Fotografía de música en vivo 101: Fotografía de concierto | Sophia Carey | Skillshare
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Fotografía de música en vivo 101: Fotografía de concierto

teacher avatar Sophia Carey, Photographer & Designer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:36

    • 2.

      Proyecto de clase

      0:54

    • 3.

      Intro a la preproducción

      1:03

    • 4.

      Conseguir tu pase de foto

      2:40

    • 5.

      Explorar el lugar

      2:11

    • 6.

      Horarios y lista de tiros

      1:54

    • 7.

      Ajustes de la cámara

      3:18

    • 8.

      Engranaje de cámara

      3:16

    • 9.

      Elegir tus Lenghts focales

      2:10

    • 10.

      Qué hacer para empaquetar y llevar

      2:02

    • 11.

      Disparos típicos

      1:55

    • 12.

      Qué buscar en un Shot

      2:45

    • 13.

      Considerando la producción

      1:19

    • 14.

      Tiro con propósito

      1:30

    • 15.

      Disparos

      2:03

    • 16.

      Fotografía Flash

      1:42

    • 17.

      Prismas y reflexiones

      1:10

    • 18.

      Elegir tus fotos finales

      1:53

    • 19.

      Recortar

      1:44

    • 20.

      Edición en Lightroom

      11:42

    • 21.

      Editar en tu teléfono

      4:44

    • 22.

      Doble exposición en Photoshop

      5:11

    • 23.

      Creación de carousels de Instagram en Photoshop

      6:51

    • 24.

      Entrega de tus fotos

      1:35

    • 25.

      Reflexiones finales

      1:25

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

290

Estudiantes

8

Proyectos

Acerca de esta clase

¿Quieres empezar como fotógrafo de música en vivo? ¿O tal vez solo necesitas ayuda para elevar tus fotos en gigs?

En esta clase, cubriremos el proceso completo de fotografiar un show en vivo, desde la preproducción hasta la edición y entrega, y exploraremos mis mejores técnicas desde mi propio flujo de trabajo personal que trabaja como fotógrafo de música en vivo.

Esta clase abarcará lo siguiente:

  • Cómo obtener tu pase de prensa
  • Diseñar tu agenda y lista de tiros
  • La mejor configuración de cámara para grabar conciertos de música en vivo
  • Cómo encontrar fotos interesantes
  • Láseres de disparo
  • Cuándo usar la fotografía flash
  • Uso de reflejos para agregar interés a tus fotos
  • El proceso de edición
  • ¡Y mucho más!

¿A quiénes está dirigida esta clase?

Cualquier estudiante de cualquier nivel puede acceder a esta clase! Aunque ha sido diseñado para aquellos con conocimientos previos de fotografía que buscan comenzar a trabajar profesionalmente en la música en vivo, esta clase atenderá tanto a los principiantes como al fotógrafo aficionado casual.

¡Vamos a quedarte atrapado!

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Sophia Carey

Photographer & Designer

Top Teacher

Hi guys, I'm Sophia! I'm a photographer, videographer and graphic designer, specialising mostly in fashion and event photography, and I'm taking to Skillshare to share what I've learned throughout my freelance career so far, including tips on photography, design and creative business skills.

I've been working as a photographer for the past six years, working with clients across fashion, music and lifestyle! I work with both film and digital photography and have been honoured to work with some amazing faces, teams and clients, from global companies such as Vodafone and Red Bull, to amazing individuals like Leigh-Anne Pinnock of Little Mix and Georgia Stanway and Mary Earpes, two Lionesses.

You can find me most of the time over on Instagram and YouTube, so f... Ver perfil completo

Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: Bienvenido a la fotografía de música en vivo 101. Este curso es lo básico de la fotografía con música en vivo tanto si eres un fotógrafo que busca ser profesional como si eres un asistente informal que busca mejorar un poco tomar fotos en conciertos en vivo. Vamos a estar viendo todas las cosas que desearía haberme deletreado al comienzo de mi carrera, desde filmar en lugares con poca luz hasta cómo dar cuenta de tomas interesantes. Mis mejores consejos para la preproducción y por supuesto qué empacar en tu bolsa de fotografía. Mi nombre es Sophia Carey y soy fotógrafa especializada en fotografía de música en vivo. Empecé mi carrera fotografiando pequeños locales y conciertos en mi área local, principalmente en géneros grime y hip hop. Antes de pasar a capturar la escena musical en vivo en el Reino Unido, así como algunos de los festivales más grandes del Reino Unido. He trabajado en una variedad de lugares, desde pequeños clubes hasta grandes espacios para festivales al aire libre. Voy a estar pasando por los mejores consejos que he aprendido en casi una década de trabajar en esta industria. Este curso se dividirá en tres secciones, la preproducción, el proceso de rodaje en sí y luego la posproducción para que podamos cubrir todo, desde antes del evento, durante el evento y después del evento, hasta el proceso de selección, edición y entrega. Al final de este curso, debes sentirte cómodo para entrar en cualquier evento de concierto de música en vivo de cualquier y capturar los momentos que se están desarrollando frente a ti. No voy a decir mucho más. Vamos a atascarnos directamente en soñar la siguiente lección donde vamos a estar discutiendo los proyectos de clase. 2. Proyecto de clase: Gracias por elegir acompañarme en esta clase, todo sobre Fotografía de Música en Vivo. A lo largo de la clase, vamos a tocar todos los elementos del proceso de fotografía de música en vivo, desde la preproducción hasta la posproducción. Para los proyectos de clase, me gustaría que te dirijas a un concierto, ya sea en tu área local o algo un poco más grande, y tomes tres fotos; una que se centre en la multitud, una que se centre en la producción y otra que se centre en el artista. Cuando se trata de producción, eso podría ser cualquier cosa, desde escenografía hasta iluminación, pero entraremos en eso un poco más de detalle más adelante en la clase. Puedes tomar estas tres fotos en la cámara sin espejo más nueva, o puedes tomarlas en un iPhone, o teléfono similar. Lo que uses para tomar las fotos reales no importa. A lo largo de este proceso, vamos a explorar cómo puedes usar una variedad de equipos diferentes para capturar fotografías de música en vivo. Esta clase debería darte una gran idea de cómo clavar estos tres tiros. Vamos a sumergirnos directamente y comencemos con la preproducción. 3. Intro a la preproducción: preproducción es el primer paso natural para cualquier proceso fotográfico. Se refiere a todo el trabajo que haces antes del evento o el rodaje sí que ayuda a que ese proceso vaya de la manera más fluida posible. La preparación como en cualquier sesión de fotos es realmente importante por la naturaleza impredecible de la fotografía, especialmente cuando se trata de eventos. Si puedes prepararte lo más posible para las cosas que puedes controlar, las cosas que no puedes controlar serán un poco más fáciles de manejar. En esta sección de la clase, vamos a estar viendo cómo puedes asegurar tu pase de prensa, tu pase fotográfico, que te permite ingresar al recinto. También vamos a estar hablando sobre el acceso al lugar, qué significa eso, por qué se te podría permitir estar dentro del recinto. Entonces vamos a pasar a entender tu lista de favoritos y tu horario. Creo que en definitiva el proceso de preproducción es el aspecto más importante de cualquier proceso fotográfico. Si consigues la preproducción correcta, todo lo demás la ralentizará en su lugar. En la próxima sesión, vamos a comenzar con el proceso de preproducción y explorar cómo obtener tu pase de fotos y acceder a las tomas dentro del recinto. 4. Conseguir tu pase de foto: Antes de que nos quedemos atrapados en todos los detalles del proceso de preproducción, es importante entender cuándo puede y cuándo no puede llevar una cámara profesional a un lugar. Para aquellos de ustedes que están disparando en su teléfono o pequeños apuntando y disparando de bolsillo, esto a menudo no será un problema. Pero algunos lugares, especialmente los más grandes, no te permiten traer réflex digitales, cámaras sin espejo o cualquier tipo de cámara de aspecto profesional. Por lo general, la regla es que si tiene una lente desmontable o intercambiable, no puedes traerla. Dicho esto, algunos locales pequeños no tienen esta regla y puedes traer tu cámara, pero es importante verificar de antemano. Por lo general, los lugares lo tienen en su página web. Lo tienen todo detallado en cuanto a si se puede o no llevar una cámara a un recinto. Si tienes dudas, entonces siempre puedes acercarte y preguntarles. Para poder acceder a esos lugares más grandes con tu cámara, necesitas obtener lo que llamamos un pase fotográfico o un pase de prensa, que esencialmente es una acreditación que permite que la seguridad y el personal de allí sepan que estás bien para traer una cámara. Cuando se trata de obtener tu pase fotográfico, hay tres formas en las que los fotógrafos suelen tener acceso. sea filmando para una publicación, ya sea una revista o un blog en línea, filmando directamente para los artistas. Podrías ser contratado por los propios artistas, su dirección o su sello. O en tercer lugar, disparar para el promotor o el propio recinto. A menudo es más fácil acceder a través de publicaciones, que es como la mayoría de los fotógrafos obtendrían sus pases de prensa. Pero claro que se puede tratar de llegar a cualquiera de los tres, ya sean publicaciones, artistas, o sedes. Solo asegúrese de incluir su cartera o enlace a su cartera en línea dentro de su correo electrónico. Una vez que hayas asegurado tu pase fotográfico, que te debe confirmar a través de algún tipo de comunicación escrita, es hora de esperar el día del evento. A menos que te hayan pedido que llegues a una hora específica, si estás filmando todo el espectáculo, puede ser una buena idea llegar aproximadamente al mismo tiempo que se abren las puertas. Si es un artista al que estás filmando en particular, entonces tal vez 20 minutos, media hora antes de que ese artista suba al escenario. Cuando llegues al recinto vas a necesitar solicitar la entrada de acreditación. Por lo general, la seguridad será muy útil para dirigirte hacia cualquier puerta o entrada a la que necesites dirigirte. Una vez que estés en la entrada, seguridad básicamente solo verificaría tu nombre con una lista y vería si tu nombre está ahí, te dará el pase correcto que te dará acceso a donde sea que te permita estar como fotógrafo. Una vez que tengas tu pase, si no estás realmente seguro de adónde puedes ir, entonces solo pregunta a seguridad y ellos podrán señalarte en la dirección correcta y hacerte saber dónde puedes acceder y dónde no. Para que tu pase esté asegurado, es hora de dirigirte al recinto y dirigirte hacia el escenario donde estarás filmando. Únete a mí en la siguiente lección donde vamos a estar hablando de todo lo relacionado con el lugar. 5. Explorar el lugar: En esta lección, vamos a estar hablando todas las cosas que necesitas saber sobre un lugar, empezando por el acceso al recinto. Como se mencionó en la última lección, entender qué acceso vas a tener dentro del recinto es realmente importante. Es importante para que sepas dónde vas a estar, dónde puedes estar, y puedas planificar tus tomas en consecuencia. Esto va a ayudar a informar tantas de sus decisiones en el proceso de preproducción, como elegir sus lentes, o qué equipo va a traer. Deberías poder preguntar a quien te haya contratado en cuanto a dónde vas a tener acceso ese día. Como se mencionó en la última lección, si quien te contrató no lo sabe, entonces siempre puedes pedir seguridad el día del evento. Normalmente, vas a tener mayor acceso si vas a filmar para el lugar, o a un artista del que lo harías si estuvieras filmando para publicación. Los diferentes tipos de acceso que quieres tener cuenta son el acceso al escenario, donde podrás estar en el escenario con el artista, acceso a boxes donde te posicionarás en un área que suele estar directamente entre la multitud y el escenario. Frente a la casa, que suele estar hacia la parte trasera del recinto y te da una vista de la multitud y del escenario. Dependiendo del lugar, puede haber otras áreas menos comunes y miradores a los que tenga acceso. Pero estos tres suelen ser los más típicos. Muchos lugares solo te permitirán filmar las tres primeras canciones, especialmente si estás filmando para nuestra publicación y estás en la fosa. Esto significa que vas a necesitar obtener todas tus tomas dentro de las tres primeras canciones de una configuración de artista antes de dispersarte entre la multitud, regresar a casa o ir backstage para comenzar tus ediciones antes del próximo arte. Cuál de esas cosas que hagas dependerá tu tipo de boleto y qué acceso tengas en el lugar. Por ejemplo, si estaba filmando para el lugar, podría ser capaz de regresar al estilo sabio mis ediciones antes de la próxima aplicación. No obstante, si estuviera filmando para la prensa y solo tuviera acceso a ese artista, probablemente regresaría a casa después de esos tres primeros disparos. Además de entender el acceso real que tienes dentro del recinto, me parece muy útil tratar de entender cómo se ve realmente el lugar antes de llegar allí. Si no has estado en un lugar de antemano, una búsqueda rápida en Instagram, o Google debería darte una buena idea de a, el tamaño y tipo de habitaciones que tiene el lugar y b, qué tipo de tomas tal vez puedes esperar que capturen. En la siguiente lección, vamos a sumergirnos en los horarios y listas de tomas para averiguar lo que realmente vas a estar capturando. 