Geranios rojos en acuarela: un tutorial floral paso a paso.

1. INTRODUCCIÓN: Hola, y bienvenidos a este Tutorial de acuarela. hoy, me gustaría que me acompañaras en pintura de hermosas flores rojas de geranio A primera vista, esto puede parecer una pintura compleja, pero rápidamente te darás cuenta que es mucho más fácil de lo que piensas. Vamos a pintarlo en un estilo muy sencillo que antes usé para mi pintura de la Nasturtium Pensaba que la misma idea funcionaría maravillosamente para los geranios y con el tiempo para otras flores también, creando una bonita colección de pinturas en este estilo Las técnicas que usaremos aquí son realmente simples. No hay nada inusual o difícil en el proceso. El aspecto más fuerte de esta pintura es definitivamente descomposición y la forma que vamos a manejar las hojas. Estos dos elementos, la descomposición, y las hojas que se desvanecen son los que hacen que esta pintura se vea especialmente interesante La paleta de colores también es muy agradable. Tenemos rojos y verdes contrastantes suavizados por delicados marrones al fondo En general, crea un estado de ánimo muy tranquilo, elegante y casi sentimental Espero que disfrutes creando esta pintura, así que prepara todos los suministros que necesites, y cuando estés listo, comencemos. 2. Proyecto y recursos: He preparado una selección de recursos útiles para su proyecto disponibles en la sección de proyectos y recursos. Encontrarás un archivo PDF con la lista de suministros que utilicé para esta pintura, junto con una foto de referencia y una imagen de mi obra terminada para orientación. se proporcionan dibujos de líneas en varios tamaños También se proporcionan dibujos de líneas en varios tamaños para que pueda imprimirlos y transferirlos a su papel de acuarela en el tamaño que mejor se ajuste a sus necesidades. El tamaño de mi cuadro es de 15 por 11”. Además, hay fotos de progreso de trabajo para ayudarte a seguir el proceso y enfocarte en áreas específicas. Siéntase libre de explorar estos materiales y utilizarlos para crear su propia pintura única y hermosa. Por favor, comparta su pintura final en la sección de proyectos y recursos. También te animo a que te tomes el tiempo para ver trabajo de cada uno en la galería de proyectos estudiantiles. Siempre es inspirador ver lo que otros crean y el apoyo de tus compañeros de puede ser increíblemente reconfortante. No olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. Por último, recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de comenzar a pintar. Esto te dará una comprensión clara de qué esperar en cada etapa del tutorial. Si encuentras útil esta clase, agradecería mucho te agradecería mucho que dejaras una crítica honesta. Sus comentarios me ayudarán a mejorar mi contenido y ayudar a otros estudiantes a decidir si unirse a la clase. Gracias de antemano. 3. Preparación y plan de la pintura.: Realmente como las flores de geranio y el olor distintivo de sus hojas Aquí son muy populares junto con las petunias, y la gente suele mantenerlas en sus balcones Siempre que los veo floreciendo, tomo fotos para usar como referencias por si acaso Hay muchas variedades de geranios con diferentes colores de pétalos y hojas, pero creo que las más populares son las variedades rojas Para esta pintura, no usé una foto de referencia específica porque ya tenía una composición en mente, pero no la había capturado correctamente en ninguna de mis fotos. En situaciones como esta, me gusta usar mi iPad y la app Procreate para plantar la composición y crearla desde cero en función de la apariencia general de las flores Entonces abrí varias fotos de referencia y en base a ellas, creé una composición que me gustó. Después de muchas capas y refinamientos, finalmente llegué a un boceto final Que luego refiné aún más y me convertí en un dibujo lineal limpio para que lo usemos. Al igual que con los nsturcios, si tuviste oportunidad de pintarlos conmigo, tampoco estaremos siguiendo una foto en particular aquí No vamos a estar recreando una imagen de referencia específica. En cambio, las fotos simplemente nos darán una idea general de lo que podemos hacer. Se podría decir que aquí tenemos plena libertad artística. Una vez que tengamos el dibujo, podemos pintarlo en el estilo que nos guste. Yo describiría esta pintura como realista pero ligeramente estilizada porque no estamos copiando ninguna foto específica Así que siéntete libre de cambiar cualquier cosa para que se adapte mejor a tu propio estilo y preferencias. Si quieres pintarlo en un estilo mucho más flojo, adelante Si quieres cambiar los colores, no lo dudes. Puedes seguir mi proceso cerca o hacer que esta pintura sea completamente tuya. Esto es lo que vamos a hacer paso a paso. Primero, pintaremos todo el fondo marrón. No vamos a enmascarar nada porque no hay necesidad de eso en esta pintura. Después pintaremos siluetas simples de las hojas al fondo Después de eso, pintaremos las hojas en el término medio, que serán un poco más oscuras. Dividiremos el escenario en dos partes. En el siguiente paso, pintaremos las hojas en primer plano Observe que cuanto más cerca están las hojas, más oscuras se vuelven. La transición stonal de hojas más oscuras en el frente a hojas más claras en el fondo nos ayudará a crear una sensación de profundidad más fuerte y una composición más completa Después de pintar las hojas, pasaremos a los tallos y a los pequeños cogollos. A continuación, aplicaremos la primera capa básica a todos los pétalos rojos. Una vez que la primera capa roja esté completamente seca, aplicaremos una segunda capa. En esta etapa, profundizaremos los colores, crearemos sombras y definiremos más claramente los pétalos individuales Por último, en el último paso, agregaremos los detalles, los acentos más oscuros entre los pétalos y las venas en los pétalos Entonces esos son los ocho pasos que daremos para completar esta pintura. En los recursos de clase, también encontrarás fotos de trabajos en curso que tomé después de cada etapa, y deberían ayudarte a seguir el proceso con mayor facilidad. Ahora pasemos al paso uno, pintando el fondo. 