Transcripciones
1. Introducción: El mundo de la moda nunca se ha aburrido de los patrones florales. Cambian las tendencias, los esquemas de color, escalas
molestas y los diseños, pero las flores siguen siendo un motivo héroe en una parte significativa del diseño de patrones de superficie. Detalle, la ilustración botánica es muy popular en la moda en estos días. Código de pegamento diferentes marcas de lujo usan ilustración floral, Gucci, Alexander McQueen, Dolce y Gabbana, y muchos más. Mi amor por ilustrar florales, y mi pasión por crear me ha llevado a
descomponer la fórmula para crear hermosas ilustraciones florales, el diseño de patrón de superficie. Mi nombre es Katya. Soy artista de acuarela y diseñador de patrones de superficie. Me gustaría que veas mis patrones de acuarela sobre artículos de moda de diferentes marcas. Esta clase trata sobre cómo ilustrar motivos florales para diseño de
superficies y sobre la ilustración botánica con acuarelas. Hablaremos a detalle cómo dibujar flores, cómo crear ilustraciones adaptadas especialmente para necesidades de diseño de recamara de superficie. Demostraré paso a paso la pintura de hermosos arquitectos con acuarelas. No aprenderemos a trabajar en Photoshop y a crear patrones de repetición, pero les demostraré todo el proceso de crear un patrón floral desde construir un concepto hasta crear una repetición sin fisuras lista para usar en diferentes productos. Esta clase es una combinación de alguna teoría útil junto a un montón de trabajo práctico. Entonces si quieres descubrir mi enfoque para crear patrones florales, o si quieres aprender a doblar orcas cuádruples, bienvenido a mi clase. Si tiene alguna pregunta, por favor escríbelas en la sección de discusión a continuación. Estaré encantado de responderles a todos ustedes. No olvides seguirme en Skillshare y no te pierdas mis nuevas clases haciendo clic en el botón seguir. También puedes seguirme en Instagram donde
comparto instructores de obras y diferentes otras cosas. Nos vemos en el siguiente video.
2. Diseña tu propio patrón: Aquí un ejemplo de una ilustración botánica tradicional de Pierre Joseph Redoute. Mira qué hermosas son las flores. puede ver que pintó con mucha precisión, pero en el caso de la calidad, y los motivos florales, para las plumas de moda, no hay que ser tan detallado ni tan realista como en estas ilustraciones. El objetivo de las ilustraciones botánicas tradicionales es que las flores sean informativas, y nuestro objetivo es hacer que las flores sean hermosas y sofisticadas. Puedes simplificar ligeramente la forma, el nivel de detalles, y puedes ser diseñador en el sentido de que puedes elegir colores armónicos. Los resultados finales deben ser realistas, pero no fotorrealistas. Detalles como pequeñas rayas y sombras se pierden cuando se imprimen en tela. Tu objetivo más importante aquí es mostrar el carácter de una flor. Esto lo puedes hacer ilustrando hermoso el patrón sobre pétalos de flores, enfatizando su volumen, y combinando la luz en las sombras de una manera única, o dándole tu toque personal ejerciendo sus principales curvas, y formas. En esta clase ilustraremos motivos florales detallados para crear un hermoso patrón para prendas o cualquier otro artículo de moda como bufandas, fundas para
iPhone, o lo que quieras aplicarlo. El primero que tenemos que hacer es elegir una flor que te inspire. Por lo general uso mis propias fotos como referencias o dibujo a partir de flores reales. Pero en caso de que quiera o necesite ilustrar una flor específica que no crece en mi zona, busco referencias en todos los libros botánicos, o vía gratuita para utilizar servicios web como Unsplash.com, donde se puede utilizar el imágenes con fines comerciales sin pedir permiso. Pero tenga cuidado y respete la propiedad intelectual de los demás. Para crear un buen flujo y equilibrio en mi patrón futuro, utilizo algunos pequeños trucos. Por lo general para este tipo de patrón floral, elijo un tipo de flor, pero estoy creando algunas ilustraciones de diferentes modificaciones. Puede ser pocos ángulos de la misma flor, puede