6. Horarios y lista de tiros: En esta lección, vamos a estar hablando de horarios y preseleccionados. Además de tener una buena comprensión de un lugar, también es importante entender lo que vas a hacer ese día. Trabajo mucho en la música dance donde tienes muchos actos durante una noche. Podrías tener entre cinco y 10, tal vez más actos a lo largo un periodo determinado para los que estés ahí. Así que tener una buena idea de quién va a estar dónde y a qué hora es realmente importante para que las cosas funcionen sin problemas para ti en la noche y que no te pierdas ningún momento clave. Normalmente compilo toda esta información en un formato que es de fácil acceso para mí. Por ejemplo, podría crear un salvapantallas o una captura de pantalla de mi agenda y tener eso como fondo mi teléfono para que pueda sacar rápidamente mi teléfono, revisar el salvapantallas y saber dónde necesito estar para qué artista. Junto al horario real para los artistas, también es muy útil si puedes intentar acceder a algún tipo de horario para los momentos de producción. Esto podría ser como cualquier gran efecto especial como confeti o piro o grandes efectos de iluminación que la tripulación haya planeado para ti. Obtener acceso a este tipo de información a veces puede ser un poco más complicado que tener acceso a la agenda de un artista. Pero si estás trabajando para un promotor o un lugar, entonces siempre podrías dirigirte al equipo de iluminación, al equipo de sonido o al gerente de producción y preguntarles si tienen un horario que estén dispuestos a compartir contigo. Toda esta información se puede utilizar para garantizar que el proceso sea lo más fluido posible para usted y que no esté estresado acerca de dónde necesita estar y a qué hora. Si no estás filmando profesionalmente y solo te diriges a un concierto con tu teléfono o una cámara de apuntar y disparar, entonces no necesitas preocuparte por todos estos horarios de la misma manera. Sin embargo, puede ser muy útil tratar de encontrar esto en momentos que suelen estar alrededor del recinto en carteles o tal vez en redes sociales. En la siguiente lección vamos a estar viendo configuración de la cámara y cómo sacar el máximo provecho de tu cámara. 7. Ajustes de la cámara: Si recién estás comenzando con la fotografía de música en vivo, puede ser muy importante comprender los conceptos básicos de la toma de fotografías en entornos con poca luz. Lo más importante para acertar es la configuración de tu cámara. Asegúrese de saber cómo ajustar su ISO, su apertura y su velocidad de obturación para diferentes condiciones de iluminación. ISO, velocidad de obturación y apertura conforman lo que denominamos triángulo de exposición. Tres elementos que conforman cualquier fotografía permitiendo equilibrar la cantidad de luz que está depositando. ISO se refiere a la sensibilidad de su sensor o su stock de película. Cuanto mayor sea el número, más sensible será su sensor o película a la luz. Esto significa que permitirá una imagen más brillante, pero la imagen será más granulada que una ISO de un número menor. La velocidad de obturación se refiere a la rapidez o la lentitud con la que se abre y se cierra el obturador. La velocidad de obturación utilizamos unidades de segundos o fracciones de segundos, por ejemplo una es de un segundo, mientras que 1/250 es una 250 de segundo, lo que significa que el obturador está abierto por más tiempo a uno que a 1/250. Cuanto más tiempo esté abierto su obturador, más luz se permitirá que entre en el sensor, iluminando su imagen, pero a cambio, más movimiento se captura. Alternativamente, velocidades de obturación más cortas que menos luz en las imágenes pero capaces de congelar el movimiento. Aperture controla la profundidad de campo en tus fotografías, o en palabras simples, qué tan borroso o cuán nítido es tu fondo. apertura se refiere al orificio en tu lente que deja entrar la luz. Esto lo medimos en números enteros y decimales como 16 o 2.8. Se siente contradictorio pero cuanto menor es el número, mayor es el agujero en tu lente, lo que significa que más luz entra en tus imágenes y hay una profundidad de campo menos profunda. Esto quiere decir que tu fondo será más borroso. Cuanto mayor sea el número, menos luz, pero mayor profundidad de campo, lo que significa que tu fondo será más nítido. Cuando estamos filmando en lugares con poca luz, a menudo es mejor disparar con una apertura amplia como 2.8, pero mantener su velocidad de obturación en una fracción cercana a 1/200 o 1/250, para que no capturemos demasiado desenfoque de movimiento, lo que puede ser complicado ya a los artistas les gusta moverse mucho. En términos de ISO, ajustes interiores a menudo pueden estar bastante poco iluminados, por lo que queremos optar por un ISO más alto. Para mucha buena fotografía, tiendo a usar algún rango entre 1600 y 2500. Pero hasta dónde puedas empujar tu ISO realmente dependerá del tipo de cámara que estés usando y qué tan bien maneja una ISO alta. Cuando estás filmando en lugares con más luz disponible, generalmente puedes permitirte establecer tu ISO en un número menor, reduciendo la cantidad de grano, así como ajustar tu velocidad de obturación a unidades aún más rápidas como 1/800, por ejemplo, y eso reduce aún más la posibilidad de desenfoque de movimiento. Lo que debes recordar acerca de la configuración de tu cámara es que estas tres cosas, tu apertura, tu ISO y tu velocidad de obturación, funcionan al unísono para crear el equilibrio perfecto, la exposición perfecta. Es muy importante comprender completamente cómo estos tres elementos no solo funcionan individualmente, sino también cómo funcionan juntos. La mejor manera que he encontrado para entender completamente cómo funcionan estos elementos es salir y disparar y practicar usando los tres ajustes diferentes. Puedes hacer esto con una cámara o podrías usar tu teléfono con una app como ProCamera, cambiando los diferentes elementos, y viendo en tiempo real cómo eso afecta a la imagen. En la siguiente lección, vamos a estar sumergiéndonos en el equipo de la cámara, y lo que recomendaría a la hora de elegir sus cuerpos de cámara y lentes. 8. Engranaje de cámara: Ahora tenemos una buena comprensión de los escenarios que vamos a estar equilibrando a la hora de filmar música en vivo. Es hora de quedarnos atrapados en lo que en realidad vamos a usar para tomar esas imágenes. Cuando se trata de fotografía con música en vivo, siempre es mejor estar sobrepreparado. Una cosa que siempre recomiendo es tener equipo de respaldo, así que siempre llevo dos cuerpos de cámara y múltiples lentes, además de tarjetas SD de repuesto y baterías de repuesto. ¿Qué otras consideraciones necesitas tomar cuando se trata de tu equipo de cámara? Empecemos hablando del cuerpo de tu cámara. Cuando se trata del cuerpo de la cámara, una de las principales consideraciones será cómo se desempeña con poca luz. Personalmente opto por un sistema sin espejo que funcione notoriamente bien con poca luz. Esto significa que puedo empujar mi cámara a ISO mucho más altos de lo que podría, lo contrario, utilizo tanto la Sony A7 IV como la Sony A7 III. Otras marcas de cámaras, como Nikon y la gama mirrorless Canons en particular, también son excelentes para rendir con poca luz, por lo que son excelentes opciones. Otra cosa que me gusta considerar es si mi cámara tiene o no más de una ranura para una tarjeta SD. Me parece que tener una cámara que tenga dos ranuras, lo que significa que puedes hacer una copia de seguridad en una de tus tarjetas es realmente útil porque no sabes lo que va a pasar. Si una tarjeta iba a funcionar mal y tuvieras que perder todas tus fotos, entonces al menos tienes todo copia de seguridad en tu segunda tarjeta SD. personalmente me gusta tener dos cuerpos de cámara conmigo para tranquilidad de verdad, y sobre todo porque si hubo un problema con uno de ellos, entonces tengo una copia de seguridad para usar. Pero también puede ser muy útil tener diferentes lentes en diferentes cámaras, lo que significa que no vas a tener cambiar lentes de rendimiento medio. Sin embargo, durante mucho tiempo disparé con un solo cuerpo, así que no te preocupes si no puedes chapotear ahora mismo y permitirte dos, tener uno es una excelente manera de empezar. A continuación, hablemos de lentes. En la siguiente lección, vamos a hablar más específicamente sobre las distancias focales, lo que eso significa y cómo elegir qué distancias focales vas a usar. Pero ahora mismo estamos hablando de los propios lentes. Entonces yo, las consideraciones están realmente reducidas a dos factores. En primer lugar, una lente que tenga una amplia apertura que me permita dejar entrar mucha luz en la imagen, y en segundo lugar, una lente que tenga enfoque automático. No quiero preocuparme enfoque manual cuando se trata de música en vivo. Es un entorno realmente acelerado, y tener que preocuparme por enfocar manualmente cada toma es algo que para mí no funcionaría dentro de mi flujo de trabajo. Cuando se trata de una apertura amplia, por supuesto, es genial tener una lente que deje entrar mucha luz. Cuando trabajamos en entornos con poca luz, eso no es realmente una preocupación y podemos bajar nuestra apertura en lugar de comprometer la velocidad de obturación o hacer una imagen muy granulada. Aparte de estos dos factores principales, otra consideración sería si usas o no una lente prime o una lente zoom. Una lente principal es esencialmente una lente que no hace zoom, es una distancia focal fija. Traté de disparar con una lente prime en una cámara y una lente zoom en la otra cámara. Esto se debe a que los lentes principales a menudo se detienen a una apertura más amplia, lo que significa que puedes dejar entrar más luz. Pero por supuesto con los lentes zoom, tienes un poco más de flexibilidad, puedes disparar a diferentes distancias focales, y así tener ambos contigo en todo momento es una excelente manera de encontrar un gran equilibrio entre dejar entrar mucha luz en tus imágenes y no tener que comprometer tu distancia focal. En la siguiente lección, vamos a estar profundizando en el tema de las lentes, hablando todo sobre distancias focales. 