Dibuja sin miedo: un enfoque de cuidado personal para la creatividad diaria

1. Introducción: Dibujar sin miedo es un enfoque diferente para ser creativo. Es cuando usas el dibujo como herramienta en tu vida. A veces la vida puede sentirse así y dibujar sin miedo es cuando usas el dibujo diario para ir al papel. Bienvenidos a mi clase de choza escolar. Mi nombre es Catherine Jennifer. Soy artista, diseñadora freelance y madre de cuatro chicos jóvenes. He hecho esta clase porque sé que el miedo es una enorme barrera que impide gente acceder y expresar su creatividad innata. El miedo puede enmascararse como ajetreo o dilación. Pero es lo más grande que o te impide iniciar tu carrera a trabajar, o te impide llegar al lugar donde la creatividad es libre y divertida. En esta clase, comparto mi marco para lidiar con el miedo. Primero veremos las etapas del proceso creativo. Entonces demostraré seis técnicas que puedes tratar de ayudarte a hacer que el cerebro se desplace hacia la zona donde la creatividad es libre y divertida. El marco se basa en desarrollar una mentalidad sana alrededor de tu creatividad. Cuando la creatividad comienza desde un lugar de autocuidado, no hay espacio para la culpa o la vergüenza. No necesitas ningún conocimiento previo para tomar esta clase. Todo lo que necesitas son algunos suministros básicos de arte. Si eres alguien que anhela ser creativo, pero no sabes cómo empezar. O si te has embarcado en desafíos de 100 días pero divertidos y difíciles de sostener. O si simplemente quieres aprender a aflojarte y divertirte más con tu arte. Entonces esta clase es para ti. Para tu proyecto de clase, primero considerarás formas de mejorar tu espacio de trabajo. Después probarás las técnicas que yo demuestro. Por último, aprenderás a evaluar tu sesión creativa en lugar de juzgar tu producto creativo. Al final de la clase, sabrás cómo empezar rápidamente, tendrás técnicas específicas que probar cuando encuentres que o no estás amando lo que haces o no te diviertes. Debido a que el marco posiciona diversión y autocuidado en el centro, estarás en una posición gerencial para sostener tu creatividad a largo plazo. Si has estado anhelando dejar salir un poco de tu locura en el papel, entonces realmente espero que te unas a mí en este viaje. Empecemos. 2. Proyecto: El proyecto para esta clase se divide en tres partes. La primera parte es configurar o potenciar tu espacio creativo, la segunda parte es probar las técnicas que demuestro en las videolecciones que empiezan con cómo, esto debería tardar unos 20 minutos, y la tercera parte es para descargar la plantilla de evaluación y tener una oportunidad en evaluar tu sesión, eso debería tardar unos 5-10 minutos. Elegí este proyecto porque tener un espacio acogedor es alrededor del 50 por ciento de la batalla una, el otro 50 por ciento depende en parte de entender tu proceso creativo, y tener las herramientas para esquivar o saltar sobre el miedo, y en parte en divertirse durante tu sesión. Diviértete depende bastante de tener un conjunto de herramientas de técnicas que puedes aprovechar para meterte en la zona de libertad. El proyecto, es ir a las técnicas sin preocuparte por el desenlace, e incluso puedes descubrir algunas técnicas nuevas que funcionan para ti y que son divertidas. Para prepararte para un proyecto exitoso, te recomendaría dejar ir el perfeccionismo y el juicio. El encuentro de clases no es una revista hogareña y terrorista, y no nos interesa ver tomas inmaculadas perfectamente estilizadas de tu espacio creativo. De hecho, un espacio que es demasiado perfecto, probablemente no esté viendo mucho uso, si trabajas en tu mesa de cocina, pero tienes una manera inteligente de almacenar tus materiales de arte, entonces ella se refirió a eso. El propósito es pensar en tu espacio, y hacerlo un poco más acogedor, y también, construir un sentido de comunidad, que todos podamos imaginar a todos los demás allá afuera, trabajando en sus espacios creativos, y todos podemos sentirnos menos solos. Consulta los consejos que he dado en la sección cuatro de recursos, pequeñas mejoras que puedes hacer a tu espacio. Para mí, lo más grande que marcó la diferencia fue cuando instalé iluminación adecuada de oficina. Si la iluminación es algo con lo que luchas, entonces considera invertir en como lámpara que tiene una bombilla blanca, puede marcar una gran diferencia si trabajas con color. La segunda parte de tu proyecto es jugar durante 20 minutos, y probar las técnicas que demuestro en las videolecciones que comienzan con cómo. Para esta parte, todo lo que tienes que hacer es elegir una imagen para trabajar, configurar tu alarma por 20 minutos y