Flores al óleo para principiantes: pinta una rosa y un ramo paso a paso

1. Te doy la bienvenida a la pintura de flores al óleo: Hola, y bienvenidos a este curso de pintura de flores. Las flores son un excelente tema para practicar observación, color y transiciones suaves. En este curso, aprenderás a pintar una rosa y un ramo paso a paso. Nos centraremos en simplificar las formas orgánicas, comprender cómo se estructuran los pétalos y crear profundidad a través de variaciones de color También aprenderás a abordar arreglos más complejos mientras mantienes tu pintura clara y equilibrada. Este curso está diseñado para ayudarte a ganar confianza con formas orgánicas y mejorar tu control del color. 2. Cómo pintar una rosa - presentación: Vamos a trabajar en un tema muy clásico con una rosa roja. Cuando se trata de naturaleza muerta, hay que pintar rosa roja. Es realmente un tema clásico, y es realmente interesante, como todos los temas que hemos estado haciendo hasta ahora. A mí también me parece interesante porque cuando trabajas en una rosa roja, primero tienes que mezclar el color rojo correcto. Así que es realmente genial practicar la mezcla de color con el color rojo. Y además, lo que va a ser muy interesante es que entrena tu disciplina. Cuando estás trabajando con una rosa, su mayoría estás repitiendo lo mismo y otra vez con todos los pétalos, y tienes que mantener esa disciplina para asegurarte que tu primer pétalo sea tan hermoso como el último. Y para que no tengas que pasar por alto los últimos pétalos y hacerlos muy rápidos No, hay que estar estable y asegurarse de que está practicando con el mismo nivel de atención a lo largo de toda la rosa. Entonces por eso también es muy interesante. Y por último, rosa roja este trabajo sobre la rosa roja también es muy interesante porque algunos pétalos van a quedar muy delgados. Y así tendrás que trabajar muy finamente, muy finamente con un pincel muy pequeño, y es genial practicar este trabajo y los detalles para mejorarlo Tantas razones para pintar esta rosa roja. Y así vamos a empezar en unos segundos. Pero antes de eso, el material voy a usar. Entonces usaré mis materiales clásicos. No hay colores adicionales, y estaré pintando sobre papel viejo para pintar que es de 20 por 30 centímetros. Si para mi dibujo, estaré usando un proyector para asegurarme de que sea muy preciso. Y si no tienes ningún proyector, está perfectamente bien. Usa una cuadrícula. Es muy importante tener un dibujo muy preciso y aún más filas. Porque si tu dibujo no es bueno, si no tienes la base adecuada, puedes perderte fácilmente en los pétalos. Hay tantos, y por lo tanto, si tu dibujo no es exacto, probablemente terminarás perdido en algún momento al pintar. En cierto modo, no es el fin del mundo si uno o dos pétalos no se colocan correctamente. Pero la cosa es, si no se colocan correctamente, entonces eso significa que hay que pensar en el trabajo sobre sombra y luz en las áreas de sombra y luz y maquillarse para inventar los detalles Y si no lo haces correctamente, bueno, el pétalo podría verse un poco mal. Por eso es realmente importante tengas un bonito dibujo con las proporciones adecuadas, con los pétalos correctos colocados en el lugar correcto. Entonces eso es todo para esta introducción. Ahora, comencemos con esta hermosa flor. 3. Pinta pétalos de rosas con profundidad y suavidad: Entonces, antes de mezclar nuestros colores, repasemos por nuestro habitual análisis de color del tema. Y cuando se trata de la rosa, bueno, podemos ver que hay una fuerte concentración de rojo, claro, con rojo muy intenso. Como se puede ver en algunas de las zonas resaltadas, estoy hablando del tercer color desde la parte superior, y luego otros rojos que por el contrario son mucho menos intensos y mucho más oscuros, casi cercanos al negro. Ese es el cuarto rojo desde arriba. Y luego con los dos primeros desde arriba, lo que puedes ver es que estos son rojos bastante ordinarios, pero aún bastante intensos y vívidos. Entonces necesitamos recrear eso, y es realmente esta combinación de diferentes rojos lo que nos permitirá darle profundidad a nuestro tema Y luego en cuanto al verde en el tallo y la hoja, notamos que este verde es algo dominante, un verde bastante ordinario, no demasiado oscuro, más de tono medio. Y en la hoja, unos toques ligeramente más claros, como puedes ver, lo que ayudará a crear algo de profundidad. Más adelante, probablemente habrá overmxs para hacer, pero por ahora, nos apegaremos a esto, y debería funcionar muy bien para pintar el tallo Entonces comencemos a mezclar nuestros colores, y comenzaré con los colores de la rosa. Y como vimos antes, hay zonas que son delirantes ligeras y bastante intensas Y para darle un poco más de intensidad a mi rojo, el pequeño toque que me gusta darle me gusta darle es agregarle un poco de amarillo amarillo limón porque es un color que es muy intenso y no cambia mucho el color. solo hecho de agregar un pequeño toque como este le da un poco más de vitalidad. Entonces no hay una gran diferencia. No se volverá naranja, pero lo hace un poco más radiante. Y luego pensé que poco a poco comenzaría la transición hacia el rojo oscuro Entonces estoy agregando solo un poquito de madera quemada. Y a medida que avance, seguiré agregando más madera quemada para acercarme a un rojo muy oscuro, casi negro, como los que se pueden ver en algunas zonas de sombra. Entonces poco a poco, voy a aumentar la cantidad de madera quemada, y verás que voy a terminar con más mezclas de las que mostré en mi foto, tanto por los colores rosa, los rojos, por los verdes porque en la foto, no pude extraer todo. Yo sólo apagué los colores principales. Es mejor crear una paleta amplia con más colores que sea estrictamente necesario porque te da más valores y más variedad para un mayor realismo. Entonces aquí, también, lo que se nota con los últimos rojos, estoy mezclando éste y el anterior es que además oscurecerlo con madera quemada, también tenía un poco de azul ultramarino porque eso impide que el color se vuelva parduzco. Y ahora puedo empezar a crear los greens. Como vimos, el verde de mosca de tono medio verde, no especialmente intención, así que puedo comenzar mezclando azul ultramarino con amarillo Entonces me di cuenta que el verde que quería, el que puedes encontrar en ciertas partes de la hoja, necesita ser un poco menos azulado y más claro, razón por la cual agrego un poco de blanco y también un poco de amarillo para que mi giro verde acerque más al amarillo que al azul Y ahora tenemos un hermoso verde. Pero ésta, pero voy a crear otra, perdón. Eso va a ser un poco más oscuro, y para algunas zonas, se puede ver que tiende a inclinarse un poco hacia el marrón. Entonces es por eso que también le estoy agregando un poco de madera quemada. Podemos notar que algunos de los greens pueden ser un poco intensos en algunas zonas. Entonces voy a crear más o menos el mismo color que el que inicialmente hago, pero sin el blanco. Y a partir de ese color, puedo entonces crear algo extremadamente ligero, que podemos ver particularmente a la izquierda a la izquierda. Y así es por eso que agregué una enorme cantidad de blanco. Y finalmente, hay greens que son realmente parduscos en algunas zonas Entonces, de hecho, mezclo una gran cantidad de rojo en ese verde, y al hacerlo, reduce la intensidad del verde y lo acerca a algo más marrón. Pero al principio, agregué demasiado rojo, y se volvió demasiado anaranjado. Entonces agrego el color opuesto al naranja, que es el azul, y luego me di cuenta necesitaba volver a hacerlo un poco más verde. Entonces agregué algo de amarillo para reequilibrar un poco las cosas porque agregué demasiado azul Ahora pasemos a la pintura, y aquí está el dibujo que hice de esta rosa. Y así vamos a empezar trabajando en los pétalos inferiores. Y lo que voy a hacer primero es aplicar mi color sobre este pétalo. Y aquí, veo que este rojo es bastante dominante sobre un área grande. Entonces empiezo por aplicarlo en pequeños toques, asegurándome de extender bien el color para poder trabajar sobre él correctamente más adelante. Entonces ahora que he aplicado este rojo bastante intenso en la zona central, puedo empezar a trabajar un poco más precisamente alrededor de ella. Y podemos ver que alrededor de la zona central, hay elementos que están un poco más abarrotados Entonces voy a aplicar este color ahí, y a medida que lo aplique, intentaré mezclarlo suavemente con el color que está al lado. De hecho, cuando estoy trabajando en elementos como este, que son bastante pequeños, trato de crear la mezcla al mismo tiempo que aplico el color. De esta manera, se hace de inmediato, y puedo volver más tarde para refinarlo con unas pinceladas si es necesario. Pero al mezclar mientras se aplican los colores, diría que simplifica el trabajo que hay que hacer después Ahora bien, notamos que en medio de este pétalo, hay un pliegue que es claramente visible, y en este pliegue, no necesariamente vamos a tener el mismo tono de rojo en todas partes. Entonces aquí estoy comenzando con un rojo midton, pero también se agregarán algunos toques más oscuros para profundizar ese pliegue y hacer que se vea más realista Entonces aquí, ya se pueden ver algunos trazos un poco más oscuros que ayudan a realzar el pliegue. Y para esta flor, procederíamos un pétalo a la vez y avanzaríamos de esta manera porque si hacemos varios pétalos todos a la vez, existe el riesgo de perderse y no poder distinguir uno de otro. Ese es el mayor reto en mi opinión, hora de pintar una rosa. El hecho de que hay tantos elementos, tantos pétalos pequeños aquí y allá, que terminas confundiéndolos y no puedes encontrar el camino. Por lo que trabajar un pétalo a la vez ayuda a evitar esta trampa y permite el progreso de columna y constante. Y ahora sobre este pétalo, puedo tener algunos detalles. Por ejemplo, esas zonas ligeramente más oscuras que vemos en la parte superior de la parte inferior. Y todos estos pequeños toques que vamos a tener son realmente importantes porque ayudan a definir el volumen y la profundidad entre los pétalos y también la textura. Se puede ver que estos pétalos tienen pequeños pliegues y pequeños elementos que se ven un poco desgastados. Y esas pequeñas líneas que teníamos esos garabatos también ayudaron a crear una textura floral que se siente realista Entonces pensó este pétalo, solo unos toques como este son muy efectivos. Y respecto a los elementos de textura lato que mencioné, estos son trazos realmente diminutos, casi aleatorios que coloco aquí y allá, y ayudan a dar la impresión de una flor real Ahora podemos pasar a la zona adyacente. Podemos ver un pedacito de pétalo que es ligeramente visible, así puedo seguir adelante y trabajar en ello. Y son estos toques más oscuros voy a agregar los que realmente ayudarán a separar los pétalos y demostrar claramente que es uno diferente. Y Siguiente, como pueden ver, sigo con este otro pétalo pequeño, y se puede notar claramente que a pesar de que es sólo un pétalo diminuto, hay una fuerte concentración de diferentes valores rojos. Por lo que es importante aplicarlos con cuidado y asegurarse de marcar todos esos cambios sutiles, todos esos pequeños toques. Seguro, pueden ser solo pequeños detalles, pero lo que realmente hará que tu rosa hermosa es lograr una verdadera armonía general, y eso se hace al no descuidar ciertos pétalos más que otros Y aplicando el mismo nivel de cuidado y precisión en toda la flor. Entonces sí, aunque sean pétalos pequeños, importan, y deben ser tratados con seriedad. Así que presta mucha atención a eso. Y aquí en este pétalo también, se puede ver que hay zonas realmente oscuras. Así que no tengas miedo de usar muy oscuros porque si usas rojos que no son lo suficientemente oscuros, en esas zonas, el contraste no será lo suficientemente fuerte, y será difícil crear realmente profundidad en la zona. Ahora voy a pasar al pétalo grande justo arriba. Pero primero, voy a dibujar lo que voy a hacer es volver a dibujarlo un poco. Puedo bosquejar en algunas áreas de sombra dentro de él y redefinir ligeramente la forma de los pétalos circundantes Es cierto que a veces cuando hago mi dibujo, lo hago un poco rápido, y para asegurarme de que no me pierdo durante el proceso de pintura, a menudo vuelvo y lo afino un poco más antes de aplicar la pintura. Entonces ahora comencemos con este nuevo pétalo. Tiene colores bastante claros en el lado derecho, así que creo que comenzaré aplicando esta luz de rojo. Sería una buena base antes agregar elementos ligeramente más oscuros en la parte superior. Hasta el momento, en el lado derecho, teníamos un m ligeramente más claro. Ahora podemos ver que a medida que nos movemos hacia la izquierda, el rojo se vuelve un poco más oscuro. Así que vamos a aplicar un color más oscuro allí también. Eso me parece un buen color base. Y luego, por supuesto, podremos agregar algunos toques aún más oscuros para ayudar a sugerir un poco más de profundidad y definir mejor el pliegue. Ahora que mis colores base se han aplicado en la zona, puedo empezar a trabajar en ello un poco más precisamente. Lo que notamos es que a lo largo todo el borde inferior de este pétalo, hay toques ligeramente más oscuros, y los estoy agregando con pequeños trazos de pincel como este. Lo mismo en la parte superior. Definitivamente hay un pétalo mucho más oscuro arriba, pero aún en este pétalo en el que estamos trabajando actualmente, podemos ver algunos elementos un poco más oscuros en la parte superior. Entonces los estoy agregando, y al principio, es cierto que parecía demasiado oscuro, pero ahora al mezclar y mezclar este color con los circundantes, se vuelve un poco más claro y lo más importante, más natural. Se mezcla mejor con los demás elementos. En esta zona, sentí que había demasiadas partes oscuras, así que la repasé con un toque más claro en la parte superior. Y también quiero definir mejor el borde de mi pétalo donde se encuentra con el otro pétalo, podemos ver que hay una sección muy oscura a lo largo de todo el borde. A pesar de que se desvanece ligeramente a medida que se mueve hacia la derecha, estoy trabajando en ello para que se destaque un poco más Entonces aplico pequeños trazos como este y luego me aseguro de mezclarlo con un rojo ligeramente más claro. Al final, lo que notamos es que la mayoría de los elementos en los pétalos están realmente conectados entre sí. Por lo que ninguna sola línea debería sobresalir más que las otras. Quiero decir, todos los elementos, todos los desplazamientos en solitario entre el rojo más oscuro y rojo más claro necesitan mezclarse y conectarse bien sí para crear un efecto tridimensional en la flor y hacer que todo se vea bastante realista. Aquí, la zona puede parecer un poco confusa porque realmente tenemos dos pétalos superpuestos entre sí. Entonces pensé que antes terminar realmente este estanque a la derecha, podría ser una buena idea trabajar en este, el pétalo un poco más oscuro. En la zona ya hemos trabajado bastante a la izquierda. De esta manera, me ayuda a ver las cosas un poco más claramente en lo que es, después de todo, un área algo confusa. Entonces estoy trabajando en ello, agregando esos elementos oscuros que destacan muy bien y ayudan a dejar claro que este pétalo está encima el que acabamos de pintar. Ahora bien, es cierto que todavía faltan algunos detalles, incluso más oscuros en la parte superior, pero los voy a agregar más tarde porque por ahora, ya tengo este color en mi pincel, el que uso para el pétalo de arriba, también voy a aplicar unos pequeños toques en el lado derecho, agregando algunos detalles bien colocados para ayudar a sacar esa textura. Y así ahora puedo trabajar con ese pequeño toque oscuro, lo que realmente ayudará al pétalo destacar contra el que está debajo. lo que también tenemos que trabajar es, por supuesto, el pequeño pliegue que podemos ver aquí en este pétalo. Se puede ver que está muy oscuro en la parte inferior de este pliegue, y a medida que vamos subiendo, se vuelve un poco más ligero. Entonces ajusto el color en mi pincel para asegurarme de que tengo el valor rojo correcto, y sobre todo, trato de evitar que el trazo sea demasiado grueso. Aquí, viste que era un poco demasiado grueso. Me extendí demasiado hacia un lado, así que simplemente vuelvo sobre él con un rojo ligeramente más claro. Y ahora podemos pasar a este siguiente pétalo. Una vez que este esté terminado, estoy haciendo justo el que está justo arriba. Parece bastante obvio y muy cercano