Transcripciones
1. Introducción: Acuarelas, pueden ponerse tan desalentadoras al principio. Pero al igual que cualquier otro oficio, siempre
es bueno recordar que no tienes que ser genial para empezar, pero tienes que empezar a ser genial. Francamente, tener esto en el fondo de mi mente cuando estaba empezando realmente me ayudó a ser persistente y mejorar con el tiempo. Hola, soy Francoise. Bienvenido a la primera parte de mi serie galaxia acuarela. Soy artista francés y encuentro alegría en la creación de pinturas dramáticas, CELAC, y el canto, y real. Con esta clase, quiero sacar el miedo y confusión de mezclar varias acuarelas juntas. Si eres principiante, puedes aprender los conceptos básicos para crear fondos de acuarela hermosos y suaves. Si tienes un poco más de experiencia pero aún tienes
problemas para conseguir ese look suave en tus pinturas, esta clase te va a ayudar a mejorar. Encuentro que las galaxias son un gran lugar para empezar para principiantes porque son divertidas. Te ayudarán a practicar tus fondos de acuarela, y eso te ayudará a meterte en la pintura del paisaje. Por eso escogí hoy este tema. En la primera parte de esta serie de galaxias, tuvimos un enfoque en la mezcla y estratificación, por lo que podemos crear un fondo liso que pop, suave como la superficie de la maravilla. En primer lugar, voy a tocar cómo acercarme a la pintura
galáctica, después te llevaré a través de los suministros que utilizo para lograr un look suave. Vamos a aprender mezcla y estratificación. También te voy a mostrar cómo crear esos espacios muy oscuros y muy claros
sin dejar de conseguir colores ricos y vibrantes para salir. Estas características siendo tan típicas de una galaxia. Nuestro proyecto es una pintura de galaxia colorida, y va a ser perfecta para practicar las habilidades que vas a aprender en esta clase y aplicarlas a tus próximos fondos de acuarela. Terminaremos nuestra pintura con algo de diversión salpicada y una lección extra donde enseñaré varias formas creativas de agregar las estrellas. Al final de la clase, estarás equipado con la herramienta y confianza para crear tus propias galaxias y hermosos fondos coloridos. Así que agarra tus pinturas, y empecemos.
2. PROYECTO DE CLASE: Nuestro proyecto es una galaxia colorida. Escogí este de un sitio web de fotos de stock gratis porque creo que tiene todo lo que encontrarías en tu típica galaxia, lo cual va a ser genial trabajar en lo básico. La mayoría de los principiantes al principio luchan por mezclar varios colores juntos. Las galaxias pueden llegar a ser bastante confusas porque hay tantos colores. Algunas de ellas son tan oscuras, cuando se entremezclan con unas tan claras, puede ponerse complicado. En éste, por ejemplo, hay una parte muy oscura que necesitará mezclarse con colores mucho más brillantes. Las partes brillantes también están hechas de varios colores diferentes. Podemos ver manchas ahí que son casi blancas. Eso es mucha variedad. En las siguientes lecciones te van a ayudar a practicar pedacitos de lo que está incluido en el proyecto final. Te recomiendo encarecidamente que pases por estos primero antes de abordar la pintura. Hará que todo el proceso sea aún más divertido y agradable. En tu proyecto final, estaré mirando la forma en que se están mezclando los colores y cómo
incorporaste esas partes oscuras y blancas a las correctas, y cómo agregaste profundidad con capas. Por favor, sube tus proyectos a la galería de proyectos para que pueda echar un vistazo, darte algunos comentarios y ayudarte. A continuación, me gustaría hablarles de las técnicas que pueden utilizar para la pintura de galaxias y el enfoque que tomo para crear galaxias en mi propio estilo. Encuéntrame en la siguiente lección.
3. Enfocar de la pintura de galaxias: Empecé a pintar con acuarelas regularmente en el invierno de 2019, y encontré que las galaxias realmente me ayudaron a afinar en las habilidades básicas muy rápido. Control del agua, mezclando varios colores, mezclando colores. No hay boceto. Es un proceso divertido y por lo general bastante rápido y también espontáneo. Agrega muchos colores ahí, un poco de sublattice para las estrellas, y terminas con un hermoso y mágico fondo. Existen varias formas de doler a las galaxias. Ninguno de ellos es mejor. Todos preferirán uno u otro, dependiendo del estilo. Una de ellas utiliza la técnica húmeda sobre seca, mientras que la que te voy a enseñar hoy implica la técnica húmeda sobre húmeda. Te explicaré y te mostraré la diferencia un poco más tarde en la clase. Se me ocurrió el método completo después de practicar e intentar que mis galaxias luzcan lisas y vibrantes de una vez, porque no pude obtener resultados satisfactorios antes de eso. Por ejemplo, recuerdo las dos primeras cosas que me dejaron frustrada como principiante fueron que mi papel siempre se secaba demasiado rápido para trabajar con él por más de dos minutos y siempre me pareció que mis colores se veían realmente pálidos y aburridos. Los tres componentes que uso para pintar hermosas galaxias hoy en día y vamos elaborar sobre cada una en las próximas clases con ejemplos detallados son; Suministros
específicos que les van bien con el agua, la técnica húmeda sobre húmeda para que los colores se mezclen muy bien y un aspecto más suave, y la técnica de estratificación para más vitalidad y profundidad. En primer lugar, veamos qué suministros necesitaremos para pintar.
4. SUMINISTROS: En esta lección, vamos a ver los suministros que vamos a necesitar para la clase. papel de acuarela, las pinturas , el
agua, y uno o dos pinceles son suficientes. Por lo general no necesitas mucho. Si no tienes opción,
por favor, empieza con lo que tienes. Recuerdo estar sumamente confundido por la gran variedad de suministros cuando empecé, especialmente pinceles y papel. Para obtener los mejores resultados que te animen a seguir practicando, recomiendo papel de acuarela 100 por ciento de algodón, 300 GSM prensado en frío. Este es, por mucho, los mejores suministros para probar por fondos suaves y hermosos. Este tipo de papel sostiene muy bien el agua, lo
que significa que absorberá más y permanecerá mojada por más tiempo. Los colores también se extienden mejor y en mi opinión, ven mejor que en algunos otros tipos de papel. papel cien por ciento de algodón puede ser caro. Lo que hago es pintar en sábanas pequeñas que corté de una almohadilla grande, y me duran un rato. Para una talla, te recomendaría empezar en hojas que están en algún lugar entre cinco por siete y seis por ocho pulgadas, a menos que uses dos acuarelas y tengas tus propias preferencias. Un tamaño muy pequeño puede dificultar la creación esos espacios en blanco en los que vamos a trabajar más adelante, y un tamaño grande podría sentirse abrumador. El segundo suministro que necesitarás es un mínimo de un pincel redondo que retendrá mucha agua. Los pinceles de pintura de fibra capilar natural son conocidos por justo eso. Las marcas especificarán este tipo de información, por lo que deberías poder encontrarte una para ti. El que llevo usando desde que empecé acuarelas es un pincel de fibra capilar natural Raphael. El modo en que se etiquetan los tamaños con pinceles varían tanto de marca a marca, así que sugiero que busque su pincel para que coincida con la superficie de su papel en lugar de un número de tamaño específico. Por ejemplo, aquí, sé que puedo cubrir mucho terreno en mi papel con facilidad. Si yo fuera a pintar en una hoja muy grande, se volverá muy desafiante y este papel debería ser demasiado pequeño. Este pequeño percance me pasó antes. Lo mismo vale para una hoja muy pequeña. Ahora, es tan grande, será
difícil depositar cada color con la suficiente precisión. Todo se trata de encontrar un equilibrio entre los tamaños de papel y pincel. Usaremos este para pintar. Yo recomendaría el segundo. Está bien si es totalmente diferente. Simplemente queremos otro pincel que nos mantengamos limpios para ayudarnos a levantar la pintura de nuestro papel cuando la necesitemos sin tener que perder tiempo enjuagando nuestro pincel principal. El tercer tipo de suministro que necesitaremos va a ser, usted lo adivinó, un conjunto de pinturas. Para las marcas no importa tanto, siempre y cuando
sea algo común para las acuarelas que encontrarías en tu tienda de arte. Incluso puedes usar pinturas que vienen en tubos, sartenes, o medias sartenes, e incluso botellas siempre y cuando sean acuarelas. Para el proyecto, estoy usando Art Philosophy pinta azul cobalto, rosa
ópera, e índigo. Para nuestro ejercicio, agregaremos verde, y usaremos de nuevo el índigo, y el azul cobalto. azul cobalto y el rosa de ópera serán nuestros colores brillantes, y el índigo nos ayudará a meter los tonos oscuros en nuestro proyecto. Lo mismo en nuestro ejercicio. Verdoso, amarillo y azul cobalto serán los colores más brillantes, y el índigo nos ayudará a oscurecer las cosas. No mencioné el blanco porque estaremos usando una técnica llamada la técnica de elevación. No estamos usando pintura para blancos en esta clase, excepto las estrellas. No te preocupes si no tienes gouache blanco para las estrellas, tengo algunas alternativas para ti en la lección extra por pintar las estrellas. No olvides tener unas toallas de papel o pañuelo cerca, y dos frascos de agua clara para mojar y enjuagar el pincel. Además, un rollo de cinta de enmascaramiento es útil para encolar correctamente las hojas en su estación de trabajo. Recuerda, no necesitas muchos suministros para galaxias. El papel importará más, recomiendo papel 100 por ciento de algodón prensado en frío. El pincel también importa. Te recomiendo uno que retenga mucha agua.