ser diferentes etapas de su ciclo de vida. Apenas los cogollos han florecido, abierto y florecido por completo. Mira lo interesantes que son las composiciones de esta anémona. Cada uno de ellos presenta sólo un tipo de fenómeno, pero pintado en diferentes ángulos y las diferentes etapas de su ciclo de vida. Otra opción es combinar grupos de flores junto a las individuales, como en este patrón [inaudible]. Sé creativo y escucha tu propia intuición con el fin de crear composiciones armónicas. Trata de enfatizar la belleza de una flor, la elegancia, la ondulación, las hermosas curvas, o como alternativa, su sencillez. Imagina que hay un viento soplando en tu flor o se va bajo el agua. Por lo general, trato de evitar colocar más de una flor de frente. En la mayoría de los casos números como tres, cinco o siete en un grupo funcionarán mejor que dos, cuatro o seis. Si dibujo la rama, trato de no colocar flores en dos lados simétricamente. Después de recolectar referencias, crea motivos para tu patrón futuro. Dibuja tres bocetos de falla de tu flor favorita o grupos de flores. En el tercer paso, crear una ilustración final pintando en acuarelas. De verdad te animo a compartir tus trabajos en curso a cada paso con todos en esta clase, para que puedan dar retroalimentación. Estaría encantado de ver tus creaciones y darte retroalimentación también. No tengas miedo. Todo el mundo puede dibujar. dibujo y la pintura son habilidades muy aprendibles, igual que cocinar, o andar en bicicleta, cualquiera puede aprenderlo. Entonces, empecemos.
3. Materiales de arte: Aquí te dejamos un breve resumen de un material de arte que necesitarás para completar tu proyecto de clase,
lápiz, goma de borrar y papel regular de bocetos, acuarelas. Necesitarás un conjunto básico de acuarelas. Puedes usar ya sea bolígrafos o tubos, lo que sea que tengas y lo que funcione mejor para ti. En mi proyecto de clase, usaré cuatro colores principales, quinacridona, rosa ópera, azul
cobalto y amarillo limón. Pinceles, mientras pinta con acuarelas, usa cepillos de acuarela tipo de pelo auténtico o Kolinsky sable. tamaños esenciales de los pinceles son, un tamaño grande, alrededor de ocho para cubrir con agua áreas grandes, un cepillo de trabajo, talla cuatro o seis, este cepillo es el más importante, y un cepillo para pintar los detalles más pequeños y venas. Para ello, usaré el pincel más fino que tengo, talla 5/0. Papel de acuarela. Una opción ideal para nuestro proyecto de clase es el papel de algodón prensado en caliente con alto color blanco. Por lo general está disponible en blanco y blanco alto, por lo que aconsejo elegir papel blanco alto para que las ilustraciones sean más brillantes y saturadas. En esta clase, utilizaré papel de acuarela Saunders Waterford,
agua, recipiente de agua, y toallas de papel. Elige un recipiente blanco cómodo con el fin de mantener el agua limpia por un tiempo máximo. Las toallas de papel son muy importantes. Manténgalos siempre cerca de tu mano de pintura. Podrás encontrar algunos ejemplos de suministros de arte recomendados en la siguiente descripción de la clase.
4. Crea un concepto: Como ya han adivinado, voy a crear una ilustraciones de orquídeas como mi proyecto de clase. He elegido las orquídeas porque son brillantes y hermosas. El tienen patrón interesante en sus pétalos, se
verán magníficos en cualquier artículo de moda. Por último porque tengo un increíble parque de orquídeas cerca, donde pasé mucho tiempo observándolas. En primer lugar, pasé por mis referencias fotográficas y elegí tres de ellas. En mis ilustraciones se incluirá un grupo de tres orquídeas totalmente abiertas. Una rama con orquídea media abierta y un capullo, y una rama con tres capullos. Creo que esta diversidad de formas, ángulos, y las etapas de su ciclo de vida crearán una mirada sofisticada y atmósfera natural en mi patrón futuro. Además, me gusta que en este grupo, todas las flores tienen diferente tamaño y todas se enfrentan en diferentes direcciones. En esta etapa, empiezo a analizar la flor. Cuando estoy mirando mis referencias, noté que cada flor tiene su propia tonalidad. Algunas flores son más oscuras y otras más ligeras. A pesar de todas ellas son flores del único tipo. Pero cuando empiezo a pintar, a menudo uso un pequeño truco desde una pérdida de perspectiva atmosférica en lugar de copiar exactamente de mis referencias. Perspectiva atmosférica dice que el cuello y el tono de los sujetos pierden sus características al profundizar en el espacio. Eso significa que las flores que están más cerca del espectador serán más saturadas, oscuras, y tendremos más contraste en comparación con las flores que están más lejos de nosotros. No siempre lo verás en la vida real, sobre todo en los objetos que están cerca de tus ojos. Pero cuando miras paisajes,
mira lejos de aquí, verás que los colores en esta escena poco a poco perderán su situación y lo más alejado de tus objetos tendrá un gran color, a pesar de los suyos color, podría ser brillante, verde saturado o lo que sea. Ten eso en cuenta y trata de aplicar este efecto en tus ilustraciones. En el siguiente video, hablaremos de dibujar flores. Nos vemos ahí.
