Fotografía: ¡cómo tomar fotos impresionantes siempre!

1. Introducción: Hola y bienvenidos a mis fundamentos de fotografía. Curso. Mi nombre es Chris Parker, y llevo 30 años siendo fotógrafo profesional, y estoy tan emocionado de que estés aquí porque no puedo esperar a compartir contigo los siete Count em siete ingredientes para fotos impresionantes cada vez. Necesitas conocer estos siete ingredientes si quieres tomar ese control creativo de tu cámara para que puedas ser un fotógrafo impresionante y tomar fotos impresionantes cada vez y poder cumplir tu visión creativa, no dejando que la cámara decida por ti. Decidamos por nuestra cuenta qué queremos capturar y cómo queremos capturarlo tomando ese control creativo de nuestras cámaras. Y voy a compartir contigo cómo hacer eso con E siete ingredientes secretos, vas a aprender cada uno de ellos con gran detalle. Entonces si estás listo para llevar tu fotografía al siguiente nivel, empecemos ahora mismo. No vamos a posponer más. Empecemos con esos ahora mismo. Esta es una clase corta de aproximadamente una hora, y vas a aprender todo lo que necesitas saber para empezar a tomar fotos impresionantes en este momento . Así que agarra tu cámara y empecemos ahora mismo. No más vacilaciones. Agarra esa cámara. Vámonos. Vamos. Sé que puedes hacerlo. Empecemos. Y no puedo esperar a compartir contigo todo lo que sé de estos siete ingredientes secretos porque harán tus fotos impresionantes. Entonces hagámoslo. Vámonos. 2. Ingrediente de la fotografía 1: bien, Así que aquí vamos, el ingrediente principal para la fotografía y tomar fotos impresionantes cada vez Este ingrediente es tan importante. No importa qué tipo de equipo de cámara tenga. No importa si tienes una cámara DSLR de gama alta y cara. No importa si estás usando un smartphone o algo intermedio, porque realmente no importa qué tipo de equipo tengas. Entonces, ¿qué es tan importante que realmente no importa qué tipo de equipo tenga? Bueno, es bastante obvio. Es ligero, así que sin luz, no se puede tomar ninguna foto. Entonces vamos a probarlo. Ya que nuestros ojos son muy similares a nuestra lente en nuestra cámara, que permite que la luz entre a la cámara en nuestros cerebros, cerremos los ojos y ¿qué ves? Nada. Oscuridad, negrura. No se puede ver nada porque no hay luz entrando en el iris ni en la lente de tu cámara. Por lo que la luz es más importante que cualquier otra cosa cuando se trata de fotografía. Ahora bien, esto es importante saber, porque necesitamos ser maestros de última hora. Necesitamos una luz de estudio y aprender a usarla para capturar nuestra visión creativa, independientemente de lo que estés fotografiando, necesitas dedo del pie claro, fotografíalo. Entonces una vez que entienda la luz cómo usarla, cómo controlarla será capaz de tomar fotos mucho mejores que las que estamos tomando ahora. Y una vez que empieces a dominar la luz, podrás cumplir con tu visión creativa y empezar a tomar mejores fotos cada vez. Ahora echa un vistazo a esto. Esto es bastante guay. Vamos a echar un vistazo a lo que significa la palabra fotografía, porque es bastante genial una vez que se echa un vistazo profundo a la palabra fotografía. Entonces vamos a ir a Wikipedia y podemos ver que la palabra fotografía está conformada por dos raíces griegas. Tenemos foto's, que significa luz y luego grafica e significa dibujo. Por lo que juntos significan dibujar con luz. ¿ Qué tan guay es eso? Por lo que la fotografía es esencialmente una forma de arte mediante la cual utilizas la luz para dibujar o pintar con para capturar tus imágenes. Ahora, como mencioné, hay que dominar la luz para poder tomar mejores fotos. Pero aquí están las malas noticias. No va a pasar de la noche a la mañana. No va a pasar en el próximo mes ni en el próximo año. Va a ser un viaje de toda la vida. Soy fotógrafo desde hace 30 años, y sigo aprendiendo nuevas técnicas para usar la luz para diferentes ideas creativas. Entonces veré obras de arte de otros fotógrafos. Y me pregunto, ¿Cómo les gustó esa escena en particular? O ese tema que ahí fotografiando? Y si miras profundamente la imagen misma, puedes ver de dónde viene la luz, en base a las sombras y el color de la luz, ya sea luz artificial o natural. Y al estudiar otras imágenes, puedes hacerte una idea bastante buena de cómo se encendió una imagen para conseguir esa obra final. Por lo que es esencial si quieres convertirte en mawr que solo en un fotógrafo promedio y quieres tomar mejores fotos es estudiar la luz. Si no te importa ser solo tu fotógrafo promedio cotidiano, como los millones y millones de otros fotógrafos de ahí fuera que solo toman una cámara y rompen la foto y realmente no consideran la luz ni siquiera la composición, para el caso, entonces no hay necesidad de continuar con este curso porque simplemente estás bien y contento con imágenes promedio. Pero si quieres tomar mejores fotos cada vez, entonces necesitas echar un vistazo a la luz con más detalle y estudiarla. Y cuanto más aprendas, mejores serán tus fotos. Entonces, en la siguiente lección, vamos a echar un vistazo un poco más profundo a la luz misma porque la luz se compone de muchos más ingredientes además de solo ser mientras la luz. Por lo que una vez que conozcas todos estos diferentes ingredientes, puedes empezar a dominar la luz y usarla a tu favor para tomar mejores fotos cada vez. Entonces si estás listo para empezar con eso, hagámoslo. 