Transcripciones
1. Introducción: ¿ Alguna vez te has preguntado qué hace una buena, o mala foto? ¿ Podría ser la calidad del equipo? ¿ Podría ser el software de edición de fotos? Si bien hay tantas cosas que podrían afectar el resultado de tus imágenes, un factor está definitivamente dentro de tu control como fotógrafo,
y eso es la composición. La composición es uno de esos componentes en fotografía que en realidad podría determinar la diferencia entre una imagen buena y una mala. Mi nombre es KC Nwakalor. Soy fotógrafo documental con sede en Abuja, Nigeria, pero trabajo extensamente por África Occidental. A través de mi trabajo, trato de humanizar temas reales dentro del continente. La mayoría de estos temas son temas socioeconómicos, ambientales o de salud. En esta clase, voy a estar hablando diversas técnicas compositivas probadas que última instancia
podrían mejorar el resultado en tus fotografías. Podría preguntarse, ¿qué significa realmente la composición? La composición es simplemente la colocación y disposición o relación de elementos dentro de su imagen. Entonces, de dónde tomas la foto, qué ángulo, qué distancia, en última instancia podría impactar el resultado de tus imágenes. Las imágenes se capturan dentro de un marco rectangular muy limitante. Podría haber mucho pasando en la escena, pero lo que captas y lo que eliges incluir en esa escena en ese marco es lo único que tus espectadores llegan a ver. Armado con las técnicas compositivas adecuadas, eres capaz de producir imágenes que podrían comunicarse con tus espectadores de una manera que es muy, muy claro para ellos entender lo que está pasando en la imagen. Recuerda, estas reglas no son echadas sobre piedra. Puedes romperlos. Puedes romperlos creativamente. Pero realmente no puedes romper una regla que no conoces. Si haces eso, saldrás como fotógrafo no calificado que básicamente está haciendo ensayo y error. Pero con las habilidades adecuadas, entendiendo estas técnicas compositivas, puedes romper creativamente estas reglas y sacar un resultado muy interesante. Entonces, ¿quieres, mejores fotos,
imágenes que se comuniquen claramente con tus televidentes? O probablemente asististe a mi otra clase y quieres aprender más sobre mis técnicas, entonces esta es la clase adecuada para ti. Sumérgete enseguida y empecemos.
2. Descripción de la clase: En esta clase, voy a estar impartiendo cinco técnicas compositivas probadas que en última instancia podrían mejorar tu trabajo. En el cuadro de un post de bienvenida, el tema principal es muy claro y aparente. Podrías mirar fácilmente la imagen y entender lo que está pasando. ¿ Dónde se supone que debo mirar? Probablemente has visto fotos y te estás preguntando ¿qué está pasando aquí? ¿ A qué se supone que debo estar mirando? ¿ Cuál es el tema? ¿ Qué están tratando de comunicarse conmigo? Este es un ejemplo clásico de una composición fallida, una mala composición. Al final de esta clase, deberías poder tomar mejores decisiones sobre cómo componer tus imágenes. Para obtener el mejor valor, realmente
te permito seguir el proyecto de clase. El proyecto de clase es muy sencillo. Yo requeriría que salieras y utilizaras las técnicas compositivas que se discuten en esta clase para producir al menos tres imágenes y subirlas para que pueda echar un vistazo y darte retroalimentación. Recuerda, la práctica hace perfecta. No se puede mejorar con sólo escuchar. Necesitas salir a disparar. Yo quiero que te empujes. Yo quiero que trabajes la escena. Yo quiero que hagas lo que no has hecho antes para obtener el mejor resultado posible de tus fotos. Para esta clase, también necesitarás cámara. Podrías usar una DSLR o un smartphone. Sea lo que sea que tengas que pueda tomar imágenes decentes, eso está bien. También necesitarás un software de edición de fotos como Lightroom o Snapseed en tu teléfono móvil. Estoy súper emocionado de ir en este viaje contigo. Así que vamos, saltemos a la derecha y empecemos esto.
