Transcripciones
1. INTRODUCCIÓN: Cuando hablo con muchos fotógrafos musicales en
ciernes, parte del tiempo,
consideran que la fotografía musical es
el acto de fotografiar a un músico, a un artista
interpretativo, actuando Y aunque eso
no es estrictamente incorrecto, extraña
el contexto más amplio
de por qué nos dedicamos a la fotografía
musical La mayoría de las veces, la fotografía
musical está diseñada para ayudar al espectador a sentir que estaba en ese concierto. Estaban en el concierto,
estaban en el club, o estaban en el festival Mi nombre es Sophia
Carey, y he estado trabajando como fotógrafa musical
fotografiando conciertos, clubes y festivales
durante los últimos Y desde mi experiencia, una de las partes más
importantes de la fotografía
musical es en realidad tu capacidad para contar una
historia con tus fotos. Si miramos esto desde
un punto
de vista comercial , la fotografía musical está diseñada para incentivar a un consumidor a comprar un boleto para esa rave, para comprar una entrada para ese
concierto o para ese festival Es una parte integral
del marketing hora de vender entradas,
promocionar a un artista
y su música y crear esa intriga
alrededor del evento Y, por supuesto, desde un punto de vista
artístico, si miramos esto únicamente desde la idea de querer que la gente
se involucre en nuestras artes, contar una historia sólo va a hacer que tu trabajo sea más inmersivo Cuando fotografias
música, no
solo estás fotografiando al
artista actuando No solo estás fotografiando momento
aislado. Estás construyendo un arco narrativo
casi como una película, una obra a juego de la noche. Y no me malinterpretes. Estás pensando en
esas tomas de rendimiento. Estás pensando en
esos grandes tiros de héroe. Pero también estás
considerando cómo
puedes crear una serie
de imágenes que den al espectador una visión general
del evento de la noche. Entonces en la clase de hoy,
vamos a estar explorando esa idea. Vamos a estar viendo
ritmos de historia de un show en vivo. ¿Cuáles son esos momentos
narrativos que quieres capturar de
un evento de música en vivo y cuál es la mejor manera de
posicionarnos para hacerlo? ¿Y qué técnicas podemos usar para tratar de contar esa historia? Estaremos explorando
ejemplos de mi propio trabajo a través de giras que he
hecho con artistas, festivales y noches de cachorro, trabajando para los
artistas directamente, trabajando para promotores,
trabajando para lugares Entonces tienes una visión clara de cómo puedes
construir una narrativa diferentes maneras
dependiendo de para quién estés filmando y cuál es tu
tipo de objetivo. Entonces, si te
interesa elevar tu fotografía musical de una buena toma singular a
una serie de fotos que cuenten una historia de una noche
que ayuden a transmitir la emoción detrás quizás de uno de los tipos de
eventos más emocionales que puedas fotografiar Entonces únete a mí en la siguiente
lección y quedate atrapado.
