Dibuja un retrato expresivo en carbonilla

1. Dibujo retrato de huella huella de huella de retratos: Hola ahí. Mi nombre es Siobhan. Soy artista y profesional de la animación. hoy te voy a enseñar a dibujar un retrato llamativo y expresivo en carbón. [ MÚSICA] En esta clase, te voy a caminar paso por el proceso de dibujar un retrato expresivo de principio a fin. Trabajarás junto a mí usando la referencia fotográfica que estoy usando y juntos desarrollaremos este retrato desde ser un montón de marcas desordenadas hasta ser una obra de arte pulida y terminada, o simplemente puedes ver el proceso y aplicar esta técnica o este acercamiento al dibujo a su propio trabajo utilizando su propia referencia fotográfica. Esta es una clase corta y enfocada en dibujar retratos expresivos. Yo quiero darles una comprensión adecuada de esta forma de dibujar y la confianza para que ustedes puedan tomar este enfoque y dibujar cualquier cosa. No sólo te divertirás dibujando un retrato de una manera intuitiva y expresiva, sino que a través de este proceso, creo que aprenderás que la forma en que usas tus marcas y tu lápiz puede en realidad desbloquea un lenguaje de dibujo que es único tuyo. Si estás listo para unirte a mí hoy en esta clase, te voy a llevar en un viaje por la creación de un dibujo y explicar mi proceso paso a paso de principio a fin. Te veré en clase. [ MÚSICA] 2. Materiales para esta clase: Uno de los aspectos clave para expresar un dibujo de cualquier tipo son los materiales que utilizas para realizar tu dibujo. Qué tipos de materiales de dibujo o herramientas de dibujo que utilizas realmente afectarán el tipo de marcas que puedes hacer. En esta clase, estoy trabajando con carbón en papel de periódico. Pero quería señalar que en realidad hay un par de tipos diferentes de carbón vegetal. Tengo un par de varillas diferentes de carbón aquí y solo pensé que tomaría unos minutos para explicar la diferencia entre cada uno de ellos. Este carbón de aquí es de Conte a Paris, y esto se llama carbón de sauce o a veces se llama carbón de vid. carbón de sauce generalmente viene en palos muy largos como este. Se trata de una maravillosa herramienta de dibujo para hacer marcas muy delicadas, finas, y también puedes obtener resultados bastante profundos bonitos tonos oscuros también. El asunto del carbón Willow o carbón de Vine es que, como es tan ligero, puedes moverlo mucho por la página y es genial trabajar con los detalles. El otro lado del espectro es algo llamado carbón comprimido. El carbón comprimido se ve muy diferente al Willow. Es mucho más denso, es más pesado, al instante deja carbón por todas las manos cada vez que lo manejas, y hace mucho más una marca más oscura en la página. Incluso con solo presionar bastante a la ligera, se puede acumular un tono muy oscuro. El tercer tipo de carbón que tengo aquí es un lápiz de carbón. Creo que esto probablemente se compone de algo así como carbón comprimido solo es en forma de lápiz. Si estás acostumbrado a dibujar con lápices de grafito, tal vez trabajar con el lápiz de carbón te convenga. Lo último que quería señalar es que estaré trabajando con una goma de borrar amasada. Ahora, un borrador amasado es fácil de combinar. Probablemente sea lo mejor para trabajar porque puedes darle forma y convertirla en una herramienta de dibujo real si quisieras. Funciona muy bien con carbón de Vine o Sauce. Puede borrarlo con bastante facilidad. Diré que es un poco más difícil borrar el carbón comprimido. A veces tiende a mancharlo si carbón comprimido está en capas bastante gruesas, pero definitivamente puedes borrar zonas más claras muy bien. Generalmente me gusta trabajar en papel de papel de periódico, que es un papel suave muy suave y funciona excelente con carbón vegetal. Esta es mi configuración para esta clase. Voy a estar mirando la imagen de referencia en la pantalla de mi laptop. Voy a grabar el dibujo desde arriba. Yo sólo quería mencionar que muchas veces prefiero dibujar pie y tal vez encuentres que una mejor manera de dibujar también. Cuando estoy de pie siento que tengo una mejor vista de mi trabajo y también crucialmente tengo mejor acceso a mi energía la cual es una parte importante del dibujo expresivo dinámico así como tener intenta poner tu propia energía en el trabajo