Transcripciones
1. Cómo utilizar la luz y las sombras en tu arte: ¿ Alguna vez te has preguntado qué hace que las obras de arte sean más realistas que otras? Cuando vemos algún arte realista podríamos pensar de inmediato que, eso está lejos de nuestra capacidad, ese artista es demasiado talentoso y no hay manera de que podamos lograr eso. Bueno, piénsalo otra vez. La habilidad más importante que puedes desarrollar si quieres dibujar de manera realista, es entender cómo colocar áreas claras y oscuras en el papel para replicar el mundo y dar la ilusión del espacio. Hola Soy Alessia, y estoy aquí hoy para explorar cómo la luz y los objetos interactúan entre sí y cómo traducir eso en papel. El arte es mi mayor pasión, es una forma de pensar. El mismo motivo por el que vine a Londres hace ocho años. No importa cuán abstracto o conceptual se vuelva mi trabajo, siempre
hay un poco de espacio en mi corazón para dibujar y pintar de manera realista. Es la forma en que normalmente empezamos a hacer un arte, y eso a menudo se piensa como un reto más que como una práctica, habilidad y observación. En esta clase, te voy a llevar paso a paso por el proceso de crear
algo de manera realista sin la presión de dibujar de una manera muy pulida. De hecho, vamos a usar un estilo muy bocoso, algo que cualquiera puede lograr porque esta clase es para principiantes absolutos. Entonces si no tienes experiencia de dibujo o pintura, esta es la clase para ti. Si quieres aprender a usar la luz en tu papel, en tu lienzo para darle ese look realista y tridimensional. Vamos a descomponer esto desde su observación de la realidad hasta la obra final, ya sea dibujo o pintura o arte digital. Vamos a hacer eso aplicando un método que yo llamo observar, forma, y valor. Es tan simple como suena. Observas una imagen, anotas algunas formas, y luego al final agregas algunos valores, o en otras palabras, partes
más claras y oscuras para hacerla tridimensional. Si quieres dibujar algo con sombras y composición realistas, esta es la clase para ti.
2. Descripción de la clase + EBOOK GRATUITO: Bienvenido a esta clase usando luces y sombras en tu obra de arte. En este apartado, quiero llevarte a través de la estructura de la clase y qué necesitamos para llegar exitosamente al final de la misma. Con esta clase, obtienes un eBook gratuito que contiene la mayor parte de la información de esta clase. Pero me aseguré de mantenerlo lo suficientemente corto como para ser impreso y llevarme contigo de todos modos. Incluí los montones de ejemplos e imágenes para asegurarme de que todo sea claro y procesable. Para descargarlo, basta con ir a la sección Recursos a continuación y dar click en el archivo denominado “Libro electrónico gratuito”. Antes de empezar, quiero señalar algunas cosas que vamos a ver en las próximas lecciones. En primer lugar, los únicos materiales que realmente vas a necesitar son los que normalmente utilizarías para crear tu arte. Porque esta clase se trata de un método más que de un resultado final. En otras palabras, cómo hacer algo sin importar lo que estés usando. En mis lecciones y demostración, usaré una variedad de formatos para comunicar ideas y para darles ejemplos prácticos. Usaré lápiz, papel, pintura, y un iPad Pro para que todo sea fácilmente accesible para todos. Yo quiero decir que sólo porque me veas usando esos, no
significa que tengas que hacer lo mismo también. Siéntete libre de usar cualquier cosa que esté disponible para ti o que más disfrutes. Ahora, echemos un vistazo a la estructura de la clase. Podemos dividir esto en dos partes. En la primera parte, tendremos un chat para pasar por algunas definiciones y
algunos ejemplos necesarios para ejecutar con éxito el proyecto de clase. Estas cosas están en su mayoría alrededor de la luz y cómo funciona, y cómo descomponerla. Cosas que son útiles en nuestra creación artística, desde la luz y las sombras hasta definiciones como valores, sombras de
forma, sombras de fundición, etc. Entonces te llevaré por el método que llamé observar, forma y valor. Utilizamos este método para crear paso a paso, y esto es súper importante si quieres que tus conceptos básicos sean correctos antes
incluso de empezar a agregar cualquier pigmento o formas o colores en tu arte. En la segunda parte de la clase, demostraré cómo se puede aplicar todo este método a cualquier medio. Te mostraré cómo lo uso con lápiz y papel dibujando un bodegón a partir de una imagen, y luego usamos el mismo enfoque paso a paso con la pintura gouache y luego el arte digital también. Utilizo Procreate en un iPad Pro. Te recomiendo encarecidamente ver toda esta demostración de principio a fin porque realmente están llenas consejos y trucos para que tu arte sea más realista y tener proporciones y sombras correctas desde el principio. En la siguiente lección, hablaremos de su proyecto de clase.