al que acabamos de terminar. De hecho, es una especie de continuación de esa zona oscura en la que habíamos trabajado. Entonces voy a trabajar en ello con pequeños toques aquí y allá para ayudar a sacar a relucir más claramente este pétalo. En general, no es muy complicado. Ten cuidado de agregar este elemento ligero que hay que añadir cuidadosamente a lo largo de todo el borde de este pétalo, y que realmente ayuda a marcar claramente la distinción entre este pétalo y el que pintamos anteriormente. Tú Ahora, voy a crear un color ligeramente diferente porque en algunas zonas de la flor, puedes notar que aunque el rojo es un poco más oscuro, tiene un tono que aparece algo violáceo Ese es particularmente el caso, por ejemplo, en el lado izquierdo de la flor, donde los pétalos son bastante oscuros. Me parece que cuando el color se aclara en esa zona, tiende a volverse un poco más púrpura Entonces a partir de ese color base, estoy creando uno ligeramente más claro al agregar algo de blanco y también un poco de rojo porque eso ayuda a aclarar el color, también, porque la mezcla que hice inicialmente era más oscura que el rojo permanente Entonces estoy creando este nuevo tono. Ahora, lo siento, la mezcla no es claramente visible debido a un pequeño problema técnico, pero podrás ver el color en la zona donde estamos a punto de pintar. Y la diferencia entre el color no es enorme. Es sólo algo un poco más violáceo. Y nos vamos a centrar en este pétalo que ves del lado izquierdo, lo cual es bastante interesante de trabajar porque incluso dentro de un solo pétalo, puedes notar múltiples áreas que son más oscuras o más claras. Entonces va a ser interesante explorar cómo hacer eso. Mi enfoque para esta sección es comenzar con el pétalo más pequeño dentro del área más grande porque siento que no es particularmente difícil pintar. Y cuando hay algo fácil de pintar, sigo adelante y lo hago porque es fácil, genera confianza. Y una vez que se pinta una parte, siempre es pintor pintar el resto a su alrededor. Nos da una buena referencia visual sobre la que construir. Ahora puedo pasar a pintar el pétalo justo al lado del que acabamos de trabajar. Es más oscuro que el anterior, y también podemos notar que los tonos son un poco más rojizos con un toque violáceo Entonces este nuevo color que tengo hace que se sienta perfecto para pintarlo así usando este pincel ligeramente redondeado, que aún permite bastante precisión en esta área relativamente estrecha. Y mientras ahora estoy usando este color, me parece que también puedo aplicarlo en el lateral donde podemos ver un tono medio oscuro. Entonces iré entre esas zonas con algunos elementos muy oscuros. Y para ayudar a que esas partes más oscuras destaquen más tarde, primero puedo agregar algunos toques más claros cerca. Y como puedes ver, estas partes más ligeras aquí no son realmente de un rojo vivo. Se inclinan más hacia un matiz violáceo. Y ese tono sutil también muestra frutos, incluso en las zonas más oscuras estaré pintando entre medias Son muy oscuros, pero aún se puede decir que no es negro. En realidad es un rojo muy profundo con un ligero tinte púrpura. Eso es un pequeño matiz. Honestamente, aunque pintes esta parte de la flor usando los colores que habíamos mezclado anteriormente, seguirías obteniendo un resultado convincente y bastante realista Pero al prestar atención al pequeño cambio de color, creo que tuvo un nivel extra de refinamiento Ahora puedo agregar estos toques más claros, este resaltado, que ayudan a darle a la pintura un aspecto dimensional aún más libre, pero ten cuidado de no hacerlos demasiado brillantes o demasiado afilados. De lo contrario, podría parecer un poco menos creíble. Como pueden ver aquí, lo estoy mezclando muy bien con los alrededores. Y el que hice en la parte superior, también necesitamos también voy a necesitar tonificarlo ligeramente, hacerlo un poco menos brillante y menos perceptible. Eso es algo importante a tener en cuenta. reflejos que son demasiado brillantes o demasiado visibles suelen tener un efecto contraproducente Entonces definitivamente es algo a tener en cuenta. Ahora, pasemos a este siguiente pétalo justo al lado del que trabajamos antes. Aquí volvemos a nuestros colores originales con esos rojos ricos e intensos. Entonces voy a comenzar aplicando mi color base, midm rojo ligeramente en el lado más claro Y además de eso, podremos agregar algunos detalles aún más oscuros más tarde, aunque ya podamos notar que el área del lado derecho es un poco más ligera. Pintar una rosa roja es un verdadero reto, pero también un verdadero placer, en mi opinión. Técnicamente hablando, es un tema muy exigente. El rojo es un poco complicado. No puedes simplemente aclararlo con blanco como lo harías con azul o amarillo sin el riesgo de embotarlo. El rojo pierde rápidamente su profundidad si lo tratas como color regular. Entonces es por eso que necesitas un rojo base que ya sea intenso, como el rojo permanente. solo agregar un toque de amarillo limón como lo hicimos nosotros, es más lo hace aún más vibrante y puedes crear tonos realmente llamativos. Pero de nuevo, no se puede tratar el rojo como un color estándar. Hay que trabajarlo con finura. A veces lo oscurece con quemado y bur, a veces con azul ultramirn, o incluso una mezcla Hay muchas pequeñas sutilezas en la mezcla de colores, y eso es lo que hace que sea tan interesante pintar Observar y analizar esos pequeños cambios dentro de un solo pétalo se convierte en todo un ejercicio en sí mismo. Y pintar una rosa roja también es un ejercicio de enfoque y concentración. Es una flor con una estructura muy definida, pero a la vez, mucha suavidad. Hay que ser precisos sin ser rígidos, colocando cada pincelada con su intención, sin delinear todo demasiado. Aprendes a sugerir modular el color en lugar de tratar de dibujar bordes afilados a su alrededor. Y más allá de la técnica, hay algo bastante conmovedor en pintar una rosa roja. Es el color de la pasión de la vida del corazón. Una rosa roja puede salvar tantas cosas. Y a través de pintar una sola flor, puedes crear algo verdaderamente hermoso. Y estoy seguro de que quien le regales quedará profundamente tocado por él. 4. Pinta pétalos de rosas con profundidad y suavidad, Parte II: En este punto, mis capas base están bastante bien en su lugar, así que voy a continuar agregando, por ejemplo, algunos toques ligeramente más oscuros aquí en la parte inferior del pétalo. Esto ayudará a que se destaque un poco más y cree cierta profundidad en relación con los pétalos circundantes. En esta área, también puedo agregar un acento oscuro, que de nuevo, ayudará a crear una sensación de volumen y mostrar la diferencia de altura entre los pétalos. Por lo que es importante enfatizar realmente esos elementos. Y como mencionamos anteriormente, las diferentes áreas claras y oscuras realmente todas conectadas. Realmente trabajan juntos. Así que después de limpiar cuidadosamente mi pincel y quitar cualquier resto de pintura, puedo repasar suavemente el área, agregando algunos toques aquí y allá para crear transiciones suaves entre los diferentes colores rojos Aquí, sigo trabajando en los detalles de esta zona, sobre todo este pequeño pliegue que se puede ver, y ahora algo muy importante. Están a punto de ver los pequeños reflejos que estoy agregando justo al lado de la sección más oscura. Es un detalle minúsculo, pero es crucial para darle volumen a esa pequeña caída. Sin ella, simplemente parece una línea oscura. Pero con ese toque más ligero agregado junto a él, realmente se puede empezar a ver la forma y el sentido de la forma de profundidad. Así es como construimos volumen en una superficie pintada. Es la combinación de un tono medio en la zona, un toque más oscuro justo al lado, y luego un pequeño resaltado más claro. Y ese trío es lo que crea la ilusión de volumen. Ahora, voy a agregar algunos toques más a esta zona aquí en este pétalo y luego pasaremos al centro de la rosa donde todos los pétalos se superponen y se tuercen entre sí. Esa parte es más intrincada, y te mostraré cómo manejarla. El proceso para los pétalos restantes es exactamente el mismo, por lo que no tiene mucho sentido lanzar cada uno y cada uno. En cambio, nos centraremos en cómo acercarnos al centro de la rosa donde se juntan todos los diminutos pétalos complejos. Puede parecer abrumador al principio, pero en mi opinión, realidad es la parte más desafiante y gratificante de la flor para pintar. Para pintar esta zona, que es bastante compleja, voy a usar una estrategia. Aplico casi cada vez que me enfrento a una sección complicada como esta. Empiezo centrándome en los elementos que más destacan, y muy a menudo, esas son las zonas más oscuras En esta parte de las filas, se pueden ver claramente esas formas oscuras donde hay una sombra fuerte. Realmente salen. Entonces voy a comenzar marcando esas áreas primero porque son fáciles de identificar. Sabemos dónde están y dónde y son claramente visibles. Y creo que al comenzar por estas zonas más oscuras, voy a tener algunos puntos de referencia sólidos que facilitarán colocar todo lo demás a su alrededor. Y una vez que esos estén adentro, comenzaré a pintar los pétalos junto a ellos y realmente los trabajaré cuidadosamente. Después, poco a poco nos moveremos por el resto de la zona, buscando siempre el siguiente conjunto de elementos oscuros que nos guíen. Y creo que este enfoque realmente simplifica el proceso Ahora que he aplicado este color, estoy cambiando de pinceles, o puedes jugar en el mismo. Lo que importa es que ya no tenemos el color oscuro en él. Y luego puedo moverme a los pétalos justo al lado de él. Y como puedes ver en la foto, se conectan ligeramente a estas zonas muy oscuras que acabamos de pintar. Por lo que necesitamos mezclarlos suavemente para evitar una ruptura dura entre el rojo y ese tono muy oscuro, casi negro. Y a continuación, continúo. Aquí, hay un pétalo con un tono más intenso y algunos toques más claros, así puedo agregar esos también. fui demasiado lejos con este tipo Al principio fui demasiado lejos con este tipo de color negro, pero está bien. Puedo pintarlo, como viste, y puedo hacerlo sin ningún problema. Solo tuve que aplicar una generosa cantidad de rojo para cubrir adecuadamente el color oscuro. Ahora puedo seguir adelante y trabajar en este próximo pétalo de topo. Se puede ver como el rojo se vuelve poco a poco más claro, y hay una transición agradable y suave en la zona sombreada Y eso es exactamente lo que estoy aplicando aquí. Entonces por encima de eso, hay un color mucho más claro con algo de rojo ligeramente más intenso. Y como voy, y voy a añadir esto también. Al trabajar un pétalo a la vez, podemos mantener rodamientos o rodamientos. Cada nuevo pétalo que tuvimos nos ayuda a navegar mejor esta parte de la flor, que es muy compleja con muchos pétalos superpuestos. Es muy fácil perderse en esta zona. Pero al pintar una forma claramente identificable, se vuelve mucho más fácil detectar las circundantes y pintarlas a su vez. Y ahora con estos nuevos pétalos pintados, tengo algunos buenos puntos de referencia, y eso hace que continuar sea mucho más fácil. Estamos progresando lentamente, sí, un pétalo a la vez, pero realmente podemos ver el progreso y la pieza está empezando a juntarse ante nuestros ojos, y en realidad va bastante bien. Y ahora con mi pincel de hileras, puedo volver a repasar el pétalo justo en esa zona muy delicada para potenciar el efecto de luz y asegurarnos obtengamos los pequeños reflejos que realmente destacan Y luego podemos pasar a otro pétalo, el de la izquierda. Ahora que he pintado los de la derecha, es más fácil detectar este y trabajar en él con más precisión. No es un pétalo particularmente complejo de pintar, sino para evitar perderme, prefiero comenzar por los circundantes y el elemento más oscuro. Y ahora que tenemos elementos al lado de éste, es más fácil localizarlo y pintarlo. Una vez que esta zona esté bien avanzada, podremos pasar a la parte superior. Esta sección arriba se vuelve un poco compleja de nuevo con muchos pétalos superpuestos entre sí. Hay muchas pequeñas áreas oscuras y pequeñas manchas de color rojo, por lo que es un poco complicado orientarse. Entonces voy a pintar de negro otra vez, y este negro me ayudará a encontrar mi rumbo. Intentaré marcar las principales zonas oscuras, y al hacerlo, podré avanzar con más confianza en mi flor y en esta zona bastante intrincada Entonces observo cuidadosamente mi foto de referencia y presto mucha atención a dónde están las zonas oscuras, y trato de ser bastante preciso. Dicho esto, si voy un poco o me olvido de un pétalo, no es el fin del mundo. La clave es mantener una cierta consistencia a lo largo de la pintura. Entonces trato de ser lo más preciso que pueda. Y de esta manera, me resulta más fácil pintar todos los pequeños pétalos que aparecen en las diferentes áreas. Tú aquí estoy agregando más elementos oscuros, pero ten cuidado porque puedes ver que hay una diferencia de valor muy leve. Es sólo un poco más ligero de lo que había aplicado hasta ahora, y también es un poco más roja. La diferencia no es enorme, pero son exactamente este tipo de pequeños detalles y sutiles matices los que pueden marcar una diferencia real y llevar tu pintura al siguiente nivel. Y ahora que he marcado todas estas áreas de referencia, va a ser mucho más fácil una vez más pintar entre todos estos elementos oscuros y comenzar a agregar los colores de cada pétalo. Podré distinguirlos más fácilmente entre sí gracias a esas zonas más oscuras. Entonces voy a pintar entre cada uno de estos elementos oscuros, y observo cuidadosamente los colores que necesito aplicar. Los pequeños detalles a tener en cuenta son especialmente las líneas finas y claras que aparecen en algunos lugares. Se trata de pequeños elementos. Es cierto, pero son realmente esenciales porque ayudan a crear una verdadera sensación de profundidad y enfatizan el relieve en la zona. Es realmente este contraste entre elementos más claros y oscuros los que dan volumen y tridimensionalidad a nuestras flores Por lo que es importante prestar mucha atención a eso. Probablemente ya te hayas dado cuenta de esto si pintas regularmente, algunos temas realmente requieren paciencia, y esta rosa es una de ellas. Se trata de un tema que en la superficie parece fluido, casi directo. Pero cuando te encuentras frente a él, cepillo en mano, rápidamente te das cuenta de que cada pétalo tiene su propia lógica, su propia curva, sus propios valores. No puedes simplemente copiar vagamente una forma. Es necesario observar, comprender y ajustar, y naturalmente esto lleva tiempo. Entonces, si te sientes un poco frustrado, debes saber que es perfectamente normal. De hecho, a menudo es una buena señal. Significa que estás saliendo de tu zona de confort y progresando. El error sería pensar que hay que pintar rápido o bien todo en la primera vez. En verdad, la desaceleración suele ser la clave. Haciendo una pausa, dando un paso atrás para mirar tu trabajo en su conjunto. Esto te ayuda a entender lo que está funcionando y lo que podría necesitar un poco de refinamiento. Hay una idea muy liberadora a tener en cuenta. No tiene que ser perfecto. Pintar no es una muestra de habilidad. Es un proceso de construcción, una serie de decisiones. Algunos tendrán razón de inmediato. Otros necesitarán ajustes, y eso es lo que hace que una pieza se sienta viva. Se puede volver a visitar, poner capas, reinterpretar. Nada está escrito en piedra. Lo que importa es que sigas adelante con cuidado, con disfrute, y sobre todo, sin presiones. Esto nos lleva a algo que va más allá de la técnica. Pintar no se trata solo de colocar color en la superficie. También es una manera de aprender sobre ti mismo. Cada materia te enseña algo. Una rosa, por ejemplo, te enseña sutileza. Te obliga a reducir la velocidad para ver de otra manera, a prestar atención a matices casi invisibles como este color negro que parece ser negro, pero ya es que en realidad es una especie de rojo púrpura, muy oscuro. Y esta capacidad de observar, mantenerse enfocado, de tomarse su tiempo, lo encontrará en todas sus obras futuras e incluso a veces en la vida cotidiana. También notarás que cuanto más pintes, más consistencia desarrollas, y la consistencia es mucho más valiosa que la inspiración. Al pintar a menudo y aceptar que no todos los intentos serán perfectos, creces. Tu hermosa rosa no siempre emerge en el primer intento, pero eso está bien porque con cada