3. Ingrediente de la fotografía 2: parte 1: hola y bienvenidos de nuevo. En la última lección, aprendiste que la luz es el ingrediente número uno para fotos impresionantes. Cada vez. Ahora vamos a explorar los ingredientes mawr durante el resto de este curso, así que empecemos ahora. Si bien la luz es el ingrediente número uno, luz misma consiste en varias características y comportamientos diferentes, cada uno de los cuales puede afectar tu imagen final. Ahora, base en la obra de arte o en la foto que deseas capturar, hay que considerar cada una de ellas cuidadosamente al pintar con luz. Ahora tus elecciones ayudarán a establecer el estado de ánimo de tu imagen, que puede evocar diferentes emociones en función de esas opciones. Entonces echemos un vistazo a algunas de esas características, que incluyen, que incluyen, pero no limitándose a, la calidad de la luz, la intensidad de la luz, la dirección de la luz que incluso puede tener un impacto en tu obra de arte. Entonces, cómo se transmite tu luz al sensor de tu cámara también puede afectar tu trabajo final, por lo que esto puede incluir reflexiones, absorción y transmisión. Ahora, esas características y comportamientos son técnicas avanzadas, y están mucho más allá del alcance de este curso. Entonces, en cambio, solo nos vamos a centrar en una de las principales características que debes dominar antes de pasar a esas otras técnicas avanzadas. Ahora aún no he mencionado esta característica porque primero quieren explicar algo más sobre la luz, y es decir, de dónde viene la luz Ahora sé que es bastante obvio de dónde viene. Depende de la fuente de luz, pero tenemos una tonelada de diferentes fuentes de luz desde las que elegir iluminar tus objetos o nuestros sujetos, o son escenas etcétera con el fin de cumplir con nuestra visión creativa. Entonces, solo echemos un vistazo rápido a algunas de esas fuentes comunes de luz, y luego vamos a ir a partir de ahí. Está bien, así que aquí vamos. Por lo que la luz puede venir de dos lugares básicos. Puede ser luz natural o puede ser luz artificial. Entonces aquí te dejamos algo de luz natural con la que podemos trabajar. El 1er 1 es probablemente el que usas la mayor parte del tiempo, como lo hago yo, que es el sol. Ahora, sé que esa no es una revelación revolucionaria, así que solo ten paciencia conmigo un momento antes de revelar la salsa secreta que todas las fuentes de luz tienen en común. De acuerdo, Entonces además del sol, podemos incluso sujetos más ligeros y nuestras escenas cuando se pone el sol, ya sea con las estrellas o la luna, o ambas si quieres. Y entonces si tenemos, digamos algún relámpago, podríamos pintar se ven con eso. Y luego digamos que un rayo golpea un bosque seco y crea un incendio. Bueno, ¿ adivina qué? También se puede pintar con fuego, ya que su luz bastante obvia de nuevo. Yo lo sé. De acuerdo, entonces esos son todos tipos naturales de luz de la que puedes pintar con ahora como faras fuentes artificiales de luz. Tenemos muchas más opciones. fuentes de luz artificiales podrían incluir estroboscópicas de estudio flash fuera de la cámara, iluminación en nuestro hogar o en nuestro lugar de trabajo como lámparas o iluminación fluorescente aérea y mucho , mucho más. Ahora todas estas fuentes de luz y muchas más todas tienen una cosa en común. Rollo de tambor, por favor. El secreto de la salsa de todas las fuentes de luz es que todas emiten un color de luz ahora. Más importante aún, no toda la luz admite el mismo color. Por lo que el siguiente ingrediente para fotos impresionantes cada vez es pintar con o capturar el color de la luz para cumplir con tu visión creativa. Ahora, igual que un padre de acuarela elige diferentes colores para representar una pieza de arte, debes considerar los colores de tu visto en cómo deseas capturar esos colores. Entonces solo recuerda que estamos pintando con luz, y podemos usar el color de la luz para evocar cierto estado de ánimo para nuestras imágenes. O tal vez queremos capturar la escena o el sujeto que está recubierto con ese color de luz para poder grabar adecuadamente lo que vemos ahora con el fin de pintar con color de luz con sus cámaras, nosotros o la cámara necesita decidir de qué color para pintar con. Entonces, dependiendo del tipo de cámara que tengas, puedes o no tener una opción para tomar esa decisión. Entonces tal vez tengas un smartphone o tal vez una cámara de consumo de gama baja. Entonces lo más probable es que no tengas opción para seleccionar el color. En ese caso, tu cámara lo hará por ti automáticamente y tomará las decisiones creativas por ti. Ahora si tienes, digamos, una cámara pro Sumer o una cámara pro como una D S L R, lo que simplemente significa que tu cuerpo de cámara puede usar lentes intercambiables. Entonces aquí tengo una Nikon D 300 puedo sacar la lente del cuerpo de la cámara. Por lo que esto se considera un D. S, L. R. cualquier momento se puede quitar la lente de una lente de intercambio, eso es lo que eso significa. Entonces si tienes una cámara así, las posibilidades son buenas. Tu cámara te permitirá tomar la decisión creativa a la hora de pintar con el color de la luz. Ahora, cuando se trata del color de la luz, necesita conocer a términos específicos de fotografía, los cuales vamos a aprender en la siguiente lección. Entonces si estás listo dedo del pie, aprende que estoy emocionado y no puedo esperar a compartir contigo exactamente lo que es en tu cámara que necesitas para controlar el color de la luz. Oh, estoy tan emocionado. Entonces empecemos con eso ahora mismo. Hagámoslo. Vamos, vamos 4. Ingrediente de la fotografía 2: parte 2: hola y bienvenidos de nuevo. Según lo prometido, vamos a aprender a sólo a términos de fotografía. Y luego vamos a explorar cómo recuperar el Credo de control de tu cámara y capturar el color de la luz. Por lo que el 1er 1 es la temperatura Kelvin. Entonces, ¿qué es exactamente un Kelvin? Bueno, me alegra que lo pidieras. Es simplemente una unidad de medida para la temperatura en fotografía. El Calvin mide la temperatura de color de esa fuente de luz. Por lo tanto, recuerda que diferentes fuentes de luz emiten diferentes