3. Tu proyecto de clase: Para tu proyecto de clase, me gustaría que crearas una obra de arte a partir de una imagen de referencia de tu elección. Siéntete libre de inspirarte en mis demostraciones, y enlazaré todas las imágenes que he usado en los Recursos a continuación. Normalmente los descargo desde el sitio web gratuito llamado unsplash.com. Se trata de una base de datos de imágenes sin regalías, por lo que puedes usar cualquiera de esas imágenes con fines artísticos. Un proyecto de clase fácil desde principiantes es un
Bodegón, y así podrás crearlos juntando objetos cotidianos como fruta,
tazas, ollas, cualquier cosa que puedas encontrar alrededor de la casa. Recuerda publicar tu proyecto de clase en la comunidad abajo para que puedas obtener algunos comentarios de mi parte así como de otros alumnos. No seas tímido, todos están aquí para aprender y nadie te está juzgando a ti ni a tus habilidades. retroalimentación constructiva es la forma más fácil y rápida de crecer como artista. Aplica todas las habilidades y consejos que has aprendido en esta clase, compártelo con tus compañeros y sigue practicando. No olvides divertirte en el proceso.
4. Cómo la luz da forma al mundo: Quiero comenzar esta clase llevándote a un pequeño viaje en nuestra vida cotidiana. Quiero que intentes y recuerdes, ¿qué es lo primero que haces cuando te metes en una habitación? Pero la respuesta es probablemente que enciendas la luz, y esa es una razón muy sencilla para eso es porque de lo contrario no veríamos nada. Es lo mismo con el arte. Si quieres ver algo en un cuadro o un dibujo, necesitas tener una fuente de luz. Esa fuente de luz va a tener una posición, una inclinación, un color también llamado temperatura. Todos estos factores inciden en cómo se ve esa escena en particular. Se puede cambiar la luz y se puede cambiar la escena. Cambiar la luz puede cambiar el estado de ánimo, la forma en que se ven las cosas. Si se ven más grandes o más pequeños, puedes manipular la luz para hacer eso. De la misma manera, puedes manipular la luz en tus dibujos o en tu pintura para obtener el efecto que deseas. Todo objeto está hecho de cierto material o textura. Recuerda que cuando digo objeto, también
puedo significar un sujeto como una persona, si estás haciendo un retrato o estás dibujando una escena cotidiana donde hay gente en ella. Cualquier cosa que esté incluyendo en eso agrega una textura y que va a reaccionar con la luz de una manera diferente. Cómo percibimos esta característica se basa en la luz que se sienta en ese objeto. Ejemplo realmente simple de eso son las nubes. Las nubes pueden ser blancas, pueden ser grises, pero también pueden volverse rosadas cuando hay puesta de sol y se vuelven completamente o casi invisibles por la noche. ¿ Por qué te estoy contando todo esto? Esto es muy obvio, todos lo sabemos. Porque si quieres dibujar retratos realistas, paisajes, naturaleza muerta, lo que quieras hacer, necesitas saber algunas cosas relacionadas con la luz y las sombras. Se pueden tener diferentes escenarios donde la luz es muy fuerte y directa. Una lámpara junto a una taza de café va a crear algunas sombras, reflexión, algunos hermosos cambios de términos. Todos estos en el arte toma también nombres específicos que pueden ser un poco abrumadores. Por eso quiero empezar esto
observando y desglosando por qué llamamos a las cosas así.
5. Luz, sombras y otras definiciones: Bueno, en primer lugar, podemos hablar de luz en unos pocos escenarios. El primero es luz directa, el segundo es luz difusa, y el tercero es luz reflejada. Con luz directa, tienes una luz directa que está golpeando a un objeto, por ejemplo, lámpara de escritorio golpeando tu libro. Esa es una luz directa. Por lo general, una luz directa crea un fuerte contraste y un fuerte resaltado. A lo que me refiero con resaltado es la parte más ligera de una imagen o una imagen o una escena. Por ejemplo, si miras este pote, este es el punto culminante, es la parte más ligera. Este material está reflejando la luz de cierta manera. Este material de aquí es un poco diferente a éste. Esto es más suave, es más reflexivo. Esto es más grueso y opaco y no deja pasar la luz en absoluto. No refleja en absoluto, lo absorbe. La luz directa como esta suele crear un contraste realmente fuerte. Vamos a tener una parte muy ligera en esto, y aquí en la parte de atrás donde no se puede ver en este momento va a ser más oscura porque la luz no puede pasar y crear una sombra. Pero la forma en que crean una sombra es en un ángulo que es específico. Viene la luz de frente a mí un poco a la derecha. Esta sombra va a estar en esta dirección. Vamos a tener una sombra que está en el
jarrón, en la olla, y una sombra que va a estar en mi escritorio. Esa sombra ahí va a haber en la olla también se llama sombra de forma; es la sombra que está en el objeto y generalmente se genera por la forma del objeto que bloquea la luz de pasar. Una sombra de fundición suele ser una sombra que se proyecta sobre otra cosa. Si hubiera una copa frente a mí,
la sombra de yeso en esta dirección, en este caso, sería la de la mesa. A medida que un ángulo y se desvanece, también
podrían ser muy fuertes. Tenemos reflejos, tenemos una sombra de forma, tenemos una sombra de fundición, tenemos reflexiones. Todos estos deben ser tomados en cuenta cuando queremos dibujar algo.