que estás haciendo. Experimenta en casa si te resulta más fácil dibujar sentado, eso está totalmente bien. Pero ten en cuenta que si dibujas de pie, podrías obtener marcas más expresivas. Antes de entrar en el proceso de dibujo, lo que quiero que hagas como ejercicio de calentamiento es tomar un trozo de papel y ver si puedes practicar tonos de dibujo con cualquier herramienta de dibujo que estés usando, y averigua lo que es mejor para ti en cuanto a conseguir un rango dinámico de marcas. Trata de practicar diferentes tipos de marcas de barrido. Evita articulación, cierre, apretado y pequeño e intenta mover todo el brazo cuando dibujas casi como si lo estuvieras moviendo de tu hombro en lugar de simplemente mover el lápiz solo de tu muñeca. Por favor, deja caer el comentario en la pestaña de discusión y avísame qué material de dibujo estás usando. ¿ Es un lápiz o se pega carbón? Entonces cuando estés listo, únete a mí en la siguiente lección y repasaré los hitos de la cara que tenemos que cuidar cuando estemos dibujando un retrato. 3. Hitos importantes del rostro: [ MÚSICA] En esta lección, voy a repasar las proporciones generales de la cabeza para que sepas qué buscar cuando te acerquesa buscar cuando te acerques dibujar un retrato de cualquier tipo, pero específicamente dibujando la imagen de referencia en esta clase. Dado que esta clase se trata de dibujo expresivo y dinámico, es esencial que entienda que no estamos tratando de obtener una semejanza fotográfica exacta o calidad fotográfica en nuestro dibujo. Realmente queremos poder interpretar casi nuestra referencia o nuestra materia. No quiero que estés atado a rigurosas líneas de medición o construcción de concreto. En cambio, quiero que seas capaz dibujar con más acceso a tu propio sentimiento e intuición y realmente dibujar tu respuesta a lo que ves. En otras palabras, no quiero que te conformes para unirte a ninguna plantilla predeterminada. No obstante, con eso dicho, hay otro lado del dibujo expresivo, y así es como observas o como miras a tu tema. Está muy bien hablar de marcas dinámicas expresivas. Pero en realidad, tienes que poder usar esas marcas al servicio de lo que estás observando. tenemos que dar una consideración muy cuidadosa a nuestro tema y a qué es lo que estamos viendo. Para mí, un buen conocimiento o comprensión de la estructura de la forma humana es muy importante cuando estoy dibujando. Pero a menudo encuentro que los cajones de principiante se atascan en la anatomía demasiado pronto cuando están aprendiendo a dibujar. En realidad puede impedir que desarrollen la forma en que dibujan. Lo mismo se puede decir para aprender a dibujar en cubos y óvalos. Es muy útil desde el punto de vista del diseño. No todo es tan útil cuando estás dibujando desde la observación, porque tiende a hacer que las cosas parezcan genéricas y a no dejar mucho espacio para la expresión o la singularidad. El modo en que voy a acercarme al dibujo en esta clase es buscar las características o los puntos de referencia en la imagen de referencia o el tema, para luego entender dónde colocarlos en mi página. Eso es realmente importante. Es una sutil distinción entre dibujar una plantilla y entender qué buscar. Por ejemplo, si te han dicho, digamos, que la cara se puede descomponer en algo así como tres tercios iguales, eso en realidad no se aplica a cada cara y realmente deberías tener esa regla en mente, pero siempre pruébalo en el tema que estás mirando. Otro ejemplo está en nuestra imagen de referencia aquí. puede ver si lo miras directamente sobre eso, la oreja en realidad es muy, muy baja en la forma general de la cabeza. Normalmente, se podría pensar que el oído necesita alinearse con la parte inferior de la nariz. Pero hay que tener cuidado porque en esta instancia, cabeza de nuestra modelo está realmente inclinada y por eso la oreja aparece mucho más baja. Estas son pistas y puntos de referencia que quiero buscar para mi dibujo sea expresivo pero también coincida con la referencia. Estas son las principales cosas que cuido cuando estoy dibujando. Lo primero que busco es el tamaño de la frente, desde las cejas hasta el cabello. La ubicación de los ojos justo debajo de eso. Entonces busco la dirección de la nariz y la dirección de los ojos. Por lo general se