4. Pintar el fondo: Creo que la clave para una pintura exitosa en este caso es un muy buen dibujo a lápiz. Entonces, antes de comenzar a pintar, asegúrate de que tu dibujo incluya todos los detalles necesarios. Usé un pad ligero para transferir el dibujo lineal, y ahora puedo ver que las líneas son un poco demasiado oscuras. Entonces voy a usar una goma de borrar amasada para aligerarlos. Un borrador amasado se puede formar en un rollo y enrollarlo suavemente sobre las líneas de lápiz Esto elimina el exceso de grafito y hace que el dibujo sea más claro en tono. Me gusta mantener mis líneas de lápiz lo más ligeras posible, así que muchas veces las aclaro de esta manera De inmediato se puede ver la diferencia. El dibujo sigue siendo visible, pero no va a apoderarse de la pintura Lo mejor es asegurarse el dibujo esté listo antes de aplicar agua o pintura porque una vez que las líneas de lápiz se mojen, pueden ser imposibles de quitar. Tengo una batalla de aspersión con agua limpia, y primero, voy a rociar mis pinturas para activarlas. Dejo que el agua se asiente en los pozos por un momento para ablandar las pinturas y facilitarlas trabajar con ellas Para preparar los colores, me gusta usar un cepillo plano económico. Tiene cerdas ligeramente más rígidas, por lo que es más fácil transferir más pintura de los pozos al área de mezcla Ahora vamos a pintar el fondo, así que me gustaría usar un color marrón claro. Mi base será siena quemada, pero también agregaré algo de amarillo Windsor profundo para crear un tono más cálido y amarillento. También prepararé un poco de verde, y esta vez, creo que iré por una mezcla de amarillo transparente y azul ultramarino Aunque los vientos son amarillos profundos con azul ultramarino también funcionarían bien aquí También añadiré un toque de siena quemada. La idea es crear un verde cálido de aspecto natural. Si usara el azul Windsor, crearía un verde vibrante muy brillante. Un amarillo cálido mezclado con azul ultramarino e incluso un toque de marrón crea una tonalidad más apagada porque todos estos colores tienen un ligero matiz estos colores tienen un ligero Así que el verde no se vuelve demasiado vibrante. puede pensar en ello como una mezcla de amarillo y azul, pero con un poco de rojo en la mezcla también. Para pintar el fondo, estaré usando un pincel redondo tamaño 12. Es el cepillo redondo más grande que tengo. Como puedes ver, no enmascaramos las flores ni las hojas. La razón de ello es porque el color de fondo es muy claro, mucho más claro que el color de los pétalos u hojas. Tampoco afectará negativamente los colores finales de las flores y las hojas. Entonces, aunque repasemos los pétalos o las hojas con este color de fondo, nada malo va a pasar. En primer lugar, porque el marrón tiene un valor tonal muy claro y luego lo pintaremos sobre él Segundo, aunque pensemos en la mezcla óptica, es decir, cómo cada capa afecta a la que está debajo, esta capa inferior marrón claro debajo los pétalos rojos u hojas verdes en realidad funcionará muy bien Estos colores se mezclarán visualmente y crearán un todo cohesivo Estoy usando una combinación de técnicas de mojado sobre húmedo y húmedo sobre seco aquí, pero lo más importante, estoy usando una consistencia de pintura muy acuosa Trato de aplicar la pintura muy rápidamente alrededor de las flores y las hojas. No me preocupo demasiado por lograr una capa de color perfectamente lisa. Simplemente permito que la pintura fluya de forma natural, y si hay algún borde duro o flores, las acepto. Quiero que el fondo se sienta muy ligero y orgánico. Si la pintura fluye sobre las flores u hojas, trato de quitarla de esas zonas con un cepillo limpio y húmedo, pero no me estoy estresando por ello Elimino lo que puedo, pero también permito que algo de este marrón fluya ligeramente hacia esas formas. La razón de ello es porque más adelante cuando pintemos las flores y las hojas, ya tendremos un fondo de aspecto natural debajo de ellas sin ningún espacio visible entre los elementos principales y el fondo. Así que no estoy tratando de pintar con mucho cuidado alrededor cada forma porque simplemente no es necesario. Solo trato de mantener el valor del túnel realmente ligero cada vez que la pintura llega a las flores u hojas. Un pincel grande y consistencia de pintura acuosa son los elementos clave aquí Nos permiten pintar el fondo rápidamente sin enfocarnos demasiado en detalles o formas precisas. Simplemente no quiero ver el libro blanco en el fondo. Solo queremos teñirlo suavemente con algunos marrones y toques de verde Al final, también dejo caer un poco de la mezcla verde en las zonas cercanas a las hojas. Esto crea una agradable transición entre las hojas y el fondo y establece una fuerte conexión de color entre ellas. Cuando termines, deja que todo se seque completamente. Una vez que el fondo esté completamente seco, podemos pasar a pintar las primeras hojas. 5. Hojas de fondo: En esta parte, después de que el fondo se haya secado por completo, pintaremos las primeras hojas a lo lejos. Estas son sólo siluetas muy simples de hojas sin ningún detalle Crean un bonito relleno que hace que el fondo se sienta menos vacío al tiempo que agrega profundidad y sutil efecto dimensional a toda la escena. Para pintar estas hojas, vamos a utilizar de nuevo nuestra mezcla verde. Es una mezcla de amarillo transparente, azul ultramarino y un toque de siena quemada para desplazar el verde más hacia un Voy a estar usando un pincel un poco más pequeño ahora como un cepillo de diez redondos. Empezaré recogiendo un tono muy claro del color de fondo que usamos antes. Aplicaré el marrón ligero a la primera hoja del lado izquierdo, y mientras aplico la pintura, gradualmente cambiaré a la mezcla verde, permitiendo que estos colores se mezclen de forma natural en el papel. Estoy aplicando una capa muy simple