Transcripciones
1. Introducción: Mi cosa favorita de sentarse a dibujar a un personaje es verlos cobrar vida. Aprender a hacer correr a un personaje por tu página es una de esas técnicas realmente satisfactorias que viene con el diseño y la ilustración de personajes. Es una de esas cosas que nos conecta con las historias que amamos cuando niños, y nos inspira a diseñar nuestros propios personajes y enviarlos a aventuras. Me llamo Ira Marcks, soy dibujante, e ilustrador, y autor. En esta clase, te mostraré los pasos que toma para crear una ilustración final que sienta como si estuviera en movimiento. Poner en movimiento a un personaje no es tan difícil como parece. Es sólo cuestión de entender algunas ideas básicas sobre la acción,
posar, proporción, equilibrio, y la física del mundo de los dibujos animados. Te enseñaré algunas buenas prácticas en bosquejar, agregar detalle, finalizar, empujar poses, encontrar un estilo a través del line art, entintado, algunos consejos sobre color, y algunos otros consejos de dibujo que subirán de nivel sus habilidades de diseño de personajes y conseguir que cuente mejores historias con sus ilustraciones. Entonces si estás listo para dibujar algo de vida nueva a partir de tus diseños de personajes, únete a mí para las personas en movimiento, creando un carácter animado.
2. Descripción de la clase: Hola, bienvenidos a la clase. Gracias por acompañarme. Hoy nos vamos a centrar en dibujar personajes en movimiento específicamente, en una pose de caminar o correr, poses que reflejan la personalidad de un personaje. Esta clase va a empezar con algunas miradas a mi propio trabajo personal, cómo uso personajes en movimiento en mi narración. Entonces vamos a ver a algunos de mis artistas e
ilustradores favoritos que han inspirado mi proceso y mi propio arte. Entonces vamos a subirnos a algunos de los fundamentos de diseñar un personaje que pueda colocarse en una variedad de poses diferentes. Entendiendo el marco de abajo, la imagen final, los ingredientes secretos que hacen que los personajes cobren vida. Entonces nos vamos a centrar en la estética y el estilo del personaje, tipos de
cuerpo, pequeños detalles y ropa. Vamos a pasar a algunas cosas más técnicas después de eso y hacer una lección rápida de técnica de entintado, sacando las líneas que son importantes para el diseño de tu personaje. Entonces otra pequeña lección sobre colorear usando el método de color triádico, que es como hago cualquiera de mis colorantes. Cuando salgamos al otro extremo de la clase, tendrás una bonita ilustración terminada de un personaje en movimiento. Pero aún más importante que eso, tendrás una mejor comprensión de cómo posar y diseñar un personaje que pueda moverse
de diversas maneras y expresar una variedad de emociones y ser utilizado para todo tipo de proyectos como cómics, cuentacuentos o simplemente una simple ilustración spot para un libro o una revista. Está bien. Empecemos.
3. Ejemplos e inspiraciones: Esta clase es todo sobre personajes en movimiento. Cuando estoy dibujando un personaje, estoy pensando en cómo los estoy dando vida, y un personaje que sólo está parado quieto realmente no transmite nada al lector. El tema de esta clase son los personajes en movimiento. Si un personaje está en movimiento, suele ser
porque está motivado por algún aspecto de una historia que estás tratando de contar, aunque solo sea una ilustración de una imagen, todavía
hay como una historia detrás de ese dibujo. Te voy a mostrar algunos ejemplos de mi trabajo de personajes en movimiento y lo que eso significa para la historia que intento contar. Aquí hay un ejemplo de mi libro, The Aquarium Drift, que trata de marineros que van al borde del mundo en busca de una serpiente marina gigante, cola pirata. Tan solo de mirar esta imagen, se
puede obtener un sentido de su relación. Tenemos a Anna aquí a la izquierda. Tiene la espalda arqueada. Ella está levantando a Jack del suelo. Ella está equilibrando su peso y apoyando su peso. Jack está sucumbiendo a su frustración con él en esta escena. A medida que Tang se está
escabullando, su espalda está curvada, sus brazos apenas están disparando. No tiene control real en este momento. Sin leer nada de este texto, se
puede tener una muy buena idea del momento de la historia que estamos viendo aquí. Así funcionan muchos libros infantiles populares. Es así como se dibuja en un lector captando su atención con una imagen que transmite un punto de historia. Para mí, la pose del personaje dice mucho sobre la historia que estás tratando de contar. Bueno, veamos aquí algunos ejemplos más. Una pose bastante común de usar para un personaje sería una pose caminante. Entonces vemos a este personaje avanzando. Es una caminata realmente exagerada. Las piernas del personaje están realmente estiradas. Sus brazos están estirados, su espalda está arqueada. Este personaje realmente está dominando este paisaje, o incluso mirándolos con un poco de ángulo. Se puede ver su sentido del poder y la forma en que funciona la física del mundo. Obtienes muchas pistas de cómo es este personaje basado en la forma en que se plantea su cuerpo. Hago mucha ilustración para un público joven. La exageración en las tomas de pose y acción es realmente importante para conectar e interactuar con el joven lector. En una página como esta, tienes personajes caminando de manera similar. Piernas realmente extendidas, pero brazos en diferentes poses solo para crear alguna variedad. Podemos ver aquí estos personajes están caminando, pero también están interactuando entre sí. Si bien hay algunas poses fundamentales que podemos usar para un personaje, siempre
es más interesante encontrar formas
únicas de dejar que un personaje se exprese. Revela un poco más de una personalidad y se siente como si estuvieras conectando con ellos en su propio espacio, en su propio mundo. me gusta desafiarme con
personajes posando y mucho de eso viene de dibujar y redibujar. Al igual que estoy particularmente orgulloso de poses como esta de aquí, por ejemplo, donde tenemos la espalda de este personaje realmente arqueada y su cuerpo equilibrado sobre esta pierna. Esto pudo haber sido algo que me llevó tres o cuatro intentos de dibujar antes de que lo hiciera exactamente bien. Una pose es un reto divertido para ponerte por ti mismo cuando estás diseñando un personaje. Echemos un vistazo a algunas referencias de cómics y artes del