9. Elegir tus Lenghts focales: Ahora que tenemos una comprensión clara de la configuración de la cámara y equipo de la cámara, hablemos de la distancia focal. distancia focal determina el ángulo de visión capturado por la lente con distancias focales más cortas lo que resulta en ángulos de visión más amplios, y distancias focales más largas que dan como resultado ángulos de visión estrechos. También afecta la cantidad de la imagen que se magnifica con distancias focales más largas produciendo mayor aumento. Diferentes lentes tienen diferentes distancias focales. Los lentes Prime, como mencioné en la última lección se fijan a una distancia focal. Por ejemplo, una prima de 35 milímetros se fija a una distancia focal de 35 milímetros. Los lentes zoom por otro lado, tienen la opción de moverse entre un rango de diferentes distancias focales. Por ejemplo, un 24 milímetros a un 70 milímetros tiene un rango de 24-70, lo que significa que puede tener cualquier distancia focal dentro de ese rango. A la hora de elegir tus distancias focales, hay ciertas consideraciones. En primer lugar, su punto de vista. ¿De dónde vas a disparar? ¿Estarás en la fosa bastante cerca del artista, o vas a estar justo en la parte de atrás, frente a casa Por ejemplo, si estás disparando desde lejos, es posible que necesites una distancia focal que te permita acercarte más a la acción. Para locales más pequeños, algo así como un 24-70 es una lente perfecta para estos escenarios. Entonces para más grandes que sedes, tal vez algo así como un 70-200 milímetros. Otra consideración es la cantidad de personas que hay en el escenario. Si hay varias personas dentro una banda o un DJ Collective, entonces es posible que desee optar por una distancia focal más amplia solo para asegurarse de que todos puedan estar en la toma a la vez. Para una gira reciente que filmé con cuatro DJs de forma consecutiva, opté por una lente de 18 milímetros, lo que me ayudó a asegurar que todos los DJs fueran capaces de encajar en las tomas, incluso cuando estaba filmando a distancias cercanas silenciosas en espacios bastante cercanos. En tercer lugar, ¿en qué tipo de disparos te vas a enfocar? Si te estás enfocando en tomas de público, entonces algo así como una lente ancha, una distancia focal amplia te va a ayudar aquí. personal, me gusta cualquier cosa desde un 18 milímetros hasta un 35 milímetros para tomas multitudes. Pero a algunas personas les gusta ir aún más amplias, tal vez disparando con lentes ojo de pez para tomas multitudes. En la siguiente lección, vamos a estar viendo otros equipos, cosas que no son tus cámaras, cosas que no son tus lentes, y lo que podrías necesitar llevar contigo para filmar un trabajo en vivo que no esté orientado a la cámara. 10. Qué hacer para empaquetar y llevar: En esta lección, vamos a tocar equipos que quizás quieras usar o quizás quieras llevar contigo que no sean equipos de cámara. Empecemos con las cosas que quieres ponerte y la etiqueta común a y la etiqueta común hora de filmar música en vivo. Para la mayoría de los eventos en particular con música, vas a querer vestir todo de negro. este escenario lo llamamos negro, lo que esencialmente asegura que te mezclarás con la multitud, te mezcles con el escenario, y no estás sobresaliendo no solo para no distraer a la multitud de la actuación sino también para que no estés en otros fotógrafos y camarógrafos por tomas como una figura realmente intrusiva, brillante o donde sea. Yo personalmente traté de usar muchos artículos o ropa que tengan bolsillos para espacio para tarjetas SD adicionales, baterías, incluso lentes si me las puedo meter. También es útil para que pongas capas a tus atuendos. Algunos lugares son muy calurosos y algunos lugares son muy fríos. Tener capas que puedas quitar fácilmente o agregar fácilmente también es una gran consideración. Probablemente lo más importante a la hora de qué ponerse son tus tapones para los oídos. Aparte de tu equipo de cámara, tener tapones para los oídos contigo es probablemente lo más importante que vas a necesitar recordar para llevar por la noche. Pero si te olvidas normalmente puedes conseguir tapones para los oídos de repuesto en la mayoría de los lugares, si solo preguntas a la estrella del bar. Proteger tus oídos en locales de música en vivo, especialmente cuando vas a estar pasando tanto tiempo, tan cerca de los oradores es realmente importante para que no afecte tu salud a largo plazo, tu audición. También me gusta usar una bolsa pequeña que recorra mi cuerpo, es decir, puedo volver a llenarla con tarjetas SD de repuesto, baterías, pañuelos, paños para lentes, toallitas para lentes, cualquier cosa a la que pueda necesitar acceder muy rápido. A veces incluso encontrarás una pistola flash o un prisma dentro de esta bolsa dependiendo del tamaño de la bolsa que esté usando, voy a estar tocando tanto pistolas flash como prismas más adelante en esta clase. Cuantos más programas grabes, más te acostumbrarás a lo que necesitas, a lo que funciona bien dentro de tu flujo de trabajo. Pero estas son algunas grandes consideraciones con las que empezar. En la siguiente lección, vamos a estar viendo las tomas típicas que debes considerar en un concierto en vivo. 11. Disparos típicos: Cuando se trata de qué tipo de fotos tomar durante un espectáculo, me gusta categorizar esto en cuatro categorías. En primer lugar, tomas de artistas, en segundo lugar , tomas de producción, luego tomas multitudes y tiros de héroes. En esta lección, vamos a estar hablando de cada una de estas categorías y de cómo se ven. Empecemos con tomas de artistas, probablemente la más autoexplicativa de las cuatro categorías. Las tomas de artista se refieren a las fotos que obtienes de una banda o DJ o músico. Estas podrían ser tomas anchas que engloban toda la banda o a todo el grupo de DJs o podrían ser tomas más recortadas que solo se enfocan en un miembro o si solo hay un artista, luego un detalle específico o un tiro medio, algo cercano del artista. A continuación tenemos tomas de producción. Las tomas de producción se refieren a las tomas de la producción visual. Esto podría ser cualquier cosa, desde escenografía hasta efectos especiales como confeti o piro. Estos disparos suelen ser más efectivos cuando los disparas desde un ángulo más amplio, abarcando la inmensidad de estas piezas de producción. La tercera categoría son las multitudes. Nuevamente, muy similar a las tomas de artistas en que es bastante autoexplicativo. Las tomas multitudes son fotos de la multitud y suelen venir en dos formas; una es tomas más amplias que abarcan la inmensidad y la escala del evento, y en segundo lugar, tomas que afinan en individuos o grupos de individuos dentro de la multitud. Por último, tenemos tiros de héroe. Los tiros de héroe son los disparos en los que me gusta pensar como el último disparo. Abarca un poco de las otras tres categorías. Tienes al artista en el escenario, tienes a la multitud, y tienes momentos de producción. Estas son a menudo tomas desde ángulos amplios tal vez frente a la casa mirando hacia la multitud hacia el escenario o desde un punto de vista más alto. En la siguiente lección, vamos a discutir qué buscar en cada una de estas tomas y cómo conocer tus tomas dentro de estas cuatro categorías. 12. Qué buscar en un Shot: En esta lección, vamos a estar hablando de qué buscar en una toma para cada una de las cuatro categorías descritas en la última lección. En primer lugar, hablemos de tomas de artistas. Para las tomas de artistas hay dos cosas que realmente quieres considerar o a las que prestar atención. Participación e interacción siendo las primeras. Esto significa cualquier toma en la que el artista o un músico interactúa con otras personas en el escenario, ya sea un amigo o un compañero músico, o cualquier cosa en la que interactúen con la multitud. En segundo lugar, movimiento interesante. Cualquier cosa en la que el artista se mueva una manera interesante o fuerte y llamativa, esto puede hacer una gran toma. Para las tomas de producción, es importante poder predecir cuándo van a suceder los momentos de producción. Por supuesto, se puede hablar con la gente de antemano, obtener un horario de cuándo se pretende que ocurra cierta producción, pero no siempre se puede predecir el segundo exacto en que van a suceder estas. Vas a necesitar mantener un ojo en el aire para cuando creas que es probable que ocurran momentos de producción, y hay algunas formas en las que puedes hacer esto. Una forma de hacerlo es familiarizándose con la música de un artista o la lista de canciones. Esto no siempre es posible, pero cuando lo es, puede ser muy útil tratar de predecir cuándo va a ser la mayor parte de una canción o una lista de canciones. Estas partes más grandes de canciones y listas de sets tienden a ser los momentos en los que la producción lanza esos efectos especiales. Vas a tener las tomas de confeti en la canción más grande de la lista de sets. En segundo lugar, se puede escuchar la música e intentar elaborar el ritmo de la música y escuchar el ritmo ya que estos son momentos clave en los que podrían lanzar efectos especiales o cambiar de escritura, por ejemplo. En tercer lugar, y este es un poco tramposo, es vigilar a quien esté haciendo los efectos especiales. A menudo podrás saber cuándo van a presionar un botón o tirar de la palanca y puedes usar esta guía mirándolos de vez en cuando para averiguar cuándo van a soltar los efectos especiales. Siempre y cuando tengas tu tiro listo, tienes todo listo para funcionar, puedes seguir viéndolos y en cuanto vayan a presionar el botón o tirar de una palanca, estás listo para tomar ese tiro. Las tomas de la multitud tomo un enfoque similar a las tomas de artistas. Buscando cualquier interacción ya sea con otros miembros del público o con los propios artistas en el escenario. También busco gente que parece estar disfrutando realmente de la música ya que estas son las tomas que tu cliente realmente va a querer poder ver. Personalmente prefiero un enfoque más franco a la fotografía multitudinaria. Prefiriendo cortos donde el público no me esté mirando y tal vez no esté consciente de que me estoy tomando una foto. Pero esto es definitivamente algo de preferencia personal. Algunas personas prefieren la fotografía multitudinaria más posada, y definitivamente es un momento y un lugar para ambos. El héroe dispara. Quieres considerar un poco de las tres categorías y tirarlo a una. En la siguiente lección, vamos a estar hablando salida y por qué es importante tener en cuenta eso. 13. Considerando la producción: En esta lección, vamos a estar discutiendo la salida de tus fotos, dónde terminarían y cómo afecta eso al proceso de disparo. Este es posiblemente uno de los aspectos más simples pero importantes de cualquier trabajo fotográfico. Pero cuando estás filmando por ti mismo, ¿ qué consideraciones necesitas tomar realmente cuando estás tomando una foto? Puede ser muy útil entender dónde vas a poner estas fotos. ¿Son para redes sociales o los vas a imprimir para eso la pared de tu recámara? Entender dónde van a terminar tus imágenes te ayudará a la hora de nombrar la composición de tu imagen. ¿Necesitas componerlo en orientación vertical o en orientación horizontal? Cuando se trata de trabajar para un cliente, esto a menudo se dictará dentro del brief, pero donde no es, es una buena idea obtener una variedad de composiciones diferentes y diferentes composiciones para diferentes relaciones de aspecto por si acaso. Por ejemplo, las fotos que podrían ser necesarias para la web o las vallas publicitarias tienden a ser filmadas en orientación horizontal. Sin embargo, las fotos para redes sociales suelen ser cortas en orientación vertical. Para avanzar en esto, cuando se trata de redes sociales, a menudo tienes dos relaciones de aspecto a considerar, 9*16 para historias de Instagram o portadas reales, y 4*5 para publicación de cuadrícula de Instagram. Esto puede ser algo a considerar a la hora componer tu imagen y pensar en lo que impactará el cultivo. En la siguiente lección, vamos a discutir la idea de disparar con propósito y cómo asegurarnos de que cubras todo lo que necesitas. 