6. Superficies reflectantes que no conocías: Quiero decir unas palabras sobre la reflexión y las superficies reflectantes. Cuando pensamos en la reflexión, pensamos en un espejo o en una ventana de vidrio que refleja la luz del sol, todo lo que es realmente brillante, pero ese no siempre es el caso. Cuando hablamos de luz directa, dijimos que hay una luz que está golpeando a un objeto. Cuando hablamos de luz directa y luz reflejada, me gusta hacer la analogía del sol y la luna. Tienes el sol que crea la luz está golpeando directamente al objeto. Esa es mi luz directa. Se crea la luz que, mi lámpara está creando esa luz. Por otro lado, cuando hemos reflejado la luz, es como pensar en la luna. La luna emite luz por la noche, pero eso es luz reflejada. El sol brilla sobre la luna a pesar de que no lo podemos ver, y la luna está reflejando la luz en la Tierra. De la misma manera hemos reflejado la luz sobre los objetos. Eso puede parecer que es una luz brillante propia, pero no lo es. Es importante ser consciente de eso por cómo puede reaccionar la luz y puede ser confuso. Se podría pensar que la luz viene de un lado y en realidad eso es solo el reflejo. Vamos a pasar por eso durante nuestra manifestación. Otra cosa que a menudo se olvida es que incluso superficies opacas, sólidas, tal mesa o una pared, sí
tienen propiedades reflectantes. De hecho, si se ilumina la luz en esta pared, esta pared de alguna manera va a reflejar la luz en el resto de la habitación. De la misma manera, si tengo algo así como algún papel sobre la mesa, la mesa va a reflejar algo de la luz sobre el papel. La mesa suele absorber la luz porque no es completamente reflexiva, pero parte de eso se va a reflejar en el papel. Es bueno saber que porque a veces las superficies se reflejan, pone algunos colores en ella que no sabemos de dónde vienen, y en realidad vienen de un reflejo. Por ejemplo, si pongo ahora esta carpeta, que no es particularmente reflexiva. Si pongo esto aquí, la luz va a golpear el archivo y va a rebotar sobre el papel de una manera casi imperceptible. Pero cuando observamos la sombra o la sombra de forma en el papel, vamos a ver algunos toques de rosa. De ahí viene el rosa. Cuando digamos que tienes un tazón, seguro
que has visto algunas demostraciones de luz y sombra con una esfera. Vamos a ver que hay un punto culminante en la esfera, pero hay una parte un poco más ligera en la parte inferior. A veces no podemos explicar eso del todo. Ese suele ser el reflejo de la mesa, de la superficie.
7. Valores y agrupación de valores: Todo libro, nuestro tutorial de clase que habla de luz y sombra va a hablar de valor, pero ¿qué es el valor? El valor es cómo es algo claro u oscuro. Tan simple como eso. Hay un rango entre esto. Se puede descomponer esto en un gráfico de la parte más ligera a la más oscura. No tienes que recrear una toma de valor, puedes intentar hacerlo para tener una idea de cómo realmente pueden variar
los valores en la imagen y podemos usar eso para agrupar valores. La agrupación de valores está desglosando una imagen en un número establecido de valores. Digamos que crea el gráfico de valores de tres tonos. El primero quizá sea blanco, el segundo es gris, el tercero es negro. Si queremos crear una agrupación de valor de dos colores, vamos a incluir sólo los grises y los negros. No vamos a ir en medio. Es casi como el ejercicio de color el número, pero con valores. Puedes incluir tantos o tan poco como quieras, es algo útil que hacer, generalmente antes de pintar o antes de aplicar color porque nos va a dar alguna guía sobre cómo oscuro o claro va con el color, cómo cambiar la sombra, la saturación del color, todo eso.
