Escuela de arte de personajes: curso completo para colorear y pintar

1. Introducción al curso: Hola y bienvenidos a la escuela OT personaje, colorear y pintura completa. Mi nombre es Scott Harris. Soy un escritorio de director de arte y también soy un freak total para el diseño de personajes, pintura de personajes, coloración de personajes, dibujo de personajes. Yo amaba a los personajes y creo que estás aquí porque también los amas. Te voy a llevar por este curso mucho la misma manera que enseñaría a mis alumnos reales. Y ojalá tengas la sensación de que estoy parado justo al lado de ti o que estaban uno al lado del otro. Cuando te estoy enseñando los diversos conceptos, quiero que aprendas un muy, muy bien. Ahora este curso se separa en tres secciones principales. El primer apartado realmente es la teoría fundamental que debemos notar, particularmente en el color y mucho como ser la parte más importante. Después pasamos al flujo de trabajo general de pintura. Es así como vamos a estar aplicando toda esa teoría de una manera lógica y coherente. Y esto va a ser muy importante para que memorices y lleves a cosas calientes de ley. Después echamos un vistazo a algunos estilos de coloración, y luego también tenemos algunas demos, demos completas así este comentario de lapso de tiempo para que puedas ver el proceso de pintura en detalle granular. Ahora, este curso está siendo diseñado para llevarte de un nivel 0 de conocimiento a un nivel de conocimiento muy profesional. Y creo que el rumbo logrará eso. Es posible que te estés acercando al curso desde niveles variables. Mi consejo para ti es si conoces software apagado digital como Photoshop o equivalencia, para omitir completamente el módulo 2. De lo contrario los módulos 1, 2, 3, 4, y 5 son buenos para todos y te los recomendaría mucho. También aconsejo que pases por el curso dos veces la primera vez. Basta con echar un vistazo a través del curso, ver todos los videos, tomar notas, y tratar de obtener una comprensión fundamental de lo que está sucediendo. La segunda vez alrededor. Haz todas las tareas y sé realmente diligente y dedicado en lo que estás haciendo. Uno de los factores impulsores cuando estaba creando este curso fue crear un curso que fuera claro, eficiente y extremadamente integral. Yo sí creo que esta es probablemente una de las formas más rápidas de aprender una pintura digital de alta gama de personajes, así como colorear de personajes muy, muy rápidamente. Odio el desperdicio de Tom, odio divagar, y de verdad, verdad no quiero desperdiciarte el tiempo. Yo quiero que hagas este curso, te saca un lugar fuera del curso y luego procede a seguir coloreando y pintando de manera profesional, los personajes que querías presentar al mundo. Permítanme también decir gracias por comprar el curso. Seguro que vas a encontrar un valor inmenso en ella. Estoy muy, muy emocionado de enseñarte, y no puedo esperar a ver qué vas a producir para cuando termines. Entonces vamos a meternos en ello y los veré en las clases. 2. Herramientas de coloración y pintura: Antes de entrar en las principales lecciones del curso, vamos a echar un vistazo al software y hardware que se puede utilizar para colorear a tus personajes así como dibujar a tus personajes. Ahora bien, si ya estás familiarizado con las herramientas de arte digital, puedes saltarte totalmente esta lección. Realmente no necesitas pasar por esto si eres nuevo, echemos un vistazo a las herramientas disponibles para ti y vamos a meternos en ello. Lo primero es que quieres asegurarte de que tu computadora, ya sea un PC o Mac, tenga al menos un procesador Intel Core i5. Y realmente esto es solo para garantizar un gran rendimiento en tus pinceles. La capacidad de trabajar en lienzos lógicos con imágenes de mayor resolución, y la RAM también ayuda para eso. También quieres tener ocho gigs de RAM. Te recomendaría una pantalla 1080 P si puedes, si no una alta resolución en eso. Por lo que 1080 P es full HD o superior. Y la razón es que te da más fondos de pantalla. Y por supuesto también quiero mencionar que si puedes conseguir una computadora o una laptop o una tableta con una pantalla de alta calidad eso sería mejor también. Una pantalla que es capaz de mostrar una gama más amplia de colores. Y verás cuando vayas a la tienda, cuando estés de compras, mencionarán las tapas de las pantallas y las tapas de las capacidades de color de las pantallas. Rps es algo que es favorable. La tecnología de pantalla IPS, realmente muestra colores muy vibrantes y realmente una buena precisión de color de amplia gama. Algo más que puedes mirar es la gama de colores Adobe RGB de la pantalla Nano que podría sonar complejo si nunca lo habías escuchado antes, realidad, es solo un poco de stat y te dice cuánto del color de Adobe gama que la pantalla prescribe. Mucho tipo de nivel medio a gama alta tienen alrededor de 70 por ciento de gama de colores. Y el extremo muy alto puede tener hasta 95 por ciento, posiblemente incluso hasta 99 por ciento de cobertura de gama de colores, lo que significa que vas a ver más colores y más sutileza en los colores. Ahora, obviamente, hay una implicación de proceso. Entonces trabaje dentro de su presupuesto y vea lo que puede permitirse. Echemos un vistazo a algunos del software que puedes usar. Un perro Photoshop realmente es el estándar de la industria. Sé que la palabra foto está en su nombre, pero realmente es una aplicación muy poderosa. El costo para usarlo no es demasiado alto. Depende. Ya no puedes comprarlo de plano. Se puede comprar en un perro Photoshop programa de fotografía por unos $10 al mes, creo diez o 15 dólares al mes. Y eso te conseguirá Lightroom también. Eso es lo que edición de fotos, pero luego puedes usar eso por $10 al mes. Puedes utilizar Adobe Photoshop y obtener acceso a todas sus funciones. Por lo que es el estándar de la industria. Quizás tiene el nivel más alto de ajuste que puedes hacerlo en términos de modos de capa y en términos de ajustes de pincel y cosas así. No obstante, sólo porque sea el estándar de la industria no necesariamente significa que sea el mejor. Vamos a ver algún otro software que es bastante similar y también totalmente capaz. Algo para recordar también mientras avanzamos mirando el resto del software es que la mayoría del software puede hacer el 95% de las cosas que necesitábamos hacer y vamos a escribir. Por lo que Adobe Photoshop, probablemente hayas oído hablar de él antes. Se ha convertido en algo de cultura pop también. Y gente que va a comprar esto o comprar aquello. Pero es el extremo estándar de la industria. Creo que es muy beneficioso si puedes usar Photoshop. Aprende lo mejor ahora mismo y hazlo más y listo con y luego podrás pasar a las otras aplicaciones con relativa facilidad. Otra gran aplicación es Carl pintor. Características muy similares a Photoshop. Por supuesto, menos enfocado en la edición de fotos en cuanto a las herramientas extra, y más enfocado en las herramientas de pintura, es característica clave realmente es que la pintura y los papeles en la aplicación, ese fondo está realmente con los papeles como dicen, actúan como el verdadero medio. Por lo que obtendrás tapas ásperas de papel, lisas subsecuentes, pero obtendrás acuarelas que sangran como acuarelas, pinturas al óleo que pueden dibujar como todas las pinturas. Incluso puedes dibujar las pinturas en la app si quieres. Y, y la pintura se ve bastante realista. Ahora por supuesto, esto depende del tipo de estilo de coloración o pintura que vas a estar haciendo. Pero Carl pintor tiene de todo, desde herramientas muy digitales hasta herramientas muy tradicionales. Entonces es una buena opción ahí. Sólo para señalar con Carl pintor, llamado pintor sí usa mucho poder de CPU. Te recomendaría ir a un art save y modelar 16 gigs de RAM y tal vez una tarjeta gráfica dedicada si quieres usar curl pinter. Es muy pesado en recursos, y lo ha sido desde hace muchos años. Por lo que sólo se necesita mucho poder de procesamiento para hacer todos esos cálculos de la pintura moviéndose y swishing y mezclando juntos. Entonces ten eso en mente con Carle pintada. A continuación tenemos Clip Studio Paint. Honestamente, no puedo alabar suficientemente esta aplicación. Creo que es una solicitud hecha por japoneses. No estoy cien por ciento seguro de eso, pero creo que es de fabricación japonesa. Lo llevo usando desde hace tres o cuatro años. Yo uso un montón de software diferente en Toms, voy a cambiar entre. Pero Clip Studio Paint efectivamente es una compra fuera de venta. Puedes comprar solo la versión pro que tienen la versión Pro y la versión eDX. La versión pro tiene todo lo que necesitas para dibujar y pintar personajes, no hay problema. Es grandiosos pinceles, gran mecánica de pinceles. Tiene características muy similares a Photoshop me desarrolladores están realmente actualizando aplicación constantemente y la mejor parte son los costos del software, si no me equivoco, 5999 dólares estadounidenses. Por supuesto, dependiendo de cuando estés viendo este curso, ese crosscut aumenta o disminuye. Pero sin embargo, es una compra una vez fuera. Y tienes este software muy, muy potente, muy impresionante y extremadamente productivo, muy impresionante y extremadamente productivo, eficiente en cuanto al uso del sistema, es muy eficiente. Puede funcionar en una gran cantidad de computadoras y el rendimiento realmente no se degrada. No puedo recomendar Clip Studio Paint lo suficiente, ¿verdad? Pasemos a Procreate. Procreate es una aplicación para iPad, particularmente para el iPad Pro con el lápiz de Apple. Discutiremos eso un poco más tarde. Procreate es fantástico porque realmente trae el mundo de la interacción táctil de tu lienzo con el mundo del dibujo en pantalla. Y tiene características muy poderosas. Como dije, la mayoría de estos paquetes de software comparten similitudes entre sí y procreate no es diferente. Tiene capas, tiene modos de capa, tiene pinceles variables y puedes hacer tus propios pinceles y grandes tamaños de lienzo. Y es realmente es una aplicación fantástica para el iPad Pro. Es, realmente es específico para iPad Pro. Si vas a estar dibujando, pintando, coloreando en tu iPad Pro, esta es la aplicación que quieres usar. El actualmente no es aplicación. Pueden competir. Procreate. Son alternativas impresionantes, pero ni siquiera están cerca de tan buenas como Procreate. Entonces eso es todo para el lado del software, esas son mis recomendaciones. Muerte ordenada. Echa un vistazo a esas piezas de software. Es pasar a hablar del hardware. Y lo primero que queremos ver es dibujar tabletas. Ahora bien, este tipo de dibujos hábitos no tienen una pantalla en ellos. Y hay un poco de desconexión cuando empiezas a usarlo por primera vez. Estos se conectan a su computadora. Hay dos marcas aún mojadas en las que ha sido realmente la marca más grande desde que surgió el dibujo de tabletas tipo de. Y más recientemente, una empresa china de no confundirse, ha surgido llamada Who ion. Y también producen tabletas realmente de gran calidad a un precio mucho más barato. No obstante, soy pro con, pero eso es realmente sólo porque la he estado usando durante tantos años y realmente son robustas y robustas. Tengo hábitos muy viejos que han perdido un 1015 años. Por lo que realmente puedo recomendar como on, pero quién ion obtiene grandes críticas y se puede mirar en eso. Estas tabletas son geniales. Vienen a un gran punto de precio ahí tan preciso como las pantallas en pantalla, los pines funcionan de la misma manera. Eso maravilloso. Te puede preocupar que sí, va a haber una desconexión porque tienes que mirar fijamente pantalla de tu computadora y tener la mano abajo. Realmente no estás mirando tu mano. Pero te puedo mostrar de tres a cinco horas en una de estas, simplemente dibujando constantemente y realmente te metes el aguijón en ella, no es gran cosa después. El único área donde estas tabletas de dibujo o más débiles entonces dibujo en pantalla es cuando realmente quieres hacer líneas limpias y refinadas para tus dibujos. Las líneas muy, muy limpias, ¿verdad? Las tintas, si se quiere, o sus líneas de devolución Lindsay de limpieza. Pero aparte de eso, es alcanzable en estos días, sobre todo en algo como Clip Studio Paint, donde tienes la capacidad de activar una función llamada pincel, estabilización de pinceles. Y la estabilización cepillada realmente permite a la computadora calcular todos tus pequeños wiggles si estás logrando dibujar líneas lentamente. Entonces ya sabes, y realmente depende de ti. Pero si quieres una experiencia de dibujo más natural, querrás mirar algo así como una tableta en pantalla. Aquí tenemos una sintaxis de webcam a la izquierda y la versión de Hawaii a la derecha. Estos también enchufados a tu computadora y actúan como pantallas secundarias, cómo realmente puedes mover Photoshopped a la pantalla y literalmente dibujar en la pantalla. Es un muy cool, es muy impresionante. No te va a hacer mejor dibujando o pintando o coloreando, por favor, ten eso en cuenta. Y de hecho, para colorear, en realidad recomendaría sólo la orientación estándar porque tu mano se interpone en el camino, obviamente cuando tu mano está cubriendo la pantalla. Pero sin embargo, tampoco puedes equivocarte con estos tipos. También los puedo recomendar y son realmente geniales. ¿ De acuerdo? Entonces hay tabletas en pantalla. Varían en precio. Son significativamente más caros que las tabletas no en pantalla, significativamente más. Y también varían en tamaño y estilo. Por lo que suben y obtienes unos que pueden plegarse de diferentes maneras y los que pueden pararse realmente verticalmente o pueden rotar. Hacer la investigación de ellos. Pero claro, considera tu presupuesto. Yo no iría a gastar demasiado en uno de estos. Entonces piénsalo antes de comprarlo. Y luego por último pero no menos importante, tenemos tabletas de dibujo y estas son bastante nuevas. Y tal vez en los últimos tres a cinco años han venido subiendo. El pan epílogo Pro, es muy nuevo. Creo que es sólo alrededor de un año y medio de novela 3D, pero sí requiere una compra por separado del Apple Pencil. Y también que al parecer los nuevos Microsoft Surface Pros no incluyen el dolor, pero los modelos más antiguos sí. Y los otros modelos siguen siendo Ansel. No obstante, el Apple iPad Pro se ejecuta en iOS. Estarás usando principalmente Procreate ahí y tal vez un conjunto de otras apps solo para especie de complementadas o tal vez te ayudaron con algunas ediciones o postproducción de tu trabajo. Pero sin embargo, es un dispositivo fantástico, fantástico. Tengo un iPad Pro, encantó dibujar sobre la batería. La vida es una locura y la dibujó, pinta en ella, coloreé en ella todo el tiempo. Es un buen dispositivo. Es muy eficiente y procreate puede exportar a PSD, por lo que puedes pasar a tu PC más tarde y hacer algunos retoques si quieres. Y mucho tiempo ni siquiera tienes que hacerlo. Microsoft Surface Pro Anya entonces es una computadora completa. Se trata de un Tablet PC completo. Como dije, los modelos más antiguos vienen con un lápiz óptico. Al parecer, los modelos más nuevos no lo hacen. Tienes que comprarlo por separado. Es un $100 o aquí. No utiliza la tecnología WACC com. Utiliza diferentes tipos de tecnología y el pin, pero los he usado y funciona perfectamente bien. No hay, Para mí, no hay diferencia discernible en la capacidad de dibujo de la capacidad de pintura. Realmente es lo mismo. Y ahora cuando estés usando un Surface Pro porque es una computadora, entonces querrás usar Photoshop o clips a tu pintura u otra suite de software para dibujar y pintar. Y también gran dispositivo como otro punto a notar en el servicio que kickstand vuelve a patear una manera realmente agradable donde se puede descansar para un tipo de modo de dibujo donde la pantalla se inclina un poco. El iPad Pro, vas a necesitar un soporte para portátil o algo para apuntalarlo si quieres usarlo de esa manera. Pero sin embargo, esas son tu hardware y tus opciones de software solo son recomendables. Los productos que creo que son realmente buenos y te ayudarán a meterte en ello muy rápido. Déjenme decir también, Chicos, queremos tenerlo en cuenta. Odd es realmente sobre la teoría y lo práctico. No te preocupes tanto por las herramientas. Donó estrés que fuera, no te asustes por ello. Puedes conseguir por la computadora de gama media un whack barato en tablet o Hawaii en tablet, y una suscripción a Photoshop o una compra de clips, tu bolígrafo o lo que sea que puedas conseguir por solo diversión. Trata de hacer crecer tus habilidades. No te preocupes demasiado por el hardware y el software. Está bien, pero esas son mis recomendaciones y los veré en la siguiente lección del curso. Nos vemos ahí. 3. Módulo 1.1: luz, color y ojo: Bienvenido a la primera lección en el módulo 1, entendiendo mucho y color. Y en esta lección vamos a estar echando un vistazo a cómo funciona el ojo. Van a montar. Y para hacer esto, sólo voy a hacer una pequeña ilustración aquí de la vista lateral de nuestro globo ocular y especie de dibujo en las secciones de fotoreceptores aquí en la parte posterior a medida que van hacia el cerebro. Y vamos a hacer algo de teoría. Y esto en realidad te será tan útil porque entenderás por qué elegimos una cosa en particular para enfocarnos fuertemente en nuestro AUC, que es valor sobre otra cosa que es color, ¿verdad? Y así en tu globo ocular como mucho intos, golpea un montón de fotoreceptores que voy a dividir en dos tops. Entonces probablemente se vea algo así en la regla de ABA, ¿verdad? Son unos poco puntiagudos. Y luego hay una especie de pequeñas masas redondas también, porque hay todos estos pequeños puntiagudos alelos correrán masas. Probablemente se ve así desde la vista lateral. Y efectivamente tenemos, voy a simplemente un poco simplificado aquí. Contamos con varillas que reciben información de luz y luego también tenemos conos recibimos información de lote. Muy bien, las varillas y los conos. Y estos son muy, muy importantes en cuanto a cómo entendemos cómo vemos cloruro. Y así dentro de la superficie cuando estás mirando directamente al ojo, hay una especie de toneladas y toneladas y toneladas. Probablemente no pude dibujarlos lo suficientemente rápido. O toneladas y toneladas de varillas, alrededor de 120 millones de varillas en el ojo. De hecho, vamos a escribir eso ahí abajo, un 120 millones de varillas. Y luego hay alrededor de 6 millones de conos que se pudrirán en el ojo humano promedio. Esa es probablemente la distribución. Y las varillas todo lo que detecta brillo, brillo y oscuridad. De acuerdo, Entonces solo lo indicaremos así, oscuridad a brillo, ¿verdad? Por lo que las varillas detectan amplitud. Y los conos cobran color, ¿verdad? Y se puede ver justo por la división aquí de los 120 millones a 6 millones, que mucha visión 3D se debe a las varillas porque las varillas pueden ver la diferencia entre algún lugar que se encienda y algún lugar que no se encienda. pudrición puede ver las muertes de las sombras y los reflejos más brillantes. Y las varillas están haciendo el levantamiento pesado en cuanto a nuestra comprensión de la espuma, ¿no? tanto que los conos, están principalmente ahí para recoger color ahora desde un punto de vista científico, si no me equivoco, los conos también pueden detectar grados de brillo de una manera particular, pero el levantamiento de servicio pesado de eso son las varillas y los conos lo tienen tres tipos de convenios receptores, ¿verdad? Tienes el receptáculo azul, Owens. Y los conos de receptor rojo. Y entonces también tienes los verdes recíprocos. Y ahora aguanta conmigo porque sé que te has apuntado a un curso de cómo colorear y pintar tu trabajo. Pero claro, esto es realmente fundamental y, y créanme, esto te será muy, muy útil en muy, muy útil para ti. Entonces ten cuidado conmigo mientras pasamos por esto, pero no te preocupes, no es muy largo, no es muy complejo. Y también estoy simplificando enormemente el proceso también. Sí. De acuerdo, bien, así que esto es lo que está pasando, como en términos de las monedas. En realidad quiero simplemente darle la vuelta así. Y tal vez ya has visto estos colores antes, tal vez los has visto en tu televisor, o lo entiendes en cuanto a píxeles en pantallas LCD, que los píxeles individuales de tu pantalla se componen de una pequeña luz roja y un poco azul último una luz verde. Y estos tres receptores combinados es cómo obtenemos nuestro espectro completo de color, es como vemos nuestro espectro completo de color. Pero lo que es bastante loco, Lo que es realmente interesante de esto es que el cerebro tipo de mezcla lo azul y lo verde. Oh debería decir más bien que puedes detectar todas las cosas entre el azul y el verde, ¿verdad? Al igual que el azul y el verde y mezclar. Y puedes detectar todas las cosas entre el verde y el rojo es el verde y la mezcla roja. Entonces te imaginas el verde entrando en incursión, estás consiguiendo una especie de Brown, obteniendo amarillos y cosas así. Y luego se va a poner rojo. Y luego del azul que lo estás consiguiendo, lo que eres especie de go cian es ir a greens de tierra o tomó ruidos y que al entrar en el verde, sin embargo, tu cerebro no se vincula. Quiero decir que los, estos receptores particulares, lo siento, no se vinculan entre sí, que azul y rojo no enlazan. Y así tu cerebro sólo compone el color en el medio. Está bien, y es bastante loco, lo sé. Entonces técnicamente el color confeccionado sería magenta. Esa es una especie de video base. Se acaba de maquillar en tu cerebro, lo que significa que tu magenta y mamá otra vez podrían ser completamente diferentes. Y nunca lo sabríamos porque sea lo que vuelva a llamar para empezar o tus morados meñiques, podrías llamarlo así también, pero podría ser un color en realidad completamente diferente a ti, ¿verdad? Pero sin embargo, es un pensamiento un poco loco. Pero así es como obtenemos nuestro espectro de color y también agregamos color rueda se deriva del sistema de rojo, verde, y azul. Y estos son los que realmente quisiéramos llamar las verdaderas primarias. Algunas personas argumentarían que las verdaderas primarias o signo cian, magenta y amarillo. Y eso es más un debate técnico sobre el tema, pero realmente sólo mantener las cosas básicas. El rojo, el azul y el verde son nuestras primarias. Y también es cómo nuestras pantallas de computadora y pantallas de teléfono nos muestran todo el espectro de color mediante el uso de configuraciones RGB en la estructura de píxeles. Y así es como vemos. Una vez más, lo grande que queremos quitarle a esta cosa muy, muy grande es lo que son las varillas fundamentales, ¿verdad? Y justo lo importante que es la información de valor, ¿verdad? El brillo de la inflamación está lleno. Cómo vemos discernimos principalmente la tridimensionalidad y forma en cuanto a la parte receptiva de la misma, en cuanto a lat vía las varillas, vía el brillo o vía valor. Y así el valor para nosotros como más raro es absolutamente fundacional. Es absolutamente núcleo. Y verás cómo esto se vincula en muy, muy fuertemente con la coloración a nivel profesional y el valor de pintura de personajes a nivel profesional es excepcionalmente importante, por supuesto, un poco juega un papel importante también. Pero la división de importancia es algo así como el 90 por ciento en valor potente, el 10 por ciento de color importante. Porque el color es realmente, por supuesto, hay múltiples usos del mismo, pero el color realmente puede llevar al estado de ánimo, pero el valor lleva a una verdadera comprensión de las espumas. Está bien, eso es todo para esta lección. Pasemos a la siguiente lección. Te veré ahí. 4. Módulo 1.2: la escala de luz: En esta lección, ahora vamos a ver el valor. Y como se mencionó anteriormente, el valor es muy, muy, muy importante. Realmente lo es. Y las bases y los fundamentos 2, colorear y pintar bien, y si captas esta lección realmente bien, estás en una base sólida avanzando. Muy bien, así que primero, vamos a echar un vistazo a la escala de valor. ¿ Verdad? Ahora en el arte, obviamente sólo tenemos una especie de rango de blanco siendo el más brillante. Podríamos representar una imagen y el negro siendo el más oscuro que podemos representar. Si miras el selector de color en el lado de la varilla de la pantalla aquí, cuando estamos hablando de sede, realmente solo estamos hablando de brillo y oscuridad. Y en OT, representamos este brillo y oscuridad en especie de snips de estaño que empiezan con lo más amplio siendo el blanco, que solo usaré un gris muy claro para representar eso en la pantalla. Apenas lo puedo ver, pero está ahí. Y nuestro siguiente paso sería un poco más adelante. Paso dos, paso tres. Paso 4, paso 5, 6, 7, 8, 9. Y vamos a agarrar a estos tipos y sólo hacerlos un poco más pequeños para que podamos meter 10 ahí dentro. Y el estaño sería negro, ¿verdad? Y esto es lo que llamamos nuestra escala de valor. ¿ De acuerdo? Y la razón por la que hacemos esto es en realidad, ¿cuál es el más brillante que obtienes? Quién sabe probablemente alguna estrella en la galaxia, ¿verdad? Es extremadamente brillante. ¿ Cuál es el más oscuro que obtienes? ¿ Es su más negro que negro? ¿Está ahí? ¿ Qué aspecto tiene una zona completamente sin vuelo? Ya sabes, a menos que estés ahí, supongo que es difícil de decir, pero probablemente sea para nosotros, pitch black va a escribir. Pero en impar con el fin de hablar de propiedad de valor. Y de una manera más eficiente, descomponemos lo más brillante que podemos ir. Y lo oscuro es que ni siquiera entramos en estos 10 pasos de valor o estos 10 valores se detiene, ¿verdad? Y, uh, depende de quién estás aprendiendo, dónde, si van de uno a diez, donde uno es el más brillante, 10 es la oscuridad, más oscura, o viceversa. Realmente no hace la diferencia. Pero sólo sabiendo que hablamos de estos 10 pasos con este inquilino, se detiene el valor, ¿verdad? Y así es como diremos quieres asegurarte de que cuando estés pintando objeto XYZ, recoloreando objeto XYZ que haya una parada lo suficientemente grande entre dos valores, derecho, a niveles de brillo para que el espectador pueda ver qué se agranda y qué hay en la sombra. Y vamos a entrar más en eso. Sólo estamos tomando una breve visión general ahora un valor, vamos a ir más en dos algo llamado la declaración de dos valores un poco más adelante. Pero por ahora, queremos entender el valor en el arte. Es realmente brillo o oscuridad. No tiene nada que ver con el color, ¿verdad? Es solo brillo o oscuridad. Ahora por supuesto, vuelve al recolector de color aquí a la derecha, podemos ver que el color se puede traer un perro, para que podamos tener un rojo brillante o una tasa doc. Pero eso tiene que ver con el valor del color. Y el valor forma la base de todo esto. De acuerdo, Entonces eso es lo primero grande, la escala de valor, luego la escala de valor de embrujo sí se acostumbraba a la idea de la escala de sedes para que ya sepas, una o alcanzar ha traído ganas. O uno u logro es negro dependiendo de qué manera se mueven las escalas. Y ese cinco es generalmente lo que llamamos un gris 50 por ciento o gris neutro. Y que si vamos de cinco, pintamos con 53 y lo llamamos con 53. Eso está a un paso de los otros valores, ¿verdad? Porque hay una parada lejos. Entonces decimos separar algo por una parada. Bueno, separaríamos 53 por el tapón por dos paradas, separaríamos 52 por las dos paradas de 34. Ahora, déjame no hacerte sentir como si fuera súper complejo. En realidad no lo es. Realmente acabamos de obtener 10 valores en una escala, más brillantes a la oscuridad. Y así es como hablamos, hablamos de ello cuando decimos: Vale, quieres mantener el valor más neutral o medio, quieres alegrarlo, o quieres un valor más oscuro. De acuerdo, entonces esa es la escala de valor. Pero esto algunas cosas importantes de las que queremos hablar también con los valores. Y es tan obvio, pero nadie realmente lo afirma. Y así decidí, sabes qué, tengo que decir esto para que ustedes sean pro rod en el principio. Aquí tenemos una versión de solo valor si quieres llamarla una visión en escala de grises o en blanco y negro, aunque técnicamente no es blanco y negro porque estos mini recinto oscila aquí. Y esto a menos que tengamos aquí una versión en escala de grises de una obra de arte que he hecho anteriormente. Y lo importante que quiero que te des cuenta es que los diferentes objetos tienen unos valores inherentes diferentes, igual que los diferentes objetos tienen diferentes colores. Entonces, ya sabes, si la ciudad de alguien bien, elif es verde y la corteza de los árboles marrón, serías como hdr, eso es obvio. Pero lo que no es tan obvio es que diferentes sedes tienen, quiero decir, diferentes objetos tienen valores diferentes. Eso no quiere decir que algunos objetos no tengan los mismos valores. Pero este es un punto tan crucial suficiente, nunca visto una EVA agravios en nada. Diferentes objetos tienen valores diferentes. Y entonces lo que quiero decir con eso, y vas a trabajo de personaje y usas raid en la ilustración aquí es valor de su pelo difiere de su valor de pieles, ¿verdad? El valor de los globos oculares difiere del valor de las pieles. El lugar de los pendientes diferencia del valor de las pieles, el valor de los labios difiere ligeramente de la piel. El valor del pendiente difiere del cabello y así sucesivamente y así sucesivamente. Y obviamente en la piel, la piel tiene sus áreas de valor LET y luego es áreas de valor sombreadas. Bueno, bien. Y lo mismo con el cabello. Está encendida. Ensombreció áreas y es áreas iluminadas. Y por supuesto, tendrás algunos valores que pueden ser sombra en un recinto. Santos, por ejemplo, los reflejos aquí en el cabello, aparentemente bastante cerca de la piel, muy bien, ¿verdad? Pero ten esto en cuenta. Diferentes objetos tienen valores diferentes, igual que los diferentes objetos tienen diferentes colores. Y más adelante pasaremos por una capa Value Check y solo una herramienta sencilla que puedes usar en Photoshop para comprobar el valor de tu trabajo y ver, Oh, ya veo, he hecho que mi cabello venue en mi piel valore lo mismo. Déjame cambiarlo porque él también tiene la clave. Si hacemos dos valores similares al espectador, el objeto es el mismo objeto, aunque hayas hecho diferentes los colores. Ahora, esto puede parecer una locura porque eres como Eso no tiene sentido. Al igual que el color es diferente, pero sólo decir el valor puede ser el mismo. Y es cierto. El color puede ser diferente y sin embargo el valor puede ser el mismo. Podrías tener un azul y un rojo que al mismo valor. Y así mientras el espectador percibirá la diferencia de color, Bryan no percibirá la diferencia de valor. Y así van a perder una cosa clave , por eso aprendimos sede en primer lugar. Perderán la capacidad de distinguir en tres dimensiones, la diferencia entre esos objetos, así como los planos y las sombras y así sucesivamente. Si los recintos son los mismos. Por lo que el valor es fundamental y el valor es fundamentalmente importante. De acuerdo, así que eso es todo para sede por ahora, vamos a pasar por algunos temas más avanzados sobre el valor, pero aprender la yihad muy esquelética. Acostúmbrate a esta idea de que diferentes objetos tienen valores diferentes y empieza a preguntarte mientras miras a tu alrededor, ¿cuál es el lugar de esto? ¿Cuál es el valor de eso? ¿ Cuál es el valor de esto faltaba que tengo puesto en la habitación en contraste con el valor de tal vez mi monitor de computadora o mis lápices o qué has dejado de buscar valor? Porque a medida que crecemos en nuestra capacidad artística, aprendemos a ver mejor. Y aprender a ver valor es fundamental para poder pintar bien, ¿no? Y color bien. Impresionante. Te veré en la siguiente lección. 5. Módulo 1.3: percepción de formas: Cuando se trata de cómo percibimos las cosas en el mundo real. Realmente son una especie de dos grandes campos que nos ayudan a ver 3D. Y el uno es perspectiva, y el otro es luz. Y la luz es realmente donde nos vamos a centrar es nuestra preocupación cuando estamos hablando de coloración de personajes y pintura de personajes. Y una de las cosas más importantes que siempre queremos tener en cuenta es que como seres humanos, primero vemos sombras y luego vemos la luz. Entonces eso significa que determinamos la tridimensionalidad de un objeto por sus sombras. Ahora eso parece un poco raro porque eres como, bueno, necesitas luz para ver cosas que por supuesto es obviamente cierto. Pero las sombras que forman, las sombras de forma en factores se llaman ayudan a entender y distinguir lo que está delante, lo que está detrás, lo que está alrededor, lo que está girando, lo que es cuadrado, así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces vemos las sombras primero y luego la luz. Y así las sombras son lo que esencialmente nos ayudan a entender las formas 3D. Y esto da lugar a algo llamado la declaración de dos valores o a valorar la iluminación de la forma. Y nos meteremos en eso en un rato. Pero por ahora, echemos un vistazo a esta imagen de ejemplo. A la izquierda, tenemos a esta chica apoyada contra una pared o ventana con su celular. Y lo que vamos a hacer es primero que sólo vamos a romper esa imagen en valor simple. Y podemos ver que hay una bonita división de valor. Sus genes son diferentes a su camisa o camisas diferentes o una chaqueta. Su cabello es diferente a su piel, etcétera, etcétera. E incluso en la escena, podemos ver diversos valores o derechos diferentes. Y se puede ver que he traído su valor de zapato se compara con prácticamente el resto de la escena que impide el cielo. Y lo que podemos hacer es que podemos simplificar aún más los valores a tal vez sólo dos o tres valores. Y obtenemos algo en la línea de esto, ¿verdad? Donde todavía podemos entender realmente lo que está pasando en la escena. Puede ver a una chica de pie, Lleva jeans, tiene zapatillas de deporte, tiene un teléfono o algo en las manos. Podemos ver su cara. Podemos ver aquí. Aquí podemos ver los edificios, podemos ver el cielo. Y como se puede ver, todo sigue siendo financiado significan a lo comprensible. Y así hemos desglosado esa inmensidad de complejidad en realmente sólo dos o tres valores. Y lo que nos queda al final del día realmente es la luz y la sombra. Somos capaces de distinguir las formas por esas sombras. Muy bien, y así aquí vemos un buen ejemplo de la declaración de dos valores. Hay alrededor de tres valores en esta imagen, pero sin embargo, el principio de tener luz y sombra unas plantas. He pintado este simple cubo por aquí, acabo de tener dos planos, el frente y el lateral del cubo. Y podemos ver, sobre todo cuando miras la vista en miniatura, que fácilmente podríamos percibir esto como una forma 3D. Sin embargo, sólo hemos utilizado dos valores, está bien, y así la declaración de dos valores o para formular valores, nos lleva a un principio fundamental cuando se trata cómo queremos colorear la barra delantera pintar nuestros trabajos. Y lo que es esto, es realmente que queremos que nuestras sombras y nuestra luz se lean con claridad, ¿verdad? Y lo que eso significa es que sólo los dos valores básicos de sombra y luz deberían hacer que el objeto se vea tridimensional. Muy bien, deberíamos poder lograr un look 3D con tan solo dos valores planos. De acuerdo, Eso no quiere decir que vamos a estar empezando cualquier tipo de flujo de trabajo sólo usando dos valores. No, eso no tiene sentido, aunque sin duda puedes practicar eso y tendrás asignaciones de práctica sobre eso. Pero es tener esa clave entendiendo que si estás pintando algo o estás coloreando algo, te piensas a ti mismo, Bueno, esto se ve realmente plano y tal vez tu intención es para dos, para que se vea muy 3D? Entonces debes preguntarte, aparte de todas las demás complejidades con las que estás ocupado lidiando en esa área en particular de la pintura o la sección para colorear de tu dibujo. ¿ Tengo los dos valores francamente, hacer los dos valores, leer con claridad. ¿ Todo bien? Y así como aprenderemos a medida que avanzamos por el curso, las sombras se están convirtiendo en una preocupación muy grande para nosotros. Ambas forman sombras en las sombras de oclusión ambiental sobre las que aprenderás porque son esenciales para crear un look 3D. Y para terminar esta lección, sólo quiero volver a decir que una lectura fuerte de la luz y la oscuridad. Luz y sombra es todo lo que se necesita para una base de forma fuerte. Espero que esto haya sido útil y los veré en la siguiente lección. 6. Módulo 1.4: planos: Ahora entendemos que podemos lograr una buena forma de lectura, una buena lectura 3D con sólo luz y sombra, correcto, en tener esas cosas leídas con claridad. Pero la pregunta clave es, ¿ dónde pones esas sombras, verdad? ¿Dónde los pones? Y la respuesta radica en los planos y aprendiendo los planos de la forma humana. Tengo aquí estas tres cabezas como ejemplo. Por lo que la primera cabeza aquí del lado izquierdo realmente es una especie de solo un modelo muy básico de la cabeza. Y está lleno de montañas y valles de complejidad. Entonces si vamos a dirigirnos a los aviones y aviones reales realmente son sólo los diferentes lados de las cosas. Bastante complejo. Entonces si empiezo a dibujar aviones con flechas, imagina que eso haría algo como esto entraría dentro y alrededor de la ABL, abajo, alrededor de la mejilla, abajo aquí y alrededor. Y puedes empezar a ver que, wow, se parecen en serio a un gran número de aviones y cambian. Por ejemplo, aquí vamos por encima del labio, los aviones dejan de cambiar. Y podemos arrasarlos, ¿verdad? Por lo que podemos obtener una vista de cuadrícula de todos los diferentes planos y los ángulos a los que están enfrentando. Ahora, la luz viaja en líneas rectas y en realidad vamos a ver eso en la siguiente lección. Pero queremos entender que OVS necesita diferentes objetos, tener diferentes lados, ¿verdad? Un objeto 3D tiene un múltiples lados y faltado va a golpear algunos lados y no golpear a los otros. Por lo que necesitábamos conocer los lados. Y como se puede ver, los aviones son bastante complejos. Entonces, ¿cómo carajo los aprendes? Y la respuesta realmente es que veremos el número tres aquí es que queremos estudiar versiones simplificadas de los aviones. Entonces, por ejemplo, si te imaginas en número hit, hit número dos aquí, tendríamos como aviones en la nariz así y luego los aviones de abajo aquí. Y sólo han sido tantos aviones de cómo van las mejillas y luego los aviones entran ahí y luego alrededor del ojo y luego salen así. Es simplemente realmente complejo, ¿ es tantos de ellos, miles o millones de ellos incluso cierto? Tenemos que simplificar. Y así una versión simplificada de los aviones sería algo así donde decimos, de acuerdo, si hacemos toda esta sección de la frente aquí solo un plano, este solo un plano. Este, sólo un avión aquí. Tenemos un avión yendo hacia los ojos, ¿verdad? Un plano redondeado para los globos oculares porque son circulares. Otro avión que sale por debajo de los ojos, plano derecho aquí para las mejillas, jugando tienen esas mejillas, etcétera, etcétera. Y dividimos los nodos en sólo dos planos. Plano de fondo en un plano superior aquí. Y en realidad podemos conseguir un avión de porquería que baje así. Y puedes ver que empezamos a entender cómo podemos meter las sombras generales, manera general. Y a medida que estamos aprendiendo más a profundidad los planos, podemos empezar a subir el nivel de detalle si vamos por un estilo muy realista de colorear o pintura. Ahora claro, cuando tú, cuando hablas de ese tipo de Sonics, cosas que escalan, a veces solo quieres un color muy simple y eso es divertido. A veces quieres entrar más avanzado, esa es una que te estoy enseñando a ser un profesional y eso significa que sabes hacer todo desde lo más complejo hasta lo más sencillo, ¿verdad? Volviendo a los aviones, los aviones son críticos. Cómo aprendes los planos es que encuentras modelos de planos faciales simples. Se buscan imágenes de referencia de planos faciales simples. Ahora, por lo general estos vienen en forma de esculturas. Entonces un, un, un artista realmente haría un simplificado lo Llanuras una estructura escultura de la cabeza. Ahora bien, no puedo mostrarles esos porque prácticamente todas son imágenes con derechos de autor. Y yo no esculpido personalmente, así que no tengo uno de esos hits. No obstante, una simple búsqueda en Google, planos de los planos faciales del cuerpo humano te darán millones de resultados que podrás estudiar y referenciar desde. Y créanme, cuando digo esto, quieres ir en profundidad en cuanto a tu comprensión de los aviones. Se quiere hacer muchos estudios de aviones y realmente tener una idea del ángulo de los planos en la cara. Ahora por ejemplo, este tipo de puntos hacia abajo, este tipo de puntos hacia arriba, este tipo de señala. Y así tienes todos estos aviones y cuando entiendes los aviones, y luego añadimos una fuente de luz, por ejemplo, decimos, vale, las fuentes de luz aquí, arriba a la izquierda, ¿dónde va a golpear la luz? Podemos entonces ver que puede no chocar con este avión aquí de la nariz. Entonces eso sería a la sombra, ¿verdad? Y puede que no impacte alguno de este avión, de algunos de este avión, pero golpea esta sección aquí y empezamos a conseguir que esa forma 3D pase. Había un avión, sí, probablemente no golpearía ahí y podría golpear un poco ahí, algunos aquí, pero tal vez tampoco esta sección. Y así empezamos a audaz forma a partir de la comprensión de los planos y la ubicación de la luz. Eso es lo básico de los aviones. Habrá más información en tus tareas. Te veré en la siguiente lección. 7. Módulo 1.5: luz y reflexión: En esta lección, vamos a estar aprendiendo sobre la luz, las fuentes de luz y la reflexión. ¿ De acuerdo? El primero que queremos saber sobre la luz es que no importa cuáles sean las últimas fuentes, ya sea una bombilla o el sol, esa luz normalmente se mueve en líneas rectas. Está bien. Por lo que la luz se mueve en líneas rectas. Y una consecuencia de que se mueve en líneas rectas, se irradia en líneas rectas, es que también se refleja en líneas rectas. Entonces si hubiera una superficie aquí, superficie muy lisa, la luz se reflejaría también en líneas rectas, ¿verdad? No importa cuál sea la superficie, en realidad siempre se refleja fuera de líneas rectas basadas en las llanuras de esa superficie. Entonces nuestro primer gran punto en algo en lo que queremos pensar, particularmente en lo que respecta a los aviones, es que la luz se mueve en líneas rectas, ¿de acuerdo? muy perfectamente rectas. Y líneas rectas. Es así como queremos pensar en cómo se mueve la luz. ¿ Todo bien? lo segundo que queremos ser conscientes son las fuentes de luz que nos rodean. Entonces aquí voy a dibujar una escena sencilla. Y tendremos el cielo y el suelo. Y entonces podemos meter aquí a un hijo. Digamos que esto es una escena exterior. Entonces en un exterior típico visto cuando pensamos en la luz y le preguntas a alguien, bueno, ¿cómo podemos ver todo? ¿ De dónde viene la luz? Obviamente la gente dirá: Oye, viene del sol y se irradia del sol. Y si bien eso es cierto en la mayoría de la luz viene del sol en, en la Tierra cuando estamos parados afuera. El cielo también está actuando como fuente de luz. Las ondas de luz se mueven a través de la atmósfera y el cielo y es hermosa naturaleza azul misma se convierte también en la fuente de luz. Y así el cielo en sí mismo también cuesta abajo sus rayos de luz, ¿verdad? Es luz azul recibe costo abajo en el mundo. Y así tenemos los rayos del sol y los rayos del cielo brillando hacia abajo, sobre el suelo y sobre los objetos y así sucesivamente y así sucesivamente en líneas rectas. Y así ya tenemos dos fuentes de luz. Pero entonces lo que pasa es todo lo que está aceptando la luz en el suelo, la superficie del suelo, y qué tienes entonces misma desde que la luz vuelve a subir a la atmósfera, ¿verdad? Y por supuesto a los objetos que lo rodean. Y se puede ver aquí que en realidad normalmente tenemos tres fuentes de luz importantes pasando. Ahora bien, si estás en una habitación, tu recámara, por ejemplo, en tu recámara la luz está encendida. Entonces realmente solo estás teniendo alrededor de dos fuentes de luz. Y eso es una especie de estilo de iluminación interior realmente, tú, ya sabes, alguien está dentro basado en que la luz sea una manera particular ahí mismo, especie de iluminada desde una fuente de luz, una fuente de luz principal, la bombilla. Y entonces esa luz rebota por toda la habitación y sobre todos los objetos. Y luego tienes el número secundario de latín que viene, SAP reflejaba la iluminación de todos esos objetos llenando la habitación. Ahora, en esta instancia, técnicamente llamaríamos al sol la luz clave, porque es la más brillante y es la principal fuente de luz. El cielo sería nuestra fuente de luz secundaria. O podría llamarlo la fuente de luz ambiental también. Pero vamos, vamos a mantenerlo secundario por ahora. Y entonces el suelo sería la fuente de luz reflejada. De acuerdo, luz reflejada, que también podrías llamar pizarra encuadernada. Y que en sí mismo dependiendo de las circunstancias también, en términos generales también sería luz ambiental porque está aportando una especie de luz no tan brillante a la escena. Por lo que la luz clave 3D es la luz más brillante y la iluminación secundaria y la luz reflejada y la iluminación ambiental son los otros tipos de iluminación. Y hablaremos de iluminación de tres puntos más adelante, no muy lejos de ahora. Y la iluminación de tres puntos es realmente crítica para nosotros cuando queremos colorear y pintar personajes de una manera que sea súper convincente, súper creíble, haciendo cosas que no pensarías que harías con el color de la pintura básicamente, para lograr un efecto muy creíble en un efecto muy atractivo. Entonces nuestra segunda aquí es que en términos generales, tres fuentes de luz son buenas, ¿verdad? Tres fuentes de luz son algo que realmente queremos tener en nuestro trabajo si podemos. Y por supuesto, basado en el estilo del trabajo que estás haciendo, si estás haciendo coloración más simplista, tú, puede que ni siquiera tengas distintas fuentes de lote, ¿verdad? Si no vas por un look súper 3D, sin embargo, queremos saber el alcance de nuestras capacidades a la hora de iluminación y cómo funciona realmente la luz? Ahora, pasando a la reflexión y la reflectividad, sólo va a hacer que este material sea un poco más pequeño. Entonces hay algo de espacio. Imagina si quieres, como volar desde el sol en líneas rectas. Está brillando y le va a dar dos pelotas, ¿verdad? Y aquí tendremos una pelota. Llamemos a esta bola la bola de cristal. Y llamaremos a esta bola la bola de arcilla, ¿verdad? Por lo que está golpeando un tazón de vidrio y está golpeando un cable. Lo que vamos a hacer es acercarnos con un microscopio a la estructura molecular de estas bolas. Entonces aquí hay un zoom a la vista. Está bien. Y cuando hacemos zoom en la estructura molecular del brillo, vemos que las moléculas están realmente juntas y están muy apretadas una junto a la otra para que la superficie del vidrio sea un poco lisa. ¿ De acuerdo? Y cuando llegamos a la arcilla a esta muy de cerca zoom en nivel molecular de partículas, notamos que las partículas son tipo de Vary, ambas muy aleatoriamente colocadas y van por todo el espectáculo. Y así la superficie de la arcilla a ese nivel es como que tiene todas estas pequeñas montañas y valles y zanjas y cosas pasando. Y así lo que pasa es que mucho sigue moviéndose en líneas rectas, no cambia que se mueve en líneas rectas. Pero cuando golpea la arcilla, golpea en todos estos ángulos diferentes y luego se refleja de maneras realmente locas, ¿verdad? Y para que las partículas de luz en la luz, las líneas de las partículas de luz, si se quiere, vayan en todas estas direcciones diferentes y comiencen a solaparse entre sí. Y debido a que el reflejo no es un rebote directo hacia atrás, un rebote recto hacia atrás, obtiene una especie de aspecto nebuloso cuando ese tipo de superficies, como superficies tipo arcilla se balanceaban. Entonces si esto se cumple, las superficies se golpean con luz. Simplemente no reflejan muy bien las cosas. Seguro que reflejan su color, su valor reflexivo. No reflejan muy bien los aspectos destacados. Ellos que ellos no reflejan mucho el entorno que les rodea. También tienen muy diferente top de bounce lighting ride, que es muy confuso. Te puedes imaginar si estos fueran pequeños puntos de partículas rebotando por aquí en el área de arcilla de las cosas son como una especie de resplandor de novatadas o deslizamientos, ¿verdad? No obstante, a la inversa, cuando los haces de luz rectos con los haces de luz rectos golpean el brillo, por ejemplo, como una superficie superior, rebota directamente hacia atrás. Y debido a esta directiva rebota. Esto da brillo. Es la naturaleza de presumir aspectos destacados y a menudo reflejar el mundo que lo rodea, los colores a su alrededor, las cosas a su alrededor. Y esto se aplica a todas las superficies altamente reflectantes, brillo en medio y cromo y cosas así, ¿verdad? Plástico muy brillante, etcétera, etcétera. Y así conociendo esto, entender cómo funciona la luz e interactúa con tipo de tipos de superficies nos ayuda a entender cómo podríamos rangear o pintar o colorear algo que es plástico versus algo que es quizá algodón. Esto es algo que quizá sea Chrome, ¿verdad? Entonces nos ayuda a entender, Vale, tal vez debería haber traído de verdad los reflejos sobre cosas que son metálicas, en cosas que son muy brillantes, pero en cosas que van de algodón o lana, no me volvería demasiado loco con el destaca. Y las cosas por supuesto van a diversos grados de complejidad donde realmente quieres tomarte tiempo para entender por qué y cómo refleja la seda la luz en comparación con el viento? ¿ Cómo refleja el algodón la luz? Y así esto nos da nuestra tercera aquí, tapas de reflectividad, ¿verdad? Basado en la parte superior del material. De acuerdo, tipos de reflectividad. Ahora vamos a pasar al principio de carga de formularios en la siguiente lección, el principio de revestimiento telefónico es realmente el principio de iluminación hardcore que todos los colorantes de pintura basados en. Pero siento que ahora deberías estar bien equipado, bien equipado en tu comprensión de los planos ligeros y valor para realmente captar eso de una manera rápida. Y espero que sí. Entonces, eso es todo para esta lección. Último movimiento en líneas rectas, generalmente quieren estropear tres fuentes de luz. Eso es una pauta, no una regla. Y las tapas de reflectividad basadas en el material de servicio top. Te veré en la siguiente lección. 