14. Tiro con propósito: En esta lección vamos a estar discutiendo cómo disparar con propósito. Disparar con propósito es importante para asegurarte de encontrar ese equilibrio entre conseguir todo lo que necesitas capturar, pero no sobrepasar. En primer lugar, no se limite a rociar y orar. Este término se refiere a disparar sin rumbo y solo esperar que obtengas algo bueno de lo que has capturado. En cambio, trata de que lo que estás filmando sea un poco más considerado. Piensa en lo que hemos comentado en lecciones anteriores, como qué buscar en un corto o la salida. Otra buena manera de asegurar que tu trabajo sea considerado es pensar en la marca del artista o tu cliente. ¿Puedes encontrar la manera de incorporar su marca personal y su identidad visual dentro de tu trabajo? Esta es una gran parte de filmar música en vivo. La forma en que disparas a los raperos probablemente va a ser diferente a la forma en que disparas a un cantante folclórico. Asegurarse de que estás capturando suficientes fotos puede ser algo que es un poco complicado de juzgar. Cómo trato de hacer esto es asegurarme de que tengo al menos tres tiros sólidos para cada ítem en mi lista de tomas. De esta manera sé que definitivamente tengo suficiente para entregar al cliente. Una vez que tengo ahora la lista de tomas, puedo usar el resto del tiempo restante para ser creativo, probar técnicas que no he probado antes, o cosas que no están en la lista de tomas pero quiero probar de todos modos. Entender cómo disparar con propósito y ser más considerado en tu enfoque es realmente importante para asegurar que obtienes todo lo que necesitas para obtener, pero entonces no terminas con miles de imágenes que probablemente no van a hacer el corte al final. En la siguiente lección vamos a estar hablando sobre cómo disparar láseres en un concierto, y lo que podrías necesitar considerar. 15. Disparos: Los láseres son un firme favorito para los grandes espectáculos, especialmente cuando se trata de géneros como la música dance, pero capturarlos de manera efectiva y segura puede ser bastante difícil. En esta lección, voy a esbozar algunas de las cosas que he aprendido en los años que he pasado filmando programas que incluyen láseres. Primero, vas a querer estar al tanto de que los láseres pueden causar daños a los sensores de tu cámara. Esto sucede si el láser golpea el sensor de la cámara directamente, así que vas a querer intentar evitar cualquier tipo de láser entre directamente en tu lente. Agradecidamente, la mayoría de los láseres están montados en un escenario apuntando por encima de la multitud. Entonces, si puedes mantenerte al nivel de la multitud, en su mayoría vas a estar a salvo de esto. También debes considerar que cuanto más tiempo el láser golpee tu sensor, más daño va a crear. Si estás disparando con velocidades de obturación muy lentas, entonces el daño va a ser mayor que si disparas a una velocidad de obturación más rápida. Eso me lleva muy bien a la velocidad de obturación y a cómo ajustar su velocidad de obturación cuando está disparando láseres. Descubrí que trabajar con velocidades de obturación más lentas es mucho más efectivo que disparar con velocidades de obturación más altas. Por supuesto, no quieres que sea demasiado lento para minimizar el daño láser, pero sí quieres encontrar un punto en algún lugar entre tal vez 1/15 y 1/100, ya que descubrí que este tipo de rango suele generar las mejores imágenes para capturar láseres. Experimente con diferentes velocidades de obturación mientras trabaja para tratar encontrar ese punto óptimo, ya que diferentes láseres se disparan a diferentes velocidades y, por lo tanto, no hay una talla única para todos para la velocidad de obturación cuando se trata de láseres. Sin embargo, si disparas láseres a una velocidad de obturación demasiado alta, encontrarás que la pantalla láser podría parecer débil ya que la cámara no capturará todos los láseres. Lo que significa que podrías terminar con una foto de un solo láser capturada en lugar de una matriz de 20 a través de la imagen. Cuando se trata de disparar láseres, me gusta ofrecer una toma amplia, generalmente filmada desde la multitud o frente a casa enfocándose en grandes multitudes en un intento de enfocándose en grandes multitudes en un intento perder cualquier desenfoque de movimiento gracias a la velocidad de obturación lenta en lugar de enfocarse directamente en el artista que va a estar moviéndose mucho. En la siguiente lección, vamos a discutir la fotografía flash y cuándo es apropiado usarla durante la música en vivo. 16. Fotografía Flash: En esta lección, vamos a tocar el tema de la fotografía flash. Cuándo es apropiado usarlo y cómo lo usas cuando eres capaz de hacerlo? Dentro de la mayoría de la música en vivo, no es realmente costumbre usar flash. No obstante, puede haber algunas excepciones a esta regla, y esto suele depender del artista y del lugar y de las reglas que tengan. En mi experiencia, para algunos locales y artistas más pequeños, ha estado bien para mí usar flash. Cuando lo he usado lo he usado de una manera de luz directa, lo que esencialmente significa que estás dirigiendo el flash directamente a tu sujeto y creando una luz bastante dura. Alternativamente, también puedes hacer rebotar tu flash, lo que implica disparar el flash, digamos en un techo y hacer rebotar la luz del techo hacia abajo en tu sujeto. El caso es que esto suele funcionar mejor cuando hay un techo blanco del que puedes rebotarlo. La mayoría de los locales tienen techos oscuros o techos muy altos. Si vas a usar flash, probablemente sea mejor usar una forma directa de flash, pero para reiterar, en realidad no es tan común que realmente puedas usar flash dentro de la fotografía musical. La mayoría de las veces, se espera uses la luz disponible, que uses la luz disponible, ya sea luz natural en diferentes lugares al aire libre o los strops que tienen específicamente para ese lugar. Otros casos en los que el flash podría ser apropiado es si estás filmando contenido entre bastidores detrás de escena con el artista y estás lejos del escenario. En estas instancias, rebotar tu flash o usar flash directo sería apropiado y solo dependería tu preferencia personal y del estilo al que quieras ir. En la siguiente lección, vamos a discutir el rodaje con prismas y reflexiones y cómo podrías querer hacer esto. 17. Prismas y reflexiones: Usar prismas y reflejos en tus fotos es una excelente manera de agregar un elemento creativo adicional y hay algunas formas de hacerlo. presunciones son esencialmente piezas de vidrio que vienen en diferentes formas y tamaños que puedes usar, o adjuntar a tu lente si estás usando un filtro presumir. Solían distorsionar tu imagen, o para crear interesantes reflexiones dentro de tus fotos. Si no tienes prisma, me gusta usar mi teléfono como superficie reflectante en su lugar. Esencialmente solo necesitas poner el lado reflectante de tu teléfono debajo tu lente y eso reflejará una imagen en tus fotos. Diferentes tipos de prisiones pueden tener diferentes efectos. Puede ser divertido experimentar con las diferentes formas y los diferentes tamaños y encontrar las que más te gustaría usar. Un consejo superior para trabajar con reflejos es considerar realmente lo que se está reflejando en la imagen. Por ejemplo, no quieres que el escritorio de sonido, o tú mismo reflejado en la imagen. En cambio, quieres enfocarte en reflejar cosas como momentos de producción, iluminar tus fotos. En la siguiente lección, vamos a sumergirnos en el proceso de postproducción, platicando sobre cómo elegir tus fotos finales para la entrega. 18. Elegir tus fotos finales: Crear tus últimos slacks o llamar como también se le conoce comúnmente, es un aspecto importante del proceso de postproducción. En esta lección voy a estar hablando de dos de mis formas favoritas de reducir las fotos a mis selecciones finales. El primer método de llamada es llamar en cámara. Esto se puede hacer en el rodaje o tal vez de camino a casa después de una sesión antes de entrar en el proceso de edición real. La forma en que prefiero hacer esto es escribir mis imágenes con una calificación de estrellas en cámara. Muchas veces durante el proceso de rodaje, tomarás una foto y sabrás que esa foto es una de las fotos que voy a entregar al final. Es una de las mejores fotos que he tomado esta noche. Estas calificaciones de estrellas se guardan en los metadatos de las fotos, modo que cuando las importas algo como Adobe Lightroom, una pieza de catalogación y software de edición que vamos a estar viendo en una próxima lección. Las calificaciones de estrellas permanecen, lo que facilita la identificación instantánea de sus fotos favoritas de la noche. Cuando se trata de disparar en tu teléfono, puedes usar herramientas similares para hacer frente durante el proceso de disparo. Por ejemplo, los iPhones tienen esta opción donde puedes favorecer una imagen una vez que la hayas tomado, y esto simplemente envía esa imagen a otra carpeta a la que podrás acceder en una fecha posterior. A continuación, hablemos de llamar en Adobe Lightroom. Hay muchas formas diferentes a las que puedes llamar en Lightroom y decidir qué método es el mejor para ti suele ser una cuestión de preferencia personal. A mi, las principales formas a las que me gusta llamar es usar el sistema de estrellas donde puedes escribir una imagen 1-5, o bien usar las opciones de flagging o quick collection. Cada una de estas tres opciones son efectivamente una y la misma. En esencia, cada uno te ayuda a separar tus selecciones del resto de las fotos que has tomado. Juega y ve qué sistema es más fácil para ti y cuál es el mejor dentro de tu flujo de trabajo. En la siguiente lección, vamos a saltar al proceso de edición, comenzando por recortar tus composiciones. 