3. Elige las lentes adecuadas: La cámara y el ojo podrían ser muy similares, pero en tantas formas, son diferentes. Una de estas formas es cómo puedes cambiar lentes en cámaras, especialmente en DSLR, donde tienes diferentes lentes. En esta clase, vamos a estar hablando de cómo cada lente procesa tus imágenes y cómo usar cada una de ellas para diversos tipos de fotografía. Siempre hay una decisión muy difícil de tomar. ¿ Cuándo me gusta la variedad de lentes? Tienes que saber qué lente necesitas para el tipo de fotografía que haces. Las lentes se agrupan ampliamente en dos grupos. Esto se basa en la capacidad de hacer zoom; que son los objetivos fijos y primarios, y los lentes de zoom. Los lentes fijos o primarios son lentes que no son capaces de hacer zoom, básicamente
tienen una lente focal. Si quieres hacer zoom, literalmente
tendrías que acercarte, alejarte de la escena, para poder hacer zoom. Los lentes de zoom, como su nombre lo indica, son capaces de hacer zoom, y tienen un rango de lente focal. Verías algo como 18-55, lo que sea, pero son capaces de que tú acerques y alejas. Las lentes también se dividen en función de su rango de distancia focal y su uso. Esto nos lleva a la definición de distancia focal. focal es básicamente la distancia entre la mitad de la lente y el foco. Básicamente, por lo general se mide en milímetros. Seguro que probablemente has visto en tu lente de cámara, cuando escribieron 50 milímetros, esa es básicamente la distancia focal. En función de la distancia focal, las
lentes se agrupan básicamente en cinco. Se trata de las lentes ojo de pez, las lentes de gran angular, las lentes estándar, las lentes teleobjetivo y la lente macro. Las lentes de ojo de pez son básicamente lentes que tienen una lente focal dentro del rango de 4-14 milímetros. Como su nombre lo indica, las imágenes que se producen a partir de una lente ojo de pez se parecen a la visión del pez, un poco distorsionadas en los bordes, estánun poco distorsionadas en los bordes,
y generalmente se utilizan para fotografía abstracta o fotografía artística. Entonces tienes la lente gran angular. Las lentes de gran angular tienen una lente focal de 15 milímetros a alrededor de 35 milímetros. Se utilizan de forma estándar para fotografía arquitectónica, fotografía
ambiental, y en ocasiones retratos ambientales. El siguiente tipo de lente que tenemos son las lentes estándar, que básicamente es muy similar al ojo humano. Va desde 36 milímetros hasta alrededor de 85 milímetros. Estas son las lentes típicas que usarían los fotoperiodistas, la fotografía documental, la fotografía callejera, los retratos, porque son muy similares a la forma en que vemos. Es más apropiado para este tipo de fotografía. Entonces el siguiente tipo de lente son las lentes teleobjetivo. Se trata de lentes que tienen una lente focal que es de 85 milímetros en adelante. Son muy pesados. Los más largos pueden ser muy pesados. Seguro que has visto personas en cancha de futbol o área deportiva que usan este tipo de lentes. Se usa más para los deportes, la vida silvestre, porque realmente no pueden acercarse a la escena, ni a la acción, por lo que tienen que montar un poco su cámara y luego acercar. Las lentes macro se modifican ópticamente para magnificar objetos o animales pequeños o en miniatura. Tienen un rango focal de como 35-200 milímetros, y se utiliza con frecuencia en publicidad, fotografía
comercial, y a veces abstracta. objetivo que utilices depende enormemente del tipo de fotografía que hagas y del tipo de resultado que intentas lograr a partir de tu fotografía. Al igual que en mi propia práctica, utilizo principalmente lentes de gran angular y lentes estándar. Ahora, por lo general, cuando estoy en asignaciones, suelo trabajar con 28 milímetros para mis tomas de gran angular porque me gusta capturar gran angular, pero con gente en la imagen, y 28 me da justamente eso. Para mis retratos, uso 50 milímetros. Lo que pueda usar depende totalmente de lo que esté fotografiando. Si estoy fotografiando como protestas, mayoría de las veces, tengo que estar realmente cerca de la acción. Pero si por alguna razón, no