8. Módulo 1.6: el principio de iluminación de formas: Bienvenido a esta lección clave y fundamental, el principio de iluminación de la forma. El principio de revestimiento completo realmente es el principio fundamental que usamos como artistas para ayudarnos a colorear y ayudarnos a pintar nuestro trabajo a diversos grados de credibilidad. Por lo que basamos todo nuestro conocimiento de aprendizaje más o menos en el principio de aprendizaje completo de manera fundacional. Y luego agregamos bits extra de información ya que la necesitamos encima de esto. Entonces este realmente es nuestro principio fundacional para la iluminación. Ahora, voy a estar haciendo esto paso a paso. No te preocupes demasiado por cómo lo estoy haciendo y cómo estoy usando Photoshop u homie, usando las herramientas que se cubren más adelante en el curso. Por ahora enfocarse en cada uno de los elementos individuales del principio de aprendizaje de la forma. Déjame también decir esto y ojalá te lo recuerde al final también. Quieres recordar de memoria cada elemento de esto apagado. Y déjame decir que si puedes recordarlo de memoria y cómo funciona tipo de trabajo y el principio de formateo, tienes una base muy, ya tienes una base muy,muy fuerte en la pintura. De acuerdo, así que empecemos frente a nosotros aquí. Tenemos sólo un círculo gris. Este círculo gris se va a convertir en una esfera. Entonces lo que estamos viendo es la esfera sin iluminación alguna. Y todo lo que vemos es su valor inherente, que es alrededor de un cinco, y la escala de valor y su color inherente en esta instancia, hemos ido con sólo un gris, por lo que su color y su valor son muy similares. De acuerdo, entonces es un cinco en la escala de valor y su color inherente es gris. Y lo que tenemos que hacer es determinar o definir una fuente de luz. ¿De acuerdo? Entonces vamos a decir, pongamos el lote así arriba a la izquierda. Y sólo dibujaremos en poco tipo de flecha 3D aquí, simplemente indicando dónde está la luz. Entonces eso viene de la elevación superior. Y ahora que tenemos muchas fuentes, algo empieza a pasar, ¿verdad? Vamos a empezar a ver cómo se producen sombras de forma con la luz no toca. Entonces estoy seleccionando esta forma, esta forma circular aquí. Y voy a agarrar el cepillo suave y añadir suavemente en base a las llanuras de la forma. Ahora obviamente un círculo es porque un billón de billones de aviones que listan, vamos a especie de ala, poner en alguna forma sombras, prisa de documento aquí en las zonas donde se pone bastante oscuro. Y se puede ver de inmediato cómo, lo que hemos aprendido sobre la declaración de dos sedes y sólo el poder de la luz y la sombra. Qué le puede hacer eso a algo tan sencillo, como un círculo. Efectivamente lo ha convertido ya en esfera. Y sin embargo, ni siquiera hemos hecho todos los demás elementos del principio completo de los 90. Entonces recuerda de nuevo lo importante que es realmente la declaración de dos valores. Pero si miras la vista en miniatura, si tuvieras que mostrarle esto a alguna persona aleatoria y decir: Oye, ¿qué crees que es esto? Bueno, parece un gran tazón o tal vez es un gran planeta o es una esfera gris, ¿verdad? No dirían, Oh, bueno es sólo un círculo gris. Y ese es el poder de las sombras y la luz en cuanto a la zona aquí, ese es nuestro recinto local base. ¿ De acuerdo? Entonces esas son sombras de forma y son sombras. Eso aparecen en el formulario una vez que la forma está encendida, Vale, Antes de mis sombras. A continuación, vamos a añadir sombras de oclusión ambiental. Ahora, sombras de oclusión ambiental, el nombre tipo de pistas en cuanto a cuál es el propósito o cómo surge esta sombra. Por lo que en primer lugar, ambient se refiere a la parte superior de la iluminación. Por lo que estas sombras son causadas por la iluminación ambiental, no por la iluminación directa. Por lo que la iluminación directa provoca las sombras de forma que las sombras de oclusión ambiental son causadas por la iluminación ambiental alrededor del área o el entorno del objeto. Y la oclusión se refiere a último ser cortado por lo que faltaba no aparecer de alguna manera. Entonces cuando entendemos sombras de oclusión, que nos meteremos justo ahora, que es algo así como un espacio entre tus dedos o la oscuridad debajo de tus zapatos cuando estás parado en el suelo, es casi pitch negro. oclusión sólo significa ocluir para detener la luz llega allí y por supuesto se hace añicos solo indica que son las sombras de oclusión ambiental. Y cualquier sombra de oclusión es una especie de extraña. Probablemente lo estoy explicando de una manera extraña. Pero lo que es importante saber es que las sombras de oclusión ambiental nos aparecen cuando las edades de una forma tienden a girar. Entonces esta esfera tiende a ir por las secciones traseras de la esfera, ¿verdad? Ahí hay una espalda y un frente y un cetra sódico. Y así lo que pasa es en la oclusión las sombras son sombras muy sutiles que tipo de aparecen alrededor de los bordes de formas como esta. Y nos ayudan a una especie de sentido del giro de la forma, ¿verdad? El giro del avión. Y se puede ver que tipo de mejora el aspecto esférico general. Yo sólo quiero ser un poco más sutil aquí. Y eso también es una pista. Quieres ser sutil con él. No se supone que sean sombras excesivamente duras. Está bien. Sólo pongamos eso ahí dentro. Está bien. Eso parece bonito. Está bien. Entonces esas son nuestras sombras de oclusión ambiental. El propósito de ellos una vez más, es mostrar el giro de la forma. Si un objeto o una forma que has dibujado sí infecta giro, o como forma redondeada, aunque sea una forma cuadrada. Si un giro o tiene otro lado, se desea tener un grado de oclusión ambiental. Es, es una sombra que se está formando por las luces ambientales ocluidas. De acuerdo, pasemos al siguiente elemento. Lo que vamos a hacer aquí es que vamos a sumar apenas luz y nivel general de let adicional antes de llegar al punto culminante. Ahora, el lote a menudo se acaba de formar automáticamente en esta región, ¿no? Se acaba de formar automáticamente porque Shawna lots fue creado las sombras de forma y ya tienes una zona latina. Y se puede ver en la miniatura, ya como que tenemos mucho así ahí dentro. Pero vamos a sumar los escenarios mientras que porque también es muy útil cuando estamos pintando, estamos recoloreando para pensar en la luz como escenario. Ahora, permítanme reiterar una vez más. No se quiere pensar en pintar como agregar luz, agregar sombra. De verdad quiero animarte a pensar en obtener el valor inherente correcto y el color inherente y sólo añadir la sombra. Y te has ahorrado mucho drama y muchos pasos para intentar que se vea 3D. Trabajando para que tus sombras se lean correctamente. En fin, sumemos este laboratorio. Voy a seleccionar ese color local ahí, y voy a aumentar el valor, tal vez en una o dos paradas. Y sólo vamos a traspasar la luz del sol a esa sección. Y nuestro tazón se ve un poco más 3D ahora. ¿ De acuerdo? Entonces esa es la luz, y la luz obviamente viene de la fuente de luz. Nos falta una zona. Pasemos a nuestra siguiente capa, si se quiere, o a nuestro siguiente elemento de iluminación, que es lo más destacado. Ahora, el punto culminante generalmente ocurre solo en puntos específicos. Otra forma en la que quiero que pienses en un punto culminante es pensar en una cordillera. Y hay una montaña que es la montaña más alta total. Se le llama el pico de la montaña justo ahí. El pico de montaña entre picos. Piensa así en lo más destacado. Cuando comienzas a poner muchos puntos destacados por todo algo, realidad ya no parecen como un punto culminante. Parecen pequeñas marcas realmente brillantes en lo que sea que estés haciendo. El término más destacado realmente viene del punto más alto de los lattes, ¿verdad? Entonces si como el pico más alto de la cordillera, así que sé muy, así que usa los reflejos con mucha moderación. De acuerdo, Y lo que vamos a hacer es ahora seleccionar ese color claro, aumentar su valor. Y vamos a una especie de añadir un poco más pequeño aquí. Una ubicación con mucho es más brillante. E incluso ir un poco, lo trajo en el día frío. Muy bien, en el centro sobre esa pequeña forma como yo fondo. Entonces ese es el punto culminante. Pero aún queda trabajo por hacer. Lo que voy a hacer ahora es ir detrás de nuestra esfera. Y voy a dibujar una sombra de costo, ¿verdad? Es hacer una sombra de yeso como esta. Parece bastante razonable para un ejemplo. ¿ De acuerdo? Y las sombras cuestan, lo importante que hay que recordar con las sombras del núcleo es cosh, las sombras son transparentes ahí mismo, bastante transparentes. Realmente no quieres hacerlas opacas. Se verá raro teniendo esto realmente áspero sombra negra oscura de un algo. Y esto por supuesto que lo estás haciendo por un tipo de razón intencional. Eso es importante recordar, causan sombras todas transparentes, pero todas suelen ser doc cuántico. Y otros puntos a destacar es que la edad de la sombra central es tienda en luz muy clara, brillante. Y puede ser un poco difuso cuando se difunde el lote. Entonces, por ejemplo, piense en una iluminación fluorescente, piense en un día muy nublado. Las sombras no corresponden a tener edades muy agudas cuando es un día nublado. Está bien. Cuando la luz se difunde, pero en la tienda lateral derecha circunstancias generales normales de iluminación, las sombras de costo tienden a tener un borde afilado. Ahora lo que hay que recordar con sombras de núcleo es que están costando de la espuma. Entonces como los rayos de luz posicionaron, se forman las áreas de forma donde la luz no golpea la sombra de fundición, algo así como bonitas, bastante obvias de alguna manera. Al mismo tiempo que quieres pensar en cómo podría verse una sombra central basada en cómo la luz se está moviendo más allá de la forma. Y esa es la sombra de costos. Ruts, datos de costos. Acabamos de poner esa capa debajo nuestra esfera sólo por conveniencia, ya que estamos trabajando. A continuación, queremos hablar de iluminación reflejada o rebotada. ¿De acuerdo? Por lo que sólo estoy seleccionando de nuevo nuestra esfera aquí. Y vamos a agarrar un poco de la luz aquí desde esta superficie, que ahora es una especie de mesa blanca o nuestro entorno 1D. Porque a medida que la luz brilla hacia abajo, parte de la luz brilla hacia abajo. Post esfera golpea la superficie de la mesa y luego rebota de nuevo a la parte posterior de la forma, ¿verdad? Y esta es nuestra carencia reflejada o rebotada, que ya hemos aprendido un poco ya cuando habíamos hecho los elementos de luz, ¿verdad? Las fuentes, fuentes de luz LED. Entonces lo que voy a hacer es sólo hacer un suave, suave whoops, cepillo equivocado. Haz un git pull. Un Spray muy sutil de esta luz reflejada en esa zona sombreada de a. Y lo clave para recordar con luz reflejada es que generalmente aparece sólo en las sombras. Por lo que rebotó mucho hacia adelante slash reflejado plomo corresponde realmente mostrarse solo en las sombras. Ahora, ¿por qué es eso? Bueno, porque es luz reflejada, es mucho menos brillante que el, que la fuente de luz real en sí. Y así si se reflejaba la luz en las áreas de luz que hay, simplemente no se puede ver porque las áreas de luz están siendo dominadas y voladas con la fuente de luz directa. Por lo que nuestra luz reflejada se ve firmemente en las áreas de sombra. Voy a añadir otro elemento principal todavía, que llamaremos nuestras líneas secundarias. ¿ De acuerdo? Y me pegaré en confiado es podría ser el cielo si estás afuera o podría ser otro globo si tienes un globo naranja en la habitación y luego un globo rojo en la habitación. El globo rojo siendo un poco menos poderoso, tal vez una fuente de luz más distante, seguiría brillando, es lats. Lat seguiría extendiendo objeto. Esta es nuestra fuente de lote secundario. Es secundaria a la primaria o a las almas de lote clave. Aquí solo voy a insinuar editar solo un poquito sobre esta edad de activos. Muy bien, vamos a decir que hay una fuente de luz secundaria al rancho. Ahora es diferente a la luz reflejada porque se puede traer y las fuentes secundarias de lote básicamente corren como también se puede ver en mucho. Simplemente depende de la configuración de iluminación. Y a medida que hacemos eso, sumemos aquí también nuestra fuente de luz secundaria. Entonces eso sería un poco consciente de que hay una fuente de luz secundaria proveniente de la derecha. A lo mejor está muy lejos y un poco distante. Muy bien, una fuente de luz secundaria, es más débil. Y me voy a poner todavía enfermo y para que sepamos que es una fuente secundaria de lote. Y yo sólo diré primaria aquí o fuente de luz clave. De acuerdo, Tenemos una cosa más que necesitamos hacer en nuestro principio de iluminación de forma, y esa es la sombra de oclusión. Ahora, cada vez que un objeto toca otro objeto, en términos generales, obtiene una sombra de oclusión ocurriendo allí donde faltaba simplemente no llega a pudrirse la sangre es en sí misma ocluida. Simplemente pon eso ahí dentro con firmeza sombras de oclusión. Y aquí voy a seleccionar nuestra esfera. Simplemente ocultando la selección para que no se interponga mientras estamos trabajando. Voy a seleccionar un color de sombra oscura. Incluso yo solo seleccionaré el negro. Voy a ser sutil con ello porque hay mucha curvatura pasando debajo de nosotros vía. Por lo que sólo tendrías un poco de área con la sombra de oclusión, pero estaría ahí algo así Eso es un poco demasiado carente de sutileza. Pero ahí vamos. Está bien. Y que esos infectan son todos los elementos del principio de iluminación de la forma. Y usamos estos elementos cuando estamos pintando algo en particular para determinar qué elementos queremos agregar y quitar con base en el escenario de iluminación de ese objeto en particular. Ahora cuando estás lidiando con varios tipos de OT, tal vez vas por un look muy caricónico. No podrá utilizar todos los elementos del flujo de trabajo de iluminación, ¿verdad? No puedes usar ninguno de ellos. Simplemente puedes hacer color completamente plano. Pero si quieres traer más y más dimensiones, quieres usar cada vez más del principio de iluminación de forma. Entonces, hablemos ahora de este principio con sólo algunas notas clave sobre lo que está pasando aquí. Y también queremos empezar a intentar ver cómo un flujo de trabajo, cómo podríamos trabajar e implementar la coloración derivada de este principio en particular. De acuerdo, entonces lo que queremos hacer primero es una especie de dividir a las familias aquí. Y tenemos a la familia ligera. Y tenemos la sombra me alimentó. Y las cosas del latín, la familia sombreada no se cruzan entre sí. En términos generales, por ejemplo, no tenemos valores de la familia de luz que ocurren en las zonas de familias de sombra. Simplemente no sucede. Los recintos están completamente separados y bien, si recordamos nuestra declaración de dos valores, todo necesita reducir a los dos valores. Obviamente, si tenemos valores de la zona de sombra en la zona, incrustaciones de la zona latina en la zona de sombra, todo se convierte en un desorden borroso y no podemos leer las espumas animales. Entonces esa es la razón por la que estas familias están efectivamente en guerra, se podría decir. Y en la familia de la luz, tenemos nuestra base o color local y valor. Contamos con nuestra zona iluminada. Y también tenemos nuestro punto culminante, ¿verdad? Y queremos recordar, no queremos enloquecernos con lo más destacado. Eso es casi a instancia hijo de un aficionado o alguien que realmente no entiende principio del dinero. Simplemente tienen reflejos sobre todo como el personaje o lo que sea que estén dibujando una pintura. Es simplemente súper brillante y las cosas simplemente se ven realmente raras. De acuerdo, entonces esos son los elementos de nuestra gran familia y lo loco es, uno pensaría que la familia ligera sería esta loca, enorme familia. Sólo tienen realmente a estos tres miembros. Todo lo demás es parte de la fannie sombra, una vez más enfatizando lo importante que todas las sombras. Y luego en el lado de la familia sombra, aunque sí, sí tenemos la oclusión ambiental tipo de ocurrencia en el lado de la familia de la sombra. Es un poco diferente, pero sin embargo es lotsa, es parte de la familia de las sombras. Tenemos nuestras sombras de oclusión ambiental. Sí. Eso sí también en la familia del pestillo sería la fuente de luz secundaria también, obviamente porque en sí es una luces. Está bien. Entonces tuvimos las sombras de oclusión ambiental en la familia trituradora, tenemos las sombras de forma, que son realmente nuestras sombras base. Y cuando estás haciendo tu sombra, principalmente quieres enfocarte en tus sombras de forma. Pondré un número 1 ahí y el número 2 y tus sombras de oclusión ambiental cuando solo estás trabajando con tu sede base y color base. Y tienes el deseo de crear esa forma 3D, trabajar solo con tus sombras de forma y tus sombras de oclusión ambiental funcionan esas hasta que se vea 3D. No te preocupes por los otros elementos a los que golpeó. De acuerdo, tenemos nuestras sombras de oclusión. Y lo estoy reiterando por tu bien para que te estés acostumbrando a la idea de todos estos elementos. Y lo vamos a enumerar y levantar también. Eso no es desperdiciar tu tom es porque queremos derivar un flujo de trabajo de esto. Todo está bien y bien, aprender el principio de longitud completa, pero ¿puedes usarlo en pieza de arte real? Esa es la verdadera pregunta. Will vigilará y apenas tenía un sorbo de agua ahí. De acuerdo, Entonces este es nuestro pestillo reflejado, también llamado listones encuadernados. Y eso se debe a que los lats brillan hacia abajo y luego rebota la superficie y una espalda sobre el objeto justo en cualquier ángulo que esté en relación con el objeto. Lo clave a tener en cuenta aquí se refleja y rebota luz o parte de la familia de las sombras, ¿verdad? Porque estos lotes ocurren en el cobertizo es que los ves en las sombras. Incluso si hijo típicamente están ocurriendo el pestillo, no los ves en mucho. Entonces en términos de un OT, queremos tener en cuenta que están ocurriendo en las zonas de sombra, ¿verdad? Apenas haciendo una flecha, los agujeros de pestillo secundario. Y entonces tenemos nuestras sombras de costo, que hasta cuestan por pensión completa. Y para recordar que son transparentes. ¿Verdad? Entonces cuando empiezas a mirar todos estos elementos en una lista tipo de moda. Tenemos tipo de nuestra base de color y valor local. Entonces tenemos nuestras sombras de forma, nuestras sombras de oclusión ambiental. Entonces nuestras luces se destacan, luces reflejadas. Podemos sumar lotes secundarios en este punto también. Y el flujo de trabajo, las sombras de oclusión y Nuestras sombras de costo. Asegurémonos de que todos los tengamos todos. 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9. De acuerdo, ahí vamos. Ahí los tenemos a todos. Ahora bien, algo importante a notar es mirar dónde están las sombras centrales. Mira dónde están las sombras de oclusión, están perdidas. Y esto es muy importante. No quieres estar pintando en sombras de costo en algún lugar del principio porque vas a terminar pintando will coloreando sobre ellas. Y eso sería raro porque las sombras centrales cuestan sobre las cosas. Por lo general, si un brazo está sobre la cabeza de un personaje, querías haber pintado la cabeza y vano hacer la sombra de costo sobre ese rango. Entonces es muy importante. Pero en esencia, así es como obtenemos nuestro flujo de trabajo de iluminación general, bien, en el flujo de trabajo de iluminación general. Espero que esto haya sido un principio muy útil y muy al grano, forrado de forma. Lección aprendida bien, aprende todos estos elementos fuera de caliente, llévala y termina con, y luego me lo agradecerás. Ese es el final de la lección, y nos vemos en la siguiente lección. 9. Módulo 1.7: comprensión del color: En esta lección, vamos a aprender sobre los elementos del color. Delante de ti, ves una rueda de color bastante típica. Este tipo de rueda de color se llama un año, MI rueda de color, y pronto descubrirás por qué se llama así. No obstante, el color le tiene algunas propiedades. Una de las cuales ya sabes, que es un valor, que es el brillo o la oscuridad de algo. El siguiente al que vamos a echar un vistazo es el matiz. Hue básicamente se refiere a todos estos diferentes segmentos de colores. No necesariamente el color en sí, sino más bien el rango de frecuencia del rango de color en el color en particular cae. Y así en orden tenemos amarillo, rojo, magenta, azul, cian, y verde. Y el camino a la orina B viene del amarillo, rojo y azul magenta volviendo a la sección amarilla, no sé necesariamente por qué se fueron en C y G. Pero algo que es importante notar es que es bueno subir con una neumonía para ti mismo para que puedas recordar todos estos segmentos. Porque la rueda de color, conociendo la rueda de color si por caliente, te ayuda a saber qué colores intermediarios un color puede mover dos en su rango particular. Entonces era un amarillo entra en naranjas, naranjas se mueve en rojos, rojos en rojos rosados y rejillas en una especie de McCain dice, y de nuevo no guijarros y así sucesivamente y así sucesivamente. Ahora, otra cosa importante de Hughes es que los colores se dividen en colores cálidos y colores fríos. Y voy a dividir la rueda ahora para mostrarles el split cálido y fresco que está por aquí. Y los colores fríos de la mujer tienden a contrastarse realmente entre sí. Los colores cálidos, como su nombre lo indica, se sienten cálidos y calientes. Colores fríos, siéntete fresco y frío. Y a medida que avanzamos por el curso, empezarás a ver cómo tener una buena interacción entre cálido y fresco y también cómo tratamos a la mujer fresca cuando nos faltan objetos es una faceta muy importante de entender los tonos. Entonces tenemos color, entendemos que Verdi era brillo y oscuridad, y entendemos tonalidad, colores cálidos, y colores fríos también. Pero hay un tercer elemento, y ese tercer elemento es la saturación. La saturación se refiere a la cantidad de gris en un tono particular. Entonces si miramos aquí este segmento naranja, medida que se mueve al centro de la rueda de color, se vuelve cada vez menos rico en color, eso tiene cada vez más gris en él. Y a esta instancia le llamamos gris neutro o al 50 por ciento gris. Por lo que la saturación, puedes considerarla como la cantidad de gris o puedes considerarla como la riqueza de color. Por lo que o bien tiene mucho gris o un poco de gris esencialmente, y eso saturará o D saturará el color. Ahora cuando combinas esta rueda de color en la Información y el conocimiento que tienes sobre el valor, tienes una gama muy amplia de colores con los que trabajar. Toneladas de diferentes etiquetas de brillo y oscuridad combinadas con toneladas de diferentes niveles de saturación, combinadas con toneladas de diferentes tonalidades. Y obviamente la rueda de color es una simplificación de EU porque como puedes ver en el recolector de color aquí en Photoshop, los niveles de tonalidad simplemente bastante locos. La mayoría de las computadoras admiten color de 24 bits, que es de 24 millones de colores. Y en realidad, el rango es significativamente mayor de lo que me hacen creer. Está bien. Pero sin embargo, estos son los elementos centrales de la rueda de color y los elementos centrales del color. Ahora bien, hay alguna información de adenda para ser hablada también, y se trata más de terminología. Es posible que hayas escuchado estos tonos, estos términos antes, tonos y tonos. ¿ Qué es una sombra? ¿ Qué es un tinte? ¿Qué es un tono? Para ser honesto contigo, la vida cotidiana, la mayoría de la gente hace mal uso de estos, particularmente los tonos de palabra, pero supongo que sí tiene un uso en la música también. Pero sin embargo, los tonos, los tonos y los tonos son elementos separados. Sombra es cuando se agrega negro a un color o grados de negro, ¿verdad? Empezarás a conseguir aquí el tono o los valores de sombra de ese particular. Décimas, por otro lado, es cuando se agrega blanco a un particular aquí. Y los tonos son los pasos variables de saturación es cuando se agrega gris a un tono particular. Entonces esos son lo que son los tonos y los tonos. Y tener este vocabulario debajo de tu cinturón y esta comprensión te somos muy útiles cuando estás pintando y coloreando tu trabajo. ¿ Verdad? Entonces como ejemplo, tomemos esto, tomemos este rojo, por ejemplo. Y aquí voy a conseguir un pincel de pintura. Y lo que voy a hacer es aumentar lentamente la oscuridad de misma para darme diferentes tonalidades de esa tasa en particular. Se puede ver que obtenemos un espectro bastante agradable de este ROJO, otro lado, nos tienen incrementando la cantidad de blanco en el color. Y una vez más, se ve un espectro muy estrecho. Y por último pero no menos importante, tonos nos tienen lidiando con el nivel de saturación. Y así aquí nos moveremos más hacia gris en photoshops, particular recolector de color aquí. Entonces pasaremos a un 50 por ciento gris de manera diagonal, tan saturado un poco más. Y esas son variaciones de tiempos. Y eso realmente es color en pocas palabras. Esa es la lección y los veré en la siguiente lección. 10. Módulo 1.8: cambio de color: Hemos aprendido acerca de la teoría del color. Ahora vamos a aprender cómo colorea la luz el color de la superficie de un Fichte. Un error principiante muy común es suponer que cuando la luz golpea un objeto, que el objeto simplemente va a aumentar de valor. Y entonces lo que voy a hacer aquí es que sólo te voy a dar un ejemplo de esto en la esfera roja en la parte superior todavía. Y así la suposición es que bien, he hecho mi color base, he hecho mi valor local, y mi color local. He añadido en alguna sombra y ahora un 12. Suerte. Entonces voy a seleccionar la base y voy a aumentar el valor de la tarifa. Y voy a citar un poco de rojo aquí. Si bien esto no es necesariamente falso y aseverando las condiciones latinas, lo que es más común es que el matiz cambiará en base a ciertos factores, escribirá la Q cambiará. Por lo que no sólo vamos a aumentar el valor ese brillo de la tasa base, vamos a cambiar el tono también. Ahora, esto significa que tenemos que ir a nuestra rueda de color aquí i yr la rueda de color, y hacer una linda línea se divide entre los colores cálidos y fríos, ¿verdad? Entonces de este lado tenemos los colores cálidos, y de este lado tenemos el cool. Ahora, en términos generales, como pauta general, la mayoría de las veces caemos bajo luces cálidas, ya sea globes y nuestra casa, ya sea luces fluorescentes en nuestra casa o en nuestras oficinas, o estamos afuera debajo del sol. fuente de luz primaria suele ser cálida o bastante cálida. Cuando se enfría, las cosas se vuelven un poco frías y frías y se nos siente un poco raro. Entonces creo que en general, optamos por tipos más cálidos de lattes o más luz del día como luces porque se siente más natural. Y cuando una luz cálida golpea una superficie de cualquier tonalidad en particular, tiende a provocar que ese whew superficial se caliente también. De acuerdo, Entonces cuando una luz cálida golpea una superficie en particular, whew sea cual sea el tono de esa superficie, tiende a provocar que la superficie se caliente también. Ahora hay muchas circunstancias de forro que son posibles, pero esta es una muy común. Y en general, esta es la forma más natural de hacerlo. También, antes de entrar en los ejemplos, ¿es cierto lo contrario? Si una luz fría golpea una superficie de una vista en particular, ¿ese Hugh se enfría? Y la respuesta es sí, claro que depende de la frescura de la luz y del color de ese lote en particular. Pero muchos van a caer en una categoría de un cálido o fresco. Y el sol generalmente se considera cálido porque es amarillo. Entonces pasemos a nuestras esferas y veamos cuál sería el enfoque correcto para iluminarlas, lo que no significa sólo aumentar el brillo, sino que también vamos a calentar lo enorme. Entonces voy a cambiar al cepillo suave aquí y vamos a empezar con el rojo. Ahora bien, si nos preguntamos, ¿qué no área o dirección cálida, este RED se moverá a esta tasa en particular? Probablemente va a ser hacia en el naranja y el amarillo, Se va a calentar hacia el naranja y el amarillo. Por lo que escogeremos el valor base aquí, el color base y el color local aumentan el valor porque estamos iluminando este lado para que podamos aumentar el valor. Va a haber como ahí. Pero también queremos mover un poco el matiz. Y por supuesto, la medida en que muevas esto depende de lo que realmente estás tratando de pintar, pero quieres conseguir aquí el principio general. Y así sería una buena manera de dejar que esa superficie en particular, estás cambiando y cambiando el tono del color local, calentándolo a medida que la luz lo golpea. Vayamos al azul. Y el azul se calentaría desde el frío aquí hasta en un cian, ¿verdad? Entonces se va a calentar en un cian. Por lo que lo seleccionaremos, aumentará el valor porque queríamos ponernos más brillantes y lo calentaremos hacia el cian. Y se puede ver lo natural que parece hacer un cambio de tonalidad así como un cambio de valor, ¿verdad? Por último, pero no menos importante, hagámoslo. Esfera verde, una vez más aumentará el valor. Y luego cambiaremos de tonalidad hacia un verde lima, derecha, entrando en esta zona de alarma de los colores cálidos aquí. Y proporciona un bastante convincente, agradable calentado aquí. Se ve iluminado de forma natural. Ahora una pregunta que podrías hacer es, bueno, ¿qué pasa con las áreas de sombra? ¿ Y las áreas de sombra del lado oscuro de estas esferas por aquí? Y la clave para, la clave que quieres recordar aquí es que las sombras mismas son efectivamente la ausencia de luz, ¿verdad? Para que la ausencia de luz, que significa que no lo haría, es la ausencia de esa capacidad de cambio de tonalidad de la luz. Entonces sombras 3D en solo un valor más bajo del color local, ¿de acuerdo? En realidad, las sombras no se ven afectadas necesariamente por ningún cambio de tonalidad. No quieres entrar y ser como, oh, bueno, uh, advirtió el último así que voy a enfriar las sombras aunque podrías hacer eso y tienes libertad creativa, términos generales, sombras o la ausencia de luz. Y así def prolija voluntad, ya sabes si esta es tu base aquí, simplemente bajarías realmente el valor para un área sombreada y dejarías que la luz en el tono cambie y el let haga la plática. ¿ De acuerdo? Entonces eso está en efecto, cómo el color de la luz afecta el color de la superficie o el color local de un objeto. Y cuando tienes luces cálidas, quieres tonificar. Ese es el final de esta lección. Te veré en la siguiente lección. 11. Módulo 1.9: esquemas de colores: En esta lección, ahora vamos a echar un vistazo a la armonía de color y los esquemas de color, pero no vamos a ir extensiones demasiado locas con esto, porque el color realmente es bastante subjetivo. Realmente no tiene unas reglas duras y rápidas y tiene más lineamientos. Frente a nosotros, vemos la rueda de color a la izquierda y a la derecha, un montón de divisiones diferentes fuera de esa rueda. Y este es tu tipo típico de división de la rueda en varios esquemas, si se quiere, será tipo de divisiones. Entonces en la parte superior tenemos las primarias y la primera primaria es sólo RG y B, rojo, verde, y azul, que construimos la mayor parte de nuestra rueda fuera, que es como los conos en nuestros ojos ven el color. Y entonces tenemos al lado de la primaria discutible. ¿ Por qué esto se llama el óvulo prominente? Porque se argumenta en ciertos círculos artísticos que estos también podrían ser de manera holística realmente primarias también. Se mira la impresión y la industria de la impresión, por ejemplo, impresión alpha1 en lo que se llama CMYK, que es cian, magenta, amarillo y negro. Y CMYK también produce imágenes perfectamente legibles y legibles cuando estás mirando tus revistas o libros y lo que tienes. Entonces tenemos secundaria. Estos son colores secundarios que realmente sólo los colores al lado de las primarias. De ahí por qué se les llama segundas. Y se puede derivar un esquema de color secundario, que es un esquema de color usando colores secundarios. Y entonces por supuesto, puede que hayas oído hablar de los colores de cortesía antes. Los colores de cortesía están directamente enfrente uno del otro en la rueda de color. Y a medida que llegamos a este punto, se puede empezar a ver especie de alguna subjetividad que ya se está llevando a cabo. Porque tal vez estés diciendo, Bueno, no es de cortesía azul y naranja en rojo y verde, ¿Qué onda con esta rueda de color? ¿ Por qué no funciona así? Bueno, eso es porque realmente no hay una rueda de color perfecta per se, ¿verdad? Simplemente tipo de ruedas de color hechas por el hombre. Y si miras a Photoshop, ni siquiera tiene una rueda más vieja, puedes descargar una rueda en particular, pero realmente ni siquiera tiene una rueda tiene esta tira de color. Y cómo se verían los esquemas de color si tuviéramos que trabajar con esta tira, ¿verdad? Se llama, puede ser muy, muy subjetivo. Entonces tenemos colores análogos. Y esos son realmente colores que están justo al lado del otro en el volante. Entonces, por ejemplo, el amarillo, el naranja, y el rojo se consideran un análogo, y así sucesivamente y así sucesivamente. A medida que trabajas alrededor de la rueda, solo puedes elegir los colores que están uno al lado del otro. Complementarios divididos, realmente que tienes una primaria y luego simplemente una especie de diagonalmente de ella en lugar de directamente a través, tienes un complemento split, lo que te da un esquema de tres colores. Ahí tienen esquemas monocromáticos de color escarlata. Monocromático realmente sólo significa un solo color. lo que tendrías un solo color en esta instancia, nosotros tenemos el azul, y luego tendrías varios otros colores siendo o blues de mayor valor, noticias menos vetadas documentadas azules, más saturadas de ese azul, menos Azure AWS, realmente te estás quedando en ese rango de tonalidad. Y eso realmente es una visión general de las divisiones generales que podrías ver cuando se trata de ruedas de color y armonía de color. No obstante, quiero mostrarte una gran manera de simplificar este proceso donde realmente no necesitas necesariamente aprender todo esto. No va a hacer una gran diferencia en tu vida. Y vamos a mirar. Eso ahora mismo. De acuerdo, y entonces lo que vamos a hacer es que vamos a lograr la armonía de color usando la regla de tres. Técnicamente, es la regla de tres más uno, lo que vamos a llamarla la regla de tres aquí para este ejemplo. De acuerdo, así que pongámoslo aquí. Armonía de colores por regla de tres. Y con este sistema, realmente no se puede ir mal. Pueden o no ser una U en la palabra color depende cómo te gusta deletrear. Es simplemente utilizar indistintamente ambos, ¿verdad? Armonía de colores por regla de tres. Y lo que quieres hacer es escoger tu color primario, sea lo que creas que el color principal en tu personaje va a ser su principal color descriptivo. Esta instancia, tomemos un azul, Vale, vamos a ir al azul, a recoger su valor, el nivel de saturación de Pickett, escoger el tono como prefieras, y decidirte a ti mismo, cuál es tu color primario va a ser. Y así aquí vamos a tener un solo color primario. Eso no me gusta. Yo quería ser un poco más oscuro. Por lo que eso será un prompt y luego escoger un color secundario. De acuerdo, así que sólo voy a ir con lo que sea. Vayamos con el amarillo y el naranja. De acuerdo, tomemos eso y tiene su propio tono y valor y nivel de saturación. E importante tener en cuenta, sí quieres que estos colores que estamos eligiendo aquí sean diferentes en valor, ¿verdad? Tan diferente en sede. Y por supuesto una diferencia en todos los demás elementos también. Cuanta más diferencia puedas conseguir entre ellos, el postor, porque de esa manera estábamos eliminando paralelos en nuestro valor, eliminando paralelos en color. Y como color terciario, que vamos a estar llamando nuestro color de acento. Voy a ir por un rojo. Vamos por este top de tarifa de rojo muy cálido y cálido y tarifa de brunch. ¿ De acuerdo? Y entonces lo que tenemos aquí es que tenemos un color primario, secundario, que acabamos elegir en base a lo que sentimos que estamos siendo subjetivos, Sí. Y luego un color de acento. Está bien. También podrías llamar a tu color terciario, pero vamos a mantenerlo x n y te diré por qué cuando tengamos estos seleccionados, ¿no? Y déjame solo conseguir aquí la Herramienta de Selección cuadrada. Cuando tenemos estos seleccionados, queremos disponer el porcentaje de color en nuestra pieza en particular. Digamos que es nuestro atuendo de personaje de acuerdo al estado, todos estos colores, así que por ejemplo, el color primario, Vamos a usar el negro para las notas son de color primario. Vamos a querer tener alrededor del 50 por ciento de cobertura y comunicación al espectador de que este es el primario. Entonces la mayor parte del color de ese personaje, ya sea una sutta, están fuera para el disfraz va a ser azul, este azul, todos los colores primarios. Por lo que 50 por ciento, quieres que tu color dividido aquí sea 50 por ciento a tu primaria. Entonces cuando se trata de tu secundaria, quieres que tu secundaria sea los objetivos más profundos, ¿verdad? El color utilizado en tu personaje para definir su esquema de color será el secundario. Y luego por último pero no menos importante, la x en el color terciario, terciario será el 20 por ciento perdido. ¿ De acuerdo? Para que tengas una división desigual, una división asimétrica de los colores. Ahora, cuando construyes un personaje, cuando estás pintando un personaje y coloreando un personaje, esto no significa que solo uses estos colores para el personaje. Más bien, este es el esquema de color del personaje. El cabello aún va a ser lo que odien, color va a ser, la piel todavía va a ser la piel dura. Estaban en relojes o accesorios o brazaletes o lo que tienes. Puedes elegir si quieres o no que eso sea parte del esquema o no. Pero generalmente si están sosteniendo algo que simplemente no puede ser parte del esquema, por ejemplo, están sosteniendo una pelota de golf. Las pelotas de golf son típicamente blancas, las pelotas de tenis suelen ser verdes. Por lo que seguirías coloreando las cosas de la manera que son. Pero quieres la sensación vom general de tus personajes, ropa o su atuendo, y sus zapatos y los accesorios generales, o sienten que son estos tres colores particulares. Para que si bajaras estos colores y dijeras: Oye, ¿qué personajes crees que encajan en este esquema? Entonces tomemos, por ejemplo, este esquema de color particular que tengo aquí se me ocurrió ahora que usé radio NGRI, pero sin embargo, pensaría algo como X-Men, tal vez cíclopes, cuando veo estos colores, ¿verdad? Tiene un traje azul. Es buenas tiras amarillas. Tiene su tasa de ASA. Y en realidad es un ejemplo perfecto. En esta instancia, si no estás familiarizado con los ciclos de personajes X-men, ese personaje de aversión al cómic. Notarás que el color se divide tipo de aplicar a él de esta manera también. Lo único que está tasa tan lista como su visera en sus glosas cosas. Y luego tiene rayas amarillas, pero la mayor parte de su traje es azul. Por lo que en realidad es un buen ejemplo en ese caso. Obviamente, no podemos poner aquí una imagen del tipo. No obstante. Y quiero reforzar que quieres que los valores entre tus colores varíen. Entonces un simple truco para hacer esto en Photoshop y lo haremos y chequearemos más avanzado un poco más adelante es solo elegir color y comprobar el nivel de valor, ¿verdad? ¿ Dónde está ese azul o a tal vez eso es como un cuatro. ¿ Dónde está ese amarillo? Parece un tres. ¿ Dónde está ese rojo? Es como un 1.5 en la escala de sedes, ¿verdad? Porque quieres esa variación de valor porque la vista es el cerebro está percibiendo ese lugar. Ahora, déjame añadir un poco de cosa extra. Siéntete libre. Ya me escuchaste antes decir que es la armonía del color por regla de tres. Y entonces sí mencioné más 1, siéntase libre de agregar y acento adicional de solo un valor, ya sea negro o grises o watts. Porque eso también puede ayudar a agregarle, obviamente, dependiendo de lo que estés haciendo. Bueno, ¿verdad? Pero la regla aquí es esforzarse por mantener el uso del color, el uso del esquema general a tres colores. No uses más de tres, no uses menos de tres. Es decir, en realidad puedes salirte con la tuya usando menos de tres para ser honesto contigo, eso significa que realmente solo estás eliminando el color del acento. Pero considera y contempla esta forma muy sencilla de conseguir realmente grandes esquemas de color simplemente usando la regla de tres. Eso es todo para esta lección, nos vemos en la siguiente lección. 