuras de la imagen, todos estos arbustos y las partes del auto que son bastante negras, esas están todas representadas abajo abajo abajo aquí más hacia cero. Si acabamos de sacar nuestra exposición en su conjunto, podría ver que todo se está moviendo hacia 100 y todo se está volviendo súper brillante en la imagen. Ahora si bajamos esto, verás que todo va hacia cero y sobre la imagen todo se está volviendo súper oscuro. Vas a usar esta herramienta para ver una representación visual de todas tus exposiciones para que cuando estés haciendo correcciones, puedas hacer pequeños retoques y ver exactamente lo que estás haciendo con la imagen que no tengas que confiar solo en mirar un tiro para hacer tus ajustes. Es una forma muy fácil de poder ver todo lo que estás haciendo representado en un gráfico. La otra herramienta que uso es RGB Parade, y esto está mostrando mis canales rojos, mis verdes, y mis azules. Esta es otra herramienta que uso, pero no tan a menudo. Pero esto te ayudará a mostrarte si tienes moldes de color en tu imagen o si quieres intentar nivelarlo y hacer que todo se vea igual. Si vas de tiro a tiro y hay diferentes colores en los disparos, esta herramienta realmente te ayudará a asegurarte de que esos coincidan. Si traigo mi tablero de color y empujo la imagen en azul, verás que toda la imagen se está volviendo azul. En este RGB Parade, el canal azul va subiendo hacia 100 y el rojo y el verde van bajando hacia cero. Ahora si empujo esto a verde, verás que el canal verde se está moviendo hacia arriba y el rojo y el azul se están moviendo hacia abajo. Ahora, cuando los tres de estos colores están en línea, es entonces cuando tienes un balance de blancos adecuado para tu tiro. Cuando estamos mirando el gráfico de pasos, todo es blanco. Pero si empujo hacia arriba en, digamos, el canal rojo, verás que el rojo va a repuntar en el RGB Parade y todo lo demás ha caído. Lo mismo sucederá si me muevo al verde, los picos verdes y a la gota azul y roja. Lo mismo con el azul. Cuando todos estos están perfectamente alineados en el centro, es entonces cuando tienes blanco puro. Esta es una gran herramienta a usar para asegurarte de que tu balance de blancos sea el mismo tiro para tiro. También si estás en situaciones en las que tienes diferentes proyecciones de color en cada disparo, esta es una buena manera de ver si tu canal rojo tiene más rojos en él de un disparo a otro. Eso te dará una idea de lo que necesitas corregir para poder hacer coincidir los disparos para que puedas tener la misma mirada de disparo a tiro. En Final Cut Pro, harás clic en Ver y yo uso esta opción de diseño aquí, que es un lado a lado. Esto me permite tener mi alcance vectorial en un lado y mi forma de onda luma por el otro. Ahora en Final Cut, puedes cambiar lo que estás mirando haciendo clic en este pequeño ícono en la esquina superior derecha. Usualmente uso alcance vectorial a la izquierda, forma de onda a la derecha, y tendré mi forma de onda en luma. Estos son los tres ámbitos diferentes que vamos a usar cuando estemos trabajando en nuestras notas de color. 5. Herramientas de degradación: tablero de colores: En este video, vamos a discutir el tablero de color en Final Cut Pro. Entonces esta es la tabla de colores, y hay tres formas diferentes que puedes usar el tablero de color. Puedes cambiar tu color, tu saturación y tu exposición. Esta es una forma súper simple de hacer ajustes generales a tu imagen general. Empecemos con la exposición. Lo que vas a ver son estos cuatro pucks, y estos pucks se mueven hacia arriba o hacia abajo. El top es blanco y la parte inferior es negra, y en el lado izquierdo aquí, esta es tu general. Si vamos a tomar nuestro puck de exposición y moverlo hacia arriba, verás que todos los valores de exposición se harán más brillantes y se mueve al unísono. Básicamente es tomar toda la imagen y moverla todo más brillante o todo más oscuro. Vamos a usar el tiro de mí mismo para que podamos ver esto en algunas imágenes. Si levantamos el puck, todo se pone más brillante. Lo tiramos hacia abajo, todo se oscurece. Ahora los tres pucks a tu derecha son tus mínimos, medios y máximos. Estas son las partes oscuras de tu imagen, el medio, y las partes brillantes. Entonces si iluminamos las partes oscuras de nuestra imagen, verás en la forma de onda luma la parte más oscura de la imagen, se está moviendo más rápido que las otras partes, y ni siquiera mueve la parte más brillante de la imagen. Si hacemos lo contrario, tomamos el puck blanco y lo bajamos, mueve hacia abajo la parte más brillante de la imagen. Entonces es poco a poco menos hasta llegar a las partes más oscuras de la imagen. Estás afectando la totalidad de la imagen, pero poco a poco se pone menos a medida que avanza hacia las partes más oscuras de la imagen. Ahora si agarramos este puck medio, va a cambiar los valores medios y luego las partes más brillantes y oscuras de no se van a ajustarlas partes más brillantes y oscuras de tu imagen. Básicamente se toma las exposiciones medias de tu tiro y desplazándolas hacia arriba o hacia abajo. Si volvemos a traer el tiro de mí cuando hacemos este puck blanco, podemos sacar los reflejos en la imagen o podemos derribar los reflejos, pero no está afectando las sombras de este tiro. Al contrario, si tomamos las sombras y la sacamos, todas las sombras se están volviendo más brillantes o podemos hacerlas todas más oscuras, pero no afecta a las partes brillantes del tiro. Entonces los medios tonos, solo se aplica a todo en el medio, pero tus sombras y tus reflejos se van a quedar iguales. Esta es una manera fácil de hacer algunos cambios de trazo amplios a la exposición. Si tu imagen en general es solo un poco brillante, podrías derribar tus reflejos y un poco de tus medios. O si es realmente oscuro, podrías traer tus sombras y tus medios tonos. Simplemente jugarás con estos para construir un cambio tu exposición. Ahora en tu tablero de color, la saturación funciona de la misma manera. Tienes tu saturación general aquí a la izquierda y luego tienes tus sombras, medios tonos y reflejos. Puedo traer toda mi saturación o puedo desaturar toda la imagen. O lo que podría hacer es simplemente saturar mis reflejos o simplemente desaturar mis aspectos más destacados. Se puede ver que todavía hay saturación en mis sombras. Entonces si traigo mis sombras pero desaturar mis reflejos, todas las partes más oscuras están saturadas, pero todos los aspectos más destacados están desaturados. Si hacemos eso a la inversa, sacaremos nuestros reflejos y derribaremos nuestras sombras, todas las partes brillantes están sobresaturadas, todas las sombras están desaturadas. Ahora en los medios tonos, esto es sólo el rango medio. Para que puedas sacar tus medios tonos, derribar tus reflejos y tus sombras, y luego solo las partes medias de tu imagen se van a saturar. Jugarás con tu saturación dependiendo de lo que veas en el tiro. Mirando esta toma una vez más, si sacamos nuestros reflejos, podemos saturar el cielo y todas las partes brillantes de nuestra imagen, y luego podemos desaturar todas las sombras. Se puede ver que hay una clara distinción entre las partes brillantes y las partes oscuras de la imagen. Si levantamos este puck medio, entonces todos los medios tonos también estarán saturados. En tanto que si yo fuera a levantar al maestro, todo se sobresaturaría. Utilizarás esto para ajustes generales de saturación, ya sea que estés trabajando en tus sombras, medios tonos o resaltados, o si solo quieres hacer un ajuste de saturación general. Ahora en tu tablero de color, la sección de color es lo que usas para cambiar los colores en tu metraje. Ahora el maquinista de color maestro es este puck de la izquierda. Estos tres son tus sombras, medios tonos, y resaltados de nuevo. Entonces si iba a empujar al maestro hacia arriba al verde, verás que en el vectorscopio, todos tus valores de color están cambiando hacia el verde. Si lo empujo hacia el azul, verás que todos los valores de color ahora se han movido hacia el azul. Ahora si solo quieres cambiar tus reflejos, puedes mover todos tus reflejos al azul y puedes ver cómo eso es diferente. Sólo afecta los aspectos más destacados de tu imagen y lo mismo con las sombras. Si fuéramos a poner las sombras en azul, sólo va a estar afectando las sombras y va a estar añadiendo más blues a ese metraje. Podrías ver cuando movemos estos pucks alrededor, cambia los colores de todos estos colores en la rueda de color. Esencialmente estás cambiando tus colores cuando estás usando estos pucks, y muchas veces podrías usar esto si quieres crear un color específico a tu metraje o si estás tratando de hacer alguna corrección. Si hay demasiado verde en tu metraje en los aspectos más destacados, podrías tirar ese verde hacia abajo. O si hay demasiado amarillo en tus tonos de piel, podrías cambiar uno de estos pucks para ajustar los tonos de piel para que se vean bien y un poco más anaranjados que amarillos. Una cosa a tener en cuenta cuando estás trabajando con el tablero de color es que solo tienes acceso a los medios oscuros y a las partes brillantes de tu imagen, y es más bien un ajuste gradual. No es tan específico como verás en algunas otras herramientas que podemos usar, pero es solo en general. Entonces si solo quieres hacer algunos ajustes amplios, esta es una gran herramienta para usar eso. Muchas veces podría usar esto solo para agregar un poco de contraste o simplemente para arreglar un elenco de color que tengo en mi tiro. Vamos a mostrarte un ejemplo rápido de cómo puedes usar el tablero de color para editar tus tomas. Este es un disparo que tengo de mi dron y está disparado en el registro. Cuando estás filmando en log, todo va a estar súper desaturado y no hay contraste. Voy a mirar primero mis exposiciones y voy a sacar mis reflejos a donde estas nubes están más cerca de 100 porque estas nubes son bastante brillantes en el tiro. Entonces voy a traer mis sombras, que son estas partes en la parte inferior del tiro, partes del jeep. Voy a agarrar el puck de la sombra y voy a derribar eso para que estén más cerca del negro. Ahora en general, este tiro se ve decente, pero podría ajustar mis medios tonos para que estén un poco más oscuros. Podría reajustar mis reflejos un poco más brillante. Ahora este tiro tiene algún buen contraste en ella, pero todavía está bastante desaturado. Voy a pasar a la saturación y usar mi maestro puck y solo traeré todo. Eso se ve bastante bien, pero tal vez quiero que esos blues estallen en el cielo. Entonces traeré mi puck destacado y lo traeré, y voy a desaturar las sombras para que partes del suelo no se saturen demasiado. Ahora, solo con algunos ajustes, este tiro pasó de algo que se ve súper plano y súper aburrido a algo que en realidad le tiene un aspecto bastante bueno. Ahora podríamos usar el tablero de color para cambiar esto aún más. Tomemos los reflejos y pongamos un poco de cian en ellos, y luego tomemos nuestras sombras y saquemos ese cian. Ahora el cielo tiene más de este verde azulado le empujó y el resto de la imagen todavía se ve igual. Voy a tomar mis medios tonos. Voy a agregarles un poco de rojo amarillo. Ahora aquí está el antes y después del disparo. Se podía ver por solo unos pequeños ajustes, he cambiado el color y he cambiado la exposición y la saturación. Esta es una gran manera solo de hacer algunos ajustes generales a tu metraje para poder corregir algunos errores que tienes en tu toma o simplemente conseguir un look diferente. 