Transcripciones
1. Introducción: Bienvenido a la
fotografía de música en vivo 101. Este curso es lo básico de la fotografía con música
en vivo tanto si
eres un fotógrafo que
busca ser profesional
como si
eres un asistente informal que busca mejorar
un
poco tomar fotos en conciertos en vivo. Vamos a estar viendo
todas las cosas que desearía haberme deletreado al comienzo de
mi carrera, desde filmar en lugares con
poca luz hasta cómo dar
cuenta de tomas interesantes. Mis mejores consejos para la
preproducción y
por supuesto qué empacar en
tu bolsa de fotografía. Mi nombre es Sophia Carey y soy fotógrafa especializada
en fotografía de música en vivo. Empecé mi carrera
fotografiando pequeños locales y conciertos
en mi área local, principalmente en géneros grime y
hip hop. Antes de pasar a
capturar la escena
musical en vivo en el Reino Unido, así
como algunos de los festivales
más grandes del Reino Unido. He trabajado en una
variedad de lugares, desde pequeños clubes hasta grandes espacios para festivales
al aire libre. Voy a estar pasando por
los mejores consejos que he aprendido en casi una década
de trabajar en esta industria. Este curso se
dividirá en tres secciones, la preproducción, el proceso de rodaje en sí y luego la posproducción
para que
podamos cubrir todo,
desde antes del evento, durante el evento y
después del evento, hasta el proceso de selección, edición y entrega. Al final de este
curso, debes sentirte cómodo para entrar en cualquier evento de concierto de música en vivo de cualquier y capturar los momentos que se están desarrollando
frente a ti. No voy a decir mucho más.
Vamos a atascarnos directamente en soñar la siguiente lección
donde vamos a estar discutiendo los proyectos de clase.
2. Proyecto de clase: Gracias por elegir
acompañarme en esta clase, todo sobre Fotografía de
Música en Vivo. A lo largo de la clase,
vamos a tocar todos los elementos del proceso de
fotografía de música en vivo, desde la preproducción
hasta la posproducción. Para los proyectos de clase, me
gustaría que te dirijas a un concierto, ya sea en tu área local o algo un
poco más grande, y tomes tres fotos; una que se centre en la multitud, una que se
centre en la producción y otra que se
centre en el artista. Cuando se trata de producción, eso podría ser cualquier cosa, desde
escenografía hasta iluminación, pero entraremos en eso un poco más de detalle más
adelante en la clase. Puedes tomar estas tres fotos en la cámara sin espejo más nueva, o puedes tomarlas en un
iPhone, o teléfono similar. Lo que uses para tomar las fotos
reales no importa. A lo largo de este proceso,
vamos a explorar cómo puedes usar una variedad de equipos diferentes para capturar fotografías de
música en vivo. Esta clase debería
darte una gran idea de cómo clavar estos tres tiros. Vamos a sumergirnos directamente y comencemos con la preproducción.
3. Intro a la preproducción: preproducción es el
primer paso natural para cualquier proceso fotográfico. Se refiere a todo
el trabajo que haces
antes del evento o el rodaje sí que ayuda a que ese proceso vaya de la manera más fluida posible. La preparación como en cualquier sesión de
fotos es realmente importante por la naturaleza
impredecible de la fotografía, especialmente cuando se
trata de eventos. Si puedes prepararte lo más
posible para las cosas
que puedes controlar, las cosas que no
puedes controlar
serán un poco
más fáciles de manejar. En esta sección de la clase, vamos a estar
viendo cómo
puedes asegurar tu pase de prensa, tu pase fotográfico, que te
permite ingresar al recinto. También vamos a estar
hablando sobre el acceso al lugar, qué significa eso,
por qué se te podría
permitir estar dentro del recinto. Entonces vamos a
pasar a entender tu lista de favoritos y
tu horario. Creo que en definitiva el proceso de
preproducción es el aspecto más importante
de cualquier proceso fotográfico. Si consigues la
preproducción correcta, todo lo demás la
ralentizará en su lugar. En la próxima sesión,
vamos a
comenzar con el proceso de
preproducción y explorar cómo obtener
tu pase de fotos y acceder a las tomas
dentro del recinto.
4. Conseguir tu pase de foto: Antes de que nos quedemos atrapados en todos
los detalles del proceso de
preproducción, es importante entender
cuándo puede y cuándo no
puede llevar una
cámara profesional a un lugar. Para aquellos de ustedes
que están disparando en su teléfono o pequeños apuntando y disparando de
bolsillo, esto a menudo no será un problema. Pero algunos lugares,
especialmente los más grandes, no te permiten
traer réflex digitales, cámaras
sin espejo o cualquier tipo de cámara de
aspecto profesional. Por lo general, la regla es que si tiene una lente desmontable o
intercambiable, no
puedes traerla. Dicho esto, algunos locales
pequeños no tienen esta regla y puedes
traer tu cámara, pero es importante
verificar de antemano. Por lo general, los lugares
lo tienen en su página web. Lo tienen todo detallado en
cuanto a si se
puede o no llevar una cámara a un recinto. Si tienes dudas, entonces siempre
puedes acercarte y preguntarles. Para poder acceder
a esos lugares más grandes
con tu cámara, necesitas obtener lo que llamamos un pase
fotográfico o un pase
de prensa, que esencialmente es una acreditación que permite que la seguridad y el
personal de allí sepan que
estás bien para traer una cámara. Cuando se trata de obtener
tu pase fotográfico, hay tres formas en las que los fotógrafos
suelen tener acceso. sea filmando
para una publicación, ya sea una revista
o un blog en línea, filmando directamente
para los artistas. Podrías ser contratado por
los propios artistas, su dirección o su sello. O en tercer lugar, disparar para el promotor o
el propio recinto. A menudo es más fácil
acceder a través de publicaciones, que es como la mayoría de los fotógrafos obtendrían sus pases de prensa. Pero claro que
se puede tratar de
llegar a cualquiera de los tres, ya sean publicaciones,
artistas, o sedes. Solo asegúrese de
incluir su cartera o enlace a su cartera en línea
dentro de su correo electrónico. Una vez que hayas asegurado
tu pase fotográfico, que te debe confirmar a través de algún tipo de comunicación
escrita, es hora de esperar
el día del evento. A menos que te hayan pedido que
llegues a una hora específica, si estás filmando todo
el espectáculo, puede
ser una buena idea llegar
aproximadamente al mismo tiempo
que se abren las puertas. Si es un artista al que estás
filmando en particular, entonces tal vez 20
minutos, media hora antes de que ese artista
suba al escenario. Cuando llegues al recinto
vas a necesitar solicitar la entrada de
acreditación. Por lo general, la seguridad será muy
útil para dirigirte hacia cualquier puerta o entrada a la
que necesites dirigirte. Una vez que estés en la entrada, seguridad básicamente
solo verificaría
tu nombre con una lista y vería si
tu nombre está ahí, te
dará el
pase correcto que te dará acceso a donde sea
que te permita estar
como fotógrafo. Una vez que tengas tu pase, si no estás realmente
seguro de adónde puedes ir, entonces solo pregunta
a seguridad y ellos podrán señalarte en la dirección correcta y hacerte
saber dónde puedes acceder
y dónde no. Para que tu pase esté asegurado, es hora de
dirigirte al recinto y dirigirte hacia el escenario
donde estarás filmando. Únete a mí en la siguiente
lección donde
vamos a estar hablando de
todo lo relacionado con el lugar.
5. Explorar el lugar: En esta lección,
vamos a estar hablando todas las cosas que necesitas
saber sobre un lugar, empezando por el acceso al recinto. Como se mencionó en la última lección, entender qué acceso
vas a tener dentro del recinto es
realmente importante. Es importante para que
sepas dónde vas a estar, dónde puedes estar, y puedas planificar tus
tomas en consecuencia. Esto va a ayudar a
informar tantas de sus decisiones en el proceso de
preproducción, como elegir sus lentes, o
qué equipo va a traer. Deberías poder preguntar a
quien te haya contratado en cuanto a dónde vas a
tener acceso ese día. Como se mencionó en la última lección, si quien
te contrató no lo sabe, entonces siempre puedes pedir seguridad
el día del evento. Normalmente, vas
a tener mayor acceso
si vas a filmar
para el lugar, o a un artista del que lo harías si estuvieras
filmando para publicación. Los diferentes tipos de
acceso que quieres tener cuenta son el acceso al escenario, donde podrás estar en el
escenario con el artista, acceso a
boxes donde te
posicionarás en un área que
suele estar directamente entre
la multitud y el escenario. Frente a la casa, que
suele estar hacia la parte trasera
del recinto y te da una vista de la multitud
y del escenario. Dependiendo del lugar, puede
haber otras áreas
menos comunes y miradores a los que
tenga acceso. Pero estos tres
suelen ser los más típicos. Muchos lugares
solo te permitirán filmar
las tres
primeras canciones, especialmente si
estás filmando para nuestra publicación y
estás en la fosa. Esto significa que
vas
a necesitar obtener todas tus tomas dentro
de las tres primeras canciones de
una configuración de artista antes de
dispersarte entre la multitud, regresar a casa o ir backstage para comenzar tus
ediciones antes del próximo arte. Cuál de esas cosas
que hagas dependerá tu tipo de boleto y qué
acceso tengas en el lugar. Por ejemplo, si estaba
filmando para el lugar, podría ser capaz de regresar al estilo
sabio mis ediciones
antes de la próxima aplicación. No obstante, si estuviera filmando
para la prensa y solo tuviera acceso a
ese artista, probablemente
regresaría a casa después de
esos tres primeros disparos. Además de entender el acceso real que
tienes dentro del recinto, me parece muy útil
tratar de entender cómo se
ve realmente el lugar antes de llegar allí. Si no has estado en
un lugar de antemano, una búsqueda rápida en Instagram, o Google debería
darte una buena idea de a, el tamaño y tipo de habitaciones que tiene
el lugar y b, qué tipo de tomas
tal vez puedes esperar que capturen. En la siguiente lección,
vamos a
sumergirnos en los horarios y listas de tomas para averiguar lo que
realmente vas a estar capturando.