2. Proyecto de clase e historias de muestra: Bienvenido a la primera lección de esta clase sobre cómo crear historias con tu fotografía
musical. Esta es realmente una habilidad que
creo que elevará tu trabajo, te
ayudará a crear una cartera que atraiga a
posibles clientes. También es una habilidad masiva
en toda la fotografía de eventos. Entonces, si estás filmando bodas
u otro tipo de eventos, puedes usar estas técnicas
similares a lo largo de esos diferentes
tipos de fotografía. Y claro, el proyecto de
clase para esta clase te ayudará
a crear ese portafolio. Te dará un
ejemplo perfecto para poder mostrar
a futuros
clientes para poder
poner en tu página web de portafolio o tu Instagram o donde
sea que
muestres tu trabajo. Entonces, para los proyectos de clase,
quiero que tomes fotos de un evento singular que
fotografíes y
las secuencies para contar una historia. Esto podría ser un concierto que
hayas filmando en el pasado, o tal vez
lleves este proyecto
al siguiente concierto que
guardes en el fondo de tu mente cuando estés
fotografiando tu Yo recomendaría
seleccionar en algún lugar 6-10 fotos para contar esta historia Y cuando hayas construido
tu secuencia, por supuesto, puedes subirla a la galería de proyectos de la
clase que
pueda ofrecer comentarios y el resto de los estudiantes esta clase también puedan ofrecer comentarios y
mirar el trabajo de todos, y ojalá podamos tener un
poco de información al
mirar los ejemplos de los demás y compartir lo que hemos
aprendido en esta clase. Por supuesto, a lo largo de
esta clase, habrá ejemplos de
mi propio trabajo para ayudarte a tener una idea de cómo podrías ser capaz de crear esta secuencia. Pero para comenzar,
quiero
hablar de dos
historias específicas que son, digamos, historias típicas. Son líneas argumentales que
tal vez son más naturales para llegar. Puedes tenerlos en cuenta a medida
que avanzamos por la clase, pero estaremos
hablando un poco más en detalle sobre
diferentes tipos de narrativas y ritmos de historia que puedes usar a
lo largo de tu secuencia Entonces, la primera línea argumental es
el punto de vista del artista. Entonces, este es genial si
trabajas en estrecha colaboración con un artista o tienes acceso
a trabajar con un artista. Y esto cuenta la historia de
la noche desde el alcance de, ya
sabes, el viaje del artista. Entonces empezamos tal vez
con algunos, como, rituales
entre bastidores, nervios
pre show Entramos en la
actuación y luego en las secuelas. Del
espectáculo en sí. Esta es una gran manera de mostrar
una narrativa a lo largo la noche si ya estás
trabajando con artistas. No se preocupe si no está
trabajando con artistas, si está trabajando para un lugar, si está
trabajando para la prensa, o tal vez
solo se dirige a su lugar local para
tomar algunas fotos, entonces esta siguiente
estructura narrativa podría ser para usted. Es mucho más accesible, y está tomando la idea
de contar la historia desde el punto de vista de
una multitud, lo que podría decirse que es más viable
comercialmente que el punto
de vista de los artistas, también, porque contar la historia
de una multitud es realmente lo buscan los
festivales
cuando contratan sus equipos de medios en casa, qué lugares y promotores
buscan contar la noche desde el
punto de vista de la multitud con el
fin de vender boletos. Se puede acceder a este
tipo de narrativa dirigiéndose hacia el recinto, ya
sabes, a medida que se abren las puertas. Si llegas ahí
cuando las puertas se abren y te quedas hasta el final, entonces eres capaz
de acceder a esta narrativa. Debido a que
los lugares más grandes
suelen tener restricciones sobre los tipos de cámaras que
puedes traer, te
recomendaría si
aún no tienes acceso a un lugar, entonces comienza solo
con un lugar pequeño que te permita
traer una cámara. O incluso simplemente usa tu teléfono
para tomar estas fotos. El objetivo de esta clase
no es en realidad sobre las habilidades técnicas que se necesitan para tomar una foto o la
cámara que estás usando. Ya sabes, la mejor cámara que
dicen es la que
tienes contigo. Esto realmente se trata solo de
aprender a contar una historia, y puedes hacerlo
con cualquier cámara. Entonces, si estás en un evento que
no permite la entrada de cámaras, puedes practicar
la habilidad con solo tomar fotos en tu teléfono o un punto de rodaje o
cualquier otro tipo de cámara que tengas permitido llevar
al lugar. Yo recomendaría consultar con un lugar antes de
tomar una cámara. Mucho del tiempo hay
reglas en sitios web de lugares, sitios web promotores en cuanto a qué tipo de cámaras
puedes tomar. Ing esta narrativa.