6. Herramientas de degradación: ruedas de color: En esta sección vamos a hablar de ruedas de color. En Final Cut Pro, voy a levantar mis ruedas de color. Vas a ver cuatro ruedas diferentes y luego unas cuantas adiciones extra que no viste en el tablero de color. Ahora cómo funcionan las ruedas de color es que estás ajustando tu exposición, tu saturación y tus colores, ya sea en la imagen como un todo o en los medios tonos y sombras resaltados. En primer lugar, sólo voy a levantar mi paso a gráfico aquí que te muestra todos tus valores de negro a blanco. Verás en mis ruedas tengo exposición en el lado derecho. Voy a levantar mis reflejos y todos los aspectos más destacados se van a poner súper brillantes, pero no está afectando tanto a las sombras. tanto que si tire hacia abajo sobre las sombras donde caen más cerca de cero a negro, verás que las partes más oscuras de la imagen se oscurecerán, pero las partes más brillantes se quedarán donde están. Ahora si uso mi configuración global, que es básicamente la imagen en su conjunto, verás que todo se mueve unísono para que todo se vuelva más brillante u oscuro. Usas tus reflejos, tus medios tonos y tus sombras para ajustar esos elementos de la imagen, o simplemente podrías hacer ajustes globales. Si quisieras más contraste en tu metraje, traerías tus reflejos y derribas tus sombras y luego ajustarías tus medios tonos arriba o hacia abajo para agregar más contraste. Se puede ver de inmediato cuánto más contraste hay entre este tiro, que es el gráfico escalonado, y este tiro que es el gráfico ajustado. Vamos a restablecer, en Final Cut tienes estas pequeñas flechas en la esquina que restablece cada una de estas gráficas. Entonces pasemos a la saturación. Ahora en Final Cut, en el lado izquierdo de tus ruedas de color, tienes tu saturación. Tienes tu saturación global, que es básicamente la totalidad del tiro. Tienes tus reflejos, tus medios tonos y tus sombras. Todo se rompe esta manera donde se destacan, medios tonos, sombras cuando estás usando estas ruedas de color. Si quisieras solo agregar saturación a todo tu tiro, traerías la saturación global. Si quisieras desaturarlo todo, lo derribarías. Ahora, si quisieras sacar los reflejos, así que digamos el cielo, quieres más saturación en el blues y el cielo, bueno, solo podrías sacar los reflejos y entonces podrías ajustar tu tonos medios hacia abajo y tus sombras abajo. Vas a jugar con tus reflejos, medios tonos y sombras para ajustar la saturación en los diferentes aspectos de tu imagen. Ahora, lo último a lo que tienes acceso en estas ruedas de color es cambiar el color. Tienes tu ajuste global, que cuando lo empujo hacia decir, azul, toda la imagen va a ser empujada hacia el azul. Si muevo esto hacia el rojo, verás que toda la imagen se está moviendo hacia el rojo. Por lo que todos los colores cambian y el blanco, que se puede ver en el fondo aquí, también va más rojo anaranjado. Si empujo esto hacia abajo hacia el verde, traigo todo el camino hasta aquí, el blanco se vuelve verde y se puede ver que todos los colores ahora están cambiando. También podrías hacer esto por solo partes específicas de tu imagen. Podríamos cambiar solo los reflejos y moverlos al verde, pero luego poner nuestras sombras y ponerlas hacia el rojo. Estos funcionan de la misma manera que funciona la exposición y la saturación. Afecta la totalidad de la imagen, pero está más enfocada en, digamos, los reflejos o más enfocados a las sombras. Cuando estás cambiando los colores, si empujas demasiado en una dirección, solo vas a poner un reparto de color través de todas tus metraje. Vamos a jugar por ahí con este tiro que tengo donde tengo este contraste extremo y también estos colores lavados en la distancia. Lo que podría hacer aquí es que quiero bajar un poco los aspectos más destacados, así que tomaré mi exposición y los bajaré un poco. Podrías ver aquí en mi forma de onda luma, todas mis exposiciones en los reflejos se están moviendo hacia abajo. Ahora, voy a sacar mis medios tonos para que puedan ver más de lo que está pasando en las rocas y en la sección más oscura. Entonces también voy a derribar mis sombras, que las partes más oscuras permanezcan negras. Eso fue antes, eso es después, así que es menos contrastante. Ahora, quiero que este cielo estalle un poco más para poder usar mi saturación y mis reflejos y sacar eso. Lo que estás afectando son todas las partes más brillantes del disparo. Si yo fuera a hacer esto a nivel global, entonces todas las sombras también obtendrían más saturación también. No necesariamente quiero eso para este tiro. Cuando estés calificando de color, vas a tener que tomar estas decisiones, ¿quieres más saturación en una parte de tu toma o la quieres en una parte diferente de tu toma? Aquí es donde comenzarás a usar las sombras, los medios tonos y los reflejos, y tomarás estas decisiones conscientes cuando estés haciendo tus calificaciones. No quiero que toda la imagen saturada. Voy a traer esto de vuelta abajo. Voy a sacar mis reflejos. En realidad voy a derribar mis sombras y quedarme esas. Voy a dar un poco a los medios tonos. Ahora, con lo más destacado, quiero empujarlos un poco más amarillos, darle más de esa sensación de desierto. Pero se podía ver que empieza a afectar el resto de la imagen, por lo que podría tirar de nuevo mis sombras hacia cosquilleo azul y para que estas puedan mantenerse un poco más frescas. Ahora todavía tienes este contraste entre los colores que tienes estos amarillos brillantes y el cielo brillante, pero luego tienes los elementos más fríos en la sombra. Si encendemos y apagamos esto, se puede ver la diferencia de cómo agregué un reparto de color y he cambiado mi exposición. Cuando veamos nuestros gráficos, verás que tengo más saturación moviéndose hacia el amarillo, lo cual tiene sentido. Apaga esto, hay menos saturación en todas estas rocas. Volvemos a encenderlo, ahora esto está empujando más hacia el amarillo. Vas a usar tu alcance vectorial para ver cuánta saturación estás empujando. También puedes juzgar tu color donde está el rastro en el gráfico. Si quisiera hacer las cosas más rojas, podría empujar ese rastro hacia arriba hacia los rojos. Ahora, haciendo eso con estas ruedas de color, agrega un elenco a través toda la imagen y no se ve tan bien. Hay otras herramientas que vamos a usar que serán más específicas, así que si solo querías apuntar a las rocas frente a crear un elenco través de todo, puedes hacerlo. Pero con esta herramienta de rueda de color, es más bien un ajuste general. Si solo tienes un poco demasiado verde en tu imagen o un poco demasiado amarillo, solo puedes tirarlo más hacia el blues y puedes deshacerte de ese general o simplemente como en los reflejos o las sombras. Pero si estás tratando de hacer una gradación de color más específica, bueno, ahí es donde entrarán en juego otras herramientas y ahí es donde realmente vas a apuntar cosas específicas. Eso se ve bastante bien. Ahora otra herramienta que tienes en las ruedas de color en Final Cut es el acceso a temperatura y tinte. Ahora, dependiendo del software de edición que estés usando, estas podrían ser herramientas diferentes en otro lugar, pero aquí es donde las vas a encontrar en Final Cut. Estos son para ayudar a solucionar cualquier problema que tenga con el balance de blancos. Si volvemos a nuestra rueda de color y miramos nuestra temperatura de color, si nos movemos a la derecha y vamos a decir como 10 mil, va a hacer que toda la imagen sea mucho más cálida, por lo que está empujando más hacia los amarillos. Si empujamos hacia abajo para decir 2,500, está haciendo todo mucho más fresco, así que es el blues, el cian. Ahora con tu tinte, se está moviendo hacia el magenta, que es la extrema derecha, o se está moviendo a un verde en el extremo izquierdo. Si tienes un tinte verde o magenta, tal vez alguna fluorescencia en tu toma o algo así, puedes usar esto para intentar deshacerte de algo de ese color fundido. O si estás usando un balance de blancos que está apagado, estás afuera pero disparaste un poco demasiado caliente, bueno podrías enfriar tu imagen y traer de vuelta esos blues. Utilizarás esto para hacer algunos ajustes para corregir una imagen si está empujando demasiado hacia los azules o amarillos o greens o magentas. 7. Herramientas de degradación: curvas de color: Ahora hablemos de una herramienta que es un poco desalentadora cuando la mires por primera vez, pero es una de las herramientas que me gusta usar todo el tiempo, y esta es tus curvas de color. Ahora, estos son geniales porque te da una edición más precisa que solo decir que quiero afectar mis reflejos, mis tonos medios, o mis sombras. Puedes entrar y en realidad establecer dónde están tus tonos medios, y tus reflejos, y tus sombras y realmente puedes ajustar exactamente lo que necesitas, especialmente cuando estás trabajando con tus exposiciones. En Final Cut Pro, puedes agregarlo aquí por este menú desplegable y agregar curvas de color o podrías bajar aquí a tu ventana de Efectos, ir a color y encontrar curvas de color, y luego déjalo caer en tu tiro. Con tus curvas de color, tendrás cuatro líneas diferentes. Tienes tu luma, que es todos tus valores de exposición, entonces tienes tu rojo, tu verde, y tu canal azul, tu primaria. La forma en que modificas esto va a cambiar no solo tus exposiciones, sino los colores. Vamos a empezar con la luma. En la forma de onda luma, tienes este gráfico y tienes la línea recta que va desde aquí abajo en la esquina inferior izquierda, que es negra a la esquina superior derecha, que es blanca. Ahora, estos dos puntos se establecen automáticamente en tu curva, y lo que puedes hacer es agregar más puntos en el medio. Así que acabo de sumar un montón aquí en el medio y puedes traer estos hacia arriba o abajo. En una representación visual, esta línea es todos sus valores de exposición en la toma. Si iba a tomar este punto superior y bajarlo, verás en mi forma de onda luma que todos mis valores de color se están oscureciendo todo el camino hasta cero, que es negro. Si traigo este punto