libro que para mí crecer realmente dejaron una impresión. Empezaremos por el principio aquí con algo como Calvin y Hobbes. Calvin y Hobbes es probablemente una de mis primeras experiencias de lectura. Mucho de eso viene de los cómics que estaban en silencio. Aquí te dejamos un gran estrepado de Calvin y Hobbes donde vemos a Calvin simplemente luchando por la rutina matutina de levantarse y prepararnos para la escuela. Ahora, está corriendo por la puerta, vemos el movimiento borroso en sus piernas, chilla hasta un alto, pero olvidó su bolsa de almuerzo. Por lo que ahora salta a la acción y está corriendo hacia atrás, puede encontrar la bolsa. Aquí está, aquí viene el autobús escolar, está discutiendo, ahora es escuela. Bill Waterson dibuja a Calvin en movimiento. Es un niño pequeño. Tiene mucha energía. Se puede ver que su cuerpo está como suspendido del suelo. Un personaje en movimiento realmente te va a dibujar en la historia, ya sea una imagen de una sola historia o un cómic o un libro ilustrado. Personajes en acción son atractivos porque evocan tu curiosidad. Te hacen querer saber más sobre lo que está pasando con ellos. Los cómics de superhéroes son un buen punto de referencia para personajes en movimiento. Spiderman es tan atractivo porque su cuerpo se mueve de maneras realmente únicas. Puedes abrir cualquier cómic de Spiderman a cualquier página y encontrar algunas poses realmente interesantes que siempre son, muchas veces saltando por el encuadre, escuchas Spiderman y una pose clásica Spiderman, piernas
rectas dobladas, brazos extendido. Spiderman es capaz de doblarse en todas las direcciones diferentes. Eso es lo que lo hace tan convincente de ver. Es como interactúa con su espacio. No es realista, pero te hace sentir como si fuera real para el mundo en el que está manteniendo proporciones parecidas a las humanas, mostrando la estructura muscular. Ahora, uno de los cómics más importantes para mí es Bone de Jeff Smith. Mucho de mi estilo viene de leer mucho Hueso durante mi infancia. Algo que es realmente interesante con Bone respecto a la posación del personaje es, la historia tiene una yuxtaposición realmente interesante de un personaje extremadamente caricónico. Este es Fone Bone aquí a la izquierda, y un personaje más humano, este es Thorn. Fone Bone lee como los años 30 Disney, o estilo Walt Kelly, manguera de
goma tipo de personaje de dibujos animados. Thorn es un poco más realista. Ella es más de proporción humana, y tiene un diseño más humano. Cuando estos personajes se
mueven, se involucran con el mundo de diferentes maneras. Aquí, está irrumpiendo. Vemos a Fone Bone y Thorn corriendo por la tormenta. Hueso, porque es mucho más caricatura que Thorn se dobla de maneras realmente exageradas. Aquí, está corriendo a través de la tierra. Está suspendido en el aire, sus piernas están extremadamente extendidas. Cuando Thorn corre, es más sutil, es más humano. Obtienes un mejor sentido de su cuerpo respondiendo a la física del mundo. Por ejemplo, en este panel aquí donde están agachados reaccionando a este trueno, ves a Thorn en una pose que podrías emular si quisieras. Podrías tomarte una foto en esta pose. Pero la forma en que se plantea Bone, es demasiado exagerado para ser algo que podrías hacer. Representa un estado emocional exagerado más alto para la historia. Al igual que su cuerpo no está respondiendo realmente a la gravedad de este mundo. Está algo suspendido en el aire. Se puede ver el estrés de él sin embargo, y es un personaje con el que puedes empatizar, pero no es tan realista como la espina. Este libro realmente me hizo pensar en cuando diseñas un personaje, también
estás tomando en cuenta la física del mundo y cómo eso afecta a cómo caminan, y cómo corren, y cómo se paran. Se puede hacer mucho con la pose de personajes en cuanto a la narración de cuentos. Al igual que en un libro de Where the Wild Things Are, estas grandes e icónicas páginas de personajes en movimiento. Aquí tenemos algunos personajes moviéndose por las etapas de un ciclo de caminata significando diferentes poses de caminar con levantar las piernas y mover los brazos para equilibrarse. Las poses de los personajes representan la energía de la juventud. Este tipo de sentimiento primitivo. Sin siquiera leer el texto, se
puede obtener una idea de lo que es la historia que se está contando. Una gran parte de dibujar un personaje es averiguar cómo
mostrar en lugar de contar con el diseño de su pose. Si estos personajes se quedaran quietos, esta página sería mucho menos atractiva. Personajes en movimiento, un poco fuera de equilibrio, medio movimiento siempre son mucho más interesantes.
4. Precalentamiento (para ilustradores): Empecemos con algunos ejercicios de calentamiento. Tenemos que meter la mano en el cerebro pensando como lo haría un Illustrator. Recoge tu lápiz, imagina que hay un Lienzo a unos tres pies delante de tu cara. Sujétalo al lienzo, y en lugar de moverte y pequeños gestos de tu muñeca, que es probablemente como estás acostumbrado a trabajar si estás dibujando tal vez en una tableta pequeña o montas en pequeños trozos de papel, vamos a movernos del codo en forma más grande. Hagamos un círculo que pueda ser visto por alguien que tal vez esté a 100 yardas de distancia. Moviéndose desde la muñeca, dando
vueltas y vueltas, crea un gran círculo claro. El dibujo es realmente sólo la evidencia de una moción, y cuanto más claros sean tus movimientos, más clara será tu ilustración. Piensa en cuando eras joven y practicando dibujando un círculo. Te imaginas que había como una versión perfecta de un círculo que se puede ilustrar, y tratarías de lograr ese círculo moviéndote en pequeños gestos nerviosos alrededor de la forma una vez, solo tratando de hacerlo bien esa primera vez, e incluso si se asemeja a un círculo, la línea misma se siente nerviosa y se lee de esa manera a un espectador. Entonces para convertirte en un buen ilustrador, tienes que moverte con confianza, y eso significa saber que no vas a conseguir la línea correcta la primera vez. Si tomamos este lápiz y lo ponemos en papel, e ilustramos sólo un círculo grande, la forma en que logramos esa forma, es a través de solo un gran gesto de confianza. En algún lugar de este boceto hay un círculo decente, y podemos usar el mismo enfoque de moverse desde el codo para crear otro tipo de formas. Cuando estás viendo en el trabajo de los ilustradores, a menudo
estás viendo el resultado final. Estás viendo el trabajo final de la línea, algo que ha sido completamente limpiado para su presentación. Ese no es el lado verdadero del proceso. Es como la parte del 10 por ciento del iceberg del proceso creativo. Así es como se ve un boceto que eventualmente lleva a una ilustración final. Está suelto. Todo se trata de gestos en forma, en crear formas divertidas y atrayentes. Si puedes trabajar bien y suelto, vas a ser mejor ilustrador. Dibujemos aquí un diseño de personajes rápido y
suelto. Apenas algunas formas básicas que transmiten las proporciones de una figura. Este personaje no está en movimiento. Este personaje es plano. Básicamente son un hombre de pan de jengibre. Se ha puesto sobre una mesa. Para mí, esto no es un personaje porque no sabe moverse. No tiene esa estructura interior que se necesita para dar vida a un personaje. Esta lección se trata de entender esa estructura interna, ese marco de un diseño de personajes que te permite ponerlos en todo tipo de posturas diferentes que representan la personalidad, los estados
emocionales y la acción. En el siguiente capítulo, vamos a ver el marco necesario para poner en movimiento a un personaje.