5. Elige colores para las galaxias: En esta lección, vamos a explorar colores para la pintura de galaxia con tres opciones con las que puedes ir si no tienes idea de qué gama de colores usar. Si estás con un presupuesto o no estás seguro de cuáles son los colores para ti, empieza con las tres primarias, rojo, azul y amarillo, para mezclar todos los colores del arco iris. Hice un archivo PDF, se
puede descargar desde la sección de recursos de esta clase para ver cómo se pueden mezclar las primarias para obtener más colores que serán geniales para la pintura galaxy. Sugiero añil agregar a las primarias para hacer tu tarea más fácil y conseguir esas partes oscuras muy oscuras de inmediato sin tener que mezclar mucha pintura. Mis mejores selecciones, los colores que obtendría si quisiera pintar muchas galaxias para empezar, añil otra vez para la sombra oscura, y para los colores brillantes, un tono azul más claro como el azul cobalto, un rosa brillante como la ópera color rosa, y amarillo y verde. Los colores básicos del arco iris siempre serán geniales de tener si no quieres tener que mezclar colores en absoluto. Se puede agregar algunos colores oscuros para las partes oscuras de los cuadros, como el añil, el
marrón, el gris, o el tono negro, se
pueden utilizar para esas áreas oscuras, mixtas o planas. Algo sobre colores que podrías haber notado antes es que algunos colores granulan mucho. Te voy a mostrar cómo se ve esto. Mucho blues y negros, algunos de los greens son conocidos por granular, y luego variará dependiendo de qué marca estés usando. Toda marca debe tener esta información disponible en su página web. Toma este color Daniel Smith llamado azul lunar por ejemplo. Vea cómo el pigmento se agrupa aquí. Puede ser hermoso en un cuadro, pero tal vez no el look ideal para una pintura típica de galaxia. A pesar de que he notado que este efecto se vuelve menos visible después de varias capas, por lo que podría salirse con la suya. Algo también vale la pena saber es que algunas pinturas se levantan más o menos fácilmente cuando las mojamos después de que ya se hayan secado una vez en papel. Te voy a mostrar esto y exagerar un poco mis pinceladas para que sea más obvio. Se me ocurren tres razones para pintar con lift off. El primero es si mojas tu sábana, nuevo, a pesar de que la pintura no estaba completamente seca. Normalmente hago esto mucho como principiante porque estaba impaciente y pensé que me saldría con la suya. Además, a veces la pintura parece que está seca, pero la lámina interior no está completamente seca. La solución es usar una pistola de calor o secador de pelo a baja para probar la pintura y la hoja por completo. Hago mucho esto y me parece muy útil. El segundo motivo es demasiado insistente y demasiado ida y vuelta con el pincel cuando volvemos a mojar el papel después de que se haya secado. Aprendí con el tiempo que cuando moje papel por segunda vez, cuando ya hay pintura ahí, quiero hacerlo de forma breve y suave. No te preocupes, practicaremos esto tanto en nuestros ejercicios como en proyectos. Al final de la clase, tendrás un buen sentido de cómo hacer esto. Una tercera razón es que la pintura no está manchada. Es una propiedad de la pintura que varía dentro de las marcas, al igual que la granulación. También puedes encontrar esta información en la página web de la marca. Aquí, tenemos la pintura a la derecha sé que no se levantará con demasiada facilidad. Del lado izquierdo, uno que sí, aunque tome precauciones con mi pincel de pintura. Pinturas que se levantan fácilmente pueden dificultar las capas. Usé una técnica de estratificación para galaxias así que voy con marcas He
intentado que no he tenido ningún problema con el uso de la mayoría de colores, como Winsor & Newton y Art Philosophy. Seguro que hay muchos otros. Intenté usar Daniel Smith, pero los pocos colores que poseo parecen levantarse muy fácilmente, así que prefiero las otras dos marcas. Después te mostraré cómo volver a mojar tu papel para evitar este tema tanto como sea posible. Recuerda, unos cuantos colores clave son suficientes para la pintura
galáctica, un tono oscuro y unos cuantos más brillantes. Prefiere pinturas que no granulen y no se levanten con demasiada facilidad. Estos son pequeños detalles que harán que pintar galaxias sea mejor y más fácil, pero no te van a impedir pintar hermosas galaxias, si no todo es perfecto. Es solo agradable tener este conocimiento para que sepas por qué está sucediendo y qué hacer al respecto. Ahora, la parte de selección de colores es más clara, echemos un vistazo a cómo realmente elegir colores de una foto de referencia en la siguiente lección.
6. Pintura desde referencia: En esta lección, me gustaría mostrarles cómo escojo los colores de una foto de referencia. Estaremos usando este para nuestros ejercicios de mezcla y estratificación. Repetiremos este pequeño ejercicio con el proyecto real más adelante. Por cierto, las referencias que estoy usando en esta clase están adjuntas en la sección Recursos para que puedas descargarlas ahí si es más fácil. Observemos esta foto. Al igual que con la mayoría de las galaxias, hay colores intensos opuestos a las muy oscuras. En primer lugar, identifique los colores brillantes. Aquí veo azul con verde con acentos de amarillo, por
eso escogí un tono amarillo verdoso y te
sugerí mezclar amarillo y verde si no tienes uno. También amarillo y azul hace verde. Podemos imaginar que cuando nuestro tono amarillo verdoso se mezcla con nuestro tono azul, va a agregar más variedad y hermosas transiciones con un tono verde más oscuro. A continuación, mira las partes oscuras. A veces es más azulado, a veces más negro o marrón. Aquí es más de un azul oscuro, a menudo
lo es, y por eso simplemente me gusta usar el índigo. Si no tuviera añil aquí, si tengo negro en su lugar, mezclaría un poco del azul cobalto y mi negro porque mezclar negro a otro color se ve mucho más bonito. Se mezcla mejor con el resto como pertenece, más que si usaras el negro solo. Por último, observa esas partes más anchas. Se puede ver claramente que no son tan blancos. Mi estilo está un poco del lado realista, por
eso tampoco lucen blancos brillantes en mi pintura y luego te voy a mostrar cómo conseguir que se vean tan bien, como en la foto, aunque no sean del todo blancos como el papel originalmente lo es. En este cuadro reciente que hice por ejemplo, se
puede ver las partes blancas no son de color blanco brillante pero
todavía se encuentran como tales gracias a las partes oscuras. Una cosa más, cuando encuentras una foto de referencia que en su mayoría es oscura, esta del lado izquierdo es, creo que está totalmente bien exagerar un poco más los colores brillantes. No tengas miedo de hacerlos brillantes o cambiar las cosas un poco como lo hice en el lado derecho. Lo que es genial con las galaxias es que puedes personalizarlas por completo sin que parezca raro ya que las galaxias son solo fondo colorido con estrellas. Recuerda, el blanco no tiene que ser verdaderamente blanco para desprenderse como tal. Así que no te preocupes por ellos en tus cuadros, concéntrate en el contraste en su lugar y el negro se ve mejor mezclado a un solo color de la paleta. Lo básico es mucha información para tomar, lo
sé, pero no te preocupes, llévala lección tras lección. Vamos a empezar a practicar después de
aprender a crear espacios en blanco sin gouache blanco. En esta siguiente lección y con los ejercicios y el proyecto, todo
se unirá.