colores en función de la temperatura Kelvin. Desde esa fuente de luz, podemos entonces decirle a la cámara con qué color queremos pintar o, en otras palabras, qué color queremos capturar. Por lo que las temperaturas Kelvin van de 2000 Kelvin a 9000 kelvin. Entonces echemos un vistazo a esta habilidad de temperatura kelvin, y podemos ver fuentes de luz comunes con las que podemos fotografiar a la izquierda. El color de la luz es más azul, y esto puede incluir disparos a la sombra o en un día nublado. El kelvin temperatura oscila entre 7 y 9000 kelvin. En estas situaciones de iluminación, al disparar bajo la luz solar directa, el color de la luz es más blanco o neutro. Entonces con iluminación de tungsteno, es mucho más cálido y emite un color más amarillo a naranja. Entonces, a digamos que el amanecer o una puesta de sol, se acerca más a los rojos y las naranjas, por lo que ambos están en el rango de 2000 a 5000. Entonces ahora la pregunta es, ¿Por qué importa esto y cómo lo usamos para tomar mejores fotos cada vez? Bueno, eso nos lleva a nuestro próximo término fotográfico, que es el balance de blancos. Entonces, ¿estás listo para ello? balance de blancos es el proceso de eliminar moldes de color poco realistas. Para que veamos en persona es lo que captura nuestra cámara. Entonces, en esencia, quieres equilibrar el color que estás capturando en cámara, para que coincida con la escena que estás fotografiando. O puedes configurar el balance de blancos para que sea más cálido o más fresco, en función de tu preferencia personal y de tu visión creativa. Por lo que a la hora de elegir tu balance de blancos, tienes que tomar en consideración la temperatura de color o la temperatura kelvin fuera de la fuente de luz principal. Entonces puedes tomar la decisión creativa de capturar un color de luz neutro, más cálido o más frío. Muy bien, entonces ahora que conocemos los dos términos de la fotografía para capturar el color de la luz. Ahora echemos un vistazo a cómo podemos tomar esas decisiones creativas nosotros mismos frente a dejar que la cámara lo haga por nosotros. Ahora, esto va a depender del tipo de cámara que tengas. Si tienes un smartphone o una cámara de consumo de gama baja, entonces lo más probable es que no tengas la opción de seleccionar el color. En ese caso, tus cámaras lo van a hacer por ti automáticamente, y va a tomar las decisiones creativas por ti. Entonces esa es una de las caídas. Otra es que tus cámaras no siempre van a capturar el color correcto, y vas a tener que arreglarlo en postproducción. Ahora, si tienes una cámara semi pro o pro como lo son una DSL, entonces lo más probable es que tu cámara te permita tomar esas decisiones creativas a la hora de pintar con el color de la luz. Ahora, a la hora de elegir tu balance de blancos en tu cámara, puede venir en tres sabores diferentes. Por ejemplo, puede que tenga una opción para manualmente y poner la temperatura Kelvin, o puede que tenga varias opciones que seleccionarán automáticamente el balance de blancos para usted en función de la situación en la que está disparando o puede que tenga un puntera opción. Deja que la cámara decida automáticamente independientemente de la situación de disparo, que es igual que el smartphone o la cámara de gama baja. Se va a hacer todo el 100% del tiempo. El problema otra vez con esto es que le estamos dando control creativo a la cámara, así que eso no es lo que queremos. En cambio, o bien queremos introducir manualmente la temperatura Kelvin o elegir un ajuste automático basado en la situación de disparo. Por lo que cuando se trata de manualmente en poner la temperatura Kelvin, hay que poder ver el color de la luz y saber qué número introducir manualmente en base a la escala de color de la que hablamos previamente. Y, por supuesto, su preferencia personal. Esto es mucho más difícil de hacer hasta llegar a ser más experimentado y ver el color de luz y reconocer la temperatura Kelvin. Y por supuesto, en este momento puede que no sepas qué colores prefieres. Es posible que prefieras más caliente o más fresco, pero puede que no tengas una idea en este momento, por lo que esta puede no ser una opción ideal para ti en este momento. Entonces echemos un vistazo a la segunda opción, que es dejar que nuestra cámara seleccione automáticamente el balance de blancos para nosotros, pero hacerlo en una situación de disparo específica. Entonces, por ejemplo, digamos que estamos disparando afuera en un día soleado. Deberíamos tener una opción como esta para Nikon o como esta para Canon, y eso va a seleccionar la temperatura Kelvin o el balance de blancos para esa situación de disparo específica . Ahora estas son las opciones para Canon y Nikon, claro. Y si estás usando algo más, vas a necesitar consultar el manual de tu cámara para saber cómo se ve tu marcado , o cómo seleccionar las opciones de balance de blancos para estas diferentes situaciones de disparo. Ahora lo otro es dependiendo de la marca y el modelo de tu cámara, posible que tengas más o menos opciones de balance de blancos que lo que se mostraba anteriormente. Ahora aquí es donde ese práctico manual de dandy que probablemente pases a través de tu borracho igual que lo hice cuando compré mi primera cámara digital en 2002 y probablemente quieras sacarlo , desempolvarlo y pasar por el diferencia opciones de balance de blancos para su cámara en particular . Así que echa un vistazo a esas opciones de auto balance de blancos que tienes y empieza a usarlas la próxima vez que salgas a tomar algunas fotos. Y luego a medida que empieces a disparar a Mawr y Mawr, vas a empezar a descubrir las limitaciones de la capacidad de tu cámara para capturar el color que quieres. Por lo que es posible que te encuentres corrigiendo tu cámara y postproducción