intento, afinas tu ojo, refinas tu gesto, y que nadie te puede quitar Lo que estás haciendo aquí es significativo. Se trata de un viaje artístico. Estás forjando tiempo para ti mismo, para crear, para aprender. Y esta práctica, aunque sea tranquila y personal, tiene un gran valor porque es tuya y porque te ayuda a seguir adelante. Entonces sí, a veces recorrerás un área tres veces, cuatro veces, incluso diez veces. En ocasiones dudarás, modificarás, empezarás de nuevo. Pero todo eso es parte del proceso. Sigan adelante. Sea curioso, paciente y observe. Y sobre todo, mantente conectado con esa alegría. La alegría de ver tu imagen toma forma lentamente. Esto no es una carrera. Es una exploración, y cada pincelada te lleva un poco más allá y te hace mejor en tu práctica Trabajar con los pétalos es muy importante. Es fundamental aplicar el color con cuidado y precisión. También es importante agregar esos toques ligeramente más claros justo al lado de las áreas más oscuras. Y en algunos lugares, no dudo en volver sobre el color oscuro si siento que se ha suavizado demasiado por los tonos rojos que apliqué Entonces puedo tener esas líneas rojas más claras y definidas que ayudan a crear contraste y dar profundidad, permitiendo que los pétalos se destaquen unos de otros. Entonces aquí podemos ver buenos avances en todos estos pétalos en la zona superior. Y ahora puedo comenzar a cerrar el centro de las filas con esta línea bastante oscura, que una vez más servirá como un punto de referencia útil para ayudar a colocar los demás elementos en esta zona con mayor precisión. Bien, ahora vamos a pintar este último pétalo pequeño juntos Esta será la parte final que pintaré contigo en cámara. El resto de las filas se completarán fuera de cámara simplemente porque el proceso es exactamente el mismo que lo que ya hemos hecho juntos hasta este punto. Ahora tienes todas las herramientas que necesitas para continuar por tu cuenta, construyendo las áreas oscuras, estratificando los tonos rojos y agregando esos toques más claros para resaltar la profundidad y la forma de cada pétalo Pero lo más importante, no te rindas ahora. Estás muy cerca de la línea de meta. Tómese el tiempo que necesite para completar sus roles lo mejor que pueda. Es un tema desafiante, pero también es increíblemente gratificante. Si ciertos pétalos se sienten más difíciles, está bien. Simplemente haz lo mejor que puedas, aunque sea poco a poco. Lo que importa es empujar hasta el final. En un momento, te mostraré la flor terminada. Puedes usarlo como modelo o guía o incluso simplemente como inspiración para completar el tuyo propio. Siéntase libre de referirse a él si no está seguro de una forma o un área específica Y luego pasaremos al tallo y a las hojas, pero no hay prisa. Tómate todo el tiempo que necesites. Es mejor moverse despacio y con cuidado que tratar de terminar demasiado rápido. Esta rosa merece toda su atención. Así que siéntete libre de poner el video en pausa con la rosa final, y luego nos encontraremos para pintar el tallo y las hojas juntas. 5. Pinta el tallo de la rosa: Ahora es el momento de trabajar en el tallo y la hoja. Y empiezo por aplicar un verde en la zona, y va a ser un verde base sobre el que luego pueda agregar elementos más oscuros o más claros. Después de dar un paso atrás y mirar mi metraje, me di cuenta de que el verde que había aplicado en la zona no era el adecuado . No funciona. Sin embargo, no arruinará demasiado el resultado final, porque lo que también es importante es trabajar cuidadosamente en los elementos un poco más oscuros y claros que se agregarán. Y estas combinaciones de pequeños toques ayudarán a crear. Y entonces la parte más importante del tema sigue siendo la rosa. Entonces, sí, es un error de mi parte con este color para el tallo, pero no uno que dañe gravemente el resultado final. Ahora estoy mezclando de nuevo un verde ligeramente más oscuro para comenzar a trabajar un poco en el tallo, agregando algunos toques más oscuros sobre todo en el lado izquierdo, que estará en sombra. Estos pequeños toques aquí y allá serán suficientes para ayudar a crear volumen y dar la impresión de que estamos tratando con algo cilíndrico en lugar de completamente plano. Y para trabajar en la textura del tallo, no es una textura increíblemente compleja de pintar, pero es necesario agregar estos pequeños elementos, estos pequeños toques aquí y allá para que el tallo se vea más realista. Ahora estoy mezclando un verde ligeramente más claro, ligeramente blanquecino para trabajar en un sutil resaltado que se puede ver en el lado derecho Y ahí vas con pequeños toques aquí y allá, puedo aplicar el color, y realmente destaca. Entonces sí, inicialmente, inicialmente dije que mi color no era del todo correcto. Es cierto que el verde a la derecha del tallo es un poco demasiado claro, pero gracias a los elementos más oscuros que me han agregado, el resultado se siente un poco más equilibrado en general. Y ahora podemos pasar a trabajar en la hoja. No es una hoja particularmente compleja de pintar, pero se siente como un buen calentamiento, una buena manera de facilitar el proceso antes de trabajar en la de la derecha, que será un poco más compleja. Y con esta hoja, podemos ver que los lados son bastante oscuros mientras que el centro es bastante claro, esto es yo soy esto es lo que pretendo replicar, aplicando estas áreas más claras y asegurándose de que se mezclen bien con las partes más oscuras Al igual que con los pétalos de rosa, los diferentes tonos de verde en la hoja están más o menos conectados entre sí. Claro, no hay un degradado suave o transición entre los dos colores. El cambio es bastante abrupto, pero los dos tonos aún se mezclan muy bien Entonces con pequeños toques, eso es lo que estoy tratando de lograr aquí también, una buena mezcla entre estos dos elementos. Y luego en esta hoja, hay algunos pequeños toques sorprendentes de color. Hay algo de color marrón en la parte inferior y un poco en la parte superior también. También hay tonos ligeramente rojizos en la parte superior y en el costado de la hoja Entonces voy a intentar agregarlos en. Pero es importante no pensar demasiado en este tipo de detalles Son solo pequeños acentos para incluir, y este es un elemento menor en la composición general, no uno de los más importantes. Agrégalos, pero no te preocupes demasiado por hacerlo 100% perfecto. Ahora pasemos a pintar la otra hoja. Es un poco más complejo, pero yendo paso a paso, un elemento a la vez, verás que podemos descomponerlo con bastante facilidad. Entonces el primer paso es aplicar los colores base en la zona, e intentaré tocar los colores más dominantes en el lugar correcto. Aquí, por ejemplo, al inicio de la hoja, noté que hay algunas zonas más claras tanto en el lado izquierdo como en el derecho. Entonces puedo agregar aquellos con trazos ligeros como este y luego agregar tonos más oscuros a lo largo del borde. Y luego continúo con el resto de la hoja. Y noto que en la parte superior de la hoja, hay algunos elementos más oscuros, y encontramos ese mismo color un poco más abajo también. Entonces voy a agregar eso en. Y al romper la hoja en áreas más pequeñas, puedo hacer un progreso constante y hecho ver que cobra vida a medida que avanzo. En este punto, estoy mezclando un poco más de pintura porque no tenía suficiente y quería un verde más medio, algo así como entre tono porque siento que ese es el color principal en la mayor parte de la hoja. Entonces lo aplico sobre toda la zona donde parece ser el tono dominante. A pesar de que hay manchas con toques ligeramente más claros u oscuros, este verde todavía parece ser el color principal que se usa en todas partes. Entonces para la parte inferior, es lo contrario. El área es generalmente más ligera en general. Entonces empiezo por aplicar ese tono más claro, y después agregaré algunos detalles más oscuros en la parte superior. Esta forma de trabajar se siente más simple en general. Ahora puedo comenzar a pasar a la siguiente fase, y comenzaré a aplicar color con más precisión, es decir, refinaré mis trazos de pincel. En este punto, refinaré mis pinceladas. Lo siento. Y en este punto, trato de identificar áreas sofocadas dentro de las más grandes que ya pintamos Por ejemplo, al inicio de la hoja, me di cuenta de algunas zonas que son aún más oscuras de lo que ya había pintado. Destacan más, así que comenzaré por sumarlos. Entre los detalles que puedo agregar están las líneas que recorren la mitad de la hoja, que ya podemos empezar a distinguir un poco. Y también a lo largo de los bordes de la hoja, hay áreas ligeramente más oscuras que puedo agregar también. Pero ahora mismo, las venas centrales de la hoja no sobresalen lo suficiente, así que voy a trabajar en esas con más cuidado. Y mientras hago eso, no voy a pintar sólo una sola línea oscura. Quiero asegurarme de que todo a su alrededor se mezcla bien con el resto de la hoja. Y eso es realmente algo a lo que debo prestar atención. Y voy a trabajar en eso un poco más después. Ahora, en el lado de la hoja, como mencioné, también es un poco más oscura. Entonces estoy usando una especie de verde parduzco, y a medida que lo aplico, se puede ver que trato mezclarlo un poco con los colores vecinos Y sí, puedo seguir adelante y trabajar en todo el borde derecho, también. Podemos ver que ahí hay algunas partes más oscuras , también, y poco a poco, la hoja empieza a cobrar vida. Y es realmente la acumulación de todos estos pequeños toques uno tras otro lo que marca la diferencia. Al enfrentar algo como esta hoja, es fácil sentirse inseguro de por dónde empezar Pero como siempre, se aplica el mismo consejo. Empezar por lo que parece más obvio. Al principio, vi la izquierda como unas zonas más grandes. Entonces noté que podía agregar elementos más oscuros en los bordes. Entonces vi que las venas centrales estaban bastante oscuras. Y junto a esos, vi algunos toques más pequeños y oscuros a los que podía agregar. Y cada vez que agrego un elemento, luego otro parece entonces otro que parece claro, toda la estructura de la hoja empieza a tener más sentido. Y eventualmente, llegaré al punto en el que creo que la hoja se ve bastante clara ahora lo que aún falta. Y busco esos elementos faltantes comparando la hoja que estoy pintando con la de mi imagen de referencia. Y como dije antes, quiero que las vainas más oscuras se conecten con el resto y se mezclen con el verde de la hoja, y eso es exactamente lo que he hecho aquí. Entonces ahora la hoja se ve bastante bien. Realmente está empezando a unirse. Lo que estoy haciendo a continuación es agregar algunos elementos más claros junto a las áreas más oscuras. Y es realmente esta adición de pequeños reflejos junto a manchas más oscuras lo que ayuda a que la hoja se vea más libre dimensional, sacando a relucir la sensación de volumen. Una vez más, es esa combinación de elementos oscuros y claros, igual que con cualquier cosa que pintamos lo que crea la ilusión de profundidad y realismo. Ten cuidado de no hacer que tus reflejos sean demasiado brillantes porque entonces no se verá del todo bien. Quieres que sean visibles, pero aún así bastante sutiles. Entonces a veces, si sientes que ciertas áreas se ven un poco demasiado claras, ajusta tu color o mézclalo un poco más con los verdes oscuros cercanos, y luego solo unos estos pequeños toques sin pensarlo demasiado No hay necesidad de ser precisos hasta el último asunto de miteo. Algunos detalles bien colocados aquí y allá son más que suficientes para que todo se vea convincentemente realista Uh Para que esta zona más clara destaque aún más, voy a volver a entrar con mi verde un poco más oscuro, y en algunos puntos, voy a repasarlos otra vez. Eso realmente ayudará a potenciar todo el trabajo que hemos realizado aquí. Entonces ese es el toque final para esta hoja. Y todo lo que queda por pintar es la parte inferior del tallo, pero eso se hará de la misma manera que lo hicimos en la parte superior. Entonces por eso continuaré fuera cámara y volveremos a encontrarnos para la pintura de fondo. Así que tómate tu tiempo para terminar con cuidado esa parte inferior del tallo. Entonces aquí está mi color de tallo en la paleta. He creado un gris muy claro simplemente mezclando una gran cantidad de blanco con un poco de azul ultramarino y umber quemado en partes iguales y luego agregando mucho Nada demasiado complicado. Y ahora podemos pasar a pintar el fondo. Lo primero que voy a hacer es pintar todo alrededor de la rosa con este color para crear una especie de barrera protectora y evitar que se superponga sobre la rosa misma. Tan suavemente, usando este cepillo un poco más pequeño, trabajaré alrededor del borde. También, un detalle importante. Algunas partes de la rosa ya están secas. Entonces esto es un poco como aplicar una segunda capa. Existe la posibilidad de que un poco de gris pueda entrar en contacto con el rojo de la rosa. Como es esencialmente una segunda capa, he usado el medio número dos, que contiene un poco más de aceite que el medio número uno. De esta manera, se respeta la grasa de una regla de lein al aplicar esta capa Entonces voy a hacer eso alrededor de la harina, y después, podré pintar con más confianza con un pincel plano sin preocuparme por repasar el color rosa Bien, ahora me he saltado el resto de esta aplicación de fondo alrededor la flor ya que es repetitiva y no particularmente interesante, estaba haciendo lo mismo una y otra vez Y así usando un pincel plano y trazos amplios, asegurándome de estirar bien la pintura, puedo completar el trabajo de fondo en las filas. Así que tómate tu tiempo, aunque el fondo no sea la parte más compleja, un fondo mal hecho apresurado en el último minuto puede arruinar toda la pieza, y eso sería una verdadera lástima. Así que cuídate, trabaja pacientemente, y todo va a salir bien, sobre todo porque ya hemos pasado bastante tiempo en la rosa Será una lástima dejar que un fondo apresurado lo estropee. Y ahí vamos. Nuestra rosa ya está completa. Espero que este tutorial te haya ayudado a entender mejor cómo construir una rosa en la pintura paso a paso jugando con el contraste, el volumen y los detalles. Como siempre, tómate tu tiempo, observa tu referencia cuidadosamente y lo más importante, disfruta del proceso. Así que muchas gracias por ver y hasta muy pronto por un nuevo tema. H 6. Cómo pintar un ramo de flores: presentación: Comer ramos de flores es uno de los ejercicios más clásicos en la pintura de bodegones. Y con este tema, vamos a aprender muchas cosas. Hay hermosas flores que aprenderemos a pintar, cómo poder crear algunos volúmenes con los pétalos, cómo pintar los tallos, y crear unos hermosos verdes. Y también lo que es muy interesante es que el jarrón es muy diferente a lo que podemos ver normalmente con algún otro pecado. Está hecho con algún tipo de papel que es muy diferente. Y este papel está hecho de diferentes marrones, por lo que será muy interesante ver cómo hacer estos hermosos marrones Y también, hay muchos pliegues creados por este trabajo, que hace que sea aún más interesante trabajar en él. Entonces este es realmente un tema fascinante donde vamos a aprender muchas cosas. Asomando y para la creación de esta obra de arte, estaré trabajando en un papel, y el tamaño de este papel, este viejo papel de pintura es de 30 por 40 centímetros Estaré usando mis materiales ordinarios y finalmente, para el dibujo, estaré usando mi proyector. Pero si quieres, definitivamente puedes ir por la grilla para asegurarte que tienes las proporciones adecuadas. Un gran dibujo con las proporciones adecuadas es el primer paso hacia una pintura que se ve muy realista. Entonces realmente te recomiendo que uses la cuadrícula para asegurarte de que tienes las proporciones adecuadas con tu dibujo. Ahora, comencemos, y pintemos juntos estas hermosas flores. 