usando la técnica wet on dry, una consistencia de pintura muy acuosa, y dos colores que se mezclan en el papel No voy a añadir ningún detalle aquí. Simplemente estoy pintando una forma básica de hoja. También puedo recoger un tono de verde ligeramente diferente con un poco más de azul ultramarino y dap mi pincel en algunos lugares para crear pequeños puntos de variación Esto agrega un poco más de interés y variedad a la hoja. Voy a pintar las otras hojas de fondo exactamente de la misma manera. Observe que el valor de túnel de estas hojas es sólo ligeramente más oscuro que el propio fondo. Eventualmente tendremos tres niveles de hojas en esta pintura. Estos primeros están lejos en la distancia, por lo que no vemos ningún detalle, solo formas débiles Por eso queremos mantener los tonos muy ligeros. Podemos variar los colores dentro de las hojas, haciendo algunos verdes un poco más azulados, lo que agrega aún más profundidad y sugiere que las hojas están aún más lejos, o podemos caer en algún marrón para conectarlas con los colores de fondo Los colores en sí no son tan importantes como los valores tonales Así que trata de enfocarte principalmente en mantener estas hojas claras en tono. En esta hoja del lado derecho, comenzaré a sugerir las venas. Las venas serán más claras que el color principal de la hoja. Entonces para lograrlo, tenemos dos opciones. Podríamos usar un color opaco claro al final, que es lo que hice en la pintura de nsturtium, o podemos dejar líneas más claras al pintar, y ese es el enfoque que voy a usar aquí Ya tengo las líneas de lápiz que me muestran dónde están las venas, todo lo que necesito hacer ahora es aplicar la pintura alrededor de esas venas. Aquí hay un pequeño consejo que me gustaría compartir. Observe cuidadosamente cómo estoy haciendo esto. Espero poder explicarlo con claridad. No trato la línea de lápiz como el centro de la vena. Si lo hiciera, tendría que pintar en ambos lados de la línea de lápiz mientras dejaba un pequeño hueco en el medio. Al final, obtendría una línea ligera con la marca de lápiz aún visible en el centro. En cambio, lo hago de una manera mucho más sencilla. Trato la línea de lápiz como una pared para la pintura. Si aplico la pintura hasta la línea de lápiz en un lado, entonces automáticamente dejo un pequeño hueco en el lado opuesto, y ese hueco se convierte en la vena más clara. También puedo hacerlo al revés. Puedo dejar un pequeño hueco justo antes de la línea de lápiz. Después comienza a aplicar la capa verde exactamente desde la línea de lápiz en el otro lado. Espero que esto tenga sentido. De esta manera, las líneas de lápiz aún proporcionan la estructura y orientación que necesitamos, pero también desaparecen naturalmente debajo de la pintura de acuarela. También estoy cayendo en tonos ligeramente diferentes de verde aquí y allá, especialmente en las esquinas y a lo largo las venas solo para introducir un poco más de variedad. También puedes ver aquí que el color de fondo se superpuso a algunas de las hojas, y no es perfecto, pero esto realmente no es algo de qué preocuparse Todavía puedo pintar la hoja clara en parte superior y todo se ve perfectamente bien. Ese marrón del fondo en realidad ayuda a conectar el fondo con la hoja, haciendo que toda la pintura se sienta más cohesionada Ahora deja que esta capa de hojas se seque por completo, y en la siguiente parte, nos centraremos en las hojas que estén un poco más cerca de nosotros. 6. Hojas del suelo medio: En esta parte, vamos a seguir pintando las hojas. Esta vez nos centraremos en las hojas ligeramente más oscuras que se colocan en el término medio. Seguiré usando la misma mezcla verde y la misma técnica que usé en las hojas anteriores al crear las venas. En estas hojas, también queremos sugerir las venas, así que estaré pintando las secciones entre ellas. Usando las líneas de lápiz como pautas, pero también estoy creando nuevas vetas mientras pinto. Simplemente imagino dónde podría estar una veta y dejar un pequeño hueco entre secciones de pintura verde. También puedes dibujar ligeramente venas adicionales con un lápiz si aún no te sientes seguro creándolas a mano alzada En esta etapa, mi verde tiene un valor tonal ligeramente más oscuro Nos estamos acercando un paso más con las hojas, así que queremos que las formas aparezcan más distintas y ligeramente más oscuras. Cuanto más lejos están las hojas, menos detalles tienen y más ligero se vuelve el valor tonal En algunas de las hojas, no tenemos que crear las venas de inmediato. Por ejemplo, en estas formas de hojas, simplemente estoy aplicando el color verde sin sugerir ninguna vena todavía. Puedo agregarlos más tarde aplicando otra capa. Pintar estas hojas es casi como pintar vidrieras, excepto que las líneas no son negras. Son blancos. Pintamos cada sección individualmente, pero juntas, crean una hermosa forma de hoja. Y no busques la perfección aquí. Si obtienes transiciones de color inesperadas, flores o bordes duros, eso está completamente bien Esta pintura no se trata de lavados perfectamente suaves o ejecución impecable Se trata mucho más de composición, armonía de color y valores tonales Cualquier imperfección en los lavados difícilmente se notará una vez que se termine la pintura ya que el contraste entre las flores rojas y las hojas verdes atraerá mucha más atención que pequeños detalles en el fondo Continúa trabajando en las hojas y no olvides que también puedes variar los colores. Tal vez un poco más amarillo o un poco más marrón en algunas zonas solo para hacer las hojas más coloridas sin dejar de permanecer dentro la misma paleta general y mantener la armonía en la pintura. Cuando termines, seca todo con un secador de pelo y luego espera unos minutos hasta que el papel vuelva a temperatura ambiente. Después de eso, comenzaremos a agregar algunos detalles a las hojas que ya pintamos. 