5. Fundamentos del dibujo floral: El dibujo botánico no es un proceso sencillo, que mejoramos después de horas de práctica. Pero hay una lógica y una secuencia detrás del proceso. Todo lo que voy a decir en esta clase es algo que
me funciona muy bien pero tal vez tengas una forma diferente o mejor de dibujar flores. Crear un boceto detallado antes de sumergirse en la ilustración final es un paso muy importante. Si el dibujo no tiene éxito, podría influir en el resultado final de manera negativa. Así que respira hondo, sé paciente, y empecemos. Dibujo de flores van de general a específico. Eso significa que partiremos de bosquejar las áreas más grandes y las formas básicas que forman la flor, bajando
poco a poco a los detalles. En primer lugar, debes estar preparado, observar cuidadosamente y analizar tu flor o grupo de flores. Hágase las siguientes preguntas. ¿ Cuáles son las proporciones principales? ¿ Cómo se relaciona el ancho de una flor con su altura? ¿ Qué parte está más cerca del espectador? ¿Cuántos pétalos hay en tu flor? ¿ Cuántas flores hay en el grupo? ¿Qué sucede en la parte reproductiva central de la flor? Esta parte suele ser complicada, así que asegúrate de entenderla correctamente. Cuando no estoy completamente seguro de la estructura de la parte reproductiva, dibujo por separado para enfocar mi aprendizaje en ella. ¿ Cuál es el patrón en los pétalos de la flor? Si el patrón es el mismo en cada pétalo, ¿cuántas hojas hay, y cómo están adheridas al tallo de la flor? Son simétricos o no. Después de observar la flor, intenta dividir tu flor o grupo de flores en geométricas
simples como círculos, óvalos, conos, campanas, triángulos, y líneas. No pienses en los detalles a este paso. Esto será significativo cuando quieras dibujar la flor y no estás exactamente seguro de cómo hacerlo. Mira las formas. Encuentra los ángulos que se encuentran entre las líneas principales y las formas. Observe qué formas son creadas por el espacio negativo. Eso es todo. Suficiente teoría por ahora. Vamos a sumergirnos en la práctica.