19. Recortar: Si bien es definitivamente más fácil y efectivo obtener tus composiciones bien en la cámara, esto no siempre sucede, por lo que usar el recorte como herramienta para arreglar y editar tus fotos es una idea realmente poderosa. En esta lección, vamos a estar viendo algunos de los mejores consejos a considerar a hora de recortar tus fotos. En cuanto a equipamiento, a la hora de recortar, podrías usar cualquier cosa, desde la app de fotos en tu teléfono hasta un software como Adobe Photoshop. El equipo que usas para esto en realidad no importa, es solo lo que haces con el cultivo. En primer lugar, piense de nuevo en la salida, por ejemplo, ¿ es necesario recortar estas fotos en unas relaciones de aspecto específicas como 1*1, 9*16, 4*5. Esto te instruirá en cuanto a qué relación de aspecto deben recortarse las fotos. Y luego puede considerar recortar por una variedad de razones diferentes , incluido el recorte para crear un punto focal. El recorte es una herramienta poderosa y el recorte crea un punto focal puede ser una excelente manera de utilizarlo. Esto significa diseñar el recorte de tu foto para llamar la atención sobre un área específica o parte de la foto. Una forma muy común de recortar para crear un punto focal, es posicionar su punto focal en el centro de su imagen. Otra excelente manera de utilizar el cultivo es recortar cosas fuera de marco. mucho que la creación de imágenes se trate de lo que incluyes en el marco, también se trata de lo que emites. Recortar distracciones o elementos que no sirvan a tu composición o narrativa pueden ser una forma útil de usar las herramientas de recorte. Ahora, que hemos cubierto los conceptos básicos del recorte, posiblemente la herramienta más importante y poderosa hora de editar imágenes, vamos a profundizar en algún software específico que puede usar dentro de su proceso de edición, comenzando con Adobe Lightroom. Únete a mí en la siguiente lección, mientras saltamos a Adobe Lightroom y algunas de las características clave a la hora de editar imágenes. Siguiente lección. 20. Edición en Lightroom: Adobe Lightroom es mi software de edición favorito personal, perfecto para la gradación de color así como catalogar todas tus fotos. Puedes acceder a Lightroom usando una suscripción de Adobe que permite descuentos para estudiantes pero si no quieres comprar una suscripción, las opciones de edición que tiene Lightroom son opciones comunes montón de software de edición diferente. Este tutorial te dará una buena idea de lo que hace cada una de las opciones y cómo afectan a una imagen. Lightroom también ofrece una aplicación móvil gratuita que nos meteremos un poco más en otra lección disponible tanto para móviles como para tabletas que no requieren suscripción ni pago alguno, ofrecen muchas de las mismas capacidades de edición que la barra de escritorio. En esta lección estaré usando la versión clásica de Adobe Lightroom en mi Macbook. Creo que este es un 2015 pero puedes usarlo en Mac o Windows. Vamos a sumergirnos en algunas de mis opciones favoritas. Bienvenido a Adobe Lightroom, este es nuestro espacio de trabajo para esta lección. Adobe Lightroom es esencialmente una herramienta de edición y catalogación de fotos, por lo que puede importar sus fotos a Lightroom, puede editar sus fotos en Lightroom y luego puede exportarlas desde Lightroom. En esta lección vamos a estar saltando a algunas de mis herramientas favoritas o a algunas de las herramientas más poderosas que Lightroom tiene para ofrecer y vamos a comenzar con la temperatura. La temperatura es una herramienta realmente simple y realmente efectiva que puedes usar para transformar realmente tu imagen. Para mostrarte un ejemplo de esto tengo esta imagen que filmé hace unos meses y solo vamos a editarla usando solo temperatura y ver qué le hace eso a la imagen. Como puedes ver por aquí en el lado derecho, puedes ver la temperatura y los deslizadores de tinte. Solo un prefacio estamos en la pestaña Desarrollar, así que si estás en tu pestaña Biblioteca necesitas cambiar a tu pestaña Desarrollar para poder editar tus imágenes. Pero volvamos a los deslizadores. Esta sección aquí es lo que llamamos balance de blancos y que esencialmente cambia la temperatura y tinte de los colores en tu imagen. Como puedes ver, Lightroom ha hecho que sea muy fácil para ti identificar lo que realmente hacen estas herramientas, así que puedes ver aquí la temperatura hará que tu imagen sea más cálida yendo hacia un tono amarillo o más fría yendo hacia tonos más azules y luego el tinte por otro lado controlará tu magenta como tus rosas, morados, y tus verdes. Solo vamos a jugar con el bit de temperatura para empezar y ver lo que realmente le hace a una imagen. Enseguida, esta imagen es una imagen bastante fría que se basa en la iluminación de la imagen. A medida que cambiamos la temperatura se puede ver que no sólo cambia la temperatura sino en realidad también cambia la luminosidad de la imagen. Así se puede ver a medida que voy más caliente pierde un poco de su luminancia, un poco de su brillo. Pero a medida que voy más frío, introduce mucho más brillo en la imagen. Nuevamente, podemos hacer lo mismo en el tinte. Si vas hacia el verde va a hacer esa imagen un poco más oscura, pero a medida que vamos hacia el rosa la va iluminando. La idea aquí es encontrar realmente un buen equilibrio no solo en el color sino en lo brillante que quieres que sea tu imagen. Para mí voy a ir por algo en los tonos medios aquí. Si en realidad no te gustan los colores azules ahí es donde van a entrar en juego otras herramientas en Lightroom, así que vamos a quedarnos en este lado derecho y dejarme cerrar con estos. Vamos a entrar en esta sección aquí que es tu sección de gradación de color. La gradación de color esencialmente le permite agregar colores a sus tonos medios, sus sombras y sus reflejos, lo que cambiará el equilibrio de cómo se ven los colores. Tienes estas pequeñas esferas y esto determinará qué color estás agregando a qué parte de tu imagen. Si empezamos con reflejos, ya ves puedo agregar un verde realmente vibrante a los reflejos de la imagen. Al ir hacia el centro va a duplicar ese green hacia abajo, todavía va a estar ahí pero no va a estar saturado. Cuando se trata de gradación de color, por lo general me gusta usar colores complementarios o colores contrastantes. Entonces esto significa elegir colores que estén opuestos entre sí en tu rueda de colores. Ya que estamos poniendo este amarillo verdoso en los reflejos, entremos en tus sombras y veamos qué podemos hacer con esto más o menos opuesto y cómo eso cambia la imagen. Verás que la mayor parte de esta imagen son en realidad sombras. A medida que voy dando vueltas, lo que sea que esté agregando a las sombras realmente está afectando a la mayor parte de esta imagen. Voy a añadir algo más o menos por aquí en la sección morada. Está frente a nuestro verde y amarillo, por lo que es complementario, sí funciona bien con este tono aquí, pero solo agrega un poco más de contraste lejos del azul principal de la imagen. Cuando lleguemos a los tonos medios, de nuevo, voy a querer entrar con algo similar a los reflejos solo para crear un poco más de contraste. También puedes cambiar el brillo aquí de estas secciones usando estos deslizadores. Si le echamos un vistazo sin los reflejos, sin las sombras, y sin los tonos medios, hemos agregado un poco de contraste aquí agregando algunos colores más brillantes a los reflejos, colores más oscuros a las sombras. Entonces si no estamos 100 por ciento seguros con ello podemos volver a lo básico y volver a jugar con nuestra temperatura. Para mí, estoy bastante contento con esta imagen todo azul pero otra forma en la que podrías cambiar esto es abriendo tu sección HSL. HSL se refiere al tono, saturación y luminancia. matiz es el color, piensa en el matiz como el color de tu imagen. Tienes rojo aquí en un deslizador de un rojo meñique a un rojo anaranjado. Esto va a cambiar todos los rojos de tu imagen, no hay muchos rojos que mostrarte. Vayamos más abajo en un azul porque tenemos mucho blues en esta imagen. Si quisiera hacerla más morada la arrastraría de esta manera. Si yo quisiera hacerlo más verde lo arrastras así. Tu saturación es lo saturados que están esos tonos, así podemos ver si arrastro esto hacia abajo va a sacar la saturación del azul, si lo arrastro hacia arriba va a aumentarlo. Tu luminancia es tu brillo o tu ligereza, así que sacar esto a colación va a aligerar mis azules, bajarlo los va a oscurecer. Puedes jugar con los deslizadores HSL para obtener realmente el color que deseas pero saltemos a otra imagen para ver cómo usaríamos las herramientas similares. Esta imagen aquí es bastante oscura, así que vamos a empezar con tu temperatura moviendo eso y viendo dónde la queremos. Esta vez voy a hacer que sea un poco más cálido. Agrega un poco de rosa y luego también voy a aumentar la exposición solo para iluminar la imagen. Estas secciones aquí, tus sombras, tus reflejos también te ayudarán a cambiar tu exposición y crear diferentes niveles de contraste. Vamos a saltar a nuestro tono dividido, nuestra gradación de color de nuevo. Si agregamos un verde a los tonos medios y tal vez algo un poco parecido, vamos por un azul o verde en esos reflejos y luego en las sombras pongamos algo en que sea un poco opuesto, tal vez como un rosa o un rojo. Ahora vamos. Podemos volver a saltar a estos deslizadores HSL si quieres ajustar aún más los colores. Otra cosa que puedes hacer es que si realmente no sabes qué color estás tratando de identificar es que puedes hacer clic en este pequeño botón, hacer clic en él y luego te acercas al color que quieras. Digamos que queremos este color aquí, haga clic y luego arrastre hacia arriba y hacia abajo y arrastrará cualquier color que Lightroom detecte que sea. Otra vez, podrías hacerlo aquí abajo en el blues. Ves que está cambiando el azul y el morado porque esos son los tonos que está detectando dentro del color que hemos seleccionado. Entonces abramos una escena más grande. De nuevo, realmente puedes ver cómo va a cambiar tu temperatura, el estado de ánimo y la vibra de una imagen. Se trata de jugar y experimentar realmente y encontrar una manera que disfrutes usando colores. Algo que también puedes hacer en Lightroom es crear máscaras y máscaras esencialmente seleccionar ciertas partes de tu imagen y solo afectar a las partes seleccionadas dentro de la máscara para tus ediciones. Hay diferentes formas en las que puedes hacer esto, puedes dibujar tu máscara con la herramienta pincel o estas son mis favoritas, podrías usar el degradado lineal o el degradado radial. Entonces, por ejemplo, si quisiera iluminar esta sección de la imagen hacia arriba usaría un degradado lineal y simplemente