Transcripciones
1. Introduction: Oye, mi nombre es Zira Marx. Como dibujante e ilustrador, tinta de
pluma es una gran parte de
mi práctica creativa Pero voy a ser honesto,
hubo mucho
ensayo por error antes de que realmente
pudiera controlar estas herramientas asombrosamente expresivas pero
desafiantes Entonces pensé que era hora de
hacer un curso que realmente se centre en mi propia técnica
personal de penink Estas son las habilidades en las que nos
vamos a centrar hoy. Desarrollar el control de líneas,
expresar luz y sombra, transformar formas planas en tres formas D, establecer un tono con textura
y, lo más importante, decir
más con menos líneas. Esta clase se compone
de cuatro lecciones simples y un proyecto orientado a objetivos, cosas en las que
podrías concentrarte por una sola tarde o tomarte toda la
vida tratando de dominar. Entonces déjame presentarte un nuevo punto de vista
sobre la pluma y la tinta.
2. Get To Know Your Pens: Bienvenidos a clase. Antes de comenzar con nuestra práctica de
dibujo, hablemos de nuestras herramientas. Ahora, quiero que este curso sirva a artistas
digitales y analógicos. Realmente es un curso
sobre pensar y la herramienta es realmente secundaria a cómo vas pensar cuando
haces una línea. Entonces llegaremos a las herramientas
digitales en un poco. Pero hablemos de herramientas
tradicionales. Quizás estés familiarizado
con esta banda, Pigma, también conocida como la micra, está disponible en todo tipo
de tamaños de punta técnica, muy refinados, líneas finas, pero también hacen un bolígrafo con pincel Se puede ver que la
punta de este bolígrafo se siente y está simulando
la punta de un pincel Pero a diferencia de un cepillo, no empieza a
separar sus cerdas. Sostiene su
punta de fieltro muy fuerte. Siempre y cuando la punta no
empiece a desgastarse, vas a tener
esta
línea realmente refinada en tu bolígrafo de pincel. La tinta también es de archivo, por lo que se podría pintar con
acuarela sobre la parte superior de la misma. Si quieres intensificar un poco tus
bolígrafos, recomendaría el Kuratak
que es una marca japonesa,
otra tinta de archivo, y hay más variedad de puntas de
pincel disponibles Entonces, si realmente quieres
adentrarte en el peso de
la línea, la calidad y el grosor de una línea, esta es
la marca para ti. Duran más que
la micra que encuentro, pero solo cuestan $1 más. Mientras que las micras alrededor de 2:50. El KuraTak es alrededor de las 3:50 la pluma. Y si estás trabajando
con una pluma de pincel, asegúrate de tener un
buen papel compatible. Te recomiendo la junta
Strathmore Bristol. Tiene una superficie lisa. Se trata de unas 100 libras de peso, que es un
poco como cartulina, y esto va a
tomar la tinta de tu pluma muy bien sin sangrar Bien. Ahora, al seleccionar nuestra herramienta de
dibujo y procrear, queremos simular la
sensación de ese bolígrafo con punta de pincel Así que vayamos a nuestra biblioteca. Sección de pluma y queremos
navegar y elegir un tipo de pluma que tenga un cono muy
estrecho en un extremo, el otro extremo y se ponga agradable
y ancho en el medio. Se nota que esto
es toque ligero, toque pesado, toque ligero otra vez. Cualquiera de estos que
tengan un cuerpo fuerte a ellos que resuelva en un punto van a ser
buenas opciones para nosotros. Por ejemplo, podemos probar el Sanderlin establecer esto en
alrededor del 25% en tu talla Y solo pruébalo.
Nuestro objetivo es poder capturar sin demasiado esfuerzo una
punta muy estrecha en un lado, ancharnos y luego
volver a estrecharnos de pequeño a grande a pequeño. Ya sea que te guste una línea
suave y agradable o una que tenga un
poco de textura, lo que significa que se siente un poco seca. Ambos funcionan para la lección
que hoy estamos cubriendo aquí. A la izquierda, asegúrate de que
tu talla no sea demasiado pequeña. Si estás empezando en un 5%, tu línea nunca va a ser tan dinámica porque estás
chocando contra una pared en cuanto
a lo grande que chocando contra una pared en cuanto
a lo podría
llegar a ser este bolígrafo muy rápido. Así que prueba los extremos, realmente estrechos y muy anchos Pero más en el medio hay
un punto dulce donde puedes capturar ambos sentimientos sin ajustar demasiado el escenario. Entonces voy a trabajar con el bolígrafo Ivarsque porque me gusta la textura
que viene Pero eres bienvenido a
elegir lo que quieras.