trata de una forma de T en esta instancia, porque la modelo está girando e inclinando ligeramente la cabeza, obtenemos una forma de T como esta. Una vez que hayas identificado ese ángulo, puedes trabajar la distancia desde la nariz hasta la mejilla externa y desde la nariz hasta la mejilla interna, o esta mejilla por aquí donde la línea del cabello está por aquí. Entonces buscaré la ubicación de la oreja, que siempre es súper importante como acabo de decir. Debido a que la oreja se encuentra bastante baja en la forma general aquí, es un indicador realmente bueno de la inclinación de la cabeza. Entonces, por último, busco la distancia desde la barbilla con la parte inferior de la cara hasta la nariz, y localizaré la boca alrededor de la mitad de camino ahí dentro. Sin dibujar ningún detalle o sin tratar de dibujar ángulos y medir, estoy usando una línea muy grande, perder para mapear estos hitos que he identificado. [ MÚSICA] Ciertamente puedes usar este mapa si te gusta como guía para tu propio dibujo. Pero de verdad te animaría a tratar de encontrar intuitivamente estos hitos o estas características del rostro a través de tu propia marca y a través de tu observación. Te irá mucho más allá si puedes intentar aflojarte y trabajar de esta manera, en lugar de tratar de confiar en una guía de conjuntos o en una plantilla de conjunto. En la siguiente lección sin embargo, vamos a iniciar el proceso y te mostraré exactamente cómo abordar este dibujo paso a paso. 4. Bloque de fase 1: [ MÚSICA] En esta lección vamos a empezar el dibujo, así que agarra tu lápiz o tu carbón vegetal, sube la referencia fotográfica, y empezaremos. [ MÚSICA] Las primeras marcas que voy a hacer en la página realmente simplemente van a aproximarse a una forma general. Tiendo a usar estos movimientos circulares muy redondos. Ayuda a tener una idea del volumen general. Lo que estoy haciendo es que estoy mirando la imagen de referencia y simplemente moviendo el carbón para tratar de igualar mis movimientos oculares. Estoy tratando de encontrar donde creo que están la parte superior, la inferior, y los lados de la cabeza. Ahora muy a la ligera. Voy a indicar dónde está la sombra de este lado y la gran masa o la forma grande del cabello, que eventualmente será la zona más oscura. Ahora, en este punto casi tengo una forma legible. Ahora, solo marcaré ligeramente algunas de las áreas de sombra donde están los ojos. No tienen que ser exactos. Simplemente estoy bloqueando en algunas formas y luego voy a bloquear o delinear la nariz, sobre todo alrededor donde creo que estará la parte inferior de la nariz y igual manera, un poco de sombra a marcar algunas áreas alrededor de los labios. Es importante tener en cuenta que no estoy dibujando detalles finos de ninguna de estas características. Simplemente estoy bloqueando en secciones de sombra. En lugar de dibujar la forma real de la boca, sólo voy a marcar donde veo las zonas más oscuras. Esa suele ser la sombra debajo del labio superior y la sombra debajo del labio inferior. Ahora voy a trabajar un poco más de vuelta a la nariz y tocar algunas de las áreas oscuras alrededor de la nariz para darle un poco más de definición, pero sigo tratando de ser menos precisa, más enfocada en sólo las formas de sombra. De verdad no tienes que preocuparte por dibujarlos como algo específico ahora mismo. Usar marcas apenas desordenadas está totalmente bien para esta fase del dibujo. Para mí de todos modos, este enfoque funciona. Me gusta enfocarme en las sombras de una forma más que en la forma real misma. Ahora asegúrate de hacer este trabajo extremadamente a la ligera en el escenario. El carbón comprimido se oscurece muy rápidamente y no quieres empezar tan oscuro que el dibujo luego se vuelve impracticable más adelante. Intenta tanto como puedas para hacer tu carbón vegetal o cualquier herramienta de dibujo con la que estés trabajando, intenta que sea lo más grande posible en esta fase temprana. Después hay tiempo de sobra para ir en más oscuro. Ahora me voy a centrar en los oscuros alrededor de los ojos. Ahora podría parecer que es detalle, pero lo que pretendo hacer es simplemente anotar o marcar dónde están estas áreas oscuras. Nuevamente, estoy evitando dibujar el ojo como un todo o una forma concebida porque sé