inferior, verás que todo se está moviendo hacia el 100, que es blanco. Si tomo los valores centrales y los muevo hacia arriba, todo va a ser más brillante o puedo moverlo hacia abajo y todo se va a oscurecer, pero está más enfocado en estos tonos medios. Esto se va a quedar negro y esto se va a quedar blanco porque estos dos puntos todavía están aquí. Puedes hacer ajustes donde estás cambiando estos y cambiando el contraste de tu tiro. Hagamos un simple ajuste de contraste en este gráfico. Quiero hacer todo mucho más contrastante, así que quiero que estos brillos brillen y estas zonas oscuras mucho más oscuras. Tenía un punto aquí y aquí. Voy a sacar mis partes más brillantes de la imagen y voy a romper las partes más oscuras. Se puede ver en general, ahora hay más contraste en esta imagen porque he agregado lo que se llama curva S. La curva S es como haces que este gráfico se vea para crear este contraste donde tienes partes tanto brillantes como oscuras de tu imagen y tienes el tramo de contraste en lugar de tener todo gradualmente pasar de las partes más oscuras a las partes más brillantes. Hay más de este contraste estirado. Vamos a tirar hacia arriba este tiro de drone con el que estábamos jugando antes y vamos traer algunas curvas de color para hacer algunos ajustes. Este es un tiro de troncos, por lo que es muy plano. Se pueden ver todos mis valores de exposición están en el centro de la forma de onda luma. Lo que podría hacer es traer este punto superior y sacar esas nubes y todo esto en el cielo más cercade el cielo más cerca 100 porque esas son bastante blancas y luego voy a traer las partes más oscuras de mi imagen abajo hacia cero al traer el punto inferior más. Ahora esto es definitivamente como contraste cuando miras la forma de onda luma, pero quiero añadir más de una curva S a esto. Puedo sumar diferentes puntos y puedo cambiar diferentes aspectos. Digamos que quiero que las partes más brillantes de las nubes se pongan de blanco puro, pero no quiero que las nubes salgan juntas. Podrías ver que estoy ajustando diferentes partes de estas nubes para que en realidad puedas tener algo de textura en el cielo aquí. Ahora vamos a jugar con las partes más oscuras. Voy a sumar un par de puntos aquí. Quiero que esas sombras profundas se oscurezcan aún, todo lo demás se oscurezca un poco, y luego tal vez más de los tonos medios vayan un poco más brillantes. Se puede ver que en lugar de solo usar reflejos, tonos medios, sombras como tres puntos, ahora puedes agregar tantos puntos como quieras a lo largo de esta línea y hacer pequeños retoques para que realmente puedas marca en cómo quieres que se vean tus exposiciones cuando estés editando el tiro. Con el disparo, no hay saturación. Voy a agregar un tablero de color solo para poder agregar algo de saturación de nuevo al tiro y voy a hacer ajuste global. Voy a sacar mis reflejos, mis tonos medios, derribar mis sombras. Ahora uso mi forma de onda luma para cambiar los valores de exposición y hacer más contraste con mi toma, y acabo de usar el tablero de color para agregar la saturación de nuevo. Ahora tenemos estas tres líneas que son el canal rojo, verde y azul y estas funcionan la misma manera que tu forma de onda luma, excepto que están afectando tu color frente a solo tu exposición en general. Tu forma de onda luma es esencialmente las tres líneas juntas en una para que puedas ajustar todo a la vez. No estás cambiando el color de la imagen cuando estás haciendo tus ajustes. Déjame levantar esta rueda de color sólo para que pudieras ver una representación visual de esto. En tu canal rojo, la esquina superior izquierda aquí va a ser de color rojo puro. Lo contrario a eso de aquí abajo, la esquina inferior derecha va a ser cian. En verde, la esquina superior izquierda es verde y luego la esquina inferior derecha va a ser magenta. Entonces en el canal azul, la esquina superior izquierda va a ser azul y la esquina inferior derecha va a ser amarilla. Vas a mover estas líneas entre el color que es la línea y el color opuesto en la carta de colores. Porque se podía ver aquí en el gráfico, lo opuesto al azul es el amarillo y lo opuesto al verde es el magenta y lo opuesto al rojo es el cian. Sólo usando la rueda de color, déjame mostrarte esto. Si tire de mis reflejos hacia el rojo, todo se pone súper rojo y se podía ver todas las partes blancas de mi imagen se pusieron rojas. Ahora si tire esto aquí abajo, todo se vuelve cian. Nuevamente, la esquina inferior son tus sombras y la parte superior es tus reflejos. Puedes hacer ajustes igual la forma de onda luma y solo afectar a una parte de tu imagen si estás tratando de agregar más rojo o estás tratando de sacar el rojo en algo específico. Volvamos a nuestro tiro que teníamos. Digamos que queremos sumar más de un reparto de color al desierto. Esto es en los tonos medios, y lo que podría hacer es plantear un poco en el canal rojo hacia el rojo en el medio. Se podría decir, sólo estoy haciendo un muy ligero retoques. Lo más destacado en el cielo, quiero que esos se vayan más azules. No quiero afectar al resto de la imagen. Voy a poner aquí un par de puntos, y sólo voy a sacar partes del cielo y dejar que el resto se quede igual. Puedes empezar a usar el canal rojo, verde y azul si quieres hacer estos pequeños ajustes a los diferentes elementos del color en partes específicas de tu metraje. Estas son una herramienta súper poderosa y puedes sacar mucho de tu metraje con solo hacer pequeños ajustes en estas líneas. 8. Herramientas de degradación: curvas de la curva de la Hue: Cuando se trata de tus herramientas de gradación de color, las curvas de tono y saturación te van a dar la mayor flexibilidad y el control más creativo sobre tu imagen. Cuando levantes tus curvas de tono y saturación, aquí vas a ver muchos gráficos diferentes. Hay mucho que puedes hacer con esto y podría parecer un poco desalentador mirarlo, pero puedes ajustar cada color individual en tu imagen y no solo cambiar el color, sino tú puede cambiar el luma o el brillo o la oscuridad de la misma, y se podría cambiar la saturación en relación con los otros colores. Aquí es donde vas a entrar y realmente crear algunas miradas creativas fuera de tu metraje. Vamos a tirar nuestra rueda de color, y déjame simplemente mostrarte cómo funciona cada uno de estos. Tu tonalidad versus tonalidad es donde vas a cambiar los colores específicos. Puedes usar esta herramienta cuentagotas, seleccionar un color específico, decir verde, y luego podrías cambiar el color. Digamos que quiero que el verde se vuelva más verde azulado. Bueno, podrías usar estos puntos, ampliar este gráfico, y va a ajustar más de los colores alrededor del verde. Se puede ver aquí en la rueda de color, más de estos colores ahora están girando verde azulado. Si reduzco esto, va a ser muy específico a ese color que he seleccionado. Se podía ver aquí, está azulado justo en medio de todo este verde. Si tengo este tiro de mí mismo y tire hacia arriba la curva de saturación de tonalidad, podría apuntar solo a mi chaqueta, agarrar ese elemento, y podría cambiar los colores de la misma para poder hacerlo algo completamente diferente. Ahora verás otras partes de la imagen como mis labios y mi oreja, y algo aquí arriba también cambia. Te voy a mostrar una forma en la que puedes enmascarar estos fuera y realmente enfocarte en un elemento. Pero eso es algo en lo que entraremos más tarde una vez que pasemos por todas las diferentes herramientas. Al usar este gráfico, realmente se podría cambiar el tono de colores específicos. Volvamos a este tiro de dron con el que hemos estado jugando y vamos a tirar hacia arriba una curva de tono y saturación. Si quiero cambiar el color del cielo, usaré mi herramienta cuentagotas, agarra el cielo. Normalmente los ensancha un poco porque no quiero que el ajuste sea tan específico y quiero sentirme más natural, porque muchas veces si solo apuntas a un color, termina buscando antinatural. Voy a tirar esto hacia arriba y va a introducir más verde en las cercetas y voy a ir justo por ahí. Es un poco más verdoso allá arriba, un poco más verde azulado. Tiene esa mirada aqua a ella. Ahora voy a agarrar la Tierra aquí abajo. Quiero que eso se ponga más rojo. Voy a tirar hacia arriba en este gráfico y va a sumar un poco más de rojo. Ahora he cambiado por completo el aspecto de esto. Cuando encendemos y apagamos esto, se pudo ver que ha cambiado por completo el aspecto del disparo. Apenas la curva de tonalidad versus saturación realmente te permitirá ajustar tus colores y crear algo diferente. Si quieres que todo cambie más amarillo o más azul, puedes entrar aquí y apuntar colores específicos y cambiar el valor del color y puedes jugar con él moviéndose en diferentes direcciones. La mejor manera de tener una idea de cómo funciona esto es conseguir un tiro con un montón de colores diferentes y empezar a jugar con este gráfico y ver cómo puedes ajustarlo, y en qué momento empiezas rompiendo la imagen donde simplemente ya no se ve bien. Voy a restablecer usando este botón de reinicio en la esquina derecha, y hablemos de tonalidad versus saturación. Al igual que el de arriba aquí, puedes apuntar a colores específicos. Esta herramienta permite cambiar la saturación de esos colores. Voy a apuntar al cielo. Voy a abrir esto un poco y voy a hacerlos súper saturados. Ahora el cielo está muy saturado, pero todo lo demás es exactamente donde estaba antes. Puedes usar tu curva de tono versus saturación para cambiar la saturación de cosas específicas en tu toma. Volvamos a la rueda de color. Vamos a seleccionar solo esta sección aquí, que es el blues, y vamos a tirar eso hacia abajo. Bueno, se podía ver que ensanchar esto por ambos lados, básicamente todas las teals y los azules ahora están completamente desaturados. Yo muevo esto hacia arriba y es lo contrario. Esos están muy saturados. Puedo desaturar el resto del tiro. Lo único que estás viendo es ese espectro azul. Cuando estás mirando tu alcance vectorial, podrías ver lo que está saturado. Lo que se extienda desde el alcance vectorial está súper saturado. Cuando derribo esto, se mueve de nuevo hacia el centro. Vamos a restablecer. Hay buena saturación todo cuando miramos el alcance vectorial. Vamos a seleccionar los amarillos, vamos a tirar eso hacia arriba, y se puede ver cómo se está estirando o puedo bajarlo y se puede ver cómo va hacia el centro. matiz versus saturación es grande si hay un desequilibrio de saturación de un color específico. O si solo quieres hacer pop algo, podrías seleccionar ese color, aumentar un poco la saturación. El siguiente es tonalidad versus luma. Luma es valores de exposición. Puedes hacer que ciertas partes de tu tiro sean más brillantes u oscuras en función del color. Digamos que solo queremos que