calentándola o tal vez enfriándola. Y en ese caso, después puedes sacar una nota de la temperatura de color en sala de luz o tiendas de fotos, un CR o cualquier programa de edición que estés usando. Y puedes tomar nota y decir: ¿Sabes qué? A mí me gusta la temperatura Kelvin en 5900. Pero cuando disparo en estas situaciones, mi cámara está eligiendo un Kelvin off 5400. Y luego, en ese punto puedes empezar a marcar manualmente en la temperatura kelvin, lo que significa que estás tomando mal al control creativo desde tu cámara y vas a empezar a tomar las decisiones creativas y vas a crear mejores fotos cada vez. Ahora, para los que aún no están convencidos de tomar el control creativo del balance de blancos en cámara. Este siguiente escenario puede convencerte ahora imagina si podrías ahorrar 30 segundos de tiempo de edición por cada foto que capture. Y digamos que te vas de vacaciones y tomas 1000 imágenes y digamos que ahorras 30 segundos de tiempo de edición por cada imagen que sale a 30 1000 segundos guardados, lo que equivale a cinco horas de edición. No sé ustedes, pero me encanta la fotografía, pero no quiero sentarme frente a mi computadora más tiempo del necesario. Encerré muchas cosas, y estoy seguro de que mi esposa pudo encontrar algunas tareas para que yo hiciera en lugar de sentarme frente a la computadora durante cinco horas que no necesitaba dio. Ahora tal vez no debería hacer eso para no tener que hacer las tareas de todos modos, porque si lo consigues bien en cámara, el balance de blancos no tienes que arreglarlo en postproducción, y vas a ahorrar un montón de tiempo Ahora. Esto nos lleva a mi propina pro número uno. Cuando se trata de edición puntera, edición. ¿ Estás listo? Vamos a poner un poco de tambores aquí. La edición comienza en tu cámara y no en sala de luz o Photoshopped. Hazlo bien en tu cámara y ahorrarás horas, semanas, meses de postprocesamiento. De acuerdo, así que estos airean mis consejos para capturar balance de blancos y cámara para ahorrar tiempo de edición y para asegurarte de que tengas más tiempo para recorridos y cómo elegir el balance de blancos para tu visión creativa y no dejar que tu cámara haga el decisiones para ti. Por lo que a continuación, vamos a descubrir otro ingrediente importante para fotos impresionantes cada vez. Y no puedo esperar a compartir esto contigo porque es uno grande, y si estás listo, es hazlo. Vamos, vamos a hacerlo. 5. Ingrediente de fotografía 3: De acuerdo, aquí vamos. Ingredientes número tres para fotos impresionantes. Cada vez es la exposición. Entonces primero vamos a repasar lo que es explotador, y luego vamos a explorar los tres ingredientes que se relacionan con la exposición. Entonces aquí vamos. La exposición por sí misma simplemente significa qué tan clara u oscura será tu imagen en función de las opciones seleccionadas de tu cámara. Entonces cuando estamos pintando con luz, primero entra en nuestra lente y luego lo graba un sensor dentro de la cámara. Ahora, si dejamos entrar demasiada luz, tu imagen estará sobreexpuesta si no dejas entrar suficiente luz de la que tu foto estará bajo expuesta. Por lo que el objetivo es el deleite del dedo Bayliss. Por lo que obtenemos una exposición bien equilibrada. Esto no sólo te proporciona una mejor imagen directamente de la cámara, sino que también significa que no tienes que arreglarla en posproducción, lo que de nuevo te ahorra tiempo sino que también te da una imagen de mejor calidad. Pero eso no significa que estemos limitados por nuestra visión creativa, porque si queremos, podríamos seleccionar ciertas partes de una imagen para estar sobreexpuestas o subexpuestas, y dependiendo del tipo de cámara que tengas. Esto puede suceder automáticamente en función de las limitaciones de tu cámara, dependiendo de la situación de iluminación en la que estés disparando. Entonces si estás disparando en un brillante día soleado y tus sujetos son Maurin las sombras y quieres exponer para esos sujetos a la sombra, entonces tu cielo va a estar sobreexpuesto. Ahora digamos que estamos filmando una foto del atardecer y queremos exponer para las nubes en el cielo y los colores de la puesta de sol. Bueno, otras partes de la imagen pueden estar bajo expuestas en esas situaciones, y tal vez eso está bien, porque esa es la decisión creativa que queremos para esa imagen en particular. Pero en la mayoría de los casos, sí queremos una exposición bien equilibrada para que podamos obtener detalle y tanto los reflejos como las sombras, lo que te dará una imagen mucho más dinámica y potente frente a algo que está más o menos expuestos y ciertas partes. Pero de nuevo, todo eso depende de tu visión creativa. De acuerdo, hablemos de cuando estás disparando con un D S L. R. Deberías tener tres opciones para equilibrar la exposición. Ahora, hoy en día, incluso algunos de nuestros smartphones nos darán las opciones para seleccionar los tres ingredientes diferentes que componen nuestra exposición. Entonces vas a tener que referirte a tu smartphone o a la cámara que tienes que ver si tienes estas opciones. Entonces, aprendamos rápidamente sobre cada uno de ellos ahora cómo usarlos para una exposición equilibrada. Y luego en las próximas lecciones, vamos a explorar cómo usarlas de forma creativa. Por lo que nuestro cuarto ingrediente es la apertura. Por lo que el aficionado es el tamaño de la abertura dentro de tu lente, y el tamaño de la abertura determina cuánta luz permites pasar a través de ella hacia la cámara. Ahora, en lentes más viejas como esta, vas a encontrar un anillo de apertura que enumera cada uno de los diferentes tamaños en números como este. 1.42 punto 83.55 punto 6 11 16 Y luego, dependiendo de la lente, puede que tengas más o menos ahora en lentes nuevas. En realidad se selecciona la