7. Crear partes blancas sin gouache: En esta lección, vamos a aprender a crear las partes blancas en una pintura de galaxia sin usar cal. La cal es común para este efecto Vía Láctea. Para aquellos de ustedes que no tienen ninguno, usaremos la técnica de elevación en su lugar. Todo lo que necesitamos es nuestro pincel, aunque otro va a ser más conveniente. Exploremos nuestras opciones para crear piezas blancas primero. Una forma popular de pintar galaxias es con la técnica húmeda sobre seca. Esto es lo que te estoy mostrando ahora mismo. Significa que tu papel está seco cuando aplicas los colores. El único agua proviene del pincel. Es genial porque los colores se mantienen más vibrantes, y es más fácil mantener las áreas blancas de papel. Una sola capa de pintura puede ser suficiente para que los colores se vean hermosos. No obstante, puede ser difícil deshacerse de los bordes duros con esta técnica. Es preferible pintar rápido y saber qué colores estás aplicando, cuándo y dónde antes de tiempo. También es más probable que los colores se mezclen con
menos facilidad y parezcan que empiezan y se detienen en algún lugar. Mezclar los bordes duros también requiere entrar con un cepillo húmedo y húmedo. Esta no es la técnica que estaremos usando hoy porque me resulta difícil conseguir fondos suaves con. El segundo modo de pintar galaxias es con una técnica húmeda en húmedo. Este es el que vamos a practicar hoy con el giro agregado de agregar varias capas. Pintar mojado-en-húmedo significa que primero vas a mojar el papel con agua clara, luego dejar caer la pintura. A su vez, la pintura se extenderá más o menos sobre esa agua dependiendo de qué tan gruesa o moqueada la pintes. Cuanto más agua sobre el papel y/o el pincel, más se va a extender. Cuanto menos agua sobre papel y/o el pincel, lo menos se va a extender. Lo bueno de eso es que los colores se mezclan muy fácilmente y los bordes se ven muy suaves y difusos. Los colores mezclados y los bordes suaves se ven más realistas para una galaxia si es un estilo que disfrutas. Lo que no es tan grande es que cuando se secan, los colores son bastante pálidos porque el papel está mojado, diluyen en más agua en comparación con la técnica húmeda sobre seca,
y debido a que la pintura se extendió sobre papel que está mojado, se es más difícil mantener áreas específicas libres de pintura. Prefiero la técnica húmeda en húmedo para los fondos. A mí me gusta que se vean más suaves con él. A partir de ahora, todo lo que hagamos estará usando esta técnica. Todavía tenemos un problema, ¿cómo mantenemos blancas áreas específicas ahora lo reducimos a la técnica húmeda en húmedo? Voy a comparar dos formas de preservar áreas blancas cuando el papel está mojado. Levantamiento de pintura versus uso de líquido de enmascaramiento. Voy a aplicar líquido de enmascaramiento en el lado derecho. El líquido de enmascaramiento ayuda a preservar cualquier área del agua y las pinturas. Es resistente al agua. Es conveniente, pero para las galaxias, encuentro los bordes realmente duros incluso más de lo que eran con la técnica húmeda sobre seca que te mostré antes. Hoy en día, solo uso líquido de enmascaramiento para áreas que serán pintadas como una casa, por ejemplo, un personaje. Lo evito por todo lo que requiere una mezcla suave, aunque sea conveniente. Como ya habrás adivinado, levantar pintura será mejor para crear esos espacios blancos en nuestras galaxias. Mojemos el papel de cada lado y dejemos caer algo de pintura por todas partes. A la izquierda, vamos a mantener esta zona aquí en el centro lo más
libre de pintura posible ya que quiero mostrarles la técnica de elevación ahí, la que estaremos utilizando en nuestros proyectos. Se me cayó la pintura y se está extendiendo. Del lado derecho, no va a pasar por donde está el líquido de enmascaramiento. Recuerda que cuando miramos nuestra foto de referencia, pudimos ver claramente las partes blancas no son tan blancas. Cuando trabajamos mojado-en-húmedo para crear nuestra galaxia, la pintura se extenderá y si bien es totalmente posible preservar algunas áreas blancas de papel con esta técnica húmeda, a veces, la pintura sigue arrastrándose hacia el punto que queremos blanco. Eso no es un problema, gracias a la técnica de elevación. Levantar pintura significa que estaremos quitando pinturas húmedas del papel aquí con un cepillo limpio y húmedo. El cepillo estará lo suficientemente seco como para poder absorber agua del papel de nuevo hacia arriba en sus propias fibras. Esto ayudará a eliminar la pintura y obtener áreas blancas de papel para mostrar a través en nuestra pintura. Acabo de mojar mi pincel y lo amortigué en una toalla de papel como esta para quitar el exceso de agua y hacerla más seca. Necesita ser más seco que el papel para que esta técnica funcione. No estoy usando un pincel completamente seco porque no quiero un resaltado muy, muy duro. Es por eso que un cepillo húmedo ayuda a eliminar el exceso de agua mientras preserva un poco de la humedad sobre el papel, y eso permite una transición más agradable. Estoy deslizando el pincel sobre el papel para que haya algo de presión y que el exceso de agua y pintura que hay en el papel sea absorbido por el pincel. Puedes repetir esto como desees. Si nuestro pincel está tan mojado como el papel, no pasaría nada. Si estuviera demasiado mojado estaríamos creando un azul. Es importante mantener el pincel casi seco o simplemente húmedo y usarlo mientras la pintura sigue bastante húmeda. Veamos cómo se ve esto ahí a la derecha. Ahí los bordes son bastante duros y como tenemos que esperar
a que se seque el papel para quitar el líquido de enmascaramiento, ya no
hay forma de suavizar esos bordes. Así como expliqué en la lección anterior, las áreas donde levantamos las pinturas no van a quedar extra blancas. Es la técnica de estratificación y la adición de colores
muy oscuros lo que ayudará a sacar el blanco. Es exactamente como la pasta de dientes Red que haría que tus dientes luzcan más blancos en los años 90 al realzar el color de las encías. realce de colores oscuros y brillantes con capas tiene el mismo tipo de efecto en esas áreas más blancas del papel. Recuerda, la técnica de elevación funciona mejor para obras de arte realistas. alto contraste es lo que importa. Los colores más oscuros harán que las partes blancas se vean más blancas. Ahora, pasemos a la siguiente lección y aprendamos sobre la mezcla para que podamos empezar a hacer ejercicio.