5. Encuadre y articulación: Detrás de cualquier diseño de personaje fuerte hay un marco para el movimiento. Por lo que es una figura de palo articulada. Cuando pensamos en una figura de palo, pensamos en algo como esto. Esta figura de palo no se presta realmente al movimiento porque no tiene algunas de
las partes fundamentales de la forma humana que permiten
que un personaje se mueva y se exprese con su lenguaje corporal. No tiene hombros ni caderas. Si estás diseñando una figura de palo para que sea la base de un diseño de personajes, solo
tienes que añadir un par de elementos extra que se prestan al movimiento. Entonces hombros y caderas, así. Estas son proporciones humanas básicas, y ahora tenemos algunos puntos de articulación que se pueden mover. Por lo que hay una forma humana básica en proporción. Ahora, hay un par de cosas que debes hacer un seguimiento cuando estás diseñando la pose de un personaje, algunas partes fundamentales reales, y no se trata de mirar los detalles en esta etapa. No nos preocupamos por la pose de los brazos, la mirada en la cara, dónde están los pies, asegurándonos de que las longitudes sean correctas. Simplemente estamos mirando a esta sola línea de movimiento
fundamental y a menudo llamamos a esto la línea de acción. Básicamente es como la columna vertebral del personaje. Entonces si quieres crear algo en una pose emocional, así que digamos como feliz, podemos crear una línea se dobla así. Imagina que eso es así. Veamos cómo podemos usar la línea de acción para representar la parte fundamental de la pose del personaje. Piénsalo casi como un signo de exclamación o como el tallo de una flor. Aquí hay una flor inclinada hacia arriba, la línea de acción no es perfectamente recta se inclina la dirección, si doblamos esa línea de acción sobre, repente el personaje parece más hacia abajo. Entonces esta es una línea de acción más triste que esta. Esta línea es la columna vertebral del personaje. Entonces si dibujamos a este personaje y llenamos esta línea con una figura, y seguimos las reglas de esa línea de acción, podemos hacer un seguimiento del estado emocional del personaje. Cuando te propones plantear un personaje, quieres usar esta pequeña estructura de un esqueleto aquí, para conformarte con los detalles de la pose. Sin agregar ningún detalle, me tomo un minuto para valorar las proporciones de la figura, hacer algunos pequeños cambios, tal vez doblar un poco las cosas, y una vez que estoy contento con la pose, entonces empiezo a llenar el formulario fuera y convirtiendo al personaje en más de una silueta de su forma final. El marco de figura de palo de un personaje sirve muchos propósitos a la hora de diseñar un personaje en movimiento. Por una parte, te está ayudando a hacer un seguimiento de la proporción, pero también te está ahorrando algo de tiempo a la larga. Usa el boceto del marco para definir la pose antes de dibujar cualquier otra cosa. También se quiere tener en cuenta la forma en que la pose ocupa un espacio. Por lo que este personaje está en una pose de acción exagerada. Mira el espacio negativo alrededor de sus extremidades. Incluso desde la distancia está clara la pose en la que se encuentra el personaje. Están mirando derecho, hay mucho espacio entre las extremidades, se lee muy claramente. Cuando estés dibujando el marco de tu personaje, asegúrate de que haya mucho espacio y no mucha superposición de elementos porque eso puede enturbiar un diseño.
6. Seleccionar una pose: Al buscar una pose, queremos escoger algo que lea realmente claramente al espectador. Algo que tiene mucho espacio en el diseño, lo que puede ser traducido fácilmente por cualquiera que lo mire. Vamos a escoger una pose de lo que se llama el ciclo de caminata de un personaje. Si te gusta la animación en absoluto, posible
que sepas lo que es un ciclo de caminata. Básicamente se trata de una serie de poses que representa todas las etapas de un personaje que se mueve por los movimientos de caminar. Tienes varios puntos de contacto con los pies. Tienes turnos de equilibrio a medida que el personaje avanza y se ajusta el camino. Tienes la flexión de las piernas, la inclinación del cuerpo, e incluso detalles sutiles como la reacción del cabello a medida que el personaje se mueve. En animación, tendrías que dibujar todas estas ilustraciones porque todas forman parte del ciclo de caminata. Pero solo estamos haciendo un proyecto de ilustración y solo necesitamos crear un dibujo, así que tienes que conformarte con la pose perfecta para representar el caminar. Si miramos estos ejemplos, estamos viendo que algunos de ellos se leen con más claridad que otros. ¿ Al igual que cuál es la pose icónica aquí para caminar? Probablemente no va a ser algo así como decir esto, esta pose no lee muy bien. Es caminar, pero en realidad no está claro caminar. Yo me movería hacia el medio aquí y miraría algo como esto. Esta pose tiene buen equilibrio. Tiene extremidades claramente extendidas, un bonito arco atractivo para el cuerpo, y ambas piernas plantadas en el suelo. Esta es la pose más obvia para describir caminar. Tienes un par de variaciones aquí que también podrían funcionar. Este es bastante bueno. Tenemos este pie firmemente plantado en el suelo. Este funciona bastante bien. Se siente un poco más confiado.
7. Hacer un boceto del personaje: Para la parte de bocetos, voy a usar dos lápices de colores diferentes, solo para que quede más claro para la clase. Voy a usar este azul claro para el primer borrador del boceto, y luego voy a repasar con un poco de rojo, cuando empiezo a construir sobre el diseño y añadir algunos detalles más. Empezamos con la línea de acción, la curva de la columna vertebral. Este personaje va a necesitar sentirse bastante bien equilibrado sobre ambas piernas. Empiezo estableciendo dónde está la cabeza de la figura, hombros y caderas y empiezo con las piernas. Voy a poner la pierna derecha adelante. Dale un poco de curva, pero manténgala en su mayoría recta, para que pueda mantener las proporciones a la derecha, y la pierna izquierda se dobla hacia atrás así. Se puede decir cuándo un personaje se equilibra por la posición de su cabeza sobre el suelo. Si dibujamos una pequeña línea aquí donde está el suelo, y hemos puesto nuestro lápiz justo aquí. Se puede ver que la cabeza está justo entre las dos piernas, lo