8. El método: observar, formar, valorar: Hasta ahora, hemos estado hablando de reflejos,
sombras, sombras proyectadas, reflexión. Valores, que es lo oscuro o claro que es cualquier cosa. También mencionamos la agrupación de valores, que es agrupar algunos valores, valores
similares juntos para descomponer una imagen y hacer más fácil dibujar en ella o pintar en ella, hacerla más creíble. Ahora vamos a hablar del método que llamé observar, forma y valor. No puedes colorear al final si tu obra está en colores. Vamos a ver cómo este método realmente puede ayudarnos
a dibujar algo de la realidad o de una imagen. En otras palabras, cómo hacer creíble una imagen, dando espacio ilusional, o profundidad, o volúmenes. El primer paso de este método es observar la imagen o la escena frente a nosotros. Una de las primeras cosas que queremos mirar es la luz, también llamada fuente de luz, donde viene la luz. Durante este espacio, también tenemos espacio para realmente echar un vistazo a lo que está hecha la imagen, qué texturas y colores. Si hay mucho contraste en la imagen, o sus tonos son muy suaves, todas estas cosas se pueden observar en este espacio. Una de las principales cosas que me gusta echar un vistazo son las sombras del reparto porque eso te va a dar una indicación de dónde viene la luz,
y eso es algo que vas a tener que poner atención cuando pongas el sombras porque le va a dar ese volumen a ese objeto, y va a hacer que se vea real. Otra cosa que no está relacionada con los valores es, identificar
a lo que yo llamo la estrella de la imagen. A lo que me refiero con eso es, identificar este elemento que uno piensa es el elemento principal de la imagen, el elemento principal que capta la atención y le da un alma a la pintura o dibujo. No hay respuesta correcta o incorrecta en eso, tú decides qué es eso, y además ten en cuenta que puedes quitarte o agregar cualquier elemento que quieras. paso 2 es definir las principales formas del dibujo. Esto va a depender también qué medio vas a usar al final. Eso vamos a explorar con muchos ejemplos, así que para terminar, voy a explicar cómo usarlo en la pintura de bodegones y el arte digital. Si estás pintando con óleo o pintura, tal vez haces la forma con un tono de marrón o amarillo como un subtono, como fondo para tu pintura, o tal vez simplemente dibujas con el mismo lápiz, que no necesites ninguna otra herramienta. Lo que me gusta hacer en las formas es descomponer los elementos principales con formas geométricas
realmente, realmente simples, realmente simplificadas. Te daré un ejemplo. Si quiero dibujar estas tijeras sucias viejas y pintadas, esto podría parecer una forma compleja. En este caso, lo voy a descomponer con unas cuantas formas geométricas. Por ejemplo, para esta parte, usaré una mezcla de un rectángulo y un triángulo porque tiene un punto. Por ejemplo, si fuera así, aquí
habría un triángulo claro y algunas formas rectangulares, algunos óvalos. En general, puedes descomponer la imagen en pedacitos, y luego poner todo junto con detalles. Esto es bastante sencillo de hacer y te ayuda a mantener a jaque las proporciones principales, porque si no harías eso, si te enfocarías, por ejemplo, en esto primero, realmente entras en detalles. Haces cada una de las formas que ves, cada curva. Cuando se trata de dibujar esto, te va a costar mantener las mismas proporciones, porque los detalles nos distraen de las proporciones principales. Haz las formas primero, y luego vas por encima de las líneas y sigues ajustando, sigue observando y bajando las líneas. Cuando vamos a hacer un boceto digital con Procreate, podemos usar la cuadrícula como guía, y ya hice una clase al respecto, siempre se
puede tener eso como referencia. En términos muy simples, usas una cuadrícula que dibujas en ella, o en este caso, está lista ahí para que lo uses porque es digital. Se compara la forma de los cuadrados en la cuadrícula en relación con la imagen, y así hace que sea más fácil conseguir la forma correcta y en proporción porque siempre se comprobará dos veces con la forma del cuadrado. El tercer paso es el valor. Vamos a empezar a agregar algo de valor, lo que significa es, empiezo con algunas sombras, normalmente
me gusta empezar con la más oscura, pero no siempre. Si el contraste es muy claro para mí,
me gusta dejarlo claro porque ayuda a que esa imagen realmente
salga y me da una indicación de cómo se va a ver al final, o qué trucos necesito hacer, para hacer él se vea real, y dependiendo de lo que estemos usando, ya sea un lápiz o una pintura, podemos usar eso para hacer algo más oscuro o más claro, y darle el volumen a nuestra imagen.
9. Lápiz sobre papel - Observar: Empecemos esta demo con probablemente el medio más sencillo, lápiz sobre papel. Elegí un bodegón porque es algo fácil de armar y un gran ejemplo de cómo los objetos pueden interactuar con la luz. Identificaremos la dirección de la luz, los reflejos y las sombras, pero todo lo que necesitas por ahora es lápiz y algo de papel. Yo también usaré carbón, pero tú no tienes que hacerlo. Empecemos con algunas observaciones. Los aspectos más destacados son muy obvios en este cuadro, por lo que me gustaría señalarlos para futuras referencias. La dirección de la luz puede ser difícil cuando se trata de superficies reflectantes, por lo que siempre asegúrese de volver a comprobar con las sombras de fundición para asegurarse de que obtiene la imagen completa correctamente. Las sombras son otra forma fácil de descomponer una imagen, y luego las reflexiones y los materiales pueden ayudarnos más
adelante a elegir cómo abordar la fase de valores. Ahora que miramos los elementos principales como la luz, reflejos y las sombras, empecemos con algún dibujo.