imagen AM. Visualiza tu menú de cámaras. Incluso con las lentes más antiguas, todavía vas a seleccionar la abertura desde aquí frente a la propia lente. Ahora sí puedes. Prefiero hacerlo desde aquí arriba en mi menú. Ahora estos números que había mencionado anteriormente son referidos como F Stops, y se van a mostrar así en tu manual en artículos que lees, etcétera F 1.4 F, 2.8 F, 5.6 etcétera. Entonces eso es solo una referencia para que sepas en caso de que veas una F frente a los números cuando estás leyendo tus diferentes artículos en tu manual y cosas así. Ahora, cuando giro el anillo de apertura dentro de mi lente, puedo ver físicamente el tamaño del cambio de apertura basado en la abertura seleccionada. Entonces cuanto más pequeña es la abertura, menos luz con la que puedo pintar o captar. Y luego cuanto más grande sea la abertura, más luz puedo captar. Bastante obvio, lo sé, pero aquí es donde puede ponerse un poco confuso. Si seleccionas, digamos, 2.8. El orificio de apertura es en realidad más grande de lo que digamos, Si selecciono F 11 ahora, pensarías que lo contrario sería cierto. Desde 11 el número es mayor a 2.8. Entonces aquí está el porqué. No es así en este caso, por lo que cada número de parada F es en realidad una fracción. Ahora, no te preocupes. No necesitamos saber matemáticas para tomar grandes fotos. Solo quería señalarte esto para ayudarte a entender que la apertura para digamos F 1.4 es más grande que la apertura para F 16. De acuerdo, así que eso nos lleva a nuestro quinto ingrediente, que es la velocidad de obturación. Ahora, al igual que la abertura, la velocidad del obturador también controla cuánta luz pintamos o capturamos con nuestras cámaras. Esta vez, la velocidad del obturador está regulada por un obturador dentro de nuestro cuerpo de cámara. Entonces si le echamos un vistazo a nuestra cámara, podemos ver un pequeño espejo aquí dentro. Ahora, si tomamos una foto, este espejo se levanta, y vas a ver un poco de estremecimiento detrás de él. Ahora bien, no recomiendo hacer esto porque puede causar el daño a tu cámara y sí puede entrar en tu sensor. Así que solo tienes que saber que puedes controlar cuánto tiempo permanece ese obturador abre el saldo hacia fuera tu exposición, y también te puede proporcionar algunas opciones creativas también. Y vamos a repasar esos en una próxima lección. Está bien, así que echa un vistazo a esto. Se puede establecer la velocidad del obturador en segundos o fracciones, así que vamos a probarlo. Entonces en este momento tengo la velocidad del obturador de la cámara ajustada a 1 5/100 de segundo y escucho cuando tomo una foto. Entonces eso fue realmente rápido. El espejo surgió cuando presioné el disparador del obturador, y luego se cerró después de 1 5/100 de segundo. Ahora, si bajo esta velocidad de obturación para hacer un segundo, escuchemos la diferencia. Entonces eso fue un segundo. Por lo que la velocidad del obturador puede darte algunas opciones creativas además de ayudarte a evitar el movimiento de la cámara , que son dos cosas que debes tener en cuenta al seleccionar tu velocidad de obturación. Y vamos a hablar más de la creatividad en una próxima lección sobre velocidad de obturación. Por lo que esto nos lleva a nuestro sexto ingrediente, que es el hielo. Ah, y es otra opción para ayudarnos a equilibrar la exposición, y esta a menudo es referida por otros fotógrafos e instructores como la luz del dedo del pie de sensibilidad de tu cámara , lo cual es incorrecto. El término hielo así fue creado de nuevo en el día del cine. En realidad tengo un papel de película sin procesar. No estoy muy seguro de lo que tomé, pero rezo disparé esto hace unos 15 años. Se trata en realidad de una película de diapositivas, que es un poco diferente a una película, que es una historia para otro día. Pero sí, película es sensible dedo del pie ligero y cuanto mayor sea el número de isil, el mawr sensible se vuelve. No obstante, ya que estamos grabando con cámaras digitales, no son sensibles a la luz del dedo del pie. Se fija la sensibilidad de tu sensor, y te voy a ahorrar todos los detalles técnicos en este momento. Sólo recuerda esto. Cuanto mayor sea el número de isil, más luz podrás capturar con tu sensor. El problema es, cuanto mayor sea el número de isil. El ruido digital Mawr se agrega a tu imagen, lo que significa una imagen de menor calidad. Entonces aquí te dejamos un ejemplo de una imagen tomada en ESO 100 luego la misma imagen en ESO 1600 para que puedas ver lo que parece lluvia o diferentes motas de colores a lo largo de la imagen superior de Isil. Nuestro objetivo es disparar al hielo más bajo posible. Por lo que para una exposición equilibrada basada en nuestra apertura y velocidad de obturación, las selecciones y la intensidad de luz disponible dependen con para evitar este ruido digital ya que disminuirá la calidad de tus imágenes. Ahora, si eres alguna situación de poca luz y digamos que lo has máximo tu apertura, digamos F 2.8. Has utilizado la velocidad de obturación más baja posible para sujetar la mano para evitar esa sacudida de la cámara. Y digamos que no eres capaz de obtener una exposición equilibrada, mientras que lo siguiente que debes considerar es aumentar el hielo así según sea necesario. Por lo que esto nos lleva a otra pregunta que probablemente tengas. ¿ Cómo se usan esos tres ingredientes para una exposición equilibrada? Me alegra que lo pidieras. Echemos un vistazo a una herramienta que se introdujo hace un par de décadas para ayudarnos a entender cómo conseguir una exposición equilibrada. Por lo que este gráfico se conoce como el triángulo de exposición, y en realidad puedes descargarlo de esta lección. Y así es como funciona. Tenemos cada uno de los ingredientes de un lado. Cuando cambias uno de los