3. Lesson 1: Line Control & Line Weight: Nuestra primera lección es
profundizar y envolver nuestros brazos alrededor del control de línea y el peso de la
línea de nuestra herramienta de dibujo. Ahora, todavía puedo recordar la primera vez que
intenté trabajar con una pluma de pincel y la naturaleza
caótica de la misma, sin ser consciente de
cuánta presión de la mano me
dio qué calidad de línea Y la
curva de aprendizaje era
más alta que otro tipo de herramienta de dibujo como un lápiz
o un bolígrafo Pero al instante pude ver por qué quería construir
ese nuevo conjunto de habilidades. Se reduce a una
palabra, carácter. Como artista narrativo, personaje viene de diferentes
aspectos como mi escritura, la voz de mi
obra tiene carácter. Pero en esencia, la línea
que pongo en la página es probablemente la presencia
más fuerte de carácter en la obra de cualquier
ilustrador. Incluso en solo este
pequeño tratamiento de texto que
tengo aquí en la página, se
puede ver lo dinámico puede ser
el carácter de
esta línea. Puede ser súper pesado por
aquí en este número uno, o puede incluso por accidente, ser súper estrecho y precioso
y quebradizo y frágil Si empezamos a pensar
en nuestra propia línea como una voz en nuestro trabajo, entonces podemos abrazar la naturaleza caótica
de la herramienta y también buscar refinarla y
tomar cierto control sobre ella Desarrollar una técnica
con tu pincel se trata de modificar el
movimiento de tu mano, pero también dejar ir un poco el
control, lo cual es una gran
lección para el artista. En términos de
construcción de habilidades para esta lección, queremos
enfocarnos en la presión de la mano, velocidad de nuestra mano y cuentas con esa
imprevisibilidad de la herramienta Este primer ejercicio te
llevará entre diez 15 minutos y realmente
se trata de administrar tu
control de línea. Vamos a empezar. Va a hacer
una nueva capa para que
pueda encender
y apagar las cosas fácilmente. Vamos a hacer seis puntos en la parte superior de nuestra página y seis puntos en la parte inferior. Ahora nuestro objetivo es
crear una línea
agradable y
uniformemente ponderada en la página de un punto a otro. Ahora puedes ver
enseguida que es muy desigual. Va de estrecho a súper estrecho a ido
a grueso otra vez. Una gran parte de eso es la
forma en que estoy moviendo mi mano. Observe, cuando instintivamente
movemos nuestra mano con el lápiz, tendemos a movernos en
forma de escritura porque la mayoría de las veces estamos haciendo palabras y mucho de ese movimiento
proviene de la muñeca Pero el dibujo necesita
tener un gesto más grande para que podamos tomar más control sobre
el carácter de la línea. No queremos simplemente usar
nuestra muñeca porque eso se vuelve muy manejable después de
aproximadamente esa distancia Ve por dónde
empieza a romperse la línea. En lugar de simplemente moverte
de la muñeca así, considera moverte desde el codo así o incluso el
hombro así. Si me estoy moviendo más de mi brazo, muy rápido, puedo ver que tengo un
sentido de control más fuerte. Ahora, no importa
cuánto dibujes, siempre
hay calentamiento
que hay que hacer. A través de estas seis líneas que
conectan punto a punto, se
puede ver que estoy obteniendo
más control a medida que avanzo. Estoy recordando lo que se necesita para tomar el control de la presión de
mi mano. Pero desarrollemos algunas habilidades técnicas
más. Con otro ejercicio. Queremos que los seis puntos vuelvan a la pantalla. Esta vez, queremos pasar del peso de línea estrecha a un peso de línea
realmente ancho. Tengo mi
juego de bolígrafos en aproximadamente 23%, parte superior es estrecha, la parte inferior
es realmente gruesa. Aproximadamente a mitad de camino hacia abajo, quieres estar en algún lugar alrededor del ancho
medio de la línea Nuestro objetivo es crear un ascenso agradable y
uniforme a todo el
grosor de la línea Ahora te das cuenta de
esta pequeña lección, no
hay mucha simetría
entre el principio y final en mi línea en este punto porque ya
seas diestro o zurdo, el ahusamiento en tu línea se
va a sentir diferente
al principio hasta que realmente ganes mucho control
sobre tu técnica de pluma. Honestamente diría por mí mismo, no tengo
mucho control. Creo que la intranquilidad de caminar
es realmente convincente .
