Transcripciones
1. INTRODUCCIÓN: Pasamos gran parte de nuestras vidas tratando de resolverlo todo. Seguimos preguntándonos y
preguntando, ¿funcionará esto? ¿Es esta una elección correcta? ¿
De verdad estoy llegando a alguna parte? Pero la vida rara vez
nos da el panorama completo. La mayoría de las veces, sólo
podemos dar el siguiente paso sin saber a
dónde nos llevará exactamente. Hola, soy Neha Modi. Soy un artista y un maestro superior de
Skillshare, y he pasado años
explorando cómo las líneas simples, las formas y la reputación
pueden unirse Crea algo
significativo e intrincado. Y en algún lugar del camino, me di cuenta de que la creatividad no siempre se trata de saber
lo que estás haciendo. A veces se trata de ser
curioso, tomar una decisión, ver lo que pasa, y luego seguir
avanzando a partir de ahí. Para crear, hay que
rendirte al proceso y confiar lo suficiente en ti mismo para
dar el siguiente pequeño paso. Y esa es la base
de esta clase. Comenzaremos con
formas geométricas simples y aprenderemos a construir una
composición abstracta usando escala, repetición, equilibrio,
movimiento y espacio negativo. Exploraremos cómo el
color puede cambiar el mod y el peso visual
de una composición y las diferentes formas en que se pueden
organizar las formas
geométricas para crear un sentido
de historia y movimiento. Y luego ralentizaremos
todo y construiremos la obra de arte a través de
marcas repetitivas para crear textura, ritmo y un lenguaje visual único La intención de esta clase no
es solo
crear una obra de arte, sino experimentar la
transformación que ocurre cuando se le da a una
idea muy simple el tiempo, atención y el espacio para crecer. Entonces, ya sea un
artista o un principiante, únase a mí para descubrir
cómo las líneas simples, las formas y el color
pueden unirse para crear una narrativa intencional.
Nos vemos en la clase.
2. Proyecto de clase y material: Bienvenidos a la clase. Estoy
tan contenta de que estés aquí. Ahora, antes de comenzar,
hablemos un poco sobre lo que vas a crear y cómo puedes abordar
tu proyecto. Ahora, en esta clase,
crearás tu propia
obra de arte geométrica abstracta usando formas, colores y
marcas repetitivas Puedes seguirme
y recrear lo que estoy haciendo o usar las técnicas para crear algo que se sienta
completamente tuyo Puedes experimentar
con las formas, la forma en que las arreglas, la paleta de colores e
incluso el espacio negativo. El objetivo no es
crear una copia perfecta, sino comprender los
principios detrás del proceso y crear algo que te sienta
personal. Y una vez que hayas terminado, por favor comparte tu obra de arte en
la galería del proyecto. Junto con tu
proyecto, también me
encantaría saber un
poco sobre tu proceso. ¿Descubriste algo
mientras lo hacías? ¿La obra evolucionó de
una manera que no esperabas? Ahora, hablemos de materiales. Estaré trabajando en un papel de prensa caliente de 300
GSM a cinco porque su
superficie lisa permite el forro fino se mueva
fácilmente a través de la página, pero no es necesario
usar el mismo papel. Cualquier
papel de superficie lisa funciona bien. Voy a usar forros finos de
colores de una mezcla de diferentes marcas. También necesitarás un
lápiz y goma de borrar para tu
composición inicial y una regla si quieres crear líneas geométricas
más limpias Y finalmente,
necesitarás algo que sea tan importante
como el material. Tiempo y un poco de paciencia. Por favor, no se apresure
a través de esta obra de arte, tómate descansos cuando quieras. Deja tus teléfonos
por un rato, siéntate en algún lugar cómodo,
deja que tus hombros relajen y date el
permiso para bajar la velocidad. Porque como
descubriremos en esta clase, dibujar no siempre se trata saber a dónde va a ir la
línea. A veces se trata de estar
dispuesto a seguirlo. Así que reúne tus materiales y no te preocupes por hacer
la marca perfecta.