12. Módulo 1.10: iluminación dinámica: Ahora vamos a echar un breve vistazo al concepto de una iluminación de tres puntos. Y a la derecha tenemos una chica de personaje mago que creé. Y a la izquierda tenemos una sola fuente de luz puntual. Entonces aquí, ahora ya sabes básicamente mucho de los principios de iluminación de tres puntos porque ya lo hemos pasado como que ya lo hemos pasado. Pero quería repasar esto de nuevo solo un poco de una manera diferente y usar el término iluminación de tres puntos para ayudarte a darte cuenta lo importante que puede ser la iluminación de tres puntos a la hora de crear un realmente creíble en un 3 realmente atractivo D mira en tu trabajo. Ahora, siempre vas a tener al menos una fuente de lote en tu trabajo, a menos que estés haciendo un estilo de coloración muy simplista, realmente en cualquier fuente clara de lote. Se trata más de un estilo gráfico y menos de una iluminación realista o parte superior de estilo formado. ¿ De acuerdo? Ahora, los principiantes tienden generalmente a usar siempre sólo un montón de nosotros al inicio. Piensan para sí mismos, o en el objeto 3D se enciende. Por lo que deben ser un área que esté iluminada y un área que tenga sombra. Y eso es todo en lo que me voy a meter. Y si bien eso no es necesariamente falso, si hay una sola fuente de luz. Cuando esto se hace en toda la obra, la cosa, el objeto de los personajes que están pintando o renderizando parecen ser rock muy plano. Parecen ser muy aburridos. Y aquí es donde entra en juego la maravilla de la iluminación de tres puntos. En el lado izquierdo, tenemos nuestra esfera y actualmente está iluminada desde un solo lado, el elevador superior. Lo que vamos a hacer es introducir una luz azul en el lado derecho. Y vamos a introducir una luz reflejada en la parte inferior. Como dije, nada que no hayas visto antes que nos vamos a dar un poco de giro y miramos esto y también vamos a usar fue un personaje que me llamó sobre los derechos para ilustrar cómo un ficticio de tres puntos la iluminación puede ser. Ahora la iluminación de tres puntos es fría, Tal va tenemos luz clave, que es nuestro lote principal, estamos enfermos y recargar, que va a ser mucho azul. Y luego nuestra luz reflejada en la parte inferior, que va a ser lote terciario. Y así tenemos iluminación de 1, 2, 3 puntos. Entonces entrémonos en eso y vamos a sumar rápidamente en estos Lutz. Entonces voy a usar un azul similar que me está encore. Es una especie de color brillante a azul. Usando el cepillo suave para hacer esto. Y vamos a sumar gentilmente en esta fuente secundaria de lote aquí. Y ten en cuenta cómo me aseguro de que sin duda sea mucho más brillante cerca de los bordes. Y en realidad puedo aumentar poco el valor humano ahí. En los puntos más brillantes de los lats, ¿verdad? Y no hemos introducido nuestra fuente de luz secundaria. Y también se puede ver en la vista en miniatura que tipo de aumenta ese quanta de lectura 3D de manera significativa. Está bien, y ahora sigamos adelante y sumamos nuestra luz reflejada. Voy a hacer de esto tal vez unos bits muy ligeros, un poco más de color opaco. Va a ser una especie de gris de alto valor en el tipo de rango verde. Y la razón es que no queremos tener niveles de Valor Compitiendo. No queremos tener simetría, si se quiere, entre los valores de la fuente de luz secundaria y los suelos de luz reflejados. También teniendo en cuenta que reflejé la luz generalmente sólo aparece en las sombras, ¿verdad? En nuestro trabajo. Entonces queremos que tipo de mantenerlo no demasiado brillante, no es demasiado ligero. De hecho, en realidad creo que deberíamos tomar ese arroyo un valor, pasos rápidos arriba y poco, pero no demasiado. Y al ser que podemos pasar a esa gama gris verdoso, en realidad podemos darle un poco de sabor GNC. Y eso parece, eso parece razonablemente bueno para fuente de luz reflejada. No queremos que sea demasiado brillante. ¿Todo bien? Y entonces lo que tenemos es una esfera de aspecto significativamente más tridimensional porque hemos levantado de un tres puntos, porque podemos mejorarla aún más con un punto culminante y así sucesivamente. Eso no es necesario para este ejemplo en particular. Ahora, si vamos a echar un vistazo a Kami y vamos a acercar un poco aquí. Echa un vistazo a su cara. Por ejemplo. Notaremos que efectivamente es víctima, si se quiere, iluminación de tres puntos haciendo que se vea más dinámica y más tridimensional, entonces de otra manera se vería sin el forro. Y así podemos ver que en el lado izquierdo de ella, tiene unas luces de llave. Es sólo cambiar el pincel ahí. Tiene un chillax y tiene unas luces secundarias en el lado izquierdo del mismo. Aquí se muestra un candado de llave en el punto culminante de su nariz. Y la forma en que ese tipo de en el valor aumenta su frente en cuanto a sus joyas y los adornos de su ropa, su bufanda puede ver el impacto de ese lote clave en el valor base en la base, el color local de los objetos que el la luz está brillando. Y así es lo mismo en sus guantes y así sucesivamente y así sucesivamente. En la escena hay una luz clave definida, y eso te da un buen sentido del 3D. Y por supuesto, las sombras refuerzan esa ubicación clave de lat. A continuación tenemos la luz secundaria, que brilla casi en un patrón repetitivo, si se quiere, de lote de perro negro oscuro para la mayor parte de las partes donde el islámico que no hay entonces hay leptón, no hay en zonas que eso está golpeando la luz secundaria de. Entonces por ejemplo, vemos aquí está golpeando la parte superior del sombrero que no golpea, luego vuelve a golpear. Probablemente no golpee de nuevo y golpea aquí, pero no golpea sus hits aquí. Eso no golpea ahí y golpea un poco aquí. Y no podemos tener que ir a reflejar la iluminación ahí. Y podemos ver aquí cómo esa luz azul está brillando en su cabello, en el costado de su cara, ¿verdad? En su labio, un poco en sus ojos, incluso en el interior de sus cuencas oculares. Se puede ver como ese lote secundario está potenciando la tridimensionalidad de ella. Muy bien, así que la iluminación de tres puntos es genial para este efecto dinámico aquí en los guantes. Ahora, ten en cuenta también cuando estés haciendo iluminación de seguridad, intenta que se desvanezca lo más naturalmente que puedas desde el borde hasta la forma. Y obviamente sea lógico acerca de los planos lo harán así que no dibuje líneas rectas sólidas del pestillo secundario, solo un poco rebebiendo en una línea recta sólida como esta. No hagas algo así. Nosotros solo seguimos adelante porque quieres romper la alineación. Se ve más natural. Si miras a tu alrededor incluso ahora mismo, mira los elementos de tu habitación. Notarás falta generalmente sigue a una mascota y dejaré área, área sombreada área de época iluminada, área sombreada, área iluminada, área sombreada, ya sea en un sentido macro o en un micro sentido. No obstante, al seguir adelante, también tenemos entonces una fuente de luz reflejada brillando desde el suelo. Y que podemos ver en esta especie de pestillo más gris corriendo hacia arriba por la parte inferior de su barbilla, van a entrar en un automóvil Joel es incluso la parte inferior de su cabello recoge algo de esta luz reflejada. Cualquier servicio de fondos que sientas que recogería esto obtendrá este fondo reflejado falta de tratamiento. Eso es secundario. Esta es la luz reflejada de fondo. Este fondo refleja sangre en su pendiente. No se ve el lote secundario del lado izquierdo porque es muy similar al corte sus aretes, pero sí se ve el lote clave en forma de ese resaltado. Entonces ahí lo tienes más o menos en pocas palabras, iluminación de tres puntos con el ejemplo de Kami por aquí. Y sí espero que esto les haya sido muy útil. Los veré en la siguiente lección. 13. Módulo 1.1: perspectiva atmosférica: En esta lección, vamos a echar un vistazo a qué es la perspectiva atmosférica y qué significa en el mundo real, en nuestros dibujos y por supuesto en nuestra coloración de personajes y pintura de personajes. En el mundo real, el aire se acumula entre objetos y a medida que retroceden cada vez más hacia la distancia, cada vez hay más acumulaciones de aire. Y lo que esto significa es que los elementos de primer plano o DACA, despejan un más nítido y más contrastante. Y a medida que los elementos se mueven de nuevo a la distancia debido a la acumulación de aire, sus valores son más ligeros. Tienen menos detalle, son mucho menos contrastantes. Y eso significa contrastes entre un objeto a otro y en general menos detalle. Y entonces esto realmente es lo que es la perspectiva atmosférica. Ahora, en cierto sentido, en tu tipo típico de ángulos de cámara, o más bien deberíamos decir, en las perspectivas y puntos de vista típicos en los que tendes a dibujar personajes, no verás una cantidad increíblemente grande de perspectiva atmosférica porque los objetos, por ejemplo, un brazo del otro lado del cuerpo está bastante cerca del cuerpo todavía, no hay mucho aire que se pueda construir ahí arriba. Pero sin embargo, usamos esto como una herramienta para la dramatización, ¿no? Por lo que estamos construyendo en drama adicional y un adicional santos de profundidad y entidad tridimensional mencionada en piezas utilizando los principios de la perspectiva atmosférica. Ahora, en nuestro dibujo en el medio aquí, esto es gor ingle, es un OLC. Podría, quizá sepa si lo sabe, dibujando teoría en pesos de Londres que tendemos a dibujar pesos de línea más gruesos en líneas que están delante y línea más delgada, pesos de línea en líneas que están detrás. Y a medida que las líneas pasan por un infinito, retrocedemos esos objetos al fondo. Por lo que es una forma para nosotros de crear profundidad usando perspectiva atmosférica asegurando que los objetos de primer plano tengan líneas más gruesas y los objetos de fondo tengan líneas más delgadas. Y así es como solemos usar pesos de línea. Se puede ver en crecer, crecido por aquí, ha conseguido líneas significativamente más delgadas en sus trenzas de pelo en comparación con la línea de su hombro aquí entrando en su brazo. Y entonces una vez más, las líneas son realmente gruesas en la mano de primer plano aquí, así como la hoja para distinguirla y crear una sensación de profundidad. Ahora se podría decir, bueno, realmente no hay mucho aire entre estas cosas. Y acabas de decir que no hay mucho entre estas cosas que es cierto. Pero recuerda, vamos a crear imágenes. No estamos creando cosas reales con la creación de imágenes. Y estamos tratando de persuadir al espectador de la creíbilidad de las imágenes. Entonces cualquier herramienta que tengamos y podamos usar que ayude a persuadir al espectador es buena. También queremos tener en cuenta la creíbilidad, realismo de Trump, ¿no? Creatividad El realismo de Trump. Si algo es más creíble y no realmente realista, sigue siendo más creíble de lo que es real, ¿verdad? Tan creíbilidad, el realismo de Trump. Ahora, pasando a Charlotte en el extremo derecho. No obstante, los elementos en, en nuestra esfera particular de intereses, o su brazo trasero aquí, su brazo derecho, así como su pierna derecha. Y ambos tienen unos valores más ligeros en comparación con sus elementos de primer plano. Y nuevamente, esto se hace para diferenciarlos de esos objetos y elementos. Y también para ayudar al espectador a entender que hay profundidad en la imagen. Ahora, generalmente es un efecto sutil de efecto bastante sutil. Pero tenerlo en anuncios tanta profundidad extra a la paz, úsalo como le parezca conveniente. Esa es la perspectiva atmosférica. Y te veré en la siguiente lección. 14. Módulo 1.12: diferenciación de borde: En esta lección, vamos a aprender sobre lo esencial de las edades, cómo eso se relaciona con la coloración, cómo eso se relaciona con la pintura y la parte superior de Cornerstone, Realmente están en la creación de arte en general. Pero antes de llegar a los bordes mismos, es importante que aprendamos sobre profundidad de campo. Ahora quiero hacer un ejercicio práctico. Recoge algo cerca de ti y sosténgalo lo más cerca posible de tu cara donde sigue siendo una especie de enfoque y solo una especie de enfoque en 1 de ese elemento. Y lo que probablemente notarás, y es algo que probablemente has visto antes, es que una vez que eso está enfocado, todo lo demás sale fuera de foco. Se vuelve muy borrosa. En esencia, has creado una profundidad de campo poco profunda, un alto, está tan cerca de tu cara. Ahora, profundidad de campo técnicamente se refiere a la distancia entre los objetos más cercanos y los más lejanos que están enfocados. Esa es la profundidad de campo, casi podría llamarlo la profundidad de campo de enfoque, ¿verdad? Entonces la distancia entre los objetos más lejanos y los más cercanos que están enfocados, todo fuera de esas áreas es borroso, ¿verdad? Y fuera de foco. Y así una profundidad de campo poco profunda se refiere a un área que sólo tiene una pequeña cantidad de objetos enfocados y luego objetos cercanos o en primer plano. Tan borrosa. Bec, los objetos redondos son una especie de azul. Y una profundidad profunda de campo se refiere a no mucho borrosa y primer plano no mucho borrosa en el fondo. Muchas cosas están enfocadas. Por ejemplo, la fotografía de paisaje. En términos generales, muchas cosas están en foco cuando se habla de fotografía de retrato, generalmente sólo la cabeza de la persona está enfocada y el fondo es un bellamente borroso en esa instancia. Ahora, ¿por qué importa esto? Bueno, justo como un comienzo, si echamos un vistazo a las edades de estas estrellas, son bastante bonitas y echamos un vistazo a los bordes de estas estrellas, están bastante borrosas. Y de inmediato a nuestra visión, nos dice algo a la talla de, Hey, mírame, estoy enfocado y hey, No me mires. No estoy enfocado. Yo no soy importante. Aporta objetos hacia adelante cuando tienen bordes afilados y los empuja hacia atrás. Ahora, cómo esto se relaciona con nosotros y cómo pintamos, Tiene mucho que ver con los pinceles que usamos, las edades de los pinceles que estamos usando. Y la mayoría de las aplicaciones deben soportar múltiples tipos de edades, ¿verdad? Si no tienen un montón de cepillos diferentes que hacen un montón de cosas diferentes. Ahora, aquí del lado de los rehenes podemos ver cómo se ve un filo duro agradable y crujiente. Y luego de igual manera con los bordes suaves y las últimas etapas. Y en especie de su tradicional, típica OT, teoría sobre los fundamentos. Y se te enseñará que hay tres tipos de bordes, bordes calientes, bordes suaves y edades perdidas bordes que están más implícitos pero no declarados, se pierden. Y es bastante sencillo captar este concepto con algunos ejemplos más aquí, solo como que muestra lo que está pasando entre los bordes. Ahora, una vez más, quiero reforzar eso. Quieres pensar en unos bordes calientes casi como si estuvieran diciendo, oye, estoy aquí, Mírame. Crean un contraste tan fuerte entre valores y por supuesto, el borde mismo que atraen la atención del espectador hacia sí mismos. Y los bordes suaves, por otro lado, son muy tímidos y no quieren que se noten. Y son algo así como, Hey, realmente no te fijes en mí. Yo soy una especie de no realmente aquí. No me mires. Y así es como quieres pensar en los bordes blandos. Por lo que podemos usar bordes suaves en los santos para empujar las cosas hacia atrás y bordes duros para llevar las cosas hacia adelante. Pero también podemos usar los bordes en sentido compositivo a la manera de nuestro trabajo, la forma en que jugamos los bordes duros, dibuja su enfoque, ¿verdad? Entonces podemos definir puntos focales con bordes y puntos no focales con bordes blandos, ¿verdad? Entonces esa es la forma en que queremos pensar en los bordes. Pero lo que quiero hacer también con los bordes es que pienso mucho de los bordes como lo harías una escala de valor, excepto en el mundo de los bordes. Y así tendríamos, digamos, bien del argumento, diez pasos. Haré tantos caben en la página todavía. Pero vamos a tomar este pincel en particular. Es un cepillo de borde duro y baja lentamente su dureza. Ahora no todas las aplicaciones apoyan esto, pero ese no es el punto del ejercicio. Lo que queremos hacer es suavizar lentamente la dureza del borde. En realidad se preguntan si este efecto incluso va a funcionar. Está bien, lo es. Está bien. Por lo que estamos endureciendo lenta pero seguramente el hardware de borde. Por lo que se puede ver casi la mayor parte de esta barra es de borde bastante duro. Y lo que quieres hacer es pensar en los bordes como una escala de bordes que va de muy, muy difícil a cada vez más suave, más suave y más suave y más suave y más suave. Para que pienses en los bordes como una amplia gama de bordes irá tan lejos y luego usaré un cepillo suave solo para indicar bordes aún más suaves. De acuerdo, así que piensa en los bordes como una escala, pasando de muy difícil a una especie de firme a una especie de mediocre, algo suave, más suave. Hagamos eso un poco más suave. Y luego bordes más suaves que son realmente, realmente, casi no hay borde ahí. Simplemente parece algún tipo de humo o gas o aire. Entonces piensa en los bordes como un, en una escala de edad. Ahora vamos a elaborar sobre esto más cuando lleguemos a los ejemplos de estilo de las diferentes técnicas de coloración y diferentes técnicas de pintura. Y estábamos haciendo esos ejemplos prácticos. Piensa en la teoría. Recuerda la teoría y si puedes por favor tomar notas, las edades realmente están en una piedra angular del arte que realmente muchos artistas empujaron al margen y solo se dieron cuenta de muchos como más tarde, cuánto necesitaban realmente toda esta teoría de borde. A modo de último ejemplo, vamos a echar un vistazo a los bordes de impacto que realmente pueden tener cuando se trata de enfocar. Entonces aquí tenemos una serie de puntos rojos en el fondo y un punto azul en primer plano. Y la única razón por la que vamos a decir que el punto azul está en primer plano del momento es porque está superponiendo los puntos rojos. Pero cuando empezamos a manipular los bordes, podemos ver cómo nuestros ojos son engañados de inmediato, engañados por lo que está pasando cuando cambiamos los tipos de bordes. Entonces aquí hemos difuminado los bordes del fondo y repente aparece como si ese círculo azul saltara hacia adelante, ¿verdad? Pero qué pasa cuando entonces azul el círculo azul y nos quedamos con la tienda de fondo. Ahora nuestro enfoque se postergó a los círculos traseros. Este es el poder de los bordes. Y es realmente como una cosa simple de hacer, Como digo, para citar ofrecida y descuidada. Ten esto en cuenta cuando estés pintando. Ten en cuenta tus bordes, sé muy intencional. Y qué puntos quieres usar los bordes calientes, y qué puntos quieres usar, bordes suaves, por qué estás usando esos bordes en esos diversos puntos. Eso es todo para esta lección y nos vemos en la siguiente lección. 15. Módulo 1.13: observación: Al salir de nuestro núcleo de iluminación y teoría del color, quiero que te hagas la pregunta, cómo, cómo se le ocurrió a lo más grande todas estas teorías locas que usamos hoy en día en la coloración superior realista y la pintura. ¿ Cómo se les ocurrió? Y la respuesta es obvia. Realmente se tomaron el tiempo en observar el mundo que los rodeaba. Y quiero animarte a medida que salimos de esta sección para convertirte en observador del mundo que te rodea. Mira la forma en que la luz golpea ciertos objetos, mira los patrones que bloquea crea. Pregúntate, ¿por qué una cosa en una superficie y otra cosa en otra superficie? Y mientras estás en ello, empieza a prestar especial atención a la sutil oclusión ambiental y forma sombras que ocurren en los objetos. Porque como hemos aprendido, como nos hemos movido por esta sección, esos dos valores, tu sede blanca y tus sombras, son realmente la base de tus formas 3D cuando estás pintando. Ahora, aunque vayas a estar haciendo una coloración más simplista y tus personajes, más colorante estilo de caricatura. Si quieres hacer algo que es celda S8 sombreada como un mango enemigo estilo cel sombreado. Aun así, esos estilos simplistas se derivan de los principios fundamentales. Entonces quiero animarte a que te conviertas en observador del mundo que te rodea. Estar un poco loco por ello. Sé un poco intenso al respecto. Mira atentamente las cosas. Sé raro en el centro comercial o cuando estás caminando por las calles, cuando estás en la escuela, o estás en clase o en la universidad donde quiera que estés, ponte loco por ello. Observe al carajo fuera de las cosas que necesita aprender a ver más de lo que la persona promedio está viendo, prestando especial atención y dando un valor especial a las sombras y las luces y la iluminación reflejada e iluminación rebote e iluminación secundaria. Y entendiendo cómo están trabajando las luces y las sombras para crear esa visión de tridimensionalidad que experimentamos. Entonces déjame animarte a que te conviertas en observador. Salir al mundo, ser más que todos ustedes cuando se trata del mundo visual y ser un poco loco, ir por la borda cuando se trata de mirar el mundo que te rodea. Ese es el final de la sección. Estoy tan emocionado de enseñarte cosas más prácticas, más aplicables en términos de coloración de personajes y pintura de personajes. Entonces vamos a meternos en ello y nos vemos en el siguiente módulo. 16. Módulo 2.1: introducción: Bienvenido al Módulo 2 y bienvenido a la introducción a la coloración digital Essentials. Este módulo se trata de aprender las herramientas digitales que necesitas para colorear y pintar tus diseños de personajes de manera efectiva. Ahora bien, si eres principiante, este módulo es muy recomendable para ti. Cubrimos algunos matices y por supuesto, las herramientas esenciales necesarias para lograr la coloración y pintura que desees. No obstante, si ya estás bastante familiarizado con las herramientas de arte digital, sabes cómo usar Photoshop bastante bien, o Clip Studio Paint o cualquier cosa similar. Realmente no necesitas pasar por este módulo. Para los principiantes estará echando un vistazo a las teclas de acceso directo, las diversas herramientas, capas , modos, selecciones, etcétera y así sucesivamente. Y también obtendrás este archivo de teclado, versión principal del mismo en tus recursos. Photoshop se utilizará como ejemplo de software de base. Pero ten en cuenta que realmente los atajos y la utilidad general de las aplicaciones realmente siguen siendo los mismos entre todos los paquetes de software, particularmente cuando se trata de pinceles, pinceles, edición, capas, modos de capa y así sucesivamente. La mayoría de los principales paquetes de software, estas características. Muy bien, vamos a meternos en ello. Empecemos. Y los veré en la primera lección del módulo dos. 17. Módulo 2.2: resumen de herramientas generales: En esta lección, vamos a tomar una visión general rápida de las herramientas generales que se utilizan en las aplicaciones de arte digital. Y para empezar, vamos a hablar del lienzo. Y el lienzo realmente es donde realmente vamos a estar haciendo el dibujo de la pintura, la coloración y demás. El Canvas realmente representa el tamaño de salida de nuestro trabajo. Vamos a imprimirlo o el tamaño de resolución de pantalla sobre trabajo en base a las opciones que seleccionemos al crear un nuevo documento. El siguiente apartado que vamos a discutir es la sección de capas. Y la última sección nos permite acumular capas de transparencia, básicamente las mismas proporciones y tamaño que el documento original de lienzo aquí. Y nos permite hacer cosas en diferentes capas. Por ejemplo, si fuera a pintar el pelo de un personaje en la capa 3, podría entonces, porque estoy usando el sistema de capas, ajustar sólo el color del cabello. Y por lo general tenemos nuestras líneas y nuestros dibujos en una capa superior y tendemos a pintar debajo. La mayoría del software te permitirá crear nuevas capas en tu sección de capas, así como ajustar los modos de capa a los que entraremos más adelante. Sigamos adelante y hablemos de pinceles y borrados. Ahora en Photoshop, la herramienta de pincel y la herramienta de borrado compartieron la biblioteca de pinceles. Ahora, estos pinceles se pueden importar, se pueden descargar. Hay miles de pinceles en el particularmente para Photoshop, Procreate y pintor de coral, puedes hacer los tuyos también. Realmente ofrecen una amplia gama de tipos de simulaciones de tipo medio, por ejemplo, acuarela y PESTEL y así sucesivamente y así sucesivamente. Pero encontrarás en la mayoría de las aplicaciones de software capaces de crear tus propios pinceles, manipular los pinceles, ajustarlos y así sucesivamente y así sucesivamente. Y las herramientas de pincel también, generaremos, te daremos control de opacidad y control de flujo, que entraremos en un poco más de detalle más adelante también. La siguiente herramienta muy importante sobre lo que es la herramienta de selecciones. Ahora en Photoshop, cuando haces clic en la herramienta de selección y la mantienes presionada, obtienes la herramienta de marquesina rectangular, que te da selecciones rectangulares y las selecciones esféricas son selecciones elípticas. Y entonces también tienes la mano libre y la herramienta poligonal que le llaman la herramienta de lasso. No obstante, la mayoría de la gente lo llama la mano libre porque solo se puede dibujar selecciones. Y las selecciones te permiten seleccionar áreas de tu pieza y manipular solo esa área en particular, puedes moverla, puedes cambiar su tamaño, puedes transformarla, y así sucesivamente y así sucesivamente. La versión poligonal te permite lograr selecciones más precisas al darte una funcionalidad punto a punto. Si tu mano está un poco temblorosa o tienes algunas curvas realmente apretadas que quieres seleccionar. Siguiente es el recolector de color. Tengo el recolector de colores aquí a la derecha y una especie de mini ventana que saqué. Pero el selector de color típico de Photoshop se ve un poco así, y le permite seleccionar una saturación de valor. Y por supuesto, el matiz aquí. Y puedes ver que tienes acceso a un número bastante sorprendente de opciones de color a la hora de colorear digital. Entonces ese realmente es el recolector de color. Entonces hablemos un poco de navegación básica. Mucho software incluye una ventana de navegador, Procreate no, pero realmente no lo necesitas porque puedes manipular la página con las manos. Pero la ventana del navegador te permite tener una pequeña vista en miniatura. Puedes hacer clic en la pequeña caja roja y rotularla alrededor de la página. Y a medida que acercas y alejas, esa pequeña caja se hace cada vez más pequeña. Adicionalmente, se puede utilizar la barra espaciadora, que abrirá la mano Navegación. Y te deja arrastrar y desplazar por toda la página. último, pero no menos importante, vamos a echar un vistazo muy breve al top minutiae parenting mas software y algunos de estos probablemente te familiarices con el menú Archivo, que te permite crear nuevos documentos y exportar documentos. El menú Editar, que te tendrá editando diversos elementos y cosas que estás usando en el documento real. El menú Imagen, que controla muchos elementos en función de la página real o del lienzo. El menú Capas, que tiene opciones de capa, top, que controla topping y texto, y el menú de selección, que controla todo lo que tiene que ver con las selecciones. El menú Ventana, que también es común en muchas aplicaciones gráficas, te permite controlar muchas de las ventanas y muchos de estos paneles de interfaz gráfica de usuario, realmente puedes simplemente arrastrarlos. Y si ves aquí hay una interfaz que tengo que puede que no esté en tu versión particular de Photoshop o la aplicación que estás usando. Ve y comprueba que es el menú Ventana y solo tienes que hacer clic en la casilla que quieras y moverlo a donde te gustaría tenerlo. Por supuesto, el menú de ayuda también, sólo habiendo ayudado para esa aplicación de software en particular, el menú 3D no se utiliza con frecuencia. Esto es particularmente sólo en Photoshop para reutilizar mucho para el arte digital. Y el medio filtrante controla una gama de filtros, pero vamos a entrar en esos el momento adecuado cuando vamos a estar usando eso para una especie de funcionalidad. Es importante tener en cuenta que casi la mayoría de las aplicaciones que he nombrado y muchas de las principales aplicaciones gráficas deben sí tienen ciertos filtros y cosas que puedes hacer como el afilado y el blues. Entonces verás que realmente en general, si aprendes uno realmente bien, no puedes tener un alcance de uso bastante amplio en otras aplicaciones de software porque se comparten muchas cosas, incluyendo los atajos de aplicación. Eso es todo para esta visión general de las herramientas, vamos a meternos en la basura de la misma. Te veré en la siguiente lección. 18. Módulo 2.3: guía del tamaño y resolución: Ahora echemos un vistazo a la creación de un nuevo lienzo, particularmente en lo que respecta al tamaño y la resolución. En general, las aplicaciones te darán la opción de elegir un ancho y una altura del lienzo que te gustaría. Y luego la herramienta de medición. Entonces, ya sean milímetros, centímetros, píxeles o lo que tengas, muchos artistas tenderán a elegir píxeles o milímetros y el tamaño de página indeterminado por eso, las aplicaciones suelen ofrecer presets. Por lo que puedes ver aquí photoshop está ofreciendo presets de fotos, presets de impresión, ilustración y así sucesivamente. Eso es todo en particular use preajustes de impresión. Y yo iría por un lienzo tamaño A3 aquí, que es bastante grande. Cuando lo conviertes en píxeles, puedes ver que tiene una altura de 4,961 píxeles y un ancho de 3,508 píxeles, lo cual es realmente genial para las artes digitales. Casi actualmente una página de tamaño perfecto para que lo uses y el tamaño del papel es bastante, bastante estandarizado. A continuación, te da una opción de orientación. ¿ Quieres empezar con la página siendo vertical u horizontal horizontal? De cualquier manera, en realidad no hace la diferencia. Se puede ajustar esto de todos modos en los documentos simplemente volteándolo o simplemente haciendo una rotación de página. Ahora bien, muy importante es la sección de resolución. Cuando estás haciendo coloración digital, pintura digital, ¿realmente no quieres hacerlo a baja resolución o algo así? Yo diría inferior a 300. Ahora bien, si tu computadora está teniendo problemas de rendimiento, yo diría que miren, bajen a 150, trataron de no bajar dentro de eso. Pero en términos generales, el estándar es 300. Y si tienes una máquina beefy, ¿por qué no ir a 600 también? Simplemente sepan que sí requiere mucha potencia de procesamiento y RAM para pintar realmente a esa resolución. Pero te va a dar lo más alto, una de las más altas básicamente resoluciones que puedes obtener para la pintura digital. Pero más o menos pinto en 300 pixeles por pulgada. Me pareció que estaba perfectamente bien, y tenía una computadora muy poderosa y todavía encuentro 300. Y para ser divertidos, y queremos apegarnos a píxeles y pulgadas, ¿de acuerdo? En cuanto al modo de color, en términos generales, muchas de las aplicaciones antiguas se predeterminarán automáticamente en color RGB, que es de color rojo, verde, azul, que es el color digital. Mucha gente hace la pregunta, sobre todo empieza como hacer la pregunta, debería estar usando CMYK, que es print cut it porque, ya sabes, tal vez quería imprimir mi auto it. Ahora contesta a eso sería no porque querías pintar realmente con color RGB y color con color RGB. Y luego cuando quieras traerlo para imprimir, luego conviertes el documento a CMYK. Si fueras a pintar o un poco ingerir CMYK. El modo Y funciona en las aplicaciones de software es que va a limitar su rango real o color real. Los ingenieros no quieren hacer eso. El color RGB es de 24 bits en la mayoría de las computadoras, la mayoría del software en estos días. Así que apégate a RGB. Puedes dejar la Bhatia a las ocho, pero no necesitas preocuparte por eso. Y entonces esto es simplemente seleccionar cuál quieres que sea el contenido de fondo, solo por lo general blanco, negro, o un color de fondo. Y algunas aplicaciones te darán la opción de hacer que ese fondo sea transparente. Sea lo que sea, realmente no importa aunque elijas transparente, solo puedes agregar otra capa y hacerla blanca. Muy bien, y eso es realmente lo básico del tamaño de página como pauta general para la resolución general y no el píxel real por pulgada resolución, trató de mantenerse en un ancho de alrededor de 3 mil y al menos 3000 en tu lado más largo para obtener esa buena resolución de impresión en tu trabajo. Aparte de eso, no hay mucho más de qué preocuparse en cuanto al lienzo, realmente solo asegurándote que tu ancho y altura estén en unas buenas dimensiones de píxel, tu resolución es de 300 si es posible, y definitivamente estás trabajando en color RGB, y eso es todo para esta lección. 19. Módulo 2.4: instalación de pinceles: Ahora echemos un vistazo rápido a cómo instalar nuevos pinceles en Photoshop. Y el proceso realmente es muy similar para la mayoría de las otras aplicaciones. Tengo la herramienta de pincel seleccionada aquí, y voy a la configuración de la herramienta de pincel en la parte superior aquí y hago clic en este pequeño icono de engranaje. Y cuando hago clic en el icono, hay una sección a la mitad de este menú muy grande que dice Cargar pinceles. También puedes reemplazar los pinceles aquí así como guardar pinceles o restablecerlos a los predeterminados del software. Esta instancia, voy a elegir Cargar pinceles, y luego navegaré hasta el archivo de pincel. Por lo que va a Photoshop el pincel mientras normalmente termina con un B R. Voy a seleccionar eso, voy a dar clic a cargar, y ha cargado esos pinceles en. Ahora si quieres mantener las cosas bastante simples para los propósitos de costos, puedes ir y seleccionar reemplazar cepillos. Haga clic en los pinceles que haya descargado, haga clic en cargar. Y reemplazará todo el número vos de pinceles predeterminados por solo estos cepillos esenciales de núcleo. Este particular pack de pinceles el cual se incluye con el curso como mis pinceles fríos personales, que incluye un boceto de un dibujo, un plano inca para hacer pisos y entintado. Una opacidad suave con pincel de bajo flujo, que es bueno para hacer sombras suaves y oclusión ambiental. Un cepillo de doble filo que es caliente y uno repentino duro y suave por el otro. Una parte superior cuadrada de pincel, que es genial. Es mi pincel por defecto. Un pincel estilo redondo que comparte las mismas propiedades. Un pincel granulado para un aspecto granulado agradable, un pincel circular para un look más suave. Es un cepillo de borde muy suave, un pincel de acuarela que realmente sí funciona más o menos como el agua. Tipo de pincel cuadrado áspero. Ese tipo de funciona un poco como pasteles. Un cepillo redondo áspero, que también se ve un poco como pasteles o tizas, y luego un pincel moteado estamos haciendo pecas y otros efectos texturales y un rastrillo fuera, que tipo de es un pincel de textura tipo Harish. Listo, usa esa, pero la he incluido de todos modos. Entonces eso es esencialmente lo que hay en este pincel hacia atrás, y así es como instalas los pinceles. 20. Módulo 2.5: guía de accesos teclado: Ahora vamos a echar un vistazo a algunos de los atajos de teclado más comunes en las aplicaciones de arte digital. Ahora, no vamos a pasar de manera integral por cada atajo de teclado posible. Como ya he dicho anteriormente, Photoshop y aplicaciones similares de muy profundo. Y yo aconsejaría jugar realmente con la aplicación mientras haces trabajo, mientras haces tus pinturas, jugando con ella, metes con ella y cometes errores. Obviamente, ten un archivo de copia de seguridad disponible para que puedas meterte camino y experimentar realmente algunas de las herramientas aleatorias y otros elementos del software que estás usando. Alternativamente, sí considera buscar una educación profunda e integral en la aplicación que está utilizando. Conocer también tu herramienta siempre es muy útil porque te permite ser mucho más eficiente y enfocarte en lo extraño en sí. Con eso dicho, empecemos y vamos a empezar con B. Y B es nuestra herramienta de pincel y nos permite utilizar nuestros diversos pinceles. Por lo que presiona B para la herramienta de pincel. De igual manera, puedes presionar E para la herramienta de borrador, y aparecerá la herramienta de borrado y te permitirá borrar lo que hayas pintado. Ahora quizá quieras cambiar el tamaño de tu pincel. Así que he vuelto a cepillar allí con un B, y estoy usando corchetes derecha para ir más grande y corchetes a la izquierda para ir más pequeños. El grandioso de esto, que es una forma muy fácil y eficiente de cambiar el tamaño de tu pincel, que es algo que estarás haciendo mucho cuando estés haciendo pintura digital y coloración digital. Adicionalmente, querrás saber cómo deshacer y rehacer algunos va a poner tres puntos aquí. Y si golpeo Control Alt Ed, voy a deshacer y puedo rehacer con control, lo cambia. Ahora, dependiendo de la aplicación en tus preferencias de teclado, puedes cambiar esto. Por lo general tengo estados de control zed para deshacer y Control Shift Z. Se sienta a rehacer porque la versión de deshacer de Photoshop es un deshacer rehacer en un solo botón. Entonces cuando vayas Control zed, solo deshará tu última acción. Para que veas que son solo deshacer constantemente y rehace esa acción. Muy bien, Siguiente vamos a hablar de la herramienta de selección de Marquee, que es M, y ese es este ícono de aquí. Y te da la opción de tener una selección rectangular o una elíptica y oprimirlo ahí. Y voy a dibujar una selección y presionaré Eliminar para borrar el contenido de esa capa que acabo de crear. A continuación, queremos mirar la herramienta de movimiento. Entonces pongamos un punto aquí. Cambiemos nuestro pincel. Puede usar un cepillo de borde duro aquí. Cambia r punto y golpearé V para conseguir la herramienta de movimiento. La herramienta de movimiento puede manipular cualquier cosa que hayas seleccionado o lo que esté en tu capa en la actualidad, haz clic y arrastra y puedo mover objetos por ahí usando la herramienta Mover. También obtienes la herramienta de selección Lasso, que puedes acceder presionando L. Y te da la opción de usar ya sea selecciones a mano alzada o selecciones punto a punto. Las selecciones punto a punto funcionan haciendo clic en puntos y dándote una selección de esa manera cuando la completes. Y la selección de mano libre te permite crear selección a mano alzada, por lo que solo dibujamos la selección que le faltaría. Ahora bien, lo que puedes hacer tan bien como podrías encontrar, particularmente cuando estás pintando. Realmente no quieres ver estas líneas porque se meten con las edades del área que estás pintando, notas sobre auditoría para ocultarlas, golpeas Control H. Ahora la selección sigue ahí. Se puede ver todavía puedo pintar dentro de esa selección, pero Las líneas de selección o escondidas y luego se mete en el camino y no están distrayendo cuando estás tratando de pintar. Ahora para desseleccionar algo con un atajo de teclado, tocarías el control D. O Control D es el botón de selección D, ¿de acuerdo? Ahora, lo que también puedes hacer es seleccionar la herramienta Mover si lo deseas, o la Herramienta Marquee, seleccionar un objeto y luego presionar Control T. En esto te da la capacidad de transformar el elemento. Lo que puedes hacer es escalar el elemento alrededor. Puedes aplastarlo, puedes estirarlo, y también puedes moverlo en este modo en particular también. Entonces eso es Control T para golpear las herramientas de transformación. Ahora algo importante a notar es que se podría decir, bueno, no me gusta cuánto control tengo. Sí, quiero que este objeto se quede exactamente en el tamaño y proporciones correctos. Y así Photoshop o tiene un botón incorporado de proporciones constreñidas, que es el mismo, en términos generales, en la mayoría de las aplicaciones impares, que es turno. Entonces si presiono shift primero y luego hago clic en el manillar pequeño ahí, mantendrá las proporciones. No puedo salir fuera del tamaño proporcional real de la forma. Bueno, puedo hacer es escalarlo proporcionalmente. Entonces ese es Shift. Y por cierto, el cambio también permite mover las cosas en líneas perfectamente rectas, horizontales o verticales basadas en la dirección original. Por lo que sostengo Shift, hago clic, y si me muevo hacia abajo, puedo ver que se va a mover perfectamente hecho. También puede moverlo un ángulo de 45 grados o perfectamente horizontal, ¿verdad? Por lo que el movimiento vertical, whoops , movimiento vertical, movimiento horizontal, o movimiento de 45 grados, puede restringir el movimiento manteniendo presionada la tecla Mayús. Y ese turno se aplica no sólo a las transformaciones sino a cualquier cosa en general. ¿ Verdad? Entonces esa es la clave de turno para constreñir proporciones y mantener las cosas alineadas correctamente. Pero también puedes hacer, quieres seleccionar todo en una capa. Se puede golpear el control a, que luego selecciona todo en el laboratorio. Y puedes presionar Control C para copiar elementos de memoria y Control V para pegar. Y así ahora realmente hemos pegado este elemento en la memoria también. Entonces ahora tenemos dos de ellos muy similares a otras aplicaciones, ¿verdad? Y lo que he hecho aquí es que he usado shift para seleccionar múltiples capas y un delete ambas de estas capas. Ahora, podemos volver a pasar por eso. Por lo que soy prisionero B por mi herramienta de pincel. Pondré eso en la capa tres, y pondré esto en la Capa 4. Y si las muevo de forma independiente, solo muevo una línea, pero si quiero mover ambas para seleccionar ambas capas, puedo mantener pulsada la tecla Mayús, hacer clic en ambas capas, y puedo mover ambos elementos. Eso es usar desplazado para usar una selección de capas múltiples. Déjame mostrarte otro truco genial. Si tienes un elemento que te gustaría duplicar y no quieres usar Control C y Control B y así sucesivamente. Una forma corta de hacerlo es sólo mantener presionado Alt, hacer clic en el objeto y arrástrelo en la dirección de 12. Y Photoshop te hará una copia. Esto también funciona en la mayoría de otras aplicaciones de arte. Y dicho sea de paso, puedes mantener Alt Shift para asegurarte de que esté alineado directamente por debajo del original. A continuación, vamos a echar un vistazo rápido a la herramienta de texto, que es t No todas las aplicaciones tienen herramientas de texto, pero sin embargo, herramienta de texto te permite escribir y obtienes tus opciones normales de fuente y negrita estilo, alineación y así sucesivamente y así sucesivamente. Puedes cambiar el color y lo que tienes. Esa es la herramienta de texto, que es T. Y por último pero no menos importante, vamos a echar un vistazo a la herramienta de gradiente. El método abreviado de la herramienta de gradiente es G, y vamos a estar usando gradientes y vamos a entrar en ellos con más profundidad más adelante en el módulo 3. Pero sin embargo, cuando inicias Photoshop por primera vez, puede que esté en la Herramienta Cubo de Pintura. Basta con hacer clic y mantener presionada la herramienta de gradiente y obtendrá una herramienta de gradiente aquí. La herramienta Degradado te permite una variedad de gradientes y te permite crear un gradiente para usar. Por ejemplo, aquí tenemos un rosa a azul, tenemos un verde oscuro a verde claro, o tenemos un rojo, demasiado transparente. Y los dos superiores transparentes de gradientes es el que utilizamos principalmente. Por lo que seleccionamos un elemento y simplemente hacemos un ligero gradiente desde una ubicación sobre otra ubicación. Entonces esa es la herramienta de gradiente que es G en el teclado. Y esos son algunos de los atajos de teclado de aplicaciones OT más comunes. Espero que esta haya sido una lección útil, y los veré en la siguiente lección. 