¿Por qué creo eso? Porque quizá uno de los artistas más famosos que
trabajan con line fue Charles Schultz y su valor como artista fue el hecho de que
su línea tenía ese carácter nervioso, único y que se proyectaba sobre
sus Su personalidad estaba directamente ligada a la calidad de la
línea que Charles Schultz
4. Lesson 2: Highlight, Shadow & Depth: Todo bien. Lección dos, resaltado, sombra y profundidad. Primero probemos a
nosotros mismos cuán rápido peso de
la línea puede
establecer realmente la profundidad de una escena. Vamos a dibujar una caja. Representa una
composición, una ventana, un marco de tiempo y espacio, vamos a establecer
una forma de círculo. Y el centro del cuadro
con un peso de línea de tamaño medio. Imagínese que este marco
es de un escenario, y pongamos aquí una línea que represente
la línea del horizonte, el cielo, el suelo, el objeto en el suelo. Ahora, digamos que queremos poner un círculo más lejos
en el fondo. No sólo queremos
dibujarlo más cerca del horizonte, sino que queremos cambiar
el peso de la línea. Si usamos un peso de
línea más ligero como ese, el objeto se siente más alejado. Tiene un sentido de lo que se llama perspectiva
atmosférica, lo
que básicamente significa que
el aire
tiene una opacidad, cuanto más lejos está algo, más aire entre nuestra visión de la cosa y la cosa, más ligero se siente Ahora bien, si queremos poner un círculo cerca en primer plano, vamos a escalar
un poco nuestra herramienta de línea y dibujarla Ahí está el borde de un
círculo muy cerca de nosotros. Apenas ni me
cabe en el marco en absoluto. Ahora podemos jugar aún más a este
juego. Digamos que queremos
poner dos objetos entre estos dos objetos. Ahora tenemos algunas reglas aquí. Esto es medio suelo,
Esto es fondo, y esto es primer plano Algo está entre el
primer plano y el medio suelo, peso de línea tiene
que
estar entre estas Hay un pequeño círculo raro
encajando justo ahí dentro. Digamos que está entre el
medio suelo y el fondo. Si existe el peso de línea
entre esos dos. Una vez que establecemos algunas
reglas para nuestro peso de línea, nuestra composición puede sentirse unificada, puede sentirse
más creíble, puede sentirse más atractiva,
puede sentirse más clara cuando comenzamos a
jugar con esas reglas En este caso, el peso de línea tiene un lenguaje dentro de
esta composición. Ahora, digamos que
queremos usar la línea para establecer valores de luz. Un
ejercicio de dibujo bastante común a la hora de aprender a usar tus herramientas
de lápiz por primera vez es
dibujar una escala de cinco valores. Uno, dos, tres, cuatro,
cinco, siendo uno el más brillante, resaltado y cinco siendo el más profundo lo que
se llama sombra central Ahora queremos ilustrar estos cinco valores de luz
usando lo que se llama eclosión, que es básicamente,
en este caso, solo
líneas verticales, incluso de peso en diferentes
cantidades de densidad Cuanto más cerca están
juntas las líneas, más oscura es. Cuanto más espacio entre las
líneas, más ligero es. Sólo voy a
dibujar de manera muy uniforme líneas
verticales muy densas. El punto en el que
en realidad se superponen. Eso es en este mundo
de esta composición, ese es el valor más profundo de sombra que podemos crear y esa es la cantidad más brillante de resaltado que podemos crear Ahora, en vez de ir
uno, dos, tres, cuatro, vamos
a saltar al centro, vamos a ir a la casilla tres. Es más fácil equilibrar nuestra fuente de
luz de esta manera. Ahora queremos encontrar algo en términos de densidad de líneas que encaje entre estas dos opciones. Voy a espaciar
mis líneas de manera agradable y uniforme así que ahí está mi valor de gris entre la luz alta
y la sombra central. Ahora, intentemos hacer cuatro. No va a ser tan denso en su peso de
línea y trabajo de línea como cinco, pero no va a
ser tan escaso como tres, va a ser
un poco más apretado Ahora dos va a
ser un poco más escaso. Hay una escala de cinco valores. Resalte, tres valores de gris y la sombra
central más profunda. Apliquemos esto a un ejercicio de dibujo realmente
simple. Dibujemos un rectángulo en el espacio. Por espacio, no me refiero
solo a flotar en el espacio, sino sentarse en una mesa. Ahora imaginemos que la fuente de
luz viene desde esta dirección y
apuntando hacia abajo en ángulo. Ahora nuestro reto es tomar
nuestra herramienta de entintado y utilizar estos cinco valores de luz y sombra para establecer la fuente de
luz de esta sala Ahora, sé que la parte de atrás de esta caja está recibiendo la
menor cantidad de luz, voy a hacerla realmente oscura y representar el valor cinco. Ahora, digamos que la cima está obteniendo más de un
valor dos a tres. Observe la dirección en la
que estoy dibujando mis líneas. Estoy siguiendo los
ángulos de las superficies. Llamemos a eso un dos y luego
digamos que esto es un tres. Ahora podemos ir un poco
más allá y debido a que esto existe en un espacio
con una superficie plana, podemos continuar nuestra
sombra central a través del suelo. Ahora, incluso este ejercicio realmente
simple nos muestra el poder de la densidad de la línea y cómo puede evocar
instantáneamente sin sobreexplicar dónde están
las fuentes de luz en la habitación, así
como la forma del objeto en el espacio