ingredientes, tienes que cambiar uno o ambos de los demás ingredientes hasta que tengas una exposición equilibrada . Entonces si eliges F 2.8, puede que necesites aumentar la velocidad de obturación a no lo sé, digamos 1 5/100 de segundo para obtener una exposición bien equilibrada. Lo mismo con la velocidad de obturación. Si eliges una velocidad de obturación de, digamos, 1/60 de segundo, eso va a dejar entrar más luz que 1 5/100 de segundo, lo que significa que debes elegir una abertura más pequeña como F 11 por ejemplo. Y entonces, como mencioné, si tuviera la apertura exacta y la velocidad de obturación que quiero y todavía no puedo conseguir una exposición equilibrada de la que tengo para aumentar el hielo, así que para captar más luz para crear una exposición equilibrada. Ahora, en este momento, probablemente estés abrumado por toda esta información, y tu cabeza puede estar girando. No se preocupe. Yo te tengo la espalda. Aquí está la cosa. A medida que avanzas en tu viaje fotográfico, vas a ver este triángulo de exposición de casi todos los instructores y cada artículo que leas sobre la exposición. Y aquí está la cosa. He sido fotógrafo desde hace más de 30 años, y nunca he usado este triángulo de exposición. Yo soy una persona visual, y seguro que tú también lo eres. Por lo que en realidad hay una herramienta dentro de nuestras cámaras que nos dirá si tenemos una exposición bien equilibrada o no, y no es necesario imprimir este triángulo de exposición para uso en campo. En cambio, echa un vistazo al interior del visor de tu cámara y ¿qué ves? Probablemente un montón de cosas. Pero echa un vistazo al fondo. Vas a ver algo como esto. Esto se conoce como sus cámaras, medidor tardío. Entonces cuando ajustas la abertura, velocidad del obturador o el hielo para que el marcador se vaya a mover a la izquierda o a la derecha, por lo que una exposición bien equilibrada está en el medio. Ahora, la siguiente pregunta es, qué opciones debes elegir Primera captura, velocidad de obturación o isil? Bueno, eso todo depende de tu visión creativa. Entonces en los próximos tres tutoriales, vamos a aprender sobre las opciones creativas para cada uno de esos tres ingredientes diferentes y aprender cómo pueden afectar tu trabajo de forma creativa y cuáles debes seleccionar primero y por qué. Vale, tengo que respirar profundamente porque me estoy emocionando de nuevo, y no puedo esperar a compartir contigo lo que podemos hacer de manera creativa con estos tres ingredientes. No puedo esperar. Hagámoslo ahora mismo. No presione pausa. No apaguen la computadora. Haga clic. Continuar. Pasemos a la siguiente lección y aprendamos qué opción deberíamos estar seleccionando primero. Oh, no puedo esperar a compartir eso contigo. Vámonos. 6. Ingrediente de la fotografía 4: Hola y bienvenidos de nuevo. Muy bien, entonces una de las primeras cosas que consideraría a la hora de elegir entre los tres ingredientes que componen una exposición bien equilibrada es el ajuste del isil. Y hay un par de razones por las que. Entonces repasemos esos brevemente, y luego podremos pasar a nuestro siguiente ingrediente. Por lo que el hielo por sí mismo no proporciona ningún método de creatividad. Es sólo tomar la luz disponible, y o bien va a tomar mawr o menos luz, dependiendo del hielo. Entonces número, cuanto mayor sea el número, más luz que se va a capturar ahora. El segundo motivo por el que empezaría con hielo. Así es porque queremos empezar con el menor número de isil posible. Entonces, si es necesario, podemos aumentar el número dependiendo de la situación de iluminación. En la lección anterior, te mostré lo que pasa si eliges un hielo más alto Oh, frente a un menor número de isil, que es el ruido digital que se agrega a tus fotos. Por eso recomiendo comenzar con el menor número de isil posible. El problema es comenzar con el número más bajo posible. Al igual que, digamos, 100 no siempre es la mejor opción. Todo depende de la situación de iluminación, y desafortunadamente, realmente no tengo una fórmula secreta para sugerir en qué configuración de isil elegir para una situación específica. No obstante, podemos repasar algunas pautas generales sobre por dónde empezar con tu selección de isil. Por ejemplo, si la fuente de luz es muy intensa, digamos en un día soleado, entonces vas a querer elegir un número de isil muy bajo como el 100. Y si estás usando luz artificial como en flash de cámara o incluso estroboscópicas de estudio que Isil , 100 es un buen punto de partida para esos también. Y luego, si estás en una situación en la que la luz no es su intensa, digamos en un día nublado o al amanecer o al atardecer, entonces es posible que necesites usar un mayor número de isil como 200 o 400 o incluso 800 con menor luz situaciones. Nuevamente, todo depende de la intensidad de la luz. Ahora probablemente podrías salirte con hielo un 100 en un día nublado. Si esas nubes no son muy oscuras y el sol sigue brillando a través y otra vez, dependería de tu apertura y de tu configuración de velocidad de obturación también, por lo que lo mismo aplica al disparar en interiores con luz natural. La intensidad de esa luz determinará por dónde empezar. Entonces si tienes una ventana grande con mucha luz natural derramando desde un día soleado, incluso entonces, probablemente podrías empezar a 200 o 400. Si es la misma habitación en un día nublado, posible que tengas que empezar a partir de 400 ó 800 ahora, si no hay sol entrando y solo estás usando luces de tungsteno disponibles de lámparas o iluminación aérea, posible que necesites un 800 o incluso 1600 en esas situaciones. Por lo que la moral de la historia es comenzar en hielo, por lo que 100 si es posible, y luego ajustar más alto según sea necesario para obtener una exposición bien