Dibujo barroco realista, volumen 2: la figura humana

1. Curso de dibujo barroco realista, vol. 2: cuerpo humano.: Bienvenidos de nuevo al curso de Dibujo Barroco Realista. Este es el segundo nivel de la serie Realistic Baroque Drawing. Construyendo sobre los cimientos del primer volumen, ahora pasamos a trabajar directamente desde la vida, desarrollando dos ejercicios completos de dibujo de figuras a partir de modelos de vida. En esta clase, tomaremos un enfoque muy diferente. No vamos a estudiar la figura humana la manera analítica o construida. En cambio, aprenderemos a dibujarlo directamente tal y como lo vemos de una manera más intuitiva e inmediata. El objetivo aquí es responder a lo que tenemos frente, permitiendo que el dibujo se desarrolle de forma natural a través de la observación y el gesto, más que a través de una estructura rígida o proporción medida. Por lo que profundizaremos en una forma muy especial de construir un dibujo, un enfoque intuitivo libre, artístico y orgánico para representar el cuerpo humano estrechamente alineado con la forma en que solía trabajar el viejo maestro barroco. A lo largo de este curso, completaremos dos ejercicios completos de dibujo. Y el primer ejercicio, dibujaremos un modelo de vida femenino usando lápiz y pastel sepia, enfocándonos en Yasser, observación y construcción de túneles En el segundo ejercicio, dibujaremos un módulo de vida masculina en un enfoque completamente coloreado, pasando del lápiz al color, explorando un uso más rico y expresivo del tono y la estructura cromática Entonces te guiaré paso a paso a través de ambos ejercicios desde las primeras líneas hasta los detalles finales que dan vida a cada dibujo. Estaremos trabajando con modelos de vida, que te permitirán observar el cuerpo humano de una manera más directa, sensible y expresiva. Esta clase está pensada para quienes quieran aprender a dibujar la figura humana de una manera más libre, intuitiva, menos dependiente de fórmulas rígidas. Es importante mencionar que para poder beneficiarte plenamente de este nivel, te recomiendo encarecidamente que ya hayas tomado el primer curso de dibujo barroco realista. Estamos construyendo directamente sobre esa base. Para esta clase, solo necesitarás un lápiz, una hoja de papel grande y un lápiz de tono sepia para el primer ejercicio Para el segundo ejercicio, presentaremos materiales de color, colores pasteles Como proyecto de curso, te invitaré a completar ambos dibujando junto conmigo. Usando lápiz, papel y los materiales de su elección. Será una oportunidad no sólo para observar el proceso, sino de experimentarlo verdaderamente usted mismo, construyendo cada dibujo paso a paso al lado. Ahora te invita a comenzar esta nueva etapa del curso de dibujo. dibujo deja de ser una fórmula y nos convertimos en una experiencia viva de aceleración y construcción. Te veré dentro. 2. Dibujo femenino principiante: boceto de estudio preliminar: Estamos listos para comenzar a abordar el cuerpo femenino. Pero antes que nada, vamos a conocer el formato y el papel en el que vamos a trabajar. Voy a elegir el papel de fondo, el más grande. Es particularmente hermoso porque tiene un ligero brillo que permite que el grafito brille más de lo normal y se adhiere al papel con mayor facilidad Como puedes ver, también hay otros papeles con los que trabajamos en el retrato Por Atiler Ve la diferencia entre los colores y recuerda que siempre puedes usar el color del papel como si fuera parte del dibujo. Todo depende del gusto y del estilo del dibujo que queramos hacer. En el caso del papel que utilizamos para este dibujo, también nos permite hacer detalles más pequeños porque tiene un grano mucho más pequeño. Estamos listos para abordar el cuerpo de la bella Dorothea, pero primero vamos a hacer un estudio de construcción para poder entender a través de este primer método, cómo construir la forma general del cuerpo de una manera más técnica En este caso, vamos a dibujar a Tor Thea a partir de la proyección tridimensional del cuerpo sobre el suelo Es una forma inteligente de construir un cuerpo cuando está acostado sobre una superficie plana. Hay que entender que el cuerpo humano es un objeto. No hay teorías para construir una tabla o teoría para construir un tres. Entonces lo mismo debería suceder con el cuerpo humano porque no todos los cuerpos son iguales, a pesar de que en la parte teórica, vimos más o menos cómo acercarse a las partes del Yo sólo funciona como una idea general de cómo visualizar el cuerpo humano. Por tener herramientas que nos hagan mejores pintores. Pero lo cierto es que mientras estamos dibujando, podemos romper constantemente las reglas. Intentaremos ver el punto de vista para determinar la posición de nosotros. Al principio podemos ver que nuestros ojos están a su nivel de ojos, ese es un buen punto de referencia para hacer nuestro estudio. Entonces podemos comenzar a representar con una línea el punto de referencia de la cabeza de nuestros ojos. Digamos que tienen razón en este lugar. Entonces a partir de ahí, hay que sentir y percibir la forma bidimensional de toda la composición que queremos hacer. Es decir, encontrar cuál es la figura geométrica que constituye la parte más general del cuerpo de Dorotea Entonces podemos comenzar a dibujar un triángulo cuyos ángulos me permiten conocer más exactamente la proporción del cuerpo, y el triángulo también me permite posicionar la cabeza. También podemos conocer la figura geométrica que se forma en la parte del mobiliario. Todo esto forma parte del dibujo. Este método me permite saber si la composición general de mi dibujo será lo suficientemente grande para el formato. Una vez que tengamos el fuego general, debemos aprender a posicionar las partes del cuerpo en el suelo. ¿Por qué? Porque a medida que las partes del cuerpo se alejan de nuestro punto de vista, se convierten en la forma. ¿A qué me refiero? Quiero decir que los objetos que están a la altura del torso no son el mismo punto de vista que todo lo que está a la altura de las piernas o la máscara. Esta diferencia de perspectiva debe ser representada correctamente, y no es necesario hacer una cuadrícula de dibujo para lograrlo. Conociendo la posición general de la cabeza, podemos trazar una línea que llegue al fondo para averiguar el tamaño del torso con respecto al suelo. Después de trazar esa línea, debemos medir cuántas cabezas se ajustan a la distancia entre la cabeza y las caderas. Esta medición nos permitirá saber dónde se encuentra exactamente el suelo. A partir de ahí, podemos trazar una línea horizontal que nos permita sentir el suelo y marcar exactamente dónde se encuentra. Observe ahora cómo podemos trazar líneas para descubrir la posición de las piernas desde la cabeza. Esta posición de las piernas nos permite saber dónde está el suelo y así sucesivamente, para tratar de construir toda la superficie donde se encuentra Dorothea Todo esto a partir de la construcción del esquema general de Dorothea Podemos seguir haciendo figuras geométricas para conocer el tamaño de las caderas a través de los triángulos Poco a poco, vamos a construir todo el cuerpo de la cola de Dora bajo un solo ejercicio de relacionar formas y ángulos. No te preocupes por la precisión en este ejercicio. Es sólo un ejemplo para tener una idea general de cómo construir el cuerpo a partir de una figura geométrica general. Sabiendo esto, estamos listos para pasar a nuestro trabajo en papel alemán. Nuestro dibujo final que comenzaremos a hacer en la siguiente clase. 