divertirte. El propósito de este ejercicio no es hacer una obra maestra, el propósito es probar por ti mismo, las técnicas que pueden ayudarte a hacer el cambio de calificación controladora, a tu grado intuitivo más expresivo. Estás buscando el turno que te pueda meter en el lugar donde hacer arte es alegre y expresivo y divertido. Podrías pasar 20 minutos en una técnica, o puedes batir todas ellas, lo que sea que te sienta bien, y por favor no te preocupes, no hay imperativo compartir lo que haces en estos 20 minutos. Para la mayoría de la gente, compartir lo que haces cuando solo trabajas con 20 minutos es aterrador, y el propósito de la clase es disipar el miedo, no crear más miedo. Si quieres compartir, nos encantaría verlo, pero por favor, no es un requisito para la clase. La tercera parte del proyecto es descargar la plantilla de evaluación, y pasar unos minutos reflexionando sobre tu sesión y evaluando lo que salió bien, donde te sentías atascado, donde te sentías libre, lo que disfrutaste, te también puede querer hacer notas en una revista. Como dije antes, tenga en cuenta que, evaluar su sesión es completamente diferente a juzgar su dibujo. puedas hacer un dibujo con el que no estés contento, pero aún así puedes estar muy contento con cómo fue la sesión y cómo te sientes después, y esto es realmente importante ser consciente de cuándo quieres sostener tu práctica sobre el largo plazo. La evaluación es posiblemente la parte más importante del proyecto, por lo que tu proyecto terminado debe verse así, foto de tu espacio puedes mostrar algunos ejemplos de tu trabajo si quieres, y luego tu evaluación. Al completar el proyecto, tendrás un espacio aún mejor, más acogedor que antes, algunas técnicas nuevas para aprovechar cuando necesites aflojarte y divertirte más, y tendrás las herramientas para ayudarte a reflexionar rápida y fácilmente en tu sesión creativa, que luego podrás construir al día siguiente. Como artistas, la mayoría de nosotros trabajamos solos, pero no tenemos que sentir que estamos solos. Durante mucho tiempo en mi vida, me sentí como un extraño porque simplemente no conocía a ninguna otra gente creativa. Pero en los últimos años he conocido, a través de Internet, gente creativa increíble, y ahora siento que soy parte de una comunidad creativa, y soy parte de una tribu, y hace una gran diferencia en cada aspecto de mi vida creativa. Al final de este video, pausa la clase, ve y haz una pequeña mejora en tu espacio creativo, toma una foto rápida y publícala en la galería de proyectos. Después estarás listo y listo para empezar a trabajar en las otras secciones del proyecto más adelante en la clase. En la siguiente sección, vamos a ver todos los materiales encantadores que podrías usar para esta clase, nos vemos ahí. 3. Materiales: Los materiales que necesitarás para esta clase son algunos de papel de acuarela. Este es un pad de 200 gramos el cual puedo arrancar las páginas. Doscientos gramos son lo suficientemente gruesos como para soportar bastantes abusos, pero no tan gruesos que me asusta usarlo y me asusta desperdiciarlo. Necesitarás algunas pinturas de acuarela. Este es un conjunto de Daniel Smith, que son realmente agradables para trabajar, pero no necesitas nada caro. Este es un conjunto básico de Winsor Newton. También puedes usar dos acuarelas si quieres. Lo que prefieras está bien. Algunos lápices de colores de acuarela. Nuevamente no tiene que ser nada elegante. Estos son sólo los de WH Smith, y estos son algunos niños los más agudos, un sacapuntas. Es bueno tener una tina grande de pintura blanca bastante barata. Se trata de algunas Reeves Gouache, y la cosa de esto es que es bastante transparente, así que en realidad no es genial. No lo recomendaría, pero lo uso. Pero si quiero algo más opaco, entonces uso esto que es Winsor Newton diseñadores gouache. También uso esto cuando fui a trabajar directamente desde el tubo, que es una de las técnicas. Entonces necesitarás una gama de fresqueros que van desde pequeños, esto probablemente sea una talla 0 o 1. Podría querer algo bastante de buena calidad con un punto de pin. Disfruto bastante usando un pincel plano. Es posible que quieras un pincel más ancho y algo en algún lugar intermedio. No necesitas invertir en costosos pinceles. Tan solo unas cosas con las que puedes balancear la pintura está bien. Es posible que quieras un rodillo. Básicamente cualquier cosa con la que puedas hacer una marca, dale una prueba. Entonces, por último, algunos lápices que van desde agradables y duros, 3H hasta medianos alrededor de 2B. Mi lápiz favorito es éste, que es un HB. Es súper suave, y funciona muy bien cuando se quiere dibujar en pintura