equilibrada basada en la intensidad de la luz. Por lo que una vez que tengas seleccionada tu apertura en tu velocidad de obturación, vas a querer echar un vistazo a tu visor y mirar el medidor de luz dentro de él para ver si ese medidor está perfectamente alineado en el centro. Y eso te va a hacer saber si tienes una exposición bien equilibrada o no. Si no está adecuadamente balanceado. Entonces tienes que decidir si puedes hacer ajustes a tu aficionado y a tu velocidad de obturación fin de mantener el mismo isil donde está. De lo contrario, y no se puede cambiar a velocidad de obturación porque es posible que termines con sacudida de la cámara. O puedes ir a una abertura más grande porque tu lente tiene un máximo aficionado de no sé f war o F 5.6. Entonces vas a necesitar aumentar tu hielo. Entonces estableciendo ahora. El único que tal vez quieras considerar, al menos hasta llegar a ser competente en ajustar los tres ingredientes manualmente, es el dedo del pie. Deja que tu cámara elija automáticamente tu configuración de isil para ti y luego, dependiendo de tu cámara, es posible que puedas seleccionar manualmente la apertura y la velocidad de obturación, y luego la cámara configurará automáticamente el isil para ti, o mejor aún, tómate el tiempo para practicar elegir el isil manualmente, y estás obligado a aprender qué funciona y qué no funciona mucho más rápido frente a dejar que la cámara se cosa para ti. Está bien, así que eso es todo para hielo. Ah, y la razón por la que elegiría a Isil primero antes de apertura y velocidad de obturación Y luego la siguiente lección vamos a aprender cuál elegiría establecer manualmente a continuación, Así que hagámoslo. 7. Ingrediente de la fotografía 5: Hola y bienvenidos de nuevo. Muy bien, Entonces la pregunta de $1,000,000 es ¿qué viene primero configurando la abertura o la velocidad del obturador? Bueno, eso todo depende de lo que intentes lograr de forma creativa, porque ambos te dan diferentes opciones creativas y primero elegirás una u otra, en base a lo que intentas crear. Entonces en esta lección, primero íbamos a repasar las opciones creativas de tu apertura. Entonces, en la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a las opciones creativas para la velocidad de obturación. Entonces cuando se trata de tu apertura, tienes dos opciones principales para la creatividad. Puedes tener tu escena y enfoque completo, o puedes desenfocar selectivamente parte de la imagen. Por ejemplo, si estás filmando un paisaje, es posible que quieras tener tanto el primer plano como el fondo muy nítido. O si estás filmando un retrato de alguien, tal vez quieras tener a esa persona y enfocarte, que sería el primer plano y luego tener el fondo desenfocado. Esto también se puede lograr en función de la temperatura que seleccione. Entonces ahora mismo se puede ver que estoy enfocado y el fondo está fuera de foco. Por lo que eligiendo la abertura adecuada. He podido separarme del fondo frente a si el fondo también estaba enfocado . Entonces echa un vistazo a esto. Aquí te dejamos dos fotos de la misma persona disparada en extremos opuestos de las aperturas disponibles para esta lente. la imagen de la izquierda le dispararon a la F 16 y a la de la derecha se le disparó a la F 1.4. Entonces, en cualquier momento que quieras tener tanto el primer plano como el fondo y el enfoque, vas a querer elegir una abertura más pequeña como F 22 o F 16 o incluso F 11. Entonces, medida que abres esa abertura a un tamaño mayor el MAWR, el fondo saldrá de foco. En ese caso, vas a elegir algo como F 1.4 o 2.8, o incluso a las cuatro en algunos casos. Entonces sólo recuerda, cuanto más grande sea la apertura, la separación Maura del primer plano y el fondo o más del fondo se va a desenfocar. Por lo que esto también se conoce como profundidad de campo, por lo que cuanto mayor sea la profundidad de campo, el mawr del primer plano y el fondo estará en foco, por lo que eso significa que F 22 tiene una mayor profundidad de campo versus F 2.8, lo que significa un menor profundidad de campo tendrá menos de la escena y el enfoque. Y en ese caso, eso significaría que F 1.4 tiene una profundidad de campo menor versus F 11. De hecho, una abertura de 1.4 podría incluso agregar Blur a tu sujeto porque la muerte de campo es tan superficial. Por lo que esta es mucha información para tomar. Entonces la mejor manera y la forma más rápida del dedo del pie aprende más sobre tu apertura es agarrar tu cámara y un amigo y disparar y todos los diferentes amateurs que tienes para esa lente en particular . Una vez que hagas eso, trae esas fotos a tu software de edición favorito y compáralas lado a lado y un vistazo de cerca al primer plano y al fondo de cada foto, después tomar nota de la abertura utilizada. Entonces antes de seguir adelante, solo quiero darte un par de consejos más rápidos sobre tu apertura. Digamos que estás disparando a un grupo de personas de tres o más que en esa situación. Vas a querer elegir una parada f de, Digamos, F cuatro o 5.6. Por lo que esos ajustes de apertura aumentarán la profundidad de campo para que todos los que no estén en el mismo plano, porque si no están completamente alineados, quieres asegurarte de que todas esas personas estén enfocados y luego el fondo lo hará estar borrosa un poco. Ahora digamos que tienes una segunda fila de personas, entonces quieres disparar al menos 5.6 o incluso mejor F ocho. Por lo que esto va a aumentar la profundidad de campo para asegurar que las personas en la segunda fila también estén enfocados. Ahora, antes de que decida tu apertura, quizá quieras considerar primero tu velocidad de obturación. ¿ Por qué? Bueno, te da opciones creativas que tal vez desees seleccionar sobre la imagen AM. Entonces si estás listo, echemos un vistazo y