Quieres pensar comenzar cuando los jugadores
están entrando al
recinto, ya sabes, esos tiros tranquilos,
esos
tiros estableciendo que cuentan la
historia de dónde estás, quién es el artista, cómo es
la multitud La energía en tus fotos debería
elevarse a medida
que pasa la noche. Y una de mis formas
favoritas personales de
terminar con
esta narrativa para cerrarla es
quedarse justo hasta
el final y fotografiar a la
gente que se va. Esto crea
una especie de estructura circular. Nos remontamos justo
al principio donde entra
el recinto vacío de gente y luego, ya
sabes, terminamos el
recinto vacío de gente que se va. Con estas ideas en mente,
vamos a saltar a
la siguiente sección, y vamos a estar
hablando de decidir tu narrativa. Las dos opciones narrativas
que he esbozado en esta lección son
solo dos ejemplos de las muchas narrativas que
podrías contar durante la noche Las opciones son realmente infinitas, pero me gustaría que
las tuvieras en
cuenta a medida que avanzamos por
las próximas lecciones, porque
te ayudarán a la hora completar tu proyecto de
clase. Pero saltemos a
la siguiente lección.
3. La mentalidad narrativa: Entonces, con nuestro
proyecto de clase firmemente en mente, echemos un vistazo a
cómo podemos identificar una narrativa a partir de un evento
que hemos fotografiado En este esson,
vamos a estar explorando la mentalidad detrás del
diseño de tu narrativa Entonces, cuando elijo
un evento musical, la historia que estoy
tratando de contar es la historia de alguien
que no pudo estar ahí. Entonces, ya sea un fan
del artista o un posible
cliente para el lugar, estoy pensando en cómo
puedo vender esta experiencia. Entonces todos hemos oído hablar de Fomo
sí, el miedo a perderse. Y esto es algo con
lo que estamos jugando. Estamos jugando con
la emoción de, realmente
desearía estar ahí, y la próxima vez, voy
a asegurarme de estar ahí. Entonces, cuando estamos
contando la historia, queremos mirar la
relación entre lo que estamos documentando y cómo muestra
la experiencia de la noche ¿Qué fotos cuentan la historia
de cómo se siente la noche? ¿A través de qué fotos puedes
sentir la energía? Que momentos son
momentos que has capturado notaron que
alguien más no se dio cuenta o no podía darse cuenta. Las fotos que mejor capturen la energía y el sentimiento de
lo que es ser un evento y
no solo lo que sucedió, van a ser las más
importantes y efectivas evocar emoción y
eventualmente vender al artista, vender el lugar,
vender el evento Cuando estamos en la escuela,
aprendemos a contar historias, y aprendemos que no basta con contarle a la
gente lo que pasó Tenemos que mostrar, no sólo contar. Tenemos que
pensar en los sentidos. Tenemos que
pensar en cómo
saben y suenan y sienten las cosas . Aprendemos que realmente hay que encapsular todas
estas cosas diferentes para poner a alguien en esa historia Y en fotografía,
se aplican las mismas reglas. Simplemente se ven
ligeramente diferentes. Queremos mostrarle
al espectador una historia una
manera que conduzca
con emoción. ¿Podemos documentar lo que se siente estar en algún lugar de una
serie de fotografías? Y, lo que es más importante, ¿
cómo lo hacemos? Entonces, en la siguiente lección,
vamos a estar explorando algo llamado ritmos de historia o
ritmos narrativos. Ningún juego de palabras pretendido, aunque
aprecio un buen juego de palabras musical Vamos a estar
viendo algunos
ritmos típicos dentro de una historia. Y luego también
vamos a pasar a mirar cómo puedes usar la
técnica para contar estas historias, para empezar a pensar en la
narrativa que has diseñado, para empezar a comunicarte realmente
con tu público, cómo se siente estar ahí
para que cuando
miras una foto de un evento, casi
puedas escuchar la música. Casi se puede sentir
lo que se siente
estar en el recinto. Así que únete a mí en la siguiente lección. Vamos a estar
hablando de ritmos de historia y meternos en el meollo real de, ya
sabes, cómo contamos
una narrativa usando fotos.