nuestros greens sean más oscuros. Vamos a agarrar eso. Agarra los greens y luego derribarlo. Se puede ver que todos los greens en este gráfico se están volviendo mucho más oscuros. Muchas veces esto sería bueno para como una escena forestal. Si quieres esa sensación profunda y exuberante en un bosque, podrías derribar todos los greens que hay en los árboles. Pero aquí hay un cuarto tiro, no es nada super especial. Pero si quisiera decir oscurecer estos colores, puedo agarrar los greens en el tiro, derribarlos en el luma solo un poco, y sí lo hace un poco oscuro y más profundo colores. Ahora también puedo ajustar el matiz versus tonalidad. Agarra eso. A lo mejor le agrego un poco más de azul, y luego agarremos por un tono versus saturación. Vamos a agarrar algo de este otro. Voy a simplemente desaturar mucho del resto de la imagen. Pero voy a impulsar los greens y luego voy a derribarlos aún más. Ahora el disparo ha cambiado por completo. Se puede ver que hice el matiz versus luma, que cambió estos colores específicos. Agregué algunas saturaciones diferentes y retoqué ligeramente el color. Ese es el antes y ese es el después. El matiz versus luma funciona muy bien si quieres derribar o traer diferentes partes de tu imagen en función del color. Ahora si lo empujas demasiado lejos, realmente va a empezar a parecer raro. Si realmente derribo estos greens, de repente es de aspecto muy antinatural y simplemente no se ve bien. Todo con estas saturación de tonalidades, curvas de luma de tonalidad, hay que finesarlo y realmente solo jugar y no empujarlo demasiado lejos donde empiezas a conseguir una imagen de aspecto extraño. La siguiente herramienta que tenemos es luma versus saturación. Esto lo usarás para sacar la saturación de los reflejos o las partes más oscuras de tu imagen, y podrías establecer dónde está eso agregando unos puntos de control en algún lugar del centro aquí. Para este tiro aquí tengo de mí mismo con mi chaqueta roja puesta, digamos que quiero sacar saturación de las partes más oscuras de esta imagen. No quiero afectar mi cara, que es más brillante. Agregaría aquí un punto de control y bajaría este punto izquierdo y saca la saturación de todas las partes más oscuras de la imagen. Se puede ver a medida que mueve este punto de control más a la derecha, comienza a afectar más de la imagen. Déjame solo hacer aquí un gráfico loco que nunca usarías. Pero se podía ver que toda la imagen está desaturada a excepción de esta parte. Simplemente te muestra cómo lo afectas moviéndolo a la izquierda o a la derecha sobre el disparo. Si hiciéramos este gráfico extraño aquí, se podría ver que todos estos puntos resaltados tienen toneladas de saturación. La mejor manera de pensar en el luma versus sat es decidir si quieres menos saturación en las sombras, derribar eso, y luego mover este punto de control a la izquierda o a la derecha dependiendo de cuánto de la imagen que quieres que afecte. Cuanto más empujes hacia la derecha, más se verán afectados los aspectos más destacados. Cuanto más empujas hacia la izquierda, sólo las sombras las que se ven afectadas. Puede agregar múltiples puntos de control si lo desea, y puede abrir diferentes secciones a diferentes valores. Ahora la siguiente herramienta es la saturación versus saturación. Esto funciona un poco diferente. Esta es toda tu saturación desde la izquierda siendo todo lo que no está saturado a todo a la derecha, cual está muy saturado. Tengo este tiro de cocinar algunas verduras y se puede ver hay mucha saturación en los rojos y los amarillos del tiro. Bueno, lo que podría hacer es establecer un punto de control en el centro y simplemente derribar los elementos más saturados. Se podía ver aquí rojo y amarillo. El rastro se está moviendo más hacia el centro cuando derribo este punto correcto. Ahora si muevo esto hacia arriba, se está alejando más de ese centro y se está volviendo sobresaturado. Ahora si quisiera no agregar ninguna saturación a estos elementos pero luego agregar un poco a todo lo demás, establecería un punto de control en el centro y luego sacar el lado izquierdo de este gráfico. Ahora el resto de la imagen se va a saturar, pero no va a afectar a estos elementos. Básicamente estás mirando elementos no saturados versus muy saturados, y lo usas para igualarlo. Si tienes un elemento, digamos, como una chaqueta roja súper brillante y es abrumador, bueno, solo podrías apuntar a ese elemento eligiendo estos elementos más saturados en el lado derecho y derribarlo. O si quieres que el resto de tu metraje coincida con esa chaqueta roja brillante, bueno, tomas el lado izquierdo de este gráfico y lo traes. Ahora la última herramienta a la que tienes acceso es básicamente cambiar la saturación en función de un color específico. Por defecto es naranja versus saturación, que es tonos de piel. Si quisiera decir mi rostro las sombras para no estar tan saturadas, tiraría hacia abajo por el lado izquierdo y luego me levantaría del lado derecho. Eso básicamente saca la saturación de las sombras y trae saturación en los reflejos. Podrías hacer esto con cualquier tonalidad. Podría apuntar, digamos, mi chaqueta roja y sacar las sombras para que estén sobresaturadas y derribar los reflejos. Podrías usar esto de diferentes maneras para ayudar a agregar edición aún más precisa a tu metraje. Por lo general vas a usar esto para el tono de piel. Si necesitas hacer ajustes y las cosas no se ven bien, puedes agregar saturación a diferentes elementos de ese color, por lo que los resaltados, tonos medios o sombras. Realmente puedes marcarlo colocando exactamente donde quieras en este gráfico agregando estos puntos de control. Ahora las curvas de saturación de tonalidad agrega muchas herramientas para que las uses y realmente empieces a tener sentido una vez que nos metemos en editar algunas metraje, y te muestro algunas averías de cómo lo abordo para poder crear mis notas de color para mi metraje. 9. Uso de capas de ajuste: Hablemos de capas de ajuste y cómo las uso para la gradación de color. Básicamente trabajaré en cada disparo forma independiente si estoy haciendo el grado de color inicial, que es para solucionar problemas. Ya ves tengo tres tomas aquí en mi línea de tiempo y todas son un poco diferentes. Cada uno tiene sus propios temas. Algunos de ellos son demasiado brillantes en secciones y sus colores podrían estar un poco apagados, y si solo hiciera un ajuste general a los tres, podría no funcionar correctamente arreglar los tres. Pasaría y ajustaría cada uno de estos de forma independiente, y luego si quisiera crear un look creativo, bueno, haría eso en esta capa de ajuste que tengo por encima de estos tres disparos, porque una vez que he hecho la edición inicial que corrige todos estos disparos y los coincide de tiro a tiro, entonces puedo hacer sólo un grado general de color y aplicarlo a todos ellos, así que no tengo que ir tiro a tiro y aplicar el mismo grado de color a cada uno. Sólo hagamos un grado de color rápido. Voy a cambiar el color de estas rocas, hacerlas un poco más rojas, sacar algo de eso. Ahora este efecto que he agregado en esta capa de ajuste se aplicará a los tres de estos disparos porque está por encima de los tres de ellos, y luego cada uno de estos disparos por los que puedo pasar y cambiar mis exposiciones y solucionar los problemas que tengo. Las capas de ajuste son una gran herramienta cuando vas desde tu grado de color inicial a tu grado de color secundario, por lo que cuando estés pensando tu grado de color en tu flujo de trabajo, solo haz color grados en tiros específicos, si sólo se aplica a ese tiro. Si tienes un grado de color que va a estar afectando múltiples tomas en una secuencia, hazlo en una capa de ajuste arriba para que no tengas que atravesar y ajustar cada disparo de forma independiente, si quieres hacer ajustes a tu grado de color después ya lo hayas aplicado a cada disparo. 10. Vignettes: Veamos otra herramienta de clasificación de color que me gusta usar llamada viñeta. Aquí es donde oscurece los bordes de tu marco. Cuando usas una viñeta, ayuda a crear más enfoque a lo que sea que estés filmando. Si tienes un sujeto en el centro y agregas una viñeta encendida, va a oscurecer los bordes y el centro se va a mantener más brillante. Esta es una buena herramienta para usar en tu bolsillo trasero si el tiro simplemente se siente demasiado brillante en general, pero no quieres simplemente oscurecer todo. Muchas veces usaré esto si solo quiero oscurecer las esquinas y poner más énfasis justo en el centro. 11. Qué es un LUT: Otra herramienta que vas a usar se llama LUT, y un LUT es solo un look prefabricado que solo agregas encima de tu metraje. Ahora, muchas veces escucharás a los creadores hablando sobre el uso de LUT y solo te da una forma instantánea obtener metraje de mejor aspecto. Pero la verdad no es que todo LUT va a funcionar por cada disparo que tengas. Todavía tienes que hacer alguna calificación de color cuando estás trabajando con LUT. No obstante, sí aceleran el flujo de trabajo para que no tengas que usar todas las diferentes herramientas para poder crear un look creativo. Muchas veces como usarás un LUT es que obtendrás que tu metraje se vea bien que llegues a ese look estándar. A veces se oye que se llama Rec. 709, pero básicamente es donde tienes contraste adecuado, la saturación adecuada, el color está ajustado, para que tu balance de blancos sea apropiado y básicamente estás listo para poner una mirada creativa. Es entonces cuando agregarás un LUT que sea más creativo y le da un estilo completamente diferente. Ahora también está lo que se llama una LUT transformada y una LUT transformada toma una imagen de registro y la lleva a Rec. 709. Entonces hace todo el contraste, saturación y color automáticamente por lo que tienes un tiro listo para empezar a hacer algo creativo. Entonces, si quisieras, podrías hacer un LUT transformado para llevar tu metraje a Rec. 709 y luego agrega un LUT creativo por encima de eso y luego en unos pocos pasos tienes algunas metraje guapo. Así que déjame mostrarte muy rápido cómo funciona esto. En Final Cut Pro, tienes un efecto llamado Custom LUT dependiendo de tu software de edición, posible que lo tengas en otro lugar. Así que solo busca tu software de edición, cómo aplicar un LUT. Estoy trabajando con una imagen de registro aquí desde mi DJI Mavic3 y primero voy a usar una LUT de conversión que he construido. Es una conversión de Dlog a Mavic3. Añado eso en y se puede ver en su forma de onda LUMO y su alcance vectorial, esto agrega contraste y saturación. Si apago esto, se remonta al log el cual tiene muy poco contraste y muy poca saturación. Así que sólo podría poner el metraje fuera así si quisiera hacer una edición rápida. Si no estoy buscando hacer algo creativo