que si hago eso va a mirar realmente fuera. En cambio lo que hago es solo marcar donde suelen estar estas manchas realmente oscuras, como la pupila del ojo o del iris, y las esquinas. Como se puede ver, ese bloqueo anterior en de las sombras alrededor del área de los ojos no es tan prominente como lo que primero se podría pensar. Ese primer bloqueo es solo una guía para saber dónde colocar los ojos. Entonces cuando empiezas a dibujar en la parte superior en realidad se vuelve bastante derribado. No tengas miedo de usar tu carbón vegetal para agregar áreas de sombreado como guías. Ahora voy a empezar a ir un poco oscuro con un poco más de confianza. Siento ahora que sé dónde están los elementos y parecen estar en el lugar correcto, por lo que puedo empezar a comprometerme con esto ahora. Poco a poco añade unos oscuros más donde necesitan estar alrededor de los ojos, otra vez todavía sin dibujar ojos, simplemente escenificando y reponiendo estas pequeñas áreas de tono oscuro [ANTECEDENTES]. Toda la fase o todo el camino tardaron apenas unos minutos. Es la fase más importante. Esos pocos minutos realmente han colocado todo donde necesitan estar y ya parece que se está juntando como un dibujo. Solo para recapitular, tu primer pase dibuja lo más ligeramente posible, bloquea en la forma general, encuentra primero la parte superior, la inferior y los lados. Después trabaje en agregar sombreado y áreas oscuras a través de las características. Evite tratar de dibujar características en y no en sí mismos. En la siguiente lección llevaremos esto a la segunda etapa y comenzaremos a sumar esos detalles. 5. Bloque de fases 2 en el cabello: [ MÚSICA] En la lección anterior, acabamos de bloquear en la forma general de la cabeza, así como las características de los ojos, la nariz y la boca. Solo estoy haciendo un par de ajustes más a las zonas oscuras de aquí. Ahora lo que quiero hacer en esta lección es simplemente bloquear el resto de la forma del cabello alrededor de la cara de la modelo. Eso será súper importante para nuestra imagen de referencia porque el cabello será la parte más oscura del dibujo. Cubre una sección bastante grande de la composición, y creo que para este dibujo, es una buena idea bajar e identificar el tono oscuro. Indicará el área más oscura, y podremos referirnos a eso para el resto de los valores. Siempre que estés haciendo un dibujo como este desde la observación, siempre debes estar pensando en términos de tu imagen en su conjunto, y eso realmente se aplica a los valores a lo largo de tu dibujo. Por valores me refiero a tus tonos oscuros, tus tonos medios, y tus tonos claros. Tener un tono oscuro específico que sabes va a ser el valor más oscuro, eso realmente te ayudará a relacionar todos los demás tonos medios y tonos claros a ese tono oscuroalo largo de tu dibujo. Estoy presionando bastante fuerte con el carbón y realmente voy por un casi, lo más oscuro que pueda, sabiendo que voy a estar comparando mis tonos para el resto del dibujo. La forma del cabello no tiene por qué ser completamente exacta, es solo que en el escenario sigue simplemente bloqueando. Pero trata de ser consciente en este punto de, lo que siempre busco es el espacio de la parte posterior de la cabeza. La distancia desde la oreja hasta la parte posterior misma de la forma del cabello. Ese es un marcador importante o una distancia importante que siempre busco. [ MÚSICA] Si miras el dibujo en esta etapa, puedes ver que está funcionando en términos de composición y está funcionando en términos de reparto y todos los elementos están ahí. En realidad se trata sólo de refinar lo que se ha establecido como base. Mi estrategia o la forma en que operaré de aquí en adelante, es muy simple. Simplemente voy a volver sobre esas áreas que he identificado como áreas oscuras, reafirmaré mis oscuros, y luego en la siguiente lección intentaré sacar algunas de las luces o los aspectos más destacados. Simplemente vamos a rematar la forma del cabello. Te darás cuenta de que estoy dejando algunas áreas del cabello para leer como reflejos. No tienes que quedar demasiado atrapado en dibujar detalles del cabello. Puedes bloquear en solo áreas básicas de tono, pero intenta ser sensible o consciente de las formas de los tonos. Identificar la forma de los