Fundamentos de la cinematografía: narración visual

1. ¡Hola!: Se trata de un curso introductorio para personas interesadas en convertirse en directores de fotografía. Te voy a mostrar cómo puedes usar las herramientas básicas de la cinematografía para contar la historia. Hola, soy campos con la basura. Soy director de cine y guionista con 18 años de experiencia. Al momento de esta grabación, mi largometraje se estrena en festivales de cine. Hoy en día, puedo disfrutar trabajando con profesionales, pero donde estaba empezando, yo era mi propio director de fotografía enfoque pobre, y a veces hasta actor. A lo largo de los años, he aprendido que puedes acelerar tu crecimiento como cineasta si logras acertar tus conceptos básicos. Por eso se me ha ocurrido esta serie de cursos que te van a enseñar los fundamentos de la cinematografía uno por uno. En este curso en particular, vamos a hablar de las herramientas de la cinematografía como la luz, la composición, el movimiento de la cámara y el color. Ahora bien, puede sonar muy básico, pero la forma en que las usas para herramientas distingue si eres director de fotografía o simplemente una cámara. No es que haya nada malo en ser camarógrafo. Pero déjame decirte esto, cuando busco un DOP para mi nueva película, lo primero que me interesa es si está interesado en contar la historia o solo es un tipo al que le gusta hacer guapa fotos. Porque creo que la historia siempre debe ser lo primero. Y tener un propósito en impactar tu audiencia te convierte en un director de fotografía, un verdadero narrador visual. En este curso, quiero platicar sobre los principales temas que suelo discutir con mi DOP cuando nos estamos preparando para rodar la película, estos cuatro elementos, composiciones, movimiento de cámara, el color y la luz determinaron el estilo visual de tu película. Como siempre, habrá ejemplos de mis películas premiadas que fueron bellamente filmadas por Nicholas Vegas. Pero en este curso, también voy a presentar otros ejemplos del cine mainstream. Entonces sí, ojalá te vea en una clase. 2. El arte de la atención de Dircecting: Gracias por tomar mi clase. Ahora, la cinematografía es un arte y arte de dirigir la atención. Ser un buen director de fotografía es ser bueno para mostrar al público lo que es importante. En su mayoría se trata de fotografiar actuaciones de actores. Pero no es sólo que seas la mirada del público y los estés guiando a través de la historia. vas a llevar a lugares en los que nunca han estado. estás presentando a personas que nunca conocieron. estás invitando a emprender un viaje contigo. Y tú eres el que va a estilizar ese viaje. Tú eres el que va a decidir. ¿Va a ser un enérgico con mucho movimiento y desplazando la atención de una cosa a otra? O tal vez va a estar muy concentrado. Enfoca donde solo vas a poner la cámara en un trípode y solo observar, ¿va a ser un viaje oscuro hacia la noche o va a ser una asignación de trabajo? El guión va a determinar algunas de esas decisiones. Pero tú, como el DOP, tienes autonomía sobre cómo va a quedar, cómo vas a estilizar tu película. En este curso, vamos a hablar de las herramientas que puedes usar como camarógrafo para contar la historia. Primero, digamos que cada historia es diferente. Cada guión exigirá ser contado de una manera ligeramente diferente. Incluso si tienes tus propias preferencias. Dos de mis películas que he rodado como películas de diploma en Escuela Nacional de Cine Polaca son completamente diferentes en términos de estilo visual. La primera película, la gente normal, la cámara es vibrante. Participante de la historia. En la segunda película, Madre Tierra, la cámara es casi indiferente a las luchas del personaje principal. Como director, tenía mis razones para elegir la forma en que se contaban visualmente estas historias. En mis conversaciones con el director de fotografía, expresé mis intenciones, pero la ejecución de estas intenciones fue mi trabajo DOPS. Ambas películas fueron rodadas por Nicolas vía guess. Fue él quien se encargó de tomar la mayoría de las decisiones respecto a cómo la cámara va a retratar la acción. En este curso, quiero platicar sobre los principales temas que suelo discutir con mi DOP cuando nos estamos preparando para rodar una película, estos cuatro elementos que van a determinar el estilo visual de tu película. Ahora, mi recomendación es tomar todas las decisiones respecto a la composición, movimiento de la cámara de luz y el color antes de que vayas a disparar tu caída. Y luego apégate a ella. Cuando estará en el set. Limita tu creatividad a los confines del estilo que estableciste antes. 