6. Dibujo de lápiz detallado: Mientras dibujaba motivos, usaré un lápiz regular y borrar y un borrador regular para quitar partes grandes. Además, usaré esta hermosa pluma con el fin de limpiar mi vapor. En primer lugar, vamos a entender las formas básicas orquídeas en formadas a partir de. Veo que la flor de orquídea tiene forma circular, que incluye dos capas de pétalos en ella. En la capa inferior, hay tres pétalos que forman un triángulo con puntos afilados. En la capa superior, hay dos pétalos que forman un óvalo. Después de construir una base, creamos los contornos de los pétalos. Mira la diferencia entre los pétalos superior e inferior. Los pétalos superiores son más anchos y más grandes, y los inferiores son más estrechos y afilados. Después de estar seguros de que entendemos la estructura de la Orquídea, pasamos a dibujar en un grupo y los motivos restantes, es importante calcular el tamaño correcto de tus motivos. He notado que es mejor dibujar objetos un poco más grandes de lo previsto para sus productos finales. Reduzca la escala de sus ilustraciones aún más mientras crea un patrón ocultará muchas imperfecciones y en general, hará que sus ilustraciones luzcan mucho mejor. Por lo general dibujo motivos más grandes y prefiero reducirlos más adelante en Photoshop. La primera ilustración será un grupo de tres flores. Cada uno de ellos se enfrentan en una dirección diferente. Aislaré estas tres flores para mi primera referencia de esta manera, cuando miro a nuestro grupo de flores, veo que las tres flores que voy a dibujar forman un triángulo. Marcaremos las líneas principales con el fin de crear un área de trabajo para el dibujo. Dibujamos nuestras flores en tres círculos y óvalos. La orquídea superior es la más grande. Por cierto, podemos variar artificialmente los tamaños de los elementos para crear una composición equilibrada que no sea aburrida creando un contraste entre las formas principales. Agrandaré ligeramente nuestra orquídea superior. Como dijimos anteriormente, hay triángulos y óvalos colocados dentro de cada orquídea. En consecuencia, colocamos un triángulo y un óvalo en cada uno de nuestros tres círculos. Considerando los ángulos y las modificaciones de perspectiva de las formas, observe cómo las líneas principales y formas se relacionan entre sí a medida que dibujas, por ejemplo, intenta relacionar visualmente el inicio de una flor con el medio de la otra y cosas así. Encontramos el medio de cada flor con el fin de empezar a dibujar los pétalos superiores y las partes reproductivas de las orquídeas. Siempre relaciona diferentes puntos críticos sí y crea líneas visuales en tu mente entre ellos. De esta forma, tus objetos se verán armoniosos y no bailarán por separado en tu trozo de papel. Después de haber colocado elementos principales de las orquídeas, comenzamos a sumar los detalles creando contornos de pétalos, seguido de bosquejar sus partes reproductivas centrales. Al dibujar una parte central, de nuevo, divida en tu mente para separar formas y empezar dibujarlas relacionando sus puntos críticos uno con otro. Observe cómo el inicio de una forma se relaciona con la forma que ya dibujaste en el sentido de colocación y ángulos. No estoy totalmente contento con la gran pieza de espacio
negativo entre la flor superior y la derecha. Por lo tanto, voy a llenar este espacio era una flor de fondo adicional. Como ya he dicho anteriormente, prefiero dibujar tres o cinco flores en el grupo. Pero en este caso, la primera flor estará parcialmente oculta, casi invisible, y servirá como grupo, como fondo. Por lo que todavía puedo decir que el grupo principal consta de tres. En mi segunda ilustración, dibujaré este cuadro de tres. Cada una de la caja se abre de manera diferente de totalmente cerrada a casi abierta, que creo que se verá bien en nuestro patrón futuro. En la tercera ilustración, quiero extraer estas dos flores inferiores de este cerebro, pero quiero que la más pequeña boca arriba. Entonces con el fin de hacer mi vida más fácil y convertir en mi referencia de manera que me sea cómoda. Continúa dibujando todos tus motivos, hasta que te sientas satisfecho con el resultado. Puedes rotar el cebo, lo que te ayudará a identificar cosas que podrías querer mejorar. Podrás encontrar dibujos de líneas de motivos que
he creado para esta clase en la siguiente descripción del proyecto. Siéntase libre de descargarlos y practicar. Eso es todo, en esta lección con un dibujo terminado, nuestras ilustraciones. Ahora estamos listos para empezar a pintar con acuarelas. Nos vemos en la siguiente lección.