4. Los ritmos clave de la historia: Así que bienvenido a esta lección
todo sobre Story Beats. Esta va a ser una frase a la
que me has escuchado referir varias veces
ya a lo largo de esta clase, sea ritmos de historia
o ritmos narrativos. Realmente, esta es la
jugosidad de la narrativa. Aquí es realmente donde
nos ponemos manos a la obra, ¿
cómo contamos una historia? O al menos ¿cómo
identificamos una historia? Pero antes que nada, ¿qué es un
latido dentro de este contexto? Entonces un latido es un momento que
mueve la narrativa hacia adelante. Entonces es una pequeña unidad de una historia, y cada historia consiste en
múltiples ritmos diferentes. En esta lección,
vamos a explorar una especie de patrón
típico de ritmos que podrías experimentar para
poder contar una historia de cómo
se estructura un evento musical típico, casi. Por supuesto, cada historia
se ve diferente. Y por eso,
muchos de estos ritmos
dependerán del tipo de historia
que estés contando. Pero este es un buen conjunto
de ritmos de muestra que
creo que mucha gente podrá identificar
dentro de un evento musical. Entonces vamos a estar
viendo cinco latidos, y el primer latido es
el tiro estableciendo. Entonces, cuando ves una película, mayor parte del tiempo, se abre con algo llamado toma
de establecimiento. Esta toma es algo que podría ser una
toma muy amplia de la ubicación. Te dice inmediatamente
como espectador, ¿Dónde estás en esta historia? Cuando estamos diseñando
nuestra narrativa, queremos
pensarla de la misma manera. Nuestro tiro de establecimiento es
la atmósfera de apertura. ¿Qué
aspecto tiene el lugar al
principio de la noche? ¿Cómo se siente
al principio de la noche? Entonces, para este tipo de tomas, muchas veces
priorizaré tomas de habitación
amplia, tomas habitación
vacías, personas
que ingresan al recinto, tal vez miembros
de la tripulación ajustando diferentes elementos de la puesta en escena o
la iluminación o la producción, dependiendo de, ya sabes , para
quién estás filmando, cuánto acceso
tienes al recinto Ya sabes, si estás trabajando
para un artista, por ejemplo, tu toma de establecimiento podría
incluso ser el artista detrás del escenario o entrando al recinto
antes de que se abran las puertas Es este primer elemento de la historia que cuenta a
los espectadores quién, dónde y de qué trata tu
historia. Beat número dos es realmente donde empezamos a presentar
al artista. Este es un
segundo latido realmente natural para tu historia. Dependiendo del género musical, tu acceso al artista o al lugar o el tipo de evento musical que
estés filmando, esto podría verse muy diferente. Entonces, por ejemplo, si estás
filmando un festival, a menudo hay actos de apertura. Entonces esto podría ser
fotografiar un acto de apertura. Ese podría ser tu segundo
latido dentro de tu historia. Si estás rodando un
espectáculo para un artista, este podría ser un punto de vista de ellos ingresen al
escenario, ya sabes, saliendo del backstage y realmente entrando al
escenario por primera vez Si estás filmando un concierto para un lugar o una prensa,
entonces esto podría ser, ya
sabes, el momento en que
las luces
suben e iluminen al
artista por primera vez Tu segundo latido es esencialmente
como un momento lento que cierra la brecha entre tu primer golpe tu tiro
establecido, y tu tercer golpe. Entonces, lo más probable es que el tercer beat te
vaya de la
manera más natural. Este es el pico de la energía. Si estás fotografiando a un
solo artista, entonces este podría ser el pico
dentro de su set, ya sabes, su canción más grande o si estás filmando un festial donde
hay múltiples actos, este podría ser el set de cabeza Es la mayor
parte de la noche o el tiempo en el que la
energía es la más alta. Y lo más
importante de este ritmo es que
captes la energía. Dispara una mezcla de
las reacciones de
la multitud, las actuaciones de los artistas, abraza
el caos de la multitud y la energía del intérprete, buscando, como, grandes
gestos, ya sabes, si el artista mueve