3. Componentes básicos: formas y composición: El primer paso para crear una obra de arte abstracta geométrica es construir la biblioteca de formas. Piense en esto como
su biblioteca visual, una colección de formas simples
que luego podrá combinar, cambiar y organizar para
crear su propia obra de arte. Comienza con algunas formas
geométricas básicas, dibuja a mano alzada y considéralas como
tu punto de partida El siguiente paso es
jugar con su tamaño. Cuando cambias de escala,
crea variedad. Posteriormente, cuando planeas
tu composición, jugando con la
escala de una forma, podrás decidir los elementos a los que quieres darle
más importancia. Estira un círculo en un óvalo, haz un cuadrado más alto o más ancho, estira un triángulo
en una dirección. Puedes tomar una
forma básica y crear muchas variaciones jugando
con sus proporciones. Lo siguiente que hay que hacer es cambiar
la dirección de las formas, rotarlas, inclinarlas,
ponerlas boca abajo. Una vez que hayas jugado
con las formas básicas, comienza a unir diferentes
formas. Deja que algunas de tus formas se toquen. Pueden encontrarse borde a borde, punto a punto, o simplemente
rozar uno contra el otro. Esto crea una
relación entre las formas sin necesidad de
agregar ningún detalle. También puedes dejar que
algunas formas se superpongan. La superposición puede crear profundidad, conexión y relaciones
visuales más interesantes. Y por último, que algunas formas
continúen más allá del borde. El recorte crea
movimiento y hace que la composición se sienta como si continuara
fuera del marco Una vez que hayas jugado
lo suficiente con todas las formas y todas las variaciones,
ponlas todas juntas, y tendrás
tu biblioteca de formas de vocabulario
visual
a la
que podrás volver cada vez que
comiences una nueva obra de arte. Ahora, una vez que tu
biblioteca de formas esté lista, el siguiente paso es
preguntarte , ¿qué quieres decir? Quizás quieras
representar un lugar, un objeto, un recuerdo, una emoción o un tema
en particular, o simplemente podrías
querer explorar formas sin representar
nada específico. No hay reglas sobre
lo que tiene que ser tu idea. Es solo que necesitas
dedicar unos minutos decidir qué
quieres comunicar. Una vez que
sepas lo que quieres expresar, puedes regresar a la biblioteca de
formas y
preguntarte qué formas pueden
ayudarme a comunicar mi idea. Y una vez que comienzas a asociar diferentes formas con la idea que quieres comunicar, la geometría
simple comienza a convertirse en un lenguaje visual Ahora aquí te dejamos algunos
ejemplos de cómo puedes traducir una idea en una composición
geométrica. Aquí estoy usando formas orgánicas, formas verticales y
jardineras en capas para sugerir un jardín Para un paisaje desértico,
amplios accidentes geográficos, un cactus y un simple sol son suficientes para
establecer el escenario Y aquí, las olas en capas y un fuerte faro vertical sugieren de
inmediato
un paisaje oceánico. Aquí, la taza grande
y la cafetera se convierten en un elemento masculino mientras que la forma circundante sugiere la mesa y el
espacio a su alrededor. Y aquí la mariposa geométrica se convierte en un símbolo
de transformación, y al usar la escala de simetría, y las formas angulares, podemos
sugerir cambio y movimiento. Y a veces ni
siquiera necesitas representar nada literario. Los cambios en la escala, la dirección y el movimiento simplemente pueden
sugerir una idea. Ahora, mi idea inicial para la obra principal era el
fénix que se levantaba del fuego. Entonces, en lugar de intentar dibujar un Fénix detallado de inmediato, rompí la idea
en elementos más simples, el cuerpo, las alas, la cabeza, cola, las llamas y el paisaje
circundante. Empecé muy
pequeño usando cajitas en mi cuaderno de bocetos. En esta etapa, no
pienso en las pequeñas marcas en absoluto. Solo juego con las formas
y sigo preguntándome, ¿dónde debería estar mi punto focal? Cómo deben moverse las formas
por la composición
hago varias versiones en
lugar de intentar hacerlo
bien la primera vez, muevo formas, cambio su tamaño, las
roto, las superpo,
y a veces las elimino por completo. Esta es realmente otra forma de usar la biblioteca de formas, excepto que ahora estoy tratando de
comunicar una idea específica. Eventualmente un diseño
comienza a sentirse bien, y ese es el que
llevo adelante y desarrollo en mi trabajo final. E incluso entonces no leo la miniatura como un conjunto de reglas Es simplemente un punto de
partida que me
da suficiente
estructura para empezar. Entonces ahora puedes probar
el mismo proceso. Primero, construye tu biblioteca de formas, luego elige una idea
que quieras explorar luego haz algunas
composiciones en miniatura Y una vez que tengas una
idea clara de lo que quieres
hacer, haz la obra de arte
en el tamaño exacto del papel en el que quieres que esté tu composición
final.