reflejos, identificar la forma de los oscuros. Ahora estoy empezando a intentar realmente que mi carbón funcione para mí, realmente soy como presionar lo más fuerte que pueda, el carbón se está rompiendo a menudo en algunos lugares. No quiero limpiar el carbón de la página, así que sólo estoy tratando de volarlo. Entonces en esta etapa voy a utilizar la goma de borrar amasada para dibujar en algunos de los aspectos más destacados. Lo que voy a hacer ahora es solo ordenar este borde con cuidado y puedes dar forma al borrador, como dije antes, voy a simplemente derribar algo de la sombra en esta mejilla izquierda por aquí, en la mejilla izquierda como nos miramos. Lo creas o no, este dibujo casi está terminado. Al agregar en esa forma de cabello, hemos completado un pase básico en el dibujo. Se ve muy cerca de terminar. Hay un montón de pequeños puntos de finalización menores que podemos hacer para se vea totalmente pulido y completo. [ MÚSICA] Empiezo a ponerme un poco detallada ahora, empiezo a marcar a los detalles del dibujo. Estoy usando el borrador. En la siguiente lección, en realidad voy a entrar y hacer que algunos de los aspectos más destacados sean un poco más pronunciados. Cuando estés listo, únete a mí en la siguiente lección. [ MÚSICA] 6. Phase que se añadir resaltados: [ MÚSICA] La forma en que agrego reflejos a mi dibujo en esta etapa es realmente solo usar el borrador para derribar algunas de las marcas de carbón y permitir que pasen algunos reflejos. Para ello, el borrador amasado es realmente, lo uso menos como borrador, más una herramienta de dibujo real en sí. Esto significa que simplemente puedo dibujar en los reflejos, la forma real de los reflejos quitando parte del carbón. Simplemente moldearlo en casi como una herramienta de dibujo con un pequeño punto en la parte superior y limpie con cuidado o difumina el carbón donde quieras que estén las áreas más claras. No tienes que ir con las manos pesadas con esto. Sólo un simple toque en la página suele ser todo lo que es necesario. A veces obviamente con carbón comprimido, es mucho más grueso y pesado que algo así como carbón de sauce y sí se necesita un poco más de trabajar con el borrador. Pero es en general, no tienes que exagerar en absoluto. Este lado del rostro de la modelo está realmente iluminado. Es un poco complicado. Hay una sutil caída de sombras, o debería decir una caída de la luz. Está pasando algún ligero sombreado que define la mejilla. Se va a tomar un poco de finalizando por mi parte. Esta zona por encima del labio superior y el mismo borde de la mejilla. No es sencillo. Estoy tratando de trabajar cuidadosamente alrededor de esa zona. Me verás usando el dedo también para mover el carbón por ahí. No soy fan de, digamos mezclar carbón vegetal. No me gusta particularmente ese look ni ese estilo. Iré por encima de mi carbón con los dedos solo un pincel minúsculo aquí y allá. Todo lo que puedo decir es que si estás en esta etapa, solo ve despacio en este punto y con cuidado, no intentes apresurarlo. Las primeras fases del dibujo son un poco más enérgicas y un poco más salvajes, bajando cualquier marca. Pero ahora mismo, realmente solo necesitas ser lo más cuidadoso posible y no trabajar las cosas de manera lenta. En realidad ahora se trata de ralentizar el proceso y progresar en pequeños incrementos. Siempre puedes volver a agregar si has tomado demasiado y luego volver a trabajar la zona y continuar hasta que sientas que está bien. Eso es lo genial del carbón vegetal y una goma de borrar amasada. Recuerda que en realidad no vamos por una imagen fotográfica aquí. Es importante que coincida con las formas y las características que se ven. Pero el dibujo expresivo significa que eres capaz de estar un poco más suelto y un poco más de intuición. En última instancia, esas marcas intuitivas sueltas traerán ese elemento de vida y una calidad dinámica que creo que no necesariamente conseguirás si intentas dibujar una estricta calidad fotográfica, tipo fotorealismo de dibujo. Puedo ver que mi dibujo se parece a la foto. Pero también estoy trabajando todo lo que puedo con mis marcas. Deja que tus marcas te guíen y te guíen. Para mí, este proceso realmente se trata de dejar que el dibujo salga por sí mismo. Ahora sé que eso no suena práctico ni