8. Evitar los desastres de fusión: Mezclar colores con acuarelas puede sentirse como un desastre a veces incluso con el mejor papel. Esto se vuelve frustrante cuando no sabes qué hacer al respecto. En esta lección, te voy a dar todas las herramientas que
necesitas para lograr una mezcla suave con una técnica húmeda en húmedo, cuando mojemos el papel antes de entrar con pintura. Es así como vamos a pintar nuestro proyecto en esta clase. Con la mezcla wet -in-wet, podremos crear transiciones
suaves entre colores, es nuestro objetivo. A menudo me siento incómodo, casi temeroso cuando empecé a pintar porque a menudo utilizaba una técnica húmeda en húmedo para pintar un fondo, y hay menos control sobre lo que hacen las pinturas en papel. Sé que para mí es el miedo perder el control y potencialmente no terminar con lo que tenía en mente. A lo mejor este sentimiento suena familiar. He cometido toneladas de errores con antecedentes antes. De vez en cuando todavía lo hago. actualidad sucede cuando no pienso en lo necesito hacer antes de tiempo o cuando me apresuro, y la buena noticia es que después de que practiques y aprendas lo básico en esta clase sabrás dónde te equivocaste, y puedes empezar de nuevo y arreglar lo que salió mal para hacerlo mejor esa segunda vez. Si necesitas ayuda adicional, ponte en contacto en la sección de comentarios de esta clase. Estamos tomando un atajo en esta clase practicando con intención. Te señalaré los pequeños detalles sobre el proceso para que te pongas más informado, cómodo y seguro de mezclar varios colores mucho más rápido. En primer lugar vamos a asegurarnos de que estamos usando preferentemente papel 100% algodón prensado en frío. Si no lo eres porque no tienes ninguno, está bien pero recuerda que es probable que veas resultados mucho mejores con él. Yo quiero mostrarles lo diferentes que se ven otros papeles. De izquierda a derecha, tenemos papel de pulpa de madera. Es el tipo de papel de acuarela más asequible y bastante común que encontrarías. A continuación, 100 por ciento de algodón, eso es un acabado prensado en caliente, es más suave. Noté que este prensado en caliente no toma agua tan bien como prensado en frío a pesar de que es algodón. A la derecha está nuestro papel prensado en frío. Es el tipo que uso casi exclusivamente y recomiendo. Yo estoy mojando los tres para ver cómo se extenderá la pintura. Puedo notar la diferencia en cuanto caigo a pintar. En papel de pulpa de madera, la pintura no fluye tan bien como lo que estoy acostumbrado con algodón prensado en frío. El papel ya se encrespa hacia adentro. Creo que es porque no maneja tan bien el agua. Cien por ciento algodón duro prensado está causando que la pintura se vea un poco granular lo cual es extraño en realidad aunque sabía que la pintura no fluiría demasiado bien. En el 100 por ciento de algodón prensado en frío, la pintura se ha extendido mejor sin líneas ni
manchas duras y el color se ve más vibrante. Recuerdo esa vez que estaba empezando, me había tomado unas semanas de la pintura para viajar,
y cuando regresé, lo intenté con papel de pulpa
después de comenzar con papel 100 por ciento de algodón unas semanas antes. No sabía mucho de papeles los respaldaban. Recuerdo que estaba horrorizado por mis resultados y pensé que mi descanso había tenido un efecto muy malo en las pequeñas habilidades que había reunido antes. Terminé averiguando que era porque el papel era diferente. No puedo decirte cuánto mejor me sentí cuando empecé a pintar de nuevo en papel prensado en frío 100 por ciento de algodón. A continuación, también queremos recoger nuestro mejor pincel para el trabajo. Los que mejor retienen el agua y se siente más agradable para ti si tienes una opción de pinceles de alfiler. Es mejor si no se siente demasiado rígido sobre el papel, si siente que se desliza suavemente sobre él. Un pincel rígido como algunos pinceles de alfileres sintéticos podría dejar rayas en tu fondo y hacer que sea más difícil trabajar en general. Aquí estoy pintando con mi pincel de fibra capilar natural, el que más me queda con fondos. Se puede ver con qué facilidad se desliza sobre el papel. El movimiento se hace fácil. Aquí estoy pintando con uno de esos pinceles sintéticos que se siente rígido. Sí, es más pequeño pero con éste tengo que recoger más pintura regularmente. Tiene menos agua y esa es una de las mayores diferencias con un pincel de fibra capilar natural. Puedo sentir que también es menos fácil pintar con porque es tan rígido. Recuerda comprobar que el tamaño de tu pincel te
permitirá doler cómodamente en tu papel. Aquí tengo una hoja de papel 6 por 8 y a mí me parece más que manejable con este tamaño de pincel. Algo importante antes de empezar a mojar el papel es asegurarnos de que nuestros colores estén listos para su uso. No perderás tiempo mezclándolos más tarde. Es importante porque el papel se secará después de haberlo mojado, por lo que quieres usar esta vez pintando y no mezclando colores. Vamos a mezclar amarillo verdoso, azul
cobalto, y añil sólo para esta lección. Para lograr una mezcla súper suave, recomiendo comenzar muy ligero. Es por eso que estoy agregando tanta agua. Esto es en su mayoría agua con sólo un poco de pintura. Añadiré más pinturas para hacerla más gruesa, y más gruesa, y más gruesa a medida que vamos sin apresurarnos. Por ahora estoy tratando de hacer lo suficiente para durar para mi primera capa, siéntete libre de hacer más. Eso es lo que hice como principiante y realmente he ayudado. No tienes que preocuparte por la mezcla de colores mientras pintas. Ahora, nuestro papel, un pincel, y ya se mezcla, asegúrate de tener dos vasos de agua clara cerca de ti para mojar y enjuagar el cepillo, y una toalla de papel si necesitas quitar el exceso de agua del cepillo. Recuerda que el miedo es natural donde hay poco o ningún control. Todo lo que necesitas hacer es empezar. Siempre puedes empezar de nuevo. Los suministros pueden afectar tus resultados. Prepara los colores antes de empezar. Estamos listos para pintar, así que reúnete conmigo en la siguiente lección para nuestro ejercicio de mezcla.
9. Ejercicio de fusión: En esta lección, vamos a pintar un fondo rápido para la práctica. Vamos a utilizar los tres colores que preparamos en la lección anterior; amarillo verdoso, azul cobalto, e índigo. Antes de meternos en mojar el papel y aplicar los colores, tal vez
te resulte más fácil ver esta lección sin pintar, luego volver aquí, y empezar a pintar solo. Eso si crees que es más cómodo para ti ver los pasos primero, que sepas qué esperar. Eso es algo que me gustaría hacer siempre que se involucre la técnica húmeda y húmeda. Me siento más relajado sabiendo lo que voy a estar haciendo antes de tiempo. Estoy separando la hoja en tres partes diferentes. Pintaremos los tres de la misma manera en este ejercicio de planeación y en el ejercicio de estratificación que sigue. Vamos a capas más o menos para mostrarte las capas de diferencia a hacer en una pintura. Podrás pintar las tres capas en toda la hoja si
prefieres tener otra galaxia terminada además de nuestro proyecto. Si lo haces aunque no llegarás a ver la diferencia que hace cada capa. Yo sumerjo mi pincel en el agua, todo por unos segundos, aún más si estaba realmente seco. Cuando lo sacas del agua, debería estar goteando mojado así porque esta es nuestra capa inicial por lo que necesitaremos mucha agua. Nos estamos preparando para aplicar una primera capa aquí. Nuestro objetivo aquí en este ejercicio es mezclarse sin problemas. Dado que esta también será nuestra primera capa, queremos colocar nuestros colores principales donde los veas en la foto de referencia y empezar agregar un poco de contraste para tener una base sólida para el resto del proceso. Estoy mojando mi papel. Empiezo a dejarle caer mucha agua y la froto con movimientos de ida y vuelta. Es bueno hacer mucho de ida y vuelta aquí porque aún no hay pintura. El papel está desnudo y necesitamos meternos en los rincones y rincones del mismo. Este paso puede durar alrededor de un minuto con una hoja de seis por ocho. Una hoja grande llevaría mucho más humectación. Por eso este tamaño será más manejable para ejercicios y proyectos. Una vez que veo que el agua se ha hundido, me gustaría añadir un poco más y repetir. El objetivo aquí es asegurarme de que me moje
el papel uniformemente y también asegurarme de que se va a mantener mojado más tiempo porque tanto el interior como la superficie están impregnados con agua. Esto es muy importante para que tus colores se mezclen bien. Queremos terminar con un bonito y hasta brillar en el papel, como lluvia fresca en un camino pero sin ningún charco. A continuación, empiezo a aplicar mis colores. Empiezo con verde y lo aplico donde veo algunos en mi referencia. Un consejo de poder que marcará una gran diferencia en cuanto tiempo tu papel se mantenga mojado es no tener miedo de agregar pinturas moqueantes como estas al principio. Recuerda que sí mezclamos mucha agua en ellos. Eso está totalmente bien porque de esta manera estamos agregando color al papel, pero también estamos agregando un poco más de agua. Como habrás adivinado, entre más tiempo pasa,