4. Color, estado de ánimo y significado: En esta etapa, he
finalizado mi composición
y la he dibujado según papel tamaño
AFI Es una versión de trabajo
que me ayuda a ver exactamente dónde irá todo antes comenzar en la ponencia final. Utilizo el escenario para elaborar mi paleta de colores principal y decidir dónde
quedarán esos colores en la composición. Ahora quiero que el Fénix
y el fuego se sientan como la fuente de
energía en la composición, así que usaré colores cálidos
como el rojo, el naranja y el amarillo. Estos colores
también ayudarán a reforzar la idea de calor, movimiento
y transformación. Voy a mantener las áreas
circundantes frescas usando tonos tempranos azules y más oscuros para que los colores cálidos tengan
algo contra lo que oponerse. No necesito colorear
toda la obra de arte en este momento. Simplemente estoy marcando en los colores
principales para que cuando empiece a rellenar la obra de arte
con las líneas pequeñas, sepa a dónde van las cosas exactamente. Entonces ahora antes de pasar
al siguiente paso, tomemos un poco de tiempo para entender cómo podemos
usar el color intencionalmente. Me gusta pensar en el color como otro lenguaje
en tu obra de arte. Puede decirnos cómo
sentirnos, dónde mirar,
y a veces hasta cómo
movernos a través de una composición. Puede convertirse en parte de la forma en
que comunique su idea. Entonces, a medida que eliges tus colores, empieza a pensar en lo
que quieres que hagan. Un color puede recordarle a una persona la energía y a otra
persona la comodidad. Puede sentirse completamente diferente dependiendo del contexto
y los colores que lo rodean. Así que usa la teoría del color
como punto de partida, pero también presta atención a tu propia asociación y la idea de que
quieres comunicar. Ahora bien,
a la hora de elegir colores, realmente no
hay
un número mágico. Puedes crear una
hermosa composición con solo dos o tres colores, o incluso puedes usar una paleta
más grande para dar más variedad y crear una sensación más rica y
expansiva Pero si eres alguien que encuentra
abrumadoras las elecciones de color, en realidad
te animaría a que empieces poco a poco. Una paleta de colores limitada puede hacer que la toma de decisiones sea mucho más fácil y puede ayudar a que su obra de arte
se sienta más intencional. Una forma sencilla de
comenzar a pensar en las relaciones
de color
es a través de colores cálidos, fríos y neutros. Los colores cálidos pueden aportar
energía y calor. Los colores fríos pueden crear una sensación más silenciosa o más
especiosa, y los colores neutros pueden dar
al ojo un lugar para descansar Entonces, en lugar de pensar que cada color necesita
tener la misma importancia, dale a tu color diferentes roles. Puede tener un color dominante que lleve la mayor parte
del peso visual, soportando colores que
puedan crear equilibrio, y un color de acento más pequeño que pueda agregar energía o
llamar la atención. Ahora, el color se vuelve
realmente interesante cuando
pensamos en dónde queremos colocarlo. El color fuerte sobre
un fondo silencioso puede convertirse inmediatamente en
un punto focal, mientras que, cuando repites
el mismo color en diferentes partes de la obra, crea una
conexión visual y ayuda a que la composición
se sienta cohesiva El color también puede guiar al
espectador a través de la obra de arte. Puedes pasar de un
color más silencioso a uno más fuerte, crear una pausa con un neutro y luego volver a introducir
el contraste Entonces, aunque la forma en
sí misma no se mueva, sus elecciones de color pueden
crear una sensación de viaje. Antes de planear
tu paleta de colores, una de las preguntas que
puedes hacerte, ¿qué necesita esta parte
de mi obra de arte? A lo mejor necesita energía,
a lo mejor necesita espacio, a lo mejor necesita