7. Paleta de colores: La parte importante de cada pintura acuarela es elegir el conjunto adecuado de colores antes de la mano. Voy a pensar en la paleta de colores para las orquídeas en mi cuaderno de bocetos especial, que guardo, sobre todo para mezclar colores. He elegido aquí cuatro acuarelas básicas que
voy a mezclar para encontrar todas las columnas que veo en la pieza de arte. Se trata de quinacridona rosa, rosa
ópera, azul cobalto, y amarillo limón. Además, podría necesitar la ayuda de algún rojo. Puedes buscar tus propias combinaciones de colores o en su lugar, para usar colores listos. Simplemente confía en tu propia intuición y en tus ojos. Para el color primario de los pétalos, estamos mezclando rosa ópera y azul cobalto, lo que nos permitirá lograr el hermoso color rosa frío de las orquídeas. Para las zonas más saturadas pero aún aligeradas, usaré una mezcla de rosa ópera, pico
quinacridona, y cobalto. Las sombras de los pétalos tienen un color morado profundo, para lo cual voy a mezclar quinacridona rosa, azul cobalto, y un poco de amarillo limón, o incluso mezclar los cuatro colores. Varié ligeramente la proporción de cada uno de los colores con el fin de lograr diferentes tonalidades. Con la ópera rosa, será un poco más brillante, color
rojo en las partes reproductivas. Aquí necesito la ayuda de algún color rojo profundo fresco. Aquí en mi paleta, hay alizarin carmesí, que creo que es una gran opción. Mezclaré alizarin carmesí y quinacridona rosa como base y añadiré aquí un poco de amarillo limón y cobalto. Este será nuestro color rojo saturado para las partes reproductivas. Pero también necesitamos un tono más de rojo. Pero un poco más frío y más oscuro para las sombras más oscuras. Para esto, mezclaré azul cobalto, rosa
quinacridona, amarillo limón, y rosa ópera. Para tallos, usaré verde y gris. Para ello, mezclaré azul cobalto, y amarillo limón. Esta combinación puede variar de gris claro a un color verde amarillo soleado dependiendo de las proporciones de diferentes pigmentos. Por último, amarillo limón, que se utilizará para las partes reproductivas y zonas cálidas de vida en el pétalo. Además, podemos agregar un poco de rosa ópera para hacer que el amarillo sea más cálido si es necesario. Todas nuestras flores en las referencias tienen colores ligeramente diferentes, pero podemos lograrlas todas usando las mismas combinaciones de colores, que discutimos en esta lección. Podemos variar la ligereza y la oscuridad, la saturación y las proporciones, lo que nos dará una enorme diversidad de tonalidades.
8. Pintura en acuarela: capas básicas: Cuando tus ilustraciones estén listas, canjearlas por papel de acuarela. Mientras transfiere sus dibujos a papel de acuarela, mantenga las líneas de lápiz lo más limpias y lo más invisibles posible, lo que le ayudará a evitar líneas de lápiz visibles en sus ilustraciones finales de acuarela después de escanear. Cuando trabajas con un dibujo relativamente sencillo, que no tiene detalles pequeños, puedes trazar un contorno que es un color similar al lápiz de acuarela, que se disolverá cuando lo cubras con agua, por lo que no lo harás tener cualquier línea no deseada en absoluto. Empezaremos a pintar la primera capa aplicando color en las zonas más grandes, que son los pétalos. Esta capa será una base para construir volumen y agregar bonitos detalles encima de ella. Primero mezcla colores rosa potro, uno rosa potro muy diluido de cobalto y rosa de ópera y el segundo, morado
más saturado para sombras de rosa ópera cobalto y rosa quinacridona. Empezamos a pintar grandes áreas en técnica húmeda sobre húmeda. Cuando el papel es lenta y uniformemente, no te
preocupes si el agua fluye más allá de las fronteras, siempre
puedes arreglarlo con una toalla de papel, pero intenta evitar eso. Ponga la mezcla ligera a toda la zona dejando el borde exterior el claro y aplique colores más saturados a la taza central como área del pétalo, repita esta acción a todos los pétalos restantes. Aplica el color en consecuencia a lo que ves en la referencia, observa la flor e intenta diferenciar entre las partes aligeradas y las sombras, entre el fusible cálido y frío. Observe que hay toda variedad de colores desde sombras
violentas de potro hasta luz amarilla cálida. Para una pintura exitosa con acuarelas, necesitas ser estratega y planificar siempre con anticipación, piensa en dónde te gustaría tus blancos y luces antes de aplicar pintura. Si quieres conocer más sobre las técnicas
básicas de acuarela utilizadas en Ilustración Botánica, puedes ver mi clase anterior llamada Esenciales de Ilustración Botánica Acuarela. Después de esto, profundizaremos el color donde hay una taza como área del pétalo en una técnica húmeda sobre húmeda nuevamente. Utiliza una mezcla morada de colores para las sombras del cobalto, rosa de
ópera y el rosa de quinacridona. Hacemos lo mismo en el segundo pétalo también, aquí usamos una mezcla más brillante para las sombras agregándole más rosa de ópera. Continuar profundizando las sombras en todos los pétalos restantes. Después de terminar, aplica las mismas acciones a las flores restantes. Después de que las capas básicas de nuestro grupo estén listas, seguiremos pintando partes reproductivas centrales de [inaudibles] en la siguiente lección.