más se secará el papel y esto lo va a mantener mojado por más tiempo. Me tomó un tiempo averiguar esto que mojarse el papel solo no fue suficiente. También sé por pintar tanto que si agrego pintura gruesa de inmediato, le quitará mucha de la humedad muy rápido. Habrá menos espacio para ajustes de color. Menos contraste si empezamos a oscurecer de inmediato y probablemente acabaremos con un fondo manchado también. Entonces eso es realmente algo de lo que me mantengo alejado ahora. Yo estoy haciendo lo mismo con el azul cobalto como lo hice con el amarillo verdoso. En esta etapa, realmente quieres aplicar tus colores donde quieras que estén en tu pintura final. Esto es muy ligero, pero nos va a guiar todo el camino. Yo estoy agregando índigo. índigo no se ve bien al lado de nuestro amarillo verdoso porque por ahora estamos consiguiendo el inicio y parada buscar ambos colores. Verás cómo arreglar esto en un minuto. Para hacer mejor mezcla índigo y amarillo verdoso a pesar de que son tan diferentes, uno siendo muy ligero y el otro oscuro, uso un pincel limpio para tirar trozos de índigo sobre las partes verdosas amarillas para romper esa dura transición abajo en cierto modo. El agua de este pincel limpio hace que mi índigo naturalmente más ligero cuando lo tire a amarillo verdoso, golpeo el pincel en lugares aleatoriamente y así es como hago que ambos colores se mezclen mejor. Se ve mucho mejor ya aquí, casi como nuboso. Ahora acabo de limpiar y frotar mi pincel para que sea solo un poco húmedo para levantar esas partes donde queremos los reflejos más fuertes. Limpio el pincel cada vez que hago esto para deshacerme de la pintura que acababa de levantar. No tengo miedo de repetir este paso algunas veces si la pintura gotea de nuevo en lo que es el caso más en la primera capa por toda el agua que hay en el papel. Se vuelve más fácil más adelante en el proceso. Si aún no es muy preciso, es normal y está bien ya que es tan ligero. Ya que el dolor se extiende mucho, vamos a construir encima de esto con mezclas más gruesas de pintura y podemos ajustar la colocación cada vez. Es por ello que es importante iniciar la luz con las acuarelas. Ten en cuenta que el papel se está secando poco a poco aunque aún parezca mojado ahora. Es por eso que estoy agregando un poco de pintura a mis mezclas de color. Si siguiera trabajando con demasiada agua y no suficiente pintura, mi fondo se mantendría liviano, y eventualmente, toda esta agua extra del cepillo haría manchas en el papel de secado. Procedo de la misma manera. Se puede ver claramente cómo mi dolor es un poco más oscuro ahora. Observe sin embargo que mis mezclas siguen bastante moqueadas. Golpeo mi pincel en lugares para que mi fondo termine con áreas que serán más o menos claras y oscuras. Mi papel todavía sostiene una buena cantidad de agua en su superficie puedo ver. Todavía no se ha puesto en las fibras. Entonces estoy agregando la pintura y la veo extendiéndose justo bien mientras se ve más oscura. Es exactamente lo que estamos buscando. Es importante dejar
destapadas algunas de esas zonas verdosas más claras para que tengamos esa variedad de tonos en la pintura. Ayúdate con la foto de referencia si necesitas, aunque, con las galaxias, puedes ser más espontáneo. Estoy repitiendo esto con azul cobalto ahora. Ahora agreguemos índigo. Ya casi terminamos con esta capa. Estoy ayudando a mezclar añil y amarillo verdoso una vez más con mi pincel limpio. Añadamos un poco más de color para terminar esta capa con más pigmento en nuestras mezclas. Mira cómo el amarillo verdoso y el índigo están empezando a hacer un tono verde más oscuro. Saca aún mejor las partes brillantes de color amarillo verdoso. El papel se está secando a pesar de que no lo podemos ver porque sé que se va a secar. Ahora prefiero parar y llamar a esto la primera capa. cumple el objetivo de una mezcla suave y colocar colores donde pertenecen. Cuando lo tomas lenta y poco a poco, como lo que estamos haciendo ahora con suficiente agua para
que fluyan los colores, es más probable que termines con un hermoso fondo mezclado y evites zonas manchadas o manchas y negrosidad, igual que comer, es mejor parar antes de que estés bastante lleno, aunque eso signifique tomar un refrigerio más tarde. Levantemos colores una vez más y esta capa está terminada. Se necesita un poco de trabajo porque es la base. Es el más importante. Una vez que tenemos eso, todo lo que necesitamos es aumentar el contraste y ajustar los colores donde los queremos. Mira lo bonito que se ve esto ya. No nos engañemos sin embargo, porque esto se va a secar mucho más ligero y ahí es cuando entran las capas. Asegurémonos de que esto esté completamente seco antes de pasar al siguiente paso. Voy a explicar por qué me detuve aquí y más sobre las capas en la siguiente lección ya que la mezcla y las capas están estrechamente atadas. Con este ejercicio de mezcla, me gustaría que recordaran que los colores se extienden y se mezclan donde hay agua. No tengas miedo de empezar con mucha agua mientras evitas charcos. Agrega más pintura poco a poco. Ayuda a las transiciones agradables con un pincel limpio. Detente siempre que los colores no se estén extendiendo tanto. Empieza a levantar colores aquí en la primera capa. Deje que el papel se seque completamente. Encuéntrame en la siguiente lección para aprender a capas y crear más profundidad a esta pintura de muestra.
10. Por Por qué y cuándo capa: Ahora, voy a explicar qué puede
hacer el estratificación para mejorar el aspecto de las galaxias acuarelas. El estratificación en este fondo significa que vamos a aplicar algo más de pintura encima de lo que ya hay. Capa porque me parece que agrega mucha más profundidad y vitalidad. Podemos ver que nuestro fondo se ha secado mucho más ligero de lo que parecía hace unos minutos. Si miras de cerca, hay algunas imperfecciones en él que el estratificación nos ayudará a arreglar. También, con estratificación, me encanta que no sienta tenga que aumentar el contraste en una pintura con una cámara después de tomar fotos de la obra ya que el estratificación
va a darle a la pintura un acabado natural listo para la cámara. Ahora, el problema es que podemos sentirnos confundidos en cuanto a cuándo parar o iniciar una capa. ¿ Cómo sabemos cuándo hacer esto? En mi experiencia, detente cada vez que veas tus colores ya no se están extendiendo tan bien, o siempre que el papel parezca que se está secando. Señales que el papel se está secando incluyen, aparte de los colores que no se extienden mucho, no más glicerina en la superficie o incluso golpes en el papel. Detuve mi primera capa antes de que esto incluso sucediera porque
conozco mis límites de repetir este cuadro varias veces. Podía trabajar unos minutos y aplicar
una buena capa inicial de colores mientras el papel estaba todavía lo suficientemente mojado como para que se extendieran bien. Es una gran primera capa con un poco de contraste de las pinturas más gruesas pero aún húmedas que aplicamos, y es todo lo que necesitamos para seguir adelante. Si no me hubiera detenido, mi papel se hubiera secado lo suficiente con el tiempo que la pintura casi dejaría de extenderse, ahí es cuando los fondos empiezan a lucir manchados así, también
pueden verse así si le agregas una pintura muy gruesa, incluso en los papeles muy húmedos. Cada vez que las pinturas pueden extenderse lo suficiente, ya sea que provenga del secado del papel o que tu mezcla esté demasiado concentrada, verás que esto sucede con una técnica húmeda sobre húmeda. Puedes intentar arreglarlo un poco humedeciendo el papel brevemente después de que se haya secado para suavizar un poco esas pinturas levantando algunas, y a continuación, sigue trabajando en tu fondo como lo hicimos antes. Otra buena razón para parar antes de que se seque el papel es que podrías conseguir algunas flores. Esto sucede cuando agregas demasiada agua a un papel de secado; el agua extra que estás agregando con tu pincel empuja el pigmento sobre el papel y forma una floración. Estos pequeños accidentes son por lo que me parece más efectivo tomar descansos un poco demasiado temprano con cada capa y para planear para tres o cuatro laicos. Eres en general que tratar de hacer todo en una o dos capas. Sé que mis antecedentes serán más suaves y no tendré manchas duras ni flores. Recuerda las acuarelas también secas más claras de lo que son cuando están mojadas. Mirar una capa que se haya secado te permitirá evaluar mejor dónde estás; si vas a necesitar agregar más color o arreglar algo como hacer que los encabezados sean más oscuros o agregar más vitalidad en otro lugar. Lo genial es que el estratificación en húmedo te permite arreglar y mejorar todo o parte
del fondo sin dejar ninguna evidencia siempre y cuando vuelvas a mojar todo el papel cada vez. Te voy a mostrar exactamente cómo se ve esto en nuestro ejercicio de estratificación, pero primero recuerda que las capas ayudan a mantener un fondo suave, libre de manchas de flores y que las capas aumentan la profundidad, el realismo y la vitalidad. En nuestra siguiente lección, el ejercicio de capas, te
voy a dar un marco de capas específico que puedes usar con todos tus fondos.