que significa que está balanceada. Si miras aquí la referencia para el ciclo de caminata, puedes ver que personaje posa donde la cabeza está totalmente balanceada sobre las piernas. Leer más claramente como caminar. Cuando un personaje está fuera de equilibrio, cuando está por debajo o entre movimientos. Al igual que aquí, el personaje está desplazando su peso hacia adelante y otra vez aquí. Esas poses se sienten un poco más incómodas. No son tan icónicos, porque esos son los movimientos entre del ciclo de caminata. Los personajes tienden a sostener su pose cuando todo su peso está plantado en un pie, así que por eso usamos poses como esta. Hagamos el brazo. Esta es la pierna derecha. Si la pierna derecha está hacia adelante, entonces el brazo derecho, está hacia atrás. Podría salir justo del hombro pero me parece mejor si arqueas un poco el brazo hacia arriba, para que quede clara la articulación. Este personaje tiene una caminata bastante segura, y así brazo, brazo izquierdo. Esto. Ahora solo voy a marcar los puntos de articulación, porque eso me ayuda a hacer un seguimiento de la proporción del cuerpo. Antes de entrar en más detalles, quizá quiera hacer lo que se llama empujar la pose. Esa es una frase usando caricaturas que significa establecer, una realidad de la pose del personaje pero luego empujarla un poco más allá hasta el punto en que simplemente lee aún más claramente. A lo que me refiero con eso es, que el personaje se incline un poco más en el ciclo de caminata. A lo mejor empiezo a estirar estas piernas un poco y las inclino un poco. Empiezo a curvar quizá los huesos del personaje un poco más. Esto le da al dibujo más energía, pero al mismo tiempo lo aleja un poco de la realidad. Como si siguiera estirando esto, como si sacara la pierna y trajera eso como camino regreso y el personaje está flotando en el aire y los brazos están saliendo. Esa pose se vuelve extremadamente
caricaturizada, y si rompes demasiado las reglas del mundo, el personaje se vuelve poco confiable. Quieres que el personaje tenga peso, siente que está interactuando con su entorno por lo que empujar a oponerse puede ir demasiado lejos. Sólo un poco de exageración puede ser buena. Estoy bastante contento con este marco. Ahora voy a empezar a llenar el personaje añadiendo formas y formas del cuerpo. Algunas formas bastante comunes para usar para el torso serían un rectángulo. Bastante rígido, sin forma. Podrías convertir eso en un óvalo, si quieres que sea más suave, más amigable. Un tipo de torso bastante común establecido por los animadores de los '30 como Disney y Fleisher Studios, es la forma de pera, que básicamente es un círculo con un círculo más pequeño en la parte superior. Eso se puede invertir. Pon la forma más grande en la parte superior y la más pequeña en la parte inferior. Si vas más allá con esto, puedes empezar a agregar músculos, un poco más de detalle a la anatomía. Todas esas opciones están ahí. Pero para los dibujos animados, más simple es mejor. Siempre y cuando sea claro y representativo. Voy a ir con algo así como la forma de pera. Tenemos que doblar la forma de pera al arco de la línea de acción aquí. Establezco la base del par justo en las caderas, y luego estoy curviendo el círculo en la parte superior y juntándolo en una forma atractiva. Al dibujar, miro cada forma que hago y valoro su atractivo. Esto tiene una bonita curva y voy a llevar esa curva a todas las demás secciones del cuerpo. Ahora estoy llenando el personaje y definiendo su tipo de cuerpo. Dándole peso. óvalos son las formas con las que tiendo a trabajar. En este punto, el personaje se está alejando de ese espacio plano hacia un reino redondeado más 3-D. Eso significa que tenemos que entender el ángulo en el que se está viendo este personaje. Nos vamos con un giro de tres cuartos aquí. Si recuerdas volver a gustarte tu foto de clase de quinto grado, te sentarías en el taburete y el fotógrafo diría, “mira aquí” y te alejarías de la lente, que parece como donde deberías estar buscando y mirar a donde están y luego le sacan su foto así. El tres cuartos girados lee con más claridad, se obtiene más información visual de un sujeto. En las caricaturas, es la forma más común de ver a un personaje posado. Este personaje no está en perfil, y no está mirando bien. Si vamos a ponerle nariz al personaje y mostrar en qué dirección están buscando. Lo vamos a poner dentro de la cara así. Si solo ponemos dos pequeños puntitos para los ojos ahí, podemos ver la cara.
8. Agregar detalles: Por lo que en realidad voy a cambiar a mi otro lápiz ya que traemos más detalle a este boceto para que puedas entender cómo encaja la ropa en este formulario. Voy a mantenerlo realmente básico, sólo
pongamos una camiseta y unos pantalones cortos en este personaje. Las líneas de la ropa son como se establece la redondez de la figura, así que llena un poco el cuello y dibuja una pequeña curva con el color de la camisa sería. Voy a hacer primero el brazo derecho, doblarlo, poner una pequeña curva donde está la manga y llevar esto alrededor. Por la mano sólo voy a añadir un gran círculo redondo por ahora y otro círculo donde estaría el pulgar. Ahora en el otro brazo, esta es una oportunidad para realmente hacer cumplir este giro de tres cuartos mostrando la superposición del cuerpo para que el pecho se enganche y el brazo se mete detrás. Esto crea la ilusión de superposición o la ilusión de redondez y forma por lo que la superposición es realmente útil para eso. Nuevamente, ponemos una forma redonda ahí en el círculo del pulgar, asegúrate de seguir enfatizando estas curvas, esto es de nuevo, el atractivo del diseño. Cuando estás mirando un dibujo, tu ojo sigue las formas y
las traduce en tu cerebro así que dale al espectador algo interesante que mirar. Las curvas exageradas son más divertidas de mirar agregando algunas formas para los pies por ahora, asegúrate de establecer dónde está tocando el talón aquí el suelo. Nuevamente, todas estas líneas se pueden modificar al contenido de tu corazón en esta etapa. No tienes un montón de líneas terminadas pasando aquí así que digamos queremos algo más de definición en las piernas así que vamos a darle
tal vez a este personaje unos calcetines de running altos. Aquí vamos, así que vamos a traer sólo un poco de detalle a la cara. Tengo toda una lección sobre diseños faciales así que solo vamos a mantenerlo realmente simple para esto y la cara es bastante pequeña en la cabeza aquí es donde va el cerebro. Forma para la oreja de vuelta aquí y luego un poco de superposición para la mandíbula. Voy a sacar un poco la línea de la mandíbula, aquí es donde
estaría la mandíbula del personaje y entrar y sacarla para la forma de la cabeza. Se va a poner un diseño, voy a poner una cabeza de gato en la camisa y tal vez sea un día húmedo. El cabello de este personaje se está esponjando. Ahí tienes, por lo que tu boceto debe finalizar la forma del personaje, las proporciones, el tipo de cuerpo, y algunos pequeños rasgos de personalidad. Una vez que tienes un boceto de confianza como este no importa lo desordenado que sea, puedes tinta encima de él que es lo que estamos haciendo a continuación.