nuestras opciones creativas para la velocidad de obturación en la siguiente lección. Sigues aquí. Golpea eso. Botón Continuar. Te veré en la siguiente lección 8. Ingrediente de la fotografía 6: Hola y bienvenidos de nuevo. Muy bien, así como nuestra apertura son la velocidad de obturación nos da opciones creativas para ayudarnos a cumplir nuestra visión creativa. Y eso se basa en la velocidad que seleccionas para ese obturador en la cámara de la que hablamos anteriormente. Entonces, ¿qué podemos hacer? Bueno, digamos que tenemos mucha acción pasando en la escena que estamos tratando de captar, y podemos o detener la acción y hacer que se imponga fuerte o se debilite. Desenfocar la acción o el movimiento de esa persona u objeto o lo que sea que esté fotografiando que se esté moviendo. Entonces si queremos capturar algo impositivo agudo sin desenfoque, entonces vamos a querer elegir una velocidad de obturación más alta como 1 5/100 de segundo. Y si queremos desenfocarlo, entonces vamos a elegir una velocidad de obturación más lenta de, digamos, 1/30 de un 2do 1/2 por segundo. Realmente depende de lo rápido que esa persona objeto o cosa se esté moviendo. Entonces, por ejemplo, aquí tengo una foto de una cascada que tomé en Nueva York y porque usé una velocidad de obturación lenta podemos ver que el agua cayendo está realmente borrosa, y no podemos ver las gotitas individuales del agua mientras estamos un poco lejos. Pero si estuviéramos más cerca del agua, no veríamos esas gotitas individuales si hubiera usado una velocidad de obturación más rápida. Entonces esas son las dos opciones que tenemos con velocidad de obturación para crear algo diferente , digamos, nuestra apertura. Entonces si quieres algo camisa de impuestos, vas a ir con la velocidad de obturación más rápida. Y si quieres desenfocar el movimiento, vas a ir con una velocidad de obturación más lenta. Entonces cuando llega el momento de decidir cuál viene la primera apertura o la configuración de velocidad de obturación , primero hay que preguntarte qué es lo que quieres lograr con esta imagen en particular. ¿ Cuál es tu visión creativa? ¿ Quieres un desenfoque acción temprana? ¿ O quieres que la acción sea aguda? ¿ Quieres que el fondo esté en foco, o quieres que el fondo esté fuera de foco? Entonces, una vez que respondas eso, sabrás cuál establecer primero. Entonces pones el 2do 1 y luego, por supuesto, yo así es primero, así que ya deberías tener ese set. Y luego miras a través de tu visor para ver si ese medidor de luz está balanceado justo en el medio. Y eso indica que tienes una exposición bien equilibrada al menos la mayor parte del tiempo. Y luego puedes tomar la foto. Ahora tenemos un ingrediente más para fotos impresionantes cada vez, y vamos a descubrir ese en la siguiente lección. Entonces si estás listo, hagámoslo. 9. Ingrediente de la fotografía 7: hola y bienvenidos a nuestro séptimo y último ingrediente para fotos impresionantes cada vez. Y es composición, lo que la composición por sí misma tiene más de una docena de técnicas de composición y reglas solo por sí misma. Entonces, en lugar de abrumarte con un montón de técnicas, solo nos vamos a centrar en una de esta lección. Entonces, una vez que entiendas, usas y comienzas a dominar esta técnica, podrás entonces comenzar el viaje de aprender el resto de las técnicas de composición. Hacerlo elevará tu fotografía a un nivel completamente nuevo. Por ahora, solo repasemos una de mis reglas de composición favoritas. Y esa regla es la regla de los tercios. No se preocupe. Esta no es una regla de corazón. Se trata más de un chico en fila o de una regla de pulgar. Por lo que esta regla o directriz sugiere que una imagen debe imaginarse dividida en nueve partes iguales. Entonces, en esas partes, vas a encontrar dos líneas horizontales igualmente espaciadas y dos líneas verticales igualmente espaciadas , que podemos ver en este diagrama. Entonces tenemos tanto nuestras líneas horizontales como verticales, y luego podemos ver tenemos cuatro puntos donde esas líneas se cruzan, Así que las reglas sugieren que colocar tus elementos principales a lo largo de una de estas líneas de cuadrícula o, mejor aún, cruzando en uno de los cuatro puntos principales. Vas a crear una composición más fuerte, más significativa y captarás la atención de tus espectadores atrayendo sus ojos hacia el elemento principal de tu obra de arte. Entonces tu sujeto ahora también podrías usar las líneas de cuadrícula para dividir tu visto en tercios de remolque, lo que simplemente significa que podemos usar una de estas tres filas horizontales para colocar tus elementos en , y esto funciona bien para imágenes de paisaje. Después puedes usar una de las tres columnas verticales para colocar tu tema principal en, y esto funciona bien para numerosos tipos de temas. Personalmente, tiendo a usar este mucho para mi fotografía de retrato. Ahora, para poder usar la regla de tercios, tienes que imaginar estas nueve secciones dentro de tu visor y luego enmarcar la escena con tu lente. En consecuencia. No obstante, algunas si no todas las cámaras incluyen algún tipo de superposición de cuadrícula con la regla de los tercios, luego transmitir mejor. Vea esto visualmente mientras mira a través de su visor para ajustarse a los diferentes elementos dentro de esas diferentes secciones. Por lo que una vez más, vas a tener que revisar el manual de tu cámara para ver si tienes esta característica incorporada en tu cámara. Si no, solo imagina nueve rectángulos de tamaño uniforme con en tu visor a medida que comienzas a enmarcar la escena. ¿ Adivina qué? Enhorabuena por completar los siete ingredientes dedo del pie Fotos impresionantes cada vez. Y espero que hayas aprendido mucho estos por escuchar y que tengas un día increíble.