21. Módulo 2.6: opacidad y flujo: Ahora vamos a echar un vistazo a los pinceles, el flujo y la opacidad. Y vamos a hablar primero de pinceles. Simplemente tipo de discutir algunos de los pinceles en el paquete de pinceles con un poco más de detalle, empezando por el pincel boscoso. Ahora, lo clave que queremos recordar cuando se trata de pinceles es que queremos tener en cuenta nuestras edades de manera efectiva. Gran parte del tiempo que usan cepillos es o para producir cierto tipo de textura, pero fundamentalmente más, es para determinar un top mayor de edad. Entonces con las edades muy duras, muy suaves, o una escala de edades entre medias, ¿no? Por lo que generalmente seleccionando nuestros pinceles en función de su edad. Entonces el boceto, un pincel aquí realmente es un buen pincel para solo hacer dibujos, ¿verdad? Se puede dibujar bien con él. También es bueno para agregar algunos aspectos destacados de borde duro y cosas por el estilo. Y cuando lo volamos, se puede ver que el pincel ambos tiene dinámicas de tamaño encendido y a lo que eso se refiere es que el SaaS cambia en función de la presión así como de la dinámica de opacidad. Por lo que la ligereza o la oscuridad del trazo también está determinada por la presión. Y lo bueno de este pincel en particular que tenga estas sentadas integradas es que se puede usar como un marcador de clase. Se puede ver cuando empiezo a solaparme y realmente tiene un tope de efecto de mercado también. Si bien al mismo tiempo siendo muy versátil como pincel lápiz también, pues empezará a parecerse mucho a unas pinturas. Fui parecía un mercado en absoluto cuando estás dibujando cosas. Y bien, así que ese es el boceto de pincel. El pincel huido inca, como su nombre lo indica, es un pincel que no tiene opacidad, pero sí tiene cambio de tamaño basado en las sentadas de pasadores. Por lo que funciona como una tinta gruesa y oscura que sale del pincel. Ahora se llama Inca inundada porque puedes tinta con ella cuando quieras hacer líneas bonitas, súper limpias, súper suaves. Cuando estás haciendo trabajos entintados. Todo cómic o manga estancado funciona. Pero también es genial para hacer pliegues planos de formas porque pone una cantidad consistente de pintura que no cambia en función de la presión. Para que puedas conseguir una bonita caída plana limpia y sólida con el pincel plano Inca. Y ese es uno de los beneficios de ese pincel en particular. Ahora, cuando pasamos al cepillo de flujo suave hacia arriba, solo se llama flujo ascendente suave, solo para indicar opacidad y flujo. La opacidad y el flujo y este pincel particular ahí se sientan por aquí y también un poco en el pincel, cosas que no se equivocan. Pero este pincel en particular no tiene talla para su presión, ¿verdad? Sí tiene opacidad. Por lo que cuando aplique presión, obtendrá un golpe más oscuro y elogia el láser. Por último, obtendrás un trazo más grande, pero el tamaño no cambia. Y eso es importante porque mucha del tiempo estás usando este cepillo suave para hacer cosas como sombras, ¿verdad? Tus sombras de oclusión ambiental así como tus sombras de forma. Y no quieres tener sombras que tengan esta pequeña cinta puntiaguda. Apunta al final de ellos. Quieres que todo sea muy consistente. Y así ese es el propósito de este pincel. Y créanme, este será uno de los pinceles más comunes que utilices cuando pintes el cepillo de flujo ascendente suave, los cepillos de borde de trato, un cepillo especialista. No lo uso particularmente mucho, pero a algunos artistas sí les resulta útil este tipo de pincel. Se basó en el ángulo de que estás girando el pincel. Se puede obtener un borde duro en un lado. Suave en otro. Y como que imita algo que puede suceder de forma natural con, en cuanto a cómo formas o perno, donde tienes esa sombra de oclusión entrando en el interior, pero un bonito borde crujiente en el exterior de la forma tipo de imita eso de esa manera particular. Dale una oportunidad, a ver cómo te gusta. El pincel de calamar es a la vez cuadrado por una muy buena razón y funciona como un pincel de pintura. Tiene dinámicas de tamaño on y también ha moldeado dinámicas en términos de, me refiero a dinámicas de opacidad. Entonces cuando presionas mucho en eso obtienes un golpe muy grande y presionas duro para conseguir un hod golpeado. Se podría decir, bueno esto se parece un borde aleatorio muy raro y eso es bastante intencional. El problema con las herramientas digitales, cuando se utiliza un cepillo redondo todo el tiempo, dignidad photoshops por defecto cepillo. Los trazos de pincel comienzan a parecer realmente bastante digitales. Y el problema con eso es que sólo se ve un poco falso, ¿verdad? Se ve un poco falso e increíble. Por lo que este pincel cuadrado, como se le acredita existe para especie de imitar el aspecto real de la pintura, bastante rico de manera efectiva. Y es bordes aleatorios especie de imitan las tapas de las imágenes aleatorias. Tiendes a obtener una especie de tipos tradicionales similares de pinceles. Por lo que se eliminó la forma circular para un cuadrado y se obtiene un pincel con estas propiedades. Gran pincel para conseguir un muy pintado el trazo E. Mira tus obras, ese es el pincel de guión. Despejemos este contenido de esta capa. Ahora, el pintor redondo es efectivamente exactamente igual que el cuadrado, excepto que tiene una forma redonda a la misma. Ahora en cambio, pincel muy digital te hablé instancias en las que quieres tener un aspecto un poco redondo o estás renderizando superficies particulares. Por lo que funciona mucho de la misma manera que se puede ver. Tiene un borde muy afilado de este pincel en particular. Úsalo cuando sea necesario. Definitivamente pruébalo para conseguir ciertos efectos. Es genial para los momentos destacados y cosas así. No es muy diferente del SketchUp. La pintura granulada es un granulado como su nombre lo indica. Echaremos un vistazo aquí. Te da un efecto negro muy corto, bueno para ciertas superficies texturizadas. Elementos de fondo también. La pintura circular te da un efecto redondo muy convincente, circular pero no digital. Podría decirse que podría pintar una pieza entera con sólo este pincel también, ¿verdad? Porque le tiene un aspecto muy natural. Entonces es una pintura circular. Y el pincel de color agua, lo llamo el pincel de acuarela porque parece tener efectos parecidos a la acuarela, pesar de que tipo de implementarlos de una forma manual. Por lo que a diferencia de Carle pintó los pinceles de acuarela y los diversos tradicionales como un pinceles no sangran realmente en la página y parecen Witt. Si sí usas Carle pintada, puedes conseguir estos efectos de acuarela muy realistas en ese software. No obstante, es tan difícil como controlar en ese sentido, así como lo sería en papel normal, por lo que no lo usas a tu propia discreción. Este pincel en particular da efectos muy convincentes y muy bonitos como acuarela y genial para el tipo suelto de coloración, bocetos inciertos. El cepillo cuadrado áspero es un cepillo muy grueso y áspero es bueno para bloquear en ciertas cosas, sobre todo si quieres empezar a pintar. Haciendo la estructura de un cuadro con sólo pintura, no se hace la estructura de un dibujo. No tienes un dibujo como base. Se quiere simplemente empezar con la pintura es muy bueno para bloquear y elementos, bloquear en objetos ambientales y así sucesivamente. Y puedes usarlo para una textura rugosa particularmente agradable en una superficie. Está bien, para que eso pueda variar. Es un pincel muy sólido, un pincel muy bonito y un pincel de aspecto muy natural. Por supuesto, querrías dibujar con él. Te da ese fantástico look choco. Este cepillo redondo rugoso, muy similar al pincel anterior. Es solo una versión redondeada, poco más rayada, un poco menos textura granulada, puede usar de esa manera encuentres una necesidad de ello, para ser honesto, bueno, iremos a las dos últimas justo ahora. Principalmente me pego al adulador inca. Bueno, en términos generales, siempre usaré el boceto de esa tinta de Theta, siempre el flujo suave, generalmente la pintura cuadrada y en el pintor redondo. Y dependiendo del estilo que me vaya, podría cambiar a los otros pinceles. Por último, tenemos el boceto tu pincel aquí y el rastrillo o pincel que el pincel moteado lunes, el pincel moteado solo pone muchos puntos en eso parece un poco inútil al principio. En realidad no lo es, es bueno para cosas como pecas, tipos pedregosos de texturas haciendo pausa en la piel y mostrar pinturas detalladas y cosas así. Y a medida que te vuelves más adepto a pintar y colorear a tus personajes, encontrarás cada vez más usos para ese pincel en particular. Por último, pero no por ello menos importante es el cepillo rigger. Efectivamente es lo mismo que el pincel moteado con unos ajustes que se han cambiado, ¿verdad? Este cepillo es bueno para agregar texturas adicionales al cabello ya renderizado. No lo uso para hacer aquí. Simplemente, es, ya sabes, es sólo que parece, ya sabes, piensas en el principio mientras esto va a ser una forma rápida de conseguir que el cabello se vea, no es realmente, es bueno para especie de realce o 3D renderizado ya pintado o coloreado aquí si quisieras conseguir esa textura adicional. Por lo que estos son los pinceles que se incluyen en el curso. Y estos son mis pinceles personales que se utilizan para casi todas mis obras de arte, ya sean pinturas de paisaje, dibujos, pinturas de personajes, coloración de personajes, y lo que tienes tú. Entonces estos son los pinceles que uso. Ahora en Photoshop. Se pueden ver los pinceles y se puede modificar el tamaño y la dureza de ciertos de Rusia si permiten que sentado con esta ventana, todas las aplicaciones impares te permitirán modificar el tamaño del pincel. El asiento de dureza es algo que suele ser una característica superior de Photoshop. Ahora algo que quería mostrarles son las avanzadas sentadas de pincel aquí. Y esto es algo que encontrarás en la mayoría de las aplicaciones de arte, incluyendo Procreate en el iPad, donde tienes bastante multitud de ajustes. Y puedes ver a medida que paso por cada ventana de aquí, Hay tantos ajustes diferentes que puedes cambiar en el pincel aplicado al pincel. Ahora bien, este tipo de dinámicas detalladas de sentado en profundidad es realmente un tema en cierto sentido. Para otra época. Los pinceles se pueden manipular de innumerables maneras, desde sus ángulos hasta la direccionalidad hasta la velocidad que empujan hacia fuera la tinta y la pintura. Tantos factores, te animaría a que lo revisen, jueguen con él. Siempre puedes reemplazar cualquiera de los pinceles si los estropeas faltando con estos ajustes, simplemente recargando y cargando en Photoshop ese archivo de pincel. Pero si hay DO echa un vistazo aquí y empieza a acostumbrarte a la idea de crear tus propios pinceles en algún momento, tienes te puedo asegurar que los pinceles del pack, realmente puedes confiar en ellos. Son robustos y los he estado usando durante años y en realidad son Bokeh personalizado esto para ser especie de mucho un kit de cepillo todo redondo para Photoshop que específicamente, ¿no? último, pero no menos importante, quiero hablar de algo muy importante, que es la opacidad y la configuración del flujo. Ahora, cada pincel por su cuenta puede tener sus propias cosas individuales de Opacidad y Flow integradas en sus complejos ajustes aquí, ¿verdad? Pero este deslizador de opacidad aquí y este deslizador de Flow aquí son sólidos como verás en las otras aplicaciones impares también. Ahora, la opacidad obviamente se refiere a lo gruesa que es la pintura, lo transparente que es. Nivel de transparencia, ¿eso es opaco o transparente? Y se puede ver que hay un ajuste de pincel para mí con el pincel de dispersión, donde si presiono más es, es más opaco y donde presioné suave, sin duda opaco. No obstante, este ajuste de opacidad puede anular aún más eso. Ahora, dependiendo de si estás haciendo ordenados ciertos estilos de trabajo más pictóricos, querrás mantener la opacidad viendo no demasiado alta, tal vez alrededor del 80 por ciento para más trabajo pictórico, porque te da mucho control, mucho micro control sobre los movimientos de tus manos en cuanto a cuánta opacidad se está aplicando. De igual manera, cuando estamos haciendo sombra y sombreado en nuestro sobre nuestros personajes, pinturas y colores de personajes. Se quiere asegurarse de que el flujo no sea particularmente alto. Esta sesión se aplica principalmente al cepillo de flujo ascendente suave. Mantenga bajo el flujo. Este es uno de los secretos clave para la mezcla. Ahora bien, en realidad no estábamos particularmente mirando a fundir como tema en el curso. Fue la mezcla no es realmente un tema, se ha convertido en una especie digital de soviético de como, ¿cómo culpo a los colores? Pero para, para los artistas base, eres, eres un poco histórico. Lo más raro de mezclar era solo cuestión de poner dos colores uno al lado del otro y mancharlo con el dedo para obtener un flujo más suave fuera de él. Para nosotros, quiero que pensemos en fundir como bordes. ¿ Qué tipo de borde permitiría que un valor o color fluyera hacia otro valor o color. No obstante, al tener un flujo bajo en el cepillo suave, puedes jugar con él en los otros pinceles te permite obtener unas transiciones suaves de un valor y color base a otro valor y color base. opacidad, una vez más, tiene que ver con la transparencia u opacidad de la pintura es gruesa y no se puede ver a través de ella o como es semitransparente y el flujo tiene que ver con cuánta pintura está saliendo del pincel a un tiempo en particular, ¿cuánta pintura se está rociando en un momento determinado? Y una vez más, se aconseja mantener un flujo bajo para trabajos de estilo más pictórico. Y generalmente en cualquier momento que estés usando este cepillo en particular, el aerógrafo blando, en todas las demás instancias, puedes mantener la opacidad y el flujo a un 100 por ciento, en general hablando, con la mayoría de los otros cepillos, porque tienen sentadas de Opacidad y Flujo sí ya construidas. Espero que eso explique la opacidad y el flujo a ustedes. Y los veré en la siguiente lección. 22. Módulo 2.7: mezcla y elección de colores: Ahora vamos a echar un vistazo rápido la funcionalidad y la importancia de la tecla Alt. Cuando presionas Alt, trae hacia arriba el recolector de color y es un toggle. Entonces si lo sostienes, el recolector de color se queda y si lo sueltas, el recolector de color desaparece. Por lo que en realidad no es un interruptor de herramienta, es más bien un interruptor de alternancia. Y por supuesto, esto es bueno solo para escoger los colores que quieres usar de tu pieza y pintar con esos. Pero también es una herramienta muy útil para la mezcla. Entonces si quería mezclar este azul en el morado, puede escoger el azul y empezar a pintar y luego escoger el color medio. Empieza a mezclar con eso para obtener una mezcla más suave. Escoge el morado ahí y mezclarlo a través. Y como constantemente recojo y mezclo, puedo conseguir una transición agradable y suave. Y esa es efectivamente la utilización del alkeno y es realmente una de las grandes características del digital, lo que significa que no tenemos que tener un conjunto de pinturas en el lateral. Una vez que hayamos establecido nuestros colores y valores iniciales, solo podemos despegar el lienzo y trabajar como necesitemos usar el alqueno. Y eso es para esta lección. 23. Módulo 2.8: selector de colores digital: Los recolectores digitales de color representan una de las herramientas más poderosas en el software de arte digital hoy en día. Y diferente software implementa el recolector de color de una manera un poco diferente que fundamentalmente todos hacen lo mismo. Frente a ti. Tenemos en la parte superior izquierda photoshops en picker de color digital. En la parte superior derecha tenemos pintores de coral, y en la parte inferior tenemos Clip Studio Paint. Independientemente de cómo se vea, todos realizan las mismas funciones. Todos ellos ofrecen la capacidad de cambiar el valor. Y todos ofrecen también diferentes métodos de selección de un matiz. Empleados de Photoshop, es clips de barra de matiz vertical, a tu opinión, pintura coral usando la barra circular para permitir la selección de tonalidades. todas formas, en realidad no hace mucha diferencia. A pesar de que sí sé que muchos pintores prefieren usar una bola de selección de tonalidad circular y puedes conseguir plug-ins para Photoshop que permitan eso. Y luego, por último, todos te permiten elegir tu nivel de saturación. Ahora, sobre el tema de los recolectores de color con gran poder viene una gran responsabilidad. hecho de que tengas a cada humano el color disponible a tu disposición no significa que no debas usar todos los colores. No olvides lo que hemos aprendido en cuanto a nuestro sistema de selección de tres reglas de tres colores, esa es una gran guía para ayudarte. Pero también cuando estás pintando, una regla general a tener en cuenta es que no quieres usar tu color base, tener tu color base a un valor demasiado alto o bajar el valor. ¿ Y por qué es eso? De lo que queremos asegurarnos que cuando estamos haciendo colores base, tratamos de mantenernos en el medio del rango de valores y en el medio del rango de saturación, que nos permite si estamos iluminando suficiente espacio para hacer adecuado luces y suficiente espacio para hacer sombras adecuadas. Por lo que tenemos un amplio rango de valor y también un amplio rango de saturación. Al ser uso de tonalidades, eso obviamente depende de lo que estés pintando. Pero ten eso en cuenta. Generalmente deseas comenzar con tu valor base y tus colores base alrededor del área media, un valor medio, área de saturación media para estar segura. Y eso es todo para los recolectores digitales de color. 24. Módulo 2.9: capas y modos de capa: En esta lección, vamos a estar echando un vistazo las capas y discutiendo algunos modos de capa. Ahora, el 99 por ciento del buen software de arte tiene una funcionalidad de capas y esa es la capacidad de agregar capas adicionales donde se pueden separar elementos artísticos y ácidos impares en capas separadas y agregar continuamente más a medida que los necesite. Uno de los usos comunes para las capas es que vamos a hacer nuestra coloración plana en una capa en particular y hacer nuestras sombras y nuestras etapas de iluminación en otra. También ponemos nuestras líneas en la capa superior. Ahora hay una muy versátil no se puede simplemente, no se les pone cosas. También puedes manipular esas cosas, usando modos de capa. Y los modos de capa cambian cómo funcionan las capas y cómo muestran la información de píxel que se les ha puesto. En particular, quería mencionar el modo multiplicar y el modo pantalla. Y estos modos, o enero también están disponibles en todo el otro software también, también llamado Multiply y screen. Voy a seleccionar esta capa con este círculo muy rojizo sobre ella, y voy a ponerla para que se multiplique. Y como puedes ver, el efecto que tiene el círculo es casi como si el círculo se volviera transparente y santos. Pero lo que hace ahora el color de los círculos es que multiplica el valor del círculo azul subyacente. Y entonces lo que obtienes es un nuevo valor resultante que es significativamente más oscuro. El modo sencillo de pensar en Multiply es que tiende a oscurecerse y saturarse en algunas instancias, los elementos debajo. Por el contrario, pantalla hace lo contrario. Ahora notarás que el resto del círculo desaparece. Y eso es porque el latín no puede querer más grande de lo que es. Por lo que esa parte desaparece. Y aquí vemos un aclaramiento del color resultante del círculo azul subyacente, ¿verdad? Que es de que esa capa esté en pantalla. Cuando algo es normal, solo muestra como si normalmente se mostrara si estuvieras usando una pintura en particular en un lienzo en particular, ¿verdad? Entonces, de ahí por qué a ese lemma sólo se le conoce como el modo normal. Y como se puede ver, hay multitud de modos de tierra. Cada uno de ellos hace varias cosas y muchas de ellas son fotografía alimentaria más útil de lo que ofrecen arte digital. A pesar de que te animaría a ir a jugar con ellos y sólo ver lo que hacen realmente no daña el archivo. Simplemente puedes escoger algo y meterte con él y ver qué pasa, ¿verdad? A las que quiero que prestes especial atención, particularmente se multiplican y pantalla. Voy a sentar esos de vuelta a la normalidad. Vamos a hablar de otra característica de las capas, particularmente en Photoshop. Esto también está disponible en la mayoría de otros software de arte digital. Y esa es la capacidad de seleccionar el contenido de la capa en Photoshop cuando mantienes el control y haces clic en la miniatura de la capa. Después, Photoshop seleccionará automáticamente todo el contenido de esa capa, creará una selección de ese contenido también. Ya sea que estés en esa capa, fuera de esa capa. Entonces estoy en una nueva capa aquí, y voy a poner un poco de rojo en este círculo de aquí. Pero verás que está en su propia capa separada, pero se limitó a la selección de ese laboratorio. Entonces una vez más, cómo hice eso fue hacer clic en control y seleccioné esa capa. No te preocupes, definitivamente estaremos repasando esto y me escucharás haciendo estas cosas mientras estamos pasando por el flujo de trabajo de coloración digital en el Módulo 3. Otra característica muy, muy, muy útil es la capacidad de Clip Layers. Y lo que significa Clip Layers es tomar una capa. Tomemos este círculo por aquí y diciéndolo, solo quiero que esta capa se muestre encima de otra capa. Por lo que en Photoshop, cuando mantengo la tecla Alt y paso el cursor sobre la línea entre las dos capas, puede recortar la capa que están en algún otro software ATS, esto se llama referenciar la capa o se usan términos similares, pero esto se llama clip y capa recortada o una máscara de recorte en cierto sentido. Y entonces lo que pasa es que solo ves mi círculo rojo dentro del círculo azul. Entonces la capa superior es, la capa inferior es la capa de referencia. Y la capa superior se está limitando solo a las regiones que tienen píxeles en la capa inferior. Entonces eso es el recorte de capas. Otra característica útil también se llama bloqueo alfa de los píxeles. Yo sólo voy a desabrochar ese círculo de ahí. Y lo que es el bloqueo alfa está en la Capa 1 aquí tenemos nuestro círculo rojo y eso ha llevado una copia. Y en la capa normal uno tenemos el azul. Ahora digamos por ejemplo, que se quiere pintar sólo en las áreas que ya tienen color. Pero no usas una selección por si acabas pintando la cosa en una capa diferente. Se quiere pintarlo en esa capa en particular. Y lo que puedes hacer es que puedes hacer lo que se llama un bloqueo alfa. Y se llama alfa porque bloquea todos los píxeles que no tienen información de color. Todos los píxeles transparentes en Photoshop, Ese es este pequeño ícono por aquí, este pequeño icono de tablero de ajedrez y aplicaciones, podría llamarse bloqueo alfa o bloqueo de transparencia. En Procreate particularmente, tienes que hacer un gesto de mano en particular para conseguir eso y tendrás que mirar la ayuda procreate en cuanto a cómo iniciar el bloqueo alfa en esa pieza de software. No obstante, si hago clic en Alpha Lock en nuestra capa roja aquí, puedo ver que no hay selección, pero no puedo pintar fuera del área real que tiene píxeles completos tengo puedo pintar en el interior de esa zona. Y eso es lo que hace Alpha Lock. Te permite, por ejemplo, una vez que hayas hecho los tontos planos y un personaje, digamos que tienes plano doblar el cabello y tu piel doblada plana para bloquear el, bloquear esas capas solo a las áreas que pliegues para que no lo hagas tienen que preocuparse por salir accidentalmente fuera de las líneas. Ese es realmente el punto de ello. Y es una característica fantástica y realmente nos permite trabajar con mucha, muy eficientemente. Entonces eso es en pocas palabras, las capas, y esos dos modos de capa lo multiplican y la pantalla. Y te veré en la siguiente lección. 25. Módulo 2.10: comprensión: Ahora echemos un vistazo muy breve una vez más al poder de las selecciones y lo que podemos hacer con las herramientas de selección. Por lo que la primera herramienta de selección que tengo aquí es la herramienta de selección Lasso, o también conocida como la herramienta de selección de mano libre. Y me permite hacer unas selecciones a mano libre. Simplemente puedo sacar el área de selección al que fui. Y las selecciones nos permiten aislar el área en la que queremos pintar o dibujar. No olvidemos que también podemos hacer esto haciendo clic en Control y luego hacer clic en la miniatura de capa es muy similar en todas las demás aplicaciones, seleccionará todo el contenido en ese laboratorio. Ahora la selección realmente es sólo una cosa general. No es específico de capa. Por lo que podría tener una sola selección corriendo a través de múltiples capas. Podrías hacer varias cosas dentro de ese espacio a través de múltiples capas. Pero cuando estás en una capa y tienes una selección, también puedes transformar esa selección pulsando Control T. Las herramientas de transformación de transferencia son muy poderosas. Permiten escalar proporcionalmente sosteniendo Shift o sin proporciones soltando el turno, te permiten rotar. Permiten distorsionar la imagen agarrando una de las manijas del medio y así puedo calmarla ahí o puedo estirar aquí. Y también te permiten hacer warp de perspectiva cuando mantienes el control y haces clic en uno de los extremos, Es casi como si estuvieras construyendo un pedazo de papel en el espacio 3D. Por lo que es muy bueno para crear gráficos sobre objetos. Por ejemplo, si tienes algunas garrapatas que has enseñado, que has diseñado un gráfico 2D que te gustaría ponerte la camisa o el pantalón de un personaje o algo así. Entonces eso es guerra perspectiva y Corel Painter, procreate y Clip Studio Paint todos tienen esta funcionalidad así como Photoshop. También tienes acceso a la herramienta de selección poligonal. Por lo que varía entre software. Y, por ejemplo, si quería cortar esta esfera, pretender que estaba sobre un fondo blanco y no estaban en capas separadas y yo quería cortarla. La herramienta de selección de polígonos permite obtener selecciones muy precisas haciendo clic en un 0.2.2. Y te permite seleccionar un punto a punto de esta manera, realmente genial para conseguir esas selecciones precisas donde tal vez no puedas liberar a mano estas curvas de nivel. Pero en pocas palabras, esas son las capacidades de la herramienta de selección y también cómo puedes transformar las cosas y mover las cosas que has seleccionado. Nos vemos en la siguiente lección. 26. Módulo 2.11: comprensión de los ajustes: En esta lección, vamos a estar echando un vistazo a los ajustes de imagen, particularmente brillo y contraste, tonalidad y Ajustes de Niveles. Y para ayudarnos con eso, tenemos que creció India en la pantalla. Y en esta capa aquí llamada Art copy, tenemos toda la obra de arte y todas las diferentes capas, la capa de piel y la capa de cabello y todo lo que se fusionó en un solo laboratorio para que podamos hacer efectivamente los ajustes en solo este laboratorio, particularmente brillo y contraste y niveles. Echemos un vistazo a esos primero. Vamos al menú Imagen y vamos luego al submenú de ajustes puede elegir Brillo y Contraste. Y este ajuste de imagen permite ajustar el brillo, así como ajustar el contraste de la imagen, aumentando las paradas entre los rangos de sedes, creando un look más contrastado. Ahora la razón por la que usarías este ajuste es quizás si tienes que cerrar los valores entre tus lats, tus sombras y límites. O si sientes que has pintado realmente Doc, y quieres alegrarlo un poco. Simplemente puedes hacer un ajuste rápido de brillo y contraste. Pasemos a niveles. Los niveles te dan más control granular. Y tienes la ranura de tres es un deslizador Sombras, un deslizador de valores medio, medio, y un valores brillantes ligeramente o muy resaltado deslizadores de valor. Y se puede manipular sólo el último valor. Por lo que puedes introducir justo más como valores o aumentar mediados o disminuir a mediados o aumentar tus valores más oscuros. Y esta es una especie de versión más avanzada de brillo y contraste, que es una buena manera de pensarlo. Y esto te permitirá realmente obtener la salida más óptima de la imagen. Y puedes usar la diapositiva anterior que tenía para comparar versiones. Casilla de vista previa, ¿verdad? Entonces ese es el ajuste de Niveles. último, pero no menos importante, vamos a echar un vistazo al ajuste de saturación de tonalidad. Sólo algo que normalmente usas cuando estás ocupado pintando la pieza. Entonces vamos a ir a los niveles, a las capas de aquí. Y en esta carpeta y desplácese hacia abajo hasta su capa de pelo. Aquí dice lo más destacado, pero son tanto el cabello como los reflejos pueden ver mientras enciendo y apagando esto, solo obtenemos el fondo gris de su cabello. Entonces voy a seleccionar justo el cabello ahí. Ir a Ajustes de imagen y matiz y saturación. Y esta caja nos da tres slide es un slider de tonalidad el cual nos permitirá cambiar la tonalidad del cabello. Deslizador de saturación, que cambiará el deslizador de saturación y luminosidad, que cambiará el valor. Y digamos que lo queremos hacer aquí para ser de un color diferente. Digamos que una especie oscura de azul. Podemos manipular estos deslizadores para cambiar fácil y rápidamente el color de cualquier elemento en particular de la pieza. Está bien. Y esa es una visión muy rápida de la saturación humana, brillo y el contraste y las herramientas de ajuste de Niveles definitivamente toman algún tiempo, llenan con ellas y verás que son bastante simples. Te veré en la siguiente lección. 27. Módulo 2.12: ajustes de la interfaz del usuario: Ahora echemos un vistazo a las interfaces de usuario comunes y elementos de interfaz de usuario a través principalmente del software basado en PC como Photoshop, pintor de coral, tú Clip Studio Paint. Ahora, en términos generales, Photoshop ha establecido el estándar de la industria. Y así los otros paquetes de software generalmente tienen elementos muy similares, como un panel de navegación, Selección rápida, área de color, menú de presets de pincel, así como un área de capas, así como las herramientas que encienden los elementos de menú y las opciones adicionales. Lo bueno a saber es que todo esto es personalizable y puedes hacer click y puedes adaptar tu espacio de trabajo a algo que encuentres muy efectivo y eficiente. Muchas de estas aplicaciones se pueden utilizar de otras maneras. Si son estrictamente ilustración están destinados o están siendo utilizados para el diseño gráfico. Y así quizá quieras personalizar tu interfaz de una manera que funcione con la pintura digital, con la coloración digital. Y la escalera particular tienen aquí está diseñada solo para eso, me da mi navegador, mi panel selector de color y acceso a mis pinceles así como obviamente las capas. Ahora, en términos generales, encontrarás acceso a estos penaltis extra si no los ves en tu aplicación bajo el menú Ventana, puedes ver aquí en Photoshop listan todas las ventanas posibles que puedo abrir un exceso de pequeños paneles que yo se puede abrir y puedo arrastrarlos por ahí. Yo puedo hacer que los sidemen usen aquí también. Si quería hacerlos entrar o salir, sólo puedo arrastrarlos sobre la interfaz y reposicionarlos como siento que es necesario. Otra cosa a tener en cuenta es que la mayoría de las aplicaciones de software en su menú de preferencias le da la capacidad de cambiar realmente los elementos de la interfaz, como el tamaño del texto, los lados de la interfaz, las fuentes, y también habilitaron los modos táctiles dependiendo del software que estés usando. Si tienes una máquina que se toca capaz. Por lo tanto, ten eso en cuenta. Pero siempre debes saber que quieres tener el espacio de trabajo que mejor te funcione. Y eso también es bastante eficiente porque lo que encontrarás es que la coloración digital, la pintura digital, muy similar a la pintura tradicional, coloración tradicional sí toma mucho más tiempo que el proceso de dibujo, el dibujo inicial en proceso de planeación. Y eso es principalmente porque estás aplicando múltiples niveles de color, obviamente, dependiendo del estilo que estés haciendo, tenlo para que quieras ser lo más eficiente posible con tus herramientas. Así que definitivamente mira y aficionado y juega con y límpiate con la interfaz para obtener la interfaz exacta que funciona para ti. Este es el final del módulo 2, y nos vemos en el flujo de trabajo de coloración del personaje, Módulo 3. 28. Módulo 2.13: adaptación de software: Si eres nuevo en las herramientas de arte digital y colorear y pintura digitales, tal vez te estés sintiendo un poco estresado en este momento. ¿ Y si no sé cómo funcionan todas las herramientas? Y si no he recordado la mitad de las cosas que he aprendido en esta lección. No te preocupes por ello. medida que avanzamos por el resto del curso, verás que estas cosas se levantan una y otra vez ya que las herramientas se utilizan e implementan constantemente en un flujo de trabajo real de coloración de personajes. No quiero que sientas que estás mal equipada, sino más bien, quiero que sientas que crecerás a medida que aprendas y utilizas más las herramientas. Por supuesto, hay recursos por ahí que puedes llegar a hacer crecer tus conocimientos y experiencia con la herramienta particularmente seleccionada de tu elección. No obstante, permítanme decir que la mejor manera de aprender es experimentando, haciendo clic en botones aleatorios y probando cosas aleatorias. Realmente no se puede romper el software la mayor parte del tiempo. Y siempre puedes restablecer todo a los predeterminados en la configuración y preferencias del sistema del software. Entonces no te preocupes, no tengas miedo. Déjame animarte a que si estás fresco y sigues en muy, muy nuevo en la coloración digital que estoy aquí para ti. Por favor utiliza las herramientas para hacer preguntas, obtener comentarios, y siempre estoy aquí para ayudarte. Entonces no te pongas estrés por software. Simplemente concéntrate en tu creatividad, tus diseños, y un personaje para colorear y pintar que quieras hacer. Te veré en el siguiente módulo. 29. Módulo 3.1: resumen de flujo de trabajo: Bienvenido al Módulo 3 y bienvenido al resumen del flujo de trabajo de pintura para colorear. módulo 3 realmente es el núcleo del curso porque estamos viendo el propio flujo de trabajo de pintura para colorear. Y el flujo de trabajo realmente es cómo aplicamos la teoría de una manera práctica, en un orden lógico que esperemos sea claro, fácil de entender, y también fácil de recordar. En este módulo, vamos a mirar tres etapas de producción. Preproducción, producción y postproducción. preproducción es realmente donde nos vamos a estar preparando para el proceso principal de pintura. Y veremos elementos de pintura y contexto como una capa Value Check, así como el lienzo 50 por ciento gris y también aprenderemos preparación. La fase de producción realmente es la mayor parte de nuestro trabajo. Y aquí verás algo que debería parecer bastante familiar. Prácticamente estas etapas del principio de aprendizaje de la forma con unas pocas cosas extra así en ello ahí dentro. Y luego la postproducción mira las cosas que haremos para realmente terminar nuestro trabajo de manera muy profesional. Algo a tener en cuenta es que la fase de producción aquí realmente es la mayor parte de la obra. Es más o menos del 90 al noventa y cinco por ciento de la obra. Y descubrirás que la preproducción y la posproducción son realmente rápidas de hacer, rápidas de implementar. A medida que te estás moviendo por este módulo. Ten en cuenta estos cuatro pilares de la tridimensionalidad. Ya sabes, hay bastantes etapas al principio de formateo. Si lo tienes en mente, estarás en pie de pie para conseguir siempre un look tridimensional. forma, sombras de oclusión ambiental, luz reflejada y reflejos. Y he puesto la luz mirando entre paréntesis ahí para recordarte que realmente quieres tener un solo punto de luz más alto por elemento individual. Por ejemplo, cabello 1 de mayor luz, cara 1 de nuestro tobogán, y así sucesivamente y así sucesivamente. Por lo tanto, ten en mente estos cuatro pilares de la tridimensionalidad. Incluso si buscas crear trabajos coloreados de un estilo en particular que puede no implementar todas las etapas del flujo de trabajo. Y eso nos lleva al punto final aquí, que es estilos para colorear. Hay una gran cantidad de estilos para colorear por ahí y este flujo de trabajo es universal. Entonces si quieres hacer coloración muy simplista o quieres hacer pintura digital muy alta y avanzada. Ya sea arte realista, arte estilo cómico y estilo emitido o lo que tienes. Este flujo de trabajo puede escalar y escalar hacia abajo. Se puede aprender un flujo de trabajo y se puede ser eficiente y eficaz en la pintura y coloración. Bueno, ¿qué es más? Este flujo de trabajo es universal, no sólo dos caracteres. Puedes usar este flujo de trabajo para pintar ambientes, fondos, diseños de criaturas, etcétera y así sucesivamente. Entonces, no te preocupes por el estilo por ahora. Entrémonos directamente en el flujo de trabajo y nos vemos en la siguiente lección. 30. Módulo 3.2: preproducción de liego digital: En esta lección, vamos a aprender sobre la gran capa de fondo y la capa de comprobación de valor. Y para ayudarnos con eso, tenemos un Commie, el mayor aquí. Ahora cuando estamos pintando, queremos tratar de evitar pintar sobre un fondo blanco o un fondo negro. Y la razón de eso es que percibimos color y valor y brillo relativo en contexto. Entonces cuando estamos viendo a Commie ahora mismo con su fondo de deseos, estamos interpretando su color y su iluminación en el contexto de este fondo blanco. Y se ve bien, sus valores y las cosas son divertidas. Eso se debe a que en realidad la pintaron con un fondo gris. Ahora, para agregar un fondo gris, simplemente creamos una nueva capa y luego la llenamos con un gris de valor de niebla o un gris del 50 por ciento, ¿verdad? Lo cual es realmente sólo un gris de valor medio. Y cuando hacemos esto, es un contexto mucho más equilibrado y mucho más beneficios que nos permite pintar dentro de la mano pareja, si se quiere, para ahuyentar almohadas y hacia fuera valores. Entonces eso es lo primero que vamos a querer hacer cuando estemos arrancando nuestra ropa. Asegúrate de que estamos pintando sobre un gran fondo. Y también he traído a Kami por otra razón. Y eso es para discutir la capa Value Check. Y la capa de comprobación de valor es exactamente lo que suena. Voy a añadir una capa aquí. Voy a cotizar VC para venue chick. Y esta capa se sienta justo en la parte superior de la pila de capas, traída en la parte superior de todas las tierras. Y como su nombre lo indica, es una capa que vamos a usar para revisar nuestros valores, ¿verdad? Para asegurarme de que deje suficiente sombra tenga paradas pares, suficientes paradas entre ellos, que su contraste y que los diversos elementos que estamos pintando tengan sedes inherentes diferentes. Por ejemplo, la piel debe ser un valor diferente en general al cabello. El cabello debe ser un valor diferente en general al sombrero, por ejemplo. Y también que las luces y las sombras dentro de la piel, las sombras de ligereza dentro del cabello, y los objetos y elementos sí tienen suficiente diferencia de lugar para que la vista sea cerebro pueda ver la diferencia entre esos valores y como tal entonces perciben las formas que forma 3D. Por lo que crearé una nueva capa en la parte superior. Lo que vamos a hacer es ir Editar Completo y lo vamos a llenar de negro. Ahora no importa qué software estés usando. En términos generales, el software recomendado más antiguo tendrá la capacidad de hacer esto. Simplemente selecciona toda la capa que volteaste con negro, y luego la sientas al modo de capa llamado saturación. El modo de saturación. Y como puedes ver, te presenta básicamente una vista a escala de grises de la obra. ¿Verdad? Ahora quieres pintar con esto puesto. Lo usas solo encendiendo y apagando su visibilidad, solo para engañar a tus valores y asegurarte de que las cosas estén funcionando en los sumideros de valor correctos. ¿ De acuerdo? Entonces esa es la capa de verificación de valor, y esa es la capa de fondo gris para que podamos pintar en contexto, los buenos contextos parejos con el fondo gris. Y podemos consultar valores con una capa Value Check. Una vez más, es una capa llena de color negro, estados a la saturación del modo capa en la parte superior de nuestra pieza. Y esa es la capa de verificación de valor y la capa de fondo gris. Te veré en la siguiente lección. 31. Módulo 3.3: preparación de ilustración: Cuando termines la ilustración del personaje, querrás preparar tus líneas para colorear. Y en esta lección vamos a ver algunas cosas a tener en cuenta para asegurarnos de que tus líneas estén listas para el proceso de pintura o coloración. Y lo primero que quieres tener en cuenta es simplemente dar la vuelta a la pieza y tratar de despejar cualquier borde, necesitas suficientes las líneas ahora hay algo con lo que quieres superarte y terminar. Despeja cualquier borde, cualquier maceta rugosa o desaliñada, cosa que se superponga de una manera extraña, cualquier cosa así, pase por la imagen y despeje esos bordes ásperos y desaliñados. Ahora también querrás asegurarte de que tu trabajo de línea esté en una capa separada. Se desea tener las líneas en una capa completamente separada. Esto es particularmente útil cuando se desea modificar las líneas. Y también ayuda en el proceso general de pintura no tener las líneas en una sola capa. Entonces por ejemplo, por control de retención y hago clic en esta miniatura me dará una selección de todas las tierras del laboratorio. Si quiero pintar las líneas, por ejemplo, modificarlas en rojo o sobre pintarlas, lo puedo hacer. Y se puede ver ahí que tenemos una bonita pintura de trabajo de línea limpia. Ahora, lo que puede suceder es que te olvides de dibujar realmente toda tu pieza limpia en una capa separada. Si lo has hecho, aquí tenemos un ejemplo. Tenemos unas líneas sobre una capa de fondo aquí con estas tierras eran de hecho sobre un fondo blanco. No te preocupes, no todo está perdido. Aquí verás que cuando el modo de capa se establece en normal y se permiten las líneas en capa de fondo. Si trato de pintar algunos arrinconados detrás de la pieza, no se ve nada. No obstante, si configuramos el modo de capa cuatro líneas en fondo para que se multiplique, efectivamente, le estás diciendo a la capa que multiplique todo el color subyacente. Y así podrás entonces colorear efectivamente la pieza. El inconveniente de esto, sin embargo, es que tienes muy poco control sobre tu coloración de línea. Entonces si tuvieras ambiciones de cambiar las líneas de alguna manera o de mover elementos o modificar elementos de las líneas. Estás en un punto un poco duro. Por lo que siempre trata de recordar dibujar tus líneas en capas separadas, especialmente tus líneas finales. Está bien, vamos a llevarnos estos y te voy a mostrar otra cosa que puedes hacer para preparar tus líneas para el color. Por lo que lo digital es muy nítido, Es muy crujiente, sobre todo con la línea ons. Y cuando piensas en dibujos tradicionales, incluso dibujos entintados, el grafito o la tinta a menudo caerá en estos pequeños surcos del papel a un nivel muy zoom, creando un efecto de línea más suave que no ves en digital. Digital sólo se ve muy, muy afilado. Lo que puedes hacer es imitar este look natural en tu coloración LAN duplicando tu capa de líneas, cosa que acabo de hacer. Van al menú de filtros, van a desenfocar y desenfocar gaussiano. Y la mayoría del software tiene un desenfoque guassiano de algún tipo. Después manipulando la cantidad de desenfoque en la capa de esa segunda línea. Por lo que efectivamente estamos duplicados la capa de líneas aquí. Entonces tenemos tierras de dos líneas. La capa de la línea superior. Estamos agregando un borroso también, y estamos difuminando todas las líneas. Lo que quieres hacer es conseguir un buen grado de desenfoque. Se puede ver si soplamos demasiado, se ve un poco extraño y groovy. Y si no nos desenfocamos en absoluto, se ve muy afilado. Quieres conseguir un buen grado de desenfoque solo para suavizar esos bordes. Y luego modificar ligeramente la opacidad de la capa de sangre para que el efecto no sea demasiado fuerte. Y lo que esto hace es que crea unas líneas muy naturales, de aspecto suave. Y también permite que lo colorido es que vas a estar haciendo para tener una agradable transición suave a la línea en lugar de esta línea negra muy dura, color plano con una edad muy afilada entre los dos. Y verás aquí mientras activamos y apagamos la visibilidad de la capa, justo cuánto efecto tiene el ablandamiento en la pieza. Por lo que esta pieza en particular es la pieza se estará moviendo hacia adelante a través del flujo de trabajo para indicar y hacer los ejemplos de todo el flujo de trabajo de coloración. Y así ahí se ve el efecto suavizante de línea una vez más, ¿verdad? Eso es todo para la preparación de tierras. Te veré en la siguiente lección. 32. Módulo 3.4: escenario 1: color local: Bienvenidos a esta primera etapa de nuestro flujo de trabajo para colorear y pintar, que está tirando los pisos. Ahora bien, ¿a qué se refieren los pisos? Flex, referido a color plano. Estamos poniendo solo color plano único, sin gradientes, sin edades extrañas, solo colores planos individuales. Aquí puedes ver que estamos usando la herramienta de anclaje flatter o un pincel equivalente en el software actual que estás usando para solo hacer un sólido blob de color y lleno en un área en particular. Entonces eso es lo que son los pisos. Y vamos a llenar los pisos para cada región de forma independiente. Por lo que etiquetaremos esta capa de piel, y progresará a lo largo de la pieza. Haciendo una capa para el cabello, capa para las burbujas, permite las conchas y el tentáculo y así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces vamos a estar tirando pisos. Ahora, nuestra caída ha sido prepagada por este proceso de coloración. Tenemos una capa Value Check aquí en la parte superior. Tenemos nuestras líneas en un grupo el cual incluye nuestra capa de líneas suavizadas así como nuestra lente normal carecía, darle ese bonito borde suave. Y entonces tendremos nuestras capas debajo las líneas para construir cada una de nuestras capas planas hacia arriba. Ahora también hemos incluido el fondo gris porque queremos asegurarnos de que estamos eligiendo valores en los contextos de color correctos o en un tipo normal de contextos de color donde no tenemos un blanco o negro siendo dos contrastando cómo seleccionamos el valores. Ahora, en esa nota, cuando estás haciendo pisos, puedes planear en cualquier color sin duda, pero te voy a hacer una recomendación. Entonces digamos que queremos hacer la piel. Y podríamos ser propensos a elegir algo como esto y decir, bueno, eso parece un tono de piel razonable. El problema es que ese es un tono de piel bastante iluminado. Y cuando estamos haciendo pisos, queremos asegurarnos de que aquí en el área de color, queremos tener una buena gama de recintos altos y una buena gama de recintos bajos. Para que cuando estamos haciendo las sombras y las sombras de oclusión ambiental en las sombras del núcleo, podamos usar esos rangos de menor valor para esos. Y estábamos haciendo los reflejos y la luz reflejada y los otros laboratorios podemos utilizar los rangos de mayor valor para esos. Por lo que queremos asegurarnos de tener una amplia gama de recintos y pieza de arte. Entonces si fuera a elegir un valor para el tono de piel, empecé lo que me gustaría que fuera si fuera iluminación verdadera y luego tipo de moverlo hacia abajo a un poco más de un área gris. Y solo mi matiz un poco más caliente ahí. Y eso es sobre el valor que usaría para el tono de piel y el color. Y así pasando al aplanamiento, la forma en que personalmente hago esto ya que uso el pincel huido Inca, Tiene un borde caliente y es precioso sensible también para los hijos. Y yo, literalmente, entro y coloreé la superficie a mano. Y hay otras formas de hacer esto. Pero lo que quieres tener en cuenta es que querías tener en cuenta que quieres tener precisión de cada una de las regiones. Voy a seguir adelante y colorear en toda la superficie de la piel sí. Sobre la cara. Y entonces lo que estoy haciendo es prestar atención a mantenerme en las líneas y no dejar que nada de este valor de piel y este color de piel se desangra en el cabello. Pero si lo hace, solo cambiaré a la herramienta de borrador y la borraré para que solo tenga la piel en esta capa. Entonces solo voy a entrar aquí y listas completas usando la preciosa sensibilidad para meterme en esos rincones pequeños. Y lo que haré es asegurarme de que cualquier área que haya pasado, te va a decir que no debería tener ese tono. Iré y borraré. Entonces por ejemplo, las cejas van a ser parte de la capa capilar. Y entonces lo que acabaremos de borrar las cejas y los ojos van a ser parte de la capa de ojos. Entonces borraré la piel de la capa de ojos aquí. De igual manera en boca. Y así hemos aplanado la cara. Ahora hay otras formas de hacer esto. Vayamos a la capa de mi línea. Otra forma de hacerlo es utilizar la herramienta de varita mágica o unas herramientas de selección completa. Por lo que la herramienta mágica aquí en Photoshop básicamente intentará adivinar qué área dentro de una forma estás seleccionando. Entre la capa de líneas, la capa de tienda y tierras. Voy a dar click en esta área y se puede ver el software ha hecho una aproximación del espacio dentro de aquí. Vamos a crear una nueva capa de piel y a ver qué sucede cuando rellenamos en base a esta selección. Entonces para usar el pincel aquí, y solo voy a cepillar sobre la selección. Y vamos a anular la selección. Y como puedes ver, hay bastantes áreas grises que no se han ido plegando. No si quieres usar ese método de selección, puedes entrar y rellenar esas áreas grises también. Lo que puedes hacer tan bien como deshacer todo eso. Tenemos de nuevo nuestra selección. Si su software lo soporta, puede ir al menú Seleccionar, modificar, que modificará su selección actual y seleccionar la opción Expandir. Y luego eliges el número de píxeles por el que quieres ampliar la selección en esta instancia, Vamos con cuatro. Hagamos un completo otra vez. Deseleccionarlo. Y aún se puede ver que todavía hay algunos vacíos. No lo es, es un poco más preciso que la primera selección, pero aún hay algunos vacíos. Y incluso hay otra forma en que podrías acercarte a esto. Eliminemos estos sin piel, no vamos a usar selecciones. Crearemos otra habilidad y lo que puedas hacer. Y conozco a un artista profesional que hace esto. Simplemente está coloreando toda la zona de la piel de esta manera. Ir por todas las áreas que nuestra piel, derecha. Simplemente haz toda la piel y luego entra después y en realidad solo borra lo que está fuera de las áreas. Por lo que realmente no te estás enfocando en quedarte en las líneas. Te preocupa borrar todo fuera de las líneas, y ese es ciertamente un método viable también. Es posible que estés preguntando por la herramienta de cubo de pintura. Si has usado una herramienta de cubo de pintura donde seleccionas una herramienta de cubo de pintura y luego simplemente lleno en área. El asunto con la herramienta de cubo de pintura es que necesita leer la información en la capa de líneas. Por lo que realmente no funciona para nosotros porque si fuera a usar la herramienta de cubo de pintura aquí y hacer un seguro completo. Se está plegando. Se utiliza la misma tecnología que la herramienta de selección para intentar adivinar el área que estás tratando de llenar. Pero hemos colocado ese color en la capa de líneas y definitivamente no queremos hacer porque ahora somos una especie de contornos de encabezamiento y la piel en la misma capa. Y lo llamarían y modificarían las cosas en la capa de líneas correctamente ya porque hay píxeles que se están doblando en esa capa que son parte de la piel. La herramienta de cubo de pintura no es realmente una herramienta efectiva para nosotros. Sin duda recomendaría solo usar el cepillo inundado ANCA entrar y llenar todas las regiones. Y algo a tener en cuenta es que los pliegues planos sí toman un poco de Tom. El proceso completo huido es una de las cosas más largas que hacer. Es lo más fácil de hacer, lo más básico de hacer realmente. Y solo estás coloreando y de color plano. Pero sí lleva bastante tiempo, sobre todo cuando quieres pliegues planos precisos. Por lo que he ido adelante y plano doblado toda la pieza para que puedas hacerte una idea de cómo debería ser el escalón completo plano. Y sí, he dado los recintos correctos y los colores adecuados a las zonas que quería. Por lo que le di a nosotras y cabello azul, tono de piel. Tiene conchas rosas, las burbujas azules. Ella se esconde lo suficiente a sus espaldas o algo así. Ella tiene el tentáculo con las pequeñas ventosas en los tentáculos y las ventosas en los tentáculos y los pequeños patrones en su estante, equidad comparte exactamente el mismo color y valor. Y ese es uno de esos ejemplos donde las áreas detalladas más pequeñas a menudo pueden compartir una capa, ¿verdad? Ni siquiera tuvieron que compartir un color, pueden compartir una capa. Ahora, pasemos a nuestra capa Value Check y veamos los valores. Y aquí podemos ver que aunque los colores todos diferentes, también tenemos diferencias en el cabello a la piel, por ejemplo, la piel a las conchas, las conchas a los tentáculos en la piel a los tentáculos. Y esto es muy, muy importante, casi más importante. De hecho, es más importante en los colores que elijan a sí mismos, ¿verdad? Se quiere tener estos recintos separados porque cuando el espectador está viendo la pieza que principalmente realmente viendo los valores primero y los colores segundo, ¿de acuerdo? Y esa es la escucha en pliegues planos. le ha proporcionado este archivo para que pueda trabajar en este paso a paso a medida que avanza. Pero también recomendaría, por supuesto, usar tu propia obra de arte, prepararla online, hacer las caídas planas en tu propia obra de arte y moverte a través de este flujo de trabajo en tu propia obra de arte. Pues bien, eso son las caídas planas, y te veré en la siguiente lección. 