6. Horarios y lista de tiros: En esta lección,
vamos a estar
hablando de horarios y preseleccionados. Además de tener una buena
comprensión de un lugar, también
es importante
entender lo que vas
a hacer ese día. Trabajo mucho en la música
dance donde tienes muchos
actos durante una noche. Podrías tener
entre cinco y 10, tal vez más actos a lo largo un periodo determinado para los
que estés ahí. Así que tener una buena idea
de quién va a estar dónde y a
qué hora es realmente importante para que
las cosas funcionen sin problemas para ti en la noche
y que no te pierdas ningún momento clave. Normalmente compilo toda
esta información en un formato que es de fácil
acceso para mí. Por ejemplo, podría crear un salvapantallas o una
captura de pantalla de mi agenda y tener eso como
fondo mi teléfono para que pueda
sacar rápidamente mi teléfono, revisar el salvapantallas
y saber dónde necesito estar para qué artista. Junto al
horario real para los artistas, también
es muy útil si
puedes intentar acceder a algún tipo de horario
para los momentos de producción. Esto podría ser como cualquier
gran efecto especial como confeti o piro o grandes efectos de iluminación que la tripulación haya
planeado para ti. Obtener acceso a este tipo de información
a veces puede ser un
poco más complicado que tener acceso a la agenda de un artista. Pero si estás trabajando para
un promotor o un lugar, entonces siempre podrías dirigirte
al equipo de iluminación, al equipo de sonido o al gerente de
producción y
preguntarles si tienen un horario que estén
dispuestos a compartir contigo. Toda esta información se
puede utilizar para garantizar que el proceso sea lo más
fluido posible para
usted y que no esté estresado acerca de dónde
necesita estar y a qué hora. Si no estás filmando profesionalmente y solo
te diriges a un concierto con tu teléfono o
una cámara de apuntar y disparar, entonces no necesitas
preocuparte por todos estos horarios
de la misma manera. Sin embargo, puede ser muy útil tratar de encontrar
esto en momentos que
suelen estar alrededor del recinto en carteles o tal vez
en redes sociales. En la siguiente lección
vamos a estar viendo configuración de la
cámara y cómo sacar el máximo provecho de tu cámara.
7. Ajustes de la cámara: Si recién estás comenzando
con la fotografía de música en vivo, puede ser muy
importante comprender los conceptos básicos de la toma de fotografías en entornos con
poca luz. Lo más importante para acertar es la configuración de tu
cámara. Asegúrese de saber cómo
ajustar su ISO, su apertura y
su velocidad de obturación para diferentes condiciones de
iluminación. ISO, velocidad de obturación y apertura conforman lo que
denominamos triángulo de
exposición. Tres elementos que
conforman cualquier fotografía permitiendo equilibrar la cantidad de luz
que está depositando. ISO se refiere a la sensibilidad de su sensor o
su stock de película. Cuanto mayor sea el número, más sensible será su sensor
o película a la luz. Esto significa que permitirá
una imagen más brillante, pero la imagen
será más granulada que una ISO de un número menor. La velocidad de obturación se refiere
a la rapidez o la
lentitud con la que
se abre y se cierra el obturador. La velocidad de obturación
utilizamos unidades de segundos o fracciones de segundos, por ejemplo una es de un segundo, mientras que 1/250 es una
250 de segundo, lo que significa que el obturador
está abierto por más tiempo a uno que a 1/250. Cuanto más tiempo esté abierto su
obturador, más luz se permitirá que entre
en el sensor, iluminando su
imagen, pero a cambio, más movimiento se captura. Alternativamente, velocidades de
obturación más cortas que menos luz en las imágenes pero capaces de
congelar el movimiento. Aperture controla la profundidad
de campo en tus fotografías, o en palabras simples, qué tan borroso o cuán nítido es
tu fondo. apertura se refiere al orificio en tu lente que deja entrar la luz. Esto lo medimos en números
enteros y decimales como 16 o 2.8. Se siente contradictorio pero
cuanto menor es el número,
mayor es el
agujero en tu lente, lo que significa que más luz entra en tus imágenes y hay una profundidad de campo
menos profunda. Esto quiere decir que tu
fondo será más borroso. Cuanto mayor sea el número,
menos luz, pero mayor profundidad de campo, lo que significa que tu fondo
será más nítido. Cuando estamos filmando
en lugares con poca luz, a menudo es mejor disparar con una apertura amplia como 2.8, pero mantener su velocidad de
obturación en una fracción cercana
a 1/200 o 1/250, para que no capturemos
demasiado desenfoque de movimiento, lo que puede ser complicado ya a los
artistas les gusta
moverse mucho. En términos de ISO, ajustes
interiores a menudo pueden
estar bastante poco
iluminados, por lo que queremos optar
por un ISO más alto. Para mucha buena fotografía, tiendo a usar algún rango
entre 1600 y 2500. Pero hasta dónde puedas
empujar tu ISO
realmente dependerá del
tipo de cámara que estés usando y qué tan bien
maneja una ISO alta. Cuando estás filmando en lugares
con más luz disponible, generalmente
puedes permitirte establecer
tu ISO en un número menor, reduciendo la cantidad de grano, así
como ajustar
tu velocidad de obturación a
unidades aún más rápidas como 1/800, por ejemplo, y eso reduce
aún más la
posibilidad de desenfoque de movimiento. Lo que debes recordar
acerca de la configuración de tu cámara es que estas tres cosas, tu apertura, tu ISO y tu velocidad de obturación,
funcionan al unísono para crear el equilibrio perfecto,
la exposición perfecta. Es muy importante
comprender completamente cómo estos tres elementos no
solo funcionan individualmente, sino también cómo funcionan juntos. La mejor manera que he encontrado para entender
completamente
cómo
funcionan estos elementos es
salir y disparar y practicar usando los tres ajustes
diferentes. Puedes hacer esto con una
cámara o podrías usar tu teléfono con una app
como ProCamera, cambiando los diferentes elementos, y viendo en tiempo real cómo
eso afecta a la imagen. En la siguiente lección,
vamos a estar sumergiéndonos en el equipo de la cámara, y lo que
recomendaría a la hora de elegir sus cuerpos de cámara y lentes.
8. Engranaje de cámara: Ahora tenemos una buena
comprensión de los escenarios que vamos a estar equilibrando a la hora de filmar música en vivo. Es hora de quedarnos atrapados
en lo que en realidad
vamos a usar
para tomar esas imágenes. Cuando se trata de fotografía con
música en vivo, siempre
es mejor
estar sobrepreparado. Una cosa que siempre recomiendo
es tener equipo de respaldo, así que siempre llevo dos
cuerpos de cámara y múltiples lentes, además de tarjetas SD de repuesto
y baterías de repuesto. ¿Qué otras consideraciones
necesitas
tomar cuando se trata
de tu equipo de cámara? Empecemos
hablando del cuerpo de tu cámara. Cuando se trata
del cuerpo de la cámara, una de las principales consideraciones será cómo se
desempeña con poca luz. Personalmente opto por
un sistema sin espejo que funcione notoriamente
bien con poca luz. Esto significa que puedo empujar mi cámara a ISO mucho más altos
de lo que podría, lo contrario, utilizo tanto la Sony A7 IV
como la Sony A7 III. Otras marcas de cámaras,
como Nikon y la
gama mirrorless Canons en particular, también
son excelentes para
rendir con poca luz, por lo que son excelentes opciones. Otra cosa que
me gusta considerar es si mi cámara
tiene o no más de una
ranura para una tarjeta SD. Me parece que tener una
cámara que tenga dos ranuras, lo que significa que puedes
hacer una copia de seguridad en una de tus tarjetas es realmente útil porque no
sabes lo que va a pasar. Si una tarjeta iba a funcionar mal y tuvieras
que perder todas tus fotos, entonces al menos
tienes todo copia de seguridad en tu
segunda tarjeta SD. personalmente me gusta
tener dos cuerpos de cámara conmigo para tranquilidad de verdad, y sobre todo porque si hubo un problema
con uno de ellos, entonces tengo una copia de seguridad para usar. Pero también puede ser
muy útil tener diferentes lentes en
diferentes cámaras, lo que significa que
no vas a tener cambiar lentes de rendimiento medio. Sin embargo, durante
mucho tiempo
disparé con un solo cuerpo, así que no te preocupes si no
puedes chapotear
ahora mismo y permitirte dos, tener uno es una excelente
manera de empezar. A continuación, hablemos de lentes. En la siguiente lección,
vamos a hablar más específicamente
sobre las distancias focales, lo que eso significa y
cómo elegir qué distancias focales
vas a usar. Pero ahora mismo estamos
hablando de los propios lentes. Entonces yo, las consideraciones están realmente reducidas
a dos factores. En primer lugar, una lente que
tenga una amplia apertura que me permita dejar entrar
mucha luz en la imagen, y en segundo lugar, una lente
que tenga enfoque automático. No quiero preocuparme enfoque
manual cuando se
trata de música en vivo. Es un entorno realmente
acelerado, y tener que
preocuparme por enfocar manualmente cada toma es algo que para mí no funcionaría
dentro de mi flujo de trabajo. Cuando se trata de una
apertura amplia, por supuesto, es genial tener una lente
que deje entrar mucha luz. Cuando trabajamos en entornos con
poca luz, eso no es realmente
una preocupación y podemos bajar nuestra apertura en
lugar de comprometer la velocidad de obturación o hacer una imagen muy granulada. Aparte de estos
dos factores principales, otra consideración
sería si usas o no una lente prime o una lente zoom. Una lente principal es esencialmente
una lente que no hace zoom, es una distancia focal fija. Traté de disparar con
una lente prime en una cámara y una
lente zoom en la otra cámara. Esto se debe a que los lentes
principales a menudo se
detienen a una apertura más amplia, lo que significa que puedes
dejar entrar más luz. Pero por supuesto con los lentes zoom, tienes un poco
más de flexibilidad, puedes disparar a
diferentes distancias focales, y así tener ambos contigo en todo momento es una excelente manera
de encontrar un gran equilibrio entre dejar entrar
mucha luz en tus imágenes y no tener que comprometer
tu distancia focal. En la siguiente lección,
vamos a estar profundizando en
el tema de las lentes, hablando todo sobre distancias focales.