puedo estar cerca de la acción, entonces tendré que usar un teleobjetivo, que difícilmente uso. Prefiero usar lentes prime y me gusta acercarme a la acción. Para los fotógrafos que están empezando, recomiendo encarecidamente lentes primos porque te obliga a moverte. Partiendo de la fotografía, podríamos ponernos perezosos. Podrías simplemente querer sentarte en una esquina y tomar la foto, pero mientras que, en realidad puedes moverte y obtener mejores resultados. Las lentes Prime te obligan a moverte. Te obliga a desplazarte a la derecha, a la izquierda, para acercarte, más lejos. Esta actividad ayuda a elaborar tu fotografía y obtienes un mejor resultado. Te recomiendo encarecidamente lentes primos para fotógrafos empezando. Idealmente, 35 o 50 milímetros está perfectamente bien si estás empezando la fotografía. En esta clase, discutiremos los diversos tipos de lentes basados en la capacidad de hacer zoom, que son las lentes primos y las lentes de zoom, y los diversos tipos de lentes basados en su rango de longitud focal y uso. Estas son las lentes ojo de pez, las lentes de gran angular , lentes
estándar, lente teleobjetivo y lentes macro. Seguro que con el conocimiento adecuado, estoy muy seguro de que sabes qué tipo de lente necesitas para el tipo de fotografía que estás haciendo, y el tipo de trabajo que estás intentando capturar. Necesito que salgas ahora, utilices cualquier lente a la que tengas acceso, y captes imágenes, y dime qué diferencia ves. Quiero verte capturando imágenes usando varios lentes y viendo cómo es el resultado, en
base a lo que tienes acceso. Acompáñame en la siguiente clase mientras hablamos de cómo explorar la escena y el sujeto antes de obtener la toma perfecta. Nos vemos.
4. Explora la escena o el sujeto: En esta lección, vamos a estar discutiendo explorar el tema o escena. La mayoría de las personas que no están capacitadas como fotógrafos probablemente podrían ver algo que llama su atención, y sacan su cámara y lo apuntan. ¿ Y si te dijera que tal vez ir a la izquierda o ir a la derecha o ir a la espalda te dará mejor resultado en tus fotos? Esa es la esencia de explorar la escena. Vamos a estar discutiendo cómo puedes moverte y obtener el mejor resultado posible de cualquier tema que estés capturando y cualquier escena en la que estés trabajando. Cuando entro en una escena, suelo explorar la escena. Normalmente miro alrededor, me muevo y trato de saber cuál sería el mejor punto de vista o el mejor ángulo para tomar mi foto. Cuando quiero procesar una escena, suelo considerar tres cosas. El primero es la fuente de luz. Considero la fuente de luz porque no trabajo con luces externas ni con iluminación artificial cuando estoy trabajando en mi fotografía. Utilizo las luces ambientales, la luz que está disponible en la escena. Cuando llego a la escena, lo primero que analizo es, ¿de dónde viene la luz? ¿ Dónde está la ventana? ¿ Dónde está la bombilla? Sea cual sea el lugar que sea, tengo que ponerlo en consideración cuando estoy enmarcando mi foto. Una vez que he resuelto la fuente de luz, ya lo sé, tengo que enfrentarme en esta dirección, que básicamente es yo respaldando la fuente de luz porque quiero que la luz esté golpeando la cara o el objeto que estoy fotografiando. Después de la fuente
de luz, lo siguiente que considero, es el fondo. Quiero estar seguro de que el fondo se está sumando al contexto de mis imágenes. Porque para mí, cada elemento en mi marco tiene que estar contribuyendo de alguna manera. Tiene que ser agregando contexto o valor a la imagen, así que necesito considerar los antecedentes. Por ejemplo, si estoy tomando una foto de un médico en un hospital, no
tiene sentido fotografiar a la persona sin tal vez un estetoscopio mostrando o un calendario médico, lo que sea que pudiera dar contextos en cuanto a quién ese persona es, que se comunica mejor a quien es, usualmente