11. Ejercicio de capas: En esta lección, vamos a usar el fondo que pintamos en nuestro ejercicio de planeación, y vamos a capas encima de ellos para comparar mientras seguimos mi marco de tres capas. Lo que hicimos anteriormente ya cuenta como una sola capa. Dejemos intacto el fondo de la izquierda. A continuación, vamos a volver a capas en el medio y en el lado derecho de la hoja. Entonces estratificaremos una última vez solo por el lado derecho. Esto nos permitirá comparar las tres etapas y ver lo que realmente hace el estratificación a un fondo. Puedes decidir si eso es algo que quieres aplicar a tus futuras pinturas. Mojemos las partes que están en el lado medio y derecho para nuestra segunda capa. Al igual que antes, el pincel está empapado. Esta vez, sin embargo, no hay necesidad de pasar tiempo mojándose. En primer lugar, no queremos molestar a la primera capa. Recuerda, sin presión y tan poco ida y vuelta como sea posible esta vez. También estamos aumentando la cantidad de pigmento en nuestras mezclas. Realmente no necesitamos que nuestro papel esté tan mojado como lo estaba cuando empezamos. A pesar de que, recuerda que la pintura aún necesita fluir y estar un poco moqueada. Esta consistencia creo que servirá. Estoy agregando mi amarillo verdoso. Golpeo el pincel en lugares. No quiero tapar todos los fondos. Yo quiero solapar colores. Los colores superpuestos que son o bien claros, promedio u oscuros en intensidad uno encima del otro de manera aleatoria, es lo que creará la profundidad natural en la pintura y evitaremos que
terminemos con bloques perfectos de color que inicien y se detengan en algún lugar. Yo estoy haciendo lo mismo con el azul cobalto. Al igual que antes, podemos agregar un poco más de pintura en nuestras mezclas de colores y seguir construyendo contraste. Es el mismo proceso, la única diferencia es que intensificamos los colores poco a poco. También hay último sobre papel, por lo que tanto el papel como la pintura sostienen una cantidad similar de humedad. Recuerda no encubrir todo lo que hicimos antes. Queremos solapar las pinturas y
lugares más oscuros y la foto de referencia nos puede guiar en esto. Si estás haciendo esto por primera vez, repite este ejercicio con tantas veces como necesites para sentirte cómodo. Te ayudará a mejorar tanto la planificación como la estratificación. No te preocupes si al principio se siente intimidante. Es completamente normal, aunque ya hicimos la mayor parte del trabajo cuando pintamos esa primera capa. Ahora, probemos esto completamente y comparemos. Se ve hermoso. No voy a añadir estrellas aquí. Puedes si quieres, porque creo que se vería aún más llamativo. Aquí se puede ver claramente cómo el tercer y último fondo se ve más interesante que los otros dos. De lo que disfruto con este método es porque puede lucir vibrante con capas sin ser llamativo en primer lugar. Lo que importa es tener un fuerte contraste de luz versus áreas oscuras en la pintura para crear la vitalidad. Podemos ver aquí nuestra primera capa se mezcla maravillosamente con una técnica húmeda sobre húmeda, pero generalmente es muy pálida y carece de contraste. La segunda capa agrega un poco más, pero aún no está operando en todo su potencial. Siempre hay cosas que arreglar o mejorar. Una tercera capa como esta saca aún más la profundidad y vitalidad de los colores. Agrega algunos Algunos y se vuelve sensacional. He estratizado más de tres veces antes y cuando lo
hice, estaba tratando de arreglar un error o conseguir un color para ser aún más profundo y oscuro. Eres tú quien decide cuántas capas necesitas. Creo que tres es genial la mayoría de las veces. Recuerda, humedezca brevemente el papel durante una segunda o una tercera capa. Agrega más pinturas a tus mezclas a medida que avanza. Usa tu foto de referencia para detectar los tonos claros, medios y oscuros. Superponen los colores para la profundidad y la vitalidad. El contraste tiene más impacto que la intensidad de un color. Ahora entendemos cómo aprovechar la planificación, estratificación y el levantamiento, y cómo pueden ayudarnos a pintar galaxias lisas y vibrantes. Pintemos nuestro proyecto.
12. Pintura de galaxia parte 11: referencia y estudio de colores: Es hora de pintar nuestra colorida galaxia. Antes de empezar, es una buena idea mezclar nuestros colores, sobre todo cuando se trabaja con una técnica húmeda en húmedo. Me gustaría aprovechar eso para echar
un vistazo a la foto de referencia que utilicé en nuestro cuadro primero. Cuando pinto desde referencia, miro cómo puedo simplificar mi elección de colores desde lo que estoy viendo. Aquí, es obvio querer un rosa brillante y un
azul brillante para contrastar con las partes oscuras a su alrededor. A mí me parecen casi negras las partes oscuras. Pero como voy a estar usando el azul ya en las zonas luminosas, estoy pensando que el índigo se adaptará bien a esto. Esto se debe a que el índigo es un azul muy oscuro. Sé que también se mezcla en hermosos morados con rosa, por lo que será perfecto para suavizar transiciones con nuestros otros colores. Podemos ver unos morados aquí y allá, pero no vamos a necesitar morado porque,
como acabo de mencionar, el rosa y el azul hacen morado. Por lo que vamos a conseguir este color en la pintura donde se encuentran los dos colores. Hay partes muy ligeras a cada lado. Pueden parecer blancos, pero cuando miras más de cerca, no lo son. Perfecta de nuevo con la técnica de elevación, envía o consigue este efecto de partes muy ligeras, pero tampoco demasiado obvio. En la foto, el contraste entre tonos oscuros y claros es increíble, pesar de que esas partes pequeñas no son del todo blancas, lo cual es a prueba de blancos no necesitan ser blancos. Seguimos obteniendo algo hermoso siempre y cuando haya contraste. Vamos a agarrar un rosa menos ópera rosa. Es un tono llamativo por lo que va a ser genial para este cuadro. Le estoy agregando mucha agua. Recuerda, es muy importante conseguir una primera capa lisa. Acabo de mezclar azul cobalto de la misma manera. Este tono de azul no es el más llamativo en comparación con mi rosa, pero es un buen básico para tener, y va bien con la ópera rosa y el índigo. Ahora, hagamos una mezcla moqueada de índigo y estamos bien para irnos. Reúnete conmigo en la segunda parte para nuestra primera capa.