9. Elegir tus Lenghts focales: Ahora que tenemos una comprensión
clara de la configuración de la cámara y equipo de la
cámara,
hablemos de la distancia focal. distancia focal
determina el ángulo de visión capturado por la lente con distancias focales más cortas lo que resulta en
ángulos de visión más amplios, y
distancias focales más largas que dan como resultado ángulos de visión
estrechos. También afecta la cantidad
de la imagen que se magnifica con distancias focales más largas produciendo mayor aumento. Diferentes lentes tienen
diferentes distancias focales. Los lentes Prime, como mencioné en la última lección se fijan
a una distancia focal. Por ejemplo, una prima de 35
milímetros se fija a una
distancia focal de 35 milímetros. Los lentes zoom por otro lado, tienen la opción de moverse entre un rango de diferentes distancias
focales. Por ejemplo, un 24 milímetros a un 70 milímetros tiene
un rango de 24-70, lo
que significa que puede tener cualquier distancia focal
dentro de ese rango. A la hora de elegir
tus distancias focales, hay ciertas
consideraciones. En primer lugar, su punto de vista. ¿De dónde vas a disparar? ¿Estarás en la fosa bastante
cerca del artista, o vas a estar justo en la parte de atrás, frente a casa Por ejemplo, si estás
disparando desde lejos, es posible que necesites una distancia focal que te permita acercarte
más a la acción. Para locales más pequeños,
algo así como un 24-70 es una lente perfecta
para estos escenarios. Entonces para más grandes que sedes, tal vez algo así como
un 70-200 milímetros. Otra consideración
es la cantidad de personas que hay en el escenario. Si hay varias
personas dentro una banda o un DJ Collective, entonces es posible que desee optar
por una distancia focal más amplia solo para asegurarse de que todos puedan estar en la toma a la vez. Para una gira reciente que
filmé con cuatro DJs
de forma consecutiva, opté por una lente de
18 milímetros, lo que me ayudó a
asegurar que todos
los DJs fueran capaces de encajar en las tomas, incluso cuando estaba filmando a distancias cercanas
silenciosas
en espacios bastante cercanos. En tercer lugar, ¿en qué tipo de disparos te vas
a enfocar? Si te estás
enfocando en tomas de público, entonces algo así como
una lente ancha, una distancia focal amplia te
va a ayudar aquí. personal, me gusta cualquier cosa desde un 18 milímetros hasta un 35
milímetros para tomas multitudes. Pero a algunas personas les gusta
ir aún más amplias, tal vez disparando con
lentes ojo de pez para tomas multitudes. En la siguiente lección,
vamos a estar viendo otros equipos, cosas que no son tus cámaras, cosas que no son tus lentes, y lo que podrías
necesitar llevar
contigo para filmar un trabajo en vivo
que no esté orientado a la cámara.
10. Qué hacer para empaquetar y llevar: En esta lección,
vamos a tocar equipos que
quizás quieras usar o quizás
quieras llevar contigo que no sean equipos de cámara. Empecemos con
las cosas que quieres ponerte
y la etiqueta común a y la etiqueta común hora de filmar música en vivo. Para la mayoría de los eventos en
particular con música, vas
a querer vestir todo de negro. este escenario lo llamamos negro, lo que esencialmente asegura que
te mezclarás con la multitud, te mezcles con el escenario, y no estás sobresaliendo no solo para no distraer a la multitud
de la actuación sino también para que no estés en
otros fotógrafos y camarógrafos por tomas
como una figura realmente intrusiva, brillante o donde sea. Yo personalmente
traté de usar muchos artículos o ropa que tengan bolsillos para espacio
para tarjetas SD adicionales, baterías, incluso lentes
si me las puedo meter. También es útil para que pongas
capas a tus atuendos. Algunos lugares son muy calurosos y algunos lugares son muy fríos. Tener capas que
puedas quitar fácilmente o agregar fácilmente también es una
gran consideración. Probablemente lo más
importante a la hora de qué
ponerse son tus tapones para los oídos. Aparte de tu equipo de
cámara, tener tapones para
los oídos
contigo es probablemente lo más importante
que vas a necesitar recordar para llevar por la noche. Pero si te olvidas normalmente
puedes conseguir tapones para los oídos de
repuesto en la mayoría de los lugares, si solo preguntas a la estrella del bar. Proteger tus oídos
en locales de música en vivo, especialmente cuando
vas a estar pasando tanto tiempo, tan cerca de los oradores
es realmente importante
para que no afecte tu
salud a largo plazo, tu audición. También me gusta usar una
bolsa pequeña que recorra mi cuerpo, es
decir, puedo volver a
llenarla con tarjetas SD de repuesto,
baterías, pañuelos, paños para lentes, toallitas para
lentes, cualquier cosa a la que pueda necesitar acceder
muy rápido. A veces incluso
encontrarás una pistola flash o un prisma dentro de esta bolsa dependiendo del tamaño de
la bolsa que esté usando, voy a estar tocando
tanto pistolas
flash como prismas más adelante
en esta clase. Cuantos más programas grabes, más te
acostumbrarás a lo que necesitas,
a lo que funciona bien
dentro de tu flujo de trabajo. Pero estas son algunas
grandes consideraciones
con las que empezar. En la siguiente lección,
vamos a estar viendo
las tomas típicas que debes
considerar en un concierto en vivo.
11. Disparos típicos: Cuando se trata de qué tipo de fotos tomar durante un espectáculo, me gusta categorizar esto
en cuatro categorías. En primer lugar, tomas de artistas, en segundo lugar , tomas de
producción, luego
tomas multitudes y tiros de héroes. En esta lección, vamos
a estar hablando de cada una de estas categorías
y de cómo se ven. Empecemos con tomas de artistas, probablemente la más
autoexplicativa de las cuatro categorías. Las tomas de artista se refieren a
las fotos que obtienes de una banda o DJ o músico. Estas podrían ser
tomas anchas que engloban toda la banda o a todo el
grupo de DJs o podrían ser
tomas más recortadas que solo
se
enfocan en un miembro o si solo hay un artista, luego un
detalle específico o un tiro medio, algo cercano del artista. A continuación tenemos tomas
de producción. Las tomas de producción
se refieren a las tomas de la producción visual. Esto podría ser cualquier cosa,
desde
escenografía hasta efectos especiales
como confeti o piro. Estos disparos suelen ser
más efectivos cuando los
disparas desde un ángulo más amplio, abarcando la inmensidad
de estas piezas de producción. La tercera categoría
son las multitudes. Nuevamente, muy similar
a las tomas de artistas en que es bastante
autoexplicativo. Las tomas multitudes son fotos de la multitud y suelen
venir en dos formas; una es tomas más amplias que abarcan la inmensidad y
la escala del evento, y en segundo lugar, tomas
que afinan en individuos o grupos de
individuos dentro de la multitud. Por último, tenemos tiros de héroe. Los tiros de héroe son los
disparos en los que me gusta pensar como
el último disparo. Abarca un poco de las
otras tres categorías. Tienes al artista en el escenario, tienes a la multitud, y tienes momentos de producción. Estas son a menudo tomas desde ángulos
amplios tal vez
frente a la casa
mirando hacia la multitud hacia el escenario o desde un punto de vista
más alto. En la siguiente lección,
vamos a discutir qué
buscar en cada una de estas tomas y cómo conocer tus tomas dentro de
estas cuatro categorías.