tridimensional
5. Lesson 3: From Shape To Form: Bien. La lección tres va
a enfocarse en convertir la forma, una representación bidimensional de una cosa en la
forma de la cosa, es
decir, agregar ese sentido
de una tercera dimensión, hacer que un objeto se sienta como si existiera en un tiempo y un lugar. Ahora bien, la buena noticia es que ya entendemos cómo la
línea puede representar luz es el aspecto
esencial de convertir algo
de forma en forma. Para este ejercicio,
va a ser muy útil encontrar una
foto de referencia con la que trabajar. Ya he ido tan
lejos como para saltarme a Pintris y encontrar un bodegón. Voy a esbozar su forma
básica, más o menos un círculo. Son las sombras un círculo y
su pequeño top es una cosa. Es justo por ahí. Aquí
tiene esta imperfección En algunos gestos agradables limpios, simples pero amplios, voy a encontrar la
forma de este objeto, pero también usar mi línea para desarrollar el personaje
y expresar mi estilo. Tintado. Tiendo a dibujar primero las áreas de sombra
porque es más fácil
capturar las áreas más oscuras y luego una vez que me
calientan, puedo presionar hacia abajo
un poco más claro. Hay un boceto del
objeto. Sólo por diversión. Mezclaremos una herramienta de entintado
y veamos qué pasa si nuestra línea está un poco más limpia Solo por el bien de la variedad, aquí hay una herramienta de entintado realmente
desordenada Veamos nuestros tres
bocetos y qué sucede cuando nos familiarizamos
con un objeto Cuanto más lo dibujamos, más interiorizamos
algunas de sus cualidades, y podemos desarrollar un sentido
de abstracción y estilo La primera versión es un poco más
complicada con la parte del tallo. Lo mismo con el segundo. Cuando cambié a
esta herramienta de pincel, había algo al
respecto que me hizo querer lidiar un poco más con este
elemento. Entonces cuando volví
a una herramienta desordenada, una herramienta que estaba muy desordenada, podemos ver que hay una simplicidad Hubo una velocidad con la
que lo rendericé y decidió la información
de ese pequeño tallo, los detalles visuales
de la misma tal como existen realmente se volvieron menos importantes
y se volvió abstracta. Se convirtieron en
pequeños artistas imprudentes de líneas, un par de pequeños zigzags Le dan una cualidad única, pero no
te digan exactamente cuál es la cosa. A medida que desarrollamos nuestro estilo de entintado, tenemos este equilibrio de
¿qué renderizamos de una manera que proporciona información y qué abstracemos de una manera
que desarrolle el estilo Al tener en cuenta esas
dos cosas de ida y vuelta, eventualmente
encontramos una mirada a nuestro trabajo que es totalmente única
6. Lesson 4: Clarity & Tone: Lección cuatro,
queremos elaborar y profundizar en algo que
cubrimos en la Lección tres. Esta idea de
familiarizarte lo suficiente con tu tema donde
puedas desarrollar tu estilo en coordinación con lo que realmente es la cosa. Ponerse tan cómodo con
el diseño que puedes dejar las cosas fuera y cambiar el tono de la misma y
hacerla tuya. Veamos una foto de bodegón bastante
ocupada. Si quiero dibujar
esto en mi propio estilo, necesito poder
dividirlo en sus elementos clave. Déjame hacer un boceto sobre la
parte superior de esta foto para
mostrarte exactamente lo que estoy
viendo y lo que necesito saber, para poder dibujar mi
propia versión de la misma. Cambiémoslo a blanco y
negro. Para que podamos enfocarnos en
sus valores de luz. Aún más importante
es desvincularse con lo que
realmente es el tema .
Piense en ello como cosas justas. Ya no es pescado y
limones y pan y perejil. Es un montón de
objetos en un espacio. Vamos a conocer cómo se
posicionan y cuál es su lenguaje
básico de formas. Primero, evaluemos
la dirección en la se colocan
algunos de estos
objetos. Los dos peces
van así. El pan está sentado
en un ángulo como éste. Los limones tienen una sensación redonda
y plana para ellos. Y estos son poco bajos planos. Veamos solo las geometrías
básicas que
están sucediendo aquí Tenemos este círculo, tenemos estos óvalos largos y si queremos dar vida a
estas cosas, simplemente
necesitamos agregar un poco más de información
visual Aquí hay un boceto
ilustrado bastante claro. Podemos decir cuál es nuestro
tema. Podemos decir mi idea de las superficies en
las que está
sentado poniendo un poco más de
sombra debajo de ahí. Podemos agregar pequeños bits de
información que nos digan textura e incluso pequeños bits de información que impliquen luz. Este boceto tiene un buen equilibrio de información que queremos
conocer sobre el bodegón, así
como mucha libertad
para aflojar y entintarlo de
una manera realmente divertida sin
sentir que necesitamos
capturar todos los
detalles visuales del diseño Con esto en mente,
voy a volver a la foto original y voy a entintar holgadamente por encima Mi proceso de bosquejo me
ayudó a conocerme. Aspectos técnicos
de este diseño. El punto de vista,
la disposición de las cosas relativas
entre sí, el
reemplazo sobre la mesa
y darme una idea de cómo quiero y qué
quiero representar de ellas. Ahora bien, en cuanto a los detalles, las cosas que elijo dibujar
suelen realzar algún aspecto de la forma del
diseño o una textura. Ahí vamos. Un bonito estilo suelto y ligero de
entintado.