13. Pintura de Galaxy Parte 2: primera capa: Estamos listos para comenzar a mezclar y estratificar nuestras tres pinturas. Recuerda que no hay sarpullido siempre y cuando el papel y las mezclas estén muy mojadas al principio. Si empieza a secarse, siempre
tienes la posibilidad de parar y patear más tarde. Sé que a veces somos un poco impacientes. Queremos seguir adelante, en cuenta que puedes controlar tus pinturas y dónde va la pintura un poco más si la tomas despacio. Obtendrás más rápido y mejor después de solo unas cuantas galaxias. Además, repitió esta galaxia unas cuantas veces antes de rodar este video. Tómalo despacio y llegarás ahí. Estoy mojando mi papel generosamente durante aproximadamente un minuto. No queremos que se cubra en una alberca de agua o pequeñas albercas de agua en lugares. Queremos que el agua lo penetre primero, luego agregue un poco más en la superficie para que la pintura siga fluyendo. Conforme estoy cayendo el rosa primero, se
puede ver de cerca lo liviano que es y cómo fluye. Estoy manteniendo el papel mojado agregando esta divertida mezcla de pinturas. No pierdo el tiempo, pero tampoco me siento apurada. Trata de apuntar a conseguir tus colores principales en el papel si aún no te sientes lo suficientemente confiado. A continuación, puedes secar el papel, mojar de nuevo y seguir adelante. Ahora empecemos a aplicar nuestro tono de azul. El mío es azul cobalto. Indigo ahora, y ya es posible que el papel se convierta en seco ya un poco, donde no hemos aplicado pintura alguna. Es por ello que queremos bajar estos colores sobre el papel en los primeros minutos, después podremos seguir adelante. Todavía no se ve bien y no lo hará por un tiempo. Es totalmente normal y es una de esas cosas que pueden hacer que la acuarela sea tan desalentadora al principio, pero una vez que sabes que siempre va a haber una etapa fea como algunas lo es, es más fácil atravesar. Empiezo a solapar colores, haremos más de esto más adelante. Mezclemos un poco más de dolor en nuestra mezcla rosa. Si tu papel sigue estando lo suficientemente mojado de las pinturas anteriores, es un buen momento para seguir construyendo esta capa y solapar los diversos colores para conseguir una transición agradable y natural entre nuestros colores. Recuerda, queremos evitar que nuestros colores
parezcan como si estuvieran empezando y parando en algún lugar. Se puede ver que nuestro tono rosa está empezando a convertirse en un tono púrpura ahora porque estoy solapando azul cobalto en algunos lugares. Intento no cubrir todo aquí arriba. Queremos que esas áreas casi blancas a mi foto de referencia, las de cada lado del cuadro, mantengan muy ligeras. Se puede ver como estoy golpeando el pincel en el papel que todavía hay mucha agua ahí. Estoy agregando un poco de pigmento a mi mezcla azul cobalto y sigo construyendo un contraste para esta capa. Es importante porque ya está empezando a hacer más vibrante esta parte de un cuadro. Pero como todavía tenemos mucha agua ahí, todavía
se mezclará con los otros colores muy bien. Ahora estamos obteniendo un trasfondo manchado con este enfoque. Añadamos el índigo. Observe cómo la parte superior izquierda de la hoja se está poniendo un poco curvada. Las esquinas siempre se secan más rápido. Por eso me apuro y agrego pintura ahí ahora mientras aún hay tiempo. Ahí, fueron buenos por unos minutos más ahora. Podemos empezar a dar forma a la pintura un poco más precisamente en este punto. Puede parecer un montón de cosas por hacer para nuestra primera capa, eso es porque el papel estaba crudo. No había nada en él. Las primeras capas son siempre las más duras con cada medio. Ellos son la base de la obra de arte. El siguiente capa será una repetición de ésta con mezclas más gruesas. Sólo tendremos nuestra base para guiarnos y la última parte será más rápida. Vamos a acumular más contraste aún, al tiempo que aumentamos la profundidad. Arreglé el pincel más pequeño para arrastrar un poco de índigo desde los bordes hacia las zonas más claras como hicimos en nuestros ejercicios. Lo hago con un pincel limpio y húmedo, no el que solo estaba usando porque la pintura que estoy tirando será menos intensa que la que hay en el otro pincel. Ya que sólo voy a limpiar el agua en lo que estoy usando ahora en lugar de mi mezcla índigo. Cuando hagas esto, asegúrate de que tu pincel limpio esté solo húmedo, no goteando húmedo. De lo contrario, podrías conseguir un azul. Si observas una vez más la foto de referencia, puedes ver esos diminutos puntos de tonos más oscuros en las zonas rosa brillante y azul. Eso es lo que estamos pintando ahora. Ya estamos hechos. Antes de pasar a la siguiente capa, levantemos algo de pintura para resaltar aún más las manchas casi blancas. La pintura sobre papel aún debe estar lo suficientemente húmeda en este punto, eso es fácil de hacer. Hay un poco de exceso de agua en la esquina. Siempre que eso suceda, la técnica de elevación funciona igual de bien. Levanta pintura un poco demasiado en el medio. Ya puedes ver ya tenemos obvias áreas oscuras y muy luminosas así como algo de vitalidad con rosa y azul. Algo que a veces puede ser un poco decepcionante, es cómo se secan las acuarelas ligeras. Con qué facilidad pierden la vitalidad que buscamos. El estratificación va a arreglar eso. arreglaremos pequeñas imperfecciones con él. De nuevo, no te preocupes, se hará más fácil y rápido ahora ya que
todos los rinconitos y hendiduras en nuestro papel están llenos de pintura ahora. Todo lo que tenemos que hacer es accionar los colores a continuación. Ya terminamos. Enhorabuena por hacer ya la mayor parte del trabajo. Te veré en la siguiente lección para una segunda capa.
14. Pintura de Galaxy Parte 3: segunda capa: Ahora vamos a pintar la segunda capa. Será mucho más fácil aumentar el contraste y la vitalidad ahora. Se colocan las principales formas y colores. Procederemos de manera similar a lo que acabamos de hacer. Yo estoy limpiando un poco mis colores, mi rosa se echó a perder por la pintura azul cobalto. Todavía no voy a cambiar el agua, pero si ves que la tuya está demasiado sucia para usarla, puedes seguir adelante y cambiarla. Asegurémonos de que nuestras mezclas de colores estén listas, las
necesitaremos como estaban hacia el final de la primera capa. ¿ Qué aún recordamos? Eso es lo que ayuda a que los colores se mezclen sin problemas, pero con más pigmento que cuando empezamos. Podemos ver aquí que la pintura se ha secado muy ligero y hay algunas marcas de secado visibles en lugares. Eso está bien, ni siquiera los veremos más tarde. Ahora volvamos a mojar el papel. Esta vez, observe el poco tiempo que tarda en mojar el papel ya que el diente en el papel ya está lleno de pintura. Recuerda no hacer demasiado ida y vuelta, no presionar demasiado. Sé con estas pinturas, porque las he usado antes para esto, que si fuera a deslizar un pincel dos veces en el mismo lugar, la pintura empezaría a desprenderse un poco. De lo contrario, está bien. Apliquemos rosa. Ya podemos decir que está iluminando un poco
la pintura ya que hay más pigmento en la pintura. Sigamos tocando suavemente nuestro pincel y luego aplicaremos cada una de nuestras pinturas como lo hicimos en la capa anterior. Puedes parar en cualquier momento. Recuerda que la parte más complicada está hecha. Recuerdo que empecé a estratificar de forma natural porque
siempre me sentí frustrada con los looks de una sola capa. Vuelvo a mojar mi papel y aplicé más pintura para arreglar esto. Con el tiempo, también noté que pude controlar mejor las miradas de mi pintura. Supongo que así es como el estratificación se convirtió lentamente en parte de mi estilo artístico. Me encanta el estratificación que es tan potente con las acuarelas, y me encanta poder crear pinturas realistas que no tarden horas ni días en completarse en comparación con otros medios, y sin embargo se ven igual de bonitos. Creo que agregué un poco de demasiada agua aquí en mi mezcla, así que voy a mezclar un poco más de pintura en ella. Esto lo estoy notando porque a estas alturas la pintura debería estar más concentrada si queremos que se vuelva cada vez más intensa. Era demasiado ligero hace unos segundos. Además, no necesito que se propague tanto como lo hizo. Esta fue otra pista que me hizo saber para agregar más pigmento. Puedo localizarlo porque he pintado muchas galaxias. Experimentarás esto también después de que solo algunos de ellos estén listos. A veces pensamos que lleva años progresar, pero realmente no lo hace. Siempre es cuestión de empezar primero y ante todo. A pesar de que esto sigue mojado, podemos ver cuánto más contraste hay y
cuánto más fácil es colocarlo encima de una primera capa. Vamos a intensificar esos colores brillantes un poco más antes de llamar a esta segunda capa terminada. Ahí vamos. Siéntete libre de compartir tu progreso con las capas en la sección de proyectos de la clase. A continuación, encuéntrame para la tercera capa.