3. Composición: Entonces el primero es la composición. Como probablemente sabrás, la forma más genérica de filmar una escena es hacer una toma estableciendo y luego agregando primeros planos. Cuando lo haces así, es importante seguir la regla de los 180 grados. Esta regla es una guía básica con respecto a la relación espacial en pantalla entre los personajes dentro de una escena. Es posible que hayas visto mi otro curso sobre la regla de 180 grados en cinematografía. Si no lo has visto, te animo a que lo revises después de ver esto. De todas formas. La mayoría de las escenas de mi película, la Madre Tierra se filman así. No hay nada malo en hacer las cosas por el libro, sin embargo, siempre es bienvenido si vas a dejar tu marca personal dentro de una composición inusual. Ahora bien, hay muchas reglas de composición como regla de tercios o regla de probabilidades, están trabajando con profundidad de campo o usando líneas diagonales para concentrar la atención. Se puede utilizar la composición abierta o las más comunes, las más cercanas. Um, puedes hacer tantas cosas interesantes con la composición. No voy a enumerar todos ellos es un tema para un curso diferente. Pero déjame mostrarte una escena de la Madre Tierra donde usamos nuestra imaginación e hicimos una composición inusual va a ser una de las escenas de apertura donde el niño se lastimó y el padre está va a parchearle la herida. El objetivo de la escena es demostrar que a pesar el padre está ahí para su hijo e intenta ayudarlo, el niño necesita más calidez emocional y amabilidad y que básicamente no lo está consiguiendo. Ahora, la forma genérica de filmar esta escena sería seguir la regla de 180 grados y hacer una toma de establecimiento donde veamos a dos de ellos sentados uno frente al otro. También a primeros planos de actores. Y tal vez un primer plano de la actividad de parchear la varita. Es como para ángulos de cámara en total. Ahora. Ahora veamos lo que se nos ha ocurrido. Entonces como pueden ver, lo hicimos todo fue solo un disparo. Recuerdo nuestro proceso de pensamiento cuando nos estábamos preparando para esto. Verás, le dije a mi DOP que esta escena se trata de ser rechazado emocionalmente. Lo mezclamos durante los ensayos con los actores. Por cierto, tener a tu director de fotografía presente en los ensayos es genial. Pudimos combinar todos los aspectos de esta escena en un solo fotograma. Cuando sabes de qué se trata la escena, puedes intentar capturarla de una manera que ponga el tema de la escena en primer plano. Tienes que ser audaz y decisivo con tu creatividad. Cuando puedes especificar el propósito de la escena, puedes ir con confianza con todo tipo de ideas locas. Ahora, este tipo de tomas se convierten en tu firma en toda la película. 4. Luz: Ahora hablemos de la luz, que es otra herramienta muy poderosa en tu arsenal. luz se usa más comúnmente para crear estado de ánimo. Eso ha Malik llegó a filmar toda la película en la hora mágica, que es una época del día justo después de la puesta del sol, y justo antes del amanecer, está produciendo colores cálidos de oro, rosa, y azul es considerado muy fotogénico. La función de luz en tu película se puede reducir a ser bonita, pero puedes usar la luz como herramienta para contar tu historia. Veamos otra escena de la Madre Tierra, donde un padre encuentra una herida en sus hijos, hace servir a los demás. Así que mudarte y terminar los que están enfermos. Mis lotes de modelo mental. Deberíamos hacer Mason, tú juegas una vista en la repisa, genial. Película a tu boca. Tenemos la conveniencia de ello. Fue que ellos ayer nos tropezamos con nosotros. Solía a la pagoda de CJ. Así que siempre puedes meter el pulgar, no quieres ir. Ahora, toda la escena es oscura y apenas se puede ver que las cifras son padre e hijo. El único elemento que puedes ver claramente es la herida cuando el padre le pone una lámpara. Esto se hizo a propósito para enfocar la atención de la audiencia hacia la herida. En ese momento de la historia, necesitábamos mostrar la forma de las heridas y que el niño no estaba consciente de que está herido al encender la escena. De esa manera tuvimos éxito en mostrar a los auxins que este es importante. Ahora, van a recordarlo, lo que va a dar sus frutos más adelante en la historia. Me gusta operar la luz porque me deja pegarse. ¿Qué es lo que no tiene importancia en este momento particular de la película? 