crearía una máscara que afecte eso. Se puede ver que esta sección roja es la máscara, puedo cambiar el color de la superposición, si quiero decir tal vez algo, no sé como un amarillo realmente brillante, así se puede ver. Esto es lo que la máscara. También puede desactivar la superposición para que pueda ver cómo se ve realmente la imagen. Entonces lo que va a hacer es que va a crear esta pequeña sección aquí cual te permite hacer ajustes solo a esta máscara. Puedo usar la herramienta Exposición y puedes ver que no está afectando a toda esta imagen, solo está afectando a esta sección dentro de la máscara. Otra cosa que podemos hacer en Lightroom es que podemos copiar y pegar ediciones. Digamos que la configuración de iluminación era exactamente la misma entre esta foto y otra foto y quería tomar las ediciones que he tomado en esta foto y ponerlas otra foto para mayor velocidad o facilidad o consistencia, puedes copiar y pegar tus ediciones. Aquí abajo puedes hacer clic en Copiar o Comando C si estás usando una Mac o Control C si estás usando Windows. Puedes seleccionar todas las diferentes cosas que quieras copiar, para incluso puedas copiar tu máscara, podrías copiar tu recorte. Para mí no tiendo a hacer eso porque las composiciones de diferentes imágenes son diferentes, así que las cosas que tiendo a copiar son tu staff básico, tus colores, y press copy y luego podemos entrar en otra imagen. Esta imagen en realidad no es la misma configuración de iluminación pero pretendamos que lo es y puedes pegar y puedes ver que ahora esa edición ha entrado en esta imagen. En mi opinión estas son algunas de las herramientas más potentes de Lightroom. Tienes tus deslizadores de color HSL, tienes tu sección de gradación de color, luego tu balance de blancos con los bits de eso en la sección básica Lightroom que afecta tu exposición, y luego, por supuesto, tienes tu enmascaramiento. Todas estas son herramientas realmente geniales, herramientas realmente poderosas que todas pueden ayudarte mucho a la hora de editar tus fotos. Lightroom es una gran herramienta para editar y organizar tu fotografía musical de vida y definitivamente te recomiendo usarla si buscas ir profesional con tu fotografía musical. Para aquellos de ustedes que estén más interesados en la fotografía casual, lo casual bueno adelante, y simplemente tomando fotos en eventos de música en vivo, únanse a mí en la siguiente lección donde estaremos editando en mi iPhone usando una mezcla de dos aplicaciones gratuitas diferentes que puedes usar. 21. Editar en tu teléfono: En esta lección vamos a estar viendo dos aplicaciones diferentes que puedes usar en tu teléfono para editar fotos. En primer lugar, comencemos con VSCO o VSCO. VSCO es uno de mis favoritos. Es una aplicación que no solo te ofrece múltiples presets para elegir sino que también te permite una variedad de diferentes herramientas para poder alterar tus fotos desde los deslizadores de saturación de tono y luminancia hasta los controles de tono dividido. Echemos un vistazo a algunas de las herramientas más comunes dentro VSCO o VSCO y cómo usarlas, comenzando por la exposición. Vamos a saltar a VSCO. Abramos esta foto que tomé hace bastante tiempo. No puedo recordar en qué teléfono estaba encendido, creo que un iPhone 7. Sólo vamos a empezar ajustando el cultivo. Vamos por un uno por uno solo para hacer las cosas simples. Lo primero que vamos a hacer es que vamos a abrir la pestaña de exposición. Una exposición esencialmente hace que una imagen sea más oscura o más clara. A continuación puedes moverte a tu contraste. Estas herramientas ya son similares a las que tienes en Adobe Lightroom para escritorio. También tienes H y S debajo tu sección de tono aquí que afecta tus reflejos en tu imagen. Realmente no se puede ver en esta porque no hay muchos reflejos para editar y las sombras que puedes ver un poco más las hacen más oscuras o más claras. También tienes tus herramientas de balance de blancos. No solo tienes eso, tienes una herramienta llamada viñeteado que esencialmente hace más oscura alrededor de los bordes de tu imagen. Eso ayuda a crear algún punto focal en la imagen. A continuación, pasemos a su tono dividido , que es esencialmente su sección de gradación de color de Lightroom. Puedes agregar diferentes colores en las sombras y en tus reflejos. Además de la tonificación dividida, también tienes tus deslizadores HSL, tan similares a cuando estás trabajando en lightroom. VSCO también tiene un montón de diferentes presets que puedes usar si no te apetece editar cosas desde cero. A continuación, vamos a sumergirnos en la aplicación móvil de Adobe Lightroom mobile. Las herramientas en lightroom mobile son similares a VSCO y también muy similares a la habitación ligera para escritorio. Ofrecen funciones más avanzadas que VSCO similares a la versión de escritorio de Adobe Lightroom, incluyendo enmascaramiento y gradación de color. Veamos algunos de mis favoritos dentro de la app. Como puedes ver aquí abajo tienes muchas de las mismas herramientas que VSCO y como Adobe Lightroom para escritorio. Tienes esta genial herramienta que se llama Auto y que esencialmente predice cómo se debe editar la imagen. Sin embargo, puede sobrescribir esto. Vamos a dirigirnos a la sección de luz que abrirá nuestro contraste de exposición y reflejos, etc. Puedes ver que las cosas ya se han editado gracias a la configuración automática. Pero como dije, puedes sobrescribir estos ajustes. Prefiero tener un poco más contraste así que voy a traer algo de la oscuridad de vuelta a esas sombras. También tienes algo llamado Tone Curve Tool que también tienes en Adobe Lightroom para escritorio, es una herramienta un poco más avanzada pero esencialmente lo que te permite hacer es que te permite poner puntos en una curva y afectar diferentes partes de la imagen. Por ejemplo, esta esquina superior derecha afectará los reflejos de tu imagen, la parte inferior derecha afectará a las sombras. También puedes agregar diferentes colores dentro de esas sombras, por lo que dentro de la curva de tono rojo, puedes agregar rojo en las iluminaciones o azul o lo mismo en las sombras, y lo mismo para verde y también azul. Esta es una herramienta un poco más avanzada y lleva un poco acostumbrarse, así que juega con eso. A continuación tenemos tu sección de color y el color incluirá tu balance de blancos y también incluirá tu gradación. La calificación será lo que hicimos en VSCO en tu tono dividido y lo que hicimos en el escritorio Adobe Lightroom con tu gradación de color. Para que puedas agregar un color a tus sombras, tus tonos medios y tus reflejos. Cuando entres en la mezcla, esto introducirá tus deslizadores HSL, así lo mismo que en otro software que hemos estado usando y por supuesto también podrás recortar desde diferentes relaciones de aspecto, enderezar, etc, y hacer zoom en esta app. En la siguiente lección vamos a estar viendo una técnica de edición muy común utilizada en la fotografía de música en vivo y saltando a Adobe Photoshop. 22. Doble exposición en Photoshop: En esta lección, vamos a estar sumergiéndonos en Adobe Photoshop. Vamos a estar hablando de una técnica de edición muy común que se utiliza mucho en la fotografía de música en vivo, exposiciones dobles. Las exposiciones dobles se originaron cuando la fotografía cinematográfica era la norma. Realmente consistía en dos o más fotos que se exponían en el mismo marco. Hoy en día, esta técnica es comúnmente replicada en forma digital utilizando software como Adobe Photoshop, donde los fotógrafos pueden colocar una imagen o varias imágenes sobre otra. Echemos un vistazo a cómo esto se puede lograr estratificando dos fotos que tomé en repercusión en 2022 en proyecto de almacén. A la hora de crear una doble exposición, lo que quieres buscar son imágenes que contrasten. Entonces vamos a estar superponiendo esta imagen y esta imagen. En primer lugar, sólo voy a copiar esta imagen y crear un nuevo lienzo para trabajar. Entonces vamos a pegar esa imagen en. Y luego quiero entrar y tomar esta imagen de multitud, que es una imagen bastante contrastante, y también agregarla. A continuación, solo voy a asegurarme de que ambas imágenes sean del mismo tamaño. Así que sólo vamos a cambiar el tamaño de esta imagen. Para cambiar el tamaño muy rápido, presiono Comando T. Podrías usar Control T si estás usando Windows y eso abrirá esta caja Redimensionar. A continuación, sólo voy a bajar la opacidad de esta imagen. Voy a bloquear la capa en la parte inferior. Estoy bloqueando esa capa para que no mueva la capa inferior cuando estoy experimentando con la composición. Después en la Capa 1, voy a poder arrastrar esta capa. Lo que quiero hacer es simplemente asegurarme que esta imagen y esta imagen estén alineadas correctamente y que se vean bien juntas. Así que sólo voy a transformarlo de nuevo y jugar. Entonces voy a volver a establecer esto al 100%, bloquear esa capa, arrastrar la Capa 1 por encima de la Capa 2, desbloquearla y reducir la opacidad para que pueda alinear esta capa a continuación. Entonces ahora tengo mis dos imágenes. Lo que quiero hacer es experimentar con estilos de capa. Entonces voy a desbloquear ambas imágenes, ambas capas. Haga clic en la capa superior, aumente la opacidad y luego haga clic en la sección donde dice Normal. Esto me dará un montón de opciones diferentes, y solo voy a desplazarme y ver cuál se ve mejor. Entonces creo que quiero ir con algo como Ligerar, pero quiero que esta silueta sea el punto focal principal más que este punto focal. Por eso, voy a seleccionarlo nuevo a la normalidad y arrastrarlo a la capa inferior. Entonces voy a hacer lo mismo en esta. Voy a seleccionar esto para Aclarar o Pantalla o algo así. Entonces puedo arrastrarlo para que las sombras queden detrás la silueta para que aún puedas verla. Alternativamente, lo que podría hacer es tener esto como mi capa superior. Trabajar para que las sombras de la capa inferior eliminen mi silueta. Creo que en términos de esta composición, esto funcionará mejor teniendo a la multitud más cerca de la silueta principal. Crear exposiciones dobles es realmente solo jugar con los diferentes estilos de capa, ver lo que te gusta, el aspecto de lo mejor y experimentar con la composición. Pero es una forma muy divertida y sencilla de crear composiciones interesantes a partir de imágenes que ya has tomado. Puedes, por supuesto, entonces entrar en tu brillo o algo así y editar más una foto para realzar realmente la técnica. Estas herramientas simplemente van a ser muy similares a todo lo que hemos jugado en Lightroom y VSCO. Simplemente están en diferentes lugares, esencialmente. Cuando estés contento con tu foto, solo puedes guardar tu foto. Cuando buscas fotos para superponer, me gusta buscar contraste. Entonces tienes una gran imagen de tu artista y luego una imagen donde la multitud es pequeña, o tienes contraste en iluminación entre la oscuridad y la luz, la luz en la oscuridad. Cualquier cosa con contraste te ayudará a crear una doble exposición realmente interesante. Incluso puedes perfeccionar una doble exposición usando cosas como las funciones Restar o Borrar. Así que haz clic en tu pincel Borrar y luego podrás sacar cualquiera de las texturas o cosas que realmente no sirven a la imagen. Tráeme en la siguiente lección donde nos vamos a quedar en Adobe Photoshop y vamos a estar viendo cómo puedes crear un Carrusel de Instagram cuando se trata de la entrega de tus fotos. 