10. Lápiz sobre papel - Formar: En esta siguiente parte, comenzaremos a poner algunas formas simples, y luego agregamos algunos detalles. Pero primero, me gustaría empezar a definir mi espacio casi como un marco de fotos. Me da algunos límites y es más fácil ver proporciones en un espacio cerrado. Creo que el secreto de un boceto de preparación es ser rápido y ligero con tu simulacro. Dibujar formas simples que se asemejen a formas geométricas en particular, es un gran comienzo porque no necesita perfeccionismo ni detalles, pero solo estamos colocando los objetos en el espacio por ahora. Cuando esté contento con esto, empezaré a definir los objetos un poco mejor. Para resumirlo, un marco de cuadro facilita las proporciones, y las formas geométricas quitan la presión del perfeccionismo sin impactar nuestro dibujo general. Recuerda usar una ligera presión para que puedas cambiar las cosas más adelante si quieres. En la siguiente lección, vamos a sumar algunos valores, haciendo nuestro dibujo más realista.
11. Lápiz sobre papel - Valorar: En esta lección, añadiremos un poco de pigmento para que todo sea más real. Podemos empezar con algunas sombras y luego seguimos ajustando la forma y la sombra juntos, agregando detalles mientras tanto. Empecemos con las sombras principales en el frasco. No tenemos que bloquear estos por completo, sólo
podemos sugerirlos con unos cuantos golpes. En esta fase, me gustaría seguir mirando la imagen y arreglar algunas de las formas también. Cuando me sienta bien al respecto, empezaré a agregar algunas zonas más oscuras. Estoy usando palitos de carbón porque son muy oscuros y no tengo
que presionar sobre el papel tanto como lo haría con un lápiz. Pero aún podemos cambiar entre esos dos para definir valores más
oscuros y más claros en nuestra escala de grises y negros. También podemos usar el dedo para mezclar cosas, aunque va a ser un poco desordenado y el resultado no siempre es natural, prefiero usar mi presión y mark mickey para ajustar la forma. Algunos pequeños detalles con mi lápiz y mi bodegón está lista. Para recapitular, para agregar algún valor, comienza con algunas sombras, sigue ajustando las formas y rellena sombras oscuras para asegurarte de que tienes el contraste correcto en la imagen. Se puede ver que aplicar este método seguiría viviendo usando un lápiz es muy sencillo. Seguimos paso a paso desde
la observación de los elementos principales hasta la conformación utilizando formas geométricas y finalmente, añadiendo algunas sombras. Sigue arreglando las formas hasta que estés contento con la composición y el tono general de la imagen y no tengas miedo de agregar tu toque a tus dibujos, los
hará especiales y únicos.
12. Pintura - Observar: Ahora, vamos a aplicar el mismo método a la pintura gouache. Elegí un paisaje porque me parecen muy interesantes las sombras y el tono, y por supuesto no tienes que usar los mismos temas. En esta lección, usaré paleta de guiones [inaudible] de pintura gouache y una hoja de papel de acuarela. También tendremos un lápiz ligero para bosquejar las formas más adelante. Por ahora, empezamos por observar como hemos hecho en la otra demo. Aquí la fuente de luz es el sol, y es muy visible frente a nosotros. Es interesante observar la dirección de las sombras de fundición creadas por estos árboles, destacando las principales áreas oscuras en [inaudible] aquí. Posteriormente necesitaremos usar algunos colores encima de los valores porque se trata de una pintura. Es bueno identificar al menos tres tonos principales de color que necesitarás. Al mirar las sombras ahora, el que está entre los arbustos del lado derecho, por ejemplo, es uno de los más oscuros. Por último, estoy marcando áreas de luz solar en el pasto y las hojas con un poco de color amarillo. Asegúrate de saber de dónde viene la luz. Toma nota de la dirección de la sombra de fundición e identifica todos los tonos de las áreas oscuras y claras. En la siguiente lección, vamos a dibujar las formas principales.
13. Pintura - Formar: En esta lección, comenzamos a dibujar las formas principales para tener escala y proporción de los árboles. mí me gusta empezar con un cuadro en marco, simple rectángulo que encierra mi pintura para que
sepa lo grandes que deben compararse mis árboles con el marco. No tienes que ser preciso en esta etapa, solo asegúrate de elegir el tamaño adecuado para el tipo de pintura que quieres tener al final. Puedes ir tan grande o tan pequeño como quieras. Solo ten en cuenta cuánta pintura vas a necesitar y también cuánto tiempo tienes. Yo estoy haciendo una pequeña aquí para mostrarte lo fácil que puede ser hacer una pintura en tan solo unos minutos al día. Para dibujar los árboles, mantén una marca similar un boceto muy básico. Probablemente sea útil pensar en estos árboles como hilo dulce. Tienen palos muy largos y tops esponjosos. No intentes definir cada rama del árbol o cada hoja. Apégate al contorno rápido y la escala de lo que ves en la imagen. Sé rápido con tu boceto. Ajustarás todo más adelante con el cuadro. Para dibujar las formas principales, asegúrate de limitar tu espacio para proporciones fáciles. Usa una ligera presión sobre el papel y asocia los árboles con hilo de caramelo. En la siguiente lección, agregaremos algún valor.