33. Módulo 3.5: escenario 2: variaciones: Lo que ahora vamos a hacer es añadir unas variaciones de color a nuestros pisos existentes. Ahora si te preocupa estropear tus pisos existentes, simplemente puedes ponerlos en una capa de respaldo, copiar todas las capas con ellas en su propia carpeta. Y tengo una nueva capa, India llamada base flats backup. No es mala idea hacer eso. Pero en términos generales, cuando tienes más experiencia, realmente no te preocupabas demasiado por ello. Porque lo que vamos a estar haciendo es ir seleccionando cada uno de estos elementos separados que tienen pliegues planos. Y les vamos a dar algunas variaciones de color. Y la razón por la que vamos a introducir estas variaciones, como verán, es para que obtengamos un color base superficial más variado antes de golpear la iluminación. Y lo que hace es al final del día, permite que el trabajo sea un poco más vibrante, tenga una gama más amplia de colores y simplemente luzca un poco más atractivo, un poco más creíble. Ahora algo para recordar también es que mientras el proceso de aplanamiento sí toma mucho tiempo, como se mencionó en la lección anterior. Y agregar estos módulo de varianza de color va a ser bastante rápido. El premio por hacer este largo proceso de aplanamiento realmente es que se llega a hacer el resto de los pasos de los nueve principales completos con relativa rapidez. Por lo que una vez que el proceso de inundación lleva mucho tiempo, en realidad se puede hacer el resto del flujo de trabajo de iluminación con bastante rapidez, comparativamente hablando. No obstante, lleguemos a las variaciones de color, que es de lo que se trata esta lección. Entonces lo que vamos a hacer aquí es que tenemos seleccionada la capa de piel. Voy a mantener el control y hacer clic en la miniatura y eso va a seleccionar todos los contenidos de la capa. Alternativamente, puedes hacer clic en el botón Ver, déjame bloquear píxeles alfa, que bloqueará todos los píxeles invisibles de la capa. Y lo que vamos a hacer es agarrar el cepillo suave o un aerógrafo muy suave en tu aplicación de elección, voy a dar clic en Ends. Color, escoge esta piel, un lugar que hemos utilizado en el color de la piel. Y lo que quiero hacer es un quiere introducir quizás un ligero cambio de valor, sólo un poco de un cambio de valor y algo de un cambio de tonalidad diferente, generalmente un matiz que tendría sentido en esa superficie. Entonces, por ejemplo, me he mudado a una especie de naranja meñique. Y voy a añadir suavemente en algunas áreas extra suaves de este tipo de color rosa. Ahora la verdad sea dicha, probablemente ni siquiera te darás cuenta de estos colores que tanto una vez que el Latinx en. Pero el propósito principal aquí es que consigamos una superficie de variación pasando en estos pisos. Por lo que los pisos en tan aburrido y aburrido. Y así aquí voy a añadir pequeños pedacitos de este tipo de nuevo tipo de semi color en las áreas de la piel simplemente aleatoriamente. Realmente no pienso demasiado en la iluminación necesariamente cuando estoy haciendo esto. Y solo estoy agregando algo de variedad a ese piso. Y me moveré por la pieza haciendo esto para todos los demás elementos también. Seleccionaremos el cabello aquí, Control H para ocultar esas líneas de selección. Y sólo voy a conseguir un poco de una variante diferente. Queremos cambiar tanto el valor. Definitivamente queremos cambiar el tono, ¿verdad? Entonces no jugaríamos demasiado con el valor porque si jugamos demasiado con el valor, nos estamos moviendo al territorio de hacer las sombras y la iluminación, y no queremos meternos con esas cosas en esta etapa. Simplemente queremos alguna variación en los pisos. Entonces aquí puedes ver que estoy agregando un poco de turquesa al cabello. Y esto es bastante, voy a decir que es una técnica secreta per se, pero no se usa muy a menudo. Y no mucha gente sabe hacer esto al flexor, solo un poco proceder a hacer el resto del flujo de trabajo de iluminación. Y es una manera agradable, un profesionalismo extra en tu trabajo. ¿ Verdad? Vayamos a las burbujas. Y puedes hacer cola un matiz hacia abajo cuando estás haciendo esto. No es el fin del mundo. Tan solo haz mi pincel más pequeño ahí. Y estoy usando el cepillo suave upflow o un cepillo suave. Y yo sólo estoy dabbing un poco de variante de un poco de un gradiente, si se quiere, va a hacer las conchas. Y a continuación, moveremos las conchas a un alcance perfecto. Y el efecto realmente es bastante sutil. Tentáculos. Y se puede ver mientras estoy haciendo esto incluso ahora antes de que incluso lleguemos a la iluminación, lo rápido que es moverse entre los elementos ahora que todos están en sus propias capas separadas. Yo soy, realmente es algo realmente bueno para eficiencia del flujo de trabajo tener estas capas separadas, todo en una capa separada. No nos preocuparemos por esos pequeños detalles. Podemos hacer el mango de la cuchilla seguro. Estoy escogiendo el color ese valor base, dándole un ligero ajuste de sede, pero principalmente un ajuste de tonalidad. Y solo introduciendo solo algunos tipos extra de color ahí dentro, algunos colores extra. Y creo que no estábamos preocupados por las probabilidades y el top de la cuchilla tanto. Y eso es agregar variaciones de color a nuestros pisos para fines de una pintura más rica y rica, ¿verdad? Entonces realmente esto sólo enriquece y enriquece el objetivo de pintar. Nos vemos en la siguiente lección. 34. Módulo 3.6: formas de etapa 3-: Ahora vamos a echar un vistazo a las sombras, la etapa del flujo de trabajo. Y esta es con mucho la parte más importante del flujo de trabajo. Esta es realmente la lección. Se quiere tomar notas y realmente se quiere poner mucha atención a todo lo que vamos a estar haciendo respecto a las sombras. Ahora podrías notar que los personajes irises habían sido pintados de verde y los labios tienen un bonito color de labio envejecido suave para ellos. Y lo he hecho durante realmente renderizar todas las sombras. Ya se han renderizado todas las sombras. Para que pueda mostrarles al final de la lección cómo se va a ver eso. Pero se puede seguir adelante y votar plano de aluminio estas áreas también. Apenas cada uno en capas separadas. Puedes poner tus irises capa separada o en la otra capa, está bien. Y los labios en una capa separada. Está bien. Por lo que antes de entrar en el proceso real de la misma, sólo vamos a echar un vistazo rápido a algunas notas cuanto a lo que vamos a estar haciendo por zona. Entonces para la carpeta propia de la piel aquí, zona, para las burbujas, para las conchas, etcétera, etcétera. Lo primero que vamos a estar haciendo es que vamos a estar poniendo en general grandes sombras, ¿de acuerdo? General, sombras grandes y énfasis en la palabra general. No vamos a hacer ningún loco agitado pensando tanto en los aviones. Va a estar haciendo grandes sombras generales. Entonces vamos a hacer sombras de oclusión ambiental. Y luego vamos a hacer las sombras de forma. Y luego donde sea que necesitemos, en realidad vamos a enchufar alguna oclusión y algunas sombras de costo también. Ahora haremos una etapa de oclusión cerca del final del flujo de trabajo y una etapa de sombras de costos de la etapa CATIA adecuada, si se quiere, al final del flujo de trabajo. Pero es importante que donde reconozcan áreas que necesitan oclusión adicional o que necesiten algunas persianas de llamada para leer bien, durante nuestro escenario de sombras, entonces lo metamos ahora y nos ahorrará tiempo después. Permítanme reiterar nuevamente. Esta es la parte más importante del flujo de trabajo. Esa es la única cosa. El segundo es que las formas necesitan leer en el escenario. Eso significa que el trabajo necesita lucir razonablemente 3D, tiene que tener un nivel razonable de 3D convincente en esta etapa, etapa dos radios fuera a los pisos y golpear las sombras. Antes de pasar a las otras etapas del flujo de trabajo, estábamos haciendo iluminación y reflejos y así sucesivamente. Y la tercera cosa es que quieres realmente, realmente sobreinvertir en la etapa del flujo de trabajo. Invertir en exceso en las sombras. Se puede subinvertir en todos los demás pasos fuera a anchos. Porque si esto se lee bien, se establece la base de la imagen. ¿ De acuerdo? Por lo que realmente quieres trabajar más duro. Sí. Entonces sigamos adelante y entrémonos en esto. Y voy a ser suave sombreando esta pieza en particular. Eso significa que voy a usar un cepillo suave y nos vamos a centrar en un estilo de renderizado muy suave. Es decir, el estilo de la pieza va a lucir bastante suave y degradarla muy bien gradiente. Ahora bien, eso no quiere decir que este flujo de trabajo sólo se aplique a ese estilo. Una vez más, este es un flujo de trabajo universal. Si querías tener una pintura áspera o un look de acuarela o lo que tienes. Vamos a cubrir esos particulares. Y en el Módulo 4. Pero en realidad, solo quieres enfocarte en el flujo de trabajo, justo en el hecho de que estamos haciendo obturador. Por lo tanto, no te preocupes demasiado por el estilo o el aspecto del flujo de trabajo que siempre se puede cambiar. O es una va a ser una lección un poco más larga de lo habitual. Haré todo lo posible para mantener las cosas lo más claras y concisas posible. Vamos a meternos en ello. Y en lo que vamos a estar trabajando en particular es que vamos a estar trabajando en la piel aquí. Y entonces lo que voy a hacer es crear una capa por encima la piel y la voy a llamar iluminación de la piel. Ahora, cuando decimos que la iluminación no significa luz, sólo significa todo el principio de iluminación de forma que queremos aplicar. Vamos a hacer eso todo en esta capa. Y lo que puedes hacer es hacer clic en tu capa de piel y controlar la miniatura y hacer clic para seleccionar el área. Y para que solo pintemos en nuestra nueva capa dentro de la selección de la piel solo tú podrías hacer eso. No obstante, si tu software admite máscaras de recorte, lo que hace la mayoría del software, solo puedes sostener Alt y pasar el cursor entre las líneas aquí, entre la iluminación de la piel y la piel. Y le dirá a la capa de revestimiento de la piel, solo pinta en las áreas que cubre la capa de piel, ¿verdad? Que básicamente bloquea todos nuestros píxeles a las pieles. Aquí se puede ver, sólo es pintar en la piel sin importar a dónde mueva ese cursor. ¿ Verdad? Ahora lo que vamos a hacer es cambiarnos a nosotros cepillo de flujo ascendente suave o a un cepillo suave de tu elección, queremos asegurarnos de que el flujo sea bastante bajo. Ahora, verás cuando veas la demo completa de este cuadro de principio a fin, que en realidad empecé a un flujo del 100 por ciento y tuve que hacer un ajuste alrededor de tal vez 1 quinto, 1 sexto del camino a través. Y eso puede suceder a veces. Así que realmente presta atención a tu flujo, siéntate y manténgalo bajo. Del 70 al 80 por ciento es divertido. Y lo que vamos a hacer, vamos a sostener a Alt y vamos a colorear pick base valor de piel aquí. De acuerdo, vamos a color de piel y va a variar. Y vamos a bajar el valor aquí abajo en el recolector de color. Vamos a bajar el lugar. Y si quieres, puedes jugar poco con la saturación de tonalidad. Esto es realmente solo tema de creatividad. Puedes hacerlo como te sientas y conseguir un valor de sombra yendo, ¿verdad? Entonces hemos escogido el color y tenemos un valor de sombra. Y lo que queremos hacer es simplemente extendernos lo más fuerte que podamos en un lugar. Sube a nuestra capa Value Check y asegúrate de que haya un contraste adecuado, que haya una clara distinción entre la luz y la sombra. Y parece que hay en este caso. Entonces eso es genial. Y vamos a pasar a ese primer paso que me siento en las notas de clase, traigo esos ahora pero una general grandes sombras. Y entonces lo que voy a hacer aquí, vamos a borrar que es que voy a, um, no me preocupa pintar las líneas porque tengo mi máscara de recorte. Me voy a decir a mí mismo, bueno, ¿de dónde viene la luz? Vamos a mantener las cosas simples. Vamos a decir que hay una luz en el lado izquierdo, la clave principal, lotes y Linux en ella. Y entonces lo que voy a hacer es hacer que mi pincel sea realmente grande y simplemente rocíe suavemente en algunas sombras grandes generales. Por lo que el lado de la varilla de tu cuerpo probablemente va a ser más sombrío y más en vena de sombra, el levantamiento. Y así solo algunas sombras generales, bajarlas no demasiado oscuras. Estoy presionando muy a la ligera y en cualquier lugar creo que necesita un poco de sombra general. Está bien. Ya puedes ver ahora tenemos un lado izquierdo más claro y un poco más oscuro ¿verdad? Y estas son solo tus grandes sombras generales. ¿ Verdad? A continuación vamos a pasar a nuestras sombras de oclusión ambiental. De acuerdo, y realmente la oclusión ambiental sombra es una vez más mostrar el giro de la forma. Tipo de Beckett pregunta en capa de forro, mismo valor, tenemos el mismo valor ahí y el mismo color. Y lo que vamos a hacer ahora es preguntarnos donde pueda ocurrir una sombra de oclusión a y B, generalmente en los bordes de las formas. Por lo que dejaremos menos rociar en una sombra de oclusión ambiental en los bordes de las formas. Por lo que el borde de la cabeza aquí consigue una cosa ambiental misma en el borde de la oreja. No seas tímido con un valor. Y me pueden ver agregándolo aquí, el borde de los hombros. Y juego con la sensibilidad del pincel, la sensibilidad a la presión del pincel para asegurarme de que lo estoy manteniendo agradable y suave ya que se gradiente en la última parte de la piel. ¿ Verdad? Y así estoy agregando en estas sombras de oclusión ambiental a los bordes de los objetos, ¿verdad? Dondequiera que giren las formas. Ahí es donde si una forma es redondeada o regresa a otro lado, es buena idea tener una sombra de oclusión ambiental a su edad. Y me gustaría pensar que esto en realidad es bastante sencillo. Y así vamos a sumar estos en bastante rápido. Voy a moverme un poco más rápido, el bien de su tiempo. Y vamos a meter estas sombras de oclusión ambiental. Y quieres tratar de evitar tener demasiado duro de filo. que no quieras tener como un sobre, te romperías así donde no has estado intentando controlar el gradiente. Sólo tratando de mantenerlo agradable y suave. Y si no es suave, solo vuelve a repasarlo un poco más suave y manténgalo ahí dentro. Está bien, manténgalo bien y suave. Y este borde de la forma aquí va a conseguir una sombra de oclusión ambiental aquí, el sod del brazo. Ahora, querrás hacer esto un poco más cuidadosamente de lo que lo estoy haciendo aquí. Esto sigue siendo correcto. No es incorrecto. Pero agilizando mi velocidad por tu bien. Está bien. Entonces esas son las sombras de oclusión ambiental. Los tenemos en los bordes y eso es realmente bonito. Y sí tiendo a usar el término oclusión de NB un poco más flojo que su significado de TA más estricto. Pero estoy seguro de que entiendes lo que quiero decir cuando digo, Vamos a poner esas sombras en los bordes. Rush. Ahora una vez que esos están dentro, nos movemos de vena. Haciendo nuestra siguiente etapa de sombra, que son las sombras de forma. Y esta es la etapa muy importante. ¿ Está bien? Esto también requiere que realmente hayamos invertido tiempo y sólo tener una buena comprensión general de los aviones. Está bien. Y mientras estás trabajando, siempre un SASE, ¿sientes los valores lo suficientemente oscuros nuestros equipos para ir demasiado oscuros, así que quería dejar el valor un poco oscuro. Sí, creo que lo voy a dejar como es porque tiendo a quedarme tranquila a oscuras, discúlpame, y eso es fácil de arreglar digitalmente. Eso es lo genial con lo digital. Puedes volver a arreglar todo si cometes errores. Pero de todos modos, mantendremos eso igual. Ahora lo que vamos a hacer son las sombras de forma. Las sombras de forma, las sombras que caen sobre la forma en las áreas con una luz no es conmovedora. Y entonces lo que voy a hacer es que vamos a hacer las sombras de forma aquí en la cara. Y voy a empezar a pintar en sombras en las tomas de los ojos. Lotes provenientes del ascensor. Entonces me imagino que el lado de la nariz probablemente tendría un poco de sombra ahí. Lo estoy manteniendo suave, manteniendo el gradiente suave. Y yo quería tener una sombra más oscura mientras llegamos a este lado derecho de la cara aquí. Porque los lats no tocan ahí. Disculpe, debajo de la nariz, vamos a añadir otra sombra aquí. Y aquí es donde podemos implicar una sombra de costo. Es una de esas instancias en las que realmente podemos conseguir que vaya una sombra de núcleo. Por lo que la nariz está costando un poco abajo terminando. Podemos poner un poco de sombra de oclusión ambiental aquí sobre la edad de la nariz a medida que entra en la cuenca del ojo, sombra del ojo izquierdo. Se puede ver que mantenemos esos bordes bonitos y suaves. Y es muy importante hacer esto. No se puede, es beta tener bordes muy suaves que puedes perseguir. Y en lugar de tratar de suavizar bordes muy duros, lo cual puede ser muy, muy complicado. Y como la cabeza es realmente redonda, estoy pensando que tengamos más sombra aquí. Y vamos a querer tener una sombra debajo del labio inferior aquí, y un poco más debajo de la barbilla por aquí. De igual manera en el oído, puedes poner algunas pequeñas sombras de núcleo. Queremos que los agujeros en la oreja sean bastante oscuros y se peguen a la cara en esa nota de ahí. Y vamos a pasar a nuestra agregando ligeras sombras de oclusión a la cara. Y lo que queremos hacer es oscuro en ese valor de sombra un poco, porque algunas áreas necesitan ser un poco más oscuras. revoltijo tiene otra fosa nasal, las partes más internas del ojo, el zócalo munging. Y luego estas pequeñas áreas bajo el pelo, solo con un pelo se conecta, ahí va a haber mucha exclusión. Entonces solo vamos a realzar esas sombras. Esta pequeña muerte por el oído como va junto a la cabeza, y de igual manera por el lóbulo de la oreja ya que se conecta con el joel, queremos que eso no sea algún doc. Y también estas áreas oscuras dentro del propio oído. Y realmente este es el proceso por el que quieres estar trabajando, hacer las sombras generales y luego trabajar la oclusión ambiental, las sombras de forma. El cautela es que necesitas en las sombras de oclusión que necesitas en esta zona. Y puedes notar pequeñas áreas de gris o lo que sea el color de fondo que tengas es puro y no te preocupes por eso. No se puede sentar y tratar de conseguir ese tipo de cosas súper perfectas. Por eso tenemos la posproducción que nos permite limpiar algunas de estas cosas. Entonces no te preocupes por eso. Y así puedo entrar aquí y realzar algunas de estas sombras de oclusión ambiental. Y añadamos esa sombra Nick, que también va a costar un poco. Simplemente añadiremos la forma del costo de la sombra y manteniendo la edad relativamente más dura aquí, para que parezca estar costando correctamente. Y así a lo largo del proceso de sombra, estoy pensando en dónde está la oclusión la zona de sombra de oclusión ambiental, donde están las sombras de forma, donde va a haber sombra. Entonces por ejemplo, aquí con la clavícula conecta la clavícula ahí, va a ser un poco de sombra ahí dentro. Por ejemplo aquí, donde el brazo y el hombro se conectan con el torso. Queremos que la sombra sea más oscura. Queremos asegurarnos de que esos bordes no sean demasiado duros. Por lo que vamos a añadir esa sombra en sunita con los pechos. Manejando nuestra presión del cepillo, ¿verdad? Gestionar cómo lo hacemos. Y si sientes que has eclipsado el error en cualquier lugar, solo tienes que pulsar E para la herramienta de borrador, asegúrate de que esté en el cepillo suave aquí. Y solo puedes entrar y borrarlo a la ligera. Y así quieres trabajar las sombras exactamente en ese orden. Sombras grandes generales, sombras de oclusión ambiental en los bordes forman sombras y trabajan constantemente ahí, mirándola al evaluar el área de superficie que estás haciendo y asegurándote de que estás pintando esas sombras. Va a realzar esas sombras ahí. Y así trabajaría en cada superficie de esta manera en particular. ¿ Verdad? Ahora. No te preocupes demasiado en esta etapa si sientes que no lo estás agarrando, porque hay un montón de demos en este curso que verás el flujo de trabajo exacto jugando, particularmente las que hemos hecho hasta ahora, desde los planos hasta las variaciones de color plano, hasta las etapas de sombra haciendo las grandes sombras generales en la edad, oclusión ambiental, luego las sombras de forma. Entonces nos estamos preguntando dónde en la forma a las sombras caen. Por ejemplo, aquí podríamos hacer una gran sombra de forma allá para este pecho aquí podemos poner uno aquí porque no hay nada para ser latino, tal vez entre los pechos, algunas sombras ahí. A lo mejor hay demasiado ahí. Entonces vamos a borrar eso y mantener las cosas suaves pero precisas tanto como sea posible. ¿ Y con qué quieres terminar? Pasemos a esas capas de ahí. Es. Quieres terminar con una pieza que se vea algo así, ¿verdad? Y cualquiera que sea la pieza que se vea algo así. Por lo que todas las sombras se han colocado en cada zona y está bien si está un poco oscuro porque así también tenemos el escenario de iluminación para ayudarnos a aclarar áreas cuando estamos agregando lat real a la pieza. Y se puede ver que tuvieron particularmente requiere un buen número de pases de la etapa de oclusión donde realmente oscureces las pequeñas sombras en el cabello y nota la sombra general del cabello. Derecha, tenemos un área más clara a la izquierda y una más oscura y la derecha. Lo mismo con la piel más grande a la izquierda, oscura a la derecha, y de igual manera se aplica a todo lo demás. Está bien. Entonces esa es la etapa de sombra. Invertir en exceso nitpick. Agrega los detalles que quieras agregar y asegúrate como estás agregando en cada una de estas etapas que te estás diciendo a ti mismo, ¿Se ve 3D? Y una de las grandes razones por las que puede no parecer 3D es que puede estar colocando las sombras en el lugar incorrecto. Y la solución a eso es volver atrás y estudiar los aviones. De verdad hay que invertir tiempo en estudiar los aviones. Escribirá, pero no tomará demasiado tiempo. Te puedo prometer que sólo necesitas una comprensión general de planos. Y eso realmente es el final de la lección de sombras. Pero hagamos sólo una comparación entre los pisos y las sombras. Entonces están los pisos. Esas grasas no tienen variantes de color porque tenemos nuestra capa de respaldo, si recuerdas de la última lección. Y aquí tenemos las sombras. Y una vez que se haya puesto la base fuerte, verás en los siguientes pasos lo fácil que es, lo fácil que es hacer que se vea genial y súper 3D. Y realmente un buen ejemplo para mi principio, ¿verdad? trasero trabaja el escenario, créeme, trabaja el escenario, toma a mi jefe. Trabaja el escenario. Está bien. Te veré en la siguiente lección. 35. Módulo 3.7: escenario 4- luz 1: En esta lección, ahora vamos a echar un vistazo a la fase general de iluminación. Y si has invertido el tiempo en hacer tus sombras, esta fase será relativamente rápida. Todavía hay que pensar en los aviones y todavía vamos a estar trabajando en nuestra capa de iluminación, y lo haremos a lo largo del resto de la pieza. Entonces entrémonos en ello. Empecemos con la piel. Por ejemplo. Vamos a ir a nuestra capa de forro de piel aquí. Y vamos a elegir un poco el valor más ligero de la piel, así que no el valor de sombra del valor más ligero. Y eso hará un matiz. Y luego aumentaremos el valor. Y luego lo comprobaremos haciendo un poco de prueba. Consulta el valor de esa luz y mira si hay suficiente contraste para que sea una luz viable me parece un poco demasiado ligera, así que voy a bajar ligeramente el valor. Deshacer eso. Dale una oportunidad a esto. Y eso parece razonable. No quieres que vaya demasiado alto porque aún necesitamos algo de Vettii Room para los aspectos más destacados. Por lo que ahora vamos a pasar a la capa de revestimiento de la piel. Es por supuesto, recortado a la capa de la piel, también puede utilizar una selección si lo desea. Y vamos a vivir cualquier área que necesite luz adicional. Y vamos a utilizar nuestra comprensión de los aviones para determinar dónde la golpearía la luz cuando estemos brillando desde el lado superior izquierdo. Entonces solo me voy a mudar aquí usando un pincel más grande. Áreas ligeras, presionando muy suavemente y trayendo líneas adicionales a la pieza. Entonces por ejemplo aquí, el lado izquierdo de los senos están recibiendo lotes adicionales. Esta zona frontal del pecho también se puede conseguir un poco más. De igual manera aquí, pero el estómago. Y encontrarás que esta etapa es particularmente rápida. Solo tienes que asegurarte de que no estás presionando demasiado y no sacando bordes demasiado duros de tu cepillo. Entonces verás que me esfuerzo por la sutileza y tú también deberías. Queremos tan solo introducir lote donde se necesita. Y principalmente esto sería del lado izquierdo también. Entonces ten eso en cuenta. Quieres introducir gran parte de este lote en una zona sombreada o en la zona sombreada general. Y esto realmente sientes que necesitas agregar algo de falta de aire, traerá algo de ruido adicional en el brazo aquí. Aquí también. Pasemos a la cara. Y así estoy muy tentado con cómo uso el cepillo suave en esta instancia. Y me preguntaré, bueno, si hubiera luz golpeando la cara relacionada por cierto, ¿le pegaría? Y me imagino que tendríamos una mancha aquí en la frente. Algo de luz en la nariz, posiblemente en este plano superior de lo no esteroideo, tal vez no. Entonces traje un poco así de manera diferente en la mejilla izquierda. Se puede ver que tipo de acariciarlo muy suelto, presione muy suavemente. Y lo construyo despacio. Para que no tengas que apresurarte a acumular ninguna de estas zonas. Derechos. Y entonces los párpados también recibirían un grado de lotes. Tienden a ponerse bastante iluminados, sí depende de la circunstancia de iluminación, pero obtiene anuncios en AS grado de dinamismo. Y queremos tener cuidado cuando estamos haciendo también esta fase de aprendizaje, no eliminar nuestras sombras de oclusión ambiental en los bordes de las formas. Ese es un error de principiante muy común. Si haces eso, va a hacer la forma y no parecer animal tridimensional. Y eso es más o menos para la iluminación, por supuesto, cuanto mayor grado de precisión se persigue en esta etapa, más fidelidad tendrá la imagen. Y realmente estás jugando con la escala de muy realista, hasta una escala de muy simplista. Vamos a mantener las cosas como en el medio terreno aquí. Todavía está haciendo el flujo de trabajo completo. Se golpeó el cabello. Ve a la capa de cabello aquí. Aquí, iluminación. Selecciona nuestro color base con un calentarlo un poco en la tonalidad. Y vamos a aumentar el valor. Queremos un bonito aumento sustancial. Y vamos a mantenerlo muy suave y tendido los gradientes funcionan bien. Y lo vamos a hacer una vez más con sutileza. Y principalmente en las zonas que nos comportamos sería más ligero. No queremos ir y, ya sabes, eso es mucho, eso es mucho. Eso es como que es como que eso es mucho, etc Simplemente nos enfocamos en dónde estaría la luz en un en donde la luz estaría básicamente enfocada con una luz no estaría. Entonces tengo que preguntarme, ¿qué quiero hacer con algunos de los huecos en el cabello? ¿ Está en la sombra? Si lo es, quiero dejarlo sin luz. Si no está en la sombra. Le añadiré unas cuantas rayas de luz. Simplemente dejaremos algunas de estas áreas, pero muy sutilmente, no se quiere exagerar. Y luego nos moveríamos por cada zona, aplicando suavemente la luz a las zonas donde sentimos que necesitamos luz extra que están siendo golpeadas por una fuente general de luz. Estamos efectivamente, estamos potenciando las zonas de luz existentes que fueron definidas por nosotros colocando sombras en las posiciones correctas. ¿ Verdad? Entonces echemos un vistazo a lo que sucede cuando hemos hecho esto sobre toda la pieza. Deberíamos tener nuestros pisos en nuestras sombras completamente hechos. Y luego cuando hayamos aplicado las luces a través la pieza tendrá este tipo de efecto donde es casi como si estuvieras encendiendo y apagando una luz desde el lado izquierdo y está iluminando las formas. Y lo moverás a través de cada una de las capas, cuidando de considerar las llanuras y usar la sutileza. Y no olvides que quieres que tu flujo sea bastante bajo en esta instancia o tu capacidad baja. Si tu software no tiene un flujo sentado, mantén tu pasado alrededor del 80 por ciento solo te da más control sobre la cantidad de pintura que estás usando por golpe. Y eso es para la fase de aprendizaje. Pasemos a la siguiente fase. 36. Módulo 3.8: escenario 5- luz 2: Ahora vamos a pasar a nuestro escenario de iluminación reflejada. Y lo que queremos recordar de la luz reflejada es que generalmente aparecen en las sombras. También suelen aparecer desde el suelo. Están rebotando desde el suelo y están golpeando superficies inferiores de las cosas. Entonces vamos a seguir adelante y usar nuestra capa de forro de piel aquí para hacer un ejemplo de entonces cómo puedes pintar eso en. Y por supuesto, te moverás por todas tus capas, tus labios dejando que su cabello se ilumine ahí y así sucesivamente. Entrar y hacer la iluminación reflejada donde probablemente debería estar apareciendo. Entonces empecemos aquí en la cara. Y lo que vas a notar es que ahora que tienes tus sombras abajo y tus lats abajo y has construido la mayor parte de esa forma. Te vas a notar que cuando agregas luz reflejada, de repente trae un mundo completamente nuevo de dimensionalidad a la pieza. Y por eso la iluminación reflejada es uno de los cuatro pilares del latín. Entonces lo que he hecho aquí es, este es mi color típico que selecciono, que es una especie de alto ish tipo de valor en el rango de tonalidad verde gris. Por lo que realmente es solo un gris ligeramente verdoso. Y realmente puedes usar podrías bastante posiblemente usar cualquier cosa. Pero siento que esa especie de mezcla del lote llega a algo así como este tipo de gris Lachish. Simplemente puedes ir una especie de gris plano, de alto valor. Y ese es el color que los estoy usando. Y lo que quiero hacer es imaginar qué aviones, la iluminación del suelo podría estar brillando en las zonas sombreadas. Y una de las ubicaciones más comunes para esto es en la parte inferior de la barbilla y las mandíbulas. Entonces vamos a seguir adelante y vamos a pintar eso. Y lo que quieres hacer es asegurarte como estás pintando en estos trazos, que el gradiente a medida que se mueve hacia la piel sea muy, muy suave. Quieres evitar bordes duros, ¿verdad? No quieres bordes afilados en esta instancia. Y así empezaré con sólo pintar una sección muy, muy ligera y lisa. Y luego me mudo a un poco de sección de bronquios aquí. Y sigo yendo por ese filo para matar esa línea, cierto, ese borde duro. Para que obtengamos un gradiente suave moviéndose hacia esa zona. Trayendo un poco más aquí arriba. Y voy a añadir un poco debajo de la oreja también. Y así me estoy preguntando, si hubiera mucho rebotando desde el camino de tierra, sería ese lote potencialmente podría golpear un poco del año aquí. Y de repente un lugar al que definitivamente sí tiende a golpear es el fondo de la nariz. Basta con tener en cuenta, trata de mantenerlo en las zonas de sombra. Y ya puedes ver la tridimensionalidad que estás obteniendo al agregar ese forro reflejado en la cara. Y así realmente solo te mueves por la pieza, pintándola, asegurándote de que esos bordes sean realmente suaves, muy, muy suaves. Porque si son duros, mata el efecto de inmediato. A lo mejor hay algo de rebote y iluminación reflejada, lo siento, en el área de los ojos aquí entonces nuestra zona superior de plomo debajo de la nariz aquí en la fosa nasal incluso. Y de hecho incluso a los ojos, habrá algunos poco amorosos, la capa extraña en este momento. Por supuesto, también estarán en los labios y así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces voy a seguir adelante y sólo te mostraré cómo se verá toda la pieza cuando hayas agregado esta iluminación reflejada en. Entonces esta es nuestra paz sin la iluminación reflejada. Y muy similar a cuando agregamos todos los lotes, te darás cuenta es que si estás encendiendo y apagando una luz desde el suelo, Vamos a ir a sobre esto es nivelado. Puedo suponer que fue divertido. Y vamos a encender esa capa con la iluminación reflejada. Entonces está encendido. Y está apagado. Una vez más en. Una vez más apagado encendido. De acuerdo, vamos a mantenerlo encendido y sólo exploramos un poco. Por lo que se puede ver aquí generalmente planos orientados hacia abajo, los planos que se enfrentan al suelo obtienen este tratamiento en un grado u otro. Y lo que se logra hacer es depender de si de áreas y un punto focal o no. Yo como que lo aligeraré a medida que lleguemos a la cima. Entonces aquí, esta zona aquí se puede ver bastante allá. Y, pero aquí en esta pieza principal de pelo barrido se coge traído el valor de esa luz reflejada se vuelve bastante amplia. Lo tenemos en múltiples áreas de la cara, tendría un pequeño indicio de ello en el me metió en los labios y el labio superior, la parte inferior de la nariz, la parte inferior de las conchas, principalmente planos de orientación inferior. El fondo de este brazo aquí que allá y aquí en las zonas del tentáculo que se enfrentan en los planos inferiores. Y esa es la etapa de iluminación reflejada. Pasaremos a la etapa más destacada. Te veré ahí. 37. Módulo 3.9: escenario 6- destaca: Ahora vamos a discutir los aspectos más destacados y la etapa destacada. Ahora algo a tener en cuenta es que en las zonas iluminadas aparecen unos reflejos. Además, querrás frenar tu uso de los reflejos. Destacados suenan realmente divertido y brillante. Y así comenzó como un error común es que colocan destacados en todas partes sobre todo y queremos mostrar moderación. Queremos poner reflejos en, en donde creemos que es el punto de luz más alto sobre una superficie en particular o sobre un elemento en particular. Entonces vamos a hacer el ejemplo en la capa de piel. Una vez más, es una capa muy común. Y vamos a escoger nuestro color de zona clara. Uno de nuestros valores dentro de la zona de luz, en algún lugar bastante ligero. Y vamos a calentarnos un poco. Y vamos a valorar un poco. Y luego hacer una prueba. ¿ Verdad? Comprobemos eso en la capa Value Check. Parece bueno. Deshacer eso, y volver a nuestra capa de forro de piel aquí. Y lo que queremos hacer es escoger una o unas pocas zonas en el área iluminada, o algunos elementos que podrían tener un potencial resaltado en base a los planos. Entonces en la cara aquí, por ejemplo, que veo tres zonas muy viables para un buen punto culminante. La primera zona sería una pequeña sección justo aquí en la frente, que sería el punto de luz más alto en esa sección de la frente. Y en la nariz. Voy a rociar ligeramente en un poco de destellos de nariz. Trata de no eliminar mi edad de oclusión ambiental ahí. Empezaré aquí el punto más brillante de la punta, y lo arrastraré un poco y mataré un poco a algunos de los bordes para que no sean tan afilados. Saber, correcto. Y tal vez incluso mientras hago eso, estoy pensando para mí mismo, moderación. Se quiere mostrar moderación con los aspectos más destacados. Entonces no voy a tener que se extienda todo el camino hasta la cima. Y luego en la mejilla se cuida un poco de un destellos sutiles. Justo en la mejilla. Nada demasiado loco. Y eso sería probablemente por la cara. En realidad. Solo agreguemos un poco aquí a los párpados, solo las puntas de ellos. Una especie de truco que me gusta hacer porque esa zona de los párpados puede atrapar mucho justo en la zona media ahí. Está bien. Y eso sería todo por la cara. Ahora puedes meterte con él, y puedes agregar luces sutiles aquí y allá en tu fase de resaltado. Pero quieres mostrar moderación porque en el minuto que comienzas a agregar demasiados reflejos son reflejos demasiado brillantes, ya estás listo, empieza a perder la tridimensionalidad de las formas. Entonces por ejemplo, sí, nos movemos al área del pecho. Imagínese que no sería un spot probablemente como aquí que recibiría mucho más probable los otros lados. Y he tratado de apegarme a las zonas de vida aquí en los senos puede ser un poco de una sección allá y una sección aquí en este braced. Y para intentar, realmente tratar, mantener las cosas mínimas y pensar en los aviones. No te vuelvas loco con los reflejos, te arrepentirás. Los ohmios que tienes, por ejemplo, objetos cilíndricos equipos para resaltar con una tira o una raya. Entonces haré un poco de raya izquierda. Siempre ajustando el tamaño de mi pincel según sea necesario. Y probablemente tengamos un poco de un, un atrevido punto culminante negro aquí, justo ahí en el OEM. Y matar los bordes ablandándose. Alguien aquí en el estómago, probablemente este lado izquierdo tendría un poco de destaque porque está levantado, sus aviones están levantados. Y para que puedas ver realmente tienes que mostrar moderación cuando estás haciendo reflejos. Así que adelante, DO destaca. Recuerda que quieres recoger el más claro en color, tonificarlo y valorarlo bastante sustancialmente. Y esa es efectivamente nuestra etapa destacada. Te desplazarás por la pieza haciendo esto en cada capa de forro de la piel que recubre ahí, esos labios tirados ahí y así sucesivamente y así sucesivamente. Y una vez más, he ido adelante y he hecho lo más destacado de toda la pieza, sólo que podemos ahorrar algo de tiempo. Por lo que está el trabajo sin reflejos, y aquí está el trabajo con destacados. Y particularmente en el cabello. Quieres tipo de escoger tus zonas de muy sabiamente hecho ir destacando cada camino realmente arruinará la entidad tridimensional por ahí. ¿ De acuerdo? Por lo que ahí tenemos los aspectos más destacados encendidos y apagados, encendidos y apagados. Está bien, los dejaremos encendidos. Y te veré en la siguiente lección. 38. Módulo 3.10: escenario 7- hightlights 2: Cuando estamos pintando lo más destacado, va a haber el way suit de Tom y las superficies tienen que ser más reflexivas. Y la forma en que indicamos la reflectividad es endureciendo las edades de los reflejos en esa superficie en particular. Y en esta instancia de esta pieza en particular, estos tentáculos en realidad van a ser un poco más brillantes. Y entonces lo que vamos a hacer es pasarnos a la capa latina de tentáculos por aquí. Y hemos puesto en nuestros momentos más destacados y nuestros lats. Se puede ver esta sección del tentáculo. Y lo que vamos a hacer es usar el cepillo suave. Vamos a entrar y en realidad vamos a endurecer selectivamente algunos bordes. Ahora bien, ¿a qué edades escoges a cómo? Bueno realmente hay que mirarlo y ver qué tiene sentido. Pero en términos generales, puedes endurecerte con un poco de los bordes y empezará a hacer que la superficie se vea un poco más brillante. Ahora la hada, la edad está en una superficie en particular en cuanto a tus lats odiando es cuanto más reflexiva es esa superficie hasta tal punto donde puedes tener un reflejo espejo y en realidad solo está reflejando todo a su alrededor. Pero en esta instancia, vamos a ir por apenas un poco más brillantes. No vamos a ir por un reflejo espejo. Entonces lo que voy a hacer es simplemente escoger este punto culminante aquí. Usa mi cepillo suave a un tamaño bastante pequeño. Era el tamaño más pequeño significa que obtengo una edad más dura, un borde más duro. Y voy a endurecer el borde de esta zona destacada aquí. Ahora quiero asegurarme de que las cosas no se vean súper rachas. Por lo que seguiré cambiando el tamaño del pincel a veces solo para asegurarme de que la mezcla de los gradientes aún se vea bien, particularmente dentro de esta zona de resaltado. Y se puede ver de inmediato el cambio que tiene a cómo percibimos ese objeto. Ahora aquí en realidad voy a seleccionar la sombra. Y voy a usar la sombra para endurecer el borde interior de ese resaltado en particular. Y al hacerlo, estoy insinuando al espectador que esta cosa tiene un mayor grado de reflectividad basado en sus reflejos más calientes. Voy a entrar y Honda e incluso topo sólo para conseguir un poco más de contraste entre el área iluminada y el área sombreada. Se puede ver aquí estamos consiguiendo una ventaja bastante firme ahora. Y no olvidemos, queremos pensar en edades en un rango de muy, muy suave, todo el camino hasta muy, muy duro. Por lo que querías conseguir un buen rango de edades cuando estás pintando y coloreando en general. ¿ Verdad? Y para que se haga esa zona. Y así se ha alterado la percepción del material, de la superficie, del material de este objeto, ¿no? Es más una superficie brillante. Yo voy a hacer lo mismo aquí arriba como ejemplo. Ahora, típicamente la edad de luz sería la más caliente. El lado que está mirando al último y ligeramente más suave al costado que no está mirando hacia la luz. Y así aquí estoy entrando y una vez más estoy endureciendo los bordes de estas luces, los aspectos más destacados aquí. Y así en todas las superficies que necesita ser Shania, quieres calentarte bastante el borde un poco. Eso no quiere decir que haga subir una tienda. Por ejemplo, si usamos ese pincel huido de tinta, particularmente en la superficie, probablemente podrías llevarlo hasta un acabado espejo, pero así sería un borde muy duro. Está bien, así que sólo estamos poniendo un filo muy caliente. Y de repente es efectivo para superficies muy brillantes. Esto no va a ser ultra brillante, tal vez un grado medio de Sean, ¿de acuerdo? Y eso es efectivamente lo que haremos en cada superficie que necesite este tratamiento de la edad superior. Entonces en esta pieza en particular, las zonas Ani, realmente estamos viendo que esto sucede en el tentáculo y el mango del cuchillo, la sección superior, esta sección gris de la noche. Y eso es por las burbujas. Técnicamente, también podríamos hacerlo en las burbujas. Simplemente no he optado por en esta pieza en particular porque las burbujas son en realidad más de un elemento de fondo. Por lo que no quiero centrarme demasiado en ellos. Pero asegúrate de que estás embrujando bordes en servicios que todo brillante o significa ser más brillante o más reflexivo. Su fin? Sí, En realidad, antes de pasar a la siguiente lección, echemos un vistazo a cómo se ve esto cuando se complete. Entonces eso es sin el endurecimiento, se verá particularmente en el tentáculo. Y eso es con el endurecimiento. Y se puede ver cómo nuestra percepción del material superficial del tentáculo ha cambiado bastante significativamente antes. Y fuera de deuda. Así que asegúrate de tener un punto de venta donde te pases en tus momentos más destacados y calientes en esas edades. Si el material es más de una parte superior reflectante de material. Muy bien, pasemos a la siguiente lección. 