7. Refinar las hojas: En esta breve parte, agregaremos algunos detalles a todas las hojas que hemos pintado hasta ahora. El primero es crear venas en las hojas en la distancia. Las primeras hojas que pintamos. Podemos usar una consistencia de pintura muy, muy acuosa y sugerir ligeramente algunas vetas pintando los espacios entre ellas. Por supuesto, esto es completamente opcional. No es necesario, pero es una capa adicional que agrega un poco más de realismo a la pintura. Aunque, nuevamente, esta sigue siendo una pieza estilizada, así que técnicamente, incluso podríamos usar un bolígrafo negro para dibujar contornos si quisiéramos También podemos crear vetas en las hojas que pintamos en la segunda etapa. En este punto, piensa en esto como una capa de ajuste. Simplemente queremos mirar por encima las hojas y decidir si hay algo que podamos agregar para que se vean mejor a nuestros ojos. Debido a que no tenemos una foto de referencia clara, necesitamos confiar un poco más en la imaginación, la creatividad y la intuición artística Pintamos lo que sentimos se verá bien. A veces eso puede ser bastante difícil, pero se vuelve mucho más fácil una vez que ya tenemos una capa base como esta. Ahora podemos simplemente agregar formas y sombras para refinar la apariencia de las hojas. Otra cosa que podemos hacer en esta etapa es refinar las sombras en las hojas de tierra media. Estoy usando tonos verdes ligeramente más oscuros para agregar sombras suaves, especialmente cerca de las venas. Nada demasiado dramático, lo suficiente para introducir un poco más de variedad de túnel. Marcas de pincel adicionales que también ayudan a crear textura en las hojas. No quiero sobrecargar nada ni hacer que el proceso sea más complicado de lo que tiene que ser Quiero lograr ese característico aspecto acuarela de capas transparentes colocadas una encima de otra. Esto se puede ver especialmente claro en la hoja del lado izquierdo. Podemos notar fácilmente cada marca de pincel individual que hago y ni siquiera estoy tratando de mezclarlas porque sé que si repetimos estas marcas muchas veces, naturalmente crearán textura por su cuenta. Una vez que termines de agregar estos pequeños detalles, vuelve a secar todo, y en la siguiente parte, pintaremos las hojas restantes. 8. Hojas en primer plano: Sé que hay muchas hojas para pintar, y la paleta de colores es en su mayoría solo verdes, lo que puede que no sea la parte más emocionante del proceso, pero sabías a lo que te apuntaste. En esta parte, seguiremos pintando las hojas, y ahora nos centraremos en las que están en primer plano, junto con la gran zona oscura entre las Primero, preparemos un gran pétalo de una mezcla de amarillo transparente y pinturas grises. Este será nuestro verde oscuro. También necesitaremos nuestra mezcla verde principal, que es amarillo transparente con azul ultramarino Al otro lado de la paleta, también mantendré lista un poco de siena quemada Empezaré con la hoja del lado izquierdo. Estaba planeando que ésta se convirtiera en la hoja más oscura de la pintura Mi idea general era que si pintaba una hoja oscura detrás de las flores, ayudaría a llevar las flores visualmente hacia adelante debido al contraste más fuerte. Entonces, detrás del racimo de flores en la esquina inferior izquierda, coloqué la hoja oscura, y también voy a pintar allí una gran área verde oscuro para crear un contraste más fuerte entre el valor del túnel oscuro y el valor de túnel más claro de las flores rojas. Este contraste permitirá que ambos elementos destaquen claramente. Una situación diferente ocurre con las flores en la parte superior izquierda y los racimos más pequeños en la parte superior derecha. Ahí el fondo es de tono más claro mientras que las flores son más oscuras. Entonces realmente no importa qué elemento es más oscuro y cuál es más claro. Lo que importa es lograr suficiente contraste entre los elementos para que ambos puedan destacar. Por eso los valores tonales son tan importantes, mucho más importantes que los colores. También estoy usando más marrón en la hoja del lado izquierdo, y seguiré usando más marrón en el área entre las hojas porque creo que crea una hermosa conexión de color entre las hojas y el fondo. Al principio, estaba usando un pincel tamaño ocho para esta hoja, pero rápidamente me di cuenta de que era un poco demasiado grande para pintar estas pequeñas secciones, así que cambié a un pincel de seis de tamaño más pequeño. Este proceso es bastante repetitivo y quizás no el más emocionante, pero simplemente lo repito a través de las tres hojas principales Después de pintar estas tres hojas, lo seco todo por completo, y eso termina la etapa uno. Ahora en la etapa dos, una vez que las hojas estén completamente secas, voy a profundizar los colores y añadir algunas aguas poco profundas Para ello, usaré valores tonales más oscuros de los mismos greens que usé antes En este punto, mi objetivo todavía no es crear una representación altamente realista de las hojas, sino más bien una versión estilizada de ellas. Entonces no estoy siguiendo ninguna regla con respecto a la colocación de sombras. Realmente no sé dónde está la fuente de luz, y honestamente, realmente no importa. Esto es más una ilustración. Incluso podríamos decir que es una ilustración bastante plana, aunque todavía tiene cierta dimensionalidad. Es plano en el sentido de que no estamos describiendo una forma realista iluminada desde una dirección específica. Esto en realidad hace que el proceso de pintura sea mucho más fácil porque todo lo que necesitamos hacer es aplicar algunas pinceladas transparentes aquí y allá. Estas capas adicionales crean formas más interesantes y también producen un hermoso efecto arrugada a lo largo de los bordes de las hojas Después de eso, recojo un verde cálido claro y lo aplico a las venas para que no queden de color blanco puro. Ahora podemos secar estas hojas y pintar un elemento más para completar la etapa. Estoy usando la misma mezcla muy oscura de amarillo transparente y pinturas grises, y con un pincel tamaño seis, llenaré cuidadosamente los espacios