9. Pintura en acuarela: partes centrales: Pasemos a pintar en partes centrales. Empiezo mezclando rosa quinacridona, cobalto, y rosa de ópera en dos consistencias. Uno más diluido, y uno más saturado. A pesar de que todas las partes del área reproductiva son pequeñas, todavía las
pintaremos en una técnica húmeda sobre húmeda con el fin de recibir resultados suaves. Lenta y prolijamente, humedezca cada área uno por uno y aplique color de acuerdo a lo que vea en la referencia. Aplica los colores más saturados en las sombras, pero asegúrate de moverte por las zonas más claras para vivirlas ligeras. Ignora los detalles y sombras más pequeños. Por ahora, nuestro objetivo es solo crear volumen principal en cada una de las partes pequeñas. Como vemos en nuestras referencias,
las partes reproductivas son mucho más oscuras que los pétalos, por lo tanto las pintarán con la consistencia más saturada de pintura desde el principio. Mantén esta parte saturada, contrastada y crujiente. Ahora, veo que algunas de las áreas que he pintado no son totalmente lisas. Pero lo arreglaré en las siguientes capas. Después de aplicar color amarillo en el medio, paso a pintar esta sección de suspensión. Ten cuidado aquí y date vuelta por los remolinos al final de
la sección suspendida sin dejar que la pintura los toque donde deben permanecer livianos. El fondo, tiene un color fino brillante el cual sube y poco a poco se vuelve rojo. Con el color rojo mezco quinacridona rosa y carmesí alizarina. Continuar añadiendo pequeñas sombras y detalles para todas las partes. Después de sentir que ha incorporado el volumen en la parte central puede comenzar a agregar detalles con el pincel más delgado que tenga. Observa cuidadosamente la flor y replica patrones de huelga y oscuridad. Oscurece las sombras donde sea necesario. Repita estas acciones para todas las flores restantes. En esta lección, hemos pintado partes centrales de orquídeas, y en la siguiente lección, añadiremos más sombreado a los pétalos.
10. Pintura en acuarela: sombreado adicional: Después de pintar partes centrales, pasamos a construir volumen adicional en pétalos, lo que hará que nuestras orquídeas se vean más naturales y realistas. Mojamos cada pétalo y aplicamos color donde haya sombras. Analiza y compara siempre los colores en las sombras. En algunos pétalos será más cálido y brillante, y en algunas partes será morado y silenciado. Además, puede haber diferentes tonalidades de sombra en un pétalo. Confíe en sus ojos. Te guiarán cómo usar el color. Después de aplicar la pintura, suaviza los bordes de las áreas pintadas con un pincel limpio y deprimido. Piensa en la finalidad en este paso. Para crear un look más sofisticado, crearé una jerarquía visual en nuestro grupo. La flor que está más cercana a mí, la orquídea de fondo derecho, será la más oscura y más contrastada, porque se coloca más cerca del espectador. La orquídea superior será un poco más brillante que la inferior derecha, y la orquídea izquierda será
la más ligera del grupo porque se coloca más lejos de nosotros. En consecuencia, las sombras en los pétalos serán más brillantes y menos saturadas. Si tiene alguna pregunta, escríbelas en discusiones a continuación.
11. Pintura en acuarela: venas: Cuando nuestras orquídeas estén casi listas, pintaremos venas en sus pétalos. Es importante pintar venas entre las capas,
porque las siguientes capas suavizarán las venas y las harán lucir más naturales. Eso significa que no pintes venas al final, asegúrate de cubrir las flores con al
menos una capa más de pintura media transparente, o incluso agua. Además todas las venas no son iguales, algunas de ellas son rosadas y algunas de ellas casi violetas. Este proceso es bastante largo y requiere paciencia, pero realmente agrega mucho a la ilustración, así que te aconsejo que no te saltes este paso. Es importante mantener la jerarquía de la que hablamos en clase anterior, las venas de la orquídea inferior derecha deben ser más
oscuras y no contrastarla que en las otras flores, como en la vida real, veremos patrón y textura mejor y con más detalle en un objeto más cercano a nuestros ojos. Mantén esta regla también en tus ilustraciones.