aplicable en un sentido riguroso. ¿ Cómo se deja emerger un dibujo? Pero si sigues tu sentimiento por lo que ves al dibujar, experimentarás que pueden aparecer algunas marcas en las que no planeaste o no necesariamente sabías que las vas a hacer. Esas marcas son las que hacen que tu dibujo cobre vida. El dibujo expresivo se trata permitir que estos errores entren y mantenerlos en tu dibujo en lugar de tratar perfeccionarlos o perfeccionar tu dibujo. O para que se ajuste tu idea preconcebida de cómo debe ser tu dibujo. Es realmente un proceso en el que necesitas entrar y experimentar. Entonces ojalá te haga clic cuando lo hayas experimentado. Si notan, he borrado bastante la dura línea o sombra que inicialmente puse abajo en el lado izquierdo de la nariz de la modelo. Esto es algo que podrías no pensar inicialmente que es un gran problema, pero muchas veces, hay muy poca distinción entre la nariz y esa mejilla. En esta imagen o esta referencia fotográfica, ese es un caso a punto. Hay un sutil sombreado o sutil cambio de valor de la nariz a la mejilla izquierda mientras miramos la imagen. Tan solo ten en cuenta que no tienes que dibujar una gran línea por el borde de la nariz para definirlo. Sólo recuerda que a menudo el ojo del espectador llenará los espacios en blanco para ti también, por lo que no tienes que dibujar absolutamente todo. Te animaría a tener paciencia con esta fase del dibujo, es muy a menudo la fase donde porque las cosas se han desacelerado, puedes quedarte bastante atrapado en los detalles y empezar a cosas de exceso de trabajo. Ciertamente estoy en peligro de sobretrabajar, destruir en este punto. En ocasiones miraré hacia atrás y diré, ¿por qué no dejé de dibujar 20 minutos antes del final de la sesión porque la explosión inicial del dibujo suele ser mucho mejor. Pero quédate con ella. Mi consejo en esta etapa antes de pasar a la etapa muy final es frenar las cosas e ir lenta y constantemente. En la siguiente lección, voy a hacer un último pase sobre este dibujo y reafirmar mis oscuros por última vez, solo para asegurarme de que el contraste esté funcionando. Te veré en la siguiente lección. 7. Repaso de fases: [ MÚSICA] Para recapitular el proceso desde el principio una vez más, los primeros pasos son realmente solo para sombrear ligeramente todo el área de tu dibujo, descifrando la composición, colocando esa composición en tu página, y encontrar los perímetros como la parte superior, la inferior, y los lados a través de tus marcas. Entonces el siguiente paso es acumular lentamente áreas de valores más oscuros, las sombras, el sombreado, y los tonos realmente oscuros como el cabello, las sombras oscuras alrededor de los ojos, la nariz y la boca. Una vez que tengas todas esas en su lugar, entonces podrás empezar a derribar algunas de tus marcas para revelar reflejos y esos tonos claros y áreas más brillantes. En esta lección, voy a trabajar en reafirmar los oscuros a lo largo de mi dibujo. Lo que esto significa es que voy a empezar a ser un poco más preciso y un poco más comprometido con el dibujo enfatizando esas sombras realmente oscuras en la cara. Busco áreas donde pueda escenificar y enfatizar el contraste. Lugares alrededor de la oreja suele ser bueno, eso ayuda a que la oreja destaque de la línea del cabello. Debajo de la barbilla hay otra zona donde suele haber una sombra muy oscura, y quiero enfatizar eso tanto como pueda. De verdad estoy tratando de empujar el carbón para conseguir tanto de marca oscura como pueda en esta etapa. Ahora, voy a usar el borde de la esquina mismo del carbón y estoy agregando en una línea de contorno muy simple para trazar el borde azul del hombro, y no es más que eso. Eso es todo lo que se necesita en esta situación para dar esta composición o para dar esta pose, es expresión plena. Dentro de este dibujo, siento que hay tanta información y tanto sombreado pasando alrededor de las características de la cara. Siento que toda una línea muy simple, una ligera línea delicada para explicar el ángulo del hombro y la pose. Eso es realmente todo lo que necesitas. También esta sencilla línea agregará contraste porque la línea sutil contrasta con el sombreado y el trabajo tonal en el resto del dibujo. Agregar contraste en tu dibujo es lo que va a hacer que se sienta