39. Módulo 3.11: escenario 8- hightlights 3: En esta última lección sobre aspectos destacados, ahora vamos a echar un vistazo a agregar una especularidad o reflejos especulares a nuestra pieza. Ahora los reflejos especulares realmente extrañan los puntos de luz más brillantes. Y por lo general sólo hay un solo destaque especular por una zona en particular. Similares en el camino a los reflejos, pero aún menos y más moderados que los resaltados son. Entonces lo que hacemos con los reflejos especulares, o al menos lo que me gustaría que hicieras mientras nos movemos por este flujo de trabajo es poner tu capa de especularidad o tu capa de reflejos especulares por encima de tus líneas. Y lo que he hecho aquí es que tengo la capa de líneas aquí, que he combinado son líneas de atención directa y nuestras líneas suaves en un solo laboratorio de líneas y la pongo por encima de la capa de líneas. Y notarás que cuando estés haciendo reflejos especulares, que estarás borrando algunas líneas que no necesitas porque no tiene sentido si un resaltado especular está debajo de una línea porque el resaltado especular es más brillante que algo debajo de ella, ¿verdad? Por lo que tiene que estar arriba. Y así ponemos la capa de especularidad por encima de nuestra capa de líneas y escribiremos. Y así vamos a avanzar en esta pieza y vamos a sumar algunos reflejos especulares. Y los primeros puntos destacados que vamos a sumar, vamos a tomar nuestro brocha huida de incurr el cual tiene un bonito borde duro. Vamos a sumar los reflejos especulares a los ojos. Entonces solo voy a poner un punto ahí y un punto ahí. Y pondré un punto más pequeño en el i también. Esto es sólo una elección estilística. Puedes poner tantos reflejos como quieras en estas UNH, para ser una forma particular. Podría ser cuadrado, puede ser triangular. Y también vamos a añadir un destello especular al labio aquí y otro pequeño también. Y lo que me gustaría hacer es agregar un solo destaque especular a la nariz. Digamos, Bien, ¿quién sabe? Es muy brillante. Entonces lo que voy a hacer aquí es que me vendría bien el blanco. Voy a usar mi cepillo suave para esto basado en que la superficie de la piel no sea tan reflectante como las probabilidades de los bucles. Y solo voy a subir mi valor el interior puede tonificar un poco también. Voy a añadir sólo un pequeño destaque a su nariz. Y tú lo ejecutas. Y eso es más o menos lo que hacemos cuando estamos haciendo la spicule es particularmente los altavoces watts son bastante fáciles. Ahora puedes ver he quitado los círculos burlándose de las posiciones más destacadas en las burbujas. Y entonces lo que hacemos es movernos a las burbujas. Podemos usar, creo que un pincel plano o un cepillo suave siempre y cuando tu edad sea dura. Y agregamos esos reflejos de burbuja, que es bastante sencillo y sí nos movemos por la pieza y hacemos eso. Pero hay algo más que quería mostrarte. Como sabemos, este tentáculo es bastante reflexivo y te voy a mostrar una técnica fantástica para ponerte realmente duro con reflejos especulares suaves en una vez que hayas hecho toda tu otra iluminación. Entonces lo que vamos a hacer aquí es ir al pincel huido Inca. Y vamos a escoger un valor mucho mayor. E incluso podemos aumentar el matiz aquí también. Y vamos a usar el pincel huido Inca y la ópera suave, cepillo suave upflow al unísono, ¿verdad? Entonces, en primer lugar, vamos a poner un trazo dentro, justo dentro de nuestra zona destacada así. Y vamos a golpear la herramienta de borrado y usar el cepillo de flujo ascendente suave y borrar las puntas hasta que obtengamos un bonito gradiente suave en esa zona. ¿ Verdad? Y de inmediato seguro que se puede decir que se ve mucho más brillante y mucho más brillante. Hagámoslo aquí. Y no tenga en cuenta que sí muevo el pincel con bastante rapidez para conseguir estos trazos suaves dentro. Y haz lo mismo ahí. Y lo mismo aquí. Y por supuesto, si sientes que tal vez quieres que este sea el punto más amplio, solo podemos borrar sobre él y bajo con un valor ya que estamos borrando ese pequeño especular extra ahí. Se debe este punto aquí. Ya puedes ver voy a deshacer hasta tener el trazo exactamente como me gustaría que fuera. Y yo también aconsejaría, no te lleves enfermo y base contigo mismo. No te apresures a conseguir las cosas exactamente como quieres que sean, ¿verdad? Y así aquí volveré a hacer lo mismo. Y yo sólo voy a agarrar y la mayor parte del golpe. Y voila, tenemos un tentáculo muy brillante con algunas espículas en él. Entonces considere qué material tapas tendrían una iluminación especular. Esta hoja aquí, por ejemplo, sin duda haría este mango parte superior de la hoja o la hoja oculta. Entonces voy a hacer lo mismo. Voy a poner un golpe amplio. Y como está en una capa separada, no hay problema conmigo borrando esos bordes. ¿ Verdad? Y así se puede ver en ciertas instancias, veamos nuestras viejas líneas donde eran líneas, por ejemplo, la nariz en las líneas y los círculos en las burbujas. Tenía que borrarlos. Y esta es una práctica común. Por lo general te das cuenta de que has puesto líneas en algún lugar donde realmente quieres un especular y así tienes que entrar en tus líneas. ¿ Hay algún alza esas líneas, sólo vuelve a las nuevas líneas. Se puede ver que han sido borrados. Y esta capa, la capa de especularidad, la especularidad hablando, hay una de unas pocas capas que estarán poniendo un montón de las tierras o justo encima de las cosas. Pero vamos a meternos más en eso a medida que avanzamos. Cierto, ese es el final de los aspectos más destacados. Escucha, aquí están mis aspersores totalmente terminados por la paz. No muy diferente a lo que acabamos de hacer, solo unos cuantos niveles extra. Y te veré en la siguiente lección. 40. Módulo 3.12: escenario 9: iluminación dinámica: Ahora vamos a echar un vistazo a agregar iluminación secundaria a tu pieza. Y lo primero que quieres hacer es pensar qué dirección se convertiría la iluminación secundaria de un lote primario de la izquierda consiguió luz reflejada en la parte inferior. Por lo que quizá una buena ubicación de escalera de cigarrillo en esta instancia es de la derecha. Eso es todo. No tiene que ser de la derecha. También podría ser de izquierda también. Y aún así se vería bastante guay. Pero sin embargo, con la luz viniendo de la derecha, la fuente de luz secundaria, vamos a acercarnos a esto de una manera muy similar que nos acercamos al estado de iluminación reflejado. Entonces lo que he hecho aquí es que he seleccionado un azul de muy alto valor. Ahora por supuesto, puedes seleccionar cualquier color que sientas que funciona con el esquema de coloración con el que estás trabajando. Y lo que voy a hacer, vamos a usar de nuevo la capa de revestimiento de piel como ejemplo para esto es que vamos a movernos y pintar ligeramente en esta luz secundaria brillando en cualquier plano que la enfrente. Entonces lo que hago es entrar con el cepillo suave solo para que ocurra un resplandor inicial. Y luego me acerco más para sumar el bronquio secundario al punto más brillante. Todo ello. Enfoque muy, muy similar a la forma en que hacemos la luz reflejada. Ahora, también recuerda que está bien solapar la iluminación reflejada cuando estás haciendo el escenario, por ejemplo, seguridad que claramente va a estar brillando en esta sección del brazo aquí también. Y así sucesivamente. Simplemente se superponen que reflejaba la iluminación y siguen pintando en mente enfermo y recargando. Correcto. Y es un proceso bastante sencillo, pero también puede llevar bastante tiempo. Depende de muchos detalles. Tienes pieza nueva aquí en la cara. Es un poco a la Jolla y trata de asegurarte de que no estás teniendo que caliente Ages. Nadie tiene que parecer una línea. Simplemente parecía que la luz brillaba. Podemos agregar algunos a la oreja aquí también. Yo también estoy usando el cepillo suave para esto. También toma nota de que he añadido un pequeño punto especular azul en la capa de especularidad solo para indicar esa fuente de luz en los ojos también. Y así trabajas capa por capa sección por sección, agregando esta fuente de luz secundaria. Y cuando termines, debería verse algo así. Una vez más, ya sabes, lo estás haciendo bastante correcto cuando puedes encenderlo y apagarlo como un interruptor de luz. Y como tal, ahora que tenemos la luz reflejada del suelo, la luz clave de la izquierda y un full out en la varilla o lotes de grado AAS estaba a la derecha. Ahora tenemos iluminación de tres puntos y hace que nuestro trabajo se vea muy, muy dinámico y muy, muy 3D. Y eso es todo por la amorosidad secundaria. Y te veré en la siguiente lección. 41. Módulo 3.13: escenario 10- contraste: Ahora vamos a pasar al escenario de sombras de oclusión. Y realmente vamos a estar potenciando todas las sombras diminutas más oscuras de la pieza en esta etapa. Y lo primero que queremos hacer es crear una capa de sombras de oclusión debajo de nuestra capa de especularidad y por encima de nuestra capa de líneas. Eso es lo primero que queremos hacer. Después querremos establecer esta capa de sombras de oclusión al modo de capas multiplicar. Y lo que vamos a estar haciendo es que vamos a hacer que esta capa multiplique los valores de los colores debajo. Y luego vamos a usar el cepillo suave y la pintura con negro. Entonces lo que vamos a hacer, pintar en esa capa, pero vamos a usar selecciones de nuestras vidas completas planas. Entonces por ejemplo, en la piel aquí en un control de espera y seleccione todas esas áreas golpean Control H para ocultar las líneas de selección. Y voy a volver a mi capa de sombras de oclusión, ¿verdad? A ésta la ha llamado cláusula de sombras de oclusión por las ecuaciones terminadas ya se han hecho. Y por si acaso estás confundido sobre eso. Y pasemos a ello. Entonces si mostramos la selección, puedes ver que tenemos todas las áreas de la piel seleccionadas. Pero solo asegúrate de que estás en tu capa de sombras de oclusión cuando vas a estar pintando en las sombras de oclusión. Y entonces lo que voy a estar haciendo tiene preguntándome, Oye, ¿dónde van a estar? Sombras que realmente se están acercando al negro en la forma, ¿verdad? Y una de esas áreas aquí estaría en estas diminutas hendiduras por el cabello. Por lo que me voy a acariciar suavemente en sombras de oclusión. El cabello se encuentra con la cabeza con un martillo. Siento que pueden ser áreas realmente oscuras. Y una vez más, se pueden ver estas pequeñas áreas grises que no tienen ninguna llena y una vez más, no se estresen por ellas. Podemos limpiar eso cuando estamos haciendo nuestros toques finales con cualquier tipo de áreas que no nos hayamos plegado o que no consiguieron valproate o puedes limpiarlas. Y entonces lo que estoy haciendo es que me estoy moviendo por la pieza buscando áreas que necesitan tener más sombras de oclusión u sombras de oclusión más oscuras. Y paso a paso y las agrego donde sienta que necesitan estar. Entonces aquí debajo de la oreja, por ejemplo, podría hacer con un poco más la sección del cuello aquí. Y no tengas miedo de usar también la herramienta de borrado para despejar los bordes. Entonces por ejemplo, si quisiera hacer una oclusión aquí y la entrada, que es una ubicación viable. E hice algo así para realzarlo. Eso está bien. Entonces puedo simplemente usar la herramienta de borrado y borrar las áreas que no están destinadas a ser un contaminado. Y aún así mantener mi oclusión al ejecutarlo. Y eso es lo genial de tenerlo en una capa separada. Podría querer realzar los pequeños huecos entre las conchas, en cuyo caso tendré que ir a la capa de conchas. Vamos a quedarnos aquí y seleccionarlos. Control H para ocultar esa selección. Y como no quiero pintar en mi capa de estantes, voy a volver a mi capa de sombras de oclusión. Lo que ese doc y simplemente realzar estas sombras aquí. Estas son oclusiones más sutiles. Se puede ver la diferencia que esto hace a cómo sobresalen las formas. ¿ Verdad? Y así nos moveríamos por toda la pieza, limpiando el cabello, agregando inclusiones dondequiera que sintiéramos que necesitábamos realzar la más oscura de las sombras oscuras de nuestro trabajo. Ahora, aquí están las oclusiones faunales para esto. No tardó demasiado. No es realmente no es una etapa muy larga. En realidad solo estás tratando de identificar áreas que son un poco para almorzar. Y así aquí se puede ver como lo enciendo y apagado se introduce contraste y se puede ver algunas zonas que han conseguido la sombra de oclusión, tratamiento, erupción. Y eso es que para la capa de sombras de oclusión. Una vez más, recuerda por encima de tus líneas, debajo de tu capa de especularidad. Está bien, nos vemos en la siguiente lección. 42. Módulo 3.14: escenario 11: Cast: Ahora vamos a hacer la parte final del grueso del flujo de trabajo de revestimiento de formularios en pintar a este personaje, que es proyectar sombras. Y por supuesto, las sombras de autos son esas sombras que están siendo causadas por algún objeto sobre otro objeto. Otra cosa clave que queremos recordar es que el núcleo sombrea típicamente bastante transparente. Y las edades de la sombra central se determina si la luz es muy brillante o si la luz está muy dispersa. Por ejemplo, la precaución no es un día nublado. Tendremos un borde más suave y llamaremos sombras en un día soleado brillante tendrá un borde más duro. Y esto es de esta pieza, creo que vamos a ir con una iluminación más normalizada. Entonces me voy a quedar con caliente envejecido. Y lo que vamos a hacer es crear una capa por encima de todas nuestras otras capas, está particularmente por encima de la capa de especularidad. Y podemos ir a advertirnos y vamos a sentar el modo para Multiplicar. Después vamos a usar el pincel huido Inca o un cepillo de borde duro en tu software de elección. Para pintar en rayas esencialmente negras de la sombra del núcleo. Queremos intentar imitar un CAUTI de efecto con este negro puro primero. Y luego vamos a utilizar el flujo de salida suave Bhatia, un cepillo suave para borrar las partes que no necesitamos, así como crear la transparencia en el shedder. Pero permítanme mostrarles cómo podemos acercarnos a esto. Ahora antes de que realmente empecemos. En términos generales, dependiendo de la pieza en la que estés trabajando, es posible que no tengas demasiadas sombras de auto en la pieza. Basta con pensar lógicamente en lo que podría estar creando una sombra de auto sobre una superficie o un objeto en la escena o en la pieza. Y eso te guiará. En esta pieza. Solo hay unos pocos lugares para sombras cruzadas. Y una de las localizaciones más grandes es este gran pedazo de pelo barrido sobre todos los demás aquí. Entonces lo que voy a hacer es tener el pincel plano Inca, tengo seleccionado negro, estoy encendido, mi precaución es capa con multiplicar. Y voy a tratar de imitar la forma de la sombra que puede estar ocurriendo de este cabello. Ahora bien, esto puede ser tan preciso o tan simplificado como usted requiere que sea. Y también basado en el estilo que vas por. Traté de hacerlo lo más preciso posible, pero tenemos que tener en cuenta que no somos computadoras. No vas a conseguir un núcleo de sombras 100 por ciento precisas. Y así realmente haz lo mejor que puedas. Aquí. Estoy usando el halagador Inca y solo estoy borrando los pedacitos que no necesito que están saliendo del pelo ahí. Una especie de adivinar en ese filo. Y levantaré esta sección aquí para simplemente imaginar dónde estará ese pedazo de pelo de fondo. Y luego cambiaré a mi herramienta Borrar, cambiaré al cepillo suave y borraré ligeramente en la transparencia. Entonces estoy presionando ligeramente para poder obtener un grado de transparencia sobre esta sombra central. Ahora se ve un poco oscuro, así que lo repasaré otra vez. Y esa es una forma muy rápida de pintar en las sombras del núcleo. Simplemente voy a suavizar ese borde de ahí arriba. Y tenemos una sombra de costo dentro. Ahora voy a saltar justo delante al punto de mira de ya colocado y podemos echarles un vistazo. Y se puede ver que extendí esta sombra de costo aquí, por aquí, arriba y otra vez por ahí solo para dar la impresión de que definitivamente está frente al resto de este cabello. Añadí un pequeño 100 de este pedazo de pelo aquí. Y luego también agregué algún tipo cauteloso de imitar el borde de las formas de concha ya que esas conchas cuestan abajo en el costado desde la luz en la parte superior izquierda. Entonces esas son más o menos las únicas sombras de auto que se agregan a la pieza porque ya habíamos hecho algunas de las sombras de costo clave al inicio del flujo de trabajo. Cuando estábamos haciendo nuestros pasos de sombra, agregamos en nick core shadow y teníamos esta sombra de núcleo de nariz muy ligera debajo de la nariz todavía. Y eso es algo que podríamos querer realzar, que podemos hacer cuando estamos haciendo nuestra etapa final de limpieza. Y ese es el costo. Sombras. Escucha, así que realmente solo busca lugares claros y obvios donde si algo estaría costando, crea tu capa. Asegúrate de que esté configurado para multiplicarse. Usa negro, usa el borde del pincel que crees necesario para las circunstancias de iluminación. Y luego ir y pintar, borrarlo para que tengamos la transparencia. Y así es como creamos rápidamente creamos moldes, sombras. Genial. Te veré en la siguiente lección. 43. Módulo 3.15: ajustes de posproducción: Ya hemos completado todos los pasos del flujo de trabajo de aprendizaje, pero aún tenemos algunas cosas que hacer. Pero antes de llegar ahí, este es un gran momento para detenernos y considerar lo que podríamos cambiar en cuanto a los niveles y el matiz y la saturación de los elementos individuales. Y para poder hacer estos ajustes de manera digital y eficiente, lo que vamos a querer hacer es fusionar nuestras capas juntas. Entonces por ejemplo, por aquí tenemos la capa de revestimiento de la piel y la capa de pisos de piel. Lo que podemos hacer es mantener presionado Mayús, seleccionar ambos, hacer clic derecho y luego elegir Fusionar capas. Y esto funciona más o menos de la misma manera en la mayor parte del software. Y ahora que las capas están fusionadas, podemos entonces ir a la imagen y al menú de ajustes y escoger de una variedad de ajustes que tenía que hacer a esa sección. Voy a seguir adelante y fusionar las capas de elipse también. Y he ido adelante y fusionado cada día para que cada elemento separado ahora tenga la iluminación y los pisos en una sola capa individual. Y esto realmente sólo otra vez, nos hace fácil hacer esas ediciones y ajustes. Sake la piel, por ejemplo. En primer lugar, ajustemos sus niveles. Deben ser las etiquetas de valor, los recintos de doc, los valores de gris de tono medio, y los valores de luz. Y voy a añadir algunos valores más ligeros en jugador bajo los medios tonos. En realidad solo estoy usando mis ojos para ver lo que siento, siento justo en el contexto del fondo gris y la pieza en general. Y entonces este cuadro de vista previa me permite ver la diferencia entre mis cambios y la versión anterior. Y estaba un poco oscuro. Entonces me alegro de que hayamos aumentado el valor de la piel ahí. Ahora ten cuidado cuando estés usando herramientas como esa. Siempre haz tu cheque de sede para asegurarte de que el lugar siga leyendo bien, quieres que tus lats y tus sombras estén claramente contrastando entre sí cuando estás haciendo estos cambios. Entonces, sólo estar atentos a eso. Tomemos el cabello por ejemplo. Haremos un cambio enorme cuando el cabello, Digamos que solo por el bien de la discusión, queríamos que odiaran ser más verdes. Puede agregar un poco más de verde ahí, aumentar un poco la saturación. Y entonces podríamos quedarnos con ese cambio. Y cambia bastante la sensación de una pieza. Entonces lo que harás una vez termines la iluminación es tomarte ese momento para pausar, fusionar capas juntas y pasar y hacer los ajustes de nivel para que puedas lograr las etiquetas de contraste que quieras. Si hiciste algo demasiado oscuro, hicimos algo un poco del color equivocado. Este es el Thom para cambiarlo antes de seguir adelante. Así que asegúrate de que sí tengas este tipo de ajustes, deténgase punto en el camino ya que estás trabajando a través de tus piezas. Te veré en la siguiente lección. 44. Módulo 3.16: mejora de la piel: En esta lección, ahora vamos a echar un vistazo dispersión subsuperficial en la piel del personaje. Ahora la dispersión subsuperficial establecida es un efecto de luz que se produce cuando la luz entra en un objeto, dispersa alrededor de debajo del objeto y luego provoca un ligero resplandor en el exterior del objeto. Tipos de áreas en las que pensar. Esto es, por ejemplo, en los oídos cuando la luz brilla a través de un personaje, es todos los pequeños trozos de piel entre tus dedos. Probablemente has visto que brilla bastante leído, a veces dependiendo de la iluminación. Obviamente. Otra forma de pensar en otros objetos, por ejemplo, nuestra pistola, los osos gomosos de eBay son un buen ejemplo. Y jalea, por ejemplo, de cómo funciona la dispersión subsuperficial con la luz entra al objeto, rebota por dentro y luego provoca un poco de resplandor para lo que está debajo. Ahora obviamente bajo nuestra piel, muchos vasos sanguíneos y sangre. Y así obtenemos una mujer calificada abajo ocurriendo. Y esta es una de las cosas clave que hace que un personaje que se ve poco de día a tal vez sea un poco rancio o tal vez realmente pálido, que se vean un laboratorio y lo vamos a hacer ahora. Y te voy a mostrar una manera muy rápida, fácil de hacer esto, particularmente en Photoshop. Y la forma en que puedes imitar esto en otras aplicaciones es realmente solo crear una capa normal y simplemente poner un poco de luz sobre raid o un raid muy cereza con un cepillo suave. Pero en Photoshop, había un gran modo de capa llamado iluminación suave. Entonces primero he creado una nueva capa aquí y lo vamos a llamar ensayos ASA para dispersión subsuperficial. Y vamos a sentar el modo capa aquí a la luz suave. Entonces vamos a agarrar un rojo cereza muy brillante son pincel más suave aquí y poner suavemente pintura de dispersión subsuperficial ya que el subíndice está llegando a las áreas donde estaría. Ahora las áreas comunes para la dispersión subsuperficial generalmente tienden a ser las áreas cartilaginosas de la oreja. A veces las mejillas, muy repentinamente, a veces la nariz. Y te mostraré un efecto extra extra extra para ello también. Entonces vamos a hacer el área de la oreja por ejemplo. Voy a seleccionar el área de la piel. En realidad no quieren pintar en el cabello ni en ningún otro lugar. Voy a dejar que el sprite entre algo de ese rojo y muy brillante rojo cereza. Haremos algo en las mejillas aquí. Sé muy sutil con él. No quieres exagerar. Y así me verás deshaciendo si siento que se ha ido un poco demasiado rojo. Es una mejilla. Ahí está el otro. Ahora la belleza de la capa de luz suave es que mantiene los valores que hemos colocado debajo. Entonces la forma de hacerlo, si no tienes capa de luz suave y tu software para jugar realmente con la opacidad de la capa también, solo para conseguir que esos valores brillen. Y algunos en la nariz. Tiene que ser sutil con ello. ¿ Verdad? Y ocho listones pequeño truco que es bastante atractivo hacer es poner algo de esto justo en las esquinas de los ojos, las esquinas de las islas en la parte superior justo aquí de este ion. Entonces me queda de eso. Y se parece un poco a maquillaje. Y en realidad puedes usar esta capa para traer colores adicionales también. Si quieres darle un look de maquillaje de carácter, vamos con el morado por ejemplo. Y en realidad podemos extendernos y simplemente muy a la ligera ahí. Y permite que los valores se muestren a través. Piensa, Vamos con el morado nada. Pero generalmente ir con esta tarifa de silla también es bastante agradable también. Entonces nos quedaremos con el camino morado. Volvamos al rojo cereza. Ahora. Zonas donde se vería esto ocurriendo en más de una riqueza que una dispersión subsuperficial es en las articulaciones de las rodillas y los codos. Entonces aquí voy a poner una estancia encerrada un poco de rosa allá de este mandu carruaje, poquito aquí también. Y simplemente realza el look y hace que el personaje parezca más vivo, ¿verdad? Que tienen sangre corriendo por sus venas. Y si sientes que el efecto es un poco demasiado fuerte y solo ajusta la opacidad del mismo. Creo que voy a hacer una sutileza preferida por encima de un pincel muy amplio. Y por supuesto hazlo en cuanto a lo que sientes que se ve mejor y espacio de trabajo para ti. Y vamos a encender y apagar esta capa y echarle un vistazo. Y lo que esto le hace al sentimiento de amor en el personaje. Pero ella parece una especie de juguete anteriormente. Se va a usar mi suave borrarlo. Sí. Simplemente siento que es un poco leer en esta mejilla. Me va a dejar borrar algo de ello, así que manténgalo más flexible. Y eso es agregar en dispersión subsuperficial sobre tu personaje usando el laboratorio blando. Lab solo usará un cepillo suave en un laboratorio normal y jugará con la opacidad de esos grados de laboratorio. Te veré en la siguiente lección. 45. Módulo 3.17: técnica secreta: La pintura para el cabello puede ser un dolor real en el trasero a menos que conozcas un secreto, hey, técnica de pintura que te hará la vida súper fácil. Ahora en esta etapa del flujo de trabajo, ya tenemos unas bonitas zonas de luz y sombra creando las masas masivas de las formas del cabello. Entonces el cabello se ha formado, pero realmente no se ve así aquí. Se parece un poco a Platón o algo así, ¿verdad? Y esta técnica, me has visto usarla una vez antes cuando estábamos haciendo la iluminación especular en las secciones del tentáculo. Pero lo que vamos a hacer con esta técnica es que vamos a crear dos capas adicionales encima de nuestra capa de cabello. Llamaremos a un cabello pintar sombras por otro lado, pintar lattes. Y vamos a usar el boceto tu pincel. El motivo por el que vamos a usar este pincel en particular, las propiedades del pincel realmente es que su presión determina tanto la opacidad como el tamaño. Entonces cuando hacemos un trazo con este pincel, Vamos a hacer un ejemplo de lectura aquí. Obtenemos ocho grados variables de opacidad a lo largo del trazo, y obtenemos estos bonitos puntos afilados al final. Ahora, la pintura aquí es un proceso de aflojamiento OVN. Quieres estar suelto y fluído al igual que el propio cabello. Y entonces lo que vamos a hacer es que vamos a mejorar las áreas de luz existentes y las áreas de sombra existentes con trazos de pelo. Y luego vamos a usar nuestro cepillo suave para borrar de nuevo las puntas, haciendo que se mezclen bien y se vea realmente suave. Voy a hacer un pequeño ejemplo de sección, probablemente en esta tira de aquí. Y luego te mostraré cómo se ve en mis versiones que he hecho en todo el cabello, el proceso realmente es un proceso de enjuague y repetición una vez que tienes todas estas formas base abajo. Muy bien, una vez que tengas toda la base deslizándose hacia abajo que ya hemos hecho. Entonces lo voy a hacer primero es que voy a recoger mi valor de sombra aquí. Y voy a oscurecerlo un poco. He recortado estas dos capas hasta la iluminación de la cabeza ahí. Si no tienes recorte tu software, solo puedes poner las capas encima y crear una selección de tu cabello y simplemente pintar en esas capas dentro de esa selección. Entonces lo que voy a hacer aquí es que primero voy a trabajar en las sombras. Y aconsejo hacerlo en el flujo de trabajo de todas las sombras primero y luego todas las luces apagadas a eso. Y como nota adicional. Y podrás ver este proceso de pintura completo en el flujo de trabajo completo de este video. Entonces el video de lapso de tiempo completo de esta pintura en particular, ¿no? Entonces lleguemos a él y rotemos aquí el lienzo. Una de las razones por las que estoy escribiendo girando el lienzo es porque necesito ese flujo y necesito fluir correctamente con las líneas. Y entonces lo que hago es encontrar las áreas de sombra y luego les saco algunos trazos. Y correcto. Entonces estoy sacando las sombras si se quiere, de las zonas sombreadas. Y estoy tratando de conseguir una buena variedad de trazos aquí. Es alberca a, otra ahí. En realidad, se quiere tratar de mantener los detalles. El detalle del trazo. No te pienses a ti mismo, Oh, se ve desordenado. Está bien. Tener un grado de detalle de trazo. Pasando por el solapamiento de los céspedes y demás. Y también cambiar el tamaño de tu pincel no es hogar y conseguir unas rayas muy finas para salir también y para cruzar por las formas y espejismo. Y esta levantando un poco este aquí. Se puede ver en la clave muy, muy fuerte con el pincel, estoy tratando de estar muy suelto. Hay una especie de perro, lo siento. Estoy siendo un poco arriesgado con ello. Pero estoy jalando algunos de estos hilos en un apuro. Y una vez hecho eso, presionas E para ir a tu borrador, usas un borrador suave y luego borras ligeramente las puntas del cabello hacia fuera. A lo mejor eso fue un poco demasiado ruidoso o mi trama. Vamos a deshacer eso. ¿Verdad? Nosotros queremos, solo queremos sacar los consejos. Y harías sombras más antiguas de esta manera en particular. Y ya puedes ver cómo empieza a parecerse un poco más al cabello real. Por supuesto, en la versión universal de flujo de trabajo general del cabello. Ahora pasemos a la pintura, deja que las líneas de pintura del cabello. Y vamos a hacer básicamente lo mismo, el mismo pincel. Voy a seleccionar estos valor muy ligero aquí. Tómalo, asegúrate de que no sea alguna rama. Y vamos a seguir adelante. Y particularmente con las luces, queremos ejercer moderación. Una vez más, no alineamos cada sección del cabello con uno de estos reflejos brillantes. Sólo realmente las zonas de las que nos hemos burlado como tener estos últimos puntos de venta. Por lo que sólo hay unas pocas áreas. Sí, nosotros, hemos tenido este último punto culminante. Se quiere poner estas calles de pelo más brillantes sólo en esas zonas. ¿ Verdad? Y entonces lo que voy a hacer otra vez. Entonces voy a tratar de estar muy suelto aquí. Voy a aumentar un poco más ese valor. Y voy a sacar estos hilos de esa mancha traída. Justo así. Pongamos unos trazos más pequeños ahí dentro. Haremos el césped aquí también. Este pedazo de pelo por aquí. No te preocupes si extiendes un poco algunas de las líneas porque eso es lo que está llena la herramienta de borrado. Voy a usar sólo un pincel un poco más pequeño. Ahora, esta técnica en particular se puede escalar varilla hasta un cabello muy, muy realista. Simplemente tienes que preguntarte, ¿qué tan detallado quieres que sea el flujo de trabajo de iluminación de la cabeza? De acuerdo, entonces puedes escalar esta varilla hasta foto-real aquí si quieres. Funciona exactamente de la misma manera. Y aquí he cambiado a la eurasia. Y estoy borrando esos consejos una vez más. Y así tenemos una pieza de pelo muy bien redondeada. Sí, bastante convincente para el estilo actual del flujo de trabajo. ¿ Verdad? Ahora déjame mostrarte cómo se ve cuando todo se está renderizando. Y se puede ver lo cuidadoso que he sido con las zonas más destacadas, ¿no? No queremos tener demasiadas urnas de reflejos, pero en cuanto a las sombras, enloqueced con las sombras, ponlas donde necesites que estén. De verdad traen esa sensación extra de los hilos por aquí y corren por toda la pieza, ¿verdad? Esa es la técnica secreta de pintura capilar, pintando trazos con un pincel con opacidad y presión sobre SES. Y luego usando un cepillo suave para borrar los bordes, trabajamos en una sombra y mucha fase en esto. Recuerda dos valores. Voy a pivote realmente importante por casi todo lo que hacemos cuando estamos pintando. Y ese es el final de esta lección. 46. Módulo 3.18: ajustar el color de línea: En esta lección, vamos a estar echando un vistazo a la coloración de línea. Pero antes de ir a eso, echemos un vistazo a algunas notas sobre los pesos de línea mismos. Si tienes líneas gruesas en tu pieza, son más difíciles de ocultar. Y así en términos generales, quieres entonces asegurarte de que si estás haciendo líneas gruesas, están ahí por una razón y que en realidad son parte de la pieza. Entonces en esta pieza, por ejemplo, las líneas son medios para estar aquí. No estamos tratando de pintar las líneas en una etapa posterior. Ahora si quieres tener una mirada más pictórica en tu trabajo donde no quieras ver las líneas al final, entonces querrás optar por líneas delgadas en tus préstamos de limpieza porque las líneas delgadas se pueden ocultar fácilmente. Ahora por supuesto, los pesos LEN varían. Es posible que hayas aprendido pesos que son muy, muy gruesos. El pelo es un poco más de un peso de línea estilo graffiti y obviamente las líneas de la característica NRA de la obra. Por lo que quieres mantenerlos, ya sea que los colores o no, las tierras o una característica y quieres mantenerlos visibles. Pero solo ten en cuenta que si ibas por un estilo muy pictórica, mira, las líneas más delgadas son mejores y quieres mantener los pesos de línea muy pequeños y mínimos porque vas a dejar que la pintura y la coloración hagan la charla. Pero prevalecerán líneas más gruesas en trabajos más ilustrativos donde se desee que se vean las líneas. Entonces, vamos a tener en cuenta esa nota. Por lo que ir a la coloración de la línea, realmente es un proceso bastante sencillo. Vamos a usar el cepillo suave para hacer esto. Y vamos a crear una capa por encima de nuestra capa de líneas. Y si estás usando Photoshop o software que permite recortar, puedes recortarlo a la capa de líneas, lo que básicamente solo crea una selección. O bien puedes controlar, hacer clic en la miniatura, crear una selección, pulsar Control H para ocultar esa selección y, a continuación, crear una nueva capa en la parte superior. Y luego puedes seguir adelante y pintar las líneas. Y así la pintura de líneas es bastante subjetiva. Puedes hacer lo que quieras siempre y cuando tus formularios sigan leyendo. Ahora, una forma común de hacer la pintura de línea es seleccionar un valor más oscuro o un valor de sombra del área actual. Entonces por ejemplo, en el flaco voy a hacer clic en el valor de sombra de la piel y luego hacer las líneas de todas las áreas de la piel este valor de sombra. Y se puede ver aquí, hay un bonito efecto suavizante a la pieza. El pedazo ya no se ve tan duro y así tienda. Muy similar a lo que hacemos en la línea suavizando cuando estamos ablandando las líneas usando la herramienta de desenfoque. Y de igual manera con el cabello, seleccionaría aquí un valor de sombra de cabello y seguiría adelante y haría que todas las líneas del cabello tuvieran un valor de sombra más oscuro. Y realmente sí suaviza el aspecto de todo y hace que se vea un poco más profesional. Por supuesto, esto está estancado dependiente. Te pueden gustar las líneas negras, y yo personalmente uso mucho las líneas negras, por lo que todo depende de tu preferencia. Otra técnica que puedes hacer es si el valor del área que estás haciendo es de cinco a 10, por lo que es un área valorada muy oscura. La idea es usar un valor muy ligero para las líneas. Este es un ish bastante moderno. Top of look. Verás mucha animación moderna y mucha ilustración hará esto donde las zonas valoradas más oscuras tienen líneas muy claras. Y luego por el contrario, los valores de cinco a uno, los valores más claros o utilizados en superficies que son valores de cinco a uno. Después usas una línea más oscura. Entonces por ejemplo, la piel, entonces usamos una línea más oscura. Y se puede ver que tiene un efecto bastante bonito. Obviamente es más un efecto ilustrativo porque por supuesto no estás ocultando tanto las líneas. último pero no menos importante, también puedes hacer todas las líneas en un solo valor. Y una técnica común para esto es usar un marrón más claro, que es bastante agradable. Yo sólo lo voy a hacer sobre toda la pieza aquí. Y esto también tiene una mirada muy particular al respecto. Es posible que hayas visto esto antes. También ayuda a ablandar la pieza. Aconsejaría usar solo un valor ligeramente más oscuro para los ojos porque puedes ver que puedes perder bastante legibilidad en los ojos. Pero es suaviza toda la pieza hasta escena realmente bonita. Y por supuesto que realmente no puedes hacer nada que quieras con nosotros mientras tu imagen siga leyendo. Entonces usa tu visión creativa y tu subjetividad creativa para decidir lo que más te gusta. Y eso en pocas palabras, es coloración de línea. 47. Módulo 3.19: encima de la pintura: Ahora nos estamos poniendo muy, muy cerca de terminar cómo la paz. Y así pasamos al escenario de sobrepintura. He creado una capa aquí llamada sobre pintura, y se sienta por encima de todas las demás capas. Ahora quieres hacer la otra etapa de pintura una vez que estés listo, feliz de que todos los valores y los colores que utiliza las saturaciones, se hayan hecho todos los ajustes y estás realmente contento con la pieza en este punto, para que puedas entrar y usa la otra capa de pintura para cambiar las cosas, mover las cosas, pintar en los pequeños huecos que te has perdido, y así sucesivamente. Entonces quieres asegurarte de que todo esté bien antes de hacer esto porque la otra pintura última se sienta por encima de todas las demás capas. Y así si tuvieras que hacer más ajustes, las cosas dejarían de parecer raras. Ahora por supuesto puedes ir a esas capas individuales, por ejemplo, la más delgada y arreglar la piel o a mano. Generalmente la capa sobre pintura se hace justo al final. Está bien, así que vamos a meternos en ello. Y lo que voy a estar haciendo es que voy a estar usando el cepillo suave y tal vez color recogiendo mucho y literalmente pintando sobre elementos para limpiar estas áreas. Y así, por ejemplo, voy a arreglar estas pequeñas áreas grises ahí. Y básicamente solo color pick y spray para sacar esas áreas grises. Y ya he pensado en algunas cosas que me gustaría cambiar en la pieza, particularmente en su ojo izquierdo. Ella en el ojo izquierdo no lee súper bien desde la distancia como si no hubiera suficiente verde. Siento que no hay suficiente verde. Entonces el otro cuadro hay una oportunidad perfecta para que yo entre aquí, agregue un poco de luces adicionales como si estuviera dibujando justo encima de todo y consiguiendo que las cosas lean un poco. Se puede ver la diferencia ahí antes. Y muchas veces se va a mirar más de cerca antes. Después, hay un poco más grande, leí ahí. Y así esto efectivamente es 1 sobre pintura es tu oportunidad de llenar todos esos pequeños vacíos antes de pasar a los ajustes finales, ajustes generales y efectos de la fase de posproducción. Y así voy a seguir haciendo esto. Y para cuando llegues a la siguiente lección, se llenarán todas estas brechas y estaremos listos para seguir adelante. Nos vemos ahí. 48. Módulo 3.20: efectos de postproducción 1: Ya llegamos a la etapa final de posproducción de la pieza, y vamos a estar viendo algunos efectos diferentes que podemos hacer a la imagen para realmente terminarla. El primero que vamos a ver es el gradiente de sombras, además de añadir una capa de superposición de equilibrio de color. Entonces en cuanto al gradiente de sombras, lo que tenemos que hacer antes de poder trabajar en estos efectos es que queremos fusionar todo en una sola capa. Por lo que ya no tenemos múltiples capas, solo tenemos una sola capa. Y así lo que debes tener en este punto es una pintura sobre cerca de la capa de sombras del núcleo, capa especularidad, sombras de oclusión, tu capa de coloración de línea, tus propias líneas, así como la coloración y la pintura grupo. Tengo un grupo aún el cual tiene todos nuestros elementos individuales, capas sobre ellos. ¿ Todo bien? Y queremos bajar todos estos a una sola capa. Y lo que podemos hacer es simplemente seleccionarlos todos y luego fusionarlos todos juntos. Entonces vamos, primero, hagamos una copia de seguridad. Aquí los voy a seleccionar a todos. Dejaremos la capa Value Check hacia fuera. Voy a duplicar todas estas capas haciendo clic derecho yendo duplicado. Y luego voy a hacer clic derecho y fusionar las capas duplicadas juntas. Y todas mis viejas capas. Voy a seleccionarlos juntos, crear un nuevo grupo y ponerlos en un grupo y simplemente llamarlos fuente, porque esa es la fuente original de todo. Y luego acabaremos de desseleccionar la visibilidad. Entonces ahora toda la imagen está solo en una sola capa y está lista para que hagamos nuestros efectos. Entonces voy a llamar uno a estos efectos y vamos a hacer esos diversos efectos que acabo de discutir. De acuerdo, entonces lo primero que vamos a hacer es que vamos a mantener el control y seleccionar toda la imagen. Voy a ocultar esa selección. Nos vamos a llevar el cepillo suave y negro. Y voy a crear una nueva capa encima. Lo vamos a llamar gradiente de sombras. Vamos a poner eso para que se multiplique. Ahora por supuesto, ten en cuenta que estos efectos que te estoy mostrando enteramente opcionales. Y se acaban de agregar extras y mostrarte algunos trucos y consejos geniales que me gusta hacer en mi trabajo. Por lo general, la mayoría de los personajes, la mayoría de las cosas se iluminan desde arriba a la derecha, lo que sí significa que vamos a tener valores algo más bajos en la parte inferior. Y así el gradiente de desprendido en una capa de multiplicación con el cepillo suave establecido en negro es realmente solo una forma rápida de oscurecer algunas de las áreas inferiores y mantener las áreas superiores más claras. Por lo que solo quieres hacerlo. Quieres mantenerlo bastante sutil. Y eso es más o menos lo que hacemos ahí. Y una de las razones por las que hacemos esto como en el trabajo de personajes, el punto focal número 1 suele ser la cabeza, generalmente siempre la cabeza. Y el punto focal número dos son las manos. Y así en general, esta sección de la pieza debe ser la más ligera, la más contrastante, y así sucesivamente para llamar la atención sobre ese punto focal. Entonces ese es el gradiente de sombras. Lo siguiente que vamos a hacer, mantener nuestra misma selección. Vamos a la capa de crédito y vamos a llamar a esto nuestra capa de superposición. Y vamos a usar esta capa para crear un efecto de equilibrio de color donde estamos aplicando un solo color. Podría ser cualquier columna en particular y mostrarte que vamos a usar un azul. Y lo que esto hace es que trae todos los diferentes colores a una familia más equilibrada de ese color de superposición particular. Pero vamos a entrar en ello y ya verás a qué me refiero. Entonces lo voy a hacer aquí es que me voy a llevar el pincel huido Inca. Todavía tenemos nuestra selección. Y sólo voy a seleccionar un azul muy brillante, ¿verdad? El valor más alto, azul más brillante aquí. Hemos llamado a la superposición de capas, y esto es lo que estaremos haciendo. Simplemente estaremos haciendo una especie de plano hola lo lleno sobre toda la pieza. ¿ Verdad? Y esto es algo que tiendo a hacer con todo mi trabajo. Y el valor sí cambia, pero el color cambia. Pero la idea, Robert, es la misma. Lo que estamos haciendo es que estamos costando casi piénsalo como si le estuvieras costando una luz. Agrupar todos los valores y colores que has utilizado en una sola familia de tipos. Y lo que vamos a hacer es que vamos a sentar este modo de capa para superponerse. Muy bien, entonces el modo de capa de superposición. Y luego vamos a bajar la opacidad manera bastante significativa en este tipo de región del cinco al 10 por ciento. Y puedes ajustarlo según sea necesario. Y así aquí vamos a activarlo y apagarlo. Es un efecto muy sutil, pero como que trae toda la gama a un costo de iluminación similar, si se quiere. ¿ Verdad? Entonces todo ahora parece más unificado. Escribe todos los colores parecen un poco más unificados. Y ese es el gradiente de sombras y la capa de superposición encima de nuestros efectos uno ahora que es una capa agrupada, que es una capa fusionada comprimida de todos nuestros elementos en una sola capa. Pasemos a la siguiente lección. 49. Módulo 3.21: efectos de postproducción 2: Cuando la luz en diferentes longitudes de onda se refractan en diferentes ángulos, a veces se obtiene un efecto conocido como aberración cromática. Es como que ves unos colores diferentes en un objeto. Y esto a veces puede hacer que el objeto se vea un poco más tridimensional, solo en un sentido general. Y entonces lo que vamos a hacer es que vamos a aplicar un efecto tipo aberración cromática a nuestro trabajo. Y cómo vamos a hacer esto es que primero vamos a seleccionar todas nuestras capas, duplicarlas, y fusionarlas en una sola capa. Podemos desactivar nuestro viejo cobertizo de superposición un gradiente y la ley de Fick, porque ahora tenemos todo en una sola capa. Y luego vamos a querer mantener el control y seleccionar aquí todo el espacio de imagen. No sé por qué esa pequeña área que hay no está seleccionando, pero yo también voy a editar. Correcto. Ahora. En Photoshop, así es principalmente como se hace este efecto en particular. Si tu software es compatible con canales, puedes hacerlo ahí también. Voy a cambiar a la pestaña Canales en Photoshop, que está junto a la pestaña Capas. Y lo que realmente hacen los canales es que te permiten editar solo toda la información en color rojo o verde o toda la información en color azul de una imagen. Y aquí se puede ver que toda esa información más que combinada es toda visible, se ve muy similar al último paso. Lo que voy a hacer es que voy a ocultar mi selección. Voy a seleccionar sólo el canal de radio. Voy a presionar V en mi teclado, dame mi herramienta de movimiento. Y voy a usar el teclado para empujar o mover la imagen por un píxel usando las flechas direccionales del teclado. Voy a mover todos los pixeles rojos una sola vez a la izquierda. Voy a seleccionar el verde. Vuelve a utilizar el teclado. Y tenemos todos los píxeles verdes quiere a la derecha. Y voy a seleccionar el azul. Tenemos todos los píxeles azules una vez a la parte superior. Entonces he ido FOR top, pero puedes hacerlo en cualquier dirección que quieras. Y yo personalmente no recomendaría moverse a más de un píxel a través de más lo mueves a lo loco como parece. Y así aquí se puede ver el efecto de la aberración cromática, ¿no? Vamos a compararlo con nuestras capas anteriores. Lo que voy a hacer es simplemente volver a duplicarlos, fusionarlos de nuevo. ¿ Todo bien? Y la capa superior aquí tiene nuestra aberración cromática. Y esto es sólo nuestras capas de color fusionadas. Echemos un vistazo a la diferencia. Pero obviamente se ve un poco más borroso. Eso no es necesariamente algo malo. Ahí está nuestra versión antigua, y tiene una nueva versión con aberración cromática. Cuando miras más de cerca lo que está pasando con la aberración cromática. Se puede ver que mover los píxeles es causado que ocurran estos extraños cambios de color, particularmente en los bordes de las cosas, ¿verdad? Y el efecto puede ser bastante agradable y no tienes que mover todos los canales. Por ejemplo, podrías mover sólo el rojo y el azul, el rojo y el verde o lo que tienes. Te recomendaría jugar con el efecto y ver qué funciona mejor para ti. Y así es como implementas la aberración cromática en tu pieza, dada la vista, una especie de sentido del 3D por la extraña forma en que hemos hecho que la luz parezca estar refractando. 50. Módulo 3.23: conclusión para el módulo 3: Ya llegamos al final del módulo 3. Y tengamos en cuenta el flujo de trabajo principal de revestimiento de forma, particularmente en cuanto a las sombras que hicimos en la parte de producción de este proceso. Queremos asegurarnos de que las sombras y las formas se lean bien y se vean 3D porque todo lo demás es relativamente sencillo después de eso. Así que asegúrate de realmente bajar eso. Apréndelo de memoria, aprende el principio de aprendizaje de formas y también sobreinvierte en tu fase de sombras. Además, no te preocupes demasiado por los efectos de posproducción porque realmente puedes simplemente meterte en el software y olvidaste tus propios efectos que te gustaría hacer al final de la pieza. Una vez que se haya hecho todo el grueso del trabajo, un lapso de tiempo de todo este proceso seguirá esta lección y podrás utilizarla como un resumen rápido para guiarte cuando estés pintando tu propio trabajo. Entonces echa un vistazo a eso. En el módulo 4, estaremos viendo una serie de formas de escalar los fundamentos del flujo de trabajo, lo que nos permitirá hacer una coloración simplista así como escalarla hasta una pintura más avanzada. Ha sido genial. Espero que hayas disfrutado de esto y hayas aprendido mucho. Pasemos al siguiente módulo. 51. Módulo 4.1: introducción a los estilos de coloridos y pintura de personajes: Bienvenido al Módulo 4, estilos de coloración y pintura. Y en este módulo vamos a echar un vistazo a cómo podemos usar lo que hemos aprendido sobre la luz, el color, el principio de forro completo y nuestro flujo de trabajo y aplicarlo de diversas maneras para lograr diferentes estilos de coloración y pintura para nuestro trabajo de personajes. Ahora, lo que queremos darnos cuenta es con la teoría que hemos aprendido y la idea general del flujo de trabajo que hemos aprendido. Podemos escalar nuestros conocimientos a pinturas de gama alta y bajar nuestros conocimientos a colorear simple. Y obviamente todo depende del estilo de trabajo que se quiera producir. Ahora, cuando pensamos en el flujo de trabajo, queremos darnos cuenta de que los flujos de trabajo pueden ser flexibles. Depende de cuál sea tu pintura. Un flujo de trabajo de estilo cómic lo mismo que un flujo de trabajo de pintura digital de gama alta es un flujo de trabajo de pintura digital de gama alta lo mismo un flujo de trabajo de estilo de dibujos animados muy Realmente varían. Y así el flujo de trabajo que hemos aprendido en el Módulo tres es una sólida conexión a tierra en un flujo de trabajo fundacional sólido para nosotros. Pero los flujos de trabajo pueden ser flexibles y realmente puedes diseñar tu propio flujo de trabajo. La teoría alta de a sigue siendo la misma. Todavía realmente estamos aplicando de diferentes maneras y en diversos grados y cantidades variables. El principio de forro de espuma y tengo teoría de color y luz. Escogemos y elegimos lo que queremos en base al estilo que vamos por. Y así cuando escalamos hasta la pintura de gama alta, estamos usando mucha de la teoría en para no todo. Y cuando bajamos la escala a la coloración simplista, estamos usando sólo un poco de ella, unos pedacitos y piezas. Estoy muy emocionado de mostrarte lo que puedes lograr con los conocimientos que ya conoces. Entonces vamos a meternos en las lecciones y nos vemos en el Módulo 4. 