negativos entre las flores y las hojas. Quiero pintar estas áreas de una sola vez, así que mi pintura es muy oscura, pero fíjate que no es gruesa. Todavía es lo suficientemente fluido como para moverse fácilmente a través del papel. Originalmente, planeé crear otra forma de hoja aquí, pero finalmente decidí simplemente llenar esta área de verde oscuro y un toque de marrón. Sin embargo, todavía podríamos crear una hoja aquí, si quieres. Después de que esta capa se seque, podríamos pintar la forma negativa a su alrededor y recuperar esa forma de hoja más tarde. Pero al final, preferí la simplicidad de un lavado plano oscuro en esta zona. También hay una hoja aquí en la parte inferior, y decidí pintarla con un tono verde oscuro en lugar de una clara porque habrá un tallo con cogollos delante, y sabía que esos elementos serían de tono más claro. Entonces necesitaba un contraste más fuerte aquí. verde más oscuro se sintió como la opción más natural, y también funciona de manera compositiva porque esta hoja se asienta detrás de otra hoja en primer plano, así que naturalmente, también estaría más sombreada También estoy sugiriendo algunas vetas aquí, que luego pintaré con un tono verde más claro. Apenas unas pinceladas finales en las hojas aquí y allá, y esta etapa de la pintura está completa. En la siguiente parte, pintaremos los tallos y los cogollos verdes. 9. Tallos: Como todavía tenemos colores verdes en la paleta, el siguiente paso natural es pintar los tallos y los cogollos. Estos elementos son más pequeños, por lo que requieren un poco más de atención y precisión. Para esta etapa, estoy cambiando a un pincel tamaño cuatro. Esta es en realidad una parte muy fácil de la pintura. No necesitamos hacer nada complicado. Simplemente aplicamos el color verde a todos los tallos y seples Las formas ya están muy claramente definidas, por lo que esta etapa casi se siente como trabajar en un libro para colorear. Y esto es exactamente por lo que el dibujo a lápiz al principio era tan importante. Tener un dibujo bien preparado hace que pintar estas pequeñas formas sea mucho más fácil. no tenemos que pensar Ya no tenemos que pensar en las formas, y honestamente, ni siquiera necesitamos pensar demasiado en la fuente de luz en esta etapa. Esto es simplemente una capa plana, húmeda y seca aplicada a todos estos pequeños elementos. Por supuesto, todavía podemos variar los colores y los valores del tonel, y definitivamente te animo a que lo hagas Agrega un poco de marrón en algunas zonas para introducir más variedad. Estoy agregando más marrón a la mezcla, especialmente en los tallos más pequeños alrededor de las flores más pequeñas. El marrón crea otro tono de verde desplazándolo más hacia un tono olivo, pero también crea una bonita conexión visual entre los tallos verdes y las flores rojas. Técnicamente, incluso podríamos mezclar parte del color rojo de la flor directamente en el verde para conectarlos cromáticamente Si conoces la teoría del color, ya sabes que la mezcla resultante se volvería marrón de todos modos. Y es exactamente por eso que estamos usando el marrón aquí. Por un lado, conecta los greens con los pétalos rojos y por otro lado, también conecta los elementos verdes con el fondo marrón cálido. Como resultado, terminamos con una composición de color muy armoniosa. Realmente no puedo enfatizar lo suficiente lo importante que fue el dibujo lineal en esta pintura. En muchos sentidos, este proceso en realidad me recuerda la obra de uno de mis artistas favoritos, Alfonsmuha y sus bellas ilustraciones art Hay algo muy especial ese estilo que siempre me ha encantado, las líneas elegantes, las formas claramente definidas y los simples colores planos que llenan esas formas sin dejar de crear hermosas composiciones. Siempre he admirado arte de Muha y el estilo art nouveau Una vez que termines de aplicar este primer lavado básico, seca todo por completo, y luego podremos comenzar a agregar algunas sombras a esta capa inicial. Para esta etapa, voy a estar usando un pincel aún más preciso como pincel cero liner, aunque realmente no necesitas uno en esta etapa. De hecho, creo que un cepillo redondo regular probablemente funcionaría aún mejor. La idea ahora es simplemente agregar algunas sombras verdes más oscuras para que estos elementos no parezcan demasiado planos. Podrías estar pensando, ¿cómo puedo agregar sombras si ni siquiera sé dónde está la fuente de luz? Y esa es en realidad una pregunta muy válida. Pero, por otro lado, ¿qué harías si la fuente de luz simplemente no estuviera claramente definida? En la vida real, no es inusual tener una iluminación difusa suave sin reflejos fuertes y sombras dramáticas En situaciones como esa, todavía vemos luz y sombra describiendo la forma de un objeto. Simplemente son más suaves y menos obvias. Y debido a que no hay una sola fuente de luz fuerte, tampoco hay una dirección específica para las sombras. Esto significa que podemos pintar las sombras de una manera que realce la forma en lugar de describir estrictamente la dirección de la luz. En otras palabras, nos centraremos más en lo que se llaman sombras centrales en lugar de sombras proyectadas. Por supuesto, todavía podemos incluir algunas sombras proyectadas donde naturalmente tienen sentido. Por ejemplo, si un tallo se asienta directamente debajo de un pétalo, entonces una sombra aparecería naturalmente allí, y el tallo se volvería más oscuro. Pero lo que es más importante, queremos crear distinciones claras entre las formas y definirlas más claramente introduciendo un contraste más fuerte Y podemos lograrlo simplemente agregando unos tonos de sombra más oscuros. 