9. Entintar el personaje: Echemos un vistazo a algunas opciones para el entintado. Habla de éste en un segundo. Estas son algunas herramientas realmente básicas para entintar. Marcadores punta de fieltro. Estos son marcadores de marca micrones. Vienen en diferentes tamaños, así que hay una talla uno, una tres, una cinco y una ocho. Estas son tintas de archivo impermeables, que significa que puedes pintar encima de ellas y no se desvanecen, están muy finas. Tienen un peso realmente consistente. Entonces aquí hay un ejemplo de uno en comparación con un tres. Cuando pintas con un micrón, obtienes una forma fácilmente pareja que permite que las líneas se pongan realmente cerca. Se puede hacer mucho trabajo de detalle. Como si pudiera hacer diminutas anteojos en este extraño par, e incluso podría encogerla mucho hacia abajo y hacer pupilas diminutas, así. Si eres alguien a quien le gusta dibujar muchos pequeños detalles, probablemente
quieras tener algunas micras a la mano. Estas también son buenas herramientas para eclosionar, solo una técnica de sombreado, pero no responden a la presión de tu mano. Entonces cuando estoy entintando, utilizo una herramienta un poco más
avanzada, avanzada en que necesitas solo un poco más de control sobre tu mano cuando estás trabajando en ella. Utilizo un plumín de caligrafía. Por lo que la punta de caligrafía es, un punto de metal que se sienta en este mango de corcho. Para que puedas reemplazar estos, son muy baratos y se sientan justo en este mango así. Se puede ver que he tenido este mango desde hace mucho tiempo, sobre usted sabe 500 páginas de arte en este mango. Cuando empujas la punta hacia abajo sobre el papel, se abre así y extiende la tinta en una línea más ancha. Para que puedas hacer formas más dinámicas en tu line art con un bolígrafo como este. Pero trabajar con una herramienta como esta requiere ciertas técnicas. Al igual que no puedes alejarte con este tipo de bolígrafo. Tienes que moverte hacia ti mismo y tienes que estar constantemente
sumergiéndola en tinta para mantener el flujo de la línea. Voy a trabajar con el plumín de caligrafía porque ahí es donde más me siento cómodo. Se puede trabajar con rotulador de punta de fieltro. Podrías trabajar con un marcador Sharpie. Podrías, estar trabajando en procreate y usar cualquier tipo de pincel que quieras. Realmente no importa cómo pintes. Importa cómo pienses en tu entintado. Trabajo con tinta negra de la India Windsor y Newton. Hay muchos tipos diferentes de tintas y hay muchas clases geniales por ahí para la técnica de entintado. ¿ Por qué trabajo con tinta Windsor y Newton? Porque es realmente grueso y brillante y se sienta muy bien en este papel de acuarela. Entonces voy a armar mi tinta aquí, y tengo mi ilustración. Yo sólo voy a trabajar de arriba hacia abajo. El estilo de todos tiene un poco de error al respecto. Eso es lo que lo hace único y personal. Solo tienes que abrazar un poco de error en tu arte final, pero si quieres trabajar con confianza con tu entintado especialmente, asegúrate de permitirte la libertad de movimiento con tu papel y tu cuerpo. No voy a simplemente poner este pedazo de papel justo aquí enfrente de mi cara y espero poder hacer el gesto perfecto con la línea cada vez. Voy a girar el papel y voy a tinta donde mi mano se sienta cómoda. Cualquier programa de dibujo digital en estos días te permite girar el papel en el marco para que no siempre tengas que girar tu herramienta o tu tablet. Puedes ajustar el papel dentro, pero las probabilidades son, estás más cómodo con el papel en un poco de ángulo, así que asegúrate de permitirte algo de libertad de movimiento cuando estés haciendo estas líneas finales. A medida que tinta sigo buscando oportunidades para realzar este diseño, así que no estoy trazando ninguna de estas líneas, estoy construyendo sobre ellas. Estoy pensando en el movimiento hacia adelante del personaje, y en este momento la tela está como pintada en el cuerpo. Por lo que voy a aprovechar esta oportunidad para
darle a las capas de tela del cuerpo su propia forma separada. Ya verás a qué me refiero mientras voy aquí. Empezaremos con algo como esto, empezaremos con este hombro trasero y subimos y otra vez, y voy a hacer que la tela flote un poco en el aire. Trae eso vivo, ese brazo alrededor. Al llegar a la mano, lo voy a mantener bastante simple. Voy a mostrar la forma del pulgar, el dedo
índice, y volveré a doblar así. Se puede ver mi estilo de entintado con esta herramienta. Es un poco tambaleante. Supongo que eso viene de leer muchos cómics de Charlie Brown Peanuts cuando era niño, Charles Schulz tiene un verdadero tipo de energía nerviosa en su estilo de entintado, que lo hace tan distinto, a
pesar de que técnicamente no es la mejor manera de tinta, es la mejor manera para que pinte sus historias. Para mí, la parte importante es conseguir que estas grandes curvas sean correctas. Con una herramienta como esta, realmente no
quieres repasar una línea más de una vez porque
pierdes la gracia del gesto. Como se puede ver donde lo toqué aquí arriba, que se ensancha un poco y se encoge de nuevo hacia abajo. Nadie se dará cuenta en la versión final, pero lo notaré, así que me verás tratar de crear líneas simples en el camino aquí. Aquí te dejamos una buena oportunidad para mostrar la tela, atrapando la brisa y haciendo estos, vamos a hacerlos shorts. Hazle entrar un poco aquí. Aquí te dejamos un espacio donde me olvidé de bosquejar. Eso está bien. Voy a dibujar unas líneas cortas en, termino esta pierna aquí antes de pasar a la otra pierna. Está bien bien. Muy bien, agreguemos un poco más de detalle a los calcetines, voy a hacer rayas horizontales, capturando esa curva establecida en la parte superior del calcetín. Pongamos un pequeño círculo en la parte alta. Ahora, con la pierna trasera, no tengo que añadir, si no quiero, tanto detalle porque está un
poco más fuera de foco en la imagen final. El primer plano de la pierna aquí está haciendo mucho el trabajo para ayudarte a entender la pose del personaje,
la pierna trasera no está haciendo tanto, así que en realidad ir un poco más rápido y simplificar el aspecto de la misma. Hazlo un poco más flojo, casi abstracto, porque entonces simplemente no llama tu atención tanto como la pierna de primer plano, así que para estas rayas, sólo
voy a dibujarlas en rápido. Ahora hace que esa pierna se sienta como si estuviera a un poco de distancia. Se pueden ver algunas de las imperfecciones aquí como este pequeño hueco en la línea o ese pequeño trozo. Eso es sólo parte del estilo que ha surgido, una mezcla de práctica y pereza. De acuerdo, entonces el otro brazo aquí, un poco más simple porque está en el fondo, y tenemos una pequeña banda de sudor en la muñeca, lo que ayuda a reforzar la forma del brazo. Más rayas en él así. Esta mano está en una pose como esta, así que voy a poner el pulgar superponiendo los dedos un poco, mantenerlo sencillo. Hagamos unas líneas de cuello. Ahora, vamos a hacer la cabeza. Voy a hacer que el cabello vuelva a soplar en el viento sólo un poco porque ayudará con el impulso de avance del personaje. Por lo que la ondulación va a ser más en la parte trasera que en la delantera. Está cogiendo un poco la brisa, y voy a estirar un poco la oreja, y voy a apuntar la nariz hacia adelante así. Nuevamente, el ángulo de la nariz es realmente importante para mostrar en la dirección de la cabeza. Especialmente si tienes un estilo de diseño facial realmente simple. Si quisiera sólo poner pequeños círculos para ojos así, con sólo un par de cejas y alineados para la boca, la nariz va mucho para ayudar a entender el ángulo de la cara. Sólo por algún atractivo, hagamos una linda línea de boca sonriente grande. Observe que está justo debajo de la nariz que perfilan había un poco más bajo de lo que necesitaba estar en la barbilla. Ahora, voy a pasar y añadir un par de líneas más, lugares que me perdí, como los anillos de la camisa. Pongamos una raya en las piernas del pantalón para ayudar a reforzar esa curva ahí, y pongamos el diseño en la camiseta. Aquí hay un pequeño truco que uso, a veces realmente vuelvo la punta hacia atrás y uso el lado afilado para un trabajo detallado muy pequeño. Cambia un poco el diseño de este gato. Está bien, y hay un personaje entintado.