quiero incluir eso en mis antecedentes. Después de haber descubierto la fuente de luz, empiezo a mirar alrededor ¿qué hay en la parte de atrás? ¿ Cuál es el trasfondo de ese cuadro? ¿ Cómo lo marco para poder comunicarse bien con mis espectadores? El tercero que miro es el espacio, porque soy alto, tengo que considerar lo alto que es el techo, que no levante la mano y me golpee la cámara. También tengo que considerar mi camino de paseo porque he estado en situaciones en las que
voy a una esquina y la gente empieza a entrar a la habitación y ya no puedo moverme. Eso es realmente terrible porque te hace no ser móvil como fotógrafo. Básicamente terminas teniendo la mayoría de tus fotos desde solo una esquina de la habitación. Realmente considero el espacio y cómo puedo navegar. Ya planeo, estaré en esta esquina y una vez que termine de sacar fotos de esta esquina puedo pasar a la siguiente esquina. Esto es básicamente tú entendiendo cuál sería el camino? ¿ Dónde estaría caminando la gente? ¿ Dónde se sentaría la gente? ¿ Cómo me muevo sin interrumpir estaba pasando? Una vez que me ordenen estas cosas, entonces estoy feliz de empezar a disparar. Cuando empiezo a disparar, empiezo a explorar varios ángulos, varias posiciones. De esto vamos a hablar en lecciones posteriores. Idealmente, cuando estoy tomando fotos, quiero conseguir una variedad de tiro. El tipo de historia en la que estoy trabajando, quién estoy fotografiando, podría en última instancia determinar el tipo de imágenes o el tipo de ángulos desde los que disparo. Por ejemplo, disparar desde un ángulo alto, que es básicamente tú mirando hacia abajo, podría traducir a los espectadores que esta persona es vulnerable, esta persona es impotente, esta persona es débil, esta persona está en necesidad. Esto es lo que ves más común en la fotografía de ONG o en la fotografía basada en caridad, donde están tratando de recaudar dinero para las personas, para los niños, para las personas vulnerables y se tiende a ver a los fotógrafos tomando fotos desde un alto posición. Se cambia la dinámica de poder donde se obtiene la sensación de que esta persona es débil, esta persona es vulnerable, y esta persona necesita ayuda. Otro ángulo desde el que puedes disparar es desde un ángulo bajo, que es básicamente tú mirando hacia arriba en tus imágenes. El sujeto en esa imagen comienza a verse o sentirse como poderoso, orgulloso, confiado, fuerte. Verían a personas en posiciones de poder fotografiadas de esta manera. Se trata de personas como presidentes y personal también podría ser fotografiado. También se fotografian de esta manera personalidades deportivas. Hay tantos ángulos de los que podrías tomar tus fotos, pero es importante que entiendas cómo impacta la imagen, cómo las personas procesarían y entenderían la imagen cuando la miran. En pocas palabras, tomar desde un ángulo alto se traduce en vulnerabilidad, débil, pobre, vulnerable. Pero disparar desde un ángulo bajo hacia arriba, se traduce en poder, fuerza, confianza, todas estas cosas buenas. Entender el tipo de historia en la que estoy trabajando
definitivamente me haría conocer el tipo de imágenes que quiero capturar. Tienes que entender cómo estos ángulos vienen a jugar y
asegurarte de que lo estás usando para comunicar la forma en que quieres comunicarte. En esta lección, hemos discutido la forma de explorar tu escena, considerando tu fuente de luz, tu fondo y el espacio en el que estás trabajando para que puedas moverte. También hemos considerado el impacto de disparar desde un ángulo bajo, desde un ángulo alto, lo que sea, todos tienen consecuencias. Tú como fotógrafo, necesitas estar al tanto de estas consecuencias y de cómo las personas las procesan. Quiero que te tomes una foto de alguien desde una posición alta y también te hagas una foto de esa misma persona desde una posición baja y me digas cómo te sientes acerca de cada foto. Conseguirás lo que quiero decir cuando hagas eso. Nos vemos en la siguiente lección mientras
profundizamos las técnicas compositivas que voy a discutir en esta clase. Vamos, vamos.