12. Qué buscar en un Shot: En esta lección,
vamos a estar hablando de qué
buscar en
una toma para cada una de las cuatro categorías descritas
en la última lección. En primer lugar,
hablemos de tomas de artistas. Para las tomas de artistas
hay dos cosas que
realmente quieres considerar
o a las que prestar atención. Participación e
interacción siendo las primeras. Esto significa cualquier toma en la
que el artista o un músico interactúa
con otras personas en el escenario, ya sea un amigo
o un compañero músico, o cualquier cosa en la que
interactúen con la multitud. En segundo lugar, movimiento interesante. Cualquier cosa en la que el
artista se mueva una manera interesante o fuerte
y llamativa, esto puede hacer una gran toma. Para las tomas de producción, es
importante poder
predecir cuándo van a suceder los
momentos de producción. Por supuesto, se puede
hablar con la gente de antemano, obtener un horario de cuándo
se pretende que ocurra cierta producción, pero no siempre se puede predecir el segundo exacto en que van a suceder
estas. Vas a necesitar mantener
un ojo en el aire para cuando creas que es probable que ocurran
momentos de producción, y hay algunas formas en las
que puedes hacer esto. Una forma de
hacerlo es
familiarizándose con la
música de un artista o la lista de canciones. Esto no siempre es
posible, pero cuando lo es, puede ser muy útil
tratar de predecir cuándo va a ser
la mayor parte de
una canción o una lista de canciones. Estas partes más grandes de canciones y listas de
sets tienden a ser los momentos
en los que la producción
lanza esos efectos especiales. Vas a tener
las tomas de confeti en la canción más grande de
la lista de sets. En segundo lugar, se puede
escuchar la música e intentar elaborar el ritmo de
la música y escuchar el ritmo ya que estos son momentos
clave en los que podrían lanzar efectos
especiales o cambiar de escritura, por ejemplo. En tercer lugar, y este es
un poco tramposo, es vigilar a quien esté haciendo los efectos
especiales. A menudo podrás saber cuándo
van
a presionar un botón
o tirar de la palanca y puedes usar esta guía
mirándolos de
vez en cuando para averiguar cuándo van a
soltar los efectos especiales. Siempre y cuando
tengas tu tiro listo, tienes todo
listo para funcionar, puedes seguir
viéndolos y en cuanto vayan a presionar el
botón o tirar de una palanca, estás listo para tomar ese tiro. Las tomas de la multitud tomo un enfoque similar
a las tomas de artistas. Buscando cualquier interacción
ya sea con otros miembros
del público o con los propios
artistas en el escenario. También busco
gente que parece estar disfrutando realmente de la música ya que estas son las tomas que tu cliente realmente va
a querer poder ver. Personalmente prefiero un enfoque
más franco a la fotografía multitudinaria. Prefiriendo cortos donde el
público no
me esté mirando y tal vez no esté consciente de
que me estoy tomando una foto. Pero esto es definitivamente algo
de preferencia personal. Algunas personas prefieren la fotografía multitudinaria más
posada, y definitivamente es
un momento y un lugar para ambos. El héroe dispara. Quieres considerar
un poco de las tres categorías
y tirarlo a una. En la siguiente lección,
vamos a estar hablando salida y por qué es
importante tener en cuenta eso.
13. Considerando la producción: En esta lección,
vamos a estar discutiendo la salida de tus fotos, dónde
terminarían y cómo
afecta eso al proceso de disparo. Este es posiblemente uno de los
aspectos más simples pero importantes de cualquier trabajo fotográfico. Pero cuando estás
filmando por ti mismo, ¿
qué consideraciones
necesitas tomar realmente cuando
estás tomando una foto? Puede ser muy útil
entender dónde vas
a poner estas fotos. ¿Son para redes sociales
o los vas a imprimir para eso la pared de
tu recámara? Entender dónde
van a terminar
tus imágenes te
ayudará a la
hora de nombrar la
composición de tu imagen. ¿Necesitas componerlo en orientación
vertical o
en orientación horizontal? Cuando se trata de
trabajar para un cliente, esto a menudo se dictará dentro del brief,
pero donde no es, es una buena idea obtener una variedad de composiciones diferentes
y diferentes
composiciones para
diferentes relaciones de aspecto por si acaso. Por ejemplo, las fotos que
podrían ser necesarias para la web o las vallas publicitarias tienden a ser filmadas
en orientación horizontal. Sin embargo, las fotos para redes
sociales suelen ser cortas en orientación
vertical. Para avanzar en esto, cuando se
trata de redes sociales, a menudo tienes dos
relaciones de aspecto a considerar, 9*16 para
historias de Instagram o portadas reales, y 4*5 para publicación de cuadrícula de Instagram. Esto puede ser algo a
considerar a la hora componer tu imagen y pensar en lo que impactará
el cultivo. En la siguiente lección,
vamos a discutir la idea
de disparar con propósito y cómo
asegurarnos de que cubras todo lo
que necesitas.
14. Tiro con propósito: En esta lección vamos a estar discutiendo cómo
disparar con propósito. Disparar con
propósito es importante para asegurarte de
encontrar ese equilibrio entre conseguir
todo lo que
necesitas capturar, pero
no sobrepasar. En primer lugar, no se limite a
rociar y orar. Este término se refiere a
disparar sin rumbo y solo esperar que obtengas algo bueno de lo
que has capturado. En cambio, trata de que lo que estás filmando sea un
poco más considerado. Piensa en lo que hemos
comentado en lecciones anteriores, como qué buscar
en un corto o la salida. Otra buena manera de asegurar que tu trabajo sea considerado es pensar en la marca
del artista o tu cliente. ¿Puedes encontrar la manera de
incorporar su marca personal y su identidad visual
dentro de tu trabajo? Esta es una gran parte de
filmar música en vivo. La forma en que disparas a
los raperos probablemente va a ser diferente a la forma en que
disparas a un cantante folclórico. Asegurarse de que estás
capturando suficientes fotos puede ser algo que es un poco complicado de juzgar. Cómo trato de hacer esto es
asegurarme de que tengo al
menos tres tiros sólidos para
cada ítem en mi lista de tomas. De esta manera sé
que definitivamente tengo suficiente para entregar
al cliente. Una vez que tengo ahora la lista de
tomas, puedo usar el resto del tiempo restante para ser creativo, probar técnicas que no
he probado antes, o cosas que no están
en la lista de tomas pero quiero probar de todos modos. Entender cómo disparar con propósito y ser
más considerado en tu enfoque es
realmente importante para asegurar que obtienes
todo lo que necesitas para obtener, pero entonces no terminas
con miles de imágenes que probablemente no van
a hacer el corte al final. En la siguiente lección
vamos a estar hablando sobre
cómo disparar láseres en un concierto, y lo que podrías
necesitar considerar.
15. Disparos: Los láseres son un firme
favorito para los grandes espectáculos, especialmente cuando se trata de
géneros como la música dance, pero
capturarlos de manera efectiva y
segura puede ser bastante difícil. En esta lección,
voy a esbozar algunas de las cosas que
he aprendido en los años que he pasado filmando programas que
incluyen láseres. Primero,
vas a querer estar al tanto de que los láseres pueden causar daños a los sensores de tu
cámara. Esto sucede si el láser golpea el sensor de la cámara directamente, así que vas a
querer intentar evitar cualquier tipo de láser entre
directamente en tu lente. Agradecidamente, la mayoría de
los láseres están montados en un escenario apuntando
por encima de la multitud. Entonces, si puedes mantenerte al nivel de la multitud, en su mayoría
vas
a estar a salvo de esto. También debes considerar
que cuanto más tiempo
el láser golpee tu sensor, más daño
va a crear. Si estás disparando con velocidades de obturación
muy lentas, entonces el daño
va a ser
mayor que si disparas
a una velocidad de obturación más rápida. Eso me lleva muy bien
a la velocidad de obturación y a cómo ajustar su velocidad de obturación
cuando está disparando láseres. Descubrí que trabajar con velocidades de obturación
más lentas es
mucho más efectivo que disparar con velocidades de
obturación más altas. Por supuesto, no
quieres
que sea demasiado lento para minimizar el daño
láser, pero sí quieres
encontrar un punto en algún lugar entre tal vez 1/15 y 1/100, ya que descubrí que este tipo
de rango suele generar las mejores imágenes para
capturar láseres. Experimente con
diferentes velocidades de obturación mientras trabaja para tratar encontrar ese punto óptimo, ya que
diferentes láseres se
disparan a diferentes velocidades
y, por lo tanto, no hay una talla única para todos para la velocidad de obturación cuando se
trata de láseres. Sin embargo, si disparas láseres a
una velocidad de obturación demasiado alta, encontrarás que la
pantalla láser podría parecer débil ya que la cámara no
capturará todos los láseres. Lo que significa que podrías terminar con
una foto de un solo láser capturada en lugar de una matriz
de 20 a través de la imagen. Cuando se trata de
disparar láseres, me gusta ofrecer una toma amplia,
generalmente filmada desde la
multitud o frente a casa
enfocándose en grandes multitudes
en un intento de enfocándose en grandes multitudes
en un intento perder cualquier desenfoque de movimiento gracias a la velocidad de obturación lenta en
lugar de enfocarse directamente en el artista que va a
estar moviéndose mucho. En la siguiente lección,
vamos a discutir la fotografía flash y cuándo es apropiado
usarla durante la música en vivo.