10. Elección de colores: Está bien, voy a hacer un pequeño curso brusco sobre colorear con pinturas. Entre capítulos, hice otra versión de pintura de un personaje, solo para que puedas ver la diferencia de las herramientas. Sé que no todo el mundo se siente cómodo con la punta. Se trata de una herramienta que se puede conseguir simulada en una tableta, pero ya no mucha gente trabaja con esta herramienta tradicional. Tenemos la versión punta, pero también hice una versión rápida con solo un sharpie barato y un micron. Este vale 3 dólares en bolígrafos en mi mano. Probablemente tengas un sharpie sentado alrededor de tu casa, así que no dejes que una falta de herramientas se interponga en tu camino. Aquí te dejamos una versión de pintura de un personaje. Tiene su propio encanto a ella. Las líneas se sienten bastante diferentes a la versión cortada, pero no sé, a algunos de ustedes quizá les guste más ésta. ¿ Quién sabe? En realidad voy a pintar esta versión. Voy a trabajar con acuarela. Pero de nuevo, puedes usar cualquier herramienta para colorear que quieras, lápices
para colorear, una tableta, lápices de colores. Esta pequeña lección sobre el color es un poco más solo sobre la teoría del color que las herramientas reales que se están utilizando. Aquí tienes una rueda de color. Cuando planeo mis colores, me gusta mantenerlos enfocados y simples. Utilizo esta regla básica del método de coloración triádica. Lo cual solo significa comenzar con un color principal. Digamos por ejemplo, escojo violeta. Entonces miramos el complemento, en este caso es amarillo, recto a través de la rueda de color así. Entonces la parte triádica es cuando se agrega un tercer color, eso está a sólo un grado de distancia del color secundario. O puedo ir a un color anaranjado amarillento, o podría ir aquí a un verde azulado y eso crea ese pequeño triángulo. Tienes una bonita paleta de alto contraste basada en estos tres colores, y por supuesto, puedo variar a cualquier otra cosa que quiera, dependiendo del estilo o la cantidad de diferentes elementos que tenga que colorear. Pero si lo basas alrededor de estos tres colores principales, vas a tener un esquema de color bonito, fuerte, de
alto contraste, audaz. Yo sólo iré con esos reales. Usaré un violeta como mi color principal, un amarillo y luego un amarillo verdoso. Tengo unas pinturas diferentes por aquí. Una de mis pinturas favoritas como estas acuarelas radiantes concentradas del Dr. Ph. Martin. Son muy vibrantes, y vienen en estos pequeños frascos de conjunto de química como este. No son demasiado diferentes a usar incluso un conjunto de acuarelas de nivel estudiantil. Si eso es lo que tienes a mano, puedes usarlo, o de nuevo, cualquier herramienta para colorear que quieras. Pero voy a usar el Ph Martin's porque son mis favoritas. Vamos a sacar un violeta, anaranjado, amarillo y verde. Esos son mis tres colores porque estoy usando [inaudible].
11. Crear una pose: Muy bien, entonces en este punto tenemos dos personajes en movimiento. Ambos están en una pose de correr similar. Digamos que para tu proyecto de clase, quieres un poco más de variación en el diseño. A lo mejor tienes un tipo de cuerpo diferente en mente, o una pose diferente o un nivel de energía diferente en el que quieras trabajar. Voy a hacer algunos bocetos rápidos en diferentes variaciones de tipo de personaje y espero que eso te inspire y te ayude a diseñar tu propio personaje en movimiento. Probemos con un personaje que sea un poco más decidido que esa última versión. Para la línea de acción principal, realidad
voy a hacer que se inclinen más en la pose. Voy a curvar esta línea mucho más, y en realidad voy a empezar a doblarla una y otra vez. No es sólo un arco continuo, es un poco más complicado. Ya casi van a ser los hombros, lo
intentaremos todo recto así. Caderas. Voy a estirar la cabeza hacia adelante así. Puntos de articulación para los brazos. Este casi va a ser un poco más gráfico. Se puede ver cuando estoy dibujando en estas primeras etapas, realmente
estoy pensando en estos espacios negativos que se crean como la distancia entre la nariz y la mano y lo que crea aquí. Tiene un efecto sutil en cómo el espectador está interpretando el dibujo. Las piernas van a estar realmente extendidas, y los pies van a ser apuntados un poco más. Este personaje va a tener un pecho
más pesado o más grueso y caderas más pequeñas. Voy a crear una forma aquí que sea un poco más pequeña como punto de referencia y una forma más grande
aquí arriba solo para guiar el formulario mientras lo llena más. Mantengamos las piernas largas, tal vez hasta estirarlas un poco más. Observe este personaje en lugar de estar retenido a más de una forma cuadrada como el diseño anterior, que se parecía más a esto. Así. Este se estira más así. cual sólo tiene un impulso un poco más de avance. Ahora voy a llevar el rojo y empujar esto un poco más allá. Ahora todas las formas que voy a agregar a esto van a hacer cumplir este diseño de este trapezoide en ángulo colapsado. Vamos a probar tal vez un color más puntiagudo. Una cara más puntiaguda. Vamos a añadir un poco de movimiento al cabello. Tal vez menos flujo en la tela. Carácter más racionalizado. Ángulos más pequeños, tal vez incluso más agudos en las extremidades. Menos peso. Casi se podía ver a este personaje siendo atrapado en una brisa. Se puede ver que este personaje tiene una presencia física bastante diferente a este personaje, pesar de que técnicamente están en la misma posición. Este personaje se mueve muy rápido, así que intentemos lo contrario. Hagamos un personaje que esté más agotado. Las caricaturas pueden sentirse pesadas tanto como pueden sentirse livianas en el área. Es solo cuestión de cómo posas el cuerpo del personaje. En lugar de trabajar desde una pose donde el peso se distribuye uniformemente, hagamos que el personaje se incline un poco hacia adelante como si estuviera casi derribándose. No pueden sostener su peso porque están tan cansados. Averigamos dónde va a estar la cabeza. De hecho bajemos un poco la cabeza. Ve cómo con el boceto, simplemente
puedes mover las cosas. Trato de no borrar demasiado para no quedar atrapado en errores. Yo solo cambio las formas hasta que estoy feliz. Si llegara a empezar de nuevo, podría hacer eso, pero solo sigue dibujando sobre dibujos. Pierna doblada y luego piernas planas en el suelo, pero mueva un poco hacia atrás para que la línea de equilibrio esté fuera del centro. Ahora este personaje ojalá pueda sentirse más pesado. Hagamos que los brazos cuelguen un poco. Para aclarar la pose aún quiero poder ver ambas extremidades. Este está colgando derecho hacia adelante y éste está colgando lo suficiente para que salga detrás de él. Idealmente, podría ponerlo aquí mismo. A lo mejor eso sería un poco más realista, pero para la claridad del dibujo, quiere desplazar la pose para que quede claro para el espectador. Vamos a redondear por estos hombros. Cuando estás agotado e hiciste un estado de baja energía, tus hombros van a desplomarse un poco. Todo el peso está en este pie, por lo que es realmente importante ver y entender cómo está interactuando con el suelo. Esta pierna está hacia atrás y hacia arriba. Hagamos los pies más grandes. Este personaje va a ser más pesado de fondo. Es casi como si estuviera en esto como triángulo fuera del centro, así. Todavía tiene que estar mirando un poco hacia adelante. No quiero que el personaje esté mirando directamente hacia abajo. Todavía los quiero mirando hacia adelante. Siguen avanzando, solo van a un ritmo más lento. Vamos a hacer una nariz más redonda, ponla aquí. Bajaremos un poco los ojos y la boca. A lo mejor haremos un poco de tiempo aquí para crear algo más de movimiento descendente. Esta pose en realidad podría verse bien en perfil total. Manos caídas en lugar de alrededor del puño. Hacer manos más largas. Pasa al rojo para este boceto secundario. Líneas del cabello hacia abajo, boca abajo, hombro hacia adelante. Recuerda que de nuevo, el personaje se inclina hacia adelante, por lo que el brazo se va a inclinar hacia adelante un poco así. Los dedos retroceden un poco. Entonces ahora podemos conseguir una bonita curva limpia en la parte posterior. A lo mejor hacer unos pantalones grandes holgados aquí. Pie grande. Entonces todo el peso en esta pierna. Entonces solo dibuja este brazo en la espalda. Ahí vamos. Ahora tenemos un par de variaciones del ciclo
de caminata que reflejan mejor la personalidad del personaje. Un personaje en movimiento siempre va a evocar cierto estado de ánimo o sentido de apelación. El lenguaje corporal de un personaje va en gran medida a explicar lo que representan en una historia o simplemente en una ilustración simple. Crear poses de acción fuertes para tus personajes es una gran manera de decirle al espectador quiénes son. Eso sobre lo hace para esta lección sobre Personajes en Movimiento, así que vamos a terminarlo.