sus brazos de alguna manera. La gente baila con los
brazos de maneras realmente grandiosas. Quizá haya oscilaciones de micrófono. Quizás hay volteretas de pelo. Cualquier cosa que ese tipo de muestre energía es
algo grandioso a tener en cuenta. Otra cosa que me encanta hacer
es buscar interacciones entre los miembros de la banda o el
artista en el público. Para esto, vas a
querer mezclar tu encuadre, obtener esos ángulos estrechos,
obtener esos ángulos amplios, y solo tratar de explorar la
energía de esta sección Beat número cuatro se centra más en esos momentos íntimos. Entonces este, ya sabes, podrías meter esto
antes del número tres. Podría llegar más alto o temprano,
como tarde o temprano
dentro de tu narrativa. Dependiendo del tipo de historia que
intentes contar. Estos momentos íntimos podrían ser como, ya sabes, los bailarines, ya que los asistentes a la fiesta
empiezan a irse, y es solo, ya sabes, menos gente en la pista de baile, o podría ser durante un lento globo la
reacción de la multitud, ya
sabes, gente
sosteniendo carteles, cualquier cosa que muestre más de
un ritmo más lento en contraste con
tu ritmo energético pico Una excelente manera de capturar
esto podría ser como un enfoque de instrumentos manuales o expresiones
reflexivas. Este contraste entre tu ritmo de
alta energía y luego este
ritmo íntimo más lento va a dar profundidad a
tu narrativa y te ayudará a explorar la historia
que cuentes. Y además, ya sabes,
con cualquier cosa que estés creando contraste, fortalece al otro. Entonces, por ejemplo, si tienes tu ritmo de alta energía y
luego tienes tu
ritmo de momento bajo, tranquilo e íntimo, va a hacer que el otro se sienta más fuerte. Ya sabes, el tranquilo
va a hacer que la energía uno se sienta
más enérgico, el enérgico va
a hacer que el tranquilo se sienta, ya
sabes, aún más lento Y entonces nuestro
golpe final es el final. Muchas veces, la gente empaca sus cámaras con demasiada facilidad. Pero la historia continúa
después de que se canta la última canción. Entonces algunas de mis
formas favoritas de capturar el final son la
pose final o el arco final. Especialmente si estás de
gira con un artista, esto puede ser genial porque
puedes enfocarte en una especie de, como, la estructura narrativa
de toda la gira. Ya sabes, esto ni siquiera es
solo dentro de un evento. Se trata de una serie de shows
y consiguiendo esa pose final, ese arco final cierra
esa narrativa de la gira. Pero también puedes hacer
esto a menor escala si solo estás filmando
como un programa. Se puede cerrar la narrativa
de ese espectáculo con un arco. Ventiladores filtrando fuera del recinto. Esta es una de
mis formas favoritas de cerrar una narrativa. Ya sabes, cuando se
encienden las luces y la gente se va, esos momentos a veces son
algunos de mis favoritos. Una de las fotos
que tomé recientemente fue que vi a esta chica mientras
salía del lugar. Ella estaba como, saltando
sobre las latas en el suelo y, como,
aplastándolas. Y es solo un momento ese
tipo de pegado conmigo, y pensé, ya sabes, que es un
momento tan divertido al final de la noche. Como, su diversión no se ha detenido. Aún tiene esa energía
al final de la noche. Otra forma realmente
natural de
cerrar una narrativa
sería con cualquier,
como, grandes momentos de producción, ya
sabes, tomas de Cavetti,
cualquier cosa por el estilo Estos a veces son más difíciles
de conseguir porque suelen cuando se filman
como espectáculos más grandes. Pero como dije antes, si
no tienes acceso a
esos espectáculos más grandes, pero a lo mejor tienes un boleto, este es genial para
fotografiar en tu
teléfono, ¿sabes? La mayoría de nosotros tomamos fotos
en nuestros teléfonos cuando estamos en grandes conciertos en la arena
o en el estadio, y estos grandes momentos de
producción son una excelente manera
de cerrar nuestra narrativa con
un ritmo de alta energía Y luego, si estás
trabajando con un artista, una excelente manera de
cerrar esa narrativa es como tus