5. Movimiento de la cámara: Ahora, hablemos del movimiento de la cámara simplemente por decidir si quieres una cámara que sea reactiva a tu héroe principal, puedes introducir mucha empatía por los protagonistas. Si tienes un protagonista que no es realmente un simpático, puedes ayudarlo con el movimiento de la cámara. En personas normales. El personaje principal, Daniel, es un criminal violento que está tratando cambiar su vida tras salir de la prisión, ya que de inmediato no es un personaje muy empático, decidimos ir con la cámara, que es muy cercano a él, a veces incluso físicamente cercano. El movimiento de la cámara es muy sensible en lo que respecta al personaje. Siento que estar tan cerca del personaje ayuda a adoptar su punto de vista. contrario, si sabes que el personaje es muy empático de todos modos, como un joven vulnerable que quiere salvar un organigrama viejo, que es lo único que le dejó su madre fallecida. No tienes que preocuparte si a tu público le va a gustar tu personaje lo suficiente como para enraizar por él. Se puede tener la cámara que es muy estática y lavar la situación desde la distancia. De esa manera, podrás crear tomas que sean más simbólicas y estéticamente atractivas. Este enfoque provocará que el público busque un significado más profundo de la historia. Nuevamente, todo depende de la historia. Aparte de eso, también puedes considerar cuánto va a durar cada disparo. En. La configuración tradicional de la cámara va a ser de unos segundos para cada toma. Pero puedes seguir adelante y planear, visto como una toma maestra, lo que significa que vas a filmar toda la escena en una toma ininterrumpida. Steven Spielberg es conocido por su llamada una Tierra. Como puedes imaginar, tiros maestros son difíciles de hacer que la producción sea sabia. Hay que tener mucho tiempo en set para corralarlos graficarlos correctamente. A veces merece la pena. Siempre les digo a mis alumnos que hay que tener una buena razón para hacer una escena de una sola toma. Esta es una escena de mi largometraje, Faith Break. Vamos a ver. Decidí hacer esta escena en una toma maestra porque quería presentar al público el mundo de este joven. El público ya lo conoció antes como borracho y ladrón. Entonces en esta escena, nuestro objetivo era mostrarlo de una manera más positiva. Como organizadora de esta fiesta de la tripulación, decidí filmarla como una maravilla para sumergir al público en la fiesta. Y luego se da cuenta de una chica hermosa, y la cortó. Entonces ahí lo tienes. movimiento de la cámara es la tercera de las principales herramientas cinematográficas. 6. Color: Hablemos de la cuarta herramienta, que es el color. Parece muy básico, pero si lo piensas, también es algo que te puede ayudar a contar la historia. Todos tenemos nuestras preferencias sobre los colores. Todos tenemos nuestro color favorito. Como director de fotografía, no se le permite tener preferencia. La historia, una vez que elija la paleta que le quede. Por lo que de manera similar a un color claro se suele utilizar para crear un estado de ánimo. Asociamos colores vibrantes con optimismo y colores desaturados y lavados. O vemos como el apremiante. Te animo a pensar en cómo el color puede ayudarte a contar la historia. Puedes usar el color para enfocar la atención de la audiencia en algo. El ejemplo más llamativo de esto es una chica del abrigo rojo. En la lista de Schindler. Toda la película es en blanco y negro. Se estilizó para recordar al cine los cuarenta y cincuenta. En pocas escenas a lo largo de la película, se ve a una chica con un abrigo rojo. Es un pequeño motivo ligero que sigue regresando. Y culmina cuando el protagonista ve esto leer el código en un cadáver es señal clara de que siente remordimiento. Entonces sin el color rojo, este sería solo otro cadáver en la pila. Pero cuando reconocemos el abrigo rojo, inmediatamente recordamos a la persona que lo llevaba en la escena anterior. Este cuerpo sobre una pila ya no es anónimo. Es una trágica muerte de un niño. Ahora bien, ¿es sutil? No. Pero, ¿funciona? Sí, lo hace. Ahora, puedes ser más sutil con el color. Pedro Almodóvar es conocido por usar el color para enfocar la atención de los espectadores hacia sus personajes. Por lo general, iluminaba todo en el set y hacía que los actores usaran ropa que tenga colores vibrantes o contrastantes. Otra cosa es que puedes usar el color para separar diferentes parcelas en tu película. Stephen Sada de Eric, lo hizo en el tráfico. Esta película tiene varias líneas argumentales y cada trama tiene su propio color dominante. También puede usar el color para marcar cierta ubicación y entornos en matriz. Siempre que estábamos en la matriz, todo tenía este tinte verdoso a ella. El mundo real era azulado de esa manera. Como miembro de la audiencia, puedes ver largas escenas donde hay ida y vuelta entre estas dos realidades y nunca te pierdes. Y finalmente, también hay un valor