5. Regla de los tercios: En esta lección, vamos a estar discutiendo una interesante técnica compositiva llamada, Regla de Tercera. Regla de tercero se basa en el concepto de que un marco de cuadro se divide básicamente en nueve partes A4 por dos líneas horizontales y dos líneas verticales. Básicamente, el concepto es decir que en lugar de colocar a tu sujeto en medio del marco, haces una mejor composición colocándolos en cualquiera de las líneas o sus puntos de intersección. Esto es bastante estándar y simple. Habrías visto este mismo play out en tu presentación estándar de CV, en noticias, donde ves al newscaster yendo a un lado del marco. Por algunas razones, las imágenes salen mejor cuando se sigue regla de tercero. Para algunas cámaras, existen funciones o ajustes donde
puedes poner las líneas de cuadrícula activas en tu visor, o en la pantalla LCD. Tienes que mirar el manual de tu cámara para saber cómo se hace. Pero es muy útil si ahora puedes visualizar mentalmente estas líneas de cuadrícula y colocar tus sujetos en esos puntos de intersección o dentro de esas líneas. Por ahora, estoy seguro de que entiendes cómo funciona regla de tercero y cómo puedes aplicarla a tu fotografía, avanzando. Quiero que salgas y te tomes una foto de un sujeto y lo coloques en el medio. También intenta aplicar la técnica compositiva llamada regla de tercero en la imagen, y busca ambas y dime cuál es el resultado y cuál prefieres. Si bien regla de tercero podría ser muy simple, en última instancia
podría mejorar el resultado de tus imágenes. Aplícala en tu trabajo y ve el resultado. Salta justo a la siguiente lección y
discutimos otra interesante técnica compositiva.
6. Balance: En esta lección, vamos a hablar de equilibrio, que es una técnica compositiva muy interesante. Se basa en el concepto de que cada elemento de tu fotografía tiene un peso visual. A diferencia de los pesos muy físicos que puedes ver, este peso es visual. Un ejemplo es cuando miras una imagen y ves que tu ojo pasa más tiempo en una parte de ese marco. Significa que el panorama no está equilibrado. Entonces con equilibrio, hay que tener en cuenta que diversas cosas tienen mayor peso visual, por lo que hay que extender el peso en el marco de tal manera que los espectadores puedan mirar cada aspecto de la imagen en lugar sólo quedarme atascado en una esquina de esa imagen. Los pesos visuales pueden ser como resultado de la luz, podría ser como resultado de sombras en la imagen, podría ser como resultado de tonos, podría ser como resultado de colores. Sea lo que sea, hay tantas cosas que podrían tener más peso que el otro en tu fotografía. Pero como fotógrafo, es tu deber entender y procesar los diversos pesos visuales en tu imagen para poder extender estos pesos en un marco,
de una manera que sea equilibrada y la gente pueda disfrutar y tener una experiencia completa de su imagen. Por ejemplo, las áreas claras tienen menos peso visual que las áreas oscuras. color rojo es muy, muy pesado como color en comparación con sus homólogos como el amarillo o el verde. Por lo que hay que tener esto en cuenta porque con el peso más visual arrojado a una parte de la imagen, gente, los espectadores pasarán más tiempo mirando ese rincón. Como tal, los estás privando de todos los demás aspectos de tu imagen que podría ser interesante de mirar, pero no lo verían porque el peso visual se inclina hacia un lado. El tipo de equilibrio que puedes experimentar en las fotografías se divide ampliamente en dos, y éste es el equilibrio simétrico y el equilibrio asimétrico. El equilibrio simétrico, como su nombre lo indica, es básicamente una fotografía o técnica compositiva donde ambos lados del marco son idénticos o muy similares. A esto también se le llama el equilibrio formal. Esto podría ser implícito o real implícito es cuando se usan sombras para crear elementos idénticos y se ve similar. Real es cuando ambos lados son justo lo mismo. El equilibrio asimétrico es diferente del equilibrio
simétrico en el sentido de que ambos lados del marco no necesitan ser idénticos. Esto podría ser básicamente usando diferentes elementos pero tener un peso visual
similar para equilibrar aspectos de tu imagen. El ejemplo clásico es cuando la gente fotografía cosas y las pone en primer plano y usa otro elemento para equilibrarlo en segundo plano. Es importante tener en cuenta que cada elemento a tu imagen tiene un peso visual específico. Toda la acción no va a una esquina de tu imagen que tus espectadores puedan tener una experiencia completa de todos los elementos dentro de ese marco, contraposición a que solo miren una esquina y se queden atrapados en esa esquina. Ahora bien, creo que entiendes qué es el
equilibrio y cómo puedes lograrlo en tus fotografías. Considerando los diversos tipos de equilibrio, que es el equilibrio simétrico y el equilibrio asimétrico, cómo se puede lograr utilizando aspectos idénticos implícitas o reales del marco, o el equilibrio asimétrico en el sentido que se utiliza objetos que tengan un peso visual similar y lo extiendan en tu marco. Por lo general, colocando uno en primer plano y el otro en el fondo. Para que al final, tus espectadores tendrán una experiencia completa de tu fotografía, a diferencia
de que se queden atrapados en solo un rincón de tu foto. Entonces sal y toma una foto
teniendo en cuenta los pesos visuales de los elementos en tu imagen, y trata de extenderla de una manera que logres algún tipo de equilibrio. Recuerda, la forma más fácil de saber que tu imagen está fuera de equilibrio es cuando terminas buscando y quedándote atrapado en solo una esquina de esa imagen. Con eso dicho, salta a la siguiente lección mientras discutimos otra interesante técnica compositiva.