sonrisas entre bastidores, ya sabes, saludando a amigos y
familiares después del espectáculo, tal vez incluso dejar estar y saludar con la multitud después del espectáculo Pero ahora que hemos explorado algunos ritmos típicos
dentro de una historia, vamos a estar
saltando a aspectos más técnicos. En la próxima sternoon
vamos a estar hablando dónde estar realmente
parado o dónde estoy dentro de todo un set para acceder a estos momentos
y ayudarme a contar mi historia
5. Cómo moverse por un set: Entonces en el hijo, vamos a estar hablando de cómo me
muevo por un set en cuanto a mi
posicionamiento físico dentro de un recinto para capturar los ritmos de la historia de los que
hemos hablado. El ejemplo que
voy a estar dando va a ser un ejemplo de dónde estaría si tuviera algún tipo
de acceso completo a un recinto. Así que recuerda que puedes adaptarte a esto dependiendo del
nivel de acceso que tengas. Intentaré sugerir alternativas
y consejos para personas que quizás no tengan
el mismo nivel de acceso. Pero solo ten eso en cuenta
que estas cosas
se pueden adaptar dependiendo de
lo que estés filmando, para
quién estás filmando y la historia que intentas contar como siempre. Así que pre show pre show, probablemente me encontrarás
en uno de dos lugares. O estaré en la
sala verde, en el vestidor, capturando una especie de detrás de escena
del artista, o estaré
en algún lugar del recinto que esté cerca de la entrada. Para la primera pista,
normalmente estaré en la fosa. Esto se debe a
que si estás filmando para un lugar, si estás
filmando para prensa, entonces la probabilidad de acceso a
boxes tiende a ocurrir
en las tres primeras canciones. Entonces realmente quieres
capitalizar esta vez que
se te permite estar en el foso Si estás trabajando con
un artista, por ejemplo, puedes acceder al foso la mayor parte
del tiempo a lo largo de todo
el set. Entonces para las tres primeras canciones, a veces si estoy
trabajando para el artista, apareceré en
otro lugar del lugar. Esto es por dos razones. Podría haber un gran momento de
producción que quiero obtener de la parte trasera del recinto al
inicio del set, ya sabes, medida que entra el artista y también
los fotógrafos de prensa,
los fotógrafos del lugar
que solo tienen acceso al foso para
las tres primeras canciones. No quiero estar en
su camino cuando pueda tener el hoyo para el
resto del espectáculo. Entonces, si estoy trabajando para un
artista, generalmente no en el foso, si no estoy trabajando
para el artista, generalmente en el foso
para la primera canción. La mitad del set así que para la mitad del
set, suelo vagar Aquí es cuando pruebo todos
esos diferentes ángulos. Subir a balcones,
ir al frente de la casa, disparar desde el punto de vista de la
multitud. Es el mejor momento para experimentar diferentes ángulos
porque tiende a ser, sabes, los momentos en los
que hay
menos presión. Si estás trabajando
con un artista, esto podría diferir
porque podrías tener un horario de producción que te
diga que ciertas
cosas van a suceder
y puedes decidir dónde
necesitas basarte en
eso. Pistas finales. Entonces para las pistas finales, para el final del set, normalmente me encontrarás frente
a la casa. Esto se debe a que muchas veces no puedes
estar en el hoyo, y muchas veces,
grandes momentos de producción suceden
al final del set. Así que al frente la casa tiende a
estar en la parte trasera del recinto, algo así como donde están las cubiertas de
iluminación. Si estoy trabajando para un artista, también podría estar en el
escenario para estos momentos porque ahí es cuando
haces que el artista tome, como, un arco o una especie de salir al frente
del escenario y saludar a los fans
y cosas así. Entonces esto otra vez,
dependerá de para quién le dispares. Pero generalmente escenario o
parte trasera del recinto. Entonces, si al final
del espectáculo, suelo
quedarme cerca de la
salida del escenario o entre bastidores Eso es para
capturar al artista
interactuando con la gente