3. Esquema de construcción general: Estamos listos para comenzar en nuestro papel alemán de lujo. Es un papel muy bonito, como te dije, por su brillo y su pequeño grano. ¿Qué es lo primero que vamos a hacer hoy? Tenemos que observar la imagen que vamos a retratar Ya sea una imagen estética o un modelo en vivo, tenemos que ver la imagen para aprender a ocupar todo el espacio como lo hicimos en el último ejercicio. Y por otro lado, saber si nuestra composición o imagen tiene el equilibrio adecuado o no. En el caso de esta imagen, ya tiene el saldo correcto porque yo la preparo así para ti. Pero voy a explicar por qué. Si dibujamos una línea vertical que divide la imagen en mitades completamente iguales, podemos ver que el rostro de Dorothea no está justo Está en la mitad derecha o ligeramente a la derecha. Esto se debe a que la visión humana es nocular. Es decir, hay dos ojos que se ven al mismo tiempo. Por lo tanto, nuestra mente utiliza solo un ojo para enfocar atención y el otro ojo como un cumplido. la mente le resulta mucho más cómodo contemplar una imagen que facilite este fenómeno Si dividimos la imagen en nueve cuadrados iguales, podemos encontrar estos cuatro puntos de encuentro donde podríamos colocar el elemento principal de la composición para que tenga el equilibrio correcto. Si miras de cerca, rostro de Dorothy está cerca del punto de ve y a la derecha Vamos a aplicar entonces lo que hicimos en el último estudio en el boceto, construyendo una figura geométrica general que representa la composición y llena todo el lienzo. Recuerda de nuevo, dividir esta línea en la medición de la cabeza para saber cuántas cabezas caben hasta la posición de la cadera. Esta medición no sólo trabajará para saber dónde está el suelo, sino también para relacionarlo con los demás elementos de la composición. Es una herramienta útil en el proceso de construcción. A partir de este punto, se puede intentar construir diferentes figuras geométricas que se forman entre los diferentes objetos de la composición. Podemos hacer tantas figuras como sea posible para encontrar la distancia entre los objetos y la proporción correcta. También podemos dibujar otras líneas verticales para seguir averiguando dónde se encuentran las diferentes partes del cuerpo. Podemos seguir dibujando todo el cuerpo de Dota de esta manera, pero también podríamos ayudarnos construyendo la figura geométrica tridimensional que conforma todo el espacio donde está sentada Dorothea Es un pipero paralelo. No es perfecto, tal vez solo el lado derecho, sino que es solo para mostrarte que también puede ser una herramienta de construcción porque de esa manera, podemos sentir más el sentido de perspectiva de la imagen. Podemos ver cómo las piernas de Dorothea deberían verse más grandes en el dibujo que Seguiremos construyendo sobre este esquema inicial en la siguiente clase. 4. Construcción del cuerpo y la mano izquierda: Vamos a seguir construyendo el cuerpo a partir de esta técnica. Tenga en cuenta que no tengo que construir una piel general para cada parte del cuerpo, como vimos en la clase teórica Simplemente continúe relacionando los ángulos. Algo importante a destacar son las líneas de construcción. Debemos tratar de no tener miedo de dibujar varias líneas de construcción porque el cerebro elegirá automáticamente la que más se parezca al modelo al final de la construcción. Obviamente, tenemos que entrenar nuestras mentes para tener esa sensibilidad, pero esa es la función del boceto. Esa es la función de dibujar varias líneas cuando tratamos de descubrir la forma de una parte del cuerpo. La perspectiva debe ser sentida sobre todo en las extremidades. Ver, por ejemplo, la forma general de la mano con respecto a la cabeza. Debe ser grande porque la mano está más cerca de nosotros que la cabeza, obviamente. Debemos dibujar la figura geométrica general que constituye la mano de la misma manera que hicimos el cuerpo al principio, relacionando los ángulos siempre para lograr precisión. De la misma manera sucederá con los pies. La parte frontal del pie debe verse más grande que el talón para los pies de la perspectiva. Esto es resultado de haber hecho correctamente el esquema de perspectiva al inicio del dibujo. Por otro lado, si sabemos que los dedos de los pies están en contacto con el suelo, ya tenemos otro punto de referencia para continuar describiendo la superficie en la que se encuentra Dorothea Dibujar a través de los ángulos no solo es importante para construir las partes del cuerpo, sino también para hacer la gradación de sombras correctamente. Si miramos cuidadosamente la sombra que se genera en la muleta, esta sombra es la misma que se genera, por ejemplo, en el cabello, y es un excelente punto de referencia para saber si la relación entre oscuridad y ligereza es correcta en o dibujo Vamos a seguir avanzando en la construcción de nuestro cuerpo y los muebles a su lado. Observa como sigo haciendo líneas para averiguar una inclinación y su conexión con los otros elementos cercanos a Dor Thea Entonces voy a construir correctamente una máscara, el mueble, y la tela que cubre este mueble. Para construir las dimensiones del gabinet, solo tenemos que medir el ángulo desde la esquina superior izquierda hasta la inferior derecha Siempre y cuando detectemos bien la inclinación, podemos correctamente este tipo de cajas. Para descubrir la correcta forma redondeada de los músculos, podemos hacer pequeñas líneas con pequeños ángulos de inclinación. Es más fácil detectar la forma correcta de esta manera. Debemos tratar de sentir la conexión entre los huesos y la clavícula y el hombro Por otro lado, debemos comenzar a representar el gradiente de sombra a través de la línea. Esa es la cantidad de sombra y luz que se debe representar en la línea, agregando más o menos grafito. Tratemos de representar el músculo del abdomen de Dot. Podemos dibujar sus abdominales capturando la forma exacta del borde del cuerpo. Observe cómo los bordes exactos nos permiten capturar el músculo de los brazos con precisión. Hay que ser muy precisos para obtener el efecto correcto. Vea cómo los huesos del hombro se conectan con los huesos de la clavícula Esto debe ser, sentirse y representarse. De la misma manera, todos estos huesos se conectan al cuello. Podemos utilizar la inclinación de estos huesos para tener unos puntos de referencia para agregar precisión a la estructura de la parte superior del torso. En la muleta, podemos comenzar a renderizar las sombras para construir la sensación redondeada de la pierna y la forma específica de sus músculos Esto sería una pequeña aproximación al gradiente. Esta zona de la pierna es muy útil porque si miras con cuidado, contiene casi toda la gama de tonos que aparecen en el cuerpo. Ahora vamos a tratar recordar todo lo que vimos en las clases teóricas, no sólo en este volumen, sino también en la anterior. Vamos a construir una mano a partir de una estructura general. A partir de esa estructura general, creceremos las pequeñas estructuras de los dedos para sentir la forma general de la mano. A partir de estos puntos de referencia, construiremos las curvas que forman cada dedo en sí. En Devaroq, el costo de un retrato aumentó si había que incluir las manos en el Ya tenemos nuestra mano construida. No obstante, seguiremos mejorándolo a medida que avance el dibujo porque la forma final no estará lista hasta que se apliquen las sombras Es importante que el ancho de la mano se vea en la piel de la pierna. Todas estas sensaciones llevarán un dibujo al siguiente nivel. Seguiremos trabajando en la siguiente clase. 