16. Fotografía Flash: En esta lección,
vamos a tocar el tema de la fotografía
flash. Cuándo es apropiado
usarlo y cómo lo usas
cuando eres capaz de hacerlo? Dentro de la mayoría de la música en vivo, no es realmente
costumbre usar flash. No obstante, puede haber algunas
excepciones a esta regla, y esto suele
depender del artista y del lugar y de las
reglas que tengan. En mi experiencia, para algunos
locales y artistas más pequeños, ha estado bien para
mí usar flash. Cuando lo he usado lo
he usado de
una
manera de luz directa, lo que esencialmente significa que estás dirigiendo
el flash directamente a tu sujeto y creando una luz
bastante dura. Alternativamente,
también puedes hacer rebotar tu flash, lo que implica
disparar el flash, digamos en un
techo y hacer rebotar la luz del techo
hacia abajo en tu sujeto. El caso es que esto
suele funcionar mejor cuando hay un techo blanco del que
puedes rebotarlo. La mayoría de los locales tienen techos oscuros
o techos muy altos. Si vas a usar flash, probablemente
sea mejor usar
una forma directa de flash, pero para reiterar, en realidad no
es tan común
que realmente puedas usar flash dentro de la fotografía
musical. La mayoría de las veces, se espera uses la luz disponible, que uses la luz disponible,
ya sea luz natural en diferentes lugares al aire libre o los strops que tienen
específicamente para ese lugar. Otros
casos en los que el flash podría ser apropiado es si
estás filmando contenido
entre
bastidores detrás de escena con el artista y estás
lejos del escenario. En estas instancias, rebotar tu flash o usar flash
directo sería apropiado y solo dependería tu preferencia personal y del estilo al que
quieras ir. En la siguiente lección,
vamos a discutir el rodaje con prismas y reflexiones y cómo
podrías querer hacer esto.
17. Prismas y reflexiones: Usar prismas y reflejos en tus fotos es una excelente manera de
agregar un elemento
creativo adicional y hay algunas formas
de hacerlo. presunciones son esencialmente
piezas de vidrio que vienen en diferentes formas
y tamaños que puedes usar, o adjuntar a tu lente si
estás usando un filtro presumir. Solían distorsionar tu imagen, o para crear interesantes
reflexiones dentro de tus fotos. Si no tienes prisma, me gusta usar mi teléfono como superficie
reflectante en su lugar. Esencialmente solo necesitas
poner el lado reflectante de tu teléfono debajo tu lente y eso reflejará una imagen en tus fotos. Diferentes tipos de prisiones
pueden tener diferentes efectos. Puede ser divertido experimentar
con las diferentes formas y los diferentes tamaños y encontrar las que más te
gustaría usar. Un consejo superior para trabajar
con reflejos es considerar realmente lo que se está
reflejando en la imagen. Por ejemplo, no
quieres que el escritorio de sonido, o tú mismo
reflejado en la imagen. En cambio, quieres
enfocarte en reflejar cosas como momentos de producción, iluminar tus fotos. En la siguiente lección,
vamos a
sumergirnos en el
proceso de postproducción,
platicando sobre cómo elegir tus
fotos finales para la entrega.
18. Elegir tus fotos finales: Crear tus últimos slacks o llamar como también se le conoce
comúnmente, es un aspecto importante
del proceso de postproducción. En esta lección voy
a estar hablando de dos de mis formas favoritas de
reducir las fotos a
mis selecciones finales. El primer método de llamada
es llamar en cámara. Esto se puede hacer en el rodaje
o tal vez de camino
a casa después de una sesión antes de entrar en el proceso de edición real. La forma en que prefiero
hacer esto es
escribir mis imágenes con una calificación de
estrellas en cámara. Muchas veces durante el proceso de
rodaje, tomarás una foto
y sabrás que esa foto es una de las fotos que voy
a entregar al final. Es una de las mejores fotos
que he tomado esta noche. Estas calificaciones de estrellas se guardan
en los metadatos de las fotos, modo que cuando las
importas algo como Adobe Lightroom, una pieza de catalogación y software de edición
que vamos a estar viendo en una
próxima lección. Las calificaciones de estrellas permanecen, lo que
facilita la
identificación instantánea de sus
fotos favoritas de la noche. Cuando se trata de
disparar en tu teléfono, puedes usar herramientas similares para hacer frente durante el proceso de
disparo. Por ejemplo, los iPhones
tienen esta opción donde puedes favorecer una imagen una
vez que la hayas tomado, y esto simplemente envía
esa imagen a otra carpeta a la que
podrás acceder en una fecha posterior. A continuación, hablemos de
llamar en Adobe Lightroom. Hay muchas formas
diferentes a las que puedes llamar en Lightroom y decidir
qué método es el mejor para ti
suele ser una cuestión de preferencia
personal. A mi, las principales formas a las que
me gusta llamar es usar el sistema de estrellas donde
puedes escribir una imagen 1-5, o bien usar las opciones de flagging o
quick collection. Cada una de estas tres opciones son efectivamente una y la misma. En esencia, cada uno te
ayuda a separar tus selecciones del resto
de las fotos que has tomado. Juega y ve
qué sistema es más fácil para ti y cuál es el
mejor dentro de tu flujo de trabajo. En la siguiente lección,
vamos a
saltar al proceso de edición, comenzando por recortar
tus composiciones.
19. Recortar: Si bien es definitivamente más fácil
y efectivo
obtener tus composiciones
bien en la cámara, esto no siempre sucede, por lo que usar el recorte
como herramienta para arreglar y editar tus fotos
es una idea realmente poderosa. En esta lección,
vamos a estar viendo algunos de los mejores consejos a considerar a hora de recortar
tus fotos. En cuanto a equipamiento,
a la hora de recortar, podrías usar cualquier cosa,
desde la app de fotos en tu teléfono hasta un software
como Adobe Photoshop. El equipo que usas para
esto en realidad no importa, es solo lo
que haces con el cultivo. En primer lugar, piense de nuevo en la
salida, por ejemplo, ¿
es necesario recortar estas fotos en unas relaciones de aspecto específicas como 1*1, 9*16, 4*5. Esto
te instruirá en cuanto a qué
relación de aspecto deben
recortarse las fotos. Y luego puede considerar
recortar por una variedad de razones
diferentes
, incluido el recorte para crear un punto focal. El recorte es una
herramienta poderosa y el recorte crea un punto focal puede ser
una excelente manera de utilizarlo. Esto significa diseñar el recorte de tu foto para llamar la atención
sobre un área específica o
parte de la foto. Una forma muy común de recortar
para crear un punto focal, es posicionar su punto focal en el centro de su imagen. Otra excelente manera
de utilizar el cultivo es recortar cosas fuera de marco. mucho que la creación de imágenes se trate de lo que
incluyes en el marco, también
se trata de lo que emites. Recortar distracciones o
elementos que no sirvan a tu composición o
narrativa pueden ser una forma útil de usar
las herramientas de recorte. Ahora, que hemos cubierto
los conceptos básicos del recorte, posiblemente la herramienta
más importante
y poderosa hora de editar imágenes,
vamos a profundizar en algún software
específico que puede usar dentro de
su proceso de edición, comenzando con
Adobe Lightroom. Únete a mí en la siguiente lección, mientras saltamos a Adobe
Lightroom y algunas de las
características clave a la hora de editar
imágenes. Siguiente lección.
20. Edición en Lightroom: Adobe Lightroom es mi software de edición
favorito personal, perfecto para la
gradación de color así como catalogar todas tus fotos. Puedes acceder a Lightroom usando una suscripción de Adobe que
permite descuentos para estudiantes pero si no
quieres comprar una suscripción, las opciones de
edición que tiene
Lightroom son opciones comunes montón de software de
edición diferente. Este tutorial
te dará una buena idea de lo que hace
cada una de las opciones y
cómo afectan a una imagen. Lightroom también ofrece
una aplicación móvil gratuita que nos
meteremos un poco más en otra lección disponible tanto
para móviles como para tabletas que no requieren suscripción ni pago alguno, ofrecen muchas de
las mismas
capacidades de edición que la barra de escritorio. En esta lección estaré usando la
versión clásica de Adobe Lightroom en mi Macbook. Creo que este es un
2015 pero puedes
usarlo en Mac o Windows. Vamos a sumergirnos en algunas de
mis opciones favoritas. Bienvenido a Adobe Lightroom, este es nuestro espacio de trabajo
para esta lección. Adobe Lightroom es esencialmente una herramienta de edición y
catalogación de fotos, por lo que puede importar sus
fotos a Lightroom, puede editar sus
fotos en Lightroom y luego puede
exportarlas desde Lightroom. En esta lección
vamos a estar
saltando a algunas de mis
herramientas favoritas o a algunas de las herramientas más poderosas
que Lightroom tiene para ofrecer y vamos a
comenzar con la temperatura. La temperatura es una herramienta realmente simple
y realmente efectiva que puedes usar para
transformar realmente tu imagen. Para mostrarte un ejemplo
de esto tengo esta imagen que filmé hace
unos meses y solo
vamos a editarla usando solo temperatura y ver
qué le hace eso a la imagen. Como puedes ver por aquí
en el lado derecho, puedes ver la temperatura
y los deslizadores de tinte. Solo un prefacio estamos
en la pestaña Desarrollar, así que si estás en tu pestaña
Biblioteca necesitas