10. Flores: capa inicial: Hemos terminado de pintar todos los elementos verdes, y ahora vamos a cambiar la paleta de colores por completo. En esta etapa, aplicaremos la capa inicial a las flores. Cambié el agua para que podamos trabajar con rojos limpios y también limpié la paleta. Definitivamente no queremos mezclar greens con la nieve roja. Pasé un tiempo pensando en el mejor rojo para usar para los pétalos. Al principio, naturalmente pensé rojo quinacrodon porque es un rojo tan hermoso, vibrante y fuerte, especialmente cuando se aplica en dos capas Entonces consideré usar una mezcla de amarillo Windsor profundo y magenta quinacrodon Pensé que esta combinación me daría la calidez del amarillo junto con la frescura del magenta y el rojo resultante era realmente muy interesante, pero aún no estaba completamente convencido Después de eso, intenté agregar amarillo Windsor profundo al rojo quinacrodón para empujar el color un poco más hacia el sitio naranja Después moví un poco de esa mezcla hacia un lado y volví a agregar magenta. Por último, probé una mezcla de amarillo Windsor profundo con rosa permanente, y esa combinación se veía realmente hermosa. Entonces eliminé las mezclas anteriores y decidí usar esta en su lugar. Sin embargo, sin embargo, esta mezcla es en realidad muy similar al rojo quinacrodón Entonces, honestamente, usar el rojo quinacrodon puro aquí también estaría perfectamente bien, sobre todo porque esta es solo la capa inicial De hecho, creo que probablemente voy a empezar a usar quinacrodon rojo de nuevo en un momento Para esta etapa, estaré usando un cepillo de ayuda de talla. Estoy recogiendo una consistencia de pintura muy acuosa y aplicando este color a cada elemento rojo de la pintura Todas las flores tanto florece completamente abierta como capullos. Podrán notar que poco después de comenzar a pintar, también alcancé de nuevo a Windsor Yellow deep. Eso es porque estaba tratando de ajustar el rojo a los colores circundantes. Una vez vi el rojo en el papel, me di cuenta de que se sentía un poco demasiado frío junto a los greens y el fondo marrón cálido. No estaba tratando de recrear exactamente el color de la foto de referencia Simplemente quería lograr un rojo que pareciera armonioso con los verdes y el fondo en esta pintura. Y honestamente, no es muy importante qué rojo exacto eliges o qué tono específico es, siempre y cuando te guste y sientas que funciona bien en la composición. Agregar amarillo también introduce un poco más de variación en los rojos y eso siempre es algo agradable. Continuar aplicando esta capa roja inicial a todos los pétalos y cogollos y déjame explicarte por qué en realidad estamos haciendo esto. El rojo es generalmente un color muy difícil trabajar en acuarela. Mucha gente piensa que el amarillo es el color de la pesadilla, pero personalmente, creo que el rojo es en realidad mucho más desafiante. Para mí, la regla número uno con el rojo es que casi siempre necesita al menos dos capas para quedar bien. Ya lo puedes ver aquí. Una vez que esta primera capa roja se seca, el color inmediatamente se vuelve mucho más pálido. Entonces en mi opinión, al menos una capa más es inevitable, no importa cuánto pigmento intentes cargar en el primer lavado. Regla número dos, cuando se trabaja con rojo es ésta. Siempre que pienses en rojo, también piensa en amarillo. El amarillo es el color que hace que el rojo parezca más vibrante. Una muy buena técnica a la hora de pintar algo rojo es aplicar primero una capa inferior amarilla porque cuando luego colocas rojo encima, el amarillo brilla parcialmente y hace que el rojo brille mucho más Sin embargo, el amarillo también se puede aplicar como paso final una vez que el rojo esté completamente seco. Y eso es exactamente lo que vamos a hacer en este cuadro. La razón para aplicar el amarillo al final es que nos da mucho más control sobre la apariencia final, sobre todo si todavía no estamos seguros de qué rojo queremos usar Aquí, no estaba completamente seguro qué rojo usaría para la segunda capa, que es realmente la capa más importante. Pero sabía que cualquiera que sea el rojo que finalmente elija, siempre podría usar el amarillo después como capa de ajuste para cambiar el color un poco más cálido si es necesario Entonces en esta pintura, aplicaré el amarillo más tarde. Pero si ya sé desde el principio que quiero un rojo cálido muy vibrante, entonces a menudo comenzaría primero con un underpainting amarillo También hay dos razones adicionales por las que estamos aplicando ahora esta primera capa roja. Primero, cuando miramos la foto de referencia, podemos ver que dentro de esas grandes masas de pétalos, hay áreas más claras que aún son visiblemente rojas Esta capa inicial eventualmente se convertirá en esos reflejos más claros en los pétalos. Segundo y quizás aún más importante, esta capa bloquea la blancura del papel, y esto es sumamente importante En general, si queremos lograr un color fuerte y vibrante en acuarela, generalmente necesitamos trabajar en capas, al menos dos capas. La primera capa elimina el blanco brillante del papel, y gracias a eso, cuando aplicamos la segunda capa, podemos mantener la riqueza e intensidad del color porque el papel blanco encuentra debajo ya no brilla con tanta fuerza Espero que eso tenga sentido. Una vez que termines de aplicar esta capa inicial muy simple a todas las flores, seca todo por completo, y luego pasaremos a probablemente la parte más tediosa de la pintura 11. Definir los pétalos: La capa inicial sobre las flores ahora está completamente seca, y ahora vamos a transformar el rojo pálido en pétalos rojos jugosos mucho más vibrantes. Asegúrate de tener algo de tiempo y paciencia porque esta es probablemente la parte más meticulosa y más larga de todo el proceso Para esta etapa, necesitaremos tres tonos de rojo. El primero será rojo básico de quinacridona. A continuación, mezclemos rojo quinacrodn con amarillo Windsor profundo y una generosa cantidad de carmesí de alizarina permanente De hecho, podríamos usar solo Alizarina carmesí por sí solo, pero quería introducir un poco de calidez con un poco de calidez Y por último, queremos mezclar permanente Alizarin carmesí con Solo el carmesí alizarina funciona como el primer nivel de sombra para los pétalos Y cuando añadimos el azul