y solo quiero el metraje se vea bien eso es más o menos todo lo que necesito hacer. Pero si no necesitara hacer algunos ajustes rápidos para la exposición porque no expongo correctamente en cámara trao ni mis tableros de color y Final Cut o ruedas de color y podría ajustar mis reflejos abajo un tad, mis tonos medios un poco tal vez en traer más oscuro, impulsar la saturación y los reflejos y derribar mis sombras. Con solo unos pequeños retoques, hice que el tiro se viera aún mejor. Entonces desde aquí puedo añadir en un look creativo vamos a caer en otro LUT y voy a sacar a la luz este que llamo Hollywood. Cambia instantáneamente todos los colores a más naranja verde azulado. Ese look clásico de cine de Hollywood. Con estos LUT puedes llevarlos por completo o puedes mezclarlo. Es sólo el 70 por ciento o tal vez el 50 por ciento. Entonces si un LUT es demasiado fuerte, se puede marcar hacia atrás y no tener un look tan intenso. Entonces con algunos ajustes menores tenemos un look completamente diferente y algo que tiene más de este estilo creativo. Un LUT es un archivo de cubo de puntos. Es algo que encontrarás de forma gratuita en línea o puedes comprarlos a diferentes creadores, pero encontrarás diferentes packs LUT que coincidan con lo que es lo que estás creando y podrías fácilmente solo utilízalos en tu flujo de trabajo de edición. Personalmente, tengo mi propio conjunto de LUT que he generado a partir de mis diferentes grados de color y te voy a mostrar hacia el final de este curso cómo puedes hacer tus propios LUT. Así que cuando tu gradación de color, si tienes un cierto aspecto que te gusta usar una y otra vez y es algo que siempre puedes usar para que todo tu flujo de trabajo de edición sea mucho más rápido. 12. Máscaras: Hablemos de otra herramienta que me gusta usar para tomas difíciles de calificar y que se llama máscara. Hay algunas formas diferentes de que puedes hacer una máscara cuando tu gradación de color. En Final Cut, si buscas bajo tus efectos y simplemente tecleas máscara, puedes ver estas diferentes máscaras que aparecerán. Puedes dibujar una que básicamente puedes establecer tu propia máscara. puede utilizar una máscara graduada, que plumas el efecto de un lado a otro. Puedes hacer una forma, puedes hacer una viñeta, puedes hacer una imagen. Cuando estás haciendo correcciones de color como ruedas de color, en realidad puedes obtener una máscara de forma aquí mismo. Si abres tus ruedas de color, haces una forma, puedes hacer un círculo en la pantalla y puedes modificarlo para que solo afecte esa parte de la imagen y luego puedas hacer plumas del efecto. Si fuera a hacerlo súper brillante, podía ver cómo sólo afecta dónde está esa forma y yo podría cambiar el emplumado de la misma agarrando este anillo exterior y haciéndolo más fuerte o menos. Ahora también podría invertir esto y hacer justo fuera del ring y luego corte final. También podrías rastrear usando el rastreador que está integrado en Final Cut, o podrías fotograma clave y efecto y en realidad hacer que se mueva dependiendo de dónde quieras que esto cambie a lo largo de tu fotograma. Hay muchas maneras en que puedes usar máscaras y notas de color y poder teclearlo y rastrearlo. Tenemos este tiro aquí de estos camiones pasando esta vista de paisaje con este raro tótem pequeño en el centro. Quiero colorear calificar este tiro, pero quiero colorear calificar el cielo manera diferente que el primer plano. Primero voy a hacer una corrección general sobre toda la imagen. Voy a bajar mi exposición, derribar mis medios. Voy a ajustar mis sombras un poco y solo llegaré esto a donde me gusta en general. Ahora, quiero ajustar el cielo. En realidad voy a duplicar este clip y poner otra versión del mismo clip encima. Voy a añadir una máscara graduada a esa de arriba. Ahora, cuando entramos a nuestro inspector y agregamos máscara graduada agarrada, pudimos ver que puedo hacer ajustes y sólo va a afectar la parte superior aquí. Tengo estos dos discos que puedo ajustar en función de dónde lo quiera y cuánto emplumado. Ahora puedo hacer ajustes solo al cielo. Voy a modificar esto. En realidad quiero derribar mis tonos medios y mis reflejos un poco más de lo que haría para el primer plano. Todavía quiero mantener mi contraste. Sólo me estoy metiendo con mis curvas, y luego quiero cambiar mi blues y poner un poco más amarillo y un poco más magenta en eso. Entonces vamos a ir a una curva de saturación de tonalidad, derribar mi tonalidad vs luma. Cambia ligeramente el color, un poco más verde azulado. Cuando enciendo y apago este clip, se podía ver que sólo estoy afectando las porciones del cielo del disparo. Me he deshecho de mucho de ese azul, lo he hecho más amarillo y he cambiado la exposición. Podrías usar una de estas máscaras para cambiar diferentes elementos dentro de tu tiro. Cuando nos metamos en algunos ejemplos más, te mostraré cómo usarlos de algunas maneras diferentes para arreglar algunas cosas diferentes. Pero solo debes saber que puedes cortar parte de tu imagen y arreglar las cosas así si tienes un aspecto que sea realmente brillante, un aspecto Es realmente oscuro, puedes trabajar de forma independiente en ambos esos y mezcle en el medio para que el choque se junte y tenga una mejor mirada en general. Muchas veces obtendrás un tiro que tiene un grado de color difícil para trabajar, y es mejor trabajar forma independiente en dos secciones de lo que es intentar hacer una calificación general que afecta todo en tu tiro. 13. Corrige los problemas: Tres problemas que vas a encontrar cuando estás en la clasificación de color son bandas, ruido y bloqueo de color. Cuando empujas el color y la saturación y la exposición a tu metraje, dependiendo de cómo lo grabaste, la imagen podría romperse. Ya hemos hablado en esto temprano en este curso, pero quiero mostrarles cómo se pueden solucionar algunos de estos problemas y también qué tener en cuenta. Banding es donde se ven estas líneas que sucederán a través del metraje. A menudo, cuando ajustes el color en un cielo y lo empujas demasiado lejos, comenzarás a ver que estas bandas aparecen. Verás ruido en el metraje en las partes más oscuras o también si realzas tu ISO demasiado alto cuando estés filmando. Si estás en una escena más oscura o te has expuesto a bajas y luego traes la exposición en tu software de edición, vas a obtener más de este ruido. El bloqueo de color es donde estás empujando la imagen demasiado lejos y en realidad ves que los colores comienzan a romperse y verás estos pequeños bloques raros por todo el metraje. Ahora, a veces vas a disparar y necesitarás usar un tiro y necesitas realmente empujar el grado de color. Hay una manera de que podrías arreglar esto. No es perfecto, pero sí funciona para cosas como cielos o partes de tu imagen que no son el enfoque completo. El idea es que vamos a enmascarar esas secciones y luego les vamos a dar un ligero desenfoque. Cuando agregas un ligero desenfoque a esas secciones, esconde esos temas que aparecen cuando haces el grado de color. El disparo de los pináculos Trona de camiones que circulan por este paisaje. Está en registros, así que tengo que empujar los códigos bastante lejos para obtener una buena exposición de esto. Cuando encienda esta capa de ajuste, verás que tengo un LUT personalizado, que es un LUT mavick3 transformado que hice, y luego tengo una curva de saturación de tonalidad. Cuando hago clic en este ícono, se levanta para mostrarte lo que he hecho. He retocado el paisaje del desierto y he retocado el cielo tanto de forma independiente en el gráfico Hue vs Hue y luego he agregado algo de saturación en la saturación del verso de Hue usando el disco izquierdo. Eso me permite darme más saturación. Ahora, en general, esto se ve decente, pero sí quería hacer un grado de color adicional en este tiro específicamente. En el propio clip real, hice una curva secundaria que agrega mucho más contraste al tiro. Esta toma forma parte de una secuencia por lo que la capa de ajuste con la transformada LUT y el cambio de color se va a aplicar a todos los clips en secuencia. Cada disparo tiene una exposición diferente por lo que voy a ajustar cada curva un poco diferente para que coincidan. Para esta escena, quería un look contrastante realmente oscuro. Eso es lo que hice con esta curva. Creé una curva S súper fuerte para que las sombras caigan realmente oscuras y los aspectos más destacados siguen siendo bastante brillantes. Ahora el tema es cuando acercamos al 100 por ciento, podríamos subir al cielo, mirar toda esa banda. Se ve horrible y así que cuando lo vuelvas a tocar, verás que todas esas bandas están bailando por ahí. Esto es muy notable cuando los espectadores lo ven de vuelta y simplemente no se ve tan bien. Lo bueno de este tiro es que está en el cielo. La forma en que se expuso el cielo es lo que se está rompiendo. Lo que vamos a hacer es enmascarar fuera del cielo y añadir un poco de borroso. Vamos a traer esto de vuelta para que se ajuste a nuestra pantalla. Primero iré y copiaré el tiro. Voy a añadirlo por encima del otro tiro. Ahora están apilados. Voy a añadir el efecto de máscara de sorteo en corte final. En el software de edición que utilices, tendrás que encontrar el efecto de dónde puedes dibujar una máscara. Cómo funciona esto es que voy a mi efecto de máscara de dibujo en mi inspector y puedo empezar a dibujar puntos. En realidad voy a hacer este 25 por ciento para poder salir afuera y voy a empezar a sumar algunos puntos alrededor de esa sección que tiene la banda. Es básicamente todo este cielo azul. Básicamente, he dibujado una máscara que está justo alrededor de esa sección. Se puede ver si traigo mis curvas y realmente me meto con ellas, sólo está afectando el área que está en esa máscara. Lo que quiero hacer es encontrar un desenfoque. Me gusta usar el desenfoque gaussiano. Sólo agregaré eso a este tiro. Tengo mi color, mi máscara, y mi desenfoque y se puede ver su creado algunos artefactos raros en este momento, así que vamos a ajustar eso. En primer lugar, con mi máscara de empate, voy a cambiar cuánto he avanzado el tiro. Voy a acercarme. Voy a echar un vistazo a mis bordes y jugaremos con mi decaimiento. Para el desenfoque, veremos el cielo donde está la banda y bajaremos esto a donde pudimos ver las bandas y luego traerlo hasta donde la banda empieza a desaparecer. Ahora la banda se ha ido más o menos. Voy a sacar mi máscara y voy a ajustar estos puntos para que no haya ningún desenfoque raro ocurriendo en partes de mi tiro que deberían ser afiladas. Es por eso que no va a funcionar para cada disparo que uses porque si desenfocas algo y es notablemente borrosa va a llamar la atención sobre eso. Si tienes bandas o ruido en partes de tu imagen que son planas o algo así como un cielo o algo que sea como una sección más oscura donde puedes difuminar y no lo notarás, puede utilizar este método para poder solucionar estos problemas. Voy dando vueltas y retocando estos bordes, redibujando mi máscara. Volvamos al 25 por ciento. Cuando juguemos el tiro de vuelta, notarás que la banda se ha ido. Ahora, este método no es perfecto, pero sí se deshace de algunos trozos grandes de tu metraje que tiene este notable tema en él. Si tienes un cielo que es azul así y tienes estas bandas, es mejor difuminarlo que dejarlo con estas rayas en el cielo. También con tomas en movimiento, puedes fotograma clave esta máscara. Si tus bordes necesitan cambiar ligeramente de principio a fin del disparo, puedes atravesar y fotograma clave y mover estos puntos para seguir tu disparo. Si tiene múltiples problemas a lo largo de su marco, puede usar múltiples máscaras, y crear capas adicionales y simplemente arreglar pequeñas partes de cada una. Se necesita más tiempo. Pero si tienes un tiro súper complicado que tiene muchos problemas, puedes pasar y retocar pequeños elementos y poder arreglarlo y hacer que se vea mucho mejor en la edición. 