o yendo entre bastidores, interactuando con
amigos y familiares Si estoy trabajando para
el lugar, dirigirme a la salida real del lugar
siempre es bueno porque haces que la
gente se vaya. Y sí, así que solo
tratando de pensar dónde termina
naturalmente la historia, y eso tiende a
estar en la salida. En el siguiente instante,
vamos a estar viendo qué
técnicas fotográficas puedes usar para transmitir tu historia,
para transmitir emoción
6. Crear emociones mediante la técnica: Definir e
identificar tu historia es realmente solo la mitad
de la batalla. La otra mitad en realidad es
poder contar esa historia. Y hay tres técnicas de las que quiero
hablar que son geniales a la hora de
transmitir emoción
con la fotografía. El primero es
utilizar el color. El color es súper importante
cuando trabajas en cualquier tipo de fotografía
porque el color tiene emoción. Ya sabes, hay una psicología
detrás de los colores que usamos. La psicología del
color, la teoría del color es algo que se utiliza
a lo largo de la vida cotidiana. Azules, cloting
tranquilidad y paz, rojos que connotan
peligro o pasión Considerar los tipos de colores y las emociones
que transmiten es un elemento realmente importante para la fotografía y crear
emoción con tu trabajo. No solo puedes usar el color en el
proceso de disparo real, ya sabes, buscando ciertos
colores que te
van a ayudar a contar
esa parte de tu historia, también
puedes utilizar el color
dentro de tu edición. Así que agregando diferentes colores dentro de tus sombras
o tus reflejos, ajustando colores y
temperaturas de tus fotos para ayudarte a connotar la emoción que
estás tratando Para mí, el color es uno de los
aspectos más importantes de mi trabajo. Creo en usar
colores fuertes dentro de mi trabajo. Eso es algo que
realmente disfruto usando, pero no tienes que
usarlo de la misma manera que yo, pero considera cómo
el uso del color o la ausencia de color
afecta tu narración La segunda técnica de la que
quiero hablar es el uso del desenfoque de movimiento. Por lo tanto, el desenfoque de movimiento a menudo se logra mediante el uso de una velocidad de obturación
lenta. Y esta puede ser una manera realmente
genial de transmitir energía. Un muy buen ejemplo de
esto es una gira que recientemente
hice con un artista
que todo su asunto es, ya
sabes, lo apasionada y
caótica que es su multitud Y dentro de esta gira, quise mostrar el caos connotando el rápido
ritmo de movimiento Y uso esto tanto dentro mis tomas de artista como también
con mis crowdshots Entonces, si los artistas se mueven
mucho, las multitudes que se mueven mucho, usando un obturador lento,
van a capturar mucho más de ese movimiento y
transmitirlo a la audiencia Entonces estás
transmitiendo automáticamente esta energía, esta velocidad, este caos dentro tus fotos mediante el uso de velocidades de obturación
lentas. La velocidad real que
quieras usar va
a diferir dependiendo de lo que
estés tratando de lograr. Para mí, suelo
encontrar alrededor, como, 1/3 es un lugar muy
agradable para estar. Pero a veces voy más despacio. A veces
lo aceleraré un poco, dependiendo de la cantidad de movimiento
que esté tratando de capturar. Y lo último en lo que
pensar es en recortar. A veces una buena foto no
se trata sólo de
lo que captas, sino también de lo que emites. Eliminar distracciones, eliminar cosas que no
sirven a tu narrativa, recortando o recortando y acercando una
cierta emoción o un momento determinado puede ser
una excelente manera de ayudar
a Estas son solo tres técnicas
que creo que son realmente efectivas para explorar
y transmitir emociones. Así que tenlos en mente. Quieres estar
pensando en el color, quieres estar pensando en movimiento y cómo lo captas, y quieres
estar pensando lo que incluyes en tu cultivo. En la lección final a la que
nos estamos moviendo ahora, vamos a estar viendo secuenciar tus fotos y vamos a estar
haciendo un pequeño recapitulatorio de todo lo que
hemos hablado en la clase de hoy.