7. Class Project: Sketching: El proyecto de clase es siempre
dos objetivos para mí. Uno es un sentido de expresión
personal y sacar algunas
ideas que han estado viviendo en tu cabeza por un
tiempo tal vez y creando algo que solo habla
al momento por ti. El otro es tratar de hacer malabarismos
con los aspectos técnicos de un nuevo conjunto de habilidades y
llevarlos a tu proceso creativo Para nuestro proyecto de clase, primero
vamos a discutir
los pasos y objetivos del mismo. El primer paso es establecer un bodegón
realmente simple. Uno que revela algo
sobre tu espacio creativo. Materia personal,
cosas que tienen que ver con tus suministros de arte o
tus inspiraciones, o simplemente cosas que
estás comiendo que te
nutren mientras haces arte El segundo paso, con un bodegón es crear una buena oportunidad para practicar estas nuevas habilidades. Debería haber cosas sobre la configuración de bodegones que nos
van a inspirar
a hacer lo siguiente. Trabajar en nuestro sentido
de control de línea, trabajar en nuestro sentido de
resaltado, sombra y profundidad. Trabajar en nuestro sentido de
convertir la forma en forma y trabajar en nuestra claridad
y tono y nuestro estilo. Nuestra naturaleza muerta debería extraerse
de la observación, idealmente, pero por el bien de la
configuración aquí de esta lección, tengo algunas fotos para mostrarte
lo que en realidad estaré
viendo mientras trabajo. Por supuesto, las fotos son siempre un gran punto de referencia para
ayudarte a aprender realmente a ver el tema
como lo que realmente es y la forma en que juega la luz
y la sombra funciona en un espacio. Déjame mostrarte las fotos que tomé las he mantenido muy simple. No tengo ningún estudio fotográfico
elegante. Acabo de tomar uno
de mis blocs de dibujo, lo
abrí con
unas hojas
de papel limpias y
lo apoyé contra la pared, en ángulo extraño a algunas de las luces del
techo de mi estudio Simplemente da la casualidad de
que esto funciona bastante bien para
montar un bodegón. Ahora, esa fue mi primera foto. A menudo un
bodegón necesita un poco de
revisión para
llegar realmente a una gran solución para tus objetivos
con tu dibujo. En este caso, tengo un poco de tema
demasiado. Creo que no necesito
dibujar todas estas cosas para practicar las técnicas en las
que quiero enfocarme. Yo simplifiqué. Saqué
el lápiz de color y el pincel y solo me
enfoqué en la idea de las tintas. Lo que empecé a notar una vez que empecé a mover el
bolígrafo es que hace una sombra muy agradable en la pared si la
inclinas en ángulo recto. De hecho se obtiene una buena
mirada a la pluma en sí y esa pequeña
abertura de ojo de cerradura en ella. He importado mi
bodegón a Procreate y primero voy
a ajustar la saturación, a eliminar cualquier distracción
de color, básicamente, y jugar con el brillo
solo un poco para
darme una idea de dónde son
más fuertes las sombras y los reflejos Si empiezo a
reventar el brillo, lo que queda las
propias botellas, sus gorras, la pluma, las cosas que estoy notando aquí es este bonito desenfoque que pasa a través del cristal, algunos pequeños reflejos
que enfatizan la forma Entonces, ¿por qué lo vuelvo a bajar
y esas sombras entran? Como, esto en realidad algo tal vez estaba haciendo
inconscientemente, pero obtenemos esta linda mano en un reflejo de reloj en
la pared que dispara justo entre estas formas
en este bonito espacio negativo Aquí tenemos este bonito arco. Echa un buen
vistazo a tu foto. Y pensemos en general no en
lo que son los sujetos, sino en qué espacio positivo y
negativo hacen. Ahora, antes de empezar a
esbozar mi escena con el lápiz, voy a
tomar mi pluma de tinta y hacer lo que se llama un estudio de notan, y eso es lo que tengo aquí Sólo voy a tomar rojo y marcar por encima de esto para que sepas de lo
que estoy hablando. Un estudio de notan ignora lo que son los sujetos
y solo mira los valores de luz y oscuridad
dentro de la composición Las cosas que están muy
oscuras son la botella, esta tapa, la pluma. partir de ahí,
tenemos el siguiente tono de gris en la línea, que es esta sombra de aquí, esta idea de esta
sombra contra la pared e incluso los bordes del frasco. Esas son nuestras
tonalidades más profundas de gris. Entonces más allá de eso, saltando al otro