14. Pintura - Valorar: En esta lección, agregaremos algún valor usando nuestro lápiz, y luego usaremos un poco de pintura también. Empecemos agregando las sombras principales de fundición junto a los árboles. Como observamos antes, vienen en ángulo hacia nosotros. Si recuerdas, el sol está ahí arriba detrás de los árboles, vuelta en los árboles en cierto sentido, es lo que vemos frente a nosotros. Pasamos por encima de los puntos más oscuros de las imágenes sin presionar demasiado ni ser demasiado precisos porque vamos a añadir una capa de pintura en la parte superior. Aquí, estoy apuntando a tener un equilibrio de luz y oscuros, como si estuviera tratando de ver la imagen con gafas en blanco y negro. Lo siguiente que haré aquí es elegir un color negro similar al de la imagen. Usaré un poco de verde y gris para definir las zonas más oscuras y se podría hacer esto más tarde, pero me parece que con algunos tonos oscuros en este momento me
ayuda a lograr la cantidad correcta de contraste. Cuánto o un poco de contraste tienes depende de ti. Suficiente para dibujar ahí el panorama que justo como referencia, no hay que seguir reglas estrictas. Consigue algunos valores en los árboles también, y prepara tus pinturas para la siguiente lección. Agregar algo de valor en una pintura comienza con el boceto de las sombras principales, luego algún bloqueo de lápiz, y luego alguna pintura oscura del mismo rango que la imagen uno, en este caso, del grano. En la siguiente lección, nos divertiremos un poco con otros colores y agregaremos más detalles.
15. Pintura - Color: parte 1: En esta lección, estamos completando nuestra pintura poniendo los colores principales, creando algo de profundidad y agregando tonos más claros y oscuros. Empecemos con el color del bloque. Elegí el verde de la hierba como mi principal punto de partida. Puedes agregar diferente sombra más adelante. Pero por ahora, quieres mantenerlo sencillo. Estoy llenando los espacios vacíos entre las sombras, porque son muy similares en sombra cuando veo la imagen de referencia. Entonces trato de mezclar un verde más oscuro para las hojas. Los árboles tienen verdes diferentes sobre ellos, más de uno por supuesto porque son golpeados por el sol de diferentes maneras. Para completar los colores básicos, mezco un poco de azul y un poco de blanco para empezar a bloquear el cielo. Personalmente me encanta pintar el cielo, y no me importa ser audaz con mis colores aquí. Disfruto mezclándolos en papel así como en mi paleta. Principalmente estoy mezclando mojado-on-wet, lo que significa que no espero a que se seque la pintura antes de agregar algo de color en la parte superior. De esta manera, obtienes alguna variación interesante de color en
lugar de un tinte plano y a veces aburrido.
16. Pintura - Color: parte 2: Esto está empezando a parecer una obra de arte adecuada ahora. Decidí que estaba listo para agregar algunos tonos realmente oscuros. Usé un poco de negro, un verde oscuro para ir con las zonas más oscuras de las sombras debajo de los árboles o los arbustos de fondo. Recuerda que puedes usar el color así como tu propulsión para sugerir profundidad. En general, intenta ser rápido con tus trazos, sobre todo si quieres mezclar en el papel porque la calabaza un poco como los acrílicos se seca muy rápidamente. El estratificación es diferente a la mezcla húmeda sobre húmeda. Deberías encontrar tu forma favorita de trabajar y seguir observando, dando forma y añadiendo algo de color para sugerir la ilusión del espacio. Ten en cuenta que el lado de los árboles que estamos viendo en este momento está opuesto al sol. Por lo que van a lucir casi negros por
el contraste y porque no son golpeados directamente por la luz del sol. En el otro extremo, las hojas están dispuestas en diferentes posiciones y
proyectan la sombra uno encima del otro de manera impredecible. Siéntete libre de añadir algo de tu toque a esos trazos.
17. Pintura - Color: parte 3: Cuando casi estoy terminado, también
estoy ajustando los colores del pasto dándole un tono diferente dependiendo de la posición en comparación con la luz. Después de unos toques finales con mi propio estilo, puedo terminar mi pintura. Para resumir esta lección, comienza con colores básicos, usa unos tonos de verde, pasa por encima de las sombras más oscuras, y recuerda pintar libremente y disfrutar del proceso. En general, el método funciona de la misma manera. Observa, da forma y agrega algunos valores y colores, y luego repite hasta que tengas la pintura final.