cambiar a tu pestaña Desarrollar para poder editar tus imágenes. Pero volvamos a los deslizadores. Esta sección aquí es
lo que llamamos
balance de blancos y que esencialmente cambia la temperatura y tinte de los colores
en tu imagen. Como puedes ver, Lightroom
ha hecho que sea muy fácil para
ti identificar lo que realmente hacen
estas herramientas, así que puedes ver aquí la
temperatura
hará que tu imagen sea
más cálida yendo hacia un tono amarillo o
más
fría yendo hacia tonos más azules y luego
el tinte por otro lado controlará tu
magenta como tus rosas, morados, y tus verdes. Solo vamos a jugar con el bit de temperatura para empezar y ver lo que
realmente le hace a una imagen. Enseguida, esta imagen
es una imagen bastante fría que se basa en la
iluminación de la imagen. A medida que cambiamos la temperatura se
puede ver que no sólo cambia la temperatura sino en realidad también cambia la luminosidad de la
imagen. Así se puede ver a medida
que voy más caliente pierde un poco
de su luminancia, un poco de su brillo. Pero a medida que voy más frío, introduce mucho más
brillo en la imagen. Nuevamente, podemos hacer lo
mismo en el tinte. Si vas hacia el
verde va a hacer esa imagen un
poco más oscura, pero a medida que vamos hacia el rosa la
va iluminando. La idea aquí es
encontrar realmente un buen equilibrio no solo en el color sino en
lo brillante que quieres que sea tu imagen. Para mí voy a ir por algo en los tonos medios aquí. Si en realidad no te gustan
los colores azules ahí es donde van a entrar en juego
otras herramientas en Lightroom, así que vamos a quedarnos en este lado derecho y
dejarme cerrar con estos. Vamos a
entrar en esta sección aquí que es tu sección de gradación de
color. La gradación de color
esencialmente le permite agregar colores
a
sus tonos medios, sus sombras y
sus reflejos, lo que cambiará el equilibrio
de cómo se ven los colores. Tienes estas pequeñas
esferas y esto
determinará qué
color estás agregando a qué parte de tu imagen. Si empezamos con reflejos, ya ves puedo agregar un verde realmente vibrante a los
reflejos de la imagen. Al ir hacia el centro va a duplicar
ese green hacia abajo, todavía
va a
estar ahí pero
no va a estar saturado. Cuando se trata de
gradación de color, por lo general me gusta usar
colores complementarios o colores contrastantes. Entonces esto significa
elegir colores que estén opuestos entre sí
en tu rueda de colores. Ya que estamos poniendo
este amarillo verdoso en los reflejos, entremos en tus sombras
y
veamos qué podemos hacer con esto más o menos opuesto y cómo eso cambia la imagen. Verás que la mayor parte de esta
imagen son en realidad sombras. A medida que voy dando vueltas, lo que sea que esté agregando
a las sombras
realmente está afectando a la
mayor parte de esta imagen. Voy a añadir algo más o menos por aquí en
la sección morada. Está frente a nuestro
verde y amarillo, por lo que es complementario, sí funciona bien
con este tono aquí, pero solo agrega un
poco más de contraste lejos del
azul principal de la imagen. Cuando lleguemos a
los tonos medios, de nuevo, voy a querer entrar
con algo similar a los reflejos solo para crear un poco más de contraste. También puedes cambiar
el brillo aquí de estas secciones usando
estos deslizadores. Si le echamos un vistazo sin los reflejos,
sin las sombras, y sin los tonos medios, hemos agregado un
poco de contraste aquí
agregando algunos colores más brillantes
a los reflejos, colores
más oscuros a las sombras. Entonces si no estamos 100 por ciento seguros con ello
podemos volver a lo básico y
volver a jugar con nuestra temperatura. Para mí, estoy bastante contento con esta imagen todo azul pero otra
forma en la que podrías cambiar esto es
abriendo tu sección HSL. HSL se refiere al tono, saturación y luminancia. matiz es el color, piensa en el matiz como el
color de tu imagen. Tienes rojo aquí en un deslizador de un rojo
meñique a un rojo anaranjado. Esto va a cambiar todos
los rojos de tu imagen, no
hay muchos
rojos que mostrarte. Vayamos más abajo en un azul porque tenemos
mucho blues en esta imagen. Si quisiera hacerla más morada la arrastraría de esta manera. Si yo quisiera hacerlo
más verde lo arrastras así. Tu saturación es lo
saturados que están esos tonos, así podemos ver
si arrastro
esto hacia abajo va a sacar la
saturación del azul, si lo arrastro hacia arriba
va a aumentarlo. Tu luminancia es tu
brillo o tu ligereza, así que sacar esto a colación
va a aligerar mis azules, bajarlo los
va a oscurecer. Puedes jugar con los deslizadores HSL para
obtener realmente el color que
deseas pero saltemos
a otra imagen para ver cómo
usaríamos las herramientas similares. Esta imagen aquí es bastante oscura, así que vamos a empezar con tu temperatura moviendo
eso y viendo
dónde la queremos. Esta vez voy a hacer que sea un
poco más cálido. Agrega un poco de rosa y luego también voy a aumentar la exposición solo para
iluminar la imagen. Estas secciones
aquí, tus sombras, tus reflejos
también te ayudarán a cambiar tu exposición y crear diferentes
niveles de contraste. Vamos a saltar a
nuestro tono dividido, nuestra gradación de color de nuevo. Si agregamos un verde a los tonos medios y tal vez
algo un poco parecido, vamos por un azul o verde en esos reflejos y luego en las sombras pongamos algo en que sea un poco opuesto, tal vez como un rosa o un rojo. Ahora vamos. Podemos
volver a saltar a estos deslizadores HSL si quieres ajustar aún más los
colores. Otra cosa que puedes hacer es que
si realmente no sabes qué color estás
tratando de identificar es que puedes hacer clic en
este pequeño botón, hacer clic en él y luego te
acercas al color que quieras. Digamos que queremos
este color aquí, haga clic y luego arrastre hacia arriba
y hacia abajo y
arrastrará cualquier color que
Lightroom detecte que sea. Otra vez, podrías hacerlo aquí
abajo en el blues. Ves que está
cambiando el azul y el morado porque esos son los tonos que está detectando dentro del color
que hemos seleccionado. Entonces abramos
una escena más grande. De nuevo, realmente puedes ver cómo
va a cambiar tu temperatura, el estado de ánimo y la
vibra de una imagen. Se trata de jugar
y experimentar realmente y encontrar una manera que
disfrutes usando colores. Algo que
también puedes
hacer en Lightroom es crear máscaras y máscaras esencialmente seleccionar ciertas
partes de tu imagen y solo afectar a las partes seleccionadas dentro de la
máscara para tus ediciones. Hay diferentes formas en las
que puedes hacer esto, puedes dibujar
tu máscara con
la herramienta pincel o estas
son mis favoritas, podrías usar el degradado
lineal o
el degradado radial. Entonces, por ejemplo, si
quisiera iluminar esta sección de la
imagen hacia arriba usaría un degradado lineal
y simplemente
crearía una máscara que afecte eso. Se puede ver que esta sección
roja es la máscara, puedo cambiar el
color de la superposición, si quiero decir
tal vez algo, no
sé como un amarillo
realmente brillante,
así se puede ver. Esto es lo que la máscara.
También puede desactivar la superposición para que pueda ver cómo se ve realmente la
imagen. Entonces lo que va
a hacer es que va a crear esta pequeña sección aquí cual te permite hacer
ajustes solo a esta máscara. Puedo usar la herramienta
Exposición y
puedes ver que no está
afectando a toda esta imagen, solo
está afectando a esta
sección dentro de la máscara. Otra cosa que podemos hacer en Lightroom es que podemos
copiar y pegar ediciones. Digamos que la configuración de iluminación
era exactamente la misma entre esta foto y
otra foto y quería tomar las
ediciones que he tomado en esta foto
y ponerlas otra foto para mayor velocidad
o facilidad o consistencia, puedes copiar y
pegar tus ediciones. Aquí abajo puedes hacer clic en Copiar
o Comando C si estás usando una Mac o Control C si
estás usando Windows. Puedes seleccionar todas las diferentes cosas que quieras copiar, para incluso
puedas copiar tu máscara,
podrías copiar tu recorte. Para mí no tiendo
a hacer eso porque las composiciones de diferentes
imágenes son diferentes, así que las cosas que tiendo a copiar son tu staff básico, tus colores, y press copy y luego podemos
entrar en otra imagen. Esta imagen en realidad no es
la misma configuración de iluminación pero pretendamos que lo es y puedes pegar y puedes ver
que ahora esa edición ha entrado en esta imagen. En mi opinión estas son algunas de las
herramientas más potentes de Lightroom. Tienes tus deslizadores de color HSL, tienes tu sección de
gradación de color, luego tu balance de blancos
con los bits de eso en la sección básica Lightroom que afecta
tu exposición, y luego, por supuesto,
tienes tu enmascaramiento. Todas estas son herramientas
realmente geniales, herramientas
realmente poderosas
que todas pueden ayudarte mucho a la hora de
editar tus fotos. Lightroom es una gran herramienta
para editar y organizar tu fotografía musical de vida
y definitivamente te recomiendo usarla si buscas ir profesional con tu fotografía
musical. Para aquellos de ustedes que
estén más interesados en la fotografía casual, lo
casual bueno adelante, y simplemente tomando fotos
en eventos de música en vivo, únanse a mí en la siguiente
lección donde estaremos editando en mi iPhone usando una mezcla de dos aplicaciones
gratuitas diferentes que puedes usar.