14. Crea LUTS personalizados: Hablemos de cómo puedes crear tus propios LUTS. Si tienes un grado de color específico que usas una y otra vez, o quieres tener estos looks diferentes que luego puedes compartir con otros puedes crear un LUT. Es un archivo de cubo de puntos. Para tu software de edición, vas a tener que ver si puedes exportar un archivo de cubo de puntos desde el grado de color que has creado. En el corte final, no hay forma de exportar un archivo de cubo de puntos. Uso un programa llamado Color Finale Pro. Este programa te da las mismas herramientas de calificación de color de las que hemos estado hablando en este curso. No obstante, también te da la posibilidad de exportar eso como un archivo de cubo de puntos que luego puedes usar como LUT. En Final Cut cuando tengas instalado Color Finale Pro, solo puedes dejarlo caer en tu metraje, y luego en tu inspector, tienes todas tus herramientas de color y tienes esta ventana adicional que puede pop arriba que tiene sus ruedas de color, sus curvas. Cuenta con una herramienta adicional de degradado de color llamada 6 vectores. Entonces tiene tus curvas HSL, tu tono, y curvas de saturación. Entonces también tienes tu exposición, tu contraste, tu balance de blancos o saturación, y tu nitidez. Tienes muchas de las mismas herramientas. Simplemente está organizado un poco diferente. Con Color Finale Pro, estos tres puntos en la esquina superior derecha y haces click en esto y podrás exportar como LUT. Cualquier cosa que hagas cuando estás haciendo tus calificaciones de color en Color Finale Pro, entonces puedes exportar, y luego puedes usar ese archivo de cubo de puntos y solo usar eso como LUT. Sólo vamos a darte un ejemplo rápido. Tengo el tiro, que es un tiro bastante genial que acabo de cronometrarlo perfectamente. Estaba de excursión y cogí el tren pasando, así que digamos que quería crear un trazado de un grado de color para el tiro. Esto fue originalmente filmado en estándares, por lo que no necesito hacer una conversión LUT. Sólo voy a empezar a retocar los colores. Vamos a hacer una curva S en el tiro. Hagamos el contraste más alto. Quiero derribar un poco mis reflejos. Quiero bajar mis sombras, y simplemente silenciemos un poco estos elementos oscuros. No quiero negro puro en mi tiro, quiero ese tono silenciado, de mal humor. Voy a sacar las partes oscuras que estén por encima de cero. Verás que comienza a crear más de un desvanecimiento en estas partes más oscuras de la imagen, y eso se ve bastante sólido para este tiro. Ahora quiero añadir un poco de rojo a mis reflejos, así que voy a retocar un poco esta curva. Voy a sacar algo de verde de las sombras. Sólo estoy jugando con las curvas en este momento. Podemos llevar esto más lejos y hacer algo de matiz y saturación, por lo que tomaré mi saturación de este elemento, soltar eso un poco. La idea es que estoy creando más de esta mirada de mal humor a mi tiro. Ahora, puedo pasar y salir a exportar como LUT. Voy a llamar a este tren de mal humor, y ahora he explotado un archivo de cubo de puntos. Vamos a llevar esto a otro tiro. Por lo que tengo este tiro de senderismo aquí. Voy a volver al Final Cut. Voy a encontrar mi efecto LUT personalizado, añadir una nueva luz, y vamos a añadir este tren moody LUT. Por lo que solo traes el archivo de cubo de puntos en el LUT personalizado y se ha aplicado ese mismo look. Ahora podría necesitar retocar el tiro un poco más, o podría derribar la mezcla de esta LUT para que no sea tan fuerte. Puedes crear tus propios LUTS, crear tus propios looks y luego podrías compartirlos con otros o usarlos en tu propio metraje y simplemente tener una biblioteca de LUTS. Ahora, desafortunadamente, no hay forma de hacerlo en Final Cut Pro, no se puede exportar un LUT. No obstante, si usas una pieza de software como Color Finale Pro, entonces esta es una herramienta que está en ese software. Ahora, dependiendo del programa en el que estés trabajando, si estás en Resolve Premiere, algo más, podrías tener esta opción para exportar un LUT. Es solo una característica que quieres buscar si esto es algo que quieres hacer en tu gradación de color. 15. Flujo de trabajo: Hemos repasado un montón de herramientas diferentes que vas a utilizar para la gradación de color. Pero solo quiero tener una discusión rápida sobre cómo realmente grado de color y qué buscas realmente y qué hacer incluso con tu metraje. Aquí es donde va a entrar en juego tu creatividad porque la clasificación del color no es sencilla. No es como si hicieras X, Y, y Z cada vez. Depende más de lo que quieras de este metraje. Te he mostrado algunos looks diferentes a lo largo de este curso, ya sea algo que es más como un look estándar simplemente limpio, o querías algo más extremo como el look de Hollywood o el look moody que creé en la sección personalizada “Qué”. Hay tantas maneras en que puedes hacerlo y todo se reduce a tu estilo y cuáles son los propósitos del video que estás creando. El otro gran cosa es ¿qué tipo de notas de color te gustan? Algo que es una buena práctica es comenzar a guardar capturas de pantalla de diferentes videos que te gustó el grado de color. Si ves una película o estás viendo un video de YouTube y ves una nota de color que te guste, guarda esas capturas de pantalla porque siempre puedes referirte a ellas, y puedes empezar a ver qué opciones ese creador hizo para poder conseguir ese look de grado de color. Solo hay algunas cosas clave que debes mirar en un tiro para poder entender cómo calificas de color para obtener ese mismo tipo de look. El primero es tu exposición. Son todos los elementos en un tiro brillantes, ¿están todos oscuros? ¿ Cuánto contraste hay entre ellos? ¿ Hay mucho contraste o está más silenciado? quieres mirar tus valores de exposición en general en una toma. Lo segundo que quieres mirar es tu color. ¿ Qué colores ves? Entonces, ¿cuánta saturación hay en cada uno de esos colores? Si tienes algo así como un rojo o un azul en tu tiro y es súper vibrante, bueno eso te dice que hay mucha saturación para ese color. Pero si todo se ve muy apagado y es una sensación muy lavada, hay mucha menos saturación. También si solo aparecen ciertos colores, bueno entonces va a haber algunos cambios en el espectro de colores. Si solo estás viendo naranjas y cercetas, bueno entonces puedes tener la sensación que el creador que ha trabajado en esto ha empujado los colores al espectro naranja y verde azulado y ha silenciado algunos de los otros colores en ese tiro. Otra cosa que puedes hacer es cuando tengas capturas de pantalla de imágenes de diferentes creadores, bueno puedes llevarlas a tu software de edición y mirar el vectorscopio y la forma de onda. Aquí hay una idea de color que estoy mirando para una película en la que estoy trabajando. Esto me da una buena idea de cuánto contraste hay en el tiro, donde están sentados los reflejos, donde están sentadas las sombras, y luego también donde todos los colores están sentados en el vectorscopio. Pude ver que no hay mucha saturación para los azules, cianes, y verdes, pero hay mucha saturación para rojo y amarillos y las naranjas, y así pude ver donde el los colores se posicionan en mi vectorscopio, puedo ver dónde están en esta forma de onda, e incluso puedo traer mi RGB Parade y obtener una sensación del canal rojo es súper brillante y el verde y el azul están apagados. El azul es aún menor que el verde. Puedo empezar a ver dónde se desplaza el color en el tiro y puedo empezar a tomar decisiones sobre cómo puedo empezar a empujar los colores en mi propio tiro para que coincida con algo como esto. Sugiero crear una carpeta en tu escritorio. Siempre que veas algo que te guste, guarda una captura de pantalla y solo te dará una referencia a la que volver y darte algunas ideas de con qué jugar cuando estés en tu software de edición. Con cualquier cosa creativa, solo se necesita práctica. Entonces cuanto más estés mirando las calificaciones de color y veas cómo otros creadores están usando el contraste de exposición, saturación, el color en sus propios videos, comenzarás a notar tendencias y comenzarás a ver cosas que te gustan. Cuanto más juegues con estas herramientas de gradación de color, más fácil será lograr estos diferentes looks, y podrás empezar a crear tu propio estilo y encontrar un look que realmente te refleja y los videos que te gusta crear. 16. Breakdowns del color del grado: Ahora que hemos pasado por todas las herramientas y solo todas las ideas en torno a la gradación de color, el siguiente paso es realmente pasar por algunas notas de color juntos y simplemente guiarte a través de mi proceso. Ahora todo el mundo va a colorear grado un poco diferente y puedes usar todas estas herramientas para elaborar tu grado de color. Podrías usar las ruedas de color y las curvas, o simplemente podrías usar las curvas, o podrías ser alguien que solo necesita usar las curvas HSL. No hay manera correcta ni equivocada. Aquí tenemos algunos ejemplos de diferentes escenarios que me he encontrado trabajando en un proyecto. En cambio, te voy a mostrar diferentes técnicas en cada uno de estos videos y mostrarte cómo voy a utilizar básicamente todas las herramientas y en diferentes capacidades para poder arreglar estas tomas y crear algo creativo que tenga un look específico para este metraje. 