ultramarino, se convierte en nuestra sombra roja oscura más profunda Yo uso azul ultramarino porque tiene un ligero matiz rojo, por lo que funciona maravillosamente También podríamos usar el gris de Pain, pero esa mezcla se volvería más neutra y los rojos perderían algo de vitalidad Para esta etapa, estaré usando un pincel Size six. Recogeré quinacredón rojo y lo aplicaré directamente al primer Entonces mientras la pintura aún esté húmeda, recogeré la mezcla roja media y la dejaré caer más cerca del centro de la harina para crear una sombra. La mayoría de las veces trato de confiar principalmente en las dos primeras mezclas y evitar usar el rojo más oscuro a menos que sea realmente necesario para crear una sombra muy fuerte Déjame explicarte lo que estamos haciendo en esta etapa. En primer lugar, ahora nos estamos enfocando en un pétalo a la vez. Anteriormente aplicábamos rojo a todas las flores a la vez, pero ahora queremos crear claras distinciones entre pétalos individuales Y para ello, necesitamos pintarlos por separado uno por uno. Sí, esto lleva tiempo porque hay muchos pétalos, pero la paciencia es muy importante aquí. Debido a que queremos que cada pétalo permanezca claramente definido, también queremos evitar pintar pétalos vecinos mientras la pintura aún está húmeda. Por eso me verás saltando de un pétalo a otro y dejando huecos en el medio. No queremos que la pintura de un pétalo fluya hacia el siguiente y se mezcle porque eso suavizaría demasiado la separación entre ellos Y como necesitamos saltarnos pétalos mientras trabajamos, también necesitamos dividir este proceso en etapas. Primero, pintamos los pétalos que podamos de manera segura, luego secamos todo, y después, continuamos con los pétalos restantes O todos ellos o simplemente otro grupo de ellos. No apresures este proceso. En realidad no es nada difícil. De hecho, es un ejercicio muy relajante y agradable. Simplemente lleva tiempo porque hay tantas formas para pintar, pero eso también es parte de la belleza de estas flores. Al principio, estaba pintando usando la técnica de mojado sobre seco porque cada pétalo es bastante pequeño y es fácil cubrir esas pequeñas formas rápidamente. No obstante, el día que pinté este tutorial estaba extremadamente caliente y la pintura comenzó a secarse casi de inmediato sobre el papel. Entonces en algún momento, cambié a la técnica wet on wet. Entonces primero, apliqué esmalte de agua limpia sobre el pétalo, y luego me estaba dejando caer los colores Y honestamente, eso resultó ser un enfoque aún mejor. Pintar mojado sobre mojado nos permite crear hermosas transiciones suaves entre el rojo fuerte que estamos aplicando ahora y el rojo más claro de la capa anterior. Esto crea esos sutiles reflejos y variaciones de túnel que se pueden ver en la pintura terminada. Puede preguntar, ¿dónde exactamente debo colocar los rojos más oscuros? ¿A dónde debería ir el rojo medio y a dónde debería quedar visible el rojo más claro de la capa anterior? Mi respuesta sería simplemente usar tu intuición artística. En general, intenté colocar los rojos más oscuros más cerca de los centros de las flores porque los valores más oscuros sugieren naturalmente profundidad e indentación Entonces esa se sintió como la colocación más natural. Los bordes exteriores de los pétalos, por lo general trato de dejar tonos más claros porque esas zonas captan más luz. Al mismo tiempo, los pétalos que se sientan más atrás naturalmente también se vuelven más oscuros. Entonces realmente, es una combinación de intuición artística, imaginación, y seguir la forma natural de los pétalos Ahora, no voy a mostrar cada pétalo y exactamente cómo lo pinté porque honestamente, eso se volvería muy repetitivo y probablemente bastante aburrido En este punto, ya entiendes el proceso, por lo que te animo a que sigas trabajando en tu propia pintura de manera independiente. Y por supuesto, siempre puedes referirte a la foto de trabajo en progreso después de esta etapa para ver cómo debería ser aproximadamente el resultado final y qué tipo de efecto estamos apuntando. Una vez que termines de pintar todos los pétalos de esta manera, seca todo a fondo, y en la siguiente parte, aplicaremos la capa de ajuste amarilla. 12. Capa de ajuste amarilla: Entonces así se ven mis pétalos después de terminar la segunda capa roja. Como se puede ver, el rojo ahora aparece mucho más vibrante. Esta segunda capa realmente hizo un gran trabajo. Sin embargo, algunos pétalos todavía se ven un poco más fríos que otros, y en general, me gustaría que las flores se sintieran un poco más cálidas. Entonces esta es la etapa en la que quiero aplicar una capa de ajuste a los pétalos. Para ello, usaré una mezcla acuosa de amarillo Windsor amarillo profundo y amarillo transparente Usando una brocha talla diez y una consistencia de pintura muy acuosa, aplicaré suavemente este esmalte amarillo sobre los pétalos rojos Esta capa tiene dos propósitos. En primer lugar, calienta los rojos desplazándolos ligeramente hacia el lado más cálido del espectro de colores. Y segundo, ayuda a unificar todos los diferentes tonos de rojo Este tipo de capa de ajuste en realidad a menudo se llama esmalte unificador porque crea una superposición transparente en los pétalos e introduce un cambio de color consistente en todos ellos, o al menos a través de los pétalos que reciben esta Especialmente puedes notar este efecto en las zonas más claras donde el esmalte de capa realmente cambia la apariencia de los rojos y los hace sentir mucho más vibrantes y brillantes Todavía algunos detalles finales que necesitamos agregar a los pétalos y los pintaremos en la siguiente parte. El orden de estas capas es muy importante. Si primero hubiéramos pintado los detalles y luego aplicaremos el esmalte unificador amarillo después, entonces ese esmalte podría suavizar Pero ahora que la capa amarilla ya está en su lugar, podemos agregar con seguridad los detalles finales porque no estaremos aplicando más capas sobre