21. Editar en tu teléfono: En esta lección vamos a estar viendo dos aplicaciones
diferentes que puedes usar en tu
teléfono para editar fotos. En primer lugar, comencemos
con VSCO o VSCO. VSCO es uno de mis favoritos. Es una aplicación que
no solo te ofrece múltiples presets para elegir
sino que también te permite una variedad de diferentes
herramientas
para poder alterar tus fotos desde los
deslizadores de saturación de tono y luminancia hasta los controles de tono dividido. Echemos un vistazo a algunas de
las herramientas más comunes dentro VSCO o VSCO y cómo usarlas,
comenzando por la exposición. Vamos a saltar a VSCO. Abramos esta foto que
tomé hace bastante tiempo. No puedo recordar en qué
teléfono estaba encendido, creo que un iPhone 7. Sólo vamos a empezar
ajustando el cultivo. Vamos por un uno por uno
solo para hacer las cosas simples. Lo primero que
vamos a hacer es que
vamos a abrir
la pestaña de exposición. Una exposición esencialmente hace que
una imagen sea más oscura o más clara. A continuación puedes
moverte a tu contraste. Estas herramientas ya son
similares a las que tienes en Adobe Lightroom para escritorio. También tienes H y S debajo tu sección de tono aquí que afecta tus reflejos
en tu imagen. Realmente no se puede ver en esta
porque no hay muchos reflejos para editar y las sombras que puedes ver un poco más las hacen más oscuras
o más claras. También tienes tus herramientas de balance de
blancos. No solo tienes
eso, tienes una herramienta llamada viñeteado
que esencialmente hace más oscura alrededor de
los bordes de tu imagen. Eso ayuda a crear algún punto
focal en la imagen. A continuación, pasemos
a su
tono dividido , que es esencialmente su
sección de gradación de color de Lightroom. Puedes agregar diferentes
colores en las sombras y en
tus reflejos. Además de la tonificación dividida,
también tienes tus deslizadores HSL, tan similares a cuando estás
trabajando en lightroom. VSCO también tiene un montón de
diferentes presets que puedes usar si no te apetece
editar cosas desde cero. A continuación, vamos a sumergirnos en la aplicación móvil de Adobe
Lightroom mobile. Las herramientas en lightroom mobile
son similares a VSCO y también muy similares a la habitación
ligera para escritorio. Ofrecen
funciones más avanzadas que VSCO similares a la
versión de escritorio de Adobe Lightroom, incluyendo enmascaramiento
y gradación de color. Veamos algunos de mis
favoritos dentro de la app. Como puedes ver aquí abajo
tienes muchas de las mismas herramientas que VSCO y como Adobe
Lightroom para escritorio. Tienes esta genial herramienta que
se llama Auto y que esencialmente predice cómo se debe editar
la imagen. Sin embargo, puede
sobrescribir esto. Vamos a dirigirnos
a la sección de luz que abrirá nuestro contraste de exposición
y reflejos, etc. Puedes ver que
las cosas ya
se han editado gracias
a la configuración automática. Pero como dije, puedes
sobrescribir estos ajustes. Prefiero tener
un poco más contraste así que voy a traer algo de la oscuridad de
vuelta a esas sombras. También tienes algo llamado
Tone Curve Tool que también
tienes en Adobe
Lightroom para escritorio, es una herramienta un poco
más avanzada pero esencialmente lo que te
permite hacer es que te
permite poner puntos en una curva y afectar diferentes
partes de la imagen. Por ejemplo, esta esquina superior
derecha
afectará los reflejos
de tu imagen, la parte inferior derecha
afectará a las sombras. También puedes agregar diferentes
colores dentro de esas sombras, por lo que dentro de la curva de tono rojo, puedes agregar rojo en
las iluminaciones
o azul o lo mismo en las sombras, y lo mismo para
verde y también azul. Esta es una herramienta un poco más
avanzada y lleva un
poco acostumbrarse, así que juega con eso. A continuación tenemos tu
sección de color y el color incluirá tu balance de blancos y
también incluirá tu gradación. La calificación será lo que hicimos
en VSCO en tu tono dividido y lo que hicimos en el escritorio
Adobe Lightroom con tu gradación de color. Para que puedas agregar un color
a tus sombras, tus tonos medios y
tus reflejos. Cuando entres en la mezcla, esto introducirá
tus deslizadores HSL, así lo mismo que en otro software que
hemos estado usando y
por supuesto también podrás recortar desde
diferentes relaciones de aspecto, enderezar, etc, y
hacer zoom en esta app. En la siguiente lección
vamos a estar viendo una
técnica de edición muy común utilizada en la fotografía de música en vivo y
saltando a Adobe Photoshop.
22. Doble exposición en Photoshop: En esta lección,
vamos a estar sumergiéndonos en Adobe Photoshop. Vamos a estar
hablando de una técnica de edición
muy común que se utiliza mucho en la
fotografía de música en vivo, exposiciones dobles. Las exposiciones dobles
se originaron
cuando la fotografía cinematográfica
era la norma. Realmente consistía en dos o más fotos que se
exponían en el mismo marco. Hoy en día, esta técnica
es comúnmente
replicada en forma digital utilizando software
como Adobe Photoshop, donde los fotógrafos
pueden colocar una imagen o varias imágenes sobre
otra. Echemos un
vistazo a cómo esto se puede lograr estratificando dos
fotos que tomé en repercusión en 2022
en proyecto de almacén. A la hora de crear
una doble exposición, lo que quieres buscar son
imágenes que contrasten. Entonces vamos a estar superponiendo esta imagen y esta imagen. En primer lugar, sólo voy
a copiar esta imagen y crear un nuevo lienzo
para trabajar. Entonces vamos a
pegar esa imagen en. Y luego quiero entrar
y tomar esta imagen de multitud, que es una imagen bastante
contrastante, y también agregarla. A continuación,
solo voy a asegurarme de que ambas imágenes sean del mismo tamaño. Así que sólo vamos
a cambiar el tamaño de esta imagen. Para cambiar el tamaño muy rápido, presiono Comando T. Podrías
usar Control T si estás usando Windows y eso
abrirá esta caja Redimensionar. A continuación, sólo voy a bajar
la opacidad de esta imagen. Voy a bloquear la
capa en la parte inferior. Estoy bloqueando esa capa
para que no mueva la capa inferior cuando estoy experimentando con
la composición. Después en la Capa 1, voy
a poder arrastrar esta capa. Lo que quiero hacer es simplemente asegurarme que esta imagen y esta imagen estén alineadas correctamente y
que se vean bien juntas. Así que sólo voy a
transformarlo de nuevo y jugar. Entonces voy a
volver a establecer esto al 100%, bloquear esa capa, arrastrar la Capa 1 por encima de la Capa 2, desbloquearla y reducir la opacidad para que pueda
alinear esta capa a continuación. Entonces ahora tengo mis dos imágenes. Lo que quiero hacer es experimentar
con estilos de capa. Entonces voy a desbloquear
ambas imágenes, ambas capas. Haga clic en la capa superior, aumente la opacidad
y luego haga clic en la sección
donde dice Normal. Esto me dará un montón
de opciones diferentes, y solo voy
a desplazarme y ver cuál se ve mejor. Entonces creo que quiero ir con
algo como Ligerar, pero quiero que esta silueta
sea el punto focal principal
más que este punto focal. Por eso,
voy a seleccionarlo nuevo a la normalidad y
arrastrarlo a la capa inferior. Entonces voy a hacer lo
mismo en esta. Voy a seleccionar esto para Aclarar o Pantalla o
algo así. Entonces puedo arrastrarlo para que las sombras queden detrás la silueta para que aún
puedas verla. Alternativamente,
lo que podría hacer es tener esto como mi capa superior. Trabajar para que las sombras de la capa inferior
eliminen mi silueta. Creo que en términos de
esta composición, esto funcionará mejor teniendo a
la multitud más cerca de
la silueta principal. Crear
exposiciones dobles es realmente solo jugar con los
diferentes estilos de capa, ver lo que te gusta, el aspecto de lo mejor y experimentar
con la composición. Pero es una forma muy divertida
y sencilla de crear composiciones
interesantes a partir de imágenes que ya has tomado. Puedes, por supuesto, entonces entrar en tu brillo
o algo así y editar más una foto para realzar
realmente la técnica. Estas herramientas simplemente van a ser muy similares
a todo lo que hemos jugado
en Lightroom y VSCO. Simplemente están en diferentes
lugares, esencialmente. Cuando estés contento
con tu foto, solo
puedes guardar tu foto. Cuando buscas fotos
para superponer, me gusta buscar contraste. Entonces tienes una gran imagen de tu artista y luego una imagen
donde la multitud es pequeña, o tienes contraste en iluminación entre la
oscuridad y la luz, la luz en la oscuridad. Cualquier cosa con contraste te
ayudará a crear una
doble exposición realmente interesante. Incluso puedes perfeccionar una doble
exposición usando cosas
como las funciones Restar o
Borrar. Así que haz clic en tu
pincel Borrar y luego podrás sacar cualquiera de las texturas o cosas que
realmente no sirven a la imagen. Tráeme en la siguiente lección
donde nos vamos a
quedar en Adobe
Photoshop y
vamos a estar viendo
cómo puedes crear un Carrusel de Instagram cuando se
trata de la entrega
de tus fotos.
23. Creación de carousels de Instagram en Photoshop: Crear
carruseles de Instagram puede ser una forma realmente interesante de
mostrar tus fotos
dentro de tu portafolio. Es genial para la música en vivo
porque te permite no solo incluir más de 10
fotos dentro del carrusel, sino también una mezcla de imágenes de
paisaje y retrato. En esta lección,
vamos a estar viendo cómo podemos crear un
carrusel de Instagram realmente simple usando Adobe Photoshop. Para crear un carrusel de Instagram, lo primero que vamos
a hacer es abrir un nuevo archivo, un nuevo lienzo en Adobe Photoshop. Las dimensiones para una imagen de retrato
normal en Instagram son de 1,080
píxeles por 1,350 píxeles. Sin embargo, queremos tener 10
imágenes dentro de nuestro carrusel. La altura no
va a aumentar, pero el ancho es porque
vamos a tener 10 fotos dentro del carrusel. Lo que vas a hacer
es simplemente
poner un cero extra al poner un cero extra final de tu ancho
y hacer clic en “Crear”. Esto ahora nos ha creado un lienzo
realmente largo que
va a poder
encajar en 10 marcos apropiados para Instagram. Lo siguiente que debe hacer para configurar su lienzo es dirigirse a su panel Ver y hacer clic
en “Nuevo diseño de guía”. Lo que esto hará es
esencialmente crear columnas dentro de tu lienzo que te
ayudarán a entender dónde
comienza y termina cada nuevo marco. Como estamos teniendo 10 marcos, vamos a poner
10 en columnas. Vamos a
dejar despejados el ancho y la canaleta y también mantener las filas sin marcar.