23. Creación de carousels de Instagram en Photoshop: Crear carruseles de Instagram puede ser una forma realmente interesante de mostrar tus fotos dentro de tu portafolio. Es genial para la música en vivo porque te permite no solo incluir más de 10 fotos dentro del carrusel, sino también una mezcla de imágenes de paisaje y retrato. En esta lección, vamos a estar viendo cómo podemos crear un carrusel de Instagram realmente simple usando Adobe Photoshop. Para crear un carrusel de Instagram, lo primero que vamos a hacer es abrir un nuevo archivo, un nuevo lienzo en Adobe Photoshop. Las dimensiones para una imagen de retrato normal en Instagram son de 1,080 píxeles por 1,350 píxeles. Sin embargo, queremos tener 10 imágenes dentro de nuestro carrusel. La altura no va a aumentar, pero el ancho es porque vamos a tener 10 fotos dentro del carrusel. Lo que vas a hacer es simplemente poner un cero extra al poner un cero extra final de tu ancho y hacer clic en “Crear”. Esto ahora nos ha creado un lienzo realmente largo que va a poder encajar en 10 marcos apropiados para Instagram. Lo siguiente que debe hacer para configurar su lienzo es dirigirse a su panel Ver y hacer clic en “Nuevo diseño de guía”. Lo que esto hará es esencialmente crear columnas dentro de tu lienzo que te ayudarán a entender dónde comienza y termina cada nuevo marco. Como estamos teniendo 10 marcos, vamos a poner 10 en columnas. Vamos a dejar despejados el ancho y la canaleta y también mantener las filas sin marcar. Después haga clic en “Bien”. A continuación, es el momento de agregar las imágenes reales al lienzo. Como me gusta hacer esto es abrir mi buscador, encontrar la forma que quiero usar. Para este ejemplo, voy a estar usando fotos de la fiesta Arthi Hard. Entonces normalmente solo haré estas imágenes un poco más grandes para poder verlas correctamente y elegir una selección de mis favoritas. No te preocupes por que haya exactamente 10 imágenes para elegir para empezar, eso no es realmente importante y podemos reducirlas más adelante. Se puede seleccionar una mezcla de paisaje y también retrato, eso no importa. Esa es la brillantez de usar carruseles. Tengo 11 artículos seleccionados, voy a arrastrar todos a mi lienzo. sustituyes con el Enter en tu teclado o con esta pequeña garrapata aquí. Una vez colocadas todas las imágenes, puedes empezar a moverlas y decidir en qué orden van a estar. Para mí, personalmente sé que me gusta mucho esta foto, probablemente va a ser la que quiero al inicio del post. Esto es simplemente jugar con cómo quieres que se vean las imágenes. Para mí, me gusta poner mis imágenes favoritas hacia el inicio. También puedes incluir imágenes de paisajes, así que podría simplemente arrastrar esto sobre las dos imágenes y gente podrá deslizar el dedo para ver ambas. Esta imagen probablemente no sea la mejor para hacer eso, así que voy a mantener esa como imagen de retrato, componerla como imagen de retrato. Voy a quitar esta imagen porque ya tengo una foto de él aquí y no quiero demasiadas de la misma gente. Entonces lo que voy a hacer es que en realidad voy a eliminar esa imagen, recomponer esa imagen y luego saltar de nuevo a mi buscador para encontrar una mejor imagen de paisaje que quiera usar para el post final. Lo que voy a hacer es que voy a optar por usar esta foto de multitud y voy a colocar para que cubra los dos últimos fotogramas. Podría tener esto como dos fotogramas separados, pero lo que voy a hacer en cambio es voy a agregar otras fotos dentro de estas imágenes para que pueda encajar aún más. Ahora estoy a la caza de dos más y lo que busco aquí es contraste en colores. O algo que sea rosa para contrastar el azul o algo que tal vez sea blanco y negro. Una vez que tenga mis dos últimas imágenes, me voy a asegurar de que estas sean de la altura correcta. Voy a hacer clic en uno con el botón Mayús presionado y luego hacer clic en el segundo para seleccionar ambos al mismo tiempo, luego Comando T para transformar. Si estás usando Windows, puedes hacer clic en “Control T” en su lugar. Entonces voy a cambiar el tamaño de estos para que quepan en medio de esta imagen, tal vez un poco más gruesa que eso. Entonces voy a separarlos. Personalmente para que yo pueda crearlos punto muerto, voy a crear una cajita que tenga las mismas dimensiones que ese marco. Voy a mover eso detrás de la capa para que pueda ver la imagen. Selecciona esa capa y mi foto, y luego usa las herramientas de alineación. Entonces solo voy a arrastrar este cuadro sobre la segunda imagen, arrastrarlo hacia abajo otra vez, y luego hacer lo mismo. Entonces puedo borrar la caja blanca. De hecho quiero cambiar estas imágenes solo porque están enfrentando el camino equivocado, quiero que miren hacia adentro. Sólo vamos a hacer eso otra vez. Los movemos a través, luego eliminamos esa capa. Ahora tengo mi carrusel, es momento de exportarlo. A continuación, en lo que voy a hacer clic es que voy a encontrar la herramienta Rebanar en Photoshop, que suele estar justo detrás de la herramienta Recortar. Si puedes ver la herramienta Recortar aquí y hay un pequeño triángulo, mantén presionado ese triángulo y abrirá la herramienta Rebanar. Entonces lo que quieres hacer clic es “Rebanar de guías”. Esto va a crear marcos separados donde están tus guías. A continuación, voy a hacer clic en “Exportar”, “Guardar para Web” y luego estoy listo para guardarlo como el carrusel Arthi Hard, y eso me va a exportar mi carrusel. Una vez que vuelva a la carpeta Arthi Hard, serán una nueva que diga imágenes. Cuando haga clic en eso, puedo ver todas mis imágenes, las voy a seleccionar, y voy a mandar eso a mi teléfono. Puedes hacer esto, sin embargo es más fácil para ti, emailing, drop-boxing, etc. Para mí, voy a agregar Drop a mi teléfono. Ahora que tengo las fotos en mi teléfono, puedo abrir mi Instagram y luego seleccionar las fotos. En la siguiente lección, nos vamos a quedar en el tema de la entrega, pero hablando un poco más sobre cómo realmente obtienes tus fotos de ti mismo a tu cliente o a sea a quien le estés entregando las fotos. 24. Entrega de tus fotos: Así que has filmar y editado tus fotos con éxito. ¿Cómo harías ahora entregar esas fotos a tu cliente? En esta lección, vamos a estar cubriendo los mejores métodos para transferir tus fotos a tu cliente. Junto a mis mejores consejos para etiquetar y nombrar tus fotos. Comencemos con el nombre de sus archivos para su entrega. Así que nombrar tus archivos se puede hacer dentro del proceso de exportación o guardado, o puedes cambiarles el nombre una vez que ya los hayas exportado. Pero claramente, nombrar tus archivos es realmente importante por dos razones. Una de las cuales es archivar, asegurándose de que usted y su cliente puedan encontrar esas fotos en el futuro buscando el nombre del artista o la fecha o algo así. Pero también asegurándose de que esté acreditado adecuadamente. Te recomiendo nombrar tus archivos con una estructura como el nombre del artista subrayar tu nombre, subrayado, número de secuencia de las fotos. Una vez que hayas nombrado apropiadamente tus archivos, es el momento de enviarlos para su entrega. En el mundo moderno, hay tantas formas diferentes en las que puedes transferir archivos a tus clientes. Mis favoritos personales son utilizar almacenamiento en la nube y transferencia de archivos software de almacenamiento en la nube y transferencia de archivos como Google Drive, Dropbox o WeTransfer. Los tres de esos servicios, ofrecen versiones gratuitas de sus plataformas, lo cual es genial, no importa en qué nivel estés en cuanto a fotografiar puertas. También encuentro los tres realmente útiles si no tienes acceso a algo como AirDrop de Apple para realmente obtener las fotos de tu computadora portátil a tu propio teléfono, para publicar en Instagram, o donde sea. En la siguiente lección, vamos a estar concluyendo la clase de hoy y voy a estar dejándote con algunos de mis consejos finales. 25. Reflexiones finales: Hemos llegado al final de la clase. En primer lugar, quiero agradecerte por quedarte conmigo y quedarte todo el camino hasta el final del proceso. A lo largo de esta clase has dominado con éxito la preproducción, proceso de rodaje y posproducción de filmar un concierto en vivo. Desde entender cómo asegurar tu pase de fotos, hasta aprender qué buscar en una toma y cómo usar varias herramientas diferentes para mejorar la toma en tu proceso de edición. Espero que esta clase te haya resultado no solo interesante sino que también sientas que te ha preparado y te haya dado la confianza para salir y rodar tu primer concierto. Antes de firmar quiero dejarte con algunos puntos finales. La preparación como con cualquier cosa siempre es clave. En un género que puede ser tan impredecible, concéntrate en controlar las cosas que puedes controlar y todo lo demás debería quedar en su lugar. Diviértete con él, fotografiar música en vivo es uno de los mejores aspectos de ser fotógrafo. Es uno de los trabajos más agradables que existen, así que asegúrate de estar disfrutando todo el proceso. No dude en comunicarse conmigo en cualquier momento ya sea a través de Skillshare u otras redes sociales. Si necesitas alguna ayuda con cualquier cosa, cualquier puntero cuando se trata fotografía con música en vivo o cualquier otra fotografía. Tengo otras clases aquí en Skillshare que cubren una variedad de cosas diferentes, desde la teoría del color hasta la toma de retratos. Si eso es de algún interés para ti entonces dirígete y échales un vistazo. No puedo esperar a ver lo que creas de la clase de hoy. Siéntete libre de compartirlo en la galería de proyectos para que pueda echarle un vistazo. Pero muchas gracias por verlo y buena suerte con el rodaje de tu primer programa.