7. Secuenciación de tu conjunto de fotos: Así que bienvenido al
final de la clase de hoy todo sobre contar una historia
a través de tu fotografía musical. En esta clase, hemos explorado la idea de identificar una historia, crear una narrativa
mirando diferentes ritmos de historia,
donde puedes moverte por donde puedes moverte el recinto para acceder a
estos ritmos de historia, dependiendo de los diferentes clientes para los
que estés trabajando o diferentes objetivos que
tengas con tu narración Y también hemos analizado
técnicas
como el color y el recorte para poder
transmitir realmente la emoción
detrás de tu historia En esta lección final, vamos a estar
mirando la secuenciación. Vamos a estar
refiriéndonos a nuestro desglose inicial
de los ritmos de la historia, nuestras ideas iniciales en
torno a la narrativa, y mirando cómo
secuenciaría mis fotos, y esta
va a ser útil para usted para su proyecto de clase. Recuerden, una vez terminada esta
lección, me encantaría que
ustedes suban
su proyecto de clase a la Galería de proyectos de
clase, para su proyecto de clase a la Galería de proyectos de
clase, que pueda echarle un vistazo, y
esta lección definitivamente
va a una que les
ayude con esa. Entonces, ¿cómo secuenciamos? Creo que
aquí es muy importante volver a referirnos
a los ritmos de nuestra historia. Cada foto va a representar
un ritmo de historia diferente. Entonces, por ejemplo,
tu primera foto podría ser esa toma de establecimiento, ese primer momento en que se abre
el recinto o la gente
está entrando al recinto. Tu segundo ritmo podría ser la introducción del
artista. ¿Quién es el artista? ¿Quién está jugando? Tu tercera foto podría ser como la Energía Construye. Y luego tu cuarto
tu lento ritmo íntimo y tu quinto, el final. Piensa en esto como
un crédito final de una película. Entonces vas a
llevarte cada uno de los beats que
hayas identificado. Podrían ser los mismos ritmos
que he identificado, o podría ser algo
completamente diferente. Yo diría que en cualquier lugar
6-10 fotos es genial, pero me enfocaría
tal vez en cinco puntos de historia Entonces, por ejemplo, podrías tener cinco puntos y tener dos
fotos por cada una, llevándote a una especie de
diez fotos en total, o podrías tener tal vez
una toma de establecimiento,
una toma introductora de artista, dos momentos de alta energía, un momento de energía tranquila, y luego tu toma final. O podrías tener una toma
establecida, presentando al
artista, alta energía, energía silenciosa, final,
y luego secuelas Entonces podrías tener ese gran
momento de producción como tu final, y luego un
momento tranquilo de que todos vayan para tus secuelas Entonces recomendaría algún lugar 6-10 es una buena manera de
contar esta historia Cuando hayas seleccionado
tus fotos, subirlas a la
clase Project Gallery y bonus puntos si
eres capaz de identificar esos ritmos de historia
que estás contando. Me encantaría
ver el proceso de pensamiento detrás de la secuenciación, así
como la propia
secuenciación. Y claro, cuando
estás seleccionando tus fotos para la secuenciación, realmente piensa en que
esta foto está contando
una historia en sí misma? ¿Estoy usando técnicas
como el color, como el movimiento,
como el recorte, como capturar momentos de
alta energía,
como capturar momentos íntimos de la multitud? ¿Estoy usando estas cosas para contar una historia dentro de
esta foto? Porque si puedes contar una
historia dentro de una foto, entonces crear una secuencia es mucho más fácil porque
tienes más con qué trabajar. Y si disfrutas de
este proyecto de clase, considera tal vez incluso crear
dos historias alternas. Ya sabes, una es una historia
de alta energía. Una es una
historia de baja energía, por ejemplo. O tal vez vuelvas a nuestra lección de
proyecto de clase inicial y miras una historia desde punto de vista de
un artista y otra desde el punto de vista de la multitud. ¿Cuántas historias puedes
contar del mismo evento? Creo que eso siempre es
interesante porque estamos viendo cómo seleccionar diferentes imágenes altera o
cambia el tono de una historia Entonces podría ser el mismo evento, pero la selección de tus imágenes cambia la historia
que estás contando. Cambia la forma en que
entiendo el evento como
alguien que no estuvo ahí. Pero realmente espero que hayas disfrutado esta clase todo sobre la narración de
cuentos en la música en vivo Realmente creo que es uno de
los aspectos más importantes de la fotografía
de música en vivo, y estoy muy emocionada de
ver lo que
producen ustedes y las historias
que cuentan dentro de su trabajo. Recuerden subir a la
clase Project Gallery, y los veo
en la siguiente clase.
Sophia Carey, Photographer