húmeda. En la siguiente sección, vamos a echar un vistazo más profundo a lo que realmente significa dibujar sin miedo. Nos vemos ahí. 4. Dibujo sin miedo: ¿ Qué es dibujar sin miedo? Dibujar sin miedo es un enfoque diferente para ser creativo. Es cuando usas la creatividad como herramienta en tu vida. Puedes usarlo para expresar emoción, a veces simplemente a través de las marcas que haces o el movimiento de tu cuerpo, y a veces a través de los dibujos que creas, que pueden expresar mejor que las palabras, cómo te sientes. Dependiendo de lo que esté pasando en tu vida, dibujar sin miedo puede traer alegría a días aburridos o calma a días estresantes. Cuando tienes las herramientas para saltar rápida y fácilmente a donde ser creativo es libre y divertido. Entonces incluso una pequeña dosis diaria puede hacer una gran diferencia a tu día y te puede llevar al lugar donde experimentas el flujo. En palabras de Anni Albers, “Tuve esto muy, lo que hoy llamas idea cuadrada de que el arte es algo que te hace respirar con un tipo diferente de felicidad”. Ella tiene razón. Cuando te capacitas para ser creativo de forma regular, sí comienzas a respirar con un tipo diferente de felicidad. Tu vida diaria se llena de posibilidad e inspiración. Mi esperanza es que al hacer esta clase, pueda ayudarte a superar tu miedo y hacer más arte de manera más consistente. Pero, para dibujar sin miedo, hay que estar dispuesto a hacer un lío, hacer dibujos que fallen, y valorar el proceso sobre el resultado. Dibujar sin miedo es sobre el espacio de cabeza. Se trata de liberar estrés y emoción. Se trata de expresar tu buena o mala energía, entonces, ¿cómo lo hacemos? En primer lugar, debes entender las etapas del proceso creativo y dónde encaja tu miedo en eso. Entonces, necesitas aprender a anular tu cerebro controlador y acceder a tu cerebro más creativo e intuitivo. Todo el tiempo, hay que observar la regla de oro, que es, tiene que ser divertido. Si no es divertido, cambia lo que estás haciendo. En esta clase, primero voy a mirar las etapas del proceso creativo tal como lo veo. Entonces, voy a demostrar varias técnicas que puedes usar para anular tu cerebro controlador y acceder a tu cerebro más expresivo e intuitivo. Acompáñame en el siguiente video, donde miramos la zona del miedo. 5. Zona del miedo: Entonces, tenemos esta tensión, esta contradicción entre conocer el miedo es bueno, que nos dice qué hacer. No obstante, de alguna manera, tenemos que superar el miedo para poder hacer nuestro trabajo. Elizabeth Gilbert en su libro, Big Magic, habla de dejar que el miedo se siente en la esquina pero no dejar que tome las decisiones. Creo que esa es una manera realmente buena de verlo. Aquí, quiero explicar que dibujar sin miedo no significa erradicar el miedo por completo porque no creo que eso sea posible. Lo que significa es que identificas dónde reside el miedo. Reconoces que está ahí y luego puedes esquivarlo o saltarlo y no dejar que te detenga de hacer lo que tienes que hacer. Para dibujar sin miedo, es útil entender tu propio proceso creativo e identificar dónde entra en juego tu miedo. Es probable que el proceso creativo sea diferente para diferentes personas. En este video, compartiré el proceso a medida que lo experimente. Me interesaría mucho saber si resuena contigo o cómo lo experimentas de manera diferente. Por favor avísame a través de los comentarios o vía Instagram. Si estás dispuesto a compartir, estoy seguro de que otras personas también estarían interesadas. Veo que el proceso creativo consiste tres zonas con dos puertas o barreras que hay que atravesar. Al primero se le llama la zona del miedo. Esto es antes de que incluso empieces cualquier trabajo creativo. Es la lucha interna que tienes que conseguir te sientas y recojas un lápiz. Es la batalla con la resistencia y se tiene que librarse en nuevo cada día. Voy a compartir con ustedes un concepto importante y tres consejos que me han parecido muy útiles para ayudarme a saltarme justo sobre esta zona y atravesar la puerta de salida lo más rápido posible. la segunda zona, llamé a la zona de tensión. Aquí es donde empezaste a trabajar, pero aún no estás relajado. No te estás divirtiendo tanto como podrías estar teniendo y no estás necesariamente en un estado de flujo. Idealmente, quieres seguir trabajando hasta llegar a través de la puerta de al lado, que es donde soltas y entras a la zona de libertad. Aquí es donde hacer arte se vuelve divertido y te conviertes en un canal para el arte y entras en un flujo estatal. El objetivo es atravesar esas dos puertas lo rápido posible para llegar a donde es divertido. Sí, puedes hacerlo en tan solo 20 minutos con un poco