5. La cabeza y la mano derecha.: Et's continúan con la mano derecha. Creo que la mejor manera entender la construcción de cualquier elemento es ir del más grande al más pequeño. En el caso de esta mano, construye una forma general y luego descubre las formas específicas de cada uno de los dedos. Podríamos aplicar esto no sólo a esta mano, sino a la misma vida de acero que hay en los muebles. Intentemos llenar el dibujo en general, tus formas, tus relieves Vamos a pasar a dibujar los pies. Recuerda que lo más importante que construir los dedos de los pies es que la sensación en la distancia sea atractiva. En nuestra imagen, los pies están parcialmente sombreados, por lo que los detalles no son tan importantes Lo interesante este volumen dos es que ahora vamos a refrescar el conocimiento del Bay Attie Volumen uno, el retrato Intentaremos aplicar la misma relación de ángulos para construir esta fase. Tenemos que tratar de trazar todas las diferentes superficies que componen el volumen de la fase. Si marcamos cada una de las sombras como una figura umétrica, construiremos una tridimensionalidad de la fase Hay que ser muy paciente porque en este caso, es un espacio pequeño y el margen de error también es bastante pequeño. También podemos ayudarnos a nosotros mismos dibujando eventualmente líneas verticales que nos ayuden a descubrir si la posición de los diferentes elementos de la fase es correcta. Presta atención a este detalle. Si miras cuidadosamente el tabique de la nariz, la línea izquierda del tabique nasal prácticamente, no existe. No existe porque es el hecho de la luz desde el punto de vista que la estamos viendo. Si tuviéramos que hacer la línea, esto significaría que la nariz es diferente, o que la luz tiene una intensidad diferente. Se trata de una aproximación al resultado final de la fase Faltan muchos detalles, pero seguiremos abordándolos en las siguientes clases. 6. Tonos y acabados: sombreado y primeros tonos: Vamos a abordar la construcción de las sombras de esta tela. Para generar el efecto visual correcto, debemos observar que el punto más ligero de la tela es mucho menos luminoso que el punto más ligero de la piel ¿Qué significa esto? Debemos llenar toda la tela con grafito para que la gama de tonalidades de la tela sea menos extensa que la de la piel. Esa gama de tonos es la principal característica de este tipo de telas, un terciopelo. Recuerda que más importante que ser exacto es cierto. Es más importante que se sienta como terciopelo que los pliegues de la tela son exactos. De la misma manera, sucede con la máscara. Es más importante el brillo y la textura de la máscara que encontrar la forma exacta de la misma. Después de hacer caras, partes del cuerpo, será el lugar del niño para hacer este bodegón porque los frutos están conformados por figuras geométricas más regulares. Intentemos siempre disfrutar haciendo bodegones. Perfecto. Antes de abordar las sombras del cuerpo de Doro Thea, es mejor relacionar las sombras entre sí Ver bien cada sombra del cuerpo y entender que dije antes, si la sombra que está en la pierna coincide con la de la cabeza o la de cierta parte del brazo, debemos aplicar la misma cantidad de grafito en ese lugar para que se sienta un tono general más profesional. Ahora, vamos a agregar un material extra para generar un acabado más interesante. Voy a usar una tiza pastel suave para agregar un tono sepia a la piel Podrías elegir la tonelada específica de sepia que quieras. En este caso, voy a aplicar la tonelada ocre con un poco de crema, y también la mezclaré con un poco de blanco Una vez mezclados, debemos extender los dedos con el choque y aplicarlo sobre la piel, especialmente en las zonas de tonos intermedios. Puedes aplicar tanto shalk como quieras, pero ten cuidado de no destruir las sombras hechas con el grafito Es importante saber que esto no es un efecto de color. Los colores funcionan completamente diferentes, y lo veremos en el siguiente dibujo mucho más tarde. El choque que estamos agregando funcionará dentro del rango de este ejercicio, que en este caso es de sólo dos colores. Puedes experimentar para conseguir que tu dibujo tenga un acabado más clásico. Ya tenemos todo nuestro choque distribuido. Este no es el final final. Simplemente se aplica para poder jugar con él más tarde. A partir de ahora, podremos usar el lápiz borrador para crear luces en la piel, utilizando el color y brillo del propio papel como parte del dibujo Pero vamos a ver todo esto en la siguiente clase. 7. Deep tones: Vamos a empezar trabajando mejor en el color de piel de Dortea Para lograrlo, debemos tratar de desaparecer las líneas del cuerpo o al menos hacer que el fuerte las desaparezca. Esto no quiere decir que vamos a desaparecer completamente la eclosión, pero sí tratamos de difuminarla tanto como sea posible para mantener el dibujo con más suavidad La línea en sí no debería existir. Las líneas deben ser el resultado de la diferencia entre un objeto y otro o entre una sombra y otra. Hay un detalle muy importante hora de hacer esas sombras, hay casi imperceptibles Dependiendo de la superficie, donde esté la sombra, e incluso de la forma del objeto al que estamos aplicando las sombras, debemos tratar de dibujarlo en la dirección del objeto, tratando de hacer un rayado que simule la forma y superficie que estamos Esto ayudará a renderizar el efecto de superficie correctamente. Observe la evolución del dibujo. Ya se puede notar un aspecto mucho más tridimensional. Incluso podemos seguir añadiendo un poco más de tiza en las zonas intermedias para seguir mejorando el volumen del cuerpo. Vamos a mejorar la calidad de las sombras de todo el dibujo, mejorando las sombras de las piernas y pies, y sobre todo la zona de la tela y los muebles para que se vea realmente bien. Mira cómo se ve el terciopelo. Su gama de tonos es mucho más oscura que la piel. E incluso si se puede ver el detalle de la máscara reflejo en la pierna, es porque esta relación de textura está bien hecha. Ahora pasaremos a la construcción de la máscara, pero la haremos en la siguiente clase. 8. Final al retrato: Para abordar el efecto shimmer de esta máscara, es importante entender que los shimmers tienen sonidos casi de tono medio Se trata de un conjunto de alto contraste muy bien definido que generan el efecto de reflejos. Vamos a poner atención a esta parte porque no sólo aquí veremos un objeto brillante. Si también vas a tomar el Volumen tres del B Allen en dibujo barroco, ahí también veremos un objeto brillante en una composición. H Observe lo bien que se ve el brillo en la máscara en este momento. Podemos seguir mejorándolo, pero es bastante bueno hasta ahora. Si te das cuenta, trata de ver el punto más iluminado de la máscara e intenta buscar en cualquier parte del dibujo, la piel, o la tela para un punto que se sienta más iluminado que eso. Ese es el secreto de la purpurina metálica. Ahora vamos a empezar a trabajar en el rostro, agregando detalles para que las sombras revelen el rostro de Dorea Perfecto. Mira cómo ya nos sentimos Dorothea en el papel. Todavía faltan muchos detalles como los de la vida del sello, pero habíamos avanzado lo suficiente como para sentir bastante bien el dibujo del modelo. Es muy importante ser paciente y tratar de generar tu propio estilo en la eclosión. La eclosión es la huella dactilar del artista. No lo elimines por completo porque las emociones del pintor se transmiten a través de él. Seguiremos trabajando en nuestro dibujo en la próxima clase. 9. Cómo construir el fondo y los toques finales.: Antes de pasar al bodegón y a otro detalle final, tenemos algo muy importante que hacer el fondo. El fondo es lo que nos permitirá percibir mejor el volumen del cuerpo del bot y darle emociones al retrato corporal a través de la iluminación. Un buen retrato corporal no es nada sin fondo agudo para que destaque. Podemos guiarnos por las líneas de la habitación para terminar de construir la superficie donde Dorothea está sentada y sentir las dimensiones del Recuerda que a nuestra imagen, la luz golpea más a Dorothea Entonces el fondo debe ser más oscuro, y esto hará que la parte donde Dorothea se sienta Incluso puedes recordar la pipeta paralela que construimos al principio como punto de referencia Cualquier cosa es útil en este momento para construir un fondo. Por otro lado, no te preocupes por los pequeños detalles. Lo más importante en este dibujo es Dorothea. El marco que se encuentra al fondo es parte del entorno. Entonces solo representarlo creativamente será más que suficiente Mira cómo ya se puede ver la sensación de espacio alrededor de Dorothea Es increíble lo importante que es. Sentir la profundidad detrás de Dorothea parece ayudarnos a sentir aún mejor el volumen de Vamos a tratar de mejorar las fronteras. Esas son esas