los pétalos después 13. Detalles finales: Bienvenido a la última parte de pintura de este tutorial, donde agregaremos los detalles finales y completaremos la pintura. Para esta etapa, necesitaremos dos pinceles, un cepillo pequeño redondo de cuatro tamaños y un pincel de forro de tamaño cero. También prepararemos dos mezclas rojas. El primero es una mezcla de rojo quinacredón, carmesí lizaen permanente La segunda mezcla será un color rojo muy oscuro elaborado a partir de permanentsaren carmesí y dolores grises con un toque de amarillo Windsor agregado profundo para calentar Esta vez, decidí usar dolores grises porque aquí necesitamos un tono muy oscuro. Y en esta etapa, el color puede ser un poco menos vibrante. Comenzaré con el pincel tamaño cuatro y la mezcla de color rojo más oscuro. Usando la técnica de mojado sobre seco, ahora queremos pintar los espacios entre los pétalos y también agregar algunas sombras rojas más oscuras donde sea que sean necesarias. En esta etapa, trata de enfocarte en estos pequeños detalles oscuros, pero al mismo tiempo, recuerda alejarte vez en cuando y mirar la pintura en su conjunto. Trate de detectar áreas que podrían beneficiarse de un poco más de contraste. A lo mejor no hay suficiente separación entre algunos pétalos. A lo mejor te gustaría empujar un pétalo un poco más hacia el fondo oscureciéndolo, o quizás te gustaría agregar una sombra en algún lugar para definir las formas con mayor claridad También noto lugares donde crear un hueco más oscuro entre pétalos mejoraría la estructura de la flor. Estos son exactamente el tipo de ajustes que podemos hacer ahora usando esta mezcla de color rojo oscuro y el tamaño fobush Estos acentos oscuros finales añaden definición y claridad a los pétalos. Una vez que termines de agregar estos detalles más oscuros, sécalo todo a fondo con un secador de pelo Entonces podemos pasar al paso final, probablemente mi parte favorita a la hora de pintar flores. En esta etapa, pintaremos las venas en los pétalos. Para eso, voy a usar el pincel tamaño zero liner. Es un pincel muy parecido a un rigor porque tiene cerdas largas y delgadas, lo que lo hace perfecto para pintar líneas delicadas Usando la primera mezcla roja, comenzaré a pintar venas en cada pétalo. También de vez en cuando alcanzaré la mezcla de color rojo más oscuro en áreas donde quiero que las venas aparezcan un poco más visibles, especialmente más cerca de los centros de las flores. Esta es siempre mi etapa favorita porque las líneas simples añaden tanto carácter a los pétalos. Muchas veces, aunque los pétalos reales no muestren claramente venas visibles, todavía me gusta agregarlos simplemente porque disfruto la forma en que se ven y cuánto ayudan a definir los pétalos. Para estas flores, trato de pintar las venas como si estuvieran creciendo desde el centro de la flor y ramificándose hacia afuera hacia los bordes de los pétalos Su dirección es importante porque también describe la forma y curvatura de los pétalos. Entonces estas no deberían ser líneas aleatorias corriendo por el pétalo. En cambio, quieres seguir la forma natural del pétalo e imaginar que estás pintando sobre una flor real mientras mueves tu pincel hacia afuera desde el centro. Las líneas son detalles tan simples, pero pueden transformar completamente la apariencia de los pétalos. No se apresure a esta etapa. Mantenga las líneas muy delgadas, permita que desaparezcan suavemente en algunos lugares, y si es posible, ahúselas a medida que se mueven hacia los bordes exteriores de los pétalos Una vez que termines de agregar estas líneas, podrás celebrar tu éxito, y yo estoy celebrando contigo. Ahora puedes firmar tu pintura y tomarte un momento para admirar lo que has creado. Enhorabuena por terminar esta hermosa pintura. Realmente espero que estés contento con tu resultado. En la parte final, resumiremos brevemente lo que hemos aprendido de este tutorial 14. Resumen: Enhorabuena por completar esta pintura de uranio. Este proyecto se trataba de crear profundidad, armonía y atmósfera utilizando técnicas simples de acuarela y una composición cuidadosamente planificada. Espero que hayas disfrutado del proceso y te sientas orgulloso de la pintura que creaste. Recapitulemos rápidamente las cosas más importantes que exploramos en este tutorial En lugar de copiar una foto de referencia específica, creamos una composición personalizada inspirada en múltiples referencias. Al pasar gradualmente de fondo claro a hojas de primer plano más oscuras construimos profundidad y creamos una composición más completa y dimensional usando A lo largo de la pintura, poco a poco construimos los colores usando capas transparentes de acuarela. Esto fue especialmente importante para las flores, donde la estratificación nos ayudó a lograr rojos ricos y vibrantes a la vez que manteníamos la calidad luminosa de la acuarela También trabajamos con una paleta armoniosa de rojos, verdes y marrones cálidos para crear un ambiente tranquilo y cohesivo En lugar de centrarnos en el realismo estricto, simplificamos muchas de las formas y detalles para crear un aspecto más estilizado y decorativo Confiamos en la intuición artística, pinceladas más sueltas, texturas en capas detalles selectivos como venas y sombras para darle a la pintura En las etapas finales, fortalecimos la pintura profundizando las sombras, separando las formas con mayor claridad y agregando delicadas venas en los pétalos y hojas Estos detalles finales ayudaron a definir las formas y dieron vida a toda la composición. Muchas gracias por pintar junto a mí. Espero que este tutorial te haya ayudado a sentirte más seguro con capas de valores tonales, pintura floral estilizada y construyendo armoniosas composiciones construyendo armoniosas Lleva estas ideas a tus futuras pinturas, experimenta con tus propias flores y paletas de colores, y lo más importante, disfruta del proceso Gracias de nuevo por acompañarme en este tutorial y como siempre feliz pintura. Adiós.