simbólico del color, algo que es completamente otro nivel en cuanto a la utilización del color. Contar la historia son las situaciones en las que creas la asociación de ciertos elementos de la historia con un color particular, por ejemplo, en la película, el azul es el color más cálido. El color azul simboliza el amor. Va en contra de una asociación común que la gente tiene con el color azul. El azul es en realidad el color más frío. Pero en esta historia en particular, los cineastas asociaron esta palabra amor. Ahora, mientras lo estás viendo, puede que no te des cuenta de esto, pero tu cerebro procesa las señales con el tiempo. Impacta tu mente inconsciente. La forma en que funciona es esta. Después de ver escenas donde la protagonista, Adele, está enamorada y de ver mucho color azul a su alrededor, tu cerebro asociará el azul con estar enamorado. Entonces de esta manera, estás asociando inconscientemente este color con un sentimiento particular. Tal vez lo sientas sin entenderlo. Entonces estas cuatro herramientas, composición, cámara, movimiento, luz y color, son las herramientas más importantes que tienes a tu disposición como director de fotografía, deberías trabajar para incorporarlo a tu películas. La cinematografía o videografía es esencialmente trabajar con la mente inconsciente para contar la historia. Quiero enfatizar que durante tus preparativos, debes dedicar el tiempo a todas esas decisiones respecto al estilo de tu historia y luego apegarte a ella en el set. Debes establecer el estilo visual de tu película antes de empezar a filmarla. Por supuesto, hacer una película es un proceso creativo y puedes cambiar algunas cosas, pero es mejor comenzar a filmar con una visión clara de lo que quieres crear y luego pasar el inicio de tiempo tratando de potenciarlo. 7. Proyecto de clase: Para tu proyecto de clase. Primero, quiero que escojas una C. Puede ser como se ve en tu película, pero también puede ser una recreación de una escena a partir de la película que te guste. Después haz un storyboard fotográfico del mar. Un storyboard fotográfico es una serie de imágenes que imitan cómo van a quedar las tomas. Deberías hacer una imagen por cada ángulo de cámara. Ya has visto los gráficos que te mostré en las lecciones. Entonces ya sabes cómo hacerlo en cuanto a la calidad de producción, el equipo, los actores, Depende totalmente de ti. La calidad real de tu producción depende únicamente de tus ideas y de tu enfoque en contar la historia. Se puede utilizar cualquier equipo. Puedes usar la cámara en tu teléfono si eso es todo lo que tienes. En cuanto a las actuaciones, puedes pedirle a tu familia o amigos que posen para ti. Hazlo divertido. Y ahora, más importante al tiempo que hacen que los grandes maestros usen una o más herramientas de las que te hablé en este curso para transmitir el tema principal de la escena. Esto es lo más importante. Intenta ser creativo y realmente salir de la caja. Para mí, siempre es divertido explorar nuevas formas de expresar la historia. Como siempre, estaré subiendo mi propio proyecto a la galería de proyectos. Entonces sabes exactamente lo que se supone que debes hacer. Asegúrate de publicar tu proyecto. Voy a dar retroalimentación a cada uno de ellos. Buena suerte. 8. ¡Buena suerte!: Gracias por tomar mi clase. Espero haberte hecho ver el cine bajo una nueva luz. Si has aprendido algo valioso, considera hacer una revisión del curso y publicar tus proyectos. Noté que la mayoría de los estudiantes que ven mis clases no hacen eso. Por favor, sea quien haga el esfuerzo. Así que otros podrían beneficiarse de tu evaluación. Además, leer tus reseñas me mantiene motivado. Enseñar en línea no trae mucho dinero. Nada comparado con la escritura de guiones y la dirección, que es mi trabajo principal. Entonces, si quieres que siga haciendo más, por favor avíseme dejando caer una crítica positiva, sobre todo que considero este curso como una introducción. Hay muchos matices en los principios de los que te hablé, por ejemplo, la luz se puede usar para crear un ambiente en la escena. Pero, ¿y si la luz cuenta una historia completamente diferente a la de los diálogos? ¿Y si la cinematografía es el contrapunto a lo que están haciendo los actores? Si te interesa, me encantaría hacer más cursos con un análisis completo. Sólo avísame si tus intereses. Ahora, la mejor manera de revisar mis cursos es mi página web. Ahí puedes encontrar cómo encaja este curso en mis otras clases. Te animo a que lo revises, ya que estoy en todo tipo de plataformas diferentes y este lado siempre está al día. Fue más. Muchas gracias por tomar mi clase y ojalá nos veamos pronto. Adiós.