fronteras entre el cuerpo de Dor Thea y el fondo Mejoraremos los detalles de las manos y pies, así como los detalles y sombras de la vida del sello. Ahora nuestro dibujo está prácticamente listo. Estamos terminando de afinar los últimos detalles como este delicado collar. En el Barroco, la iluminación era lo más importante. Puedes probarlo tú mismo, tratando de dibujar a la gente que amas, gente importante para ti. Todo esto se verá reflejado en la eclosión y en las sensaciones desatadas por sus mentes 10. Boceto de interludio: Esta vez, vamos a hacer un dibujo usando nuestra imaginación, usando la técnica de los ángulos, usando lo que aprendimos en el retrato de Dortea Y esa referencia del esquema estructural, lo que tenemos en la esquina superior derecha. Debo confesar que tuve la idea de hacer este ejercicio antes de Dortea, pero creo que ahora es mejor Ya nos acercamos al retrato femenino desde una modelo, y ahora vamos a hacer uno imaginado. Creo que dije algo sobre este ejercicio durante el retrato de Dorothea No recuerdo exactamente, pero lo que pasa es que es mejor ver este ejercicio en este momento. Vamos a construir un cuerpo femenino tendido en una cama. No sólo vamos a hacer el cuerpo sino un espacio lleno de telas como las que vimos en el ejercicio de Dorothea Estas son las dimensiones de nuestro lienzo. Es bastante pequeño, pero no importa, a diferencia del ejercicio de Dorothea, no vamos a construirlo a partir de una Recuerda que hay dos formas de hacer un dibujo. El primero es una figura general cuyo interior tiene la forma específica del objeto, ya sea que este objeto sea un cuerpo humano o algo así. Y la segunda forma es lo que vamos a hacer ahora. Construye todo el cuerpo a partir de un área específica del cuerpo. En este caso, serán las caderas de donde crecerá nuestro dibujo. Desde la técnica de los ángulos, voy a construir el espacio de la cadera. Intenta notar estoy dibujando una figura similar a la de la imagen que es avove y a la derecha En este dibujo, sólo vamos a concentrarnos en el cuerpo, no en los detalles de las manos, los pies, o la cara, solo la estructura del cuerpo, los gradientes, y la tela La idea de hacer este ejercicio es entender que cuando construimos dibujos desde la imaginación, siempre vamos a trabajar con un esquema que ya recordamos. En este caso, es el esquema que estamos viendo en la esquina. Como consecuencia, o el dibujo se asemejará a ese desnatado, y ese descremado o uno similar podría ser utilizado por otra persona Por lo tanto, o el dibujo no será tan original. No obstante, si hemos dibujado muchos tipos de mujeres que nos seleccionamos y las recordamos muy bien, cuando vayamos a hacer un cuerpo imaginado, esas serán una referencia, y eso le dará un toque original a nuestro trabajo Si ves la imagen de arriba, hay una zona de valle bien definida. Es mi punto básico de referencia desde donde todo va creciendo. En la parte del pecho, podríamos ser un poco creativos. Hay muchos tipos de pan, e incluso entre ellos, tienen diferentes tamaños. Podemos tener como referencia el trabajo que hicimos con Dortea para experimentar aquí Creo que un aspecto fundamental es que, independientemente del punto de vista donde los estemos viendo, el peso siempre se debe sentir en la caída de la mama. No mirar también se debe sentir. Otro elemento sumamente importante es definir la dirección de luz incluso antes de realizar el dibujo. En este caso, la luz viene de izquierda a derecha y ligeramente de arriba a abajo, igual que debería hacerse en la mayoría de los casos, como aprendimos en el Volumen uno. Recuerda que podrías usar la luz manera diferente para generar otras emociones. Pero esta es una forma clásica de aplicarla para que tu dibujo luzca lo mejor posible. Observe cómo el área derecha del pecho debe ser más oscura para darnos la sensación de que el brazo está bloqueando la luz. Todos estos detalles hablan de la dirección de la luz. A veces no es necesario indicar explícitamente la dirección de la luz en todo el cuerpo. Hay ciertos detalles importantes que hablan del entorno donde se encuentra el objeto, que en este caso, podría ser una habitación con alguna entrada de luz. En el caso de la tela, simplemente podemos recordar los pliegues y arrugas de la tela, tratando de hacerlas libremente porque no tenemos una referencia. Hago este ejemplo para mostrarte cómo hacemos las telas a partir de un ejercicio imaginado. Observe lo importante que es cruzar la eclosión para generar diferentes gradientes específicos Hay muchas posibilidades de esta manera , pues además, usar de esta manera, podemos usar los dedos o la licuadora para suavizar la eclosión Para mejorar las luces y gradaciones, podemos usar la licuadora como en este caso, y quitando el grafito para agregar luces al dibujo dt Lo más interesante es que dependiendo de la intensidad que apliquemos, podemos eliminar más o menos grafito según nuestros criterios. Y ahí está nuestro dibujo rápido. Observe el gradiente. Observe la forma del cuerpo y cómo con los diferentes tonos de gravite podemos hacerlo sentir como una tela o la piel misma La eclosión es importante porque no está completamente borrosa Y aun así en la distancia, logró tener un efecto bastante atractivo. Esta eclosión comenzó a utilizarse en el barroco, pero luego trascendente los tiempos y llegó a los impresionimes tiempos y llegó a los impresionimes Una vez inventada la cámara fotográfica, ya no será necesario representar la realidad como lo hizo la cámara, sino a través de manchas para lograr este efecto real. Nos vemos en la próxima clase. Yo 11. Principio del dragón macho: construir patas y manto.: Perfecto. Ahora vamos a trabajar en este autorretrato a tamaño completo. Este es nuestro lienzo, un papel de dibujo de grosor medio que nos permitirá dibujar fácil y sin problemas. El formato es bastante grande, lo que nos permitirá incluir todos los elementos que nos ayuden a contar cosas sobre este personaje. Esto es lo más importante. Entonces, lo especial de este autorretrato es que lo vamos a hacer desde un punto de vista creativo. Nos vamos a inspirar Caravaggio. Los grandes maestros, específicamente en esta obra, ya que no vamos a limitarnos a retratar sólo el cuerpo, sino también en elementos alrededor que nos dicen algo de este personaje Dejaré esos elementos para el final porque queremos concentrarnos por ahora en construir el cuerpo. Otro aspecto interesante de este autorretrato es que vamos a trasladar el lenguaje del grafito al lenguaje del pastel seco, bastante similar al proceso en el que un pintor comienza a crear una obra maestra. Entonces, veamos cuidadosamente el modelo para imaginar cómo debería ser representado en papel. Perfecto. Esta vez no vamos a hacer un esquema general del cuerpo. Empecemos por las caderas, la forma de las caderas. A partir de aquí, nuestro dibujo crecerá. Vamos a relacionar las formas, el tamaño de las caderas, el tamaño de la tela, y las piernas para tener un punto de referencia de calidad y poder aplicar correctamente la técnica de los ángulos. Empecemos por las caderas porque esta zona contiene el manto y las piernas Todos estos elementos serán pequeños puntos de referencia para construir adecuadamente las formas. Si podemos hacer esta parte correctamente, vamos a ahorrar mucho trabajo para después. Recuerda que puedes cometer errores. Este es el momento de hacerlo. Si vas a poner en práctica esta experiencia, debes estar dispuesto a cometer errores e intentarlo una y otra vez. Este es el proceso genuino por el cual los pintores que trabajan con el óleo comenzaron a hacer sus pinturas. Primero, se realiza un dramming con grafito o carbón vegetal, y luego se aplican las capas de aceite Y observar cómo estoy aplicando la técnica de los ángulos en su expresión más básica, lo primero que vimos en el primer volumen, poner en práctica para hacer un trabajo mucho más sofisticado y fino. Esta vez, voy a saltarme el taburete. Vamos a dibujar el