17. Grado básico de color: Apenas limpiemos un choque básico y hagamos que se vea bien. Tengo el tiro de mí mismo, no se ve mal, está rodado en un perfil natural. Estoy usando S-Cinetone en un Sony A7s Mark III, que sí tiene un poco más de una mirada apagada, no es tan contrastante. Vamos a sumar contraste y luego vamos a limpiar los colores. En primer lugar, echaremos un vistazo a nuestras formas de onda luma en nuestro alcance vectorial, y vemos que algunas de las exposiciones están muy por encima de 100. Ahora Esta cámara puede grabar un poco de información extra, por lo que puedo traer eso de vuelta. Tenemos saturación hacia el amarillo y el rojo. Ahora una cosa que puedes hacer es revisar tus tonos de piel. Esta línea justo aquí en el alcance vectorial es tu línea de tono de piel. Aquí es donde generalmente debe golpear tu tono de piel, y le tendrá un buen aspecto. Si nos acercamos a mi cara solamente, y se podía ver aquí mismo que mucho del color se desplaza hacia esa línea de tono de piel. Se podía ver cómo podríamos conseguir turno esa línea de ida y vuelta, podríamos sacar naranja, podemos sumar en más amarillo, y se desplaza hacia adelante y hacia atrás a través de esa línea. Cuando los tonos de piel están golpeando justo alrededor esa línea es donde se ven bastante bien. Hagamos alguna calificación. En primer lugar, voy a levantar mis curvas de color porque eso es lo que me gusta usar, y voy a bajar mis reflejos. Estos están sobreexpuestos, así que solo estoy bajando eso a alrededor de 100. Ahora quiero que mis sombras sean un poco más oscuras, así que voy a tirar de la derecha mi forma de onda luma hasta que mis sombras estén golpeando justo alrededor de cero. Ahora voy a crear un punto en el medio y luego uno en cada tercio, y voy a crear más de una curva S. Voy a sacar mis reflejos y derribar mis sombras, y luego solo agregaré mucho más contraste al tiro, y luego ajustaré mis tonos medios a donde me guste. Ahora el tiro tiene mucho más contraste. Para mí todo le tiene un tinte amarillo, y se puede ver que aquí hay mucho amarillo. Voy a tomar mi línea roja y sólo voy a darle un toque ligeramente en los tonos medios. Definitivamente no quieres volverte demasiado loco con estos, sobre todo cuando solo estás tratando de hacer una buena mirada. Ahora voy a levantar mis curvas HSL, mis curvas de saturación de tono. Quiero sacar la saturación de las sombras, así que voy a derribar mi Luma contra el Sáb. Va a tirar de las sombras y hacerlas menos saturadas. Entonces en general, creo que necesita un poco de saturación, así que voy a impulsar Hue versus Sat. Se va a levantar toda la saturación, tal vez derribar a este Luma versus Sat un poco más. Creo que eso parece un tiro bastante sólido. puede ver el antes y el después, es sólo un cambio sutil, cambiar el color ligeramente, y luego también añadí más contraste. No tienes que volverte loco con tus notas de color, solo necesitas hacer lo que tenga sentido para el tiro en el que estás trabajando. Para gran parte del contenido que creo en mi canal de YouTube, solo quiero que se vea bien. Agregaré contraste, podría ajustar ligeramente el color, y voy a jugar con saturación solo para que brote y le tenga un buen aspecto. 18. Crear contrastes: Así que ahora vamos a arreglar un tiro que luce lavado y tiene un montón de colores diferentes en ella. Esto es de un viaje que hice por Utah. Hay un montón de greens, blues. Ves el rojo en el propio Jeep. En general, esto se ve bastante lavado. Esto es de una cámara de acción. Dependiendo de la grabación de la cámara, es posible que tengas algunas imágenes de aspecto estropeado. Vamos a levantar las ruedas de nuestro coche y ajustarnos usando estas en éste. Como se puede decir, hay muchos contrastes en la saturación. El tema es que está lavado mirando. Eso me dice que quiero derribar mis medios porque mis sombras ya están casi en cero y mis reflejos están más o menos en un 100. Voy a jugar con mis tonos medios. Sólo voy a bajar toda la gama y podría traer un poco mis sombras, voy a traer mis reflejos también. medida que bajas tus tonos medios, es posible que tengas que hacer algunos pequeños ajustes a tus reflejos y sombras cuando estés trabajando con esta herramienta. Ese tiro tiene mucho más contraste ahora. Lo siguiente es, ¿qué queremos hacer con nuestros colores? Tenemos este rojo brillante, este azul brillante, este verde brillante. Este tiro funciona si solo queremos un look estándar y solo queremos que solo tenga saturación. Pero si queremos crear una mirada fuera de esto, queremos empezar a ajustar estos. Voy a sacar nuestras curvas HSL y quiero oscurecer los greens en esto. Voy a ir a Hue vs Luma. Voy a usar mi cuentagotas, agarrar los greens, así que está por ahí. Se trata de los greens, rojos y las naranjas. Quiero hacerlos más oscuros y el cielo está un poco demasiado saturado para mí. Voy a agarrar mi cuentagotas, agarrar el cielo. Voy a expandirlos hacia fuera. Voy a desaturar el cielo, porque no quiero el pesado cielo azul en este tiro. Ahora, este rojo tiene mucha saturación pasando. Si derribo el sat versus sentado, va a tirar hacia abajo cualquier cosa que esté excesivamente saturada y que se mezcle con el resto. Ahora eso coincide con todo lo demás en el tiro. Entonces si uso mi luma versus sat, voy a derribar la saturación de mis sombras. Quiero enfatizar las opciones creativas, porque podrías pensar que quieres más saturación en el cielo o quieres más saturación en la lata de combustible, todo se reduce a lo que te gusta ver y cuál es tu objetivo con el video. Es por eso que sigo estresando, encuentro diferentes looks que te gusten, encuentro diferentes ejemplos y empiezo a ver cómo usan el color de contraste, saturación y la exposición, y cómo la imagen general miradas. Porque cuando te metes en la clasificación de colores, tienes que tomar todas estas decisiones. ¿ Quieres agregar saturación a estos elementos? ¿ O quieres sacarlo de estos elementos? Todos estos van a ser decisiones que vas a tener que tomar cuando estés haciendo tu grado de color. 19. Corrige un cielo: Arreglemos un cielo. En esta muestra, el cielo es demasiado brillante. Me gustaría bajar la exposición. Entonces quiero sacar algunos de los blues y quiero sumar un poco más amarillos para que se sienta como si fuera más por la mañana. Lo primero que voy a hacer es simplemente mirar mi imagen general. ¿ Quiero ajustarlo todo o quiero ajustar solo el cielo? Voy a sacar mis ruedas de color. Voy a derribar los aspectos más destacados. Voy a derribar mis tonos medianos. Eso es más o menos por lo que quiero estirarlo para esta zona baja de aquí abajo. Voy a duplicar este tiro, ponerlo encima, y luego quiero sacar mis máscaras. Quiero usar una máscara graduada. Voy a apagar el tiro debajo para poder ver lo que estoy afectando. Voy a cerrar esto un poco por lo que es sólo el cielo, volver a mis ruedas de color, y quiero añadir un poco más de rojos, amarillos en el tiro. Quiero bajar aún más mis tonos medianos, tal vez mis sombras, así que realmente obtengo un buen contraste fuera del cielo. Ahora, otra forma de hacer esto si no estuviéramos usando ruedas de color sería volver a las curvas de color y crear más de una curva S. Entonces volvamos nuestro tiro debajo. Ahora, se puede ver que el cielo ha sido traído de vuelta. Pero además, si quieres tener aún más color empujado al tiro, podría entrar en mis curvas de color y podría añadir un poco más de rojo al tiro, tal vez añadir un poco más verde para que se vuelva amarillo, y luego me metería con mi máscara un poco más por lo que tiene más de esta mirada gradual de arriba a abajo. Ahora he creado más de un look de amanecer para este metraje y retocado solo el cielo, no metido demasiado con el primer plano y los elementos en la parte inferior. 20. Haz un pop.: Hagamos un color pop en una escena. Tengo el tiro aquí y soy yo caminando por el Racetrack Playa fuera en Death Valley y tengo esta chaqueta roja puesta. Realmente quiero que este rojo pop contra este paisaje muy estéril. Lo que vamos a hacer es hacer algunos ajustes iniciales para empezar, sólo vamos a añadir una curva de color. Vamos a ajustar nuestra luma. Quiero bajar mis reflejos, tomar mis tonos medios. Agreguemos algo de contraste a la escena. Llevemos las sombras hacia cero. Vamos a sacar a la luz la exposición de la tierra. Ahora, tenemos más contraste en este tiro. Parece que mi chaqueta se está oscureciendo un poco ahora. Quiero hacer ese pop y luego también quiero que el rojo se destaque realmente. Vamos a traer una curva de tonalidad y saturación. Voy a agarrar primero mi chaqueta, tonalidad versus tonalidad, acercar al 100%. Se ve un poco naranja. Sólo quiero hacerlo un poco más rojo. Puedo derribarlo, se vuelve más amarillo, traerlo hacia arriba, se vuelve más magenta. Acabo de ajustar ligeramente el color. Eso me gusta. Ahora va a matizar versus saturación. Voy a agarrar la chaqueta, misma cosa que acabo de hacer y sólo vamos a sacar la saturación en la chaqueta. Entonces lo último que voy a hacer es agregarle algo de brillo. Voy a añadir hue verso luma, y sólo voy a sacar eso. Ahora tengo un poco más de brillo en esa chaqueta. Ahora ese va a ser el elemento más saturado del tiro y el resto de esto está un poco desaturado. Puedo hacer eso aún más desaturado tirando hacia abajo en el SAT frente al SAT. Podrías ver que si me tire hacia arriba la chaqueta es lo único que la saturación. Vamos a subir la chaqueta y todo lo demás a aquí. Entonces voy a volver y voy a retocar un poco más mis curvas. Sólo quiero cambiar un par de elementos aquí y ahora tengo un tiro donde la chaqueta se remata por este paisaje. Puedes agarrar eso, puedes cambiar el tono, puedes agregar algo de luma o saturación y realmente hacerlo pop en comparación con el resto de la escena que estás filmando. 