calor o equilibrio. Este simple cambio
puede convertir el color de simplemente rellenar formas en una
forma de contar tu historia. Ahora, antes de comenzar a llenar todas las pequeñas
formas de color, realmente
recomiendo hacer
un mapa de color rápido. Esto es algo que
encuentro increíblemente útil porque cuando están trabajando en una pequeña sección a la vez, es muy fácil perder
de vista toda la composición. Un mapa a color
te permite dar un paso atrás y ver la imagen más grande
antes de comprometerte. Prueba dos o tres versiones rápidas, cambia el
color dominante, cambia el acento o haz que la
paleta sea más cálida o fresca. Recuerda que no estás
buscando la versión correcta. Simplemente estás probando lo que
se siente bien para tu obra de arte. Y por último, una vez que entiendas
algunas de las ideas básicas, haz tuya la paleta. Piensa en los colores hacia los que gravitas
naturalmente. Piensa en lugares en los que has
estado, cosas que recuerdas, colores que asocias con un sentimiento particular o
un momento de tu vida. Podrías elegir un color por lo que dice la teoría del
color respecto o simplemente porque te encanta verlo
junto a otro color. No tiene que
haber una respuesta correcta. Usa estas ideas como marco, experimenta un poco y
luego confía en tu propio ojo. Ahí es cuando tu obra
comienza a convertirse en realmente tuya.
5. De la idea a la obra de arte: Ahora que tengo planeada
mi composición, empezaré a trabajar
en la pieza final. Empiezo dividiendo el
papel en secciones más pequeñas. Estas secciones son de
medio centímetro cada una. Estoy haciendo
secciones más pequeñas porque quiero que el patrón final tenga
un aspecto muy detallado. Pero si prefieres tener un patrón más abierto o estás
trabajando en una hoja más grande, puedes hacer estas
divisiones un poco más grandes. No hay una talla
adecuada para usar. Depende del tipo de look
final que quieras crear. Voy a comenzar
con el Fénix, que es el elemento principal
de mi composición. Quiero que sea el
punto focal de la obra de arte, así que le estoy dando suficiente espacio para destacar de las formas
circundantes. No estoy tratando de dibujar
un pájaro realista aquí. En cambio, estoy
simplificando la forma y construyéndola con formas
geométricas Quiero darle un aspecto inspirado en
origami, así que estoy construyendo toda la forma usando triángulos y formas angulares
afiladas Ahora en lugar de dibujar
cada parte por separado, estoy dejando que las
formas se conecten y se superpongan para formar el pájaro. También estoy prestando atención a
la dirección de las formas. Las formas puntiagudas ayudan a
crear una sensación de movimiento y hacen que el fénix
se sienta como si estuviera subiendo. Ahora, cuando
dibujes tu propia composición, piensa en cómo puedes simplificar tu tema de manera similar. No hace falta dibujar algo exactamente como aparece
en la vida real. Empieza por mirarlo a
través de sus formas básicas. Piensa en qué
formas puedes usar, cómo podrían superponerse y cómo la dirección puede ayudar a
expresar tu idea. A veces algunas formas
simples pueden comunicar mucho más que
un dibujo complicado. Y para mí, esto es lo que hace que este tipo de
dibujo abstracto sea realmente interesante. No estás simplemente
dibujando un objeto, estás explorando
hasta dónde puedes simplificar su forma sin dejar conservar su carácter
y movimiento. Una vez que estoy contento con la forma
principal del Fénix, empiezo a construir
el fuego a su alrededor. Para el fuego, estoy usando triángulos de diferentes
tamaños y proporciones Algunos son largos y estrechos mientras que otros son
cortos y anchos. Dejo que las formas
se superpongan y lo apunten en diferentes direcciones para
que el fuego se sienta como si se estuviera moviendo