cuerpo. Es lo único que importa para este trabajo. Recuerda que puedes hacer muchas líneas. Nuestra mente elegirá las líneas finales a medida que avanzamos en el ahogamiento Es importante hacer muchas líneas que podamos aplicar correctamente la técnica y. Es importante tener en cuenta que como vamos a trabajar con pastoles secos más adelante, no podemos agregar demasiado grafito en el vapor El grafito en sí evita que ese choque pasado se agregue al papel Por lo tanto, debemos hacer líneas suaves y una gran escala iluminada para evitar problemas más adelante. En el caso, el aceite es bastante diferente porque es un líquido que cubre las partículas de grafito. En cuanto a la forma del manto, tenemos que aprender a interpretar la tela. La forma de la tela no tiene que ser exacta a la que estamos viendo, simplemente que es aproximada, y se verá lo suficientemente real. Ni la gente ni nosotros vamos a centrar nuestra atención en que sea lo mismo que el tejido de la modelo, es muy diferente a retratar una cara En este caso, vamos a acercarnos bastante a la forma que se nos ve, pero siempre teniendo un punto de vista creativo sobre el efecto visual final. Recuerda siempre relacionar el tamaño de los elementos del cuerpo para encontrar las proporciones apropd Por ejemplo, ¿cuántos brazos cabrán entre la distancia entre el brazo y la pierna? Cuántos brazos caben en el ancho de la tela. Hoy en día, no sólo podremos construir un buen dibujo sino también disfrutar del proceso constructivo. Recuerda que de vez en cuando, podemos parar y observar el dibujo. Es importante observar muy bien lo que estamos haciendo. Por ejemplo, aquí puedes ver que el ancho de las caderas no es del todo similar al del modelo. Así podemos corregirlo en la parte posterior para aproximarse al tamaño real. La curvatura de la tela en la parte posterior debe generar la perspectiva y profundidad del dibujo. Hay que prestar atención a estas líneas para causar el efecto adecuado. Perfecto. Ya tenemos el contorno y la forma general del manto y torso Ellos son el centro del dibujo, creo, podemos seguir corrigiendo su forma a medida que avanzamos, pero es un gran punto de referencia para construir el resto del dibujo. Recuerda que estamos aplicando los conocimientos que ya hemos visto hasta ahora en el otro volumen. Pero aunque sea tu primera vez, solo presta atención muy bien a la relación de la forma de las partes del cuerpo. A partir de ahora, vamos a pasar a la siguiente clase donde vamos a construir el resto de las partes del cuerpo. 12. Construcción del rostro y las manos.: Y ahora pasaremos a la construcción de la fase. ¿Y cuál es lo más importante? Más importante que capturar la forma original del propio modelo en el barroco, era aún más importante capturar la extensión del Porque había que contar una historia. Si puedes notar el rostro de modelo, hay una cierta expresión de protección como si estuvieras viendo algo que podría ser una amenaza, entonces ese es nuestro personaje, el protector. Imaginemos a alguien que haya notado que se acerca un gran peligro y lo esté viendo a lo lejos. Echemos un buen vistazo a la cara de nuestro modelo por unos segundos, y reflexionemos sobre sus formas y líneas. Vamos a usar el cofre construir la forma correcta de la cabeza. Si ya tenemos la parte superior del pecho, correcta o construida, este punto de referencia es de una alta calidad. Por lo tanto, nos ayudará a conocer la posición exacta de la barbilla y el cuello. Mira el triángulo que se forma en la parte visibal del pecho. Cuantos más triángulos veamos, más herramientas tendremos para construir el dibujo Si dibujamos líneas que tocan diferentes partes de la cara, podemos ver no sólo la inclinación de la cara, sino dónde están las características de la cara misma con respecto a esa línea. También es una gran herramienta para relacionar distancias. Mm. Líneas generales, los ojos deben colocarse en la misma línea. No obstante, es evidente que debido al ángulo en el que estamos mirando la cara, esta línea se convertirá en una curva porque debe adaptarse a la forma esférica de la cabeza. Veamos este ejemplo. Aquí tenemos estos ojos, y deben estar alineados con una línea general que los une, por ejemplo. Esto puede suceder, y de hecho, lo vimos en el volumen del retrato, pero no es una constante. Esta línea no siempre pasará perfectamente por ambos ojos. A veces dependiendo de la forma individual de los ojos de la modelo, esto podría cambiar, en realidad, porque los ojos podrían tener forma de almendra hacia arriba a veces en un poco cayendo hacia abajo como en el caso de las personas, por ejemplo. No sólo dependerá las características individuales de la persona, sino de la propia expresión. Por otro lado, esto sucede exactamente igual con la posición de la boca. Muchos teóricos te dirán que la línea de la boca es exactamente la misma línea de los ojos Esto a veces es absolutamente incorrecto porque la mayoría de nosotros tenemos un lado de la boca posicionado ligeramente hacia arriba o hacia abajo. La razón por la que estas teorías existen es porque en la época del Renacimiento, se iniciaba el proceso de industrialización y era necesario encontrar una teoría que ayudara a pintores a construir rápidamente rostros, a reproducirlos rápidamente Esa es la razón por la que se parecen la mayoría de los rostros de ángeles y personas en el renacimiento. En el barroco, esto comienza a cambiar porque se empezaron a retratar rostros más reales con defectos y expresiones Aquí se puede ver mucho mejor la línea esférica en la que se colocan los ojos. El cabello también puede ayudarnos mucho para entender la forma de la cabeza, especialmente las zonas donde cabello hace contacto con la cara. Uno de los elementos del rostro que nos ayudan a expresar la emoción de preocupación o alerta es la frente El ceño fruncido es básico para expresar esta emoción. Aprender a reconocerlo nos permitirá dibujarlo correctamente entre los ojos. Incluso jugar con él para exagerar la expresión es una gran habilidad que podemos ganar medida que dibujamos un dibujo tras otro Esto hay que tener en cuenta cuando vamos a aplicar el choque pastel. En la frente, hay músculos que destacan cuando tenemos esa expresión de preocupación, y también es evidente que cada expresión es diferente en cada modelo. Caravaggio dibujó cientos de modelos y personas durante su vida, lo que le permitió tener un respaldo de información en su mente para usar en su trabajo creativo Recuerda que se trata de un boceto. La forma final se realizará con choque pastel. Seguiremos viendo nuestro modelo para acercarnos a la forma final. Ya que tenemos una idea de la cara, ¿cómo podemos estar seguros de que la cabeza es del tamaño correcto? Podemos ver cuántas cabezas caben entre la distancia entre la cabeza y las caderas, por ejemplo. Ahora, vamos a pasar a la forma de la mano, pero vamos a concentrarnos en la forma general, no en las sombras, solo en la forma general para construir su tamaño correcto con respecto al brazo. Echemos un vistazo a la mano por unos segundos para capturar su forma. Por otra parte es muy importante, también. Podemos utilizar la figura geométrica general que perfila la mano para determinar su forma real. Recuerden, la perspectiva se debe sentir que es el dedo que está más lejos, debe ser visto como más pequeño que el más cercano. Para determinar el tamaño del pie, podemos utilizar como referencia la distancia entre el manto y el talón Observando bien esa distancia, podemos construir las proporciones adecuadamente. Recuerda que en el caso de los pies, el tamaño general y la sensación que vemos a lo lejos es más importante que concentrarnos en los detalles de los dedos meñiques Iremos a la siguiente clase para seguir dando detalles. 