21. Coincidencia creativa: Hablemos de emparejar dos tomas y luego crear un look creativo. Tengo estos dos disparos. Es uno de mí caminando por el trono de pináculos y luego el segundo es que estoy en el paisaje en la distancia. Ahora, estos dos disparos tienen colores y exposiciones completamente diferentes y todo sobre ellos. Hay muchas cosas que tenemos que arreglar sobre estos dos tiros. Primero voy a trabajar en este primer tiro. Voy a levantar mis ruedas de color. Mis colores aquí se ven como si hubiera un reparto de color de un amarillo-rojo en él. Voy a alejarme un poco de los amarillos y volver a poner un poco más de azul en el tiro. Sólo estoy haciendo un ajuste global aquí. También se podía ver por aquí, tomar y bajar esto, solo estoy cambiando los colores hacia más azul cian. Ahora también mi exposición es un poco oscura, así que vamos a sacar mis curvas de color. No quiero volverme loco con esto porque es una toma de amanecer, tan creativamente, quiero mantener esto un poco más tenue. No quiero tenerlo tan brillante, pero sí quiero sacar a la luz esta región. Puedo usar mi cuentagotas, y simplemente empujándolo por aquí muestra qué parte de la imagen es esta. Voy a hacer un punto aquí. Voy a hacer un punto aquí, y sólo voy a traer ese primer plano un poco. Eso está empezando a verse mejor y más lo que quiero para el tiro. Quiero igualar mi segundo tiro con este tiro. Este tiro es muy azul. En realidad voy a copiar este primer disparo. Voy a dejarlo caer sobre el segundo tiro y voy a usar un cultivo y recortarlo solo para que pueda tener una idea de los colores que estoy buscando. Ahora puedo encender y apagar esto si solo quiero una referencia. Se podía ver que en el tiro, cuando los pongo lado a lado, mi primer disparo está muy silenciado. Los aspectos más destacados están aquí abajo a 75 y las sombras están aquí abajo. El segundo tiro tiene mucho más contraste en él. El motivo es que cambié donde estaba mirando y estoy mirando más al amanecer. Vamos a sacar primero nuestras curvas de color. Voy a derribar mi exposición, pero no quiero derribarla demasiado porque esto debería mantenerse brillante. Esa es la salida del sol. Tira de mis medios de nuevo un poco. No quiero volverme demasiado loco con esto, pero sí quiero mantener este duro contraste. Tengo un poco de exposición en esos medios, y eso se ve bastante bien. Ahora solo a juzgar la exposición, esos están emparejando un poco mejor. Ahora podría bajar aún más mis reflejos, y eso tiene una mirada muy cercana. Ahora tenemos que lidiar con el color. Hay muchas más naranjas y rojos y amarillos en esto, y esto es todo blues, verde azulado, y cianes. Muy bien. Vamos a ajustar un poco más en las curvas de color. Voy a tomar mi rojo, lo voy a cambiar más hacia el rojo. Los aspectos más destacados están empujando más hacia el rojo. Entonces quiero que mis blues empujan más amarillos. Esa es una bonita curva general a lo largo de todo el tiro. Entonces acabo de afectar los aspectos más destacados aquí con la curva roja. Entonces vamos a añadir unas ruedas de color. Entonces solo quiero empujar los reflejos en este rojo-amarillo, creando más de un reparto de color a través de toda la imagen. Saca un poco de los azules de las sombras. Ahora cuando pongamos estos de lado a lado, verás que ese primer disparo tiene mucho más de este acero azul en él. Ahora vamos a añadir una curva de saturación de tono. Voy a mirar esta región. Esta es la única región que realmente tiene azul en ella, y es una especie de ese color magenta. Voy a añadir un poco más azul de nuevo al cielo solo porque el último tiro tiene algo de eso y quiero que coincida tanto como pueda. Ahora todo este tiro en general se ve más rojo. Todo este tiro tiene mucha más saturación. Sólo voy a tirar hacia abajo del cielo que me toco tirando hacia abajo en esta zona púrpura. Entonces Hue vs Luma, voy a dejar eso. Entonces voy a venir a mi SAT para SAT, voy a derribar solo las partes súper saturadas de la imagen. Ahora esto coincide un poco más cerca. Ahora, también voy a añadir una viñeta en el primer tiro porque quiero oscurecer estas esquinas, tiene un poco de una sensación más oscura en los bordes, por lo que no es tan brillante. Entonces volemos esto hasta el 100 por ciento. Echemos un vistazo al cielo y veamos si pasa algo. Hay algún ruido definido y bloqueo de color sucediendo. Volvamos a salir a encajar. Voy a añadir una segunda capa del mismo tiro. Voy a dibujar una máscara. Voy a encontrar mi máscara de dibujo. Voy a añadir un desenfoque gaussiano. Ahora se puede ver que toda la imagen está borrosa. Voy a encontrar mi máscara de dibujo y sacar esto al 25 por ciento. Voy a empezar a dibujar una máscara alrededor del cielo. Entonces voy a acercar de nuevo al 150 por ciento y ver cuando el desenfocamiento se deshace de ese ruido. Genial, justo ahí. Retrocederemos el zoom para encajar. Juega este tiro de vuelta. Ahora el cielo le tiene una sensación mucho mejor. Vamos a pasar, podríamos jugar con nuestro emplumado y simplemente hacer que esto se vea mucho más limpio para que no tenga una ventaja tan dura. Ahora cuando jugamos estos dos disparos lado a lado, se puede ver cómo la escena coincide mucho mejor y tiene un look más creativo para el amanecer, mientras que los dos tiros originales no coinciden en absoluto y hay colores completamente diferentes pasando. Ahora, esto es un arte. Esto solo se reduce a lo que te gusta y lo que crees que se ve bien de tiro a tiro. Pero si estás emparejando y tienes una escena en la que va de un tiro a otro y están en progresión, no hay mucho cambio en tu exposición y todo, vas a quieren que los acerquen lo más posible. Pero algo como esto donde va de una parte brillante a como silueta, tienes más flexibilidad creativa y solo quieres asegurarte de que se sienta como si coincidan, y no tiene para ser perfecto. 22. Tomar decisiones creativas: Vamos a divertirnos un poco en esta próxima clasificación de color. Este un tiro que es muy oscuro, pero yo estaba exponiendo para el cielo específicamente, pero lo que quiero sacar del tiro es esta idea de que salga el sol y el círculo de Jeeps se acorralan hacia arriba, preparándose para que empiece el día. Lo que estoy viendo esto, voy a estar creando dos ediciones diferentes. Quiero hacer uno por el cielo y otro para los Jeeps aquí abajo. Voy a empezar simplemente duplicando, agregando esto uno encima del otro, dos capas diferentes y voy a usar un degradado. Quiero apagar la parte inferior solo para poder ver lo que voy a afectar en la parte superior y luego vamos a hacer un grado de color para ese top. Voy a levantar mis ruedas de color, voy a derribar mis reflejos, no demasiado, son bastante buenos. Expuse por lo más destacado. Voy a derribar mis tonos medios y no realmente retocar mis sombras, pero quiero empujarla más hacia el amanecer y así voy a agregarle algo de sensación magenta roja, por lo que tiene más del campo del amanecer . Ahora quiero agregar una curva de color. Quiero jugar con esta sección súper brillante. Definitivamente quiero que todo se sienta brillante, pero no quiero que se sienta demasiado brillante, así que voy a quitarme algo de eso realmente brillante, así que solo estoy bajando la parte superior de mis reflejos y bajándolo y comprimiéndolo para que todo el cielo tenga este bonito campo rosa, morado, naranja. Ahora cuando agregamos la parte inferior aquí, este tiene un bonito top de búsqueda, pero tenemos que hacer algo con el fondo. Voy a levantar mis curvas de color. Voy a añadir contraste. Quiero que las luces alrededor de los camiones realmente estallen, para realmente tener algo de brillo para ellos. Quiero que mis tonos medios suban en general, pero quiero mantener mis sombras y tener esa sensación de silueta pero aún así ver en esas sombras un poco. De verdad voy a sacar esto. Ahora tenemos un look bastante cool pasando donde los jeeps de aquí abajo están recibiendo algo de luz brillante y el cielo arriba arriba tiene un bonito color para ella. Ahora, quiero reflejar algo de este color aquí abajo. A lo más destacado, quiero añadir un poco más de rojo, tal vez un poco magenta. Vamos a traer nuestro rojo y nuestro verde, y vamos a retocar esos, pero no quiero que sea demasiado amarillo, así que voy a enfriarlo un poco con el canal azul, hacerlo más púrpura. Cuando llevamos esto al 100 por ciento ahora pudimos ver que se ve bastante sólido. Volvamos a encajar y luego lo último que quiero hacer es agregar una capa de ajuste encima de todo esto y quiero agregar una viñeta. Voy a añadir esta capa de ajuste entre ellos porque no quiero que afecte el cielo, pero sí quiero que afecte el suelo aquí abajo porque quiero crear este charco de luz que estos los camiones están adentro. Voy a agarrar esta viñeta. Voy a traerlo y luego lo último que quiero hacer es agregar un poco más de saturación al cielo. Voy a volver a la capa del cielo. Voy a añadir una tabla de color simple y sólo voy a impulsar la saturación. Ahora tengo el tiro donde realmente muestra el sol saliendo en la distancia y solo se obtiene esa sensación de la primera luz de la mañana con todos los colores. Es bastante increíble lo que puedes hacer con tu metraje cuando empiezas a empujarlo y empiezas a pensar como, ¿qué quieres salir del tiro? ¿ Cómo quieres que el público vea esta escena? Porque fácilmente podría haberlo dejado siluetada y acaba de añadir un poco de color al cielo y luego se habría sentido bastante plano mientras que cuando creé esta alberca de luz para los camiones, tienes un sentimiento muy diferente para el tiro porque tenemos estas luces encendidas y todo lo demás es mucho más oscuro. Pero he creado ese efecto en el grado de color. A veces vas a tomar decisiones que solo van a hacer que un tiro se vea bien y otras veces vas a querer ser súper creativo y tratar de llegar a un concepto antes de que en realidad empieza a calificar el color de un tiro y luego escogerás las herramientas adecuadas y solo juegas alrededor hasta que consigas el tiro mirando cómo lo quieres. 23. La gran imagen: Dando un paso atrás y mirando todo el flujo de trabajo, el proceso de clasificación del color es bastante simple. Primero arreglas cualquier error que esté en el tiro y luego haces tu calificación creativa encima de eso. Las cosas que estás buscando son: exposición, contraste, saturación y color. Usas esos elementos al unísono para poder crear tus looks. Ahora, como he mencionado varias veces a lo largo de este curso, encuentra diferentes creadores o películas o diferentes piezas de contenido que te guste y empieza a guardar capturas de pantalla. Es una gran manera de empezar a construir una biblioteca de los tipos de looks que quieres empezar a crear en tus notas de color. También solo familiarizarse con todas las herramientas, jugar con cada una y ver cómo funcionan de manera diferente cuando estás trabajando en el mismo tiro. Algunas herramientas o más específicas mientras que algunas son trazos más amplios. Quieres pensar en esto como una pintura. Solo estás haciendo grandes trazos amplios en algunas partes de tu metraje pero luego te estás metiendo en específico con un pincel pequeño detalle y limpiando otros elementos. Si tienes alguna pregunta de cualquier cosa en este curso asegúrate de hacerlas en la discusión. Si quieres aprender más sobre Final Cut Pro, sí tengo otro curso de habilidad para compartir que se trata cómo usar Final Cut Pro y cómo editas tus metraje. Se pasa por mi enfoque paso a paso para básicamente todo lo que hago y cómo creo todos mis videos de YouTube. Si aún no lo has hecho, asegúrate de dirigirte a YouTube y echa un vistazo a mi canal de YouTube; es solo mi nombre, Jeven Dovey. Si hay algún tema que desee ampliar más adelante en este curso, por favor háganme saber. Agradezco que tomes este curso y pases conmigo ya que hemos aprendido alguna calificación de color, y espero que estas habilidades te ayuden a poder elaborar metraje de mejor aspecto y te ayuden algunos looks creativos para los videos en los que estás trabajando. Te veré en el próximo curso.