52. Módulo 4.2: lograr colorantes y colores degradados: Ahora vamos a echar un vistazo a nuestro primer estilo de coloración, que es básicamente la coloración plana con gradientes. Y un aspecto definitivo de este estilo es que tiendes a usar colores pastel eran realmente, tendes a usar solo tenso cuando estás haciendo tus pisos. Ahora, esta ilustración en particular es una de una princesa guerrera celta, se llama ciervo Gwen. Y su estilo siempre fue pensado para ser este tipo plano de estilo para colorear para que sus líneas se muestren realmente muy bien. Ahora, si coloreas sus pisos, notarás que todo es una especie de luz. Tiene mucho blanco en ella. Y realmente no había colores muy oscuros. Incluso el marrón de la madera no es muy oscuro y lluvioso en el panel Color aquí, quieres pegarte en esta zona superior aquí, en esta gama alta aquí. Por lo que no nos preocupa hacer nuestros flujos de trabajo de iluminación general a mediados porque con este estilo de coloración en particular, realmente no necesitamos valorar el rango. En realidad no se trata tanto de tener contraste de luz y sombra. Per say. Queremos quedarnos por aquí y entonces obviamente solo diferenciaremos en Hughes y haremos esquemas de color de ojos y demás. Pero manteniendo muchos colores blancos, queremos mantener ahí mucho blanco y usar muchas décimas. Entonces eso es lo único que he ido adelante y pre aplanado esta pieza entera para mostrarte cómo llevamos este estilo de coloración muy simple solo un poco más allá y lo ampliamos solo un poquito. Y vamos a estar haciendo dos cosas. Lo primero es que vamos a estar usando el cepillo suave y la herramienta de gradiente solo para degradar algunas áreas y agregar algunos tonos diferentes. Y lo segundo es que vamos a utilizar la herramienta Inca flatter para sumar algunos aspectos destacados. Y así aquí ya se puede ver una simplificación masiva del flujo de trabajo general de iluminación donde sólo estamos usando pisos no se estaban apegando realmente a la regla. Las opciones de valor. Sí, solo vamos a mantener las cosas simples y vamos a usar el color que queremos que sean las superficies como el color que vamos a escoger. Entonces no el color que esperamos sea cuando esté encendido, más bien el tipo que queremos que sea como el color que vamos a escoger. Y así aquí tenemos un plano separado en capas separadas, como de costumbre. Empieza con la piel y vamos a golpear primero los gradientes. Para que puedas usar la herramienta de gradiente, puedes usar el cepillo suave. No importa. Voy a cambiar el cepillo suave. Voy a ir a la herramienta de gradiente aquí. Y esta herramienta hace un software muy particular, software diferente y cómo funciona, pero generalmente es lo mismo, ¿verdad? Generalmente es lo mismo. Y creo que ni siquiera voy a recortar una capa. Yo sólo voy a seleccionar toda la piel. ¿ Cómo le fue esa selección con Control H? Voy a usar este pequeño ícono aquí, que es un gradiente radial. Y solo hagamos una demo. El gradiente radial solo crea un pequeño gradiente circular y también la cola de gradiente horizontal creará un gradiente horizontal sobre la superficie. En realidad usemos el gradiente horizontal. Y entonces lo que voy a hacer. Es, básicamente voy a vestir estos pisos. No estamos haciendo ninguna iluminación hardcore. Es un estilo de coloración muy ilustrativo, orientado. Estábamos manteniendo el foco principalmente en las tierras relacionadas con las líneas, hacer el hablar de las formas para nosotros con una línea de pesos y el solapamiento del paisaje y platicar. Y así he seleccionado un flaco, voy a dejarlo solo un poquito. A lo mejor cambia el tono sólo un poco aquí. Y sólo vamos a hacer un, sólo mucho gradiente en su piel ahí. Eso se trata de eso. Se trata de eso para eso. Y sólo tienes que ir al cepillo suave aquí. Y podemos simplemente hacer alusión a algunas sombras suaves sobre ella. Estás listo quiere ser sutil contigo haciendo esto. Sólo vamos a conseguir un poco de un valor más oscuro. Ahora. Eso parece divertido. Y yo sólo voy a oscurecerle un poco la piel ahí y sólo algo así como recoger algunas áreas casi como el gran escenario de sombras en un santos. Pero realmente no tienes que hacerlo, no tienes que pensar demasiado en ello es ser honesto contigo. Rush. Entonces es que podemos agregar algún curso implícito de dispersión subsuperficial. Simplemente sé sutil con él. Justo en sus mejillas y pinta en sus labios, pero simplemente realmente a la ligera. Mantenemos las cosas muy, mucho. No queremos romper el uso de la paleta pastel que tenemos aquí, ¿verdad? Son pellets muy tintados, ¿verdad? Y no olvidemos décimas o efectivamente son tonalidades con mucha ganas de escribir un color con mucho blanco agregado a ella. ¿ Verdad? Y así se mueve a través de la pieza. Por ejemplo, el alma aquí, selecciona el AMA con mi cepillo suave y realmente solo lo viste un poco, ¿verdad? No es un plan de trabajo muy intensivo. También es muy rápido. No toma tanto tiempo como el flujo de trabajo normal, ¿verdad? Y así me he movido por la pieza y la he vestido. Y como puedes ver, es bastante sencillo. Estoy seguro. Ahora que ya conoces la repetición de iluminación completa, puedes ver lo sencillo que es este radio. No ponemos sombras de núcleo, no ponemos sombras de forma dentro. No necesariamente ponemos en forro reflejado. Podrías, pero generalmente no necesitas hacerlo. Se puede jugar con eso si se quiere. Y luego vamos a ir a ver Destacados. Vuelve a la piel ahí. Lo que vamos a hacer aquí es que sólo voy a escoger un valor mucho más ligero del tono base de piel cambiado al pincel huido Inca. Y sólo voy a estallar en un punto culminante sus pequeños puntitos. Poner uno en el hombro. Puedes ir a recoger las áreas que quieras contratar lotes. A lo mejor aquí en la rodilla. Desde un muy, muy simplista. Y eso es más o menos lo que hacemos a través de toda la pieza hasta que estuvo completa. Simplemente muy, mucho, muy, muy sutil. Colorear, enfocarse en los pisos y asegurarse de que el esquema lea bien. Y sí, mantenerlos en PESTEL y el rango pastel, vamos a las probabilidades, sí, vamos a sumar los lats a la AWS. Personajes se veían bastante sí cuando no tienes las ediciones de lote a los ojos. Incluso tenía un poco de destaque a la vista también, solo con un cepillo duro. Y realmente esas son las tuercas y pernos de esto. Y esta pieza en particular también, creo que se vería mucho más bonita. Fusionemos las capas juntas. Ella los duplicará y los fusionará. Let's piece se vería mucho más bonito con líneas marrones, marrones. Simplemente lo suavizaría un poco. Entonces estoy seleccionando todas las líneas ahí. Y un, mi cepillo suave y probablemente un marrón bastante oscuro aquí. No queremos que las líneas sean demasiado. Está ahí se volverá ilegible y solo sigue adelante y pinta todas las líneas de color marrón. Y cuando se trata de materiales de renderizado de superficie que se estaba renderizado, si sí quieres, por ejemplo, si quieres que los metales se vean un poco de momento y varilla metálica porque no quieres que sean demasiado planos. Y solo toma tu pincel plano. Vayamos a la zona palmar aquí. Yo sólo voy a recortar una capa hacia abajo en eso. Eso es sólo llamarlo lote de armaduras. Sólo voy a usar uno. Va a hacer la misma técnica que hacemos para ciertos aspectos destacados. Y digamos que tenemos mucho corriendo por aquí. Rush. Entonces lo voy a llamar mucho cepillo ahí dentro. Podría simplemente ir con eso incluso eso parece bien. Y entonces lo que puedo hacer es simplemente borrado suave. Ups. Estoy en la herramienta de borrado y no lo estoy, voy a borrar suavemente esos bordes. Y acaban de quitarle un filo y luego un latín lo arriba. Y boom, tenemos un bonito reflectante y podemos simplemente enjuagar y repetir eso, cruzar las superficies. Y puedes por supuesto, seguir adelante y simplemente cepillo suave, suave en algunos reflejos también si quieres. Pero recuerda que quieres mantener el foco en las líneas y en los pliegues planos, realmente, las caídas planas y las tierras están haciendo todo el trabajo. Si comienzas a agregar demasiadas capas de iluminación, entonces comienzas a pasar a un tipo de estilo diferente, ¿verdad? Porque cuantos más elementos utilicemos, todo el flujo de trabajo de iluminación, más tridimensional se va a ver. Y luego comienzas a tener conflictos con el nivel de detalle que entretuviste y el nivel de detalle que estás renderizando. Y así solo hay algunos reflejos también en la piel. Pero mantener las cosas muy simples y muy planas. Y esa es una manera muy rápida y fácil de conseguir un plano de color con gradientes. Mira tu trabajo, que es muy bonito para piezas bien ilustradas donde estás enfocado en las líneas, en los pesos de línea y realmente estás dejando que el dibujo haga la forma hablando y el hablar tridimensional en lugar de la coloreándose en sí. Genial, Pasemos al siguiente estilo. 53. Módulo 4.3: animación y estilo de sombreado: En esta lección, vamos a estar echando un vistazo al estilo de animación o al estilo anime cel shading en cuanto a cómo llegamos a la pieza, queremos conseguir un auténtico look sombreado celular tan casi como si estuviéramos capturando un marco de animación. Y así podrías notar que estamos usando un proceso muy similar al que usamos con India. Tenemos pisos muy pastel pasando aquí. Y quieres acercarte de la misma manera, apegándote a esta gama de muy alto valor con una gran cantidad de colores en base blanca como tus pisos. Y lo que vamos a hacer es que vamos a vestir cada uno de los pisos de la misma manera que vestimos los pisos con la coloración plana básica. No obstante, no vamos a implicar sombras de todos modos. Entonces aquí puedes ver que he trabajado un poco en la cara y he añadido unos sprays suaves de algún rubor en sus mejillas. Y le he añadido unos suaves lats en los ojos. Y puedes agregar luces a través de la pieza y solo variaciones generales de color, muy similares al paso de variación de color que hicimos en el flujo de trabajo general universal. Y lo hará a lo largo de toda la pieza, simplemente agregando algunas variaciones de color y agregando un poco de tiempo, pero sin tocar las sombras en absoluto. Porque la forma en que hacemos las sombras. Entonces, ¿qué va a definir esa mirada sombreada celular? Y en eso nos vamos a meter ahora. Por lo que aquí podemos ver todas las capas planas. Y lo que vamos a hacer es crear una capa por encima de los pisos, y vamos a llamar a esta celda sombras sombreadas. Va a ser un poco un trabalenguas. Entonces no te preocupes por ello. ¿ Y qué tenemos esa capa? Vamos a establecer la capa en el modo multiplicar. Y vamos a sentar la opacidad de la capa a alrededor del 20 al 25 por ciento. Vámonos y 21, Es divertido. Cuándo usar nuestro pincel plano Inca y preguntó cepillo de borde duro y negro. Y quieres tener esa linda ventaja firme, ¿verdad? Y vamos a hacer las sombras enteras, toda la pieza en esta capa. Y lo que está haciendo la capa multiplicada es multiplicar los valores de los pisos subyacentes. Y en realidad está creando una disminución automática de valor en esos colores específicos. Entonces, por ejemplo, si miramos la piel aquí en el recolector de color, agregamos color, escogemos la piel. Y aquí obtenemos el valor de las pieles y el color de la piel. Y luego cuando color escojo la, oh, la capa de sombras sombreadas de celda con nuestro negro se multiplican 20%. puede ver que se mueve hacia abajo en valor. Entonces a medida que hago clic en él y veo que estamos consiguiendo un cambio de valor ahí. Y automáticamente lo hace a través de todos los pisos subyacentes. Entonces sucede lo mismo con el cabello. Tenemos el cabello a un valor mayor y luego un obturador automático a un valor menor. Y así tenemos un proceso de dos etapas cuando estamos haciendo sombras de esta manera. En los primeros procesos entrábamos y pintamos todas las sombras de la pieza. Y entonces lo segundo que haremos es aplicar un filtro de desenfoque guassiano para matar los bordes muy duros que esta técnica en particular crea. Y cuando haces eso, obtienes un aspecto muy, muy auténtico a tus piezas sombreadas de celda. Ahora, puedes hacer esto con el trabajo de estilo Disney, puedes hacer esto para el trabajo de estilo manga. Es solo un look particular si quieres lograr ese alambiques de animación, top of luck en tu trabajo. ¿ Verdad? Entonces sigamos adelante y haremos algunas de las sombras de su cara. Y siéntete libre de asegurarte de que estás en Black. Siéntete libre de usar la herramienta de borrado tanto como necesites y probablemente usarás la herramienta de borrado duro. Así que asegúrate de que tu herramienta de borrado esté en incurrir más plana también o cualquier cepillo duro que estés usando. Entonces, vamos a entrar. Se puede ver que puedo acariciar tanto como igual porque el pincel huido Inca es solo un pincel de opacidad sólida. No obtienes variación en los trazos, así que siempre es, consistentemente igual. Aplicará esa sombra ahí. Traerá aquí una sombra en su mejilla. Simplemente haz eso. Ponle una sombra aquí para su nariz, cara y sólo vamos a borrar que debería tener fuera de ella aquí. Y definitivamente queremos que todo a la sombra. Las probabilidades leen súper desagradable. Puede agregar algo de sombra aquí en su cabello. Y puedes usar la herramienta de borrado realmente también para dar forma a las sombras que estás creando. Entonces sólo vamos a pintar estos. Simplemente borrando sombra innecesaria en el cabello aquí. Y si quieres, puedes hacerlo totalmente por capa y términos de lo puedes hacer. Ya sabes, puedes hacer solo las pieles, sombras si quieres, solo el cabello como etc. etc. Pero encontrarás que en realidad es realmente fácil y realmente conveniente hacerlo con mucha facilidad. Apenas en una sola capa a lo largo de toda la pieza le dará a su labio superior una sombra, solo un poco de sombra ahí. Y hagamos su bufanda también. Así como un ejemplo de otras superficies también. Ahora puedes seguir adelante y hacer que esto sea tan complejo o tan sencillo como quieras. Se va a quedar genial. De cualquier manera. Si obtienes demasiadas sombras pequeñas en el estilo empieza a cambiar un poco. Así que solo ten cuidado de conseguir demasiadas pequeñas formas de sombra. Entonces lo que quieres hacer es pensar en la forma en que podrían aparecer las sombras de forma. Sigues usando tu teoría de aprendizaje en términos de aviones y preguntándote, oye, ¿dónde seguirían apareciendo algunas de estas sombras de forma en la pieza? ¿ Y cómo se envuelven alrededor de los diversos objetos? Y estoy seguro de que se puede ver el efecto ya está empezando a funcionar. Realmente obtenemos ese look de animación que vas a ver que todo se junta realmente bien cuando aplicamos ese desenfoque gaussiano a las persianas que hemos aplicado. Muy bien, entonces tenemos nuestra capa de sombras sombreadas de celda aquí. Lo que vamos a hacer ahora es cuándo aplicar ese desenfoque, filtro, desenfoque y desenfoque gaussiano. Y queremos suavizar los bordes, pero no queremos que sea un hiper borroso. Entonces eso es como ultra súper borroso. No queremos ir demasiado borrosas y no queremos mantenerlo a la tienda. Así que asegúrate de suavizar los bordes y solo puedes comparar tu vista previa, cuánto ablandamiento has hecho a los bordes. Y una vez hecho eso, tendrás una pieza totalmente sombreada. Y así realmente el flujo de trabajo, una vez más para esto es que hacemos nuestros pisos como de costumbre en capas separadas. Después nos aseguramos de que nos estamos pegando en esa gama de colores pastel con un esquema de color para este tipo de trabajos. Después podemos ir a vestir la capa, agregando un poco laxa si queremos sentir zonas un poco claras con un cepillo suave manteniendo las cosas muy, muy sutiles, nada demasiado caliente envejecido. Agregando en algunos efectos como la dispersión del subsuelo o el rubor de la mejilla aquí. Y luego creamos nuestro conjunto de capas de sombras sombreadas de una sola celda para multiplicar la opacidad de alrededor del 20 por ciento. Utilizamos un pincel de borde duro sobre negro en esa capa para entrar y luego pintar todas las sombras de forma y conseguir esa mirada sombreada celular en nuestro trabajo. Y así es como se logra la coloración de estilo sombreado celular. Te veré en la siguiente lección. 54. Módulo 4.4: lograr la acuarela y el estilo de estilo: En esta lección, no vamos a estar echando un vistazo a más de un tipo de coloración estilo acuarela áspera. Y en esta instancia, no hemos hecho ningún piso porque en realidad vamos a aplicar directamente el color a medida que vamos usando una sola capa de pintura para conseguir toda la coloración y no lo que hay que recordar siempre es que siempre y cuando conoces el flujo de trabajo completo de pintura, puedes escoger y elegir lo que quieras de ella que creas que va a funcionar para lograr el estilo particular que quieres lograr. Entonces estoy usando el pincel de acuarela del paquete de pinceles. No es realmente un verdadero pincel de acuarela. Es alguien para trabajar como verdaderas acuarelas, pero sí le da un bonito efecto áspero y te permite obtener más de un top áspero de look a tu trabajo y quieres más de un campo tradicional. Y así aquí tenemos a este personaje que han dibujado llamado Charlotte. Y vamos a empezar a pintarla como está. Ahora. Tus opciones de color de nuevo, van a probablemente vía más hacia la luz, más hacia el pastel cuando estás haciendo top más simplista de coloración. Y estás lidiando con acuarelas reales, acuarelas reales, trabajas de claro a oscuro, construyendo capas de acuarela para construir tus sombras. Y así empezar último suele ser mejor. Pero claro que sí. Sí cambia en función del color inicial que estés eligiendo. Entonces sigamos adelante y empecemos a pintar aquí con este pincel. Y sólo echemos un vistazo a la textura de este pincel de nuevo desde un IT. Y se puede ver que tiene bordes muy suaves y se construye encima de sí mismo de una manera muy natural y suelta. En realidad es querer dirigirse para ser un poco más oscuro. Por lo que esto será un poco más largo que las lecciones anteriores, pero ojalá valga la pena para ti. Y lo que quieres hacer aquí es estar muy suelto con trazos. No te preocupes por salir de las líneas. Adelante. Pintar en las áreas en las que quieras pintar. Vamos por un look más suelto, natural. A medida que trabajas. Intenta trabajar de atrás a frente. Y lo que quiero decir con eso es pregúntate, ¿qué sería en la capa de más fondo, verdad? En algunas instancias es el hábito de la piel. En, en su mayor parte aquí, Hay vestidos, más de fondo, y así todos trabajamos en una sola capa. No nos vamos a preocupar por la administración de capas. Simplemente vamos a trabajar en esta sola capa y tratar de pintar de atrás a frente. Entonces desde el plano de fondo de los elementos hasta las llanuras de primer plano de los elementos. Aquí le va a pintar en el brazo. Y podemos limpiar este tipo de bordes desordenados un poco más tarde. No nos preocuparemos demasiado por ellos. Por ahora. Podemos entrar más tarde y limpiarlos. Se te ocurre este sangrado de color. Al igual que por ejemplo, el pelo de la piel corriendo hacia el vestido, incluso el vestido corriendo hacia las áreas de la piel. Y eso es una especie de vaina del estilo de alguna manera esta acuarela áspera en la parte superior de look, tendrás alguna sangría que se produce. Tratemos de mantener las cosas sueltas, mantener las cosas naturales. Recomendaría este estilo principalmente para trabajos más simplificados para que no tengas que pasar para siempre pintando en cada región diferente. Se puede ver que no tiene una tonelada de zonas. Ella tiene zapatos de piel, vestido, su pelo, ella como. Quién micrófono y tus notas musicales. Y eso es más o menos en esas zonas. Efectivamente, estoy haciendo un tipo suelto de archivos planos. Se podría decir. Se está consiguiendo sus zapatos y asegúrate cuando estés limpiando el exterior de la forma, asegúrate de borrar y no colorear, escoge fondo gris. De lo contrario, tendrás piezas aleatorias de pinturas de 12 grados cuando trabajes. Y tú, como dije, verás zonas con no hay cobertura perfecta. Esa es la forma en que se supone que debe ser, ¿verdad? Quieres ese look natural. Entonces no te pongas demasiado hiper-enfocado en preocuparte por la cobertura. Llenar todos los detalles exactamente como deben ser, sacando un poco de áreas grises. No es gran cosa. ¿ Verdad? Dale un sombrero rosa. Si alguna vez has usado acuarelas antes, es posible que sepas que son bastante difíciles de controlar. Tienden a sangrar aleatoriamente en direcciones aleatorias. A aplicar demasiado provoca que el papel se arrugue y haga cosas raras. Y muchos artistas, tradicionales honestos para hacer pintura en acuarela tiende a usar tipo de ocurrencias aleatorias a, se beneficiarían y enviarían de la misma manera cuando haces los llamados accidentes felices en la pieza. Donde estás teniendo algo de sangrado en una dirección extraña o algo así. Trata de ver cómo podrías integrar ese error o el llamado error en la obra, ¿no? Versus tratando de luchar contra ella. Y así me estoy apegando a tipos muy altos de valores aquí. Por lo tanto, agrega los reflejos en sus ojos. Por lo que seguiríamos aplanando cada elemento que hay, pero vagamente estando muy, muy sueltos al respecto. Y cuando se trata de sombreado, simplemente vamos a bajar el valor. Puedes ajustar el tono si sientes que es necesario. A veces me gusta tener una saturación anulada en las sombras. Y luego entra aquí y simplemente pinta libremente en usar un recolector de color para culpar donde sientes que la sombra no debería estar. Entonces voy, voy a colorear, recoger la piel, voy a colorear, recoger mi color sombrío. Y realmente no quieres trabajar demasiado duro con esto. Se quiere mantener el look suelto, natural. Por lo que realmente debo enfatizar eso también. No quieres trabajar demasiado duro. Quieres esforzarte por evitar cualquier borde. Eso va dos hall SH, mantener las cosas bonitas y sueltas y naturales. Ahora la única área donde puedes empezar a ponerte duro con tus edades. Es cuando estás aplicando los reflejos, dos cosas. Y verás que en la coloración de cómics también cuando hacemos la estilización de cómics, eso es algo que ahí también se aplica. Eso en términos generales, los resaltados ayudan a que algo se lea muy rápidamente en así los aspectos más destacados o donde vamos a querer empezar a usar edades hada en nuestros trazos. Y así aquí solo estoy aplicando un poco de implicar un poco de oclusión y mezclando los colores hacia fuera. Por lo que está bastante oscuro en el fondo. Lo llevaremos a un poquito. Conforme llegamos a la parte superior para mantener las cosas sueltas, mantén esos bordes suaves. Solo estoy ablandando esos bordes hacia arriba. Quién va a limpiar un poco el interior del ojo aquí. Sólo vamos a hacer una bonita sombra grande aquí. Y en realidad el lote en sus ojos viene de los ascensores. Entonces mantén esto un poco lotsa. El top cada vez menos. Y se puede hacer iluminación general aquí también. Voy a hacer a alguien que aquí, aquí y sólo aumentar un poco ese valor con algo de iluminación general. El muy top por aquí, manteniendo la piel suave Mohsen también, 10 K. Y si querías no lucir manchada, solo mezcla esos bordes que todo tiene un bonito borde suave para ella. Y de verdad solo manipulo cómo estoy usando la presión del pincel para meter esos bordes suaves ahí dentro. Vamos a ordenar eso sólo un poquito. Deja algo de sangrar ahí porque parece que está rebotado lat. ¿ Verdad? Ahora lo que podemos hacer es realmente añadir una nueva capa para hacer esta para mantener el mismo pincel. Voy a entrar y añadir algunos reflejos realmente brillantes a cosas particulares que queremos recordar con reflejos que tienden a aparecer solo tenían el punto de luz más alto o una superficie en particular. Y podemos ir un poco más duro con los bordes. Pero trata de no volverse demasiado loco con los aspectos más destacados. Obviamente si hacemos eso, entonces vemos perder esa idea o forma. Ya que unos de espuma no son más que un hueco y una mejilla, ahí. Iba a suavizar eso un poco. Ponga 10 ohmios. Aquí, podemos usar esos bordes duros. No es gran cosa. Pero cuando sus derechos sólo voy a agarrar este valor de luz, ponle lo más destacado en el labio. Y llevemos su ojo un poco más o estamos tan listos para un poco más saturados. Podemos sumar algunas sombras de la parte superior para conseguir ese contraste desde la distancia. ¿ Verdad? Y quizá ya te hayas dado cuenta de que tenemos los colores de la línea y una especie de color marrón. Por lo que hemos hecho una especie de céspedes de color marrón más oscuro para mantener las líneas agradables y suaves. Pero en cuanto a la estratificación, lo tenemos todo como de costumbre, pero las líneas en los pulmones ablandando las capas. Y luego tenemos nuestro fondo gris y nuestra capa de verificación de valor. Asegúrate de que tenemos valores diferenciadores de cada una de las zonas planas si quieres llamarlas así. Entonces cuando lo hayamos hecho, podemos entrar y puedes usar el pincel más plano Inca si quieres un borrado muy preciso aquí. Y podemos entrar y en realidad limpiar todos estos bordes desaliñados. Es posible que quieras dejarlos que realmente quizá quieras dejarlos para el look y el tipo áspero de look de reinicio de acuarela. Bueno, puedes limpiarlos y aún tendrás el look por la forma en que has hecho la pintura interna de la pieza. Entonces aquí me pueden ver simplemente adelante. Y yo sólo estoy limpiando todo el exterior, fuera de las líneas pintando. Y esto, al igual que las dos lecciones anteriores, esta es una forma muy rápida de bajar algo de color en una pieza. Primeramente una vez más, si quieres que tu trabajo sea más ilustración, orientalo. Entonces donde está haciendo el dibujo, mucha de la plática en cuanto a las formas, en cuanto a que los foros sean leídos. Y así eso significa mucha inversión de tiempo en los pesos de línea y los solapamientos. Y por supuesto la forma leída de la ilustración real misma. Y así esto es casi como una parada a mitad de camino entre coloración de pliegue plano muy sencilla y empezar a meterse en más pintura de personajes. Sólo voy a limpiar entre sus dedos aquí. Y creo que permítanme volver a enfatizar este punto, la holgadez. De verdad, de verdad, de verdad quieres estar suelta en tu mano. Tan solo estar libre con los golpes, no preocuparse demasiado. Con la luz o la sombra es necesariamente como super perfecto aunque super presentado con precisión. Quieres una idea general cuando estás haciendo este tipo de estilo. Y se puede ver que es bastante atractivo. Es azotar un fondo blanco. Tenían que ver cómo podría verse la vista presentada. Y probablemente haré algunos ajustes sólo para que la piel sea un poco más ligera. Sí tiendo a oscurecer la piel un poco. Pero ese es ese particular flujo de trabajo de color agua robó más de una mirada áspera. Y te veré en la siguiente lección. 55. Módulo 4.5: lograr una pintura cortas y pincelada: Cuando nos movemos a un trabajo más celulado pictórico, necesitamos comenzar a implementar más de nuestro flujo de trabajo general de iluminación. Y la razón de esto es porque las líneas enfatizan menos y la pintura se hace más enfatizada. Y así tenemos que comunicar esa forma en esa entidad tridimensional, principalmente con la pintura. Y así vamos a hacer un ejemplo de un estilo más grueso pintó el flujo de trabajo aquí usando bro compró este robot frente a nosotros. Vamos a empezar en una capa de pintura aquí. Me voy a apegar a nuestro tipo de valores de gama media aquí, que tenemos un buen rango de alto valor y buen rango de bajo valor para conseguir nuestro sombrío y todo eso lo jazz. Ahora, al igual que en nuestro flujo de trabajo universal, lo que realmente importa es que logremos que nuestras sombras lean muy bien. Y así voy a sólo un poco áspero en algún valor aquí y sólo conseguir esta pintura base en. No me preocupa demasiado la pulcritud por ahora. Podemos simplemente limpiar eso más tarde. Probablemente estemos enfocados en su sección de pistas para este ejemplo en particular. Y entonces lo que voy a hacer de inmediato cuando empiezo, esto no tiene que ser pisos por cierto, sobre nuestro aplanado mucho. Simplemente puede ser realmente suelto y áspero. Pero lo que vamos a hacer no es realmente empezar a trabajar de inmediato en sombras de forma. No vamos a hacer grandes sombras iniciales ni nada. vamos a empezar en forma, sólo consiguiendo esas sombras de forma en su asumen que las fuentes de luz aquí desde la derecha. Y vamos a empezar a trabajar nuestras sombras de forma. Ahora, nuestra capa Value Check se vuelve extremadamente útil cuando estamos haciendo un trabajo así. Porque queremos estar constantemente revisando como las pinturas mezclan y qué tienes que los valores están leyendo bien. Y así aquí se utilizan la presión del pincel para conseguirme esos diversos grados de oscuridad en los elementos reales. Y entonces lo que voy a esforzarme por hacer es trabajar con las sombras de tal manera que empecemos a tener una idea de la forma de este robot en particular. Y la razón por la que este es un estilo grueso que estamos usando el pincel cuadrado es que estamos manteniendo los trazos de pincel bastante visibles. No estamos tratando de ocultar los trazos de pincel. No estamos tratando de que todo sea súper suave, sombreado. No nos importa que las pinceladas sean bastante visibles. Y entonces lo que voy a hacer es proceder a sólo empezar a pintar todas estas secciones. Lograr leer la sombra, conseguir algunos elementos para leer usando sólo la luz y la sombra. Se puede ver ya pinté en mi oclusión ambiental en los bordes. Y estoy pensando en los aviones. tanto que mucho golpeando mientras que el latín no golpea. Para que podamos hacer que se lea esa forma. Ahora me voy a mover un poco rápido. Sí, Por el bien del Tom, agreguemos algunas letras. Sólo un poco de almuerzo. Podemos agregar un bonito, resaltar esto bastante. Mantenlo agradable y caliente. A lo mejor es muy brillante. Démosle unos ojos. Vamos a, vamos a trabajar cada elemento individual en esto partiendo de nuestro tipo de valor medio, medio tono es MIT, valores. Tan clave a recordar es que mientras el principal de planeación completa representa en gran medida las reglas estrictas, por así decirlo, de cómo queremos encender la aplicación del flujo de trabajo. Una vez que conocemos el flujo de trabajo, la aplicación del flujo de trabajo puede variar en función de lo que queremos lograr. Y eso es bastante importante recordar porque se puede ver que no estoy siguiendo estrictamente el flujo de trabajo exacto que hemos aprendido. Pero sí uso mucho de mis conocimientos de ese flujo de trabajo para ayudarme a implementar todas estas etapas. Y constantemente me pregunto, ¿qué no he hecho? ¿ Tengo las sombras de oclusión en todas las sombras de oclusión ambiental leyendo bien, esto resaltado tiene sentido en esta zona? Usando ese recolector alt allí también para mezclar cosas que no parecen estar funcionando súper bien. Hagamos que unas sombras de oclusión entren en lo muy oscuro. Las inclusiones en realidad pueden poner un poco de destello en cada uno de estos pernos. Y se puede ver cómo STR loci, el look empieza a volverse muy tradicional, comienza a convertirse en cuando se pueden ver esos trazos de pincel. Y sin embargo, mientras trabajo a través de esto, estoy pensando en todos los elementos de nuestro flujo de trabajo de aprendizaje y ponerlos en lo necesario. Simplemente voy a limpiar el exterior de la forma. También hay que tener en cuenta, definitivamente quieres estar haciendo cola cuando la luz está golpeando la superficie. Sin un correcto, lloró tan vibrante como ese de ahí. El objeto no se verá correcto, el color no se verá correcto y también puede meterse con la iluminación. Está bien. Y así puedes ver también que tomo un enfoque suelto y querrás tener más de un enfoque suelto cuando estás haciendo falta de sombreado suave lo hicimos por la carga de trabajo general de iluminación y eso se hizo para aprender el flujo de trabajo. Ahí realmente quieres tener un grado de sutileza y precisión en tus gradientes. Pero cuando estás haciendo estilos más pictóricos en el mundo real con materiales reales, sí tienden a ser un gran elemento de aleatoriedad que ocurre, ya sabes, Cepillo, cerdas pequeñas, hacen esto y aquello por su cuenta. Hacen cosas que no pretendías hacer. Y así es una cosa que crea el aspecto natural. La otra cosa que crea el Lucas natural. Que si quieres un trazo tuyo, trazo de pintura para lucir natural, que implemente ese trazo de forma natural, ¿no? Se quiere implementar ese trazo de forma natural, lo que significa que se necesita estar suelto. Lo que voy a hacer aquí es que voy a pintar en algunas tomas para las Rs poniendo aquí una sombra alrededor de los ojos. Por lo que estamos consiguiendo una especie de sombra sangrada alrededor de estas secciones de robot IS. Y entonces puedo traer algo de este valor de escalera para brillar en el interior del lado uno del zócalo. Y quizá resaltó la llanta en el exterior del zócalo. La cosa es que quieres recordar que realmente los principios que hemos aprendido en nuestro flujo de trabajo de línea general, podemos mezclar y emparejar y jugar con ellos y hacer cosas locas con ellos para conseguir un look pictórico o cualquier look que queramos. Y de hecho, podemos pintar sin líneas en absoluto, bien, no necesitamos tierras, por supuesto, este curso está enfocado a la pintura de ilustración de personajes, pero se puede usar esa palabra pintura de inundación con esas líneas en absoluto. Muy bien, hagamos que este diseño sea un poco más fresco. Démosle un poco más de estilo de diseño. Pensando como tal vez algún tipo de strop. Vamos, que esas rayas, está más oscuro de un lado. Podría tener mucho en el otro. Un poco de un día más destacado. Es sangría eso también. Entonces aquí se puede ver, efectivamente estoy dibujando en los santos con pintura. Está en un valor ligeramente más alto dentro de aquí, alguna celosía tocando aquí dentro. Y así lo que puedes ver mientras trabajo en esta pieza es que implementaré diferentes principios de iluminación en diferentes momentos. No trabajo en este sentido muy estricto de, vale, voy a hacer pisos, luego voy a hacer variantes de color. Entonces voy a hacer XYZ y trabajar a través de ese flujo de trabajo. Ahora como estoy pintando, realmente trabajo principalmente en, vale, ¿cuál es el valor base del color base aquí? ¿ Cuáles son las sombras, verdad? Y mete esos en. Y entonces todo lo demás está simplemente glaseando el pastel, es sólo decoración en el pastel. Trabajemos un poco más en esta pieza. Va a hacer estas secciones de bombas de combustible aquí, deshazte. A lo mejor eso es un poco demasiado alto valor. Dejemos que esta sección hidráulica, algún tipo de sección hidráulica, solo pueda usar un poco de un cepillo más grande allí. puede ver cargándolo casi automáticamente construido en las sombras de oclusión ambiental. Simplemente voy a sumarlos en otros adicionales ahí. Y vamos a encender estos pedacitos rojos haciendo cola también en nuestros lats. Te levantas demasiado. Se agregó el día vacacional. Añadamos un punto culminante aquí fue escogido de que resalta una pieza. Y yo sólo voy a poner pequeñas sombras ahí dentro. Podemos dejar un poco de ellos dentro de borde. Podemos tener lotes Aha creando un poco de luz de llanta. Cuando estos chicos en realidad sería del otro lado el lunes. Así. Rush. Podemos hacer que esta sección sea más gris y cargada un poco. Cuando queremos recordar sombras, sombras, sombras, sombras, sombras, sombras sombras sombras. Las sombras lo son todo. Y puedes ver que seguiríamos toda la pieza como esta sección por sección, ¿verdad? Deuda el flujo de trabajo como lo necesitamos, determinando lo que está desbloqueado, lo que está a la sombra. Y realmente logrando esa mirada pictórica, ese estilo pintor. Y por supuesto, el pincel sí ayuda. Este pincel en particular sí ayuda en esta instancia, porque no es redondo, no luce Digital, luce muy tradicional. Se ve muy pictórico, casi todo pictórico de alguna manera. Recuerda tus etapas, recuerda tu oclusión ambiental, etcétera, etcétera. Y así es efectivamente como logras un estilo pictérico. Sólo decimos una última cosa. Quieres tener en cuenta que cuando estás trabajando en un estilo más pictórico es que quieres usar más del flujo de trabajo. Y puede que estés implementando las cosas en diferentes momentos ya que estás trabajando a través de la pieza. No tienes un Flujo de Trabajo tan estricto. Los fundamentos no cambian, las etapas no cambian, pero el flujo de trabajo no sigue siendo un estricto como antes lo fue. Genial. Te veré en la siguiente lección. 56. Módulo 4.6: lograr la pintura pintada: En esta lección, vamos a echar un vistazo a un estilo pictórico suave. Pero en lugar de una demo, realmente vamos a ver un principio clave que define este estilo de pintura en comparación con decir, el estilo pictórico que hemos mirado previamente, o comparado para decir, el estilo de sombreado suave que miramos en el módulo tres. A lo que vamos a echar un vistazo aquí es que vamos a estar centrándonos en los bordes. Cuando quieras pasar a un estilo Pentheus suave o a un estilo pictórico. Esto moviéndose más hacia un tipo de estilo realista o tipo de pintura realista. La consideración de borde se convierte en una de tus prioridades clave número 1. Si echamos un vistazo a esta sombra de fundición por aquí en núcleo me su nariz, podemos ver que el borde que da a la luz es duro y el borde que mira lejos de la luz es bastante suave. De igual manera, vemos un efecto similar ocurriendo aquí, la sombra central del cuello. Hace más calor en este punto y sin embargo se disminuye en estos puntos. E incluso cuando hablamos de los aspectos más destacados, mira lo más destacado en la nariz. El borde de que se enfrenta a la luz es más duro, necesidades que se enfrenta a distancia es más suave. Este es un principio clave y sí requiere algún pensamiento intencional en inversión de tiempo para preguntarte, qué borde va a ser más caliente? Qué borde va a ser más suave en función de la dirección de la luz, basado en los planos. Se puede ver también que aquí las llanuras de calmar su nariz para hacer algo como esto ya que se mueve hacia su área de la frente. Y así realmente no podemos poner aquí una sombra de forma dura. Parecería muy extraño tener una sólida línea de sombra Hodge forma HOD ahí. No obstante, aquí sí tenemos una ventaja dura. Y la razón del ser es por el colgajo del párpado en el plegado de la piel, provoca que esa forma sombra que generalmente es suave para tener un borde muy duro por un lado mientras subimos a otro plano, que es el plano de la isla. Entonces realmente cuando estás persiguiendo estilos de top pictórico más avanzados y estás usando todos los elementos del flujo de trabajo. Sombras de oclusión M en sombras de oclusión, sombras de fundición, forro secundario, iluminación reflejada, etcétera. Tendrás que estar prestando atención a cómo manejas tus bordes. Ese es el final de esta lección. 57. Módulo 4.7: lograr el estilo de estilo de tu colores: Colorear estilo cómic realmente es una parte superior simplificada de coloración que está diseñada para la eficiencia. Cuando tienes un proyecto masivo de cómics y quieres crear páginas en color de cada bloque. Puede llevar bastante tiempo si vas a estar haciendo una técnica de pintura de gama alta. Y así la eficiencia subyace al pensamiento general detrás de la coloración de cómics. Ahora no demasiado diferente de nuestros pisos en coloración estilo gradientes, nuestro estilo de coloración simplificado, rellenamos capas planas, todos los colores que queremos. No obstante, en esta instancia, no sólo nos apegamos a las gamas pastel y podemos escoger y elegir dónde queremos hacer deslizamiento avanzado en cualquiera de las superficies. Entonces realmente depende de ti si quieres agregar iluminación reflejada, si quieres que esa luz reflejada sea dura o suave o lo que tengas. Pero realmente piense en el valor subyacente de la eficiencia a la hora de colorear en el trabajo de estilo de cómic. Ahora una de esas propiedades de eficiencias que en términos generales, obviamente esto no es cierto de todos los estilos, pero en términos generales, los cómics tienen una fase de entintado. Por lo que van de lápices a tintas donde un Inca dedicó y Google Inc. ella, y luego se mueve de tintas a colorear. Y el escenario de entintado y el de lápices ambos indican áreas generalmente sombreadas para que para cuando el, la ilustración final llegue al colorista, muchas de las áreas sombreadas ya están ahí. Y dependiendo del estilo, puede que tenga, resalte las zonas indicadas también. Entonces de la manera particular que he dibujado víbora coronal por aquí, tenemos las áreas cazadas como formas vacías y áreas sombreadas como trazos en formas. Y así eso le quita mucho el trabajo de agregar en forma detallada sombras porque el lapicero lento el Inca ha ido adelante y hecho ya esa etapa. Y así en algún sentido, ya sabes, en algún sentido del estilo, podrías argumentar que, sí, tal vez esta ilustración está bien como es incluso en su forma coloreada, más simple que sea, porque muchas cosas son ya indicado y tipo de tiene un aspecto muy acabado al mismo. Y eso es realmente sólo porque el trabajo al estilo del cómic y el trabajo más continuo de Stella tiende a tener un énfasis muy fuerte en las líneas y mucho más ligero énfasis en la coloración real de la pintura misma. Entonces lo que vamos a hacer es seguir adelante y trabajar en el traje. Y tenemos todos nuestros pisos todos separados en capas individuales. Voy a poner aquí una iluminación adecuada y la voy a recortar. Por lo que sólo había pintura en el traje. Y lo que voy a hacer primero es simplemente agarrar el cepillo suave, agarrar un valor más oscuro de los trajes, y simplemente cepillarme suavemente en algún shedder, solo algunas sombras generales. Ahora, realmente puedes escalar esto. ¿ Qué tan hardcore quieres ir con la sombra es realmente quieres pasar toneladas de tiempo en autos? Se quiere simplemente mantenerlo más simplificado. Es, depende de ti. Vamos a mantenerlo bastante simplificado en este ejemplo. Y yo solo estoy poniendo obturador de una manera muy general donde creo que no serían sombras. Ni siquiera me voy a preocupar por las sombras de costo o las sombras de oclusión locas ni nada por el estilo. Yo sólo voy a conseguir en general algunas sombras. Está bien. Y luego voy a usar el pincel de aleteo Inca y obtener un valor ligeramente mayor del traje. Y voy a seguir adelante y pintar en todas las áreas que un burlado como las áreas de luz. Si bien hago esto, te contaré un poco sobre el personaje. Entonces este es un personaje que creé llamado coronal Baba. Y es una especie de personaje al estilo de tirador de héroes donde podrías jugarla en un juego. Y tiene tres almohadillas de teletransporte que puede instalar a través de un área de un mapa o una ubicación donde está sucediendo la batalla, puede teletransportarse entre las tres de ellas para que tenga muchas variables, al margen cuando está chasqueando al enemigo equipo o lo que tienes. Y así el personaje se construye en torno a ese concepto. Ella es muy móvil. Ella puede trepar muros y lo que sea y kilohm hasta obstáculos. Y eso hace un enemigo bastante mortal, aunque asumiría que sería un personaje de salud mucho menor en ese juego en particular. Porque quieres mantener las cosas equilibradas. Está bien, así que aquí he hecho estas secciones de top suit. Acabo de empezar a llenar algunos de esos aspectos destacados. Y se puede ver realmente, estamos manteniendo las cosas simples y directas y estamos dejando que las líneas hagan la mayor parte del trabajo. Ahora, debo decir que hacer las caídas planas aún toma el tiempo que suele tardar. Y esa es realmente la parte más larga del proceso. Pero una vez que los pisos están hechos, realidad se puede terminar toda la imagen en un espacio de tiempo relativamente corto. Y la demo completa del coronavirus comienzan a terminar proceso de coloración está en el curso en el siguiente módulo. Y así me movería por cada una de las zonas haciendo esto, poniendo en lotes sombras y poniendo un destellos de filo duro dondequiera que hayan sido marcados como tales. Y nuevamente, recuerda que tienes tu disposición todos los elementos de la forma nueve principal. Usa lo que te gustaría forma en que te gustaría usarlo. Voy a pasar directo al sombreado terminado de esta pieza. Entonces eso es sin las sombras y las luces, y eso es con las sombras y los lats. Y también incluyó una capa especular añadida para la tierra y los labios y lo que tienes desplegando los reflejos blancos. Podemos simplemente comparar versiones. Por lo que se puede llevar bastante lejos. Se puede tomar en un nivel bastante atractivo. Esta pieza en particular sólo tiene una luz clave en ella y un área sombreada no tiene tres puntos ni iluminación reflejada ni nada por el estilo. Y es porque realmente quería tener más aspecto de cómic y también tener un flujo de trabajo más rápido. Y me han añadido en pequeños extras como haber pintado esta sección roja, acaba de agregar un cepillo suave leído sobre ella Así parece ser brillante. Y de igual manera, agregué un resplandor de pincel más suave detrás de estas formas grises. Por lo que parece que hay algún tipo de fuente de luz subyacente en los pediatros de teletransporte. De lo contrario, el flujo de trabajo es bastante sencillo. No hay nada demasiado complicado al respecto. Y luego pasemos a los ajustes finales donde habíamos hecho una capa de superposición y hicimos algunos ajustes a la imagen y la hicimos un poco más brillante. Y la razón por la que lo hice un poco más brillante en estas instancias, tiendo a ser un poco oscuro en mis valores. Y también quería que destaque sobre un fondo blanco para que siga leyendo con bastante claridad sobre un fondo blanco de que sea demasiado contrastia. Y aún no tal vez todavía un poco demasiado contrastia. Y sigo decidiendo. Entonces eso es colorear estilo cómic. Es bastante sencillo. El diferenciador clave que usualmente las ilustraciones ya indicando las sombras de forma. Y además no solo estás escogiendo colores pastel. Estás escogiendo el, cualquier color que te gustaría en la pieza en particular. Y eso es todo para nuestra visión general de la estilización. Y los veré en el siguiente módulo. 