Después haga clic en “Bien”. A continuación, es el momento de agregar las imágenes reales al lienzo. Como me gusta hacer esto
es abrir mi buscador, encontrar la forma que
quiero usar. Para este ejemplo,
voy a estar usando fotos de la fiesta
Arthi Hard. Entonces normalmente
solo haré estas imágenes un
poco más grandes para poder verlas
correctamente y elegir
una selección de mis favoritas. No te preocupes por
que haya exactamente 10 imágenes para elegir para empezar, eso no es realmente importante y podemos reducirlas más adelante. Se puede seleccionar una
mezcla de paisaje y también retrato,
eso no importa. Esa es la brillantez
de usar carruseles. Tengo 11 artículos seleccionados, voy a arrastrar
todos a mi lienzo. sustituyes con el Enter en tu teclado o con
esta pequeña garrapata aquí. Una vez colocadas todas las
imágenes, puedes empezar a moverlas y decidir en qué orden
van a estar. Para mí, personalmente sé que
me gusta mucho esta foto, probablemente
va a ser la que quiero al
inicio del post. Esto es simplemente
jugar con cómo quieres que se vean las imágenes. Para mí, me gusta poner mis imágenes favoritas
hacia el inicio. También puedes incluir imágenes de
paisajes, así que podría simplemente
arrastrar esto sobre las dos imágenes y gente podrá deslizar el dedo
para ver ambas. Esta imagen probablemente no sea
la mejor para hacer eso, así que voy a mantener esa
como imagen de retrato, componerla como imagen de retrato. Voy a quitar esta imagen porque ya tengo una foto de él aquí y no quiero demasiadas de la misma gente. Entonces lo que voy a
hacer es que en realidad voy a eliminar esa imagen, recomponer esa imagen y luego saltar de nuevo a mi buscador para encontrar una mejor imagen de paisaje que quiera usar
para el post final. Lo que voy a hacer es
que voy a optar por usar esta foto de multitud y voy a colocar para
que cubra los dos últimos fotogramas. Podría tener esto como
dos fotogramas separados, pero lo que voy
a hacer en cambio es voy a agregar otras fotos dentro de estas imágenes para que
pueda encajar aún más. Ahora estoy a la caza de
dos más y lo que
busco aquí es
contraste en colores. O algo que
sea rosa para contrastar el azul o algo que
tal vez sea blanco y negro. Una vez que tenga mis dos
últimas imágenes, me voy a asegurar de que
estas sean de la altura correcta. Voy a hacer clic en
uno con el
botón Mayús presionado y luego hacer clic en el segundo para seleccionar ambos
al mismo tiempo, luego Comando T para transformar. Si estás usando Windows, puedes hacer clic en
“Control T” en su lugar. Entonces voy a cambiar el tamaño de
estos para
que quepan en
medio de esta imagen, tal vez un poco más gruesa que eso. Entonces voy a separarlos. Personalmente para que yo pueda
crearlos punto muerto, voy a crear una
cajita que tenga las
mismas dimensiones que ese marco. Voy a mover eso detrás de la
capa para que pueda ver la imagen. Selecciona esa capa y mi foto, y luego usa las herramientas de alineación. Entonces solo voy a
arrastrar este cuadro sobre la segunda imagen, arrastrarlo hacia abajo otra vez, y luego hacer lo mismo. Entonces puedo borrar la caja blanca. De hecho quiero
cambiar estas imágenes solo porque están
enfrentando el camino equivocado, quiero que miren hacia adentro. Sólo vamos a
hacer eso otra vez. Los movemos a través, luego eliminamos esa capa. Ahora tengo mi carrusel, es momento de exportarlo. A continuación, en lo que voy
a hacer clic es que voy a encontrar la
herramienta Rebanar en Photoshop, que suele estar justo
detrás de la herramienta Recortar. Si puedes ver la herramienta Recortar aquí y hay un
pequeño triángulo, mantén presionado ese triángulo y
abrirá la herramienta Rebanar. Entonces lo que quieres hacer clic
es “Rebanar de guías”. Esto va a
crear marcos separados donde están tus guías. A continuación, voy
a hacer clic en “Exportar”, “Guardar para Web” y
luego estoy listo para guardarlo como el carrusel Arthi
Hard, y eso me va a
exportar mi carrusel. Una vez que vuelva a
la carpeta Arthi Hard, serán una nueva
que diga imágenes. Cuando haga clic en eso,
puedo ver todas mis imágenes, las
voy a seleccionar, y voy a mandar
eso a mi teléfono. Puedes hacer esto, sin embargo
es más fácil para ti, emailing, drop-boxing, etc. Para mí, voy a
agregar Drop a mi teléfono. Ahora que tengo las
fotos en mi teléfono, puedo abrir mi Instagram
y luego seleccionar las fotos. En la siguiente lección,
nos vamos a
quedar en el
tema de la entrega, pero hablando un poco más sobre cómo realmente
obtienes tus fotos de
ti mismo a tu cliente o a sea a
quien le estés
entregando las fotos.
24. Entrega de tus fotos: Así que has filmar
y editado tus fotos con éxito. ¿Cómo harías ahora entregar esas
fotos a tu cliente? En esta lección,
vamos a estar cubriendo los mejores métodos para transferir tus fotos a tu cliente. Junto a mis mejores consejos para etiquetar y nombrar tus fotos. Comencemos con el nombre de
sus archivos para su entrega. Así que nombrar tus archivos se
puede hacer dentro
del proceso de exportación o guardado, o puedes cambiarles el nombre una vez
que ya los hayas exportado. Pero claramente, nombrar tus archivos es realmente importante
por dos razones. Una de las cuales es archivar, asegurándose de que usted
y su cliente puedan encontrar esas fotos en el futuro buscando
el nombre del artista o la fecha o
algo así. Pero también asegurándose de que
esté acreditado adecuadamente. Te recomiendo nombrar tus
archivos con una estructura
como el nombre del artista
subrayar tu nombre, subrayado, número de
secuencia de las fotos. Una vez que hayas
nombrado apropiadamente tus archivos, es el momento de
enviarlos para su entrega. En el mundo moderno, hay tantas formas
diferentes en las que puedes transferir archivos
a tus clientes. Mis favoritos personales
son utilizar almacenamiento
en la nube y
transferencia de archivos software de almacenamiento
en la nube y
transferencia de archivos como Google Drive, Dropbox
o WeTransfer. Los tres de esos servicios, ofrecen versiones gratuitas
de sus plataformas, lo cual es genial, no
importa en qué
nivel estés en cuanto a
fotografiar puertas. También encuentro los tres realmente útiles si no tienes
acceso a algo como AirDrop de
Apple para realmente obtener las fotos de tu
computadora portátil a tu propio teléfono, para publicar en Instagram,
o donde sea. En la siguiente lección,
vamos a estar
concluyendo la clase de hoy y voy a estar dejándote
con algunos de mis consejos finales.
25. Reflexiones finales: Hemos llegado al
final de la clase. En primer lugar, quiero
agradecerte por quedarte conmigo y quedarte todo el camino hasta
el final del proceso. A lo largo de esta clase
has
dominado con éxito la preproducción, proceso de
rodaje y posproducción de
filmar un concierto en vivo. Desde entender cómo
asegurar tu pase de fotos, hasta aprender qué
buscar en una toma y cómo usar varias herramientas
diferentes para mejorar la toma en
tu proceso de edición. Espero que esta clase
te haya resultado no solo interesante sino que
también sientas que te ha
preparado y
te haya dado la confianza para salir y
rodar tu primer concierto. Antes de firmar quiero dejarte con
algunos puntos finales. La preparación como con
cualquier cosa siempre es clave. En un género que puede
ser tan impredecible, concéntrate en controlar
las cosas que puedes controlar y todo lo demás
debería quedar en su lugar. Diviértete con él,
fotografiar música en vivo es uno de los mejores aspectos
de ser fotógrafo. Es uno de los trabajos más
agradables que existen, así que asegúrate de estar
disfrutando todo el proceso. No dude en
comunicarse conmigo en cualquier momento ya sea a través de Skillshare
u otras redes sociales. Si necesitas alguna
ayuda con cualquier cosa, cualquier puntero cuando se trata fotografía con música
en vivo o
cualquier otra fotografía. Tengo otras clases aquí
en Skillshare que cubren una variedad de cosas diferentes, desde la teoría del color hasta la
toma de retratos. Si eso es de algún interés para ti entonces dirígete
y échales un vistazo. No puedo esperar a ver lo que
creas de la clase de hoy. Siéntete libre de compartirlo en la galería de proyectos
para que pueda echarle un vistazo. Pero muchas gracias por verlo y buena suerte con el
rodaje de tu primer programa.