lado de nuestra escala de valor, ¿
tenemos cuáles son
nuestros aspectos más destacados? Bueno, ahí está ese
lindo espacio. Consiguió este bonito espacio alrededor
del tema. Incluso en este diseño, la botella en sí
aparece mayormente blanca porque
la tinta es blanca por dentro. Entonces incluso sobre la mesa,
tenemos este bonito espacio en blanco. El estudio Notan es una manera de
romper tu cerebro de los sujetos y
su significado y valor
sentimental y
el salto al detalle Ser una composición en su raíz habla primero con sus formas
generales, y luego miramos más de cerca, encontramos los detalles,
encontramos el significado. Pero creo que es muy
importante que los artistas vean el balance
espacial positivo y negativo de su diseño. A medida que van a construir la composición con
su boceto y su entintado o cualquier
medio que estés usando, tienes más confianza
y
te enfocas en lo que está haciendo que esta imagen general funcione
y se conecte instantáneamente ¿Todo bien? Entonces dejaremos eso
a un lado. Ahora que tenemos
un fuerte sentido de lo que está pasando
en esta escena, voy a agarrar
un lápiz y simplemente esbozar la ubicación
de las cosas y la escala. No los voy a dibujar
con ningún tipo de detalle. Solo voy a
conseguir algunas formas en la página y lo más
sueltas posible, construir alguna estructura
para que me entinte así que
aquí está nuestro sentido
de una línea de horizonte. Nuestra botella, esta, nuestra botella de tinta va
a ir por ahí, nuestra pequeña botella de tinta blanca
va a ir por ahí, y luego el vaso,
está justo por ahí. Ahora voy a
empezar a rellenar estas formas un poco, manteniendo muy cerca la distancia de aquí a aquí, la
distancia de aquí a aquí, la distancia de ahí
a allá, allá allá, donde esta cosa está realmente sentada dentro de la composición. Ahora vamos a encerrar ese ángulo
de ese bolígrafo. En primer lugar,
lo importante
es el ángulo de la pluma, que es más o menos eso. Entonces una vez que conozco el ángulo
y su longitud total, entonces podría comenzar a
diseñar el bolígrafo real. Entonces, una gran parte del desarrollo de la práctica
artística es
buscar pasos entre los pasos porque entonces nunca
necesitas volver atrás. Siempre estás construyendo cada vez más y más
poco a poco, y no estás como,
vaya, tengo que dar marcha atrás y arreglar estas
cosas y borrarlas Cuanto más lento vayas, en realidad, más rápido trabajas y
más fuertes serán tus imágenes. Una vez que tengo una idea de
las formas generales, empiezo a pensar en ellas
un poco más formas. Pero antes de hacer eso, pongamos esta sombra
en la pared aquí. El arco va de
ahí para allá. Marquemos eso y
pongamos este bonito ángulo de esta sombra de pluma en la pared. Para mí, esa sombra de pluma
fue un feliz accidente y en esta etapa de mi proceso
creativo, se está convirtiendo en el aspecto más
destacado de la misma. Así que proceso creativo como este, dejando espacio para nuevas ideas. Esto es lo que separa
tu cerebro del cerebro con IA. cerebro de la IA salta directamente a conclusiones y no
tiene ese viaje orgánico de un proceso creativo
donde descubres cosas el
camino que
simplemente
cambian fundamentalmente lo que estás haciendo. Todas esas elecciones
resuenan dentro de la obra y hacen que sea
interesante hablar Si quieres pensar
en cómo nos
separamos de estas herramientas automatizadas que estas herramientas automatizadas que nos
están apoderando de muchas maneras, construyes un proceso
creativo más rico y tu trabajo siempre
resonará más si tienes
eso sucediendo por ti ¿Eso tiene sentido? Eso espero. Ahora que he bloqueado
todo, voy a empezar
a encontrar las formas
el ángulo de esta botella. De nuevo, en realidad no estoy
buscando precisión. Busco un sentido general
de la composición para inspirar el entintado
8. Class Project: Inking: Hay suficiente boceto para que me sienta bien con
mi proceso de entintado Voy a volver a cambiar
al bolígrafo que he estado usando en general
y solo como un poco calentamiento y vengo
aquí y siento el ancho del bolígrafo
basado en el porcentaje de tamaño. Quiero una buena variación
del peso de mi línea. Quiero poder
construir
líneas realmente pequeñas pero también ponerme bonitas y anchas y rellenar