12. Panting: en acuarela: toques terminados: Como toque final, haremos más claras las separaciones entre los pétalos oscureciendo los pétalos subyacentes en áreas superpuestas. Después de esto, hacemos un contraste y acentos adicionales en la orquídea inferior derecha con el fin de enfatizar más una jerarquía tonal en el grupo. Por último, oscuremos un poco la flor del bosque subyacente. La función de esta flor es hacer que nuestro grupo destaque y sirva de fondo para ello. Por lo tanto, con la ayuda de esta flor, haremos que los bordes claros de las orquídeas superiores luzcan crujientes y contrasten. Eso es todo, se hace nuestra primera ilustración. Continúa pintando los motivos restantes y sube tus resultados a la galería de proyectos.
13. Escaneo y procesamiento: Ahora, cuando terminamos de pintar ilustraciones con acuarelas, pasamos a la parte digital del proceso. En primer lugar, necesitamos escanear las ilustraciones. Es importante escanearlos con la resolución más alta posible. Por lo general, escaneo con 100-2000 dpi. En caso de que no hayas usado antes papel de prensa caliente, te sorprenderá que no veas la textura del papel de acuarela, que es ideal para imprimir [inaudible] en diferentes productos en el futuro. Después de escanear, importo todas las ilustraciones a Photoshop. procesamiento de imágenes consta de dos pasos: Primero, eliminar fondo. Hay muchas formas de eliminar el fondo de las ilustraciones en múltiples colores, pero cuanto más brillantes sean sus ilustraciones, y cuanto menos contenido entre el papel y
la ilustración, más tiempo pasarás haciendo eso. Cuando traté de seleccionar un fondo blanco con la Herramienta Varita Mágica, su selección incluye muchos píxeles no deseados, que soy posible excluir de la selección tal como está. Por lo general, en este caso, creo una capa de trabajo de orquídeas copiando la original. Hago la ilustración menos contrastada y reduzco la cantidad de blanco usando también las curvas. Después de esto, cuando selecciono un fondo blanco con la herramienta Varita mágica, selecciona menos píxeles no deseados de lo que era en mi intento anterior. Para hacer una selección más precisa y deshacerme de los píxeles adicionales, donde hay contornos a lápiz, amplío la selección haciendo clic en “Seleccionar”, “Modificar”, “Ampliar” y añadir unos cuantos píxeles adicionales. Por lo general, este número varía de 1-5. De esta forma, eliminaremos parcialmente los contornos de lápiz. Borro el fondo y usando la Herramienta Lazo Magnético, selecciono partes problemáticas en la copia de la capa de trabajo. copié, capas b y q y las uní junto con una capa de trabajo. Seleccione las capas necesarias y haga clic en “Comando E” para Mac y “Control E” para PC para fusionar capas. Ahora, nuestra ilustración tiene bordes despejados y prefiero limpiarlos con una herramienta de borrador, que es un proceso bastante largo. Pero definitivamente vale la pena porque
hará que los bordes de la ilustración sean nítidos y limpios. Selecciono píxeles en la capa de trabajo y copio esta selección de la capa original. Ahora, tengo mi ilustración perfectamente limpia y separada del fondo blanco. Esto me permitirá experimentar con diferentes opciones de fondo para mi futura recámara. Después de esto, ajustamos ligeramente el brillo y el contraste para que las orquídeas se vean más parecidas al original. Los rosados y morados son colores pragmáticos para escanear. Por lo tanto, mi ilustración perdió su saturación, y mis temas en morados ahora se ven cansados. Estoy ajustando los colores con el Color Selectivo 2, que es uno de mis favoritos. Yo quiero que las rosas brillen y no se pongan pálidas en este caso. Repito estas acciones a todos los motivos restantes.