en lugar de quedarse quieto. También estoy conectando
el fuego con los Fénix para indicar que son parte
del mismo movimiento. Una vez que los elementos principales
están en su lugar, empiezo a mirar
el resto de la página. Busco áreas donde otra forma pueda ayudar a
equilibrar tu composición, y también busco lugares donde pueda dejar
algún espacio abierto. Ya sabes, es fácil sentir que cada área vacía
necesita ser llenada, especialmente cuando estás trabajando
con un patrón abstracto. Pero no quiero que toda la página compita por la atención. Quiero que el Fénix siga siendo el foco principal con el
fuego apoyándolo. Por eso voy a dibujar algunas formas geométricas grandes en el fondo usando
una mezcla de rectángulos, estrangulos y
otras formas simples Esto ayuda a conectar las
diferentes partes de la composición sin hacer que todo se sienta
igual de importante. Mientras trabajas en tu
propia composición, sigue dando un paso atrás y
mira toda la página. Una forma puede parecer
interesante por sí sola, pero lo que importa es cómo funciona con
todo lo que la rodea. No tienes que
llenar todos los espacios. A veces dejar algo fuera es lo que hace que la
composición sea más fuerte. Y si estás siguiendo
este diseño en particular, no sientas que
tienes que reproducir cada forma exactamente
como yo la he dibujado. Se pueden cambiar las
proporciones del Fénix,
agrandar el fuego, introducir más
triángulos o incluso dejar que el fuego se extienda por la página También puedes reemplazar algunos de
los elementos de fondo
con tus propias formas. La idea es usar esto como punto de partida y encontrar una versión que se sienta
como la suya. Ahora que la base está lista, voy a empezar a
rellenar las secciones. Empiezo con una
esquina ya que es más fácil
mantener la dirección de la línea cuando comienzas con una esquina. Empiezo con el marrón ya que es una de esas formas de
fondo. Ahora, el patrón comienza
con algo muy sencillo, una línea inclinada corta, y luego sigo dibujando
una línea tras otra Estoy tratando de mantener
el ángulo y el espaciado bastante consistentes mientras sigo
repitiendo el movimiento. Quiero que las líneas estén
uniformemente una al lado de la otra, así que estoy tratando de mantener una distancia consistente
entre ellas. Ahora bien, no tienen que
ser exactamente iguales,
pero mantener el espaciado similar ayuda a que un patrón
se vea equilibrado. También estoy vigilando los bordes de la
forma y
asegurándome de que cada línea permanezca dentro los límites de esa sección
en particular. Una vez hecho el primer conjunto
de líneas, empiezo a conectar las primeras líneas de
sección con la siguiente haciendo líneas
diagonalmente opuestas Estoy empezando desde el final de
una línea y dibujando hacia la línea vecina para crear una pequeña conexión
en forma de V. Voy a seguir haciendo esto
una línea a la vez y aseguraré de que cada nueva línea siga un
ángulo y dirección similares. A medida que continúo con estas líneas, se
puede ver cómo las marcas
individuales se uniendo
gradualmente para
formar un patrón de espina de arenque Después de terminar la primera
sección, paso a la siguiente. El objetivo es mantener el
mismo movimiento de ida y vuelta. Entonces empiezo dibujando las líneas
inclinadas y luego poco a poco las construyo en
el mismo patrón conectado Antes de comenzar una nueva sección, siempre
me tomo un
momento para mirar la sección anterior y decidir
qué direcciones debe seguir la
línea. Esto me ayuda a mantener
el ritmo
del patrón sin cometer ningún error con la dirección. Entonces, si no estás seguro de en
qué dirección debería ir la
siguiente línea, intenta seguir el movimiento
con tu dedo o bolígrafo justo encima del papel antes de dibujarlo
realmente Cuando dibujo este patrón, trato de no quedar demasiado