7. Punto de vista: En esta lección, vamos a discutir otra técnica compositiva que se llama punto de vista. Punto de vista es básicamente tomar fotos desde un ángulo desde el que tus espectadores idealmente no mirarían. Lo que eso significa es le das a tus espectadores una experiencia de mirar las cosas desde la perspectiva de que antes no lo mirarían. Apenas el mero hecho de que esto no es a lo que están acostumbrados tus espectadores les da esa sensación. Automáticamente lo convierte en una buena imagen. Por ejemplo, esto se usa cuando se fotografian niños, cuando se fotografian animales. Idealmente, la gente quisiera tomar fotos desde su posición. Si estás tomando una foto de un perro o un gato, en lugar de tomar una foto de ese animal desde tu posición, bajas a su nivel de los ojos para tomar la foto. Da una experiencia totalmente nueva a tus espectadores. Porque están viendo cosas que no habían visto antes. Las formas de explorar diversos puntos de vista es
bajando bajo o subiendo un árbol o subiendo una escalera, lo que sea. Pero mirando las cosas desde un punto de vista que difícilmente lo
verías desde idealmente,
da a tus espectadores una perspectiva interesante y una sensación inmersiva de lo que está pasando en tu imagen. Es una experiencia visual totalmente nueva para tus espectadores. Otra forma de utilizar los puntos de vista es explorando diversos ángulos, pero también disparando objetos verdaderos. Literalmente podrías disparar a través de una mesa para capturar a alguien. Da un vistazo a
lo que se siente al permanecer en esa posición para mirar a esa persona. A lo mejor de ahí se ve el gato, tal vez de ahí se ve el perro. Siempre es importante si estás tratando de explorar punto de vista, para mirar los diversos ángulos desde los que puedes tomar la foto. Bueno, la única idea detrás es capturar la imagen de una manera que la gente difícilmente vería esas cosas. La gente difícilmente percibiría de lo que está pasando. Cualquiera que sea el ángulo que elijas para fotografiar a la gente, como ya mencioné
antes, también hay que entender la dinámica de poder. Recuerda si estás disparando desde un ángulo alto hacia abajo a las personas, se ven vulnerables,
se ven débiles, parecen que están necesitados. Tienes que tener mucho cuidado con eso. Si estás disparando a la gente desde una posición baja a un ángulo alto, les das la sensación de que son fuertes, son más grandes, son poderosos. También hay que entender cómo se juega. Básicamente, el punto de vista le da a tus espectadores una nueva experiencia. Explora la escena y conoce diversos puntos de vista desde los que puedes filmar. En esta lección, ya hemos discutido varios puntos de vista y cómo puedes
usarlo para dar a tus espectadores una experiencia inmersiva de tus imágenes. Al bajar bajo,
subir, llegar a un lado, disparar a través de objetos, puedes explorar diversos puntos de vista para
dar a tus espectadores una sensación interesante cuando miran tus imágenes. Yo quiero que salgas y pruebes varios puntos de vista. Ve a descargar a fotografiar un animal, un lagarto, un gato, lo que sea. Dispara desde el nivel de los ojos o probablemente desde un ángulo bajo. Sea lo que sea, dispara de una manera de la que los seres humanos idealmente no
verían las cosas y me dijeran cuál es el resultado. Acompáñame en la siguiente lección mientras discutimos otra interesante técnica compositiva. Vamos, vámonos.