mucho más real, porque el contraste agrega interés en un sentido visual, y también ayuda al espectador a leer las tres dimensionalidad de tu forma y el formas. Lo que estoy haciendo es, no estoy tratando de tener el mismo tono exacto o la misma marca exacta en todo el dibujo. Estoy tratando de ser consciente de tener una marca variada, así como una variación en tonos de brillante a oscuro. A menudo encuentro que el área debajo la mandíbula es bastante importante, y trato de darle un poco de atención a eso y asegurarme de que meto esa sombra, porque esa sombra es crucial para ayudar en el cabeza [RISAS]. Lee como si estuviera en la cabeza y cuello que leen en un sentido más estructural, lo ayuda a que se sienta más pesado. Ahora también voy a enfatizar las áreas oscuras del cabello de los modelos, este lado de la cara, luego solo asegurarme de que enmarque bien las características y cree un borde promedio al pómulo. Se puede pensar en este proceso casi de manera escultórica, agregando y restando, agregando en las marcas oscuras o agregando en el carbón, luego derribarlo o tallándolo de nuevo con la herramienta de borrador, por lo que es un proceso bastante interesante en ese sentido. Cuando estoy trabajando en los ojos, realmente solo estoy metiendo el carbón hacia abajo, diría. No necesariamente estoy dibujando una forma o dibujando una línea de contorno o cualquier contorno. Es contra-intuitivo, pero sí encuentro que aparte de la forma del párpado superior, me ayuda sólo a hacer pinchazos de marcas en lugar de dibujar contornos para lo que creo la forma de todo el ojo debería serlo. Este dibujo está casi completamente hecho. El último escenario es una sesión corta muy sencilla solo para refinar y fingir cualquiera de esos pequeños detalles. De verdad no quiero trabajar demasiado este dibujo, porque hay tanto en esto que necesita ser abierto y claro. Sobretrabajar esto o sobredibujarlo podría hacerme perder esa cualidad encantadora que está en la pose. [ MÚSICA] En la última fase, te voy a mostrar cómo afinar estos pequeños detalles, los toques finales, que en realidad es sólo cuestión de una o dos adiciones o una o dos toca aquí y allá. Cuando estés listo, únete a mí en la siguiente lección. [ MÚSICA] 8. Paso final de fase 5: Antes mencioné que uno de los retos de este tipo de dibujo es tratar de asegurarte de que no trabajes demasiado tu dibujo. Parte de hacer un dibujo expresivo o dinámico es que quieres intentar mantener en esas marcas muy intuitivas y gestuales en tu dibujo. Esas son las marcas que le dan a tu dibujo esa calidad y la expresión de vida que quieres asegurarte está presente en tu trabajo. En este punto, estoy tratando de caminar esa cuerda floja o encontrar ese equilibrio realmente y solo hacer un par de detalles finales más, y entonces realmente solo a un paso. Lo que puedo decir es que mi finalización final, en mi acercamiento final en esto es asegurar que las áreas que necesitan los oscuros más oscuros, sé que sigo repitiendo esto a lo largo de esta clase, pero esas áreas solo para asegurarme que están definidos y el contraste funciona, y hay claridad dentro de esas áreas oscuras, y no son wishy-washy. Estoy hablando específicamente de cosas como la pupila del ojo, tal vez algunas áreas en el cabello. Sí suena un poco aleatorio o un poco abstracto, pero aclarar esos puntos de contraste oscuro en realidad hará que el dibujo parezca mucho más claro en general. De verdad estoy tratando de solo trabajar un poco alrededor de la forma del ojo aquí, asegurándome de que tengo la forma de la pupila correcta, asegurándome de que esté lo suficientemente oscuro y que se lea, y luego solo estoy trabajando en el cabello un poco y ligeramente dibujando algunos mechones de cabello. Normalmente no me pongo demasiado detallado a la hora de dibujar el pelo, pero creo que en esta instancia trazar uno o dos de estos mechones de cabello le dará un efecto realmente bonito al dibujo. Nuevamente, solo trabajando sobre mis zonas más oscuras y asegurándome de que sean lo suficientemente fuertes y darán el contraste que quiero. Ya veo una gran diferencia en realidad en cuanto a cómo hay mucha más claridad en este dibujo ahora que acabo de trabajar esas áreas a lo que considero, o lo que puedo decir son las zonas más