58. Módulo 5.1: introducción a las demostraciones completadas: Bienvenido al Módulo 5 y bienvenido a la coloración en demostraciones de pintura. En este módulo, vamos a estar echando un vistazo al comentarista Tom siestas demos. Y luego se te presenta una demo completa de todo el flujo de trabajo. Ahora es importante tener en cuenta que la demo completa es de hecho también Tom lapso y eso es para mantener un tamaño de archivo hacia abajo para la plataforma, así como para asegurarte de que no vas a pasar hasta diez horas viendo una demo, no todavía a un ritmo que puedes seguir y ver todo a detalle granular. Entonces no te preocupes por eso. Pero sí sé que un estilo de pintura de extremo superior, particularmente algo como Kami o algo que tiene mucho control de bordes y está empleando todos los pasos del principio de formato típicamente tomará mucho más tiempo. Y por supuesto, los estilos más simplistas tardan mucho más rápido. Y creo que en promedio, sería de promedio entre alrededor de ocho a 12 horas para la pintura de gama muy alta y entre tres a cinco horas para una especie de estilo de pintura más bajo o más simplificado. Por lo tanto, ten eso en cuenta. Estoy muy emocionado de que veas estos flujos de trabajo completos y espero que te vayas a sacar mucho de las demos. Hacer que los vigilen y vuelvan a ver. Es así como realmente aprendes y como preparas Grosse algo del matiz. Y los veré en las demos. 59. Módulo 5.2: DEMO 1: el tiempo de carmi Timelapse con comentarios: Hola y bienvenidos al ejército. Time-lapse. Y vamos a echar un vistazo y yo voy a venir a pasar mientras echamos un vistazo a este flujo de trabajo y eso es ejecutarlo a una velocidad bastante rápida. Pero posaré en el camino para discutir ciertas cosas. Entonces puedes ver ahí que estoy en Photoshop, acabamos de terminar los pisos y me he movido hacia hacer la fase de sombras todas importantes aquí. No había variantes de color en esta pieza en particular, pero traté de añadirlas más adelante. Y vas a ver un buen cambio de acciones a lo que yo decido hacer con ella a medida que avanzamos. Entonces aquí estoy siguiendo un típico flujo de trabajo de sombreado suave y entrando, trabajando las sombras. Pero empecé a pensar para mí mismo como estaba haciendo esto, que no quería que esta pieza en particular se viera suave sombreada. De hecho, el proyecto en el que estaba trabajando para ella en realidad tenía más de un estilo pictórico. Y si bien no puedo lograr esto en Photoshop, decido en algún momento pasar a pintor coral y usar algunos de sus pinceles pintados él para darle más a la pieza un aspecto pictórico. Entonces en realidad empiezo desde cero, pero sí quería mostrarles cómo pueden cambiar las cosas. Ya sabes, cuando decides que quieres conseguir un look diferente o un estilo diferente o que un estilo de coloración en particular no funcione en tu dibujo. Está bien, no te preocupes por ello. No entres en pánico. Sólo tienes que seguir adelante y hacer los cambios que quieras. Entonces ella venía bien. No hubo problemas con la estilización, pero yo solo sentí que la estilización no se ajustaba muy bien al proyecto. Y me verás cambiar a Carl pintor. A veces cuando estoy conceptualizando a un personaje y estoy dibujando en los senos. Sé que en esta instancia en particular, este personaje tiene senos bastante grandes. Es extraño porque en realidad nunca los entretengo para tener senos grandes. Es sólo la forma en que los dibujo al tratar de pensar en las masas. Y creo que a veces apuntaba arriba por encima de proporción analizándolas. Pero sí tuvimos que bajar esa zona. Entonces ya verás lo verdadera faunal de esta pieza, en realidad tiene una, una raya sobre esa zona en la que acabo de pintar, ni siquiera la dibujé. Entonces aquí lo que estoy haciendo es que estoy usando el pincel cuadrado en Photoshop. Ellos brevemente y yo quería conseguir un top de Photoshop de look cepillado, pero no estaba contento con ello. Por lo que puedes ver de inmediato aquí cambiamos a Carle pintó 2015. Y de verdad, déjame decir también o a Matt Carle pintó, realmente necesitas una sola versión de la misma. Esta es una pieza de 2017. Pero Carl pintor a partir de alrededor de 20102011 en adelante, realmente no cambió mucho. Entonces si tienes una versión a partir de entonces, es más o menos lo mismo. Y así aquí entro y empiezo a hacer el flujo de trabajo normal de sombreado. Hice algún trabajo extra en la cara y eso fue porque quería probar todo el flujo de trabajo en su cara solo para asegurarme de que estaba contento con la forma en que salía la estilización que se veía un poco más pintada, un poco más trazos de pincel. A medida que me moví. Y entonces una vez que esa área se pone bien hecha, he estado yendo a hacer el flujo de trabajo estándar a través de todos los demás elementos. Entonces obviamente aquí, estoy trabajando en el aquí y estamos haciendo las sombras de heno. Y sí salto un poco, asegurándome de que todo funcione bien con la cara. Y esta es toda una pieza de hito para mí. Esta pieza en particular. De vez en cuando, hago una pieza que va más allá de mis expectativas de lo que personalmente fui capaz de lograr. Y lo encontrarás es, bueno, eres un viaje caliente que estás creciendo constantemente. Tendrás mesetas y luego tendrás momentos en los que estés alcanzando picos altos. Y luego te aletearás un poco en el origen del pico. Y eso realmente es sólo la naturaleza del arte. Y creo que la naturaleza de muchas cosas que son de manera basada en habilidades, cuanto más trabajes en ello, mejor obtienes. Sólo sigue adelante. Y así de nuevo, haciendo la fase de sombra y realmente, realmente, realmente, realmente invirtiendo tiempo en las sombras, pensando en modificarlas, ajustándolas según sea necesario. Y luego pasando a la fase de luz, mirándola ahora, siento que no había suficiente contraste y muchas áreas. Pero afortunadamente, como sabemos, podemos usar ajustes solo para ayudarnos. Trae algunas sombras extra, trae algo de oclusión extra. Estoy siempre y cuando hayamos pensado cuidadosamente en la colocación de esas sombras. Y así hacen la iluminación reflejada. Entonces esperemos que por ahora, esto no te resulte desfamiliar en cuanto a cada cosa en particular que estoy haciendo en la pieza, podría decir, vale, bueno, está haciendo especularidad sobre la joya. Está haciendo la fase de iluminación o está haciendo la fase de reflejos. Y así es exactamente como quieres mirar y ver el arte. Odiaría que estuvieras en esta etapa y sintieras que, ya sabes, hay algún tipo de talento innato o algo así. Es decir, realmente no lo hay, en realidad no soy naturalmente talentoso en absoluto extraño. En realidad es sólo aprender, sólo aprender, aprender, aprender. Estoy bastante más orientado matemáticamente, extrañamente. Pero de verdad, de verdad amaba el arte y admiraba a la gente que lo hacía bien, sobre todo a principios de mis 20 años. Y ahí fue cuando decidí, oye, realmente quiero hacer esto y voy a hacer lo que sea necesario para hacer esto. Demostrarme a mí mismo y también demostrarle a muchos de mis alumnos que no es una cosa basada en el talento. Es una dedicación y una cosa basada en la pasión. Si tienes la pasión, si tienes la dedicación, tú, sin duda puedes sobresalir y ser graduado aquí haciendo el renderizado material del particular dorado y dorado. Y si se trata de top sedoso de oro o de oro real, ya se quiere tener muy buen contraste entre los reflejos, el lat y en las sombras. Porque ese fuerte contraste es lo que hace que parezca un top dorado de material. Si el, si el contraste es demasiado sutil, se ve un poco amarillo o mi estudio, no se ve bien. Se puede ver como especie de brillar los aspectos más destacados en esas secciones doradas. Mover es un guantes y se puede ver, particularmente mirando la pintura coral a la derecha. En realidad no muy diferente a Photoshop. De hecho, como ya he dicho antes, mayoría del software de arte, el software de buen arte es bastante similar. Tienes capas, modos de capa y cosas que puedes hacer en las capas. Tienes un recolector de color, Día del panel de color con matiz, saturación y valor. Y luego tienes la ventanita del navegante. Todos los elementos por supuesto, con llámame también, Ella ha sido aplanada, así que tiene elementos separados porque si iba a ser verdaderamente más pintada me y probablemente hubiera hecho un dibujo menos refinado por una porque no necesitaba ser tan ilustrativa si iba a ser una pintura. Pero también un probablemente acabaría de funcionar en una sola capa y no hay problema para hacer eso. Tan solo asegúrate de que estás aplicando en tu mente, estás aplicando cada uno de los elementos del principio de longitud completa a esa sección. Y así solo trabajando en áreas de colores similares, el botón, los cinturones, y la bufanda. Y luego pasando a la especularidad del brillo, especie de pociones y qué pesado agregando gradientes, agregándoles muchas sombras a ellos. En realidad son transparentes. El, realmente no hay nada ahí. No estoy pintando el brillo ningún color en particular. Solo estoy poniendo los reflejos en la forma listos y dejando que los aspectos más destacados hagan que se lea el formulario. Y agregando el área de luz reflejada a los guantes. Y una vez más, enfatizaré que realmente quieres entender los aviones. Piense cuidadosamente en cómo está girando el objeto 3D. Y eso te ayuda a decidir, bueno, si son una luz reflejada aquí dejaría realmente golpear esta zona o no. Y eso es, ya sabes, un lado quiero decir eso es todo lo que hay a ello en cierto sentido, porque una vez que conoces el principio minero completo, entonces solo determinaste dónde todos estos elementos de principio de línea completa va a golpear en el formulario. Y por supuesto, cuando sí entiendes el control de bordes, que estoy seguro de que ya lo haces. Y no quieres tener cosas que parezcan pinceladas. Quieres que las cosas se degraden y pueden parecer un mapa de trazo en las espículas son áreas que necesitan edades calurosas. Si quieres mantener las cosas un poco lisas y no muy afiladas, digital tiene una tendencia a ser manera, manera, demasiado afilada. Y es una de las primeras cosas que había aprendido sobre lo digital fue no quedar atrapado en, en la nitidez de lo digital. La pintura real es mucho más suave y hace que sea mucho más fácil para el ojo de los espectadores moverse alrededor de la pieza al igual que las pinturas reales. Y así aquí estoy de vuelta en Photoshop. Ahora estoy haciendo mi postproducción y Photoshop es excelente para postproducción o producción. También es excelente para la postproducción. No pude hacer el nivel de acabado que hago sin Photoshop. Puedo ver Estoy haciendo algunos ajustes reales en el diseño usando las herramientas de Warp y las herramientas de selección de warp. Ellos y ese soy yo revisando diferentes diseños. Decidimos como equipo que había un poco demasiado área visible para área borrada, por lo que no fue un problema. Simplemente ponga un diseño cruzado del sistema operativo, luego en realidad encajó eso bastante bien y funcionó bien. Y ese es el final de los labios de la lengua. Y espero que eso fuera útil, sí echen un vistazo a la demo completa y los veré en la próxima demo. 60. M506 Viper Commentary 8: Bienvenido al coronavirus Por lapso de tiempo. Y estamos recogiendo realmente justo después de que se hayan completado las inundaciones. Y he ido adelante y comencé a trabajar en capa de piel y añadiendo algunas sombras suaves y un poco de dispersión subsuperficial. Y esta pieza es un look de estilo muy cómic. Las ilustraciones son de estilo muy cómic. Y así quiero mantener las cosas bastante simples, bastante sencillas. Y muchos de los toms con el estilo del cómic funcionan, los reflejos y las sombras, como hemos visto en la sección de estilos para colorear, suelen burlarse. Y creo que mucha del tiempo, el color es Tez libertad limitada, particularmente en un flujo de trabajo de cómics. Tienen limitada libertad de paso. Pueden colocar lotes. Gran parte de la dirección artística en ese sentido la hace el artista del cómic. Por supuesto, depende del título, depende de lo honesto. Pero mucha del tiempo estipulan dónde debe estar la luz, dónde debe estar la sombra. Porque están decidiendo cómo formar necesita leer en los lápices. Y así el incurrir también necesita seguir la dirección del pin SLA, que es básicamente el más extraño primario y un libro de códigos. Y así aquí, ese flujo de trabajo que atravesaré es realmente nada que no hayas visto antes. Estamos trabajando en las capas planas individuales. Y agregando en el escenario general de gran sombra, se podría decir, re manteniendo las cosas simples y también asegurándose de que las cosas lean aquí en la mano, por ejemplo, el traje es realmente de este color gris. Esa pistola también es de color gris oscuro. Pueden ser mucha confusión para el espectador si no pueden diferenciar las diferentes formas. Y así lo que hice ahí en la mano es que un latín, los valores de las sombras. Y realmente eso se hace puramente para la comprensión del espectador. No es realmente ni siquiera necesariamente teoría lat. Se trata más de manipular esa composición para que la imagen siga comunicándose con claridad. Y aquí me estoy moviendo a hacer los fulls planos de todas las áreas iluminadas. Ahora ha demandado como probablemente algún tipo de nylon brillante o algún tipo de material base plástico. Y así tiene reflejos envejecidos muy calurosos. Algo a tener definitivamente en cuenta con el tipo de piezas es que cuando vas por el estilo de cómic, si quieres que las líneas hagan la plática. Y así no quieres. Estás coloreando tu iluminación, tu pintura para fastidiar toda la inversión de tiempo que has dado a las líneas o demasiado duras líneas. Y he encontrado con bastante frecuencia que cuando estás tratando de hacer un flujo de trabajo de pintura de muy alta gama, tal vez vas por realismo o vas por pintadas muy gruesas estas estrellas que cuando estás haciendo eso en líneas que tienen mucho trabajo puesto en ellos. Algo va a perder. O los estilos de pintura van a funcionar bien, leer bien, o vas a tener que pintar sobre muchas de las líneas. Y así que realmente si quieres más trabajo pictórico, tendes a mantener muchas líneas más delgadas, mucho menos detalle en las áreas porque vas a estar encima de pintar ese detalle de línea. Pero cuando vas por más de una obra de arte basada en línea, quieres que las cosas sean más simples. Mantén la coloración un poco más simplificada, y haz que leas tus líneas. Entonces aquí usando reflejos de borde duro, elevándolos para realmente solo obtener ese tipo de look medio. En realidad terminan jugando un poco más con eso. En esa zona de cuchilla del arma. En realidad estaba tratando de averiguar qué capa estaba esa hoja al final de una cola de caballo. Y eventualmente lo encontré. No sé en qué se lo puso Lera. Estaba mostrando una capa con algo y me perdí totalmente. Ahora estoy haciendo estas secciones rojas, dándoles algo de sombra. Y voy a hacer un punto culminante también, mucha pausa hacia adelante de Matlab. También ten en cuenta, no agregues espículas a cosas que simplemente no son materiales especulares. Y obviamente eso va a cambiar cómo la vista va a interpretar ese top material. Lo que estaba haciendo ahí es usar un cepillo suave para crear un efecto de iluminación de resplandor indebida en las almohadillas de teletransporte. Hazlo aquí en el arma también, dale un poco de destello. Y voy justo encima de la base de arma de capa, le doy un ligero resplandor. Por lo que parece que ocurre algo de dispersión de luz. Y luego me di cuenta bastante tarde en el juego de que el tipo de sombra de labios superior necesita ser un poco más oscuro que el labio inferior. Esa cosa en particular realmente hace que los labios lean que el labio superior es más oscuro que el labio inferior es puramente por los planos. No es que queramos aplicar a la teoría de la iluminación hardcore, sino que debido a los planos, el plano de los labios superiores mira hacia abajo, lo que suele ser mucho más sombrío y recogerá alguna luz reflejada del suelo. Y el plano de los labios inferiores OBC heces hacia arriba. Por lo que suele estar mucho más iluminado. En realidad es un truco rápido, incluso cuando solo estás usando lápices para conseguir labios realmente bonitos, pero asegurarte de que el labio superior sea pato y el labio inferior es algo de por vida. Ahora lo es, es muy probable que ya hayas hecho escuela de arte de personajes, dibujo completo de personajes. Pero si no lo has hecho, puedes tomar ese curso y echarle un vistazo. Cómo lograr múltiples estilos de dibujo. Porque por supuesto, el dibujo en sí tiene múltiples estilos todo el camino desde el realismo hasta los dibujos animados simplificados. Aquí voy a entrar en la capa de superposición y luego solo la duplique. Y hago algunos ajustes. Y voy a hacer un poco más de justicia porque sé que estaba un poco atracada sobre el fondo blanco. También es más fácil aclarar docs que es demasiado oscuro y se ilumina. Entonces es mejor si trabajas un poco más oscuro y sacas la luz en lugar de trabajar a la luz, y entonces estás un poco en problemas con las sombras. Y ese es más o menos el final de ese árbol común de flujo de trabajo. Al final apenas se estaba aplicando un efecto Photoshop llamado struck, cual estaba dando una línea de frontera gris a todo. En realidad es sólo un, sólo un pequeño tipo de arreglo. Un efecto aditivo no va con él. Al final del día, lo probé, realmente no fui con él. Y los veré en el próximo comentario. 61. M504 tu llamada 18: Ahora echemos un vistazo a este Tom labs para la pieza, tu llamada. Y es más una pieza de estilo manga. Un poco más de una pieza estilo manga, justo en el estilo de dibujo y, y también en el estilo de pintura. Y ves un ir aquí y yo hago un gris huido lleno de todo. Y esto realmente no es necesario. Acaba por no ser necesario en absoluto porque cuando estás llano llenando todas las áreas separadas, realmente tendrás esta zona rellenada. En ocasiones hago esto porque quiero asegurarme de que no importa cuántos efectos esté haciendo, todo se quede dentro de estos límites iniciales. Pero para ser honesto contigo, no hago esto. En realidad es como una pérdida de tiempo para mí lo que preferiría hacer ahora si quisiera esto a medida que voy y seleccionar todas las áreas llenas de líquido, fusionarlas en una capa, y simplemente hacerlo gris. Y entonces puedo tener eso como mi, mi selección de formas de mi selección de siluetas. Si quiero mover todos los elementos en un solo bien. Piénsalo como una especie de estancia en las líneas tipo de herramienta. Pero de todos modos, hacemos el plano gris lleno y luego entramos en hacer todos nuestros pliegues planos normales. Y lo que estoy haciendo aquí es usando el ordenamiento de capas. Y mientras mantenga las capas de fondo detrás y las capas de primer plano delante, no tengo que ser súper preciso con falso. Dicho esto, probablemente sea mejor ser más preciso con los tontos Solo en términos de hacer más fácilmente ciertos tipos de sombras en los bordes como las sombras de oclusión ambiental y algunas sombras de oclusión. Y esta pieza fue un poco de presión de tiempo P. Así que estaba tomando algunos atajos. Y honestamente no recomiendo atajos. Es decir, herramientas de eficiencia es una cosa, atajos es otra. Pero nada inusual que no hayas visto ya en cuanto al flujo de trabajo. Simplemente adelante y relleno plano. Ten en cuenta que los elementos que dibujes, cuantos más elementos individuales dibujaste, más detalles dibujes, la morfología va a necesitar hacer. Por lo que a veces puede ser mejor tipo de Tempe o entusiasmo agregar millones de accesorios y cosas. Porque por supuesto, todos esos elementos, si son colores diferentes o valores diferentes, van a requerir archivos planos separados. Y ahí estaba jugando ligeramente con la opacidad de la lente solo para ver si podía ablandar, suavizar un poco las líneas. Yo sí creo seguir adelante y colorear las líneas como lo hemos estado haciendo. Y así puedes ver también he añadido esos detalles a las tarjetas. Y así van a necesitar sus propios potros también. De verdad no me gusta dejar que se llene. De hecho, estoy seguro que como lo has hecho, como estás trabajando tus piezas, comienzas a darte cuenta de que el llenado consume mucho tiempo y no es una actividad muy compleja, así que te aburres haciéndolo. Normalmente escucho una película mientras lo hago, o escucho algo de música e incluso música y me vuelvo repetitivo. Por lo que recomendaría. Ponerse unos rayos azules o DVDs o lo que has retransmitido desde Netflix o lo que tienes y solo hazlo. Sé que es un poco doloroso, pero sí hace que el resto del flujo de trabajo sea ridículamente rápido. Es decir, para que pudieras ir a pintar una cosa a la vez. lo puedes hacer totalmente. Pero si consigues que todos tus completos se hagan al principio, realmente es como un ahorro de tiempo. Y así aquí estoy usando las herramientas digitales para realmente ayudarme a averiguar el esquema de color. No lo pensé de antemano. Por lo que solo uso el ajuste de saturación de tonalidad para ver qué funciona. Ve qué colores me siento bien juntos. Y en esa nota, el color realmente tiende a ser bastante subjetivo. Significan que son impresionantes y grandes agrupaciones de color que generalmente se ven bien juntas. Pero en su mayor parte, es bastante subjetivo y piensa que puedes hacerlo fácilmente por instinto y no estropeado siempre y cuando tu dibujo fundamental sea bueno. Y tienes una comprensión muy sólida del color y la luz, que ya sabes, ojalá por ahora deberías tener. Y así ahí vamos por el escenario de sombra y algunos van por un look suave sombreado. Pero verás que estoy tratando de mantener mucho el flujo de trabajo más simplificado. No estoy haciendo sombras precisas locas. Poco de subsuperficie ellos y la piel. Y mucho uso de cepillo suave, manteniendo las cosas suaves. Recuerda que una edad blanda realmente dice, Oye, no me mires, soy suave, plana tipo de tal vez interpretarme de una manera extraña. tanto que un borde duro sombrea una declaración audaz, el borde suave sombrea más ambiguo. Entonces, cuando comienzas a usar bordes mucho más suaves, las cosas se vuelven mucho más implícitas. Tienes mucho más en detalle que detalle expuesto e implicar detalle puede ser muy útil para destripar el ojo del espectador a las áreas que se declaran detalle. Entonces particularmente en una pieza de personaje, los ojos, la cara, normalmente esos son tus puntos focales. Por lo que puedes mantener un poco más suave en todas partes y luego endurecerse en la cara ahí. Y solo estaba cambiando algunos pinceles, haciendo un pincel nuevo. Modifican algunas sentadas, poniendo aquí algunas sombras de núcleo para el aquí. Entonces esas sombras de borde duro. Otro consejo que recomendaría es dejar el detalle de ojo real para que dure cuando detalle el EU. E incluso en el dibujo, incluso en la pintura. Cuando se trata de pintar los ojos, si los pintas temprano, la pieza puede sentirse terminada antes de que realmente estés terminada. Porque así es lo fuertes que son de un punto focal en saco la naturaleza humana para querer involucrar a las personas mirando sus ojos. Así que trata de dejar los defectos de EU se puede ver realmente no los he tocado aparte de dar el color Orissa y el globo ocular. Es tipo base de valor gris claro ahí. Pero sí, déjalo para el final. Incluso aquí, estoy, estoy haciendo la técnica de pintura, pero una versión muy, muy rápida de la misma, una versión más simplificada, no demasiado detallada en el cabello. Pero cada sección realmente recibiendo su tratamiento de luces de sombra. Creo que aún no he hecho lo más destacado en el escenario. Y ahí es como donde empiezo a tomar decisiones estilísticas porque en esta pieza, no va a ser un estilo suave sombreado de servicio con mucho del principio de formato. Vamos a, vamos a simplificar un poco los reflejos y simplificar las luces reflejadas con solo color envejecido en caliente, grueso. Entonces verás que eso sucede en breve. Ahora recuerda siempre que si tienes un buen dibujo que está mal pintado, sigue siendo un buen dibujo. Si tienes un mal dibujo que además de bien pintado, sigue siendo un mal dibujo. Por lo que realmente quieres asegurarte de que tu dibujo sea 100% lo más bueno humanamente posible, tan bueno como puede ser que estés completamente satisfecho con el dibujo antes incluso de tocar el color. color y la pintura es realmente sólo otro nivel en la parte superior de esa estructura. Eso no quiere decir que no se pueda invertir comas dibujar con pintura de Sydney. Se puede, se puede pintar directamente. No necesitas un dibujo, pero te preguntas que quieren asegurarse de que tu estructura fundamental sea sólida. Y si solo vas a usar pintura, entonces lo que vas a querer estar haciendo es crear las formas con la luz y la sombra, centrándose principalmente en las sombras y construyendo la estructura así. Y luego sólo más tarde moviéndose al detalle ya que estás agregando en todos los elementos del flujo de trabajo de formateo. Y así aquí se puede ver que estoy empezando a pasar a los lattes y lo más destacado. El aquí se va a poner bastante ligero. Una vez más en el aquí, quiere escoger realmente una zona, tal vez dos, pero generalmente una zona donde van a haber las luces más ligeras y solo dejar lotes en esa zona. Y aquí dentro verás un do estos aspectos destacados particulares solo en especie de una sección. Y guardo mi porcentaje del principio de forrado de forma. Entonces si lo piensas, ¿cuánto del qué porcentaje sería el especular o lo más destacado del principio completo del 90? Es un porcentaje muy pequeño, ¿verdad? Es manso, cuerdo, tal vez hasta el 5% de toda la forma de esa esfera de formateo. Quieres pensar en tu uso de los aspectos más destacados de esa manera. Entonces aquí en la jerarquía, pero muy, muy mínimo. Cuando empiezas a exagerar, pierdes los efectos. Tienes que mostrar moderación con reflejos. Y así sí, estoy, estoy jugando con varios estilos en cuanto a lo que estoy haciendo con la iluminación es algunos de sus agentes blandos, algunos de ellos calientes, envejecidos. Conoce cuáles son todas estas piedras. Ellos James del opaco con un transparente. Y se puede ver que son bastante de filo duro. Sin palabras, aún sin tocar los ojos. Y estoy haciendo algo de estilización lat en el medio. Y luego pasamos a hacer los lats y el DIU. Puedes ver de inmediato en el minuto que haces eso, repente la pieza parece terminada y ya sabes, posiblemente podrías dejarla en eso. Pero sé que aún tengo algo de trabajo que hacer. Tengo áreas que necesitan duraderos. Y se puede ver que he tomado un enfoque muy duro allí con la línea inclinada hacia adelante de luz reflejada posiblemente podría ser Lance secundaria. Y esto sólo va de nuevo a una especie de simplificación. Empezamos a simplificar ciertos elementos del flujo de trabajo de aprendizaje de formas. Entonces obtienes tu coloración más. Top de estilos, listas estilos de pintura y estilo realmente pictórico en estos días. Ya sabes, históricamente fue porque estaban usando pintura y pinceles que las cosas parecían pinceladas en la pintura. Pero conforme nos mudamos a una especie del siglo XIX y empezó a tener aerografía. Y todas estas otras miradas. Y el estilo pictórico se convirtió en una cosa donde era un estilo. No fue sólo, bueno, así es como se ven las pinturas por los trazos de pincel se convirtieron en un estilo. Y así realmente es cuestión de ver esas edades y tener gradientes que no son gradientes suaves pero que son gradientes acariciados donde se pueden ver esos cambios de pincel. Y así aquí, acercándose al final del flujo de trabajo, agregando en algún día relat enfermo, apenas muy caluroso envejecido. Y le da un aspecto particular de estilo cómic, casi se ven más avanzados en los cómics, pero le da ese tipo de look. Parece que fui en contra de mi idea, o el azul se lo saltó blanco. Creo que podría volver a traer azul, no estoy seguro. Degustando mucho ahí en la ropa. Aquí. Solo estamos agregando algo de iluminación extra suave en una cara. Y es bastante duro. Puede ser bastante difícil encontrar un equilibrio cuando estás tratando de lograr un estilo simplista en particular. Porque a medida que añades esas capas con principio de dinero completo, entonces estás subiendo las expectativas de realismo de la pieza. Las tarjetas repentinas necesitaban más textura. Por lo que acabo de añadir estas líneas para darle un poco más de una pose de langosta impresa. Y decidí que quería ir con este tema. El tema de la baraja de cartas. Es efecto bastante sutil. Y el resto fue realmente solo diseño. El pedazo se hizo más o menos desde aquí, hice algunos otros cambios se rotan en la página aplicada a la composición de la página. Nada importante, nada formado a partir de dejar el principio de aprendizaje relacionado con 3D. Simplemente volteando la imagen, asegurándose de que se vea bien desde ambos lados. Y eso está en el menú de la imagen. Imagen, Rotación de imagen, Voltear Horizontal. Y ahí está nuestra capa de superposición para equilibrar los colores. Entonces realmente solo ajustes finales y haciendo algo sobre la pintura. Jugando con el diseño. Nunca estoy realmente seguro de dónde se supone que debo poner mi firma. Si pudiera, solo lo dejo fuera Para ser honesto contigo. La mayoría de la gente ni siquiera sabe cuál es ese símbolo. Entonces como que lo puse por razones de derechos de autor sólo para decir, Hey, esa es mi firma. Pero odiaba que sea una compositiva, no a mí. A mí me gustan las piezas para realmente sólo hablar por sí mismas. Usando la herramienta Liquify solo para hacer algunos ajustes de forma de lodo. Y se puede ver, quiero decir, esto es sólo realmente en su fase de posproducción tratando de que esa final sea ruidosa. ¿ Cómo se vería si lo imprimieras? ¿ Dónde debo poner el logo o la firma, si se quiere, tipo de gráficos podría hacer para realzar la pieza? Y para ser justos, en realidad creo que los submarinos de las cosas realmente restan al trabajo. Y paso demasiado tiempo jugueteando con esas cosas donde probablemente debería hacer otra obra de arte para ser honesto contigo. Pero efectivamente eso se trata para este comentario, Solo hay unos retoques feudales que yo hago, pero hemos pasado por la mayor parte del flujo de trabajo y creo que se obtiene la idea general de cómo se puede realmente manipular el principio de formateo para lograr diversos grados, variando grados de escala de looks en su trabajo. Y así quieres empezar con la más compleja. Se quiere aprender el más complejo, que es ese flujo de trabajo de aprendizaje completo por el que hemos pasado y entender todos estos principios de luz en color. Y cuando conoces las reglas de locura hardcore, entonces puedes pasar a escalarlo hacia arriba o hacia abajo según necesites. Parece que decidí que en realidad había algunos retoques adicionales por hacer. Particularmente con los aspectos más destacados en la ropa puede sólo para mostrar realiza un poco más. Entonces lo que estoy haciendo es realmente estoy haciendo el secreto, hey, técnica que estoy pintando en esos lats. Y luego los estoy borrando suave. Dales un bonito aspecto sutil. Y las líneas, puedes ver algunas de las líneas tienen un poco de marrón en ellas solo para suavizar ese look de línea. Es bastante extraño en realidad. Estoy bastante convencido de que se hizo justo ahora, pero claramente no lo estoy. Esto sí me pasa a mí. A veces probablemente bajaré la pieza por unos días. Volví a mirarlo y dijo: Oye, hay algunas cosas que quiero cambiar. Déjame decir que no tienes que hacer todo de una sola vez estás listo, no lo hagas. Agregando algunas sombras y el colegio ahí y haciendo algo de pintura en los labios. Debo decir sin embargo, no siento que este nitpicking extra haga demasiada diferencia. En general. Eso es, ese es uno de los problemas de las edades. ¿ Cuándo está terminada una pieza? ¿ Quién sabe? Está terminado cuando decides que está terminado ¿listo? Y esto fue más de jugar con una historia. A lo mejor estaba escondiendo tarjetas. Ya sabes, ella está haciendo trampa en el juego o algo así. Y ese debería ser más o menos el final de la pieza. Echemos un vistazo al flujo Tom aquí, más o menos al final. Entonces los veo chicos en el próximo lapso de tiempo país sí echan un vistazo al flujo de trabajo completo, show. Encontrarás algunos matices ahí dentro. Y los veré en la próxima vez. Lapse árbol común. 62. Commentary de somethin 18 18: Bienvenido a la demo de algo escondido. Y estamos recogiendo de inmediato a los pisos y vamos a variaciones de color. Y esto es obviamente una pieza con la que probablemente deberías estar bastante familiarizado. Este personaje en particular fue creado específicamente para este curso. Yo quería tener un flujo de trabajo muy, muy claro para ustedes chicos. Y así probablemente ya conozcas toda la fase del flujo de trabajo, pero quería incluir esta demo como un buen tipo largo de visión general de lo que has aprendido en cuanto a aplicar el principio de forro completo, teniendo todo el etapas del principio de formateo aplicado en una pieza. Y así hemos hecho variaciones de color. Nos hemos movido a la piel ahí. Y voy adelante y sumando en las sombras. Y sabemos que queremos hacer primero nuestras grandes sombras generales. Hay sombras de oclusión ambiental, sombras de forma, que estoy haciendo aquí. Y luego cuando donde podamos donde te sientas necesario añadiendo en esas sombras de núcleo y las sombras de oclusión. Sé que por ahora probablemente estás cansado de escucharme decir esto, pero un realmente repetirme solo para enfatizar lo importantes que son ciertas cosas. Y las sombras radio todo. Se quiere realmente, realmente sobreinvertir en las sombras. Toda esta pieza es pintura total. Tom estuvo en algún lugar alrededor de 5.5 a seis horas. Ya verás que el tiempo transcurrió. Demo completo es un poco más corto. Creo que es en algún lugar alrededor de 2.5 a tres. Y mucho de eso Tom es la fase de sombra, tratando de asegurarse de que las sombras se coloquen correctamente. Preguntándome, ¿es la lectura anterior? Bueno, ¿esto parece tener sentido lógico en el espacio 3D donde estoy colocando las sombras y también comprobando camino. ¿ Necesito una forma de costo a necesito oclusión. No necesitamos oclusión ambiental es un agente debería leer era la oclusión ambiental es lacto a atracar. ¿ Y es la edad de los trazos de pincel para embrujar algunos lugares o demasiado suave? Sin duda has experimentado a lo largo del curso lo compleja que es la teoría en sí, realmente aplicando los flujos de trabajo bastante simples y bastante sencillos una vez que entiendes la teoría y tienes un flujo de trabajo lógico que seguir, aplicándolo ya que no es realmente difícil, solo tienes que seguir los pasos. Sólo pensé ver lo complejo que es el lote y hasta cuánto más se podría llevar la iluminación en algo. Moviendo fuentes de luz alrededor de la pieza. Y también considerando diferentes tipos de materiales. Y así aquí solo sigo trabajando las sombras. Y realmente sólo quiero pensar en dónde estoy colocando estas cosas. Su área estomacal. Es posible que notes que la sombra mira más hacia realismo términos de la forma en que el Londres disparó y se mueve sobre el área muscular. Y eso realmente soy yo mirando imágenes de referencia y mirando y abstrayendo listo, la luz y las áreas sombreadas de la región estomacal. Y luego me voy a enjuagar y repetir esas mismas formas que había aprendido tal vez hace unos años. Y realmente hablando del tema de referencia también. Úsalo cuando lo necesites. Realmente úsalo cuando lo necesites. Obviamente no roben. Pero quieres tomar los principios básicos de la referencia para luego volver a aplicarlos en tu trabajo. Otra cosa a tener en cuenta es realmente que la referencia de la vida real, particularmente cuando estás haciendo referencia pintará, estás mirando la luz y la sombra es sustancialmente diferente a la referencia fotográfica. Las cámaras no son tan precisas como nuestros ojos, solo en general, sino particularmente en cuanto a cómo manejan nuestros ojos el contraste. Las cámaras no tienen este tipo de capacidad de contraste dinámico que tienen otras. Y así siempre que sea posible, ya sabes, realmente observa el mundo que te rodea y mira cómo funciona la luz en ciertas superficies, diferentes tipos de piel, diferentes condiciones climáticas, diferentes condiciones de iluminación. Empieza a intentar memorizar cómo podría verse eso, qué tipo de pincel podrías necesitar para lograr ese efecto todo qué tipo de saturación de tonalidad o colores de iluminación afligidos y valores que podrías necesitar escoger. Y así me estoy moviendo paso a paso por el PCI. Voy a aumentar la velocidad sólo un poquito para que pasemos un poco más rápido. Y puedes ver de inmediato agregas sombra, solo sombra suave simple a un plano, y de repente es tridimensional. Y eso una vez más, es un testamento del poder de las sombras. En esa nota, todos los artistas que en realidad planos al valor de la sombra, huyeron al valor de la sombra. Esto podría ser correcto, no lo hace. Nada cambia en nuestra teoría de que huyeron al valor de la sombra. Habíamos estado inundando a un medio tono esencialmente, o a un color local de medio tono. Huyeron al recinto de la sombra y sólo pintan en el lat. Y quizá, si piensas así, no conozco a mucha gente que lo haga para ser honesto, pero si haces cosas así, No tiene nada de malo. Acabas de estar ya hecho el escenario de sombras y tendrás que luego sobreinvertir en tu escenario de iluminación. Entonces sólo se invierte. Pero nada cambiará jamás esa clase de regla fundamental de los dos valores. Los dos valores tienen que leer luz y sombra tienen que leer latín obturador tiene que construir el completo. Y sin duda si has hecho personaje de vieja escuela dibujo completo de personajes y ahora estás haciendo personaje OT escuela, pintura completa para colorear. Podrías pensar, wow, hay muchas reglas. Y eso es realismo. El realismo tiene estas reglas. Pero las reglas que necesitamos para crear cosas que parezcan realistas o que al menos puedan parecer creíbles. En algunos santos ahí en el espacio, están en Tom. Ahí tienen Mehta. Tienen mucho. Y lo que hacemos es encontrar nuestra libertad y nuestra libertad creativa dentro de las reglas. Pero nosotros, y hay mucha libertad dentro de las reglas. manera efectiva puedes crear cualquier tipo de criatura. Y lloró de ser cualquier tipo de persona. Y tú tipo de mundo. Es ilimitado. Y esa es una de las cosas maravillosas del realismo. Hay comunicación realmente clara sucediendo. Esta es esta criatura que vive en este mundo. Es esta persona con esta personalidad, etc. Y así estamos pasando a la última etapa todavía. Este es mi flujo de trabajo completo. Ese escenario de forro, tenemos mucho cuidado de no volvernos locos. Principalmente lo puso en las zonas iluminadas. Kfc considera manera, ¿pertenece el lote? Una vez más en el aquí lo he mencionado antes, mencionando de nuevo, siéntase segue, relájese con reflejos en el cabello. Realmente tranquilízate con él. Manténgalo en una zona tal vez para terminar, tendrás aspecto decente. Oye, pasando al escenario de forro reflejado todavía. Ray, esto es sólo recoger y elegir esas zonas de aterrizaje reflejadas. Se va a acelerar un poco. Pensando en los aviones, que los aviones vuelan boca abajo. Y además asegurarse de que esa edad de gradiente no lo sea, no parece una raya. Al menos en este flujo de trabajo en particular que tenía gradientes muy bien en un color Está fluyendo hacia. Por lo que debajo de las conchas recogen un poco de luz reflejada. Y ahora estamos pasando a destacar la etapa uno nos está dando montones muy amplios en estar aún más templados ahora de lo que estábamos con el escenario de iluminación, solo unas pocas zonas van a conseguir este pestillo extra. Y usándolo ahí también. Plantilla aquí, tirando hacia arriba esas formas. Y yendo de elementos, elementos y realmente simplemente siguiendo nuestro flujo de trabajo. Y este flujo de trabajo realmente tiene mucho poder. Hay mucha potencia en el flujo de trabajo. Y has visto la capacidad de escalar, escalar hacia abajo, significar qué universidad haces una vez que conoces el principio de dinero completo, no es mucho lo que puedas hacer 3D. Pasamos al estímulo en los ojos. Y vamos a ir a poner algunas espículas también en otras áreas. Me pueden ver sacando ciertas líneas haciendo las espículas en el tipo de pierna de pulpo ahí. No es toda una sirena. Y la idea era realmente que le tenía mucha espeluznante. Ella tiene Elf es que tiene suficiente detrás de ella. Tiene huevos de pulpo, sin embargo todavía bastante bonita. Ella es hermosa. Y yo estaba jugando con el uso de un lote de psiquiatría verde. A lo mejor debería tener al final del día, pero quiero mantener un poco las cosas como estandarizar porque eso se habría sumado a la Irina. Entonces la pieza no estás segura si puedes confiar en su rho nada. Y luego especie del color se habría vinculado a su color de ojos. El verde no necesariamente parece bueno en algunas circunstancias, particularmente sobre el agua. En un bosque, está bien bajo el agua, Es un poco raro, verde resplandeciente. Por lo que ahí estamos sumando el aprendizaje secundario. Y realmente lo estamos haciendo como un buen golpe de pincel suave primero. Y luego como que entramos al área iluminada y algo así lo planteamos. Y lo hacemos obviamente fue que queremos mantener ese filo agradable y suave. Considerando todas las áreas forma en que la luz tocaría, potenciando cuando fuera necesario. Añadiendo poco, siéntate y relájate, habla escucha a los ojos, nos da un bonito campo dinámico. Y luego trabajando en los costos y las oclusiones. Creo que en realidad quiero volver atrás y cambiar ese costo. En realidad no me gusta realmente el ángulo de la misma. Creo que está bien. Está bien. Eso drena a un nivel razonable. Ese es solo mi tipo de supongo mi visión subjetiva de que, oye, sabes qué, me gustaría darle un poco más de una curva. El final con el que terminamos, dado apenas un poquito más de curva. Supongo que está bien. Y así aquí me paso a nuestros primeros ajustes antes de empezar a hacer algunas de las cosas de acabado. Y yo estaba jugando con posiblemente cambiar algo del uso de elementos al final de lo empapado por el bien de mantener todo estandarizado, vamos a mantenerlo de la misma manera en cualquier cambio loco. Mover dispersión subsuperficial, poniendo un poco de maquillaje e IaaS, también usando esa capa suave de luz, que está por encima de la capa de piel y forro de piel eso. Y luego entramos en el llamado secreto, oye, técnica de pintura. Yo quería llamarlo la técnica de pintura HD secreta escocesa porque sí lo considero en mente, pero llamémoslo el secreto, oye, técnica de pintura y ustedes pueden tenerla. Y así aquí solo quiero enfatizar cómo fluir tienes que ser. De verdad tienes que fluir con el, oye, no puedes tener estos trazos saliendo en ángulos extraños ni nada por el estilo. El cabello fluye, necesitas fluir con el cabello. Y por supuesto que sombra. Por lo que son muy importantes, mucho más importantes que el lat. Y así realmente queremos invertir, sobreinvertir, sobre todo aquí, dependiendo de la fidelidad que quieras, puedes llevar esto a una buena técnica todo el camino hasta muy alto y realismo mediante el uso de una gama de tamaños de trazo trazos gruesos hasta trazos finos que representan solo Hayes. De igual manera en los lats que realmente quieres pensar cuidadosamente sobre lo que estás agregando estos elementos y luego por supuesto, borrando esos consejos. Y obtienes un acabado muy, muy profesional. El look muy profesional. Aquí hacemos la coloración LAN. Y fui con sólo una especie de color del logotipo de Docker la mayor parte del tiempo. Tan solo un doc, los colores locales suavizan un poco la imagen, hace que se vea un poco menos. Ilustra el tipo de estilo de cómic. Generalmente quieres dejar los ojos es un DACA. Típicamente las aerolíneas, las pestañas quieren dejarlo como un valor más oscuro. Porque cuando empiezas a hacer las líneas demasiado ligeras, yo soy, pierdes el contraste. Y en términos generales, hay mucho contraste en los ojos, incluso en la gente real, solo hay mucho contraste. Y aquí estoy haciendo algo sobre pintar, llenando huecos, aclarando todo ese tipo de pequeñas áreas desagradables en las que no llenaba previamente. Y esto realmente va a ser un testimonio tu nivel de dedicación y profesionalismo en tu trabajo. Ahora algunos artistas podrían dejar esto en el Enrique. Quieres esforzarte por ser lo más profesional posible y usar un día de fondo blanco porque yo estaba bastante seguro actualmente para que no estaba viendo el completo completo en correctamente tan rápido encendido un fondo blanco, apagó el gris y el reloj encendido a través para echar un vistazo un poco. Y notarás que las burbujas no son círculos perfectos y podrían serlo, pero no tienen que serlo, más bien no tienen que serlo. El fondo que realmente no son necesariamente no se trata de precisión en el realismo, sino más de precisión en teoría. ¿ Estás aplicando elementos alelos del flujo de trabajo de aprendizaje? Todos ustedes usando perspectiva relativamente bien. En cuanto a cómo estás considerando camino a los elementos de luz, ¿ estás pensando en los aviones? Entonces ellos, hicimos la capa de superposición azul y luego hicimos la aberración cromática, moviendo los canales alrededor sólo por un píxel, sufriendo el look y dándonos un bonito acabado profesional. Y ese realmente es el fin de ese flujo de trabajo. Entonces espero que hayan disfrutado pasando por ocultar algo de nuevo en un poco de lapso de tiempo de acogida de la visión general de las aplicaciones de Tom que vimos en el Módulo 3. Y Daphne nos da una bonita vista sólida de cada paso, una cosa a la vez, haciendo que cada elemento se haga, una cosa a la vez. Y ese es el final de este video de flujo de trabajo. Gracias por ver. 63. Conclusión del curso de coloración y pintura: Enhorabuena por llegar al final del curso. Si esta es tu primera vez, recuerda volver a pasar por el curso y ahora comprometiendo las asignaciones, aplicando todas las prácticas de todo lo que has aprendido por tan solo segunda vez, por favor asegúrate de publicar su trabajo. Me encantaría verlo totalmente. Y no tengo ninguna duda de que has visto una rápida mejora de habilidades ya que te has movido por este curso, por favor siéntete libre de estar en contacto conmigo. Puedes hacerme preguntas, dejarme comentarios, y me encantaría ver tu trabajo. Me encantaría ayudarte y realmente tener un paseo lado a lado contigo para llegar al nivel que quieres lograr. Muchas gracias de nuevo por comprar el curso. De verdad te lo agradezco y espero que hayas encontrado una inmensa cantidad de valor ya que puedes moverte por el curso. Eso es todo para mí y los veré cuando los vea. Salud.