13. Esquema de sombreado, detalles y comienzo del color.: Bien, empecemos a marcar las sombras. Tenemos que tratar de no alcanzar el máximo nivel de oscuridad en las sombras más fuertes. Como te dije antes, vamos a trabajar con Shallota pastel y puede causarnos problemas. Sin embargo, esto no quiere decir que no podamos tener un buen gradiente de grises. Recuerda la eclosión del dron. Cuando hayas dominado la técnica lo suficiente, puedes hacer la eclosión en diferentes direcciones No obstante, dependiendo de tu gusto, podrías seguir haciéndolo en una dirección. Anote la cantidad de grandes tonos que estoy haciendo en la cara. Debemos usar estos tonos como guía para trabajar más adelante. Debemos hacer tantos detalles como sea posible para fijar sobre todo, la expresión del rostro. Debemos estar seguros en el dibujo de lo que será la expresión final de un personaje. Aunque parezca muy fuerte presionar el lápiz, no lo es. Es el gran efecto que causa esa sensación. Perfecto. Estamos listos entonces para comenzar a aplicar el color. ¿Qué debemos hacer entonces? Vamos a echar un buen vistazo a nuestro modelo y entender claramente la iluminación en las propias zonas iluminadas. ¿De dónde viene la luz? Podemos notar que la luz viene de izquierda a derecha, iluminando la zona del hombro, las piernas, la parte posterior del manto Esto es más importante de lo que piensas porque nos permitirá distribuir correctamente el pastel en el lienzo. En segundo lugar, debemos elegir un color base porque tiza pastel funciona muy parecido a la pintura al óleo. ¿A qué me refiero? La pintura al óleo funciona en capas. Hay una capa base que luego se mezcla con otras capas para tener el color específico que necesitamos. El pastel funciona igual. Son pigmentos muy pequeños que permiten mezclar colores de una manera muy similar con la diferencia de que no es líquido. Pero, ¿por qué trabajar con pastel? La particularidad del pastel es que es difícil hacer detalles muy pequeños debido a las características de las barras y lápices. Por lo tanto, nuestro dibujo y nuestras decisiones deben ser exactas y precisas para tener grandes resultados. Entonces, ¿qué vamos a hacer? En primer lugar, elige un color para las partes iluminadas. Vamos a aplicar este color solo en las partes iluminadas sin tocar las partes de sombra del dibujo. Se puede aplicar en la parte sombreada, pero de una manera muy, muy suave Pero no lo recomiendo porque a diferencia del dibujo al grafito o al blanco y negro, los diferentes tonos de luz y sombra en el color del dibujo tienen diferentes colores. Ese es el color de las sombras no es la versión más oscura de las zonas claras Esa es la diferencia con el ejercicio anterior del retrato de Dortea Aquí estamos genuinamente con el color. Por lo tanto, esas sombras que se generan en el rostro tienen un color completamente diferente. Después de aplicar el color de las áreas iluminadas, aplicaremos otra para las sombras. Observe aquí cómo sucede lo que mencioné antes. Estoy eligiendo diferentes colores para diferentes tipos de sombras en la frente. Esta gama incluso puede ser creativa. Por supuesto, hay que tener un sentido estético, una buena mezcla de colores en cierta lógica, pero puedes usar la creatividad y generar una sensación completamente real. En el caso de Carvaggio, no siempre usó color claro para la piel En ocasiones la iluminación generaba una proyección de múltiples colores sobre la piel, cuyo pie sólo podía representarse con diferentes colores. Debemos tener en cuenta, sobre todo, que podemos elegir el punto más iluminado de todos en la piel donde la luz incide directamente. Podemos usar ese color del papel para representar esa intensidad de luz. Pero recomiendo que a menos que no haya ningún objeto más iluminado que la piel en la composición, nunca lleguemos al color del papel. Reservamos el color del papel para las áreas más brillantes de todo el dibujo Ten cuidado con la mano. No apoyes tu mano sobre el papel porque puedes estropear el dibujo con tu mano equivocada. A diferencia del grafito, Shalk no se adhiere tan fuertemente al papel Por lo que tocar el papel puede destruir tu trabajo. Intenta usar algo para apoyar el brazo. En el Barroco, utilizan una herramienta llamada tanto para sostener el brazo mientras pintan. Oh Observe cómo aplico el color sin agregar detalles, simplemente identificando cada sombra con color específico en una versión más azul del dibujo en general A medida que agreguemos más definición, esto cambiará y aparecerán los detalles. Debemos tener una visión general de la gama cromática para entender el lenguaje de franes que estamos haciendo Recuerda que estamos haciendo una exclusiva gama de trabajo para los colores específicos que hemos elegido. Por ejemplo, entienda que el color que estoy viendo aquí es más o menos similar al que encontramos en este otro lugar. Una vez que ya tenemos un área de rangos definidos, podemos comenzar a aplicar los detalles. Para astillar esto, podemos usar el color blanco, el color blanco para generar una mejor sensación y mezclar entre cada uno de estos colores. No sólo el color blanco, sino el borrador en sí puede ser una gran herramienta para lograr este objetivo El borrador puede ayudarnos a eliminar los excesos e incluso obtener claridad a cualquier El borrador también puede elevar el impacto. Sin embargo, dependiendo del papel, debemos usar una goma de borrar suave en caso de que queramos borrar sin dañar el papel También mezcla los colores con la licuadora para que las transiciones sean profesionales y reales. Es probable que eso sea lo primero. Pensamos que son deportivos o manchas. Pero una vez que hayamos generado las transiciones correctas, podremos ver la piel. Mira cómo se genera la textura y superficie de la piel en la espalda. Seguiremos trabajando en esto más adelante, pero ahora podemos pasar a la siguiente clase donde aplicaremos color al rostro y al cabello. 14. Color: cara, piernas y cabello: Vamos a seguir fusionando los colores que aplicamos a la cara de última clase. Hay que ser muy paciente en este proceso. Es mucho más lento que trabajar con grafito. Recuerda que debes aplicar un color específico para cada tono. Es la única manera de generar el efecto visual de los diferentes tonos de piel. Observe cómo utilizo como referencia, la forma de aplicar el amortiguador en el brazo para darle el color a la cara. Veamos los detalles. Las zonas más oscuras son una especie de color rojo, el más claro, el color crema, y el tono entremezclado es una especie de Esta mezcla de colores sólo tiene sentido porque se aplica correctamente y crea el efecto visual para nosotros. Esto sucede porque debemos tener la sensibilidad para capturar los diferentes colores dentro del mismo color para identificarlos y representarlos correctamente. Posteriormente, agregaremos otra capa de color para agregar más profundidad. Miro como se ve nuestra piel ya. Observe como aparentemente son colores diferentes al modelo, pero la relación entre los colores es lo que los hace parecer similares, pero desde un punto de vista más interesante. Esta es la magia del color. Los puntos de referencia son una forma de hacer arte. De la misma manera los usamos para construir formas. Podemos utilizarlos para crear color. Este es el secreto del lenguaje visual. Lo primero que vamos a hacer para encontrar el color del cabello es elegir dentro del dibujo unos puntos de referencia de luz, un color que pueda coincidir con los tonos y tonos del cabello. Por ejemplo, podemos ver los colores que hemos utilizado para construir el color claro de la espalda, la parte iluminada de la espalda. La idea es que la gama que utilizamos a lo largo del dibujo tenga una relación lógica, y que nos permita crear una atmósfera estética dentro del dibujo. De cierta manera, es el mismo procedimiento construir el resto de las partes del cuerpo. Pero en el cabello, vamos a agregar un color base que puede ser ese color claro y luego agregar el resto de las sombras a medida que avanzamos hacia el dibujo. Un consejo muy importante a la hora de usar pasteles duros y blandos es que para llenar espacios grandes, es mejor usar el blando por dos