12. Proyecto de la clase: bocetos: Vamos a saltar directamente al proyecto de clase juntos. Eres bienvenido a trabajar conmigo o puedes ver y pasar por los escalones por tu cuenta. He intentado tomar las cosas de las que he hablado durante la última hora y dividirlas en algunos pasos muy simples, para que puedas crear un proyecto de clase en unos 20 minutos más o menos. Estoy resumiendo el proceso de crear un personaje en una pose corrida en cuatro pasos conceptuales básicos. Empezamos con algo que estoy llamando a 14 puntos de articulación. Estos son los 14 lugares de la figura donde tienes oportunidad de mostrar movimiento. Tienes el cuello, los hombros, los codos, las muñecas, las caderas, las rodillas, y los tobillos. Estos son todos los puntos principales donde puedes doblar y formar tu personaje en mil millones de combinaciones de poses. Olvidar cualquiera de estos puntos de articulación podría dejar a tu personaje luciendo un poco rígido. Ahora veamos posar. Yo llamo a este paso silueta posando. Una vez esbozamos el marco de la figura, considerando los 14 puntos de articulación aquí, tratamos de evaluar el equilibrio del personaje utilizando la línea de acción de la columna vertebral y la colocación de los brazos, y podemos mostrar propulsión del personaje a través de la forma en que posamos las piernas. Se puede ver que
aquí hay casi una sensación de simetría con cómo equilibramos los brazos y las piernas. Se reflejan entre sí en sus ángulos y curvas. Esta línea punteada representa la posición de la cabeza sobre las piernas. Está bastante bien equilibrado, pero el personaje se inclina un poco hacia adelante. esa es una postura bastante buena para correr, pero para entender si es hablar con claridad al espectador, me gusta descomponerla en una silueta. Tomo algunas formas realmente simples y acabo de bloquear el cuerpo en un espacio bidimensional. Si el cuerpo lee bien en silueta, sé que he creado una pose exitosa. Otra gran manera de evaluar tu pose es encogerla hacia abajo y ver si todavía se lee claramente en algo así como el tamaño de un sello postal. Si la pose no está clara a primera vista, posible que
desee reevaluar la posición de las partes del cuerpo y la forma en que está utilizando los puntos de articulación. Ahora tomemos ese marco y creemos algunas formas primarias. forma en el contexto de la ilustración, es usar formas para crear algo que es más que la suma de sus partes y para crear la ilusión de que algo está existiendo en un espacio imaginario. Aquí te dejamos algunas formas básicas, un orbe y un cilindro. Mediante el uso de líneas curvas en estas superficies transmitimos forma. Ahora al diseñar la forma de un personaje, queremos tomar algunas formas básicas y unirlas para crear un personaje que parece existir en un espacio. Usando mi marco como referencia, estoy construyendo los personajes usando óvalos estirados. Ahora déjame romper esas formas. Todo dibujante e ilustrador tiene su propio estilo de forma que utilizan al diseñar un personaje. Aquí te damos un vistazo a la mía cuando los separas. Ahora que tenemos la forma primaria del personaje establecida, podemos agregar formas secundarias. Esta segunda etapa de agregar formas al diseño del personaje es una manera de enfatizar la pose, empujar la pose, como mencioné anteriormente, y de evocar una personalidad en el personaje. Echemos un vistazo a algunas de las referencias que reuní para
ayudar a crear una personalidad para el personaje. Utilizo Pinterest para reunir mis referencias. Aquí te dejamos un sencillo tablero que hice de entrenamiento y running de los años 70 y de moda atlética. Voy a elegir alguna moda que me atraiga y también funciona bien para darle al personaje una sensación de movimiento. Me gusta la chaqueta de traje de pista con el combo de shorts, así que usemos eso. Las formas secundarias pueden ser tan avanzadas o tan simples como quieras. Podrías mirar más de cerca la anatomía y arruga en la ropa si quieres hacer algo un poco más realista. Mi estilo de dibujos animados funciona mejor cuando las líneas son simples y elegantes y juguetonas y claras. Estoy usando las formas del traje de pista para realzar el sentido del movimiento en el personaje. Hay un poco de flujo y exageración en las curvas. También soy capaz de hacer un poco de superposición con las secciones elásticas del traje de pista, y para mí, el cuello agrega un bonito poco de atractivo al área alrededor de la cabeza. Estoy usando la raya a un costado de los shorts para enfatizar el ángulo de las piernas, y para darle alguna forma a las piernas, puedo usar calcetines altos. Observe la costura y las rayas en los calcetines son un poco similares a las curvas en el cilindro que miramos en la sección de forma primaria. También voy a usar los cordones en los zapatos para agregar una sensación de movimiento. En lugar de usar líneas de acción de estilo cómico de dibujos animados, puedo usar los cordones para ser líneas de movimiento. Ahora agrego algunos detalles a la cara, asegurándome de que la nariz esté señalando la dirección en la que se mueve el personaje y estirar un poco el cabello hacia atrás para dar más de una sensación de propulsión hacia adelante. Ahora reviso mi boceto final para asegurarme de que siga transmitiendo la sensación de equilibrio y propulsión que
establecí antes durante el encuadre del personaje. Cuando estoy contento con ello, puedo pasar al arte final.