negros sólidos sin mucho esfuerzo Ahí vamos. Borremos
eso y comencemos de nuevo. A medida que estás entintando,
no tengas miedo de
simplemente dejar fuera aspectos que aún no estás seguro de lo que vas a
hacer con ellos. Así que estoy tratando de encontrar una agradable sensación suelta a estos objetos sin comprometerme
realmente demasiados negros sólidos todavía porque siento
que voy a querer negociar y tomar algunas libertades
creativas
con algunas de las
sombras de esta escena, especialmente una vez que llegue
al año porque en momento tengo grises profundos contra el negro y estoy una agradable sensación suelta
a estos objetos sin comprometerme
realmente con
demasiados negros sólidos todavía
porque siento
que voy a querer
negociar y tomar algunas libertades
creativas
con algunas de las
sombras de esta escena,
especialmente una vez que llegue
al año porque en este
momento tengo grises profundos
contra el negro y estoy trabajando de verdad
alto
contraste con este lápiz. Esto va a
ser negro contra
negro si empiezo a
llenarlos, que tal vez no sea exactamente
lo que voy a buscar. Puede que me ponga un
poco fangoso para
desentender lo que estamos viendo Bordes primero, una bonita mano suelta. Es divertido jugar con
diferentes materiales. Es divertido distinguir
el vaso aquí, eso está vacío del
vaso aquí que está lleno, pequeñas cosas como, bueno, ¿cómo voy a renderizar
este pequeño
detalle de pintura por un lado? Qué importante es
eso para mi diseño. Creo que es un detalle sutil que puedes o no notar. Simplemente demuestra que la
botella ha estado en uso. Otra versión de esto
podría enfatizar eso. Veamos este
bolígrafo por un segundo. Ahora mismo, se siente
muy plano y agregar un toque de
contorno va a recorrer un largo camino para mostrar la forma del mismo y también el
punto de vista de la misma. Si miramos en esta foto, déjame cambiar de colores para que
veas que este es un
ángulo muy valioso, así es este. Eso es súper útil.
Ahora en nuestra versión de tinta, sé que realmente solo
necesito esta línea y esta línea aquí para que coincidan bastante bien y eso te dice
mucho sobre ese bolígrafo. Ahora, permítanme bloquear a donde
va a ir esta sombra. Cosas que estoy agregando como esta pequeña sombra
aquí sobre la mesa, su intención es
hacer que esta botella repunte más y
establecer las cosas como la
colocación en la superficie, no para contarte más
sobre la botella, sino simplemente darle más masa. Ahí hay una
pequeña sombra agradable que empuja que traen
esto por el frente. También podríamos enfatizar
esta pequeña sombra que está pasando aquí también. Echemos un vistazo atrás aquí. Tenemos esta pequeña brecha y luego voy a
agregar esta sombra aquí. Voy a dejar un poco de espacio alrededor de la botella solo para preservar ese
detalle de su forma. Hay que
tener cuidado con las sombras porque a veces pueden erradicar las formas de las cosas. Por ahora, voy a
chocar y casi como este aura de luz se conserva alrededor
del borde de la botella. Si estoy haciendo eso, estoy
dejando este pequeño hueco, entonces puedo llenar
con más confianza otros aspectos de la botella El pequeño pezón
aquí en la parte superior, tiene un buen resaltado,
luego es negro sólido Voy a conservar
ese pequeño destaque ahí y empezar a simplemente ennegrecer
la cosa en general Use algunas líneas de rayado para llenar que ahorren algunos pequeños reflejos
en la botella misma Moviéndose en una línea de contorno revelando la forma
de la cosa. Incluso cuando algo se está
llenando de sólido, probablemente valga la pena moverse
en la forma del objeto. Cuando dibujo cosas que
están dentro de otras cosas, trato de aligerar
mi peso de línea así, mientras que la etiqueta aquí
más en la superficie Voy a bajar
un poco más duro con eso capturar un toque de la tipografía
y formas ahí dentro Voy a
mantenerlos abstraídos porque si empiezas a
bloquear las letras, atrae la atención de
una manera que puede que no sea
lo que estás buscando Mantenga las cosas abstractas,
especialmente si son información como letras
o números o logotipos. Bien. Pasemos
a esta pluma. Algo que quiero
conservar en él es esa idea del carácter
del cuerpo de la pluma. Estaba explicando cómo hay esta pequeña grieta agradable pasando aquí en ella.