razones principales Primero, será mucho más rápido, y segundo, dañaremos mucho menos el papel. El duro choque pastel en lápices, rasca mucho más el papel, creando surcos en él. Otra razón importante es que es muy molesto tener que afilar el lápiz todo el tiempo La punta se rompe fácilmente, y además se desgastan mucho más rápido. Intentemos usar los lápices de voluntad pastel para los pequeños detalles. Algo importante a tener en cuenta en el cabello es que tienes que sentir tu lectura del movimiento y la forma del cabello. En realidad, en la distancia, es difícil percibir la forma específica del cabello. Pero si nos acercamos al modelo, podemos ver en detalle cómo se mueve el cabello, y ese movimiento y forma, podemos retratar más fácilmente El cabello funciona mucho como la tela. No tiene que ser exactamente lo mismo. Simplemente retratando el tipo de cabello y peinado correctamente, lograremos un buen resultado Recuerda que debes hacer cada mechón de cabello uno por uno. En el caso de los lápices pastel, debemos tener muchos pacientes y afilar la punta de los lápices con cuidado para preservar la nitidez de la punta el mayor tiempo posible El lápiz borrador también es muy útil en estos casos porque nos permite eliminar el choque la misma manera que si funciona o pelea Observe lo increíble que se sintió la sensación en el cabello. Es como si pudieras meter la mano por el cabello. Si bien hacemos detalles más pequeños en el cabello, se verá mucho mejor. Los mechones de cabello no solo deben estar en las partes claras, sino también en las partes oscuras. Es vital hacerlo para provocar el efecto visual correcto. Vamos a seguir agregándole detalles a medida que avanzamos hacia el dibujo. Por ahora, vamos a pasar a la siguiente clase donde abordaremos los colores y la sombra del manto Sí 15. Color: el manto: Vamos a trabajar en el manto la misma manera que lo hicimos en piel Vamos a elegir una tonelada para las partes claras, y otra para las partes oscuras. Vamos a cubrir el alto contraste. Apenas esas dos partes sin prestar demasiada atención a los detalles por ahora. En el caso de las telas, es mucho más fácil trabajar que la piel porque la tela está conformada por líneas. Estas líneas marcan la diferencia entre una tonelada y otra en la mayoría de los casos. Esto no sucede en la piel. El gradiente es mucho más complicado. Por otro lado, las telas son muy importantes en el Barroco porque los pintores aprovecharon lo increíbles que se ven en la pintura para darle un valor extra a su obra y llevarla al siguiente nivel. Mira cómo con solo agregar los tonos eran garra, sin siquiera agregar los detalles, podemos obtener una muy buena sensación para el manto Incluso después del barroco, muchos pintores apreciaron este efecto de crear manchas que acumulan pinturas enteras en la distancia. Esto es parte de la magia del dibujo y la pintura. Preste atención a este detalle que es sumamente importante. La sombra generada por el manto en la pierna tiene un color específico que proviene del color del manto mismo De la misma manera, el color de la piel se refleja en la parte del manto que está más cerca de la pierna Este es el secreto de la luz. Es ahí donde entendemos que hay miles de colores en las cosas que creemos que solo tienen uno. Aquí, podemos ver la imagen de cerca para notar este efecto del reflejo de la piel sobre la tela. Vamos a darle más detalles al manto y construir el efecto tridimensional que queremos Observe la utilidad de este color azul que estoy agregando aquí. Las áreas iluminadas de la tela no pueden ser las mismas que las áreas iluminadas de la piel. Por lo tanto, debemos usar diferentes colores, interpretar las luces de la tela del manto de manera diferente Obviamente, el manto es de otro color y textura. Si vemos el color gris del manto, que es, de hecho, un color entre el gris y el verde, podemos entender por qué el azul es apropiado, es adecuado en este caso El tono azul está dentro de los tonos grises. Es gris con verde. Por lo tanto, representar la luz con este color es más que conveniente. Observe ahora cómo puede incluso detectar qué tipo de tela es un terciopelo. No hay espinilla fuerte en la superficie de la tela. El contorno de los colores es apropiado, es adecuado y tiene efectos muy reales en el dibujo. Esto se debe practicar mucho con muchos tipos de telas para acostumbrarse a cada estilo de material. La perspectiva también es muy importante en el manto. Llenar las profundidades de los fuertes, llenar cada surco real es parte de la estrategia que hace que el patrón sea realmente bueno Seguiremos avanzando a la siguiente clase para repasar más detalles. 16. Color: preparación del fondo y los detalles: Ya hemos avanzado del dibujo, el cuerpo, el tono parcial de la piel, el manto, el rostro He añadido otros elementos creativos para ti a los que también vamos a llenar de color. El motivo de estos elementos es contar una historia a través de este personaje. Recuerda que esta obra está inspirada en caravaco. Se puede ver que he convertido este personaje en un ángel, y que hay un niño levitando en el aire Como un ángel santo, vamos a terminar de hacer las alas. Observe los detalles de cada pluma y las alas en su conjunto, así como cada uno de los detalles del fondo. Gracias. Algo importante a tener en cuenta para crear fondo oscuro es prestar atención a la cantidad de shock de albahaca que estamos aplicando. No basta con añadir una sola capa de choque. Es necesario agregar varias capas para cubrir todas las ranuras del papel en el choque cuando hace contacto con el papel. Es muy importante que el fondo se vea consistente en un solo color. Por supuesto, dependiendo del estilo del dibujo, la eclosión puede ser más o menos perceptible Pero en general, debemos mezclar y agregar tantas capas como sea necesario para baratizar el color mate. De la misma manera, si estamos usando varios colores, podemos agregar los colores más oscuros s y luego llevar ese color al tono del color que agregaremos posteriormente Ahora vamos a trabajar esta tela en movimiento. Observe a partir de ahora cómo a diferencia de las telas que hicimos antes, las transiciones de color son alargadas con largas líneas para capturar que esta tela está girando o flotando en el aire. Observe cómo estamos avanzando en nuestro tejido. Observe que estoy haciendo lo mismo que en lo mental. Primero, agregando los tonos generales, y luego procederé a los detalles más adelante. Obsérvese que la perspectiva también se ve en la parte de la tela que cruza detrás de nuestro personaje. Lo más importante es que ya podemos sentir vivo el dibujo, una historia que comienza a contarse dentro del dibujo. Y eso es más importante que retratar la realidad misma Es lo que he aprendido toda mi vida del maestro del Barroco y lo que me motiva a enseñárselos en este momento En cuanto al fondo, es que el color Es no es uniforme. Es decir, no es completamente negro. Hay diferentes tonos jugando con tonos oscuros para resaltar los elementos que hay en la composición. Observe que la dirección de la luz también se muestra en el fondo. El lado izquierdo parece más ligero que el lado derecho. Y también en diferentes áreas, es más oscuro y claro para resaltar ciertas partes y generar el efecto visual de profundidad en la composición. Incluso puedes sentir la tridimensionalidad de todos los elementos mucho más simplemente agregando el fondo correctamente Observe, en este caso, el detalle de la tela viajando hacia el fondo. La única manera de hacer este efecto es que el resto del fondo en el dibujo no es tan oscuro. Esto crea la sensación de que la mayor oscuridad está en ese lugar profundo donde se esconde la tela. El fondo también nos permite averiguar si las sombras que habíamos aplicado al cuerpo son correctas. Observe la sombra de la pierna trasera. Ese color representa la sombra generada en ese lugar. Por lo tanto, si vamos un poco más arriba en el torso y vemos el abdomen, nos damos cuenta