14. Patrón de repetición: Eso es todo. Ahora estamos en nuestra etapa final, creando un patrón de repetición. Personalmente para mí, es la parte más divertida del proyecto. Prefiero crear un tablero de arte rectangular, porque de esta manera, la repetición podría parecer más interesante, sobre todo si se imprimirá en algo grande. Configuré el archivo en 7,500 píxeles de ancho, y 9,000 de altura, en 300 DPI. Abramos todas las ilustraciones y las coloquemos en el archivo de patrón repetido. Son demasiado grandes para usarlos como esto. Por lo que disminuí proporcionalmente el tamaño de las tres ilustraciones. Ahora empezamos a construir una repetición. Trata de crear un buen flujo y movimiento en tu patrón. Nuestro objetivo es crear una composición equilibrada e interesante. Piensa en el espacio negativo. Tiene la misma importancia que las propias ilustraciones. Por lo general, configuro algunas reglas para mí mientras trabajo en cada patrón. Yo decido si puedo variar el tamaño de la ilustración o no. En caso afirmativo, defino un máximo de dos o tres tamaños para cada uno de los elementos. No creo 10 tamaños diferentes de la misma ilustración en una sola repetición, puede crear caos. También es importante decidir si quieres que tu ilustración se superponga o no. Configurar reglas y mantener el mismo look en toda la repetición. El parte más importante es relajarse y divertirse. Esta es la razón principal por la que amamos el arte y por la que hacemos esto. Cuando te adelantes con la colocación de las ilustraciones, prueba tu repetición en una capa separada. Hago esto haciendo clic en, “Editar”, “Definir Patrón”, y llenar una nueva capa. También, ahora es el momento de pensar en las opciones de fondo. Prueba algunas versiones diferentes. En mi caso, me gusta el blanco y el negro. Es una decisión difícil, pero en realidad no tienes que decidir y puedes usar ambas. Si aún prefieres elegir a un ganador, crear algunos maquetas con diferentes opciones de fondo realmente te ayudará. En mi caso, quiero hacer eso y estoy probando algunas opciones diferentes de productos, que en mi opinión, mi patrón encajará. Mock-ups me ayudaron a entender que estoy bastante seguro de que la versión negra es la ganadora.
15. Reflexiones finales: Aquí está, terminaste la clase. Creo firmemente en aprender haciendo. Por lo tanto, realmente te animo a crear tu propio proyecto use mis referencias o las tuyas propias. Puedes publicar tu proyecto a cada paso, desde un concepto hasta una pintura acuarela para leer o repetir. Estaré encantado de darte retroalimentación y ayudarte dondequiera que estés. Aquí están mis tres mejores consejos finales para hoy, no subestimes la importancia de crear un boceto de detalles de confianza antes de pasar a la ilustración final. dibujo puede ser un reto, pero puede volverse más sencillo y natural después de horas de práctica. Créeme, tu dibujo debe crecer. Lo más importante es que el dibujo confiado te dará libertad como artista. Si me preguntas, ¿cuál es el suministro de arco más importante en la pintura acuarela de un tipo que uso en mis trabajos? Diré papel de algodón de color agua. Preferentemente qué papel de mama cuando hablamos de diseño de servicios. Este tipo de papel es una gran opción para pintar con muchas capas y es perfecto para escanear, lo que definitivamente es peor la inversión. Objetivos asentados. Dibujo y pintura no es algo con lo que naces. Es algo que puedes aprender a través de la práctica deliberada, metas
asentadas antes de iniciar cada proyecto y analizar tus obras después de que termines. A lo mejor no lograrás todos tus objetivos, pero definitivamente aprenderás cosas a evitar. Establezca un gran gol para el año siguiente y unos pequeños goles para cada uno de sus equipos cerebrales. Muchas gracias por ver hoy mi clase. Espero que te inspiren para empezar a crear molestia hindú, pero quiero llamarlo Equipo Cerebro. Deja tus preguntas y comentarios en la sección de discusión a continuación. Si tenemos alguna pregunta respecto al artículo o tienes una idea de cómo puedo mejorar mis videos? Además, no te olvides de seguirme en la cuota de habilidad haciendo clic en el botón Seguir.
Katya Rozz, Watercolor Artist & Pattern Designer