atrapado en cómo se verá la
obra de arte terminada. Es muy fácil seguir
pensando en el futuro, ya sabes, sobre la siguiente
sección, los colores o cuánto trabajo queda todavía. Pero cuando hago eso, tiendo a perder de vista lo que realmente
estoy haciendo. Por lo que
vuelvo a llamar mi atención sobre el dibujo. Miro la línea
frente a mí, hago la siguiente marca, y
sigo haciendo eso. Si mi mente vaga, simplemente
vuelvo al patrón No me frustre conmigo
mismo ni perder la concentración. Solo empiezo de nuevo
con la siguiente línea, y eso es lo que realmente es ser
consciente No estoy tratando de
obligarme a dejar de pensar. Simplemente estoy dando mi atención algo pequeño y
tangible a lo que volver. A medida que sigo
rellenando las secciones, se
puede ver como las
simples líneas inclinadas no solo
están agregando color, sino que también han comenzado a
crear textura Si hubiera coloreado cada forma
con un color plano sólido, la obra de arte
se habría visto bastante diferente. Pero al usar estas marcas
repetidas, he introducido una
capa de detalle que da a estas formas una superficie mucho
más intrincada Cuando las líneas están
más juntas, el patrón aparece
más oscuro y más compacto. Cuando están
ligeramente espaciadas, las marcas individuales
se vuelven más visibles. Entonces, cuando estás llenando, también
puedes jugar con
el espaciado. Se pueden hacer densas algunas
secciones
dibujando las líneas muy
cerca unas de otras, mientras que en otras,
se puede dejar algún hueco. Podría aportar un aspecto
muy diferente al patrón y
puede valer la pena intentarlo. Después de todo, no hay reglas a la
hora de la práctica
creativa. Puedes experimentar, explorar tu propio ensayo y error
y ver qué funciona mejor. El proceso y la obra de arte
deberían hacerte feliz. Los colores que elijas deben narrar lo que
quieres expresar Así que ve con tus
instintos y no
te preocupes por errores
o por hacerlo malo. A medida que dibujas, notarás que algunas áreas son más
fáciles de llenar que otras. Los espacios donde se
cruzan
diferentes formas o donde las
formas se vuelven estrechas, hay
que prestar un
poco más de atención a cómo se mueven las líneas a
través de esa sección Por favor, recuerda que no
tienes que
pasar por todas
las secciones al mismo ritmo. Ahora bien, si eres nuevo en el marcado
repetitivo, podrías notar
que después de un tiempo, empiezas a
sentirte un empiezas a
sentirte Estás dejando la misma
marca una y otra vez, y tal vez parte de ti empieza a preguntarse
cuánto tiempo
va a tardar o si
podrías estar haciendo otra
cosa en su lugar. Y eso es bastante natural. Estamos tan acostumbrados a pasar rápidamente de una cosa a otra que quedarse con una
simple acción por un tiempo puede
resultar desconocido al principio, pero dale un poco de
tiempo y
verás como empieza
a sentirse calmante Hay cierto
ritmo que se desarrolla. Haces una marca, luego otra, y poco a poco tu mano
comienza a encontrar su propio ritmo. No hay que seguir
decidiendo qué hacer a continuación porque el
movimiento básico ya es familiar. Eso te da un
poco más de espacio para prestar atención a los detalles, la dirección de la línea, la distancia entre las marcas,
la forma en que
se está desarrollando el patrón. Y lo más importante,
es esta reputación y familiaridad lo que
te lleva a una zona meditativa Y al mismo tiempo, si
te sientes impaciente, entonces no te
obligues a continuar Puedes tomarte un breve descanso y
regresar cuando estés listo. La idea no es hacerte sentar a través de algo
que no estás disfrutando. Es para darte la
oportunidad de experimentar lo que sucede cuando bajas la velocidad
y te quedas con una cosa
por un poco más de tiempo. Y a medida que lo haces,
puedes comenzar a ver un cambio en la forma en
que miras el progreso. Cuando miramos toda