de que se necesita más oscuridad en ese lugar para que coincida con la sombra correcta. Lo mismo ocurre con las manos y el brazo. Esta es la razón por la que a medida que avanzamos en la totalidad de nuestro trabajo, podemos modificar y mejorar los colores con intención de que se vea mejor integrado Lo mismo pasa con la cara. El lado derecho de la cara también debe ser más oscuro para que coincida con la iluminación del lugar. Cuando ya hemos mejorado todos esos detalles, entonces podremos acercarnos al color del bebé con mucha mayor precisión y un increíble punto de referencia porque ya sabremos cuál es la iluminación correcta para el lugar donde el niño está flotando. Mi sí. Este amarillo que estoy agregando a la piel me permite crear un mejor efecto tridimensional. Si la iluminación del lugar no es tan ligera, la piel misma no tiene que verse tan ligera. Incluso la piel del modelo en sí no es tan ligera, y esto nos ayuda a representarlo con más tridimensionalidad Si usamos el lápiz borrador, podemos generar áreas que sean color más blanco y así poder representar esos brillos totales producidos por el reflejo de la luz directa Oh, mira cómo se ve ya la iluminación en el cuerpo. Observa lo increíble que se ve la mano debajo de la tela. El efecto en la distancia es bastante bueno porque el color azul reflejado por la tela se proyecta sobre la propia mano. Creo que es hora de construir a este chico misterioso para conocer el secreto de nuestra historia. Te veré en la siguiente clase. 17. Shading the baby: S Si vemos cerca el cuerpo del niño, podemos ver que es muy similar al de un adulto con la única diferencia de que la cantidad de grasa corporal es más evidente. Si olvidamos al menos el tamaño de la cabeza en relación con el cuerpo, es como si fuera una persona adulta con exceso de peso. ¿Cuáles son esas partes donde se acumula la grasa? Bueno, podemos ver eso debajo de las piernas, por ejemplo, en el abdomen y sobre todo en la parte baja de la espalda, debajo de los brazos, y esto es lo que sucede en el niño. Mira todo lo que sucede en sus extremidades y en su espalda. En la espalda, no hay arco, y en la parte de las piernas y glúteos, obviamente también hay más grasa. Este ejercicio es muy importante porque es el mismo ejercicio para el cuerpo adulto. Obviamente, el tamaño de la cabeza es mucho mayor. En general, el tamaño del cuerpo del niño es de cuatro a cinco cabezas. No obstante, recuerda que cada cuerpo tiene una particularidad. A veces en el Barroco, los pintores hacían niños con cuerpos más adultos, pero manteniendo los rostros angelicales para dar un mensaje específico Generalmente, las cabezas de los bebés son mucho más esféricas que las de los adultos. Es evidente que también se debe a la grasa. Pero en cualquiera de los casos, es importante conocer estos detalles para retratar al niño con mayor precisión o como en el caso de esta obra, construirla desde la imaginación Voy a tratar de sentir la forma del cuerpo para trazar las posibles sombras que van en las piernas. Para construir una mano, podemos usar nuestra propia mano como referencia. Vemos la posición en la que se encuentra el niño, e intentamos representarlo agregando un poco más de grasa. Ya tenemos un primer esbozo de las sombras del niño. Este esquema es el resultado de la estructura ligera general de todo el dibujo. Eso es muy importante. Es un error común tanto en pintores como en dibujantes. En muchos casos, los pintores agregan personajes a una misma pintura, y estos personajes tienen una iluminación diferente. Esto no tiene ningún sentido porque es la misma luz que debe proyectarse sobre todos los personajes que están dentro de la obra. En este cuadro, la luz viene de izquierda a derecha. Por lo tanto, el niño también debe tener la misma luz y no sólo eso, sino que la luz debe golpear al personaje principal con más fuerza que al niño porque este personaje principal está más cerca de la luz que el niño. Ahora mira cómo podemos ver el gradiente de grafito en el niño. Este es un buen ejemplo para notar lo claro que es el dibujo previo a una pintura. Observe que las partes oscuras del dibujo no son demasiado oscuras precisamente para que posteriormente podamos llenar el dibujo con tiza. Es una gran referencia para elegir cuáles son esos posibles colores que representarán sombras en el cuerpo del niño. Seguiremos trabajando en este niño en la próxima clase. 18. Color: el bebé: Vamos a vestir el color de la piel del niño. Tenemos que partir de que su color va a ser un poco más claro que el del otro personaje. No obstante, podemos utilizar el mismo personaje adulto para tener un punto de referencia de cómo podría ser esa piel del niño. Por ejemplo, si nos enfocamos las áreas más ligeras de nuestro ángulo adulto, podríamos tener más o menos una referencia de cómo podría verse la piel más clara Existen varias áreas iluminadas que podemos usar como referencia. Hemos mapeado muy bien las sombras en el niño. Es justo como debes hacerlo antes de crear una pintura al óleo, sobre todo en grandes formatos. Prestemos atención a esas áreas iluminadas con el color blanco del papel. Esas van a ser las zonas donde estará el tono de piel Observe como después de aplicar ese color amarillo, empiezo a cambiar el tono de la piel con otros colores como el marrón oscuro y el blanco. Este ejercicio de fijación de colores mediante choque de albahaca es un enfoque extraordinario para la pintura al óleo. Debo confesarte a temprana edad, aunque me encantaba pintar, odiaba la sensación de aceite en mis manos y huele Especialmente después de largas horas de trabajo en la granja. Una vez que probé los choques de albahaca, perdí el miedo y todo, y terminé enamorándome de las pinturas para siempre, también. No sé si te has dado cuenta que estoy usando un extensor de lápiz. Ya te había mencionado que se necesitan días para que un mensajero llegue aquí a caballo. Necesito este extensor para poder alargar la vida de mis lápices el mayor tiempo posible. Este en particular lo pedí a una gran firma norteña propiedad del honorable Sir Amazon. Observe cómo la luz que se proyecta sobre la tela también se proyecta en la espalda del niño. Esto es importante para darle un sentido orgánico al dibujo. luz siempre contiene color porque generalmente lo que golpea a los objetos es el reflejo del vuelo, que viene del objeto. Por otra parte, a este niño le falta un detalle, un detalle que nos dirá algo sobre él. El verdadero ángel caído es este niño, y debemos agregar un elemento distintivo que lo identifique como tal. Recuerda que lo más importante es contar algo a través del dibujo. La razón por la que este otro ángel está salvando este demonio recién nacido es porque el niño no es culpable de nacer así. El niño fue el resultado de una relación impía entre un ángel y una bella mujer demonio A lo mejor este ángel adulto es el padre del niño. Nunca lo sabremos. Lo único que sabemos es que algunos guardas del cielo tiraron al niño del cielo y este bebé está cayendo hacia el infierno, y este ángel protector está tratando de salvarlo. Ahora, vamos a utilizar como referencia todo el trabajo que hemos realizado en el cuerpo para aplicar el color al rostro. Ya tenemos el tono de las zonas claras y las zonas oscuras también con la iluminación de la tela. No debemos fallar. La razón por la que siempre empiezo con el cuerpo es porque debemos ser precisos en la construcción de las caras del personaje. El color en sí no es nada sin luz de estudio. Debemos experimentar y dominar el gradiente blanco y negro. Un buen dibujo a lápiz es el resultado de esa capacidad de capturar los diferentes colores que nos rodean. Y ahí está. seguir trabajando en la calidad del ala superior y la tela arriba para que se vean como sus contrapartes de abajo. Pero no importa. Nuestro trabajo corporal es lo suficientemente bueno para entender nuestro estudio del cuerpo y las telas. Esta obra es el ángel caído, y espero que la hayan disfrutado mucho.