8. Simplicidad: En ocasiones solo quieres darle a tus espectadores una interesante experiencia visual. No estás tratando de cambiar el mundo. No estás tratando de captar todo lo que pasa. Simplemente quieres capturar la belleza, y quieres que tus espectadores tengan una sensación de ello, una buena experiencia visual. Ahí es donde entra la simplicidad de la técnica compositiva. Simplicidad simplemente significa que tomas fotos de una manera muy sencilla. De manera muy mínima, muy similar al minimalismo. Básicamente, tu objetivo como fotógrafo no es comunicar a todo el mundo. No estás tratando de cambiar el mundo. Simplemente quieres que tus espectadores tengan una buena experiencia visual. Este es el tipo de técnicas compositivas que los fotógrafos abstractos, los fotógrafos de naturaleza
muerta, y los fotógrafos de arte utilizan en su fotografía. A veces incluso fotógrafos de naturaleza. Simplemente quieren que sientas la paz en la imagen. Simplemente quieren que mires la imagen y simplemente la disfrutes. Cuando la simplicidad es el objetivo en la composición de ese cuadro, se podría decir fácilmente porque hay menos distracción pasando. Hay menos elementos en la imagen, por lo que solo miras y disfrutas de la imagen. Podría ser tan simple como el barco en el estanque o en el río. Podría ser tan simple como una flor. La sencillez se trata de dar una buena experiencia visual a tus espectadores. Habiendo aprendido sobre la sencillez y cómo
se juega y le da a sus espectadores una experiencia interesante, quiero que salgan a disparar y simplemente capten algo de una manera muy sencilla. No trates de hacer demasiado. Simplemente utilizando todas las técnicas compositivas, pero el objetivo es básicamente mantenerlo muy simple y mínimo. Salta a la siguiente lección mientras discutimos otra técnica compositiva. Vamos, vámonos.
9. Líneas: En esta lección, vamos a hablar otra interesante técnica compositiva, las líneas. Casi básicamente todo está conformado por línea. Cuanto antes empieces a entender y ver las cosas en base a las líneas que
las conforman los mejores resultados que puedes tener en tu fotografía. Vamos a hablar de cómo puedes utilizar las líneas en tu composición y cómo puedes usarlas a tu favor para que tus imágenes sean mejores y tengan un mejor resultado. Las líneas en fotografía se dividen ampliamente en cinco categorías. Se trata de las líneas verticales, las horizontales, las diagonales, las líneas principales, las líneas implícitas y un sinfín de otras. Las líneas verticales dan una sensación de crecimiento, de confianza, de fuerza. Cuando estás tomando fotos y tienes quizá a tus sujetos
inclinados a una línea vertical o a una pared o a un árbol, hace que se sienta como si estuvieran apoyados. Es así como se comunica a tus televidentes. Puedes utilizar esto para comunicar lo que quieras en tus fotografías. Las líneas horizontales dan una sensación de estabilidad. Cuando la gente se acuesta, por lo general casi todo en lo que nos acostamos o nos quedamos suelen ser líneas horizontales. Da una sensación de estabilidad. No se siente como si pudieras caerte. Cuando incorporas esto en tus imágenes, tus espectadores podrían obtener esa sensación de estabilidad de la imagen. Las líneas diagonales son también otras líneas interesantes porque
crean esta sensación de tensión o energía en tus imágenes. A diferencia de las líneas verticales y horizontales que son bastante estables y se sienten sólidas, las líneas
diagonales se sienten un poco como si hubiera tensión, hay conflicto, que también puedes utilizar en tus fotos. Algo que también tienes que reconocer cuando estás utilizando líneas en tus imágenes es que tienes que hacer las líneas rectas, menos que sea intencional quieras hacerlas diagonales o donde sea. Pero en la mayoría de los casos, tienes que asegurarte de que tus líneas sean rectas. Si no es recto, las imágenes se sienten apagadas. Porque en la vida real, las
casas se construyen de manera recta, los árboles son rectos. Si no te aseguras de enmarcar tus imágenes de una manera que