18. Demostración de arte digital - Observar: En estas próximas lecciones, vamos a ver el método aplicado al arte digital. En este caso, vamos a dibujar una magdalena usando el iPad Pro y Procreate. Si no tienes conocimiento de eso, recomiendo encarecidamente que vayas y revises mi clase anterior sobre cómo usar Procreate y un método de cuadrícula para obtener proporciones precisas. En esta lección, vamos a empezar con la observación de esta imagen, la fuente de luz, los reflejos, las sombras, y la textura. Estamos listos para los siguientes pasos. Por ahora, empecemos con la observación. Lo primero que quiero saber es de dónde viene la luz. En este caso, viene de la esquina superior derecha, y aunque no sabemos exactamente dónde está la fuente, podemos ver los reflejos y una sombra de reparto en el lado opuesto. Entonces empiezo a echar un vistazo a los aspectos más destacados de la magdalena, en los trozos de chocolate, en el vaso, y en los elementos reflectantes del fondo. Algo a notar es cómo los elementos de la magdalena echan una sombra uno
encima del otro para que esos trozos de chocolate estén echando una sombra sobre la guinda. Quiero asegurarme de que consiga todas las sombras de fundición en el lugar correcto, en los pliegues de la magdalena sobre la mesa, y luego miro bien los elementos de la imagen en cuanto a textura. Tenemos papel, tenemos el pastel, tenemos el chocolate, tenemos el vaso. Todos estos diferentes elementos reaccionan de manera diferente con la luz. Queremos tener esto en cuenta donde vamos a poner el color, pero también donde vamos a poner los valores para darnos una idea. En esta lección, miramos la dirección de la fuente de luz, los reflejos, las sombras de fundición,
las texturas y la reflexión. En el siguiente vamos a dar un paso adelante e ir a nuestras formas. Como dije, vamos a usar una grilla.
19. Demostración de arte digital - Formar: En esta lección, nos vamos a centrar en anotar las formas principales, empezando por el marco de nuestro espacio de trabajo. Vamos a tener dibujos de líneas simples siguiendo la cuadrícula y sus proporciones en relación a la imagen. Es muy sencillo. Todo está explicado en mi clase anterior. Empecemos con el marco de fotos. Cuando dibujo, me gusta limitar mi espacio para
que sea más fácil tener una idea de la escala que estoy usando. Sugiero empezar siempre con formas muy simples, como óvalos, líneas diagonales, etcétera. No tengas miedo de cometer errores porque siempre podemos usar capas para eliminar o para hacer más transparente el dibujo más adelante. Agregar algunas formas importantes como el glaseado y algunos bits en la parte superior nos dará una idea de dónde van a estar los valores mayores. Una vez enmarcamos la imagen, hemos dibujado las proporciones principales, esos elementos, podemos seguir adelante con nuestra siguiente lección donde vamos a sumar los valores y los reflejos antes de comenzar con el color.
20. Demostración de arte digital - Valorar: En esta lección, vamos a empezar a dibujar en las formas que hicimos, haciendo algunas marcas realmente audaces y bloqueando algunas partes con nuestro lápiz, aunque sea un lápiz digital. Podemos agregar sombras, podemos agregar luz. Todas las cosas de las que hablamos durante nuestras lecciones, se
conocen como valores. Normalmente empiezo con las sombras principales y de verdad te recomiendo que empieces con eso, porque suele ser lo más rápido saber esto. Como dijimos antes, es muy fácil entender de dónde viene la luz si estás observando la forma y el ángulo de las sombras proyectadas. Siempre me gusta empezar con eso. A veces sucede que es una de las sombras más oscuras, y esa podría ser otra forma de iniciar tu trabajo. Yo sugeriría comenzar con marcas muy sueltas. Un simple truco que tengo cuando estás trabajando en digital, pero también cuando estás trabajando con lápiz realmente, es si puedes, tener un fondo que no sea blanco. Usa una página o un color de fondo para tus capas que no
sea completamente blanco porque va a hacer pop tus blancos. Cada color es que va a reventar más si está en un color neutro como el gris o el beige, algo realmente rechazado, pero eso marca la diferencia cuando lo comparas con el blanco. En esta fase, siempre me gusta repasar las líneas también, porque aunque lo hicimos cuando estábamos haciendo las formas, todavía
quiero asegurarme de que el equilibrio entre las líneas y el color que estoy agregando, incluso aunque ahora mismo es solo blanco y negro, este equilibrio entre valores y líneas, es lo que va a dar esa ilusión de espacio, ese espacio tridimensional sobre papel. Agregando tantos detalles como puedas y sé libre con tu marca haciendo. No tengas miedo de cometer errores. Sentí que algunas veces algunos de los alumnos me dicen que soy un poco rápido durante mis clases, y la razón por la que soy rápido no es porque estoy particularmente seguro de que la marca que voy a hacer es exactamente lo que quiero, sino porque cuando intentas para ser rápido y decisivo con tus marcas, el resultado va a ser mucho más expresivo, y te vas a sorprender al ver qué sale de nuestra marca haciendo. Recuerda, estás en superficie digital ahora mismo, así que si haces algo mal, puedes eliminarlo o, como sabes, no soy un gran fan de las gomas de borrar, no quieres hacer eso, siempre
puedes hacer la capa más transparente más adelante. Pero aquí dentro, como pueden ver, mantengo ese equilibrio entre blanco y oscuro. Estoy agregando algunos reflejos, incluso en los elementos más pequeños, como el chocolate y el reflejo del vaso. Para esta lección, utilizamos nuestros tonos blanco y negro para dar una sensación de reflejos,
sombras, y utilizamos el color de fondo, para hacer que nuestros colores y blancos sean más brillantes. En la siguiente lección, vamos a agregar algunos colores. Vamos a empezar con un color negro y seguir con los diferentes tonos, e incluir tantos elementos como queramos.