7. Cómo mezclar colores para el florero: Como es habitual, antes de comenzar, comencemos analizando los diversos colores en nuestro tema, comenzando por lo que vamos a pintar primero el jarrón hecho de papel artesanal. Podemos ver que esta zona contiene una gran variedad de diferentes marrones Al mirar el cordón, es un marrón neutro bastante claro con un tono un poco cremoso. En tanto, el resto del papel artesanal, especialmente la zona central, contiene marrones con un tinte ligeramente amarillento. Y, por supuesto, usaremos valores para crear un sutil relieve y darle al jarrón esa apariencia cilíndrica tridimensional, lo que no queremos. Es que este papel artesanal, este jarrón se ve como si fuera plano. Y si no queremos conseguir algo plano y más voluminoso en tres dimensiones, necesitamos esa gran variedad de marrones para crear ese efecto Por lo que también notamos que la parte superior está más en poca profundidad, muy probablemente debido a las hojas y flores por encima de ella, y los marrones en esa zona son más oscuros y de manera similar menos saturados Se inclinan más hacia un marrón grisáceo. Entonces eso nos da bastantes marrones para mezclar, lo cual es genial porque el marrón nunca es el color más fácil de mezclar en la paleta Por lo que esta será una buena oportunidad para practicar y mejorar en eso. Empecemos a mezclar todos los colores. Y como vimos durante el análisis, los colores de este jarrón, este jarrón serán una especie de amarillo, marrón anaranjado. Así que creo una mezcla con un poco de naranja al principio, pero con bastante buena cantidad de amarillo ya que quería ir más hacia el color amarillo. Y ahora tengo naranja que también es bonita línea porque como se puede ver, le agregué un poco de blanco para que no termine con algo demasiado oscuro al principio. Ahora mi color es demasiado anaranjado y demasiado intenso. Es por ello que le tenía el azul, que es el color opuesto para hacer que este naranja sea menos intenso, menos vibrante. Y también algunos queman madera porque la madera quemada es de muy buen color para hacer que los elementos vayan automáticamente más hacia el color marrón y un poco más neutros. Entonces es por eso que me gusta usarlo cuando quiero crear algunos colores marrones. Ahora, creo que mi color es bastante bueno pero sigue siendo demasiado intenso. Entonces es por eso que estoy agregando un poco de azul, pero también voy a agregar aún más azul y aún más madera quemada para crear algo que es aún menos intenso que lo que tengo ahora mismo en mi paleta. M Ahora voy a crear algo un poco más ligero que podamos ver en este punto culminante de la derecha. A pesar de que este punto culminante no es tan intenso como lo que pudimos ver con alguna otra pintura, sigue siendo bastante notable. Entonces es por eso que agregaré una mayor cantidad de blanco a mi mezcla y agregaré un poco de naranja y un poquito de azul para que sea menos intensa. Además, puedes ver que la cantidad de amarillo es mucho mayor que la cantidad de rojo porque quiero mi color se incline un poco más hacia el amarillo. Pero ahora mismo, debido a que agregué mucho amarillo y bastante quemado tumber y azul, mi color se volvió un poco demasiado verdoso Entonces por eso agregué el color opuesto a mi color, que es el rojo. Y ahora quiero que vuelva a ser un poco más amarillo. Y cada vez que me hago estas famosas preguntas de las que hablo en el curso básico, que son como, ¿ mi color es demasiado claro o no lo suficientemente claro? Demasiado verde o no lo suficientemente verde, demasiado rojo o no lo suficientemente rojo. Así que constantemente me pregunto esto, pero ya no necesito hacerlo en voz alta. Al principio, realmente me tomé mi tiempo para hacerme esas preguntas, pero ahora es realmente automático y ni siquiera lo pienso, pero sé que en mi mente, me estoy haciendo estas preguntas, y sé al instante qué color necesito tomar. Y con la práctica y con el tiempo, verás que también te resultaría más fácil, y lo harás de manera muy natural. Ahora quería que mi color fuera un poco más oscuro y que lo hiciera más oscuro, agregué algunos quemados y quemados, pero no sólo porque cuando quería hacerlo más oscuro, eso significa que quiero reducir la proporción del color blanco, y por lo tanto, necesito aumentar el del naranja. Entonces es por eso que también le agregué algo de amarillo y rojo. Y ahora estoy creando algo un poco más ligero para pintar el cordón, y este color me pareció genial. Y también me di cuenta de que la brecha de valor entre estos dos colores era demasiado importante. Entonces es por eso que agregué un poco de tubérculo quemado a mi segundo color Voy a crear un color bastante oscuro para las zonas de sombra que se pueden encontrar tanto en la parte superior del jarrón como en la parte inferior donde está más cerca del suelo y por lo tanto un poco más oscuro. Para eso, aumento significativamente la cantidad de madera quemada y azul ultramarino para conseguir algo bastante Especialmente en la parte superior, estamos mirando el marrón que es ligeramente grisáceo. Por eso agregué una buena cantidad de azul ultramarino. Y también lo aligero porque me doy cuenta de que todavía está demasiado oscuro para las zonas superiores Y con todo ese azul mezclado, hemos ido demasiado lejos hacia el color gris. Entonces lo que voy a hacer es que voy a bajar el tono de la intensidad de la sombra añadiendo el color opuesto al azul, que es el naranja. Y poco a poco estamos volviendo a un tono más equilibrado, avanzando hacia un marrón gris, pero menos desaturado que antes Y honestamente, creo que este color se ve bastante bien. Y veremos una vez que se aplique sobre el papel si necesita ajustar o no. Entonces este color oscuro que mezclamos en realidad es bastante bueno, pero estoy pensando que para las otras zonas del jarrón, vamos a tener marrones que son casi tan oscuros, tal vez solo un poco más claros, pero sobre todo un poco más anaranjados Entonces voy a aumentar la cantidad de naranja en la mezcla y disminuir la cantidad de azul ultramarino para que nos movamos menos hacia un gran marrón y más hacia un naranja, un poco más intenso En este punto, me estoy dando cuenta de que mi color es un poco demasiado oscuro, así que simplemente lo aclaro con un poquito de blanco y además que mi naranja no se inclinaba lo suficiente hacia el tono amarillento que caracteriza a este papel artesanal Entonces agregué una gran cantidad de amarillo porque el amarillo tiende a ser fácilmente abrumado por los otros colores si se agregan cantidades iguales Los otros pigmentos dominan rápidamente si no tienes cuidado. Y así después de algunos ajustes, poco a poco voy obteniendo un color que parece bastante bueno para los elementos más oscuros de este papel artesanal. Pero como suele decir, cuando veo mis colores en esta etapa, parecen bastante buenos para el papel artesanal, pero la verdadera prueba será una vez que realmente se apliquen sobre el papel. Por lo general, los colores no se ven exactamente iguales en la paleta como lo hacen una vez que están en el papel. No se obtiene la misma percepción. Entonces ya veremos. Ahora, mirando hacia atrás, el color más claro que había mezclado antes parece bueno para las zonas más destacadas del jarrón. Pero para la soga, la cuerda , voy a necesitar algo aún más ligero. Entonces eso es lo que voy a crear ahora, todavía apuntando a algo ligeramente amarillento, aunque tal vez un poco menos para la cuerda, pero principalmente algo más ligero que las otras áreas Entonces estoy mezclando este nuevo color ahora, haciendo mis ajustes como siempre. Y una vez que este esté listo, podremos comenzar. 8. Pintura del florero: sección media: Aquí está mi dibujo. Al principio, había hecho una cuadrícula en mi papel, y dibujé gracias a la cuadrícula. Pero me di cuenta de que usaba el lado equivocado del papel y para evitar tener que volver a dibujar todo, la cuadrícula, etcétera, lo que hice fue simplemente rastrearlo colocando el papel en la ventana y dibujar sobre Entonces como pueden ver, dibujé las áreas principales, y para el sombreado, lo haré en tiempo real cuando empiece a pintar Entonces, comencemos, y vamos a comenzar la zona central del papel artesanal que puedes ver aquí. Para iniciar esta pintura, voy a usar una estrategia que a menudo aplico, que es marcar primero las áreas principales de color. Entonces trato de bloquear en las masas mayores, identificando dónde están las grandes zonas de colores idénticos, y luego las aplico. Así que observo cuidadosamente tratando de no enfocarme en los detalles durante esta fase y en cambio realmente trabajo en dividir el área en pequeños grupos de color. Entonces me pregunto por aquí, ¿cuál sería el color dominante? Y si tuviera que elegir solo uno, y aquí, ¿ cuál elegiría? Y de esta manera, ya puedo empezar a crear un poco de volumen en la zona porque como hemos visto muchas veces, lo que da a los elementos un campo volumétrico tridimensional es la correcta aplicación de colores en las diferentes zonas. Entonces aquí, empecé con esta zona un poco más oscura, y me di cuenta de que en otros lugares, va a ser un poco más ligera. La diferencia de valor no es enorme, pero aún así se puede notar que hay una diferencia entre estas áreas. Y por eso creo que este nuevo color es probablemente una buena opción para trabajar en esta parte. Ahora, me aseguro de limpiar el exceso de pintura de mi pincel, y luego empezaré a mezclar los dos colores juntos, asegurándome de que se mezclen bien para que la transición entre ellos sea casi invisible. Intento al menos mantener los colores y las áreas que inicialmente había definido más o menos donde pretendía, aunque sé que es casi una causa perdida que esas áreas cambien un poco y necesiten ser reelaboradas Pero eso es parte del proceso. Aquí mismo, se puede ver que hay una tira con cierto resaltado, así que la defino. También ves que ajusté mi color para hacerlo un poco más claro porque parecía fino en la paleta, pero una vez aplicado, me di cuenta de que no era lo suficientemente ligero. Y ahora remezclando mis colores, puedo crear un nuevo tono que funcionará bastante bien para este lado derecho del jarrón Y ahora que mis colores están aplicados, puedo comenzar a mezclarlos con múltiples movimientos de ida y vuelta. Y cada vez que siento que hay demasiada pintura en mi pincel, no dudo en limpiarla. Por ahora, yo diría que tenemos una base bastante decente, y voy a terminar esta pequeña área trabajando en la parte superior donde se puede ver que hay una notable diferencia de valor respecto a la parte inferior que pintamos a la izquierda. Y esto ya nos da una buena sección pequeña para trabajar y donde podremos agregar un poco de textura, un poco más de profundidad, y algunos pliegues sutiles que podemos observar por aquí, aunque no es necesariamente la zona donde el papel es el más arrugado Entonces el efecto será un poco más ligero. Al principio, el diseño del color era bastante áspero. Definimos grandes masas de color, bloques grandes, donde se pueden ver áreas más oscuras, ligeramente más claras , y así sucesivamente Ahora el siguiente paso aún no se trata del trabajo en los detalles más finos. Y en realidad, en este papel artesanal, no hay realmente detalles extremadamente finos como veremos más adelante con las flores y plantas donde las cosas estarán un poco más refinadas. Aquí no tenemos detalles muy finos, pero sí tenemos una textura bastante pronunciada, y eso es lo que vamos a intentar crear ahora con esta fase de trabajo definiendo las áreas un poco más precisamente. Por ejemplo, noté que en varios lugares, hay pequeñas manchas y pequeños racimos, áreas pequeñas donde los elementos son un poco más oscuros. Entonces ahora con mi pincel un poco más preciso, voy a tratar de definirlos con pequeños toques aquí y allá, como me pueden ver haciendo en la parte central del papel. M En el papel, se puede ver que en esta zona ligeramente inferior, hay un pliegue que es algo visible. No es el pliegue más pronunciado que encontrarás en el papel artesanal, pero sigue siendo un ejercicio de buena práctica para empezar. Y lo que se puede observar con este pliegue es que generalmente el borde va a ser un poco más oscuro, y se puede ver que a través del lado derecho, se vuelve un poco más claro, eventualmente mezclándose con los otros colores. Y es lo mismo con el pliegue que se puede ver marcado a la izquierda. Por ahora, no hay profundidad real creada a lo largo de este pliegue, pero vendrá. Vendrá gracias a los elementos más ligeros que tendremos junto a él, lo que nos permitirá crear volumen. Y ese es realmente el secreto para crear volumen. Se trata de jugar con sombras y reflejos. Es decir, con valores de oscuridad y luz. Y así es como creas huecos, haces que los elementos se vean más tridimensionales, formas pliegues y así sucesivamente Y en eso voy a trabajar más adelante. En el lado derecho, también, habíamos aplicado un color medio oscuro, y puedes notar que aquí y allá hay algunos toques ligeramente más oscuros. Entonces voy a agregarlos ahora, y poco a poco, aclararé el color en mi pincel para agregar pequeños toques que son ligeramente más claros que el área de resaltado circundante porque incluso en la zona de resaltado, no queremos un área perfectamente lisa, sin textura Es importante entender que en la pintura, especialmente cuando se trata de representar las cosas de manera realista, superficies completamente uniformes son muy raras Si existen en absoluto, tal vez en algún fondo, pero aún así, a menudo notarás que algunas áreas son un poco más claras o más oscuras para ayudar a los elementos destaquen un poco más. Como pueden ver, mi siguiente paso ahora es comenzar a trabajar en los elementos ligeramente más ligeros. A menudo, estos elementos más claros se encuentran justo al lado de áreas más oscuras que ayudan a crear volumen. Por ejemplo, aquí del lado izquierdo. Además, en toda la zona central, agregar estos toques más ligeros realmente ayuda a construir una textura bien desarrollada para el papel artesanal. Si miras de cerca, notarás que hay pequeños relieves en la superficie del papel artesanal Se trata de un papel ligeramente rugoso que cae fácilmente. Y debido a esto, hay muchos microrelieves que podemos representar fácilmente con una alternancia de toques más claros y oscuros Y eso también es lo que estoy haciendo aquí. En algunos lugares, aplico ligeramente con mi pincel, observando donde veo manchas ligeramente más claras Con pinceladas casi aleatorias como esta, logro crear esa textura muy irregular típica del papel artesanal. En esta parte superior, los elementos más ligeros que estoy agregando también ayudan a crear una sensación de altura y profundidad en esa zona, donde se puede ver que sobresale un poco antes de volverse más hueca donde la cuerda aprieta ligeramente el Entonces sigo adelante, y también lo que podemos notar es que en la zona de resaltado, se pueden notar toques aún más ligeros que los que apliqué inicialmente. Y al final, en algunas zonas, es casi como si hubiéramos usado tres valores diferentes. Comenzamos con un color base intermedio, el color dominante de estas áreas. Después agregamos algunos toques más oscuros, y ahora estamos agregando algunos más claros. Y a menudo es esta combinación, esta estratificación de tres valores diferentes lo que realmente ayuda a crear profundidad en las diferentes áreas Y aquí por las caídas que observamos en esta zona, los pequeños toques ligeros que acabo de añadir son los que realmente sacarán a relucir los efectos de caídas y pliegues en esa zona Para la zona central, ya casi terminamos. Ahora bien, en lo que voy a trabajar es en la sombra proyectada por la cuerda. Esta cuerda proyecta una pequeña sombra que es visible en la parte central del jarrón. Y café, ten cuidado porque si miras de cerca esta sombra, notarás que no tiene exactamente el mismo valor en todas partes. puede ver que en la parte superior, es más oscuro, y a medida que se mueve hacia abajo hacia el fondo del jarrón, se vuelve un poco más ligero. También me voy a asegurar de que la sombra se mezcle suavemente con las áreas aledañas Porque en general, con las sombras, no quieres que el borde esté completamente afilado. En cambio, debería mezclarse muy suavemente en los tonos circundantes, y ese es exactamente el efecto que intentaré crear. Entonces estos son los últimos elementos en los que estoy trabajando en esta área. Entonces pasaremos a la parte inferior del jarrón, que también va a ser muy interesante trabajar porque ahí hay muchas más fallas, y será una gran oportunidad para ver cómo podemos crear esa sensación de volumen en esta área. Oh 9. Pintura del florero - sección inferior: Ahora pasemos a esta parte inferior del jarrón. Y en esta parte inferior, se puede ver que los colores serán muy similares a lo que pintamos en la zona central. No obstante, esta parte inferior será interesante porque habrá un poco más de pliegues. Es genial trabajar en eso para crear volumen. Los pliegues son más pronunciados, por lo que habrá diferencias de valor ligeramente mayores en esas áreas. Entonces realmente me voy a centrar en eso para