Quiero salvar eso. Aquí está la textura tipo corcho. Entonces solo algunas
líneas de rayado para mostrar que este es un material que es distinto
del material que se encuentra debajo de él Ahora, el mango en sí tiene
un buen punto culminante en él, pero en su mayoría es negro sólido. Lo más destacado está en este lado
opuesto justo por ahí. Voy a tratar de
salvar eso y mantenerlo presente como yo en el
cuerpo de la pluma. Ahora volvamos a la
sombra de la propia pluma. Como dibujante, la silueta
es una gran cosa para mí. Silueta equivale a
iconografía, familiaridad. Hace algo muy
adecuado para la narrativa. Simplemente me encanta encontrar la silueta de algo
y realmente hacerla pop. Este bolígrafo casi como una
silueta caricaturesca en este punto, solo
estoy tomando alguna
licencia artística y haciendo que
destaque de una manera que tal vez
no sea del todo cierto sobre
mi foto Tan rápido como llegamos aquí,
podemos terminar. Mira ese pequeño
detalle. Eso está bien. Vamos a sacar
eso de ahí. Entonces aquí está mi tinta bodegón, un par de objetos de
mi práctica creativa, hechos en un estilo indio bonito, suelto, texturizado, jugando con el peso de la línea, enfocándose en resaltar, sombra, tratando de crear
un poco de sentido de profundidad para estos
objetos en la escena. Esa es mi, vamos a cruzar esa
línea en realidad. Mi uh Horizon one está
haciendo en mis sombras. Estoy convirtiendo mis formas en
formas agregando el
contorno de los objetos, y estoy compartiendo un poco sobre el tono de lo que se siente al trabajar
con estos materiales, el desorden de la tinta que también
es su carácter, ese equilibrio de materiales
caóticos, pero también la precisión
de la herramienta Creo que eso es todo lo que
hay y como entintado, y creo que es una gran manera pensar en desarrollar
tu propio estilo, sea cual sea tu equilibrio
de claridad y tono. Ese es nuestro proyecto de clase. En el siguiente capítulo,
solo vamos a hacer un pequeño envoltorio. Entonces vamos a eso.
9. Sharing Your Work!: Bien, espero que te hayas divertido
explorando pluma y tinta, y si este curso te
inspiró a crear un proyecto de clase,
me encantaría verlo. Puedes publicarlo en la sección de
proyectos de clase en Skillshare Me registro todos los días
para ver si hay nuevo trabajo de aspirantes a artistas, y me encanta compartir
comentarios y guiarte hacia los próximos pasos en
tu viaje creativo Tengo un canal de
más de 20 cursos que
se centran en arte narrativo, caricaturas, cómics y más técnicas de pluma y tinta
como las que cubrimos hoy Entonces, si tienes un momento para dejar una reseña positiva
para este curso, eso estaría muy
bien porque ayuda. Otros lo descubren. Ahora, como capítulo extra, voy a adentrarme en
algunos de los artistas que influyen en mi obra y en
este curso en general. Entonces, si quieres unirte a mí
ahí, eso sería genial. De lo contrario, te atraparé próxima vez y espero con
ansias ver tu trabajo.
10. BONUS: Inky Inspirations!: Estaba pensando en
las técnicas en las que quería enfocarme
con este curso. No pude evitar recordar una de mis novelas gráficas
favoritas, ilustrada por Jillian Tamaki,
que es
ilustradora contemporánea, dibujante Trabajan en arte cómico, ilustración y libros
infantiles. Este verano es quizá mi trabajo favorito en el que
han estado involucrados. Son cosas inspiradas que he hecho. trabajo de tinta de Gillian tiene una holgaridad y un control
y una claridad notable Y dibujan temas cotidianos, llevan peso emocional, pero también sienten que son
extractos de un Son tan personales y simples
y casi tren de pensamiento
y son caprichosos Ahí está esta bonita casi
cursiva de su arte lineal. Se siente elegante
y suelto y hay tanta textura
de las herramientas presentes. Se puede decir cuán seguros
están con su trabajo. Si bien exploran tantas ideas y temas en su arte lineal, hay una flojedad que
todavía lo hace sentir un poco sin resolver o abierto en el
camino como un recuerdo que se desvanece Puede ser. Esa es Jillian Tamaki A continuación, vamos
a echar un vistazo al dibujante Walt Kelly Es mejor conocido como el creador
de la tira Pogo Comic, que se desarrolló desde principios de los
40 hasta la década de 1970 Como el arte lineal se siente
como una goma elástica, supongo, es la forma en
que lo describiría. Es elástica. Es eficiente. Está lleno de energía, energía
potencial, pero también hay esta calidez en sus
diseños de personajes que viene a través de su arte lineal es genial
para una expresión motriz, así
como un trabajo de diseño suelto, viscoso, casi escenográfico Es una fórmula perfecta
para la caricatura. Ya sea que esté dibujando
estos grandes árboles globby o una tortuga o un pájaro, existe esta increíble sensación
de trabajo construyendo que está unificada por su estilo suelto y
consistente Por último, pero no menos importante,
vamos a mirar a Tomi Ungger, quien es un ilustrador prolífico Su trayectoria abarca desde caricaturas
políticas con temas muy
serios y pesados. Arte póster trabajo editorial
y libros infantiles. Es que los dibujos a tinta tienen esta precisión audaz, realmente económica. Son intrépidos en la forma en que usan solo unos pocos
golpes decisivos para comunicarse Pero claro, todavía pueden ser juguetonas y ese tono viene
del fuerte contraste y claridad
gráfica que está presente y no tanto de
los pequeños detalles. Su estilo realmente muestra cómo una fuerte
voz ilustrativa puede adaptarse a todas las diferentes formas narrativas mientras se mantiene inconfundiblemente
clara e individual
Ira Marcks, Cartoonist