la obra de arte, especialmente cuando aún
está inconclusa, puede
parecer que
queda mucho por hacer Pero si
vuelves a centrarte en la sección en la
que estás trabajando, puedes ver el progreso
sucediendo ahí mismo. Se trata de pequeños cambios,
pero son cambios reales. Y cuando sigues
regresando a la obra, estos pequeños cambios
empiezan a acumularse. Eventualmente, las secciones comienzan a conectarse entre sí, y algo que
alguna vez existió sólo como esquema comienza a
tomar su propio carácter. Entonces, mientras trabajas en tu pieza, trata de no medir tu progreso solo mirando
cuánta página has terminado. Observe las secciones
que ha completado, el ritmo que está
comenzando a encontrar, la forma en que se ha sentido
cómodo con la repetición y la sensación que
está experimentando mientras
realiza la obra de arte. Ahora voy a pasar al fuego, y voy a seguir el mismo esquema de
color que el
del Fénix. Voy a usar uno amarillo, dos rojos diferentes
y uno naranja. Distribuiré
estos colores cálidos a través de
las secciones triangulares del fuego. El amarillo agrega
brillo mientras que los rojos y el naranja crean contraste
entre las formas. Ahora bien, no estoy siguiendo
una regla estricta sobre qué color
tiene que ir a dónde. Estoy mirando las formas
vecinas y decidiendo cómo
pueden funcionar los colores juntos. Por ejemplo, si dos
triángulos se encuentran, podría usar diferentes tonos para hacer
más visibles los límites Si tienes
colores más cálidos en una gama similar, puedes usarlos para crear variaciones
adicionales. Se puede introducir un rojo más profundo, un naranja más claro u
otro tono amarillo. Si quieres, puedes crear una
interpretación completamente diferente usando blues, morados o verdes O sea, no necesitas usar los tradicionales colores fuego. Aunque lo único que
consideraría es mantener el Fénix y el fuego dentro del esquema de color relacionado. Ya que pertenecen a
la misma historia visual, uso de colores conectados puede
ayudar a fortalecer tu idea. A medida que trabajas, probablemente notarás pequeñas diferencias
en tus marcas. Una línea puede ser
más larga que la otra, otro espaciado puede
cambiar ligeramente. A veces un segmento no cumple con el anterior exactamente
como pretendías. Cuando eso sucede,
no trato de corregir todas las diferencias
porque aunque un patrón de repetición necesita
cierta consistencia, no necesita ser
mecánicamente perfecto. Lo que importa es
el ritmo general de las marcas y cómo
funcionan juntas. Así que trata de poner atención sin ser demasiado crítico con
cada línea que hagas. No tienes que
descartar el patrón solo porque algunas líneas no
salen de la manera que esperabas A veces lo mejor que
se puede hacer es simplemente continuar. Una vez que trabajé a través
de los elementos principales, empiezo a rellenar las secciones de fondo
restantes. Estoy usando el azul para
crear contraste con los colores más cálidos
del Fénix y el fuego. El azul ayuda a que el amarillo
destaque y le da la composición un
área más fresca para equilibrar el calor. También estoy usando diferentes
tonos de marrón en algunas de las otras secciones para introducir más variaciones. A medida que continuaba
trabajando en esta pieza, hice algunos cambios en
el fondo. Inicialmente, había planeado
dejar algunos espacios en blanco y
también había incluido algunas divisiones de
fondo adicionales. Pero a medida que se desarrollaron
las secciones coloreadas, sentí que la composición se estaba volviendo un poco demasiado ocupada. Yo quería que el Fénix y el fuego siguieran siendo
el foco principal, y algunas de las divisiones extra les
estaban llamando la atención
. Así que decidí eliminar algunas de
esas
secciones de fondo y dejar que el azul ocupara
más del espacio. Esto creó un fondo más