13. Proyecto de la clase: arte final: Para mi ilustración final, voy a estar trabajando en un programa con el que me sienta más cómodo. Se llama Clip Studio Paint. Es aplicación de dibujo menos popular, pero las herramientas base son muy similares a las que encontrarás en procreate o Adobe Photoshop. Por el bien de este proyecto, no
voy a compartir realmente ningún consejo y técnica sobre hacer ilustraciones de fantasía en este software. Porque quiero que esta clase sea accesible por personas trabajan con herramientas tradicionales como lo hice antes en la clase, y personas con apenas una comprensión básica del software de ilustración. Deberían poder seguir adelante. Voy a dejar mi pestaña de capa abierta aquí a
la derecha para que veas cómo organizo mis capas. Nuevamente, el estratificación funciona igual con este programa que en muchos otros programas de dibujo. Empecemos. Voy a empezar ajustando mi capa de boceto a alrededor del 50 por ciento para poder ver claramente mi line art en la parte superior, y voy a crear una nueva capa para mi entintado. Hago mi mejor trabajo cuando intento recrear la experiencia de trabajar con una herramienta tradicional. Para mí, ese es el plumín de Caligrafía, que como mencioné antes en la clase, responde al peso que le pones en la punta del pincel. He seleccionado solo una herramienta de lápiz de dibujos animados realmente básica que encontrarás en cualquiera de tus programas de dibujo. Pero si pongo el grosor de la línea en demasiado delgado, no
obtengo ninguna variación de peso al presionar hacia abajo y dibujar una línea. Voy a hacer que la herramienta sea mucho más gorda, así que cuando trazo mi línea y presiono más hacia abajo la longitud de la línea, obtengo alguna variación en peso. Soy mucho más personalidad que la línea tiene a la derecha que la línea de la izquierda. Es perfecto para mi estilo de dibujo. Para probar tu herramienta Pluma, querrás dibujar un montón de líneas rectas como esta para obtener la presión y el peso de línea perfectos para tu técnica de dibujo. Cuando empiezo a entintar, suelo empezar con la cara porque me gusta poder mirar
a mi personaje mientras diseño el resto de su cuerpo. Me aseguro de que la nariz esté apuntando en la dirección correcta, le
doy a los ojos un poco de personalidad y luego paso a los otros aspectos del cuerpo. Te darás cuenta mientras tinta, traté de ser agraciado con mis líneas. Recoge mi bolígrafo lo menos posible, y además puedes ver ajusto la dirección dibujo una línea dependiendo del look que quiera para él. Uno de los beneficios de dibujar digitalmente es que puedo probar un par de estilos de línea diferentes antes de instalarme en uno. Hay mucho de mí deshaciendo y rehaciendo el trabajo de línea en mi proceso. Realmente necesito mis curvas para que les aparezcan un bonito suave, así que siempre me enfoco en exagerar las curvas y los ángulos dentro de la línea. Caricatura funciona mejor cuando hay una bonita redondez elegante al arte de línea. Trato de no agregar demasiada textura o evocar sombra con mi line art porque es muy fácil embarrarse en la ilustración, sobre todo cuando se trata de un simple diseño de personajes donde el line art ya está tan unido. Podemos lidiar con sombras y texturas en la etapa de coloración. Ahora, para agregar los cordones, los
voy a dibujar en una capa separada porque necesito que se superpongan las piernas. Pero no quería interrumpir el flujo de la línea en la pierna para
parar y dibujar el encaje porque eso rompería el flujo de esa bonita curva en línea de la espinilla. Hago una nueva capa. Dibujo los cordones ahí, y luego vuelvo a la otra capa donde está el resto del line art, y acabo de borrar los pedacitos que estarían detrás del cordón del zapato. Ahora tengo un bonito solapamiento para el cordón del zapato. A continuación, hagamos algo de coloración realmente básica. Voy a estar siguiendo de nuevo el método de color triádico como lo hice antes, y voy a empezar con un azul suave como vimos en la foto de referencia. Ahora un gran cumplido al azul es amarillo, así que haremos los zapatos amarillos. Para establecer ese relleno triádico, saltaré un poco por aquí y pondré los calcetines rojizos. Voy a mantener los esquemas de color simples. En lugar de agregar otro color al azul, sólo
voy a oscurecer el azul en algún negro y hacer los detalles así. Vamos con más de un tono de piel humano. No importa cuál sea el tono de piel de tu personaje, asegúrate de que su piel no esté demasiado fría. Siempre quieres inclinarte más hacia la naranja, enrojecimiento si te alejas demasiado de su cuerpo de tu personaje va a sentir frío y muerto. Una forma sencilla de agregar sombra a tu personaje es hacer una nueva capa y llamarla sombra y ajustar la configuración de la capa para quemar color, voy a reducir la opacidad de la capa al 25 por ciento y conseguir un morado para ser mi sombra. Ahora puedo dibujar sombras encima de todos los colores base de esta ilustración. Darán un bonito efecto sombrío sin tener que cambiar el color de la sombra. Funciona en los tonos de piel así como en las telas de la ropa. Sin ilustrar toda una escena alrededor del personaje, solo
voy a insinuar el ambiente con un par de formas y colores básicos. Correr poses y caricaturas se ven mejor cuando los personajes están suspendidos en el aire, así que vamos a usar esta forma sombría para mostrar el suelo debajo del personaje que es un campo herbáceo. Voy a poner algunas nubes en el cielo. Esto ayuda a que el personaje se sienta más en primer plano. Al agregar un par de elementos de fondo simples, puedes hacer lo mismo y tu diseño y tal vez cambiar este ajuste del mismo. Al igual que por ejemplo, podrías hacer una escena del desierto o un escapo de la ciudad o hacer llover. Mi escena está puesta en un día muy soleado, pero en lugar de dibujar el sol en el cielo, voy a hacer una nueva capa y voy a agarrar un amarillo realmente claro y usarlo como punto culminante a través de los colores de la chaqueta y la hierba en el nubes. Intento no agregar demasiado resaltado al cabello o la piel del personaje porque empieza a hacerlos lucir un poco plastificantes. Ahí lo tienes una persona en movimiento lista para subir a la sección de proyecto de clase. Siéntete libre de traer más detalles al mundo de tu personaje o mantenerlo tan simple como esto. Como dije, este proyecto de clase se podría hacer en unos 20 minutos. De hecho, si puedes desafiarte a trabajar más rápido, caricaturas siempre se ven muy bien. Si puedes moverte rápidamente y mantener las cosas simples. Envolvamos esta cosa.
14. ¡Envolverlo más!: Espero que hayan disfrutado de esta clase sobre personajes en movimiento. Si te gustó esta lección y mi estilo de enseñanza, bueno hay algunas buenas noticias para ti, tengo un canal de Skillshare con más de 12 clases diferentes de dibujo para arte narrativo, que incluye libros, cómics, o simplemente spot ilustración. Más lecciones sobre arte conceptual, diseñar mundos, poner tu imaginación a usar, dibujar mapas, más conceptos básicos de dibujos animados, los fundamentos del arte cómico, e incluso algunas clases sobre diseño de criaturas. Una vez que termines tu dibujo de tu personaje en movimiento, sería impresionante si lo compartieras en la sección de proyecto de clase de esta clase. De esa manera otros alumnos pueden verte participando, y creo que en general enriquece el campo de la clase ver trabajo de otros alumnos. Puedes seguirme en Instagram. Tengo un Patreon donde estoy compartiendo algunos detrás de bambalinas contenidos de próximos libros, y si quieres leer alguno de mis trabajos, puedes ir a iremarks.com donde la mayoría de mis proyectos anteriores están disponibles, videos y libros e historias y todo tipo de cosas divertidas. Eso es todo por ahora. Te veré la próxima vez.