retengas esa sensación recta de tus líneas se desprenderá a menos que sea intencional. Otro tipo de líneas son las líneas implícitas. Se trata de líneas que se desprenden en la naturaleza, pero no necesariamente son líneas reales. Por ejemplo, la gente de pie en una cola, parece una línea. Rascacielos alineados en las calles, hileras de árboles. Estas cosas forman una línea. Tienes que seguir observando y notando cómo se forman
estas líneas en la naturaleza para que puedas utilizarla en tus fotografías. Otra forma interesante de utilizar las líneas son las líneas principales. Líneas líderes básicamente sirven como líneas que puedes utilizar para llevar a tus espectadores al tema principal. Básicamente, estás enmarcando o componiendo tus imágenes una manera que tu sujeto esté en un camino de la línea, las líneas naturales en tu marco donde se siente la línea las está llevando a ese tema. Como fotógrafo, a lo largo de los años me he entrenado para ver líneas. Cuando entro a una escena, cuando quiero tomar una foto, estoy observando todas las líneas y cómo se reproducen. Intento utilizar eso para poder tomar la mejor decisión
posible composición-sabia para mis fotografías. Ahora, que has aprendido sobre varios tipos de líneas y cómo puedes usarla para mejorar tus imágenes; entender cómo los seres humanos procesan y entienden las líneas verticales, horizontales, diagonales, liderando, y líneas implícitas Estoy seguro que estás configurado para entender y utilizar estas líneas en tus fotografías para tener un mejor resultado. Salir y tomar fotos, observando cómo se juegan las líneas en sus ambientes, en su patio trasero, en sus calles. Toma fotos y utiliza algunos de los conceptos de los que hemos hablado aquí. Estoy seguro de que cuando estás más consciente de estas líneas y de cómo se desarrollan, estás en camino de hacer mucho mejores fotos de las que nunca lo hiciste. Gracias.
10. Conclusión: Enhorabuena. Estoy súper emocionado de que llegaras a la última parte de esta clase. Seguro que has aprendido cosas nuevas que pueden mejorar tus fotografías. Un resumen rápido de todas las cosas de las que hablamos en esta clase. Hablamos de cómo elegir la lente adecuada. Recuerda, si no tomas una buena decisión con la lente que elijas, no
tendrás un mejor resultado. También hablamos de cómo explorar la escena y el tema. Es clave muy clave que no solo tomes fotos de donde estás, sino que te muevas y veas cómo funciona la luz, cómo es el fondo, cómo es el espacio y juntas todas estas cosas para tener mejor resultados en sus fotografías. También hablamos de diversas técnicas compositivas, y estoy seguro de que si inculcas todas estas cosas que has aprendido en tus fotografías, en tu trabajo, te volverás mucho mejor de lo que eras cuando me conociste. Ha sido un viaje muy interesante con ustedes, y espero que las ayudas valieran la pena cada segundo de su tiempo. Tengo muchas ganas de ver tu proyecto de clase, que básicamente es tú subiendo tres fotos, utilizando cualquiera de las técnicas compositivas que se han discutido en esta clase, y subiéndolo porque no podemos mejorar hasta que empezar a hacer cosas. Me gustaría ver tu proyecto de clase, subirlo y obtendrás comentarios de mi parte. Recuerda, las reglas en esta clase están destinadas a romperse. Ahora que entiendes las reglas y entiendes cómo funciona, puedes romperlas creativamente, pero que sea intencional. Esa es la diferencia entre un fotógrafo profesional y un fotógrafo aficionado. Recuerda siempre que estas reglas no están echadas sobre piedra, puedes romperlas creativamente pero te recomiendo encarecidamente que entiendas las reglas antes de empezar a
romperlas para que no te vayas como fotógrafo no calificado. Ahora que entiendes todas estas reglas, eres libre de romperlas de una manera que funcione pero recuerda, la esencia de tomar fotos es poder comunicarse con tus espectadores. Usa todo lo que sabes sobre diversas técnicas de composición que hemos discutido para poder traer el mejor resultado en tus fotos y dar a tus espectadores una experiencia única en la vida. En poco tiempo, también
estaré lanzando una nueva clase sobre técnicas compositivas avanzadas. Cuídalo para que podamos aprender más técnicas compositivas que en última instancia puedan mejorar nuestra fotografía. Bienvenido a una nueva fase en tu fotografía. Te deseo lo mejor hasta que nos volvamos a encontrar. Gracias.
KC Nwakalor, Documentary Photographer & Producer