continuo y ayudó a que las
formas más brillantes se destacaran. Creo que es importante
recordar que tu plan inicial
no tiene que
permanecer sin cambios
durante todo el proceso. A veces solo
entiendes lo que necesita
una composición una vez
que comienzas a llenarla. Una sección que parezca necesaria en el dibujo rudo podría
sentir una distracción más adelante Podrías darte cuenta de
que un área necesita más respiro o que simplificar algo
hará que el tema principal sea más claro Entonces, cuando hagas tu obra de arte, siéntete libre de hacer esos cambios. No tienes que
quedarte con algo simplemente porque era parte de
tu plan original, y no necesitas
seguir agregando detalles solo porque
hay espacio disponible. vez en cuando, da un paso atrás y mira
toda la composición. Observe lo que llama
su atención, si destaca el
tema principal, y si alguna zona se siente
innecesariamente abarrotada A veces, agregar algo
ayuda y en otras ocasiones, eliminar algo hace que
la obra sea más fuerte. Voy a seguir
trabajando a través las secciones restantes
usando el mismo proceso. Y una vez que se llenan todas
las secciones, así es como se ve. Lo que comenzó como un simple dibujo de formas se ha convertido
poco a poco en algo mucho más
intrincado a través de la
repetición de una marca básica Me gusta mucho cómo
se destaca el Fénix contra el azul y cómo los colores cálidos transportan
al fuego que hay debajo de él. Ahora, aquí hay algunos
otros ejemplos. En esta, he utilizado la
pluma y el camino como elemento principal y resto de las formas para significar
obstáculos y resilencio Utilizo el juego de colores claros
y oscuros para mostrar que el resilencio no se trata
solo de las partes difíciles También se trata
de momentos de luz, cambio y posibilidad que
existen al lado. También dejé bastante espacio
negativo aquí para que el camino se vuelva mucho más visible y
haya espacio para respirar. Este, en lugar de
centrarme en un elemento héroe, solo
quería jugar
con limitación. Así que utilicé
paleta de colores limitada y también
formas limitadas para crear una composición que se siente continua y densa. En este patrón,
quise crear una
interpretación abstracta simple de una ciudad sin dibujarla de
manera demasiado realista Así que adelante y crea
tu propia versión. Puede ser tan directo o
tan abstracto como quieras. El objetivo es simplificarlo en formas
básicas y ralentizar
con una marca a la vez.
6. Reflexiones finales: Muchas gracias por
pasar este tiempo conmigo. A menudo imaginamos el progreso como
algo grande y obvio, pero la mayoría de las veces
es mucho más silencioso Está apareciendo, haciendo un poco regreso mañana,
y haciendo un poco más. La mayoría de las veces, al
igual que estas marcas, puede
que no parezca
mucho en aislamiento hasta que te des un paso atrás y te des cuenta de
lo lejos que te han llevado. Así que tenga paciencia con su
proceso y recuerde que sus pequeños esfuerzos
comenzarán a
aparecer no solo en el
tablero de dibujo, sino en la vida. Me encantaría ver lo que
has creado, así que comparte tu trabajo
en la galería de proyectos. Si disfrutaste de esta clase, entonces explora mis otras clases de
Skillshare
donde continuamos explorando patrones de dibujo consciente y prácticas creativas de diferentes
maneras Y no olvides
seguirme aquí en Skillshare para que puedas mantenerte actualizado
sobre mis próximas clases También puedes estar conectado
conmigo en Instagram, y si quieres
explorar más de mi trabajo, puedes visitar mi sitio web
donde encontrarás mis obras de arte, grabados, talleres y
otras ofertas creativas. Gracias una
vez más por crear conmigo hasta la próxima vez, seguir dibujando, seguir explorando y seguir confiando en
los pequeños tallos
Neha Modi, Mindful Artist & Educator