crear mayor volumen posible en estos spots y hacer que se vea muy realista. Pero antes que nada, empiezo por aplicar mis colores correctamente. Trabajo zona por área tal como lo hicimos en la parte superior, y trato de ser bastante preciso en mi trabajo en cada área. A pesar de que, como pueden ver, estoy trabajando con un pincel que es un poco falso. Estoy usando mi cepillo plano. Entonces aquí, el trabajo es muy similar a lo que hicimos más arriba, es decir, la aplicación de colores primero. Entonces me mezclaré y realmente me enfocaré en crear una buena textura en esa área y enfatizar adecuadamente el relieve. Entonces aquí, voy a acelerar un poco el video durante la aplicación de color, y también saltaremos el paso de mezcla ya que es lo mismo que hicimos antes. Creo que es más interesante pasar tiempo viendo cómo trabajar correctamente en la textura y los diferentes pliegues que tenemos en esta zona, lo cual puede ser un poco más complicado Así que asegúrate de que el color se aplique correctamente en los lugares correctos, y luego nos volveremos a ver para trabajar en la textura y los pequeños pliegues en esta zona. Ahora que mis áreas están bastante bien definidas y esa mezcla se ha hecho, lo que voy a hacer ahora es tratar de trabajarlas un poco más precisamente. Voy a dejar de lado mi pincel plano y observar las diferentes áreas dentro esta fase y trabajar con un cepillo redondo más delgado. Cada vez que me pregunto, ¿es necesario trabajar un poco más en esta área? ¿Hay, por ejemplo, elementos ligeramente más oscuros que son más visibles? Y si la respuesta es sí, voy a añadir pequeños toques, como pueden ver. También puedes notar que los pequeños toques que agrego con mi pincel son deliberadamente muy irregulares, como pequeños puntos que van de aquí y allá. No hay un patrón claramente definido, y eso es lo que ayuda a crear esta textura de papel artesanal. Con mi pincel, aplico el color y trato mezclarlo un poco con el color de abajo, pero tampoco demasiado, porque eso es también lo que ayuda a definir esta textura. Entonces esto es en lo que me estoy enfocando, y poco a poco, puede ver que nos estamos acercando a una textura que es bastante similar a la de la zona de arriba. Ahora bien, en este punto, es cierto que en realidad no hemos creado ningún volumen, ningún pliegue todavía porque aún faltan esos valores ligeramente más claros En la parte inferior, también puedes notar que va a ser más oscuro porque se está creando esta sombra fuerte entre el jarrón y la zona del suelo. Pero para eso, voy a necesitar trabajar con un cepillo ligeramente más fino Lo que pude hacer ya con este pincel fue comenzar a marcar la transición entre este marrón muy oscuro y el marrón ligeramente más claro que estoy aplicando ahora porque el cambio de la sombra cerca del suelo a los elementos ligeramente más claros arriba no es abrupto Ocurre a través de una transición suave, y esto es algo en lo que también he empezado a trabajar. Ahora puedo comenzar a agregar algunos toques ligeramente más claros en la zona, y estos toques más claros permitirán que todos los pliegues y detalles aparezcan un poco más tridimensionales. Una vez más, es la sub combinación de elementos más claros y oscuros lo que ayuda a crear volumen dentro de esta parte del jarrón. Por lo que este es un trabajo sumamente complejo que requiere de extrema precisión. Sin embargo, es una tarea que llevará un poco de tiempo porque es necesario observar cuidadosamente dónde colocar estos elementos más claros y mezclarlos muy delicadamente con los colores circundantes para que las transiciones se vean verdaderamente naturales entre las diferentes áreas Así que tómate tu tiempo, observa los elementos, y enciende los toques cuidadosamente, y además asegúrate de no hacerlos demasiado ligeros porque de lo contrario hará que el resultado parezca falso y no parecerá realista cuando el contraste de valor en ciertas áreas sea demasiado fuerte. Ese es el tipo de situación que te das cuenta de que algo se ve mal. Por lo que es una progresión lenta y constante, pero poco a poco conduce a un resultado bien definido. Entonces yo diría que mis áreas más claras y oscuras ahora están bastante bien definidas, y estamos empezando a ver una textura agradable y algunos pliegues. Ahora voy a trabajar un poco más en los pliegues que se encuentran en la zona inferior. Se puede ver que no dudé en agregar un poco de madera quemada a mi color para conseguir algo realmente oscuro porque en algunos lugares, se acerca mucho al negro. No obstante, ten cuidado porque en algunas zonas, el color se vuelve un poco más claro. Por ejemplo, es posible que hayas notado que la pequeña punta que apunta hacia arriba a la izquierda, puedes ver que se desvanece ligeramente en el marrón del jarrón, y de manera similar en los lados, se mezcla muy bien Por lo que es importante asegurar una transición suave entre estos diferentes elementos para lograr un resultado más natural. Ahora estoy trabajando cuidadosamente en el pliegue de la derecha. Y para el de la derecha, lo que noto es que se mezcla aún más con el marrón de arriba. Entonces aplico la base bastante oscura, como pueden ver, y con algunas cigüeñas pequeñas de pincel aquí y allá, me estoy asegurando de crear una buena transición entre estos marrones muy oscuros y los elementos más claros de arriba Este pliegue es un poco más complejo. Realmente necesitas observar de cerca los detalles sutiles, el pequeño cambio de valor que puedes ver aquí y allá. Entonces eso es lo que voy a hacer. Voy a refinar un poco mi trabajo, mejorar algunas zonas donde siento que tal vez no es lo suficientemente oscuro o no se mezcla lo suficiente con los colores que hay debajo. Pero en general, yo diría que el pliegue es parte más lenta. Estamos bien. logrado crear los diferentes pliegues. Se ve mucho más dimensional, y eso es satisfactorio. También puedes notar que en la parte superior cerca de um el bucle cerca de la cuerda, hay un área pequeña en la que aún no habíamos trabajado, así que voy a pintar eso fuera de cámara, y luego volveremos a encontrarnos para trabajar en esta última parte de nuestro jarrón, que es la zona superior, la zona que se ve un poco más oscura y un poco más grisácea Y después de eso, también trabajaremos en las pequeñas cuerdas y, por supuesto, también en las flores. 10. Pintura del florero - sección superior: Así que vamos a trabajar esta última zona del jarrón. Y lo primero que hago es que trato de aplicar mis colores en el lugar correcto usando este tipo de colores más grisáceos Se puede ver con estos oscuros que se mezcla en la parte superior de mi paleta. Y lo que también voy a hacer es mezclar estos diferentes colores juntos para que pueda crear algunos tonos más intermedios. Entonces el video está un poco acelerado porque básicamente es lo mismo que hemos hecho antes, pero tómate tu tiempo para construir una buena base para el jarrón. No es una carrera. Solo he acelerado las cosas para que el tutorial sea un poco más ligero ya que ya es muy largo y pesado en tamaño de archivo y para eliminar algunas las partes más repetitivas porque como dije, lo hemos hecho antes con la parte central del jarrón, y por ahora solo estamos haciendo lo mismo Así que realmente tómate tu tiempo, y luego pasaremos al resto y trabajaremos esta área con algunos detalles y siéntete libre de pausar el video antes de comenzar las nuevas partes. El trabajo sobre los detalles lo haremos en unos segundos. Lo que voy a hacer ahora es reelaborar mis áreas más oscuras un poco más precisamente porque siento que no destaco lo suficiente Así que voy a volver sobre ellos con pequeños toques aquí y allá para crear algo con más contraste. También me aseguraré de que estos elementos se mezclen delicadamente con el área circundante para que las transiciones entre la parte más oscura y ligeramente más clara se vean naturales Entonces aquí, como pueden ver, he mezclado mis diferentes áreas juntas. La zona se ve un poco mejor, un poco más natural. Y lo que estoy haciendo es agregar pequeños toques de color en diferentes lugares para crear esa textura particular del papel artesanal. Al igual que hicimos en la parte inferior, estoy agregando los pequeños toques de color aquí y allá. Y lo que realmente hacemos que los diferentes pliegues en esta zona destaquen en una dimensión libre de pares, son los toques un poco más claros que agregaremos junto más adelante. Entonces, al final, a pesar de que estamos trabajando en un área ligeramente más oscura y más grisácea, el método sigue siendo el mismo Todavía tenemos esa textura ligeramente irregular, esos pliegues que son un poco más oscuros con elementos más claros cerca para hacerlos sobresalir. Entonces ahora quiero que mis pliegues sean más pronunciados para destacar más. Entonces los estoy reelaborando con elementos más oscuros, pero no quiero que sean tan fuertes como el anterior, por lo que estoy tratando de mezclarlos un poco en los colores circundantes Me parece muy interesante trabajar en papel de balsa porque no es un material liso como el vidrio o el metal. Tiene una textura muy única con muchos pequeños pliegues y pequeñas irregularidades. Y todas estas pequeñas imperfecciones son exactamente las que hacen que tu pintura se sienta más viva y creíble Con el papel artesanal, el objetivo claramente no es crear algo perfecto. Se trata de capturar el espíritu del papel, su material y su carácter natural, ligeramente áspero. Y por eso también elegí este tema porque nos permite trabajar diferentes materiales a lo largo este completo curso de pintura de bodegones. Llegamos a ver cómo pintar muchas cosas de vidrio, metal, cerámica con el trabajo sobre las mentiras flor, y manzana. En definitiva, realmente exploramos una amplia variedad de texturas. Y ahora con este papel artesanal, estamos descubriendo otra vez algo diferente, y aprender a pintar papel artesanal también te entrena para pintar otros materiales más complejos más adelante. Si logras sugerir el pliegue, la rugosidad y los sutiles cambios de color aquí, te sentirás mucho más cómodo después al pintar telas, follaje, o incluso cierta textura de piel si quieres pasar a la pintura de retratos Este trabajo que estamos haciendo en el jarrón es realmente un ejercicio que requiere paciencia. Lo sé, vamos avanzando poco a poco, observando mucho, pero es exactamente este tipo de trabajo profundo y detallado el que construye un progreso real. Cada pliegue que pintas, cada pequeña transición que refinas es un paso más hacia un resultado verdaderamente realista. Y es completamente normal que se sienta un poco largo a veces. Pero también es en momentos como este que tu ojo artístico realmente se desarrolla. No solo estás rellenando colores. Estás observando, interpretando, interpretando y entendiendo cómo la luz y el material interactúan para crear volumen Y esa es realmente una habilidad verdaderamente valiosa para todo tu viaje autista y para todas las pinturas que vas a crear en el futuro Así que mantente motivado, mantente enfocado. Solo imagina el momento en que este jarrón esté completamente terminado. Nos estamos acercando al final ahora, y es una gran recompensa para nuestros pacientes verlo poco a poco cobrar vida ante nuestros ojos y aparecer dimensional libre. No queremos dejarlo justo al final de un proyecto que ha sido un poco largo. La recompensa final está justo aquí justo por delante. Ahora para esta parte superior del jarrón, ya casi está hecho. Sólo voy a añadir algunos toques finales, y después también pintaré un área pequeña entre las cuerdas que aún queda por hacer. Pero no va a ser más complicado que el resto. Usaremos exactamente el mismo enfoque. Entonces veremos cómo hacerlo en unos segundos. Entonces aquí, trabajo exactamente de la misma manera. Pero el área es más delgada, y por lo tanto, necesito ser un poco más precisa y trabajar con un cepillo más fino Pero básicamente, es lo mismo. Haré lo mismo también por las piezas pequeñas que hay debajo. Y luego finalizaremos el jarrón con el trabajo sobre las cuerdas Ahora vamos a trabajar en la cuerda que puedes ver alrededor del jarrón, y realmente es algo que completará nuestro trabajo. Aquí estoy ajustando un poco mi color para asegurarme de tener el tono adecuado porque cuando lo volví a mirar, sentí que no estaba del todo bien. Quería algo un poco menos amarillento y un poco más neutro Así que reequilibré mi color naranja agregando un poco de rojo y también un poco de madera quemada para cambiarla hacia algo más neutro, más pardusco Y también voy a aclararlo un poco con un poco de blanco. Ahora, yo diría que mi color se ve bastante bien, y así podemos empezar a pintar la cuerda. Entonces para esta cuerda, lo que noto es que la base es bastante ligera. Entonces eso es lo que voy a aplicar primero. Yo uso un pincel bastante fino y pinto toda el área con este color para empezar. Y solo después trabajaré en ello con toques más detallados para crear realmente una textura de cuerda Pero por ahora, lo que estoy haciendo es simplemente aplicar el color dominante, y de esta manera, tendremos una buena base para construir. Entonces empecé aquí, y voy a continuar sobre toda la cuerda y vamos a volver una vez que se aplique la base por todas partes para finalizar y trabajar en la textura Aquí, mi base se aplica en todas partes, y ahora voy a trabajar en ella un poco más precisamente. Lo que podemos ver en esta cuerda es que hay muchas fibras pequeñas que corren diagonalmente con una especie de trayectoria ligeramente curvada Lo que los hace visibles es simplemente que son un poco más oscuros. Entonces eso es lo que voy a agregar ahora usando este pincel bastante fino, mi pincel de espada, aplico suavemente pequeños toques más oscuros, y si se solapa ligeramente sobre el área de arriba, no es un problema en absoluto En realidad, es algo bueno porque lo que podemos notar esta cuerda es que tiene una textura muy irregular, y hay un montón de pequeñas fibras sobresalen sobre la zona superior. Y al agregarlos, ayuda a recrear la irregularidad que vemos en la textura de la cuerda Además, hay pequeños elementos que se derraman sobre el fondo. Pero como aún no he pintado el fondo, no voy a poder agregarlos por ahora, lo cual tiene sentido. Entonces lo que tendré que hacer es esperar hasta que se pinte el fondo, y luego podré agregarlos más tarde. Si quiero asegurarme que tengo exactamente el mismo color sin tener que remezclarlo, una técnica que funciona y ayuda a ralentizar el tiempo de secado de la pintura por unos días es poner tu paleta en la nevera De esta manera, puedo mantener mi color fresco literalmente y reutilizarlo unos días después. De lo contrario, si es necesario, simplemente remezclaré el color y lo aplicaré como una segunda capa Pero si lo aplico como segunda capa, necesitaré usar mi segundo medio, que es más rico en aceite De lo contrario, me arriesgo a tener grietas más adelante. Entonces ahí vamos, y ahora estoy terminando la cuerda agregando estos pequeños elementos que se superponen al jarrón. Entonces rápidamente observo y luego trato de agregarlos, y no es problema si no se colocan con precisión midi metal. Entonces eso es todo por el trabajo en la cuerda. Ahora voy a hacer exactamente lo mismo en el overside y también será exactamente el mismo proceso en la parte inferior Entonces lo haré fuera de cámara y luego volveremos a encontrarnos para mezclar los colores para las diferentes flores y empezar a trabajar en ellas. Así que tómate tu tiempo, estar lejos, y estoy seguro de que lo lograrás sin ningún problema. 