oscuras. Posiblemente entonces lo último que haré es asegurarme de que mis luces o mis áreas más ligeras también estén funcionando. Regresando con mi goma de borrar amasada y simplemente escogiendo los aspectos más destacados para eso. En la siguiente lección, voy a terminar la clase y te voy a dar mis pensamientos o ideas sobre lo que hace un buen dibujo porque creo que probablemente sea algo útil para charlar al final de este proceso. Esperemos que te hayas quedado conmigo lo largo del proceso de este dibujo. Esperemos que hayas aprendido algo realmente interesante o al menos has conseguido algo de inspiración para tu propia práctica de dibujo. En esta última lección, que viene a continuación, sólo quiero explicar lo que creo que hace un buen dibujo para mí y cómo eso afecta a mi proceso y a mi enfoque general en cuanto al dibujo. Cuando estés listo, encuéntrame en la lección final. 9. Mis reflexiones en este proceso: Sé que este dibujo no es una semejanza fotográfica exacta de nuestra imagen de referencia. Pero como dije desde el principio, el objetivo no es dibujar una foto. En realidad, el objetivo final de esta clase es que habrás explorado tu expresión a través de la creación de marcas. Habrás logrado un dibujo cohesivo, un dibujo que funciona. El énfasis para mí de todos modos está en el dibujo y el proceso, no en la referencia. Ahora, sé que mucha gente tiende a escribir dibujos sobre si el dibujo parece o no una foto. Pero una de las razones por las que no incluí mucho la foto durante las lecciones de mi dibujo, es porque fundamentalmente no creo que una semejanza fotográfica sea necesariamente un indicador absoluto de un buen dibujo. Quería que te centraras en el proceso y en la realización de marcas más que en la comparación entre el dibujo y la foto. Al mirar la foto al lado del dibujo, solo naturalmente querrás compararlas de esa manera. En esta última lección, quiero compartir con ustedes lo que creo que es un criterio para lo que yo consideraría un buen dibujo. Esto es personal para mí. Es mi propio criterio, pero podría tener sentido para ti y avísame si lo hace. En primer lugar, recuerda, el dibujo es una forma de arte expresiva, y eso significa que es una forma de decir algo o describir algo a través de marcas. Para mí en mi práctica de dibujo, si siento que he llegado a un punto mi dibujo donde he dicho todo lo que necesito decir, entonces sé que estoy acabado. Si sé que el dibujo está terminado, entonces eso para mí es igual a un buen dibujo. Una vez que sé que no hay nada más que pueda agregar, estoy cómodo y a gusto con el hecho de que el proceso está hecho. Me alegra decir que el dibujo está completo. Para mí, ese es un indicador mucho más fuerte de un buen dibujo que cualquier otra cosa realmente, porque significa que me he expresado en proceso de Nash. Así es como pienso al respecto. Si no querías hablar en términos de buen dibujo o mal dibujo, me importa si a alguien más le gusta o no. Lo que importa es si siento que representa lo que quería decir. Veo totalmente el valor en la cantidad de habilidad que se necesita para producir una calidad fotográfica o semejanza fotográfica. Pero sólo quería compartir esta perspectiva y esta idea contigo porque siento que la habilidad que se necesita para ser expresivo, para ser receptivo, siento que a menudo se pasa por alto, sobre todo en el dibujo de retratos y figuras . En realidad se necesita bastante para dibujar de una manera suelta y desordenada. Al principio, crees que no tienes control. Pero con la práctica, puedes llegar a un punto donde puedes controlar estas marcas desordenadas y ese es el punto donde entra en juego tu expresión. Con eso, tu propio lenguaje de dibujo. Un lenguaje basado en cómo te ves y cómo pones tus propias marcas. De verdad espero que hayas encontrado esta clase corta útil para tu propio dibujo y que haya despertado interés en ti por desarrollar o explorar aún más el dibujo gestos y el dibujo dinámico expresivo. Por favor avísame lo que piensas, me encantaría saber de ti. Si haces un dibujo hoy o en cualquier momento después de esta clase, entonces me encantaría ver tu trabajo. Asegúrate de publicarlo. Gracias de nuevo por tomarse este tiempo para estar conmigo durante este dibujo. Espero verlos en la siguiente clase.