15. Pintura de Galaxy Parte 4 4 de 4 de la tercera capa: Nos estamos acercando mucho a terminar este proyecto para la tercera y última capa. Asegúrate de que la pintura esté completamente seca antes de mojarla de nuevo. Asegúrate de que tus mezclas estén listas también. Para esta tercera capa, las
estamos haciendo lo suficientemente gruesas como para enfatizar aún más nuestros colores en papel. El índice de bits sigue siendo para que todo se mezcle. Lo he repetido varias veces porque es cara tan importante con la planeación. Deja mojar nuevamente la superficie. Eso es suficiente. Podemos empezar a dejar caer nuestros colores ahí. Como puedes ver, nuestro fondo ya se ve hermoso. Pero esta capa, quiero aumentar aún más la vibrancia y el contraste. Estoy solapando rosa pero no en todas partes para mantenerlo interesante y luciendo natural. Vamos a seguir adelante. A continuación, azul cobalto luego índigo. Otra vez aquí, veo que mi azul está un poco demasiado moqueado. Eso está bien. Solo necesitamos ajustar la cantidad de pintura siempre y cuando el papel esté mojado, siempre se
puede corregir. Está bien si todo no es perfecto durante el proceso de pintura real. Sigo cometiendo pequeños errores, a veces grandes si tengo prisa, lo que realmente importa es poder identificar los problemas para que puedas arreglarlo. Está bien. Aquel cuadro educativo. Podemos ver aquí en la parte inferior de la sábana que está empezando a secarse. Por eso las últimas pinturas que estoy aplicando aquí están muy concentradas con pigmentos. Aquí podemos ver esas partes blancas no son blancas, pero aun así lograron iluminar todo el cuadro contrastando con el índigo. Estamos hechos con nuestras capas. Probemos esto ahora y a continuación vamos a sumar los arranques. No puedo esperar a ver cómo va a quedar esto. Mira lo profundo y suave que se ha vuelto este fondo. Reunámonos en la siguiente lección para un poco de spluttering.
16. Pintura de galaxia parte 5: terminar con las estrellas: Hemos llegado a la última parte para completar este proyecto. Para las estrellas, estaré usando gouache blanco de titanio. No te preocupes si no tienes gouache blanco, la lección extra se trata de crear estrellas de otras maneras. Este gouache blanco titanio es bastante opaco, y en realidad estoy viendo una diferencia con otro tipo de gouache blanco que estaba usando hasta ahora. No es una diferencia enorme, pero sigo obteniendo mejores resultados con este. Preparemos una mezcla de gouache blanco. Queremos tan grueso como lo es cuando está fuera del tubo con apenas suficiente agua que pueda salpicar pintura. A veces es difícil salpicar. Tendemos a luchar con la relación agua para pintar con estos dos. Si no sale pintura del pincel, solo
significa que necesitamos un poco más de agua. Pero si salen gotas grandes, es porque hay demasiada agua y tendremos que añadir pintura. Aquí, se puede ver cómo salen las salpicaduras. veo que tengo la cantidad correcta de pintura, aunque podría agregar más agua para conseguir estrellas más grandes, pero como la estrella gouache es muy ligera, voy a mantener así. Empezaré directamente con un pincel más tarde. Trata de variar la dirección para tus salpicaduras. Aquí estoy recibiendo líneas rectas de estrellas. Eso está bien. Hay algunos, pero no querría demasiados de estos. Aquí, estoy agregando unas cuantas estrellas más grandes. Esto me permite hacerlos más grandes mientras mantiene la pintura lo más opaca posible. Trata de no colocar esas estrellas demasiado uniformemente a lo largo de la pintura. Me resulta tan difícil hacer eso. Todavía consigo ayuda para agregar algunos en cada área de la pieza y cada vez que es igual. Ya terminamos y se ve increíble. Estoy muy contento con cómo se ha resultado y es realmente una gran manera de
practicar la mezcla y estratificación con colores simples pero llamativos. Espero que hayan disfrutado pintando esto a mi lado. Por favor, sube tu producto terminado a la galería de proyectos. Me emociona ver cómo ha resultado tu pintura. Pasemos a nuestra lección extra para aprender a pintar las estrellas de varias maneras.
17. Extra: varias formas de añadir estrellas: Con esta lección extra, quiero mostrarte otras formas de pintar las estrellas en caso de que no tengas gouache blanco. Voy a empezar con gouache blanco para compararlo con nuestras otras opciones. Yo estoy reenvío rápido esta parte donde pinto en el fondo para este experimento solo para que veas lo hice si quieres darle una oportunidad con tus propios suministros, si tienes unos similares a los míos o incluso otras opciones te creo que podría ser genial para pintar estrellas. Fui con tres capas planas de índigo ahí para asegurarme de que esté muy oscuro y cualquier opción probamos pops tanto como sea posible. Si no quieres molestarte en pintar y secar capas, está bien. Lo estoy haciendo de esta manera para conseguir algo que luzca suave y con buen aspecto para la clase también. Tú, por otro lado, puedes pintar directamente cuando estás seco para obtener un fondo más oscuro más rápido. No importa mucho si hay marcas u otras irregularidades ya que esto es sólo un experimento. Para la primera, estoy usando gouache blanco igual que hicimos en la lección anterior para compararlo con otras formas más adelante. Voy a añadir una gran estrella para mostrarte cómo puedes pintar esos. Utilizo un pincel con punta fina para esto. Este es un cepillo plateado de terciopelo negro. Para evitar hacer una línea enorme y gruesa, hago este movimiento de ida y vuelta y trato de acercarme al papel hasta que la cinta del pincel lo toque, entonces solo lo desliza muy, muy suavemente, y voy a repite esto a su alrededor para hacer una estrella. Enfatizo el centro de la estrella un poco más aquí para que pop más. Eso es todo. Ahora vamos a usar un lápiz de color. Se trata de un lápiz de color Prismacolor blanco. Este tipo es un poco
cremoso, por lo que es fácil depositar pigmento en papel y podemos controlar las formas mucho mejor. Aunque no se ve tan natural como el gouache blanco. También se ve menos blanco que el gouache, aparece menos. Ahora recuerdo por qué conseguí este marcador Sharpie en primer lugar. Se parece mucho a un lápiz de color. Probemos esto y veamos. Se parece mucho a lápiz de colores. Se siente solo un poco grueso aquí, casi como pastel al óleo en forma de lápiz y la punta no es tan fina y precisa incluso con un sacapuntas. Ahora probaremos un Faber-Castell Pitt Pastel. Esto es pastel suave, por lo que es genial aplicar encima de un dibujo o pintura, pero también se desprende muy fácilmente. Es polvoriento. Encuentro fácil de aplicar y es una opción conveniente, aunque aún no es tan preciso como el lápiz de color y no tan blanco opaco y brillante como el gouache blanco. Probaré pasteles al óleo ahora. Por lo que los palitos pastel de aceite generalmente son gruesos. Yo también los usé mucho. Sé por usarlos que puedes obtener reflejos blancos
brillantes si golpeas firmemente el palo en la hoja. Puede ser algo para probar si eso es todo lo que tienes. Será difícil dibujar formas estelares detalladas con ellas ahora. Aquí se puede ver claramente las marcas que estamos haciendo son menos finas que las que obtenemos con nuestros otros medios, pero sí muestran casi tanto como gouache blanco. Probemos este Gelly Roll de Sakura. mí me gusta mucho esto ya que un gel es de color blanco brillante, es fácil de aplicar. Esta sería mi próxima mejor elección después del gouache personalmente. Basado en así con gouache blanco, los chicos de esteroides son más rápidos de hacer y las estrellas se ven más espontáneas. Hecho de explorar cómo pintar estrellas. Espero que disfruten de esta lección extra. Siéntete libre de compartir tu experiencia de pintura de inicio en
el proyecto en la sección de recursos de la clase si tuvieras los suministros para probar esto. Me encantaría ver de nuevas formas en las que se te haya ocurrido. Tengo algunas cosas más que decirte, así que veamos una última vez en la conclusión de esta primera parte de la serie de pintura de galaxias.
18. Conclusión: No tienes que ser genial para empezar, pero tienes que empezar a ser genial. Por lo que felicitaciones por tomar acción y completar esta clase. Por favor, no olvides poner tus proyectos en la sección de proyectos y recursos de esta clase, para que pueda echar un vistazo, darte algunos comentarios y ayudarte. Siéntete libre de dejarme una reseña para hacerme saber cómo disfrutaste la clase, y sígueme aquí en Skillshare para que me notifiquen de mis futuras subidas y también del resto de esta serie Watercolor Galaxy. También estoy en YouTube e Instagram. Me puedes encontrar ahí @blayacfineart y usar el hashtag CreateWithFrancoise para compartir allí también tus obras. Muchas gracias por tomar esta clase conmigo hoy. Nos vemos en el siguiente.
Francoise Blayac, Professional Artist