11. Cómo mezclar colores para las flores y hojas: Entonces, centrémonos en los colores que vamos a mezclar para las flores. Podemos ver que hay una gran variedad de verdes para las hojas. Entonces va a ser interesante mezclar porque el verde siempre es un color que puede ser un poco complicado de mezclar, así que veremos cómo conseguirlo. Y podemos ver que hay un verde claro brillante, intenso, no fluorescente, pero aún muy vibrante. Entonces necesitamos encontrar una manera de recrear eso. También notamos que hay greens mucho más oscuros. En algunas zonas, incluso se acercan al negro. Y en general, tenemos muchos greens con diferentes valores. Tan muy oscuro, algunos muy claros y muy vibrantes. Y, claro, también tenemos algunos tonos intermedios entre los dos. Entonces necesitamos crear esta variedad blanca de verde para probablemente replicar estas hojas En cuanto a los rosas y las flores, también podemos ver cierta variedad en términos de valor Pero lo que es importante notar es que no hay ningún rosa extremadamente brillante. Y generalmente, al mezclar colores de flores, no son colores extremadamente saturados, especialmente para las rosas rosadas como esta. Aquí, los rosas tendrán que suavizarse un poco. Tendremos que reducir ligeramente su intensidad. Y así veremos exactamente cómo hacerlo ahora mismo con nuestra mezcla de colores. Empecemos mezclando los colores de las flores. Como notamos antes, estamos apuntando a rosas que no son muy intensas Entonces lo que estoy haciendo es comenzar por agregar una gran cantidad de blanco porque estas son flores muy claras, y aquí estoy creando un meton, que no va a ser muy oscuro Lo que también hice es agregar el color opuesto al rojo, que es el verde. De esta manera, estoy creando un rosa, creando un rosa que esté menos saturado, un poco menos intenso, y que sea perfecto porque no quiero nada demasiado vibrante. Y ahora tenemos un color intermedio que queda bien para algunas zonas de las flores. A continuación, voy a crear algo aún más ligero. Nuevamente, comenzaré con una base rosa que haré menos intensa al agregar verde. Pero esta vez, agrego una cantidad muy grande de blanco para asegurarme de que es muy ligero. Esto se ve bastante bien, y ahora voy a crear un tono un poco más oscuro. Y como se puede adivinar, lo que voy a hacer es reducir la cantidad de blanco en comparación con los otros colores. Pero seguiré agregando el color opuesto al rojo para asegurarme de que el rosa no se vuelva demasiado llamativo o casi fluorescente Entonces eso es lo que hago. Mezcle este rojo con este color opuesto, pero creo que mi color es bastante bueno, pero quiero algo un poco más oscuro. Así que tuve aún más de estos colores libres, y poco a poco a través de pequeños ajustes, estoy logrando conseguir un color que se ve bastante bien. En alguna zona, incluso podemos ver que el color es aún menos intenso, ligeramente pardusco, más neutro Entonces voy a apagarlo aún más agregando un poco más de verde. Y lo que también voy a hacer es agregar algo de umber quemado. umber quemado es una especie de color mágico cuando realmente quieres reducir la intensidad del color y hacerlo ligeramente pardusco y muy neutro Y a partir de este color base que estoy creando, crearé diferentes tonos con él, agregando elementos más oscuros y haciendo otros que sean un poco más claros. Y ahora yo diría que tenemos una buena paleta para pintar las flores. Empecemos a mezclar los greens. Lo que voy a mezclar primero en los verdes muy ligeros, muy intensos. Para eso, mezclo una gran cantidad de amarillo con algo de azul. Pero al principio, agregué demasiado azul, así que lo ajusto demasiado amarillo, perdón. Y así lo ajusté. Y poco a poco, nos acercamos a un color que es realmente interesante y será perfecto para pintar ciertas áreas con un verde muy intenso. Entonces me quedaré con esta. Y a partir de este color, voy a crear una variación ligeramente diferente, solo un poco más clara simplemente agregando un poco de blanco porque no quiero que se desplace demasiado hacia el amarillo. Entonces por eso lo aclaro solo con blanco. De todos nuestros greens más ligeros, diría que estamos en un buen lugar Ahora voy a crear otros greens, pero unos que estén un poco más equilibrados, más como tonos medios. Y para eso, mezclo un poco más azul con mi color amarillo. Pero aun así agrego una gran cantidad de amarillo porque si ponemos partes iguales de azul y amarillo, terminaría con algo que es demasiado azul. Y te habrás dado cuenta de que quito un poco de pintura de mi mezcla, y eso es porque estaba usando un viejo tubo de color amarillo. Estaba casi vacío y a veces encuentras trozos secos por dentro. Así que ten cuidado con eso porque de lo contrario puedes terminar con trozos que realmente no quieres en tu pintura Entonces ahora estoy creando algo aún más oscuro para las áreas que son extremadamente oscuras. Y como viste, agregué un poco de madera quemada porque ayuda a oscurecer aún más el color sin empujarlo demasiado hacia el azul Ahora voy a crear algo un poco más ligero, algo un poco más intermedio. Pero cuando lo mezclo, noto que se vuelve un poco demasiado azul, así que lo equilibro con más amarillo, y también lo estoy aclarando con un poco de blanco Y con todos estos colores en la paleta, diría que tenemos una base muy sólida para pintar las flores y las hojas. Si es necesario, ajustaremos a lo largo del camino mientras pintamos. Pero en general, estamos en un buen lugar. Yo solo voy a crear el último color partir de este añadiéndole un poco de blanco, y luego estaremos listos para comenzar. 12. Cómo pintar las flores paso a paso: Entonces comencemos y trabajemos en la flor con este primer pétalo a la derecha. Entonces al principio, estoy aplicando este color muy claro aquí porque podemos ver que esta zona es muy ligera. Y por lo tanto, creo que este color e incluso el que es aún más claro es lo mejor para esta zona. Y a medida que nos movemos hacia abajo, podemos ver que esta zona se está volviendo un poco más oscura. Entonces estoy ajustando mi color. Pero lo que me doy cuenta es que la brecha entre mi color claro y este oscuro es demasiado grande, y así tengo que crear un color intermedio. Y entonces esto es lo que estoy creando ahora mismo. De la misma manera que lo que hice antes, salvo que ajusto la proporción del blanco para conseguir algo entre estos dos colores. Y así ahora estamos casi bien. Creo que el color parece mejor y parece más intermedio. Y lo voy a aplicar en esta área para asegurarme tener una mejor transición entre estos dos colores rosados diferentes. Entonces eso se ve bastante bien. Bien. Y a medida que me estoy moviendo hacia abajo, creo que puedo conseguir algo aún más oscuro para esta zona. Y a medida que aplico mi color, me aseguro de que lo estire bien y que estos colores se mezclen muy suavemente para tener una agradable transición de un color a otro. A continuación, con un pincel final. Voy a trabajar un poco más en detalle. Y lo que me doy cuenta es que bien, necesito tener algo un poco más marrón para algunas zonas. Entonces estoy ajustando mi color y añadiéndole un poco más de umber quemado. Y luego puedo agregar estos pequeños detalles en la zona. Y así estos detalles, no es muy complicado. Son solo algunos pequeños puntos aquí y allá con algo un poco más oscuro. Y esto sería más que suficiente para crear algo realista. Verán que no voy a pasar una gran cantidad de tiempo para conseguir algo genial en esta zona. Voy a pasar a la siguiente flor. Por ahora, como solo se ha pintado una parte de un pétalo, y hay tantas flores y hojas y pétalos en este ramo en esta composición, es completamente normal si te resulta un poco difícil averiguar exactamente dónde estoy. En realidad, estoy trabajando en la flor grande que puedes ver a la derecha, y ahora mismo estoy en el extremo derecho de la flor en la parte superior. Ojalá eso te ayude a orientarte un poco. Entonces aquí con este nuevo pétalo, calma estoy empezando a poner mis colores En esta etapa, el objetivo no es buscar la perfección, sino realmente intentar capturar, digamos, el espíritu de las flores, sentir su ligereza y su movimiento. Entonces me tomo mi tiempo, y es realmente avanzando poco a poco, que empiezo a construir una pintura viva para mis flores. Y antes de sumergirme en los detalles de la flor, y esto se aplica a cada pétalo y a cada flor que estoy pintando, trato de observar la flor como un todo. Me pregunto, ¿dónde están las grandes áreas de color? ¿Cuáles son las masas principales? Y está perfectamente bien si al principio, algunas partes quedan un poco borrosas Comenzamos construyendo primero las grandes formas, y es solo después volvemos y las refinamos un poco Aunque aquí estamos tratando con flores relativamente pequeñas, y entonces no necesariamente necesitamos agregar una gran cantidad de detalles para darles una textura agradable y una sensación de realismo. Ahora voy a reajustar para ajustar un poco mi harina inferior porque pensé que no era lo suficientemente brillante en algunas zonas Necesitaba destacar más, razón por la cual agregué algunos toques mod de blanco como este. Ahora me estoy moviendo hacia la flor justo debajo. Puede que hayas visto que ya había empezado un poco. Lo que noté con esta flor es que tiene algunos toques ligeramente rosados, ligeramente más rojizos, pero en un color que es un poco más intenso que lo que habíamos mezclado Por eso lo estoy reelaborando, y no dudo en ajustar mis colores a medida que avanzo, haciendo algunos cambios porque esto es lo que observo en mi foto de referencia No deberías abordarlo pensando, Bien, al principio he mezclado mis colores. Son perfectos, y puedo pintar todo con ellos. Por lo general cuando mezclo mis colores al principio, es solo para crear una pequeña base que usaré para pintar el resto de mi pieza. Pero de ninguna manera los considero como mis colores finales. Muy a menudo, se necesitan ajustes, y ese es exactamente el caso aquí, ya que antes añadí mezclar este color más intenso, porque solo representa una parte muy pequeña de la composición floral. Entonces ahora puedes ver que estoy agregando algunos toques de color como este, que destacan muy bien y ayudan a esta flor luzca aún más creíble Por lo que es muy común que mientras estoy pintando una pieza, termine agregando más dibujo a mi trabajo a medida que voy. Al principio, suelo bosquejar los elementos básicos, los contornos principales. Pero a veces cuando empiezo a pintar ciertas áreas, me doy cuenta de que si no tengo algunas marcas de lápiz más, podría complicarme un poco pintarlo correctamente. Entonces es mejor para mí redibujar ligeramente ciertas partes. De lo contrario, podría perderme y podría parecer demasiado poco claro saber exactamente dónde colocar mis colores. Muy a menudo, creo un boceto inicial muy rudo, y luego tuve pequeños elementos mientras pinto para guiarme. Sobre todo porque cuando empiezo a pintar, cuando estoy en la etapa de dibujo, siempre tengo el tipo de impaciencia Quiero pasar rápidamente para comenzar a pintar de inmediato y ver que el resultado final tome forma lo antes posible. Entonces la fase de dibujo es algo que casi tiendo a apresurarme un poco solo para poder agarrar mis pinceles más rápido y comenzar a aplicar la pintura. Y notarás que para crear la impresión de volumen entre los pétalos, para que parezca que un pétalo está más adelante que otro, o como que uno es un poco más voluminoso, o simplemente para demostrar que hay varios pétalos uno al lado del otro, creando cierta profundidad, es un poco como el trabajo que hicimos en el papel artesanal Es la combinación de elementos oscuros y elementos claros lo que nos permite construir una sensación de volumen de relieve. Por ejemplo, en el pétalo, se puede ver en la parte inferior, la que está muy cerca del papel artesanal, se puede ver que hay un pétalo pequeño, uno muy pequeño que es muy ligero, y por encima de él, hay pinceladas mucho más oscuras, y es esta diferencia de valor entre los dos lo que ayuda al espectador a entender que hay un hueco entre esos dos pétalos que son pétalos separados y que en esa zona se está creando un volumen real. A veces cuando tienes pétalos como los que estoy pintando ahora mismo que son un poco delicados porque hay muchas áreas pequeñas con diferentes colores y así sucesivamente, puede ser una buena idea comenzar marcando primero los elementos más oscuros, sobre todo cuando estás trabajando en algo ligero, como en este caso, porque los elementos oscuros destacarán mucho más Al aplicarlos primero, te da puntos de referencia, lo que significa que puedes colocarlos e identificarlos fácilmente. Y por lo tanto, después se vuelve más fácil pintar entre esos puntos porque sabes que Tu color base ya estará bastante bien posicionado dentro del área Por supuesto, eso no quiere decir que la obra esté terminada. Aún necesitas agregar más detalles para que el pedal se vea creíble Pero al menos sabes que tu base está bien estructurada, y es más fácil refinarla después trabajando de esta manera En todo caso, es un truco que me gusta mucho y que utilizo para cualquier tema. Cada vez que me enfrento a una situación en la que algo es un poco complicado de pintar. Por ejemplo, si estoy pintando el mar en un paisaje y pintar olas siempre es un poco complicado, intentaré detectar áreas más pequeñas donde el agua es más oscura. De esta manera, me resulta más fácil pintar y colocar mis otros elementos alrededor estas manchas más oscuras que actúan como puntos de referencia. Inmediatamente se vuelve mucho más fácil localizar otros grupos de colores. Por lo que definitivamente es una técnica útil. Y con la pintura tell life, funciona igual de bien. En realidad, eso es más o menos lo que hicimos al trabajar en el papel artesanal. Teníamos algunas áreas más oscuras sobresaliendo aquí y allá, y luego pintamos alrededor de ellas, sabiendo que las más oscuras estaban correctamente colocadas y podían servir de guías. Otro consejo útil cuando estás pintando elementos como este, como flores donde hay muchos colores similares, y los valores son bastante cercanos, es que si no necesariamente quieres recargar tu pincel y cambiar de color, pero quieres algo un poco más oscuro o más claro, simplemente variar la presión sobre tu pincel puede ayudar Si presiono más fuerte con mi pincel, mientras pinto sobre un área y quiero agregar un detalle más oscuro, al aplicar más presión, podré pintar sobre él y obtener algo bastante oscuro. Bueno, claro, depende del color que esté usando, pero si uso el mismo color y pinto sobre un área, mientras aplico menos presión, terminaré con algo un poco más ligero. Y a veces eso es realmente conveniente en lugar de tener que volver a cargar el pincel con un color diferente cada vez, lo que puede romper el flujo de la pintura Simplemente ajustando la presión de tu pincel así te permite ajustar el valor que estás aplicando. Creo que ya lo mostré en el curso básico, pero definitivamente es una muy handicip y personalmente, me ayuda mucho, y hago algo así todo el Te dejaré tomarte unos momentos para pintar tranquilamente estas pequeñas partes de las flores aquí y las de la derecha, también, antes de pasar a la grande de la izquierda, observar tus pinceladas, divertirte con el color, y lo más importante, no olvides disfrutar del proceso de pintar estas hermosas flores. El enfoque es exactamente el mismo que lo que hemos estado haciendo hasta ahora, así que tómate tu tiempo, diviértete, y nos volveremos a encontrar aquí en unos momentos para trabajar en esa hermosa flor que tenemos a la izquierda. M Ahora, pasemos a esta flor de la izquierda. Puedes notar que en este pétalo en la parte superior, tenemos un color bastante intenso, bastante rosado, pero no es como los otros pétalos que pintamos antes. Donde el color estaba un poco más desaturado. Aquí, el rosa es más intenso, y también se puede ver en los elementos más oscuros, que se inclinan un poco más hacia el color rojo. Entonces estoy trabajando gentilmente en ellos con mi pequeño cepillo así. Probablemente note, y es cierto que no lo había mencionado antes, pero cuando pinto una flor, me gusta mucho trabajar pétalo a pétalo porque de lo contrario, si trato de trabajar en toda la flor de una vez, es decir, aplicar todo el color base a través de toda la flor, me temo que podría perderme un poco. Y después de todo, si bosquejo la flor a lápiz al principio, es precisamente para tener punto de referencia, para saber dónde se coloca cada gasolina y por lo tanto a dónde debe ir cada color. Y me preocupa que si trabajo en toda la flor de una vez, acabe grande con un área demasiado grande para manejar. Y después, cuando llegue el momento de trabajar en los pequeños detalles dentro de la flor, no voy a poder colocarlos con precisión, y no voy a conseguir la flor que estaba apuntando. Además, cuando trabajas pétalo a pétalo, realmente puedes ver que la flor cobra vida ante tus ojos mucho más rápidamente. Cuando termine un pétalo por completo, me da cierta sensación de satisfacción, y eso me motiva aún más a pintar el siguiente pétalo, porque sé que una vez más, podré trabajar con cuidado en él, y también cobrará vida Y con cada nuevo pétalo de acabado, me acerco cada vez más a un resultado final realista. Y esa es otra razón por la que disfruto trabajar pétalo a pétalo al pintar una flor. Si esta es una de las primeras veces que estás pintando