21. Demostración de arte digital - Color: En esta lección, vamos a empezar a repasar con algún color y hacer esto más realista. Vamos a agregar unos colores de bloque primero y luego unos tonos y el fondo. Vamos a echar un vistazo a algunos trucos sobre cómo hacer que todo parezca más realista. Pero empecemos con el color del bloque. Por color de bloque, me refiero sólo a escoger un color y simplemente pasar por encima de una superficie por completo. No importa si es más oscuro o más claro en la imagen, solo
obtienes un color principal y cubres la superficie. Posteriormente, comienzas a agregar algunas sombras en cuanto a color, por lo que ya no vas a usar solo blanco y negro, pero vas a usar también algunos tonos de marrón, en este caso, algunos rojos. Realmente vas a echar un vistazo a tu imagen. Algunos de los trucos que se pueden utilizar en digital es escoger el color de la imagen. Ya he explicado para hacer eso en mi clase anterior en Procreate. Pero si no quieres hacer eso, puedes intentar igualar el color y tal vez hacer una pequeña nota
del color junto a la magdalena para ver cómo se comparan cuando están juntos. Después agrega algunos grises para tratar de imitar los reflejos de alguna manera. Pero recuerda que esto no va a ser muy claro hasta que tengas toda la imagen juntos. Para este cuadro en particular, no
elegí un estilo muy hiperrealista. Si has visto mis clases, rara vez
hago eso. Realmente me gusta ser libre con mi lápiz y hacer lo que quiero realmente, y agregar tanta o tan poca información como quiera en el papel. Pero lo que sí me gusta hacer es tener ese efecto popping de algo que sale del espacio. Como se puede ver aquí con este fondo grisáceo, es un fondo azul gris, se
puede ver ese cupcake realmente saliendo de la pantalla y está empezando a parecer algo que podemos reconocer. Este es uno de los objetivos cuando hablamos de valor y luz. Una de las cosas que hacemos es cubrir el fondo, tratando de igualar un poco el de la imagen. Esa es una razón por la que hacemos eso. Tengo un truco simple para hacer que la mezcla de fondo sea mejor, y es literalmente para mezclarse con la herramienta Blend. Va a hacer que el fondo se borre. El hecho de que el fondo sea borroso y la magdalena no
sea borrosa, le va a dar al ojo humano esa sensación de profundidad. Vas a ver el fondo como algo que realmente está
lejos de ti y la magdalena está muy cerca de ti, y ese es el elemento que está atrayendo tu atención. Un borroso y luego ajustar algunas cosas. Voy a repasar con algunos contrastes realmente oscuros como un área oscura, como áreas negras. Recuerda que siempre puedes incluir o
quitar cualquier elemento que quieras en la imagen. En este caso, decidí quedarme con el elemento de vidrio, pero puedes sacarlo y simplemente hacer la magdalena. Para resumir esta lección, tenemos los métodos que explican el arte digital, observamos como lo hacemos con todo lo demás, y luego moldeamos, valoramos y coloreamos usando también la ayuda de capas y cómo ajustar el color y el fondo con medios digitales. Espero que hayas disfrutado de este bar, y no puedo esperar a ver qué haces con tu iPad y Apple Pencil.
22. Reflexiones finales Skillshare terminado: Ahora estamos al final de esta clase. Si sigues desde el principio hasta el final, ahora
tendrás que dibujar algo con el método, observar, dar forma y valorar, y dar esa ilusión de volumen y profundidad en tus dibujos para que sea más realista. Se puede aplicar eso en cualquier cosa desde dibujar un bodegón con solo el lápiz hasta otra pintura muy compleja con pintura al óleo o algo digital que construyes en capas. Si disfrutaste de esta clase, me encantaría que dejaras una reseña,
qué piensas al respecto y que no te olvides de publicar tu proyecto en la galería para que puedas tener mis comentarios y los comentarios de otras personas, lo
cual generalmente ayuda que crezca más que nada. Sólo recuerda ser constructivo con tus críticas y solo para entender que algunas personas aprenden a velocidades diferentes a otras. Pero cualquier comentario que realmente pueda ayudar a los demás a crecer es realmente apreciado. A partir de este punto ahora, si quieres seguir con tu arte, puedes echar un vistazo a mis otras clases y puedes seguirme en Instagram y en YouTube donde muestro mi vida en el estudio, hago unas pinturas de velocidad y doy consejos, y discutir también el arte y la teoría del arte. Muchas gracias por tomar esta clase. Espero que lo hayas disfrutado y te veré en el siguiente. Adiós adiós.