flor o incluso si ya tienes un poco más de experiencia, tal vez a veces tu flor se vea extraña o incómoda al principio, pero es como aprender a escribir. Con la práctica, tu mano se volverá más estable, serás más aguda y lograrás mejores Y cometer errores con un color o una forma que realmente tienes que recordarlo nunca es un fracaso. Realmente es una oportunidad para aprender porque muy a menudo, es a través de la corrección de lo que hacemos que logramos el mayor avance. Y a los pocos días o incluso unas semanas de terminar esta pieza, podrás dar un paso atrás, observarla comparándola con tu referencia, y preguntarte bien, mirando esta pintura, hice, ¿Qué no está funcionando ¿Qué podría mejorar? Y ese es el tipo de mentalidad que deberías tener al mirar pinturas que podrías sentir fracasadas porque no son realmente fracasos Ellos son solo parte de tu proceso de aprendizaje y tus primeros trabajos. Es importante tener una visión amable y constructiva de ellas, y una que busque la mejora. Esa mentalidad realmente te ayudará a seguir adelante porque al analizar los errores que has cometido, sabrás que lo que no se repita la próxima vez Sabrás exactamente en qué punto necesitas mejorar. Y cada vez que das ese paso necesario atrás y piensas, Bien, yo creé esta pieza Hay algunas partes que hice muy bien. Y ahora, si miro un poco más de cerca, me doy cuenta de que esta parte no está del todo bien. Entonces para tu próximo cuadro, sabrás que este es el punto en el que querrás trabajar. Tener esa actitud hacia tu error realmente te ayudará a lograr un progreso real. Estamos casi al final de este trabajo sobre las flores, y honestamente, continuar así es realmente genial. Si todavía estás pintando aquí pintando conmigo, significa que ya llevas entre 15 y 20 minutos trabajando en estas flores. Es una tarea bastante meticulosa. Así que sinceramente te felicito. Así es exactamente como construyes habilidades artísticas reales, no solo viendo lo que estoy haciendo, sino también practicando, perseverando y entrenándote Cada pincelada que haces te está mejorando. Realmente sé consciente de eso. Cuanto más practiques, más mejorarás. Ahora voy a seguir trabajando un poquito de cámara para el resto de la flor ya que es prácticamente el mismo proceso para los pocos pétalos que aún nos quedan por pintar en esta zona. Así que sigue adelante. Mantente al mismo ritmo, y luego nos encontraremos con los refuerzos para trabajar en unos pétalos finales que son un poco diferentes y que quería pasar contigo Así que continúa a tu propio ritmo. Estoy seguro de que lo harás genial porque si todavía estás aquí pintando y viendo el video, significa que definitivamente estás en el camino correcto. Así que siéntete libre de publicar el video y nos volveremos a encontrar en unos momentos para esos últimos pétalos ligeramente diferentes. Entonces, como pueden ver, he avanzado mucho en esta materia. Solo hay unos cuantos pétalos más para pintar. Y estas en la parte inferior de estas flores, se puede ver que son un poco más oscuras. Pero si miras de cerca la foto, puedes ver que la pintura los colores son un poco más grisáceos, un poco más neutros, pero decidí no pintarlos con algo tan neutro como lo es en la foto Todavía quería que fueran bastante vibrantes, un poco más, al menos de lo que es y la foto porque creo que se ven un poco tristes con estos colores. Entonces sé que estoy haciendo algo que es un poco lo contrario de lo que te digo a veces para mirar realmente tu color y pintar lo que ves que es. Pero a veces puedes tener un poco de libertad y libertad con la pintura, y eso es lo que es genial. Cuando no te gusta algo en tu referencia o en tu modelo, definitivamente puedes cambiarlo para conseguir algo que coincida con lo que quieres que sea, especialmente con el color. única condición, creo, es que mantengas el mismo trabajo en la sombra y conseguir algo en volumen y algo que se vea realista. Y así eso va a ser bonito con este trabajo sobre las flores, solo unas cuantas más para pintar, y luego estaremos listos para comenzar en la próxima gran área, la de las hojas. Y. 13. Cómo pintar las hojas de forma natural: Empecemos a trabajar en las hojas. Es una gran tarea por delante. Tenemos un área más grande para pintar y muchos elementos para trabajar. Entonces veremos cómo abordar algunas de ellas, y habrá parte de ella hecha fuera de cámara, ya que será más o menos lo mismo para todas las hojas. Entonces aquí empiezo con esta hoja en la parte superior, y como pueden ver, empiezo pintando a lo largo del borde que toca la flor. De esta manera, aseguro un poco la zona, es decir que al menos sé cuando aplico mis colores al resto, habrá muy pocas posibilidades de que el color toque el borde de la flor. Si echamos un vistazo de cerca a esta hoja, podemos notar que no vamos tener el mismo valor en todas partes. Habrá áreas más oscuras y más claras, y eso es exactamente en lo que trabajo en el borde de mi hoja, la parte que toca la flor. Nos dimos cuenta de que el borde era un poco más oscuro, mientras que a medida que nos movemos hacia la izquierda, obtenemos elementos más claros. Entonces tampoco voy a parar ahí. Voy a tratar de trabajar un poco en la textura de la hoja. Esta textura viene simplemente agregando algunos toques más oscuros y también algunos más claros. Y en general, eso es todo. No necesito una precisión extrema hora de agregar estos elementos. Estamos pintando una hoja. Es un elemento natural, por lo que no necesitamos tanta precisión como lo haríamos al trabajar en el ojo de una persona. Y así eso es todo por esta primera izquierda, y vamos a seguir adelante con este tallo que vemos aquí junto a él. Entonces comenzaré pintándolo con algo bastante oscuro. Pero a medida que me muevo hacia la parte superior, aclararé un poco el color ya que podemos ver que el verde no va a ser el mismo en todas partes Y esto es un error que cometen algunas personas. Piensan que como es parte del mismo elemento, el tallo, deberían pintarlo todo con el mismo verde, pero ese no es el caso. Podemos ver que tenemos valores diferentes, por lo que debemos estar atentos y observar los pequeños cambios en verde, ya que son realmente importantes para que nuestros elementos se vean realistas. Desafortunadamente, tuve un pequeño problema de grabación y no pude capturar esta parte, como pueden ver. Entonces en mi tallo, agregué marcas mucho más claras hacia la parte superior. Y en este tipo de hojas, se puede ver claramente que tenemos dos greens muy diferentes. Dentro de estos greens, trabajé en la textura agregando pequeños puntos con diferentes valores y algunos elementos más claros. Y esto me permite crear una hoja bastante realista en esa zona. Y es realmente a través del trabajo con los diferentes valores con luz y sombra que logramos algo realista. No son tanto los detalles que teníamos, claro. Por supuesto, pequeños detalles y toques aquí y allá ayudan mucho para que se vea realista. Pero en realidad, principalmente comienza con sumar las proporciones adecuadas en el dibujo. Por eso es tan importante usar una rejilla o proyector, lo que ayuda a asegurar que comiences con una base muy sólida. De lo contrario, se vuelve muy complicado. Entonces es realmente la correcta aplicación de colores lo que te permite obtener algo excelente. Los detalles que tuviste después son solo una pequeña cereza en la parte superior que ayuda a terminar perfectamente el trabajo Pero primero, buenas proporciones y segundo, buenos colores. Entonces aquí estoy ultimando el área. Como pueden ver, en la parte superior, agregué el toque más claro más amarillo verde. Y en la hoja misma, había algunos elementos más oscuros tendiendo un poco más, que pude tener Ahora puedo pasar a pintar esta licencia, y empiezo por aplicar un color base. Pero nuevamente, en esta licencia, no vamos a tener los mismos greens en todas partes. Es muy importante comenzar a desarrollar el ojo de este pintor, que te ayudará a detectar en la vida cotidiana esos pequeños cambios sutiles de color. Y el ojo de pintor del que hablaba en realidad no es gran cosa. Es simplemente aprender en tu vida cotidiana a observar las cosas de manera diferente. Por ejemplo, los objetos que te rodean, pregúntate sobre este objeto, dónde están el área más brillante, la más oscura, las áreas más intermedias en términos de color Y cuando se trata de estos colores, ¿cómo los identificaría? Si tuviera que mezclar este color, ¿se inclinaría más hacia qué color amarillo, verde? Etcétera Y con tan solo hacer este sencillo ejercicio todos los días, te ayudará tremendamente más adelante Ya sea que necesites mezclar color en tu paleta o simplemente reconocer ciertos tonos en diferentes áreas antes de mezclarlos. Se volverá mucho más fácil gracias a este hábito que has practicado muchas veces en la vida diaria, y no lleva mucho tiempo. Se trata de ser demasiado observar cuando estás en el auto, tomando el tranvía o tomando un descanso en el trabajo o en la escuela, simplemente observando lo que hay a tu alrededor y comenzar a ver las cosas con un ojo diferente, verás que hace una gran diferencia Sé que cuando empecé a hacer esto, me ayudó mucho. A veces pensaría, Oye, esta mañana, si realmente la miro, ¿de qué color es el cielo, en realidad? El cielo que siempre había pensado como azul desde que era niño, me doy cuenta que no es solo azul. Claro, son azules azules brillantes, pero también hay algunos ligeramente grises o azules, y en algunas zonas, el cielo se vuelve más claro. Y esas nubes que siempre solía representar como blanco puro en mi papel, te das cuenta que en realidad hay muy poco blanco puro. Son todos estos pequeños toques de gris los que ayudan a crear el volumen. Y puedes hacer esto literalmente en cualquier lugar. Eso es lo grandioso. Puedes seguir mejorando sin siquiera pintar con solo pasar unos minutos todos los días observando la vida cotidiana. Entonces he estado hablando mucho, pero al mismo tiempo, estoy avanzando porque los comentarios que les estoy dando quedan grabados después de que se haga la sesión de pintura. Entonces sigo progresando en mi pintura. Entonces eso es todo para la plática. Y ahora volvamos a enfocarnos en la pintura. He avanzado mucho en estas pequeñas hojas. Son bastante coloridas, como puedes ver, pero se nota claramente que no hay un solo color. Hay, por supuesto, varios. Se pueden ver algunos valores más oscuros, algunos más claros, y algunos elementos que son menos intensos y más desaturados Y puedo lograr ese efecto añadiendo un poco de blanco cuando noto que el verde está adquiriendo un aspecto ligeramente blanquecino, así que agrego esos leves de toques Y en general, eso es bastante bonito. Para estas hojas, no hay necesidad de agregar miles de detalles, algunos colores bien colocados y algunos pequeños toques, y se pueden obtener hojas que se ven bastante realistas en la composición general. Ahora vamos a trabajar en este tallo de la izquierda. Como pueden ver, modifiqué ligeramente mi dibujo. Estoy agregando algunos elementos para que sea más fácil. Eso es algo que hago muy a menudo. Me gusta comenzar con un dibujo base que no sea demasiado detallado, y a medida que avanzo, tuve detalles que me parecieron útiles para ayudarme a crear algo más realista y simplificar mi trabajo a la hora de pintar Entonces aquí estoy empezando por aplicar una base de este verde claro por todas partes, y lo estoy haciendo en el tallo y también en estos pequeños elementos que se pueden ver a la izquierda. Y así lo voy a hacer en cada elemento. Y cuando esté hecho, volveremos a encontrarnos para trabajar en los detallamientos. Y ahora, como puedes ver, se han agregado todos los elementos, así que siéntete libre de pausar el video si necesitas un momento para hacer lo mismo. Y en mi paleta, he mezclado algunos colores juntos para conseguir un tono un poco más oscuro. Y estoy empezando por agregar algunos toques más oscuros a mi tallo. Esto me ayudará a crear algo más realista y con más volumen. Entonces lo que también ayudará mucho es agregar estos pequeños reflejos que también contribuyen a que se vea más realista. Y una vez más, es la combinación de tres tonos diferentes, valores claros , medios y oscuros los que hacen que un objeto se vea realista y tridimensional. Además, agregar el fondo detrás de los elementos ayudará mucho para que todo se vea aún más realista. En esta etapa, es una tarea que requiere cierta precisión. Y por agregar estos pequeños detalles y reflejos, estoy trabajando con un pincel bastante fino. En algunos lugares, si quiero un resaltado muy brillante, aplico el color usando solo la punta del pincel. Si por el contrario, quiero algo más claro pero no demasiado intenso, puedo aplicar el color y asegurarme de que se mezcle muy bien. Y en los elementos laterales, también noto que hay que agregar algunos toques más oscuros, así que seguiré adelante y los colocaré. Y poco a poco, trabajo mi trabajo es cada vez más realista y más convincente. Y ahora estoy realmente en las etapas finales de mi trabajo. Observo cuidadosamente y me pregunto si hay algún pequeño toque que deba agregarse aquí y allá. Entonces miro de cerca cuestionándome si todas mis áreas están bien trabajadas y equilibradas. Y una vez hecho eso, estaremos listos para pasar al siguiente paso. Ahora, pasemos al área al lado del tallo. Esta es una zona que puede parecer intimidante y difícil porque es bastante desordenada Hay muchos elementos diferentes cerca uno del otro y muchas hojas superpuestas. Como es habitual, cuando me enfrento a una zona como esta que se siente un poco complicada, empiezo por trabajar primero en los elementos más simples, obvios y más visibles. En este caso, lo que parece más fácil de identificar y distinguir en esta hoja un poco más oscura que podemos ver aquí es, bueno, esta hoja oscura. Entonces empiezo pintándolo, diciéndome a mí mismo que una vez hecha esta hoja oscura, será mucho más fácil trabajar en las áreas aledañas. Tener esta hoja pintada me da un punto de referencia, y podré comparar las colocaciones de objetos futuros, bueno, hojas futuras con ella Y para esta hoja oscura, yo diría que soy buena. Entonces ahora lo que estoy pensando es que justo al lado de la hoja un poco más oscura, podemos ver claramente algunos elementos más claros, y los voy a aplicar aquí agregando un pequeño toque de un color más claro. De esta manera, una vez que haya colocado estos toques más ligeros, será más fácil posicionar los demás elementos cercanos. Y paso a paso, nos damos cuenta de que somos capaces crear elementos que en un principio parecen difíciles de colocar. Pero una vez que hayas posicionado uno, puedes colocar otro junto a él, luego otro, y así sucesivamente hasta que finalmente te des cuenta de que has colocado todos los elementos y el área está completa. Estoy agregando algunos pequeños detalles, algunos últimos en esta área, y voy a pintar esta cosita circular que podemos ver del lado izquierdo. Puede parecer un poco intimidante al principio. Es una forma algo compleja, pero en realidad, en realidad es bastante simple de pintar. Lo que voy a hacer por este tipo de cosas de círculo es aplicar un color base, uno que parece ser el tono dominante. Después agregaré algunos toques más ligeros y algunos ligeramente más oscuros. Y en general, eso es realmente todo. Eso es prácticamente todo lo que hay que hacer por ello. Y por último, lo que realmente ayudará a finalizarlo y definirlo forma amablemente será la pintura de fondo que voy a hacer después Pero en general, no hay nada más complicado. Esta cosa del círculo no es tan complicada como parece. Entonces aquí estoy iniciando esta nueva área, que también podría parecer un poco confusa porque una vez más, habrá muchas hojas superpuestas y superpuestas unas sobre otras Puede ser difícil encontrar sus rodamientos en este tipo de área. Y recuerden, muchas veces cuando veo que estoy frente a una zona como esta, que es un poco compleja. Te dije que por lo general me gusta comenzar con los elementos más oscuros porque suelen ser los que más destacan. Pero aquí en esta zona, me parece que es lo contrario. Estamos ante un área que es un poco oscura en general. Muchas de las hojas son bastante oscuras o tienen un tono bastante verde medio. Entonces estoy haciendo lo contrario. Aquí, siento que son los elementos más ligeros los que mejor destacarán en esta zona de follaje. Y entonces esto es con lo que estoy empezando. Una vez que estén en su lugar, creo que será más fácil trabajar en los otros elementos que podemos ver entre estas hojas. Entonces eso es todo. Cada vez me adapto y me pregunto qué me parece lo más obvio en esta área en particular. Y aquí sentí que eran las hojas más claras. Entonces aquí, a pesar de que es un área pequeña con las hojas, todavía requiere una buena cantidad de precisión. Pero una vez más, estoy tratando asegurarme de que realmente estire mi pintura porque si termino con áreas donde la pintura es demasiado gruesa, va a ser complicada más adelante cuando necesite agregar pequeños detalles y otros colores para crear volumen. Así que recuerda, y esto es algo que siempre debes tener en cuenta, no importa en qué área estés trabajando, ya sea grande o pequeña, con una brocha plana o una brocha marrón fina, siempre necesitas estirar tu pintura correctamente para que después puedas agregar fácilmente más elementos encima. Ahora que he puesto la mayoría de estos verdes claros, estoy pensando que puedo rematar estas hojas y atomar estoy pensando que puedo rematar estas hojas y atomar elementos ligeramente más oscuros en la parte superior para trabajar en sus detalles. De esta manera, tendré algunos elementos terminados, y luego podré pasar a los demás. A menudo, al pintar follaje, ya sea de la vida o una foto y más aún de una foto, se puede ver una cantidad abrumadora de detalles, y es completamente normal no querer reproducirlo todo. Y en realidad no necesitas recrear cada pequeño detalle, sobre todo no con precisión milimétrica Lo que realmente importa es el trabajo sobre valores y lograr crear una cierta armonía general. Simplemente colocar las hojas en las áreas correctas y aplicar los valores correctos creará una impresión muy armoniosa. Y al final, estas hojas no son los elementos principales de tu pintura. De hecho, el propósito del follaje es construir una sensación de armonía alrededor del elemento clave simplemente luciendo creíble y lograr esa credibilidad proviene de elegir los colores correctos y colocarlos En última instancia, la gente revisa tu trabajo desde un poco de distancia, por lo que no se centrarán mucho en los detalles muy diminutos del follaje. Y lo que es más importante, cuando alguien mire este cuadro, lo que realmente les llamará la atención será primero el jarrón y luego las flores. Las hojas están principalmente ahí a unos hermosos colores y para atar todo armónicamente. Entonces en estas hojas, comencé aplicando algo bastante ligero, bastante intenso, luego agregué elementos más oscuros. Pero se puede ver que en algunas hojas, también habrá áreas ligeramente más claras, y eso es lo que ayudará a crear profundidad. Y recuerda que cuando sombreamos algo, solemos usar tres tonos, un valor de luz, un tono medio y un valor oscuro. Y esto suele ser lo que nos permite crear volumen en las áreas que estamos pintando. Para Y ahora que estas hojas están terminadas, puedo empezar a pintar entre ellas, agregando elementos un poco más oscuros. inmediato es mucho más fácil para mí encontrar mi camino y pintar los elementos correctamente usando los greens correctos en los lugares correctos porque es cierto que si no colocas los greens correctamente, las cosas rápidamente pueden empezar a verse mal. A pesar de que solo estamos pintando hojas y agregando más verde, si no colocamos los elementos correctamente, es posible que no obtengamos los tonos correctos o el contraste de valor correcto entre las diferentes áreas, y eso evitaría que aparezcan el relieve y la profundidad. Entonces cuando te enfrentas a una gran masa de hojas como la que tenemos aquí, es muy fácil perderse porque hay hojas que se van en todas direcciones. La estrategia que utilizo, como has visto, es tratar de escoger elementos que destaquen más que otros. Alternativamente, lo que puedes hacer al principio es crear un dibujo muy detallado, añadiendo un poco de sombreado con el lápiz De esta manera, cuando empiezas a pintar sobre él, podrás encontrar fácilmente tu camino. Sabes que donde hiciste un sombreado más oscuro, tendrás hojas más oscuras, por ejemplo En cierto modo, es como hacer dos obras de arte en una. Primero, el dibujo detallado con sombreado realista y luego la pintura en la parte superior Este enfoque realmente puede ayudar, pero también lleva bastante tiempo. personal, me gusta ser eficiente cuando pinto y evitar pasar demasiado tiempo en elementos que siento que son un poco secundarios. Ya que me las arreglo muy bien comenzando con los elementos más obvios y utilizándolos como hitos para construir el resto, no siento la necesidad de hacer un dibujo preliminar tan detallado. Pero nuevamente, si ese es un enfoque que prefieres, siéntete libre de hacer lo que más te convenga. Doy muchos consejos y lanzo diferentes técnicas, pero eso no significa necesariamente mi método sea el mejor o el más adecuado para ti Toma lo que te hable de los consejos que comparto y siempre siéntete libre adaptarlo por tu cuenta a tus propias necesidades. Lo siento. M Te habrás dado cuenta de que en mi pintura y en mi dibujo, no creé exactamente el mismo follaje en todas partes. Hay algunos elementos que elimino, ciertos tallos u hojas pequeñas por la sencilla razón de que desde una perspectiva docente, no era necesario mostrarte lo mismo varias veces. Fue para simplificar un poco la pintura y tener menos elementos para pintar, ya que ya es bastante rica en detalles. Entonces sentí que algunas partes no eran absolutamente esenciales cuando se trataba del follaje. Entonces, nuevamente, depende de ti decidir si realmente quieres pintar todo o si prefieres dejar fuera algunas hojas o ciertos elementos. Muy a menudo, cuando estás pintando y creando una pieza, lo que debes considerar a la hora decidir si agregar o quitar algo es, primero, ¿quitar o agregar este elemento hará que mi pintura sea menos realista? ¿Parecería extraño, por ejemplo, tener un agujero en el follaje en ese lugar? Y segundo, ¿mi pintura seguirá sintiéndose armoniosa? ¿Seguirá existiendo un sentido de equilibrio entre todos los elementos? En mi opinión, estas son las preguntas importantes que debes hacerte cuando quieras agregar o eliminar detalles en una pintura. Por lo que ahora estamos llegando a la parte final de la parte final de esta zona de follaje, algunos pequeños toques más, algunos detalles más para agregar, y luego el follaje del lado derecho se hará fuera cámara ya que es exactamente el mismo proceso que hay que repetir. Entonces sé que esta es una fase en la que rápidamente puedes empezar a sentirte un poco cansado de ella donde quizás quieras seguir adelante porque estás repitiendo los mismos pasos durante largos minutos. Pero recuerda, en una pintura, suelen ser los pequeños toques finales que marcan la diferencia entre un resultado promedio y una hermosa pieza de aspecto profesional. Cada detalle que agregues ahora, incluso si se siente pequeño, contribuirá a construir el ambiente general y la credibilidad de tu escena. Sería una pena, por ejemplo, tener un lado izquierdo bien ejecutado, y luego un lado derecho menos terminado. Entonces, si sientes que estás perdiendo precisión o estás harto, solo tómate un breve descanso, regresa unos minutos después, y encontrarás tus ojos frescos y tu motivación renovada No te apresures a terminar porque ahí es exactamente cuando tienes más probabilidades de arruinar el trabajo que has hecho hasta ahora. Entonces, bien, sigamos adelante. Mantente enfocado. Todavía queda una buena parte del follaje para trabajar, y luego podremos terminar esta pieza pintando el fondo y la superficie en la que el jarrón es sagon Entonces estoy seguro que puedes hacerlo, y te veré entonces una vez que esta parte esté terminada. 14. Pintar el fondo para dar profundidad y contraste: Ahora pasemos a pintar el fondo y la superficie donde está sentado el jarrón. Entonces primero, podemos ver que vamos a estar trabajando con dos tonos diferentes de gris, uno medio oscuro para la parte inferior, y uno más claro para el fondo de arriba. Lo que empiezo haciendo es mezclar una gran cantidad de blanco con un poco de azul ultramarino y algo de madera quemada Así suele ser como creo mis grises. Agrego solo una cantidad muy pequeña de los otros dos colores comparados con el blanco porque poco a poco voy ajustar mi mezcla en base a lo que veo. Por ejemplo, aquí noté que mi gris se está volviendo un poco demasiado azul, así que tenía un poco de madera quemada. Entonces hubo demasiada madera quemada, así que reajusto de nuevo porque, como pueden ver, la zona inferior tiene un gris que sigue siendo ligeramente azulado Y en este punto, estoy empezando a conseguir un color que es bastante bueno para la parte inferior. Para la parte superior, el fondo será mucho más ligero. Entonces lo que hago es tomar una gran cantidad de blanco al que solo tenía un poquito del color que inicialmente mezclé. De esta manera, obtengo un tono grisáceo claro que no es muy oscuro y va a funcionar muy bien para pintar el fondo que ves en la parte superior Voy a empezar a pintar el fondo en la parte superior. Al principio, usando un pincel que no es muy grueso, voy a pintar cuidadosamente alrededor mi tema para crear una especie de barrera de seguridad. Alrededor del jarrón, no estoy tratando de mezclar demasiado mis colores. Porque puedes ver que los colores no se mezclan en absoluto aquí. Y además el marrón del jarrón está casi seco. No obstante, alrededor de las flores y las hojas, se puede ver que en algunas zonas, los colores se mezclan muy ligeramente entre sí. Y eso también es lo que voy a tratar de hacer. Entonces trabajaré muy cerca de los bordes, apenas tocando el color solo muy ligeramente para que se mezclen muy bien. No estoy cargando demasiada pintura en mi pincel porque no quiero terminar con áreas gruesas. Para estas partes, necesito que todo el fondo sea lo suave posible más adelante. Realmente me estoy enfocando en estirar bien mi pintura para que cuando regrese con mi pincel plano, sea mucho más fácil crear un fondo agradable, uniforme y liso para esta zona. Y me estoy tomando mi tiempo observando cuidadosamente y trabajando pacientemente para pintar por todos los bordes y todos estos elementos También noto que algunas zonas van a ser un poco más complejas que otras, sobre todo alrededor del tallo, lo cual es muy detallado. Entonces cambio a un pincel más fino para manejarlo, lo que me permitirá ser más preciso a la hora de aplicar mi color No voy a hacer mucho más en esta área. Apenas estoy terminando de pintar entre estos pequeños tallos, y luego veremos como simplemente pintar el fondo. Voy a cambiar a mi pincel plano y aplicar pinceladas amplias, asegurándome de estirar bien la pintura y, por supuesto, a repasar las hojas. Aquí, queremos suavizar realmente incluso el fondo, así que no voy a complicar demasiado las cosas Voy a usar el mismo color para el fondo sayo. Y con pinceladas amplias, estiraré bien la pintura. Entonces lo haré aquí en esta pequeña sección. Ahora lo haremos juntos. Después voy a completar el resto del fondo de cámara. También estoy agregando un poco más medio a mi pintura para que sea un poco más fluida y más fácil de extender. Entonces te veré en un rato. Entonces aquí tenemos la pintura de fondo, y ahora vamos a pasar a la parte inferior. Se puede ver que en esta sección inferior, estamos tratando con grises que son un poco más oscuros Entonces voy a tomar este color, usar mi pincel plano, y comenzar a pintar esta parte superior de la sección inferior con este gris. Lo que notamos aquí es que el color se vuelve un poco más claro a medida que bajamos. No tenemos exactamente el mismo gris en todo el camino al otro lado. Entonces estoy ajustando el color a medida que voy, y eso es también lo que hará que la mesa haga que la mesa la que se sienta el jarrón se vea más realista y tridimensional. Hasta el área de sombra, la sombra atrapada del jarrón que se puede ver un poco más abajo, podemos observar una transición gradual con este gris. Otra cosa a tener en cuenta es que nuestro gris ligeramente más oscuro se mezcla muy suavemente en la línea al fondo que pintamos anteriormente Así que había tomado un cepillo más limpio para mezclar las dos áreas juntas, pero mi pincel estaba un poco dañado, así que el resultado no es genial, y lo estoy reelaborando ahora con este pincel ligeramente fino, asegurándome de limpiar cualquier exceso de pintura que se acueste en el pincel para lograr una mezcla suave y sin fisuras entre estas áreas Ahora puedo empezar a pintar la sombra del jarrón. Se puede ver que al principio es un poco más oscuro, pero no tenemos el mismo valor de gris en toda la sombra. Algunas áreas se vuelven más ligeras a medida que nos alejamos del jarrón. También podemos notar que justo al lado del jarrón, hay un pequeño toque gris más claro. Así que también lo he agregado, y me estoy asegurando de que todos estos elementos mezclen suavemente al agregar pequeños toques como este. Incluso dentro de algunas de las zonas más oscuras, se pueden observar algunos toques ligeramente más claros. Entonces los estoy marcando también. También habrá algunas manchas un poco más oscuras que podamos notar, y las estoy agregando también. De esta manera, voy a terminar con una sombra que está muy bien trabajada y bien renderizada. Y ahora puedo ultimar esta sección que había iniciado. Ahora puedo continuar con la zona ligeramente inferior donde tenemos diferentes grises, más grises de manopla, y los voy a aplicar sin pensarlo demasiado usando Notarás que estoy agregando más medio a mi pintura porque a veces mi pintura no es lo suficientemente fluida. Y sobre todo a la hora de pintar el fondo, es muy importante estirar el color correctamente. Al principio, no había agregado no había agregado suficiente medio a mis colores en la paleta, y realmente se puede sentir la diferencia al intentar extender la pintura. Entonces estoy aplicando mi color con este pincel plano, y me aseguro de dejar un espacio para la pequeña sombra que estará a un lado, en la que trabajaremos en un momento. U Ahora podemos empezar a trabajar en la pequeña zona de sombra aquí. Lo que noto es que podemos usar este gris como gris base porque a través de toda el área de sombra, el valor no es uniforme. Entonces estoy aplicando este gris, asegurándome de que se mezcle bien con el fondo, y luego seguiré pintando por toda el área debajo del jarrón. Se puede ver que hay una sombra un poco más oscura con algunas zonas inclinadas un poco más hacia tonos marrones grises como estos que voy a aplicar Por lo que los estoy aplicando cuidadosamente con un pincel fino y trabajándolos en pequeños toques. Es importante a la hora de trabajar en sombras observar cuidadosamente y no limitarte a un solo valor de grado porque como puedes ver aquí, algunas partes de la sombra son más oscuras que otras, y estas diferencias son importantes, y realmente hay que tomarlas en cuenta. Entonces ahora estoy terminando esta área, y luego trabajaré en el lado derecho fuera de la cámara. Nos reuniremos nuevamente para agregar los detalles finales que realmente aportarán un hermoso toque final a nuestra obra de arte. Ahora puedo comenzar a agregar los detalles finales a esta pieza. Alrededor del bacalao, hay unos pequeños hilos que se derraman sobre el fondo. Usando mi pincel de espada, voy a agregar estas líneas finas. Por supuesto, al principio remix el color en mi paleta, y voy a hacer esto en la parte superior, y también agregamos algunas pequeñas fortalezas como esta en la parte inferior también No es mucho, pero realmente le da un aspecto muy acabado a la pintura. Por cierto, agregué un poco del líquido para ayudar a adelgazar la pintura y facilita la aplicación de estos toques sobre la parte superior. Oh Y finalmente, el último detalle que podemos agregar son algunos toques, algunos pequeños elementos en el follaje. Podemos ver que hay algunas líneas muy finas extendiéndose así. Y así los estoy agregando, y realmente le aporta un bonito toque final a la pieza. No es mucho, pero se ve muy bien. Y eso concluye este tutorial, un tutorial donde pudimos cubrir muchas cosas, creando volumen en el jarrón, mezclando esos tonos marrones, verdes y rosados, y aplicándolos de una manera que construya un sentido de forma y dimensión libre Y creo que fue un gran tema para avanzar de verdad. Entonces realmente espero que lo disfrutes y siéntete libre compartir tu trabajo porque siempre es un placer verlo. Entonces te veré muy pronto para otro tutorial, y muchas gracias por verlas.