de práctica. Si intentas las técnicas que voy a demostrar, deberían ayudarte a acelerar por la zona de tensión y entrar a la zona de libertad mucho más rápidamente. En primer lugar, veamos la zona del miedo. En esta zona, todos los argumentos que pueda estar teniendo consciente o inconscientemente. Pueden ser cosas como, estoy cansada, tengo demasiado que hacer, no sé qué dibujar, no sé dibujar, ni el argumento asesino. ¿ Cuál es el punto? Todas estas son formas de resistencia. Lo primero que hay que hacer es establecer el marco, que es colocar firmemente tu creatividad en el ámbito del autocuidado. Lo veo mucho como una relación push pull. Cuando se lucha contra la resistencia desde la posición de autocuidado, se encuentra en una posición mucho más fuerte. Para colocar tu creatividad en los reinos del autocuidado, necesitas sacarla de la caja llamada TRABAJO y colocarla firmemente en la caja llamada FUN o me-time o si esto parece autoindulgente, no lo es. Pero si lo hace, entonces etiqueta tu caja TERAPIA ESENCIAL DE SUPERVIVENCIA , como sea que decidas llamarla, sé consciente de que la etiqueta que le das proviene de un lugar de autocuidado. También puede ser útil ver el autocuidado y crearás un tiempo la luz de hacer lo que necesitas hacer para que seas mejor capaz de cuidar a los que te rodean. Mi esposo sabe que una vez que he hecho mis 20 minutos de dibujar en una esposa y madre mucho más amables. Tomar el tiempo para tu creatividad no es un acto egoísta, de hecho, es todo lo contrario. Cuando te tomas el tiempo para hacer tu trabajo creativo, te alimentas con el espacio de cabeza que necesitas. Expresas la emoción de la que necesitas deshacerte y abres la puerta a la diversión y la alegría. Entonces porque te has cuidado, sales mucho más fuerte y más capaz de cuidar a todos los que te rodean, así que ese es el primer concepto. Conforme te encuentres en una zona de miedo, acércate a tu creatividad desde un lugar de autocuidado. Pero incluso con esta mentalidad, aún puede ser difícil hacerte sentarte en tu escritorio y empezar a trabajar. Tengo tres tips que voy a compartir que me han permitido empezar mucho más fácilmente cada día. El primer consejo es, conviértete en un espacio acogedor. necesita un espacio que esté listo y esperando, Senecesita un espacio que esté listo y esperando,no tiene que ser mucho espacio, pero tener todo dispuesto y listo para salir, te da una ventaja en la batalla contra la resistencia. Haz un espacio lo más bonito que puedas, hazlo limpio y luminoso, no demasiado abarrotado, hazlo un lugar tranquilo en el que quieres estar. Siempre lavo mis cepillos y recargo mis frascos de agua al final de cada sesión para que al día siguiente cuando me siento y empiezo, no tenga ese trabajo de edición de llenar frascos de agua. Es una cosa diminuta, pero hace la diferencia. El segundo consejo va a sonar obvio y un poco tonto pero te lo voy a decir de todos modos porque ayuda. El consejo son los incentivos. Por incentivos me refiero a bebidas y bocadillos. A medida que te metas en la mentalidad correcta para dibujar, prepara bebida favorita. Prepárate un refrigerio. A lo mejor es un refrigerio que solo te permiten tener cuando estás en tu mesa de dibujo. Necesitas hacer lo que sea necesario para que te sientas en la silla y empieces a trabajar. Muy a menudo, voy a hacer un tazón pequeño de nueces y pasas y el chocolate caliente ya que normalmente trabajo por la noche. No tiene que ser nada grande, pero sí encuentro que tener algo pequeño para mordisquear hace que toda la experiencia se sienta más nutritiva. Sólo recuerda que la merienda necesita encajar con el aspecto de nutrir, por lo que tal vez no chocolate todos los días. El tercer consejo es fijarte un límite de tiempo. Para ello, debes decidir cuál es tu tiempo mínimo viable. Para mí, son 20 minutos, 20 minutos se siente lo suficiente como para que pueda meter mis dientes en algo, pero no tanto tiempo que si no me apetece, me pone fuera haciéndolo. Si no estoy de humor, son sólo 20 minutos. Independientemente de lo que termine en la página, una vez que he hecho mis 20 minutos siempre me siento mejor. Muy a menudo, 20 minutos sí se convierten en una hora. Pero encontrar cuál es tu tiempo mínimo viable y poner una alarma puede ser una forma muy poderosa de ayudarte a empezar, pero también de manera fundamental ayudarte a detenerte, lo cual es importante porque quieres sostener esto con el tiempo. Creo que los pequeños actos diarios de creatividad son mucho mejores que el atracón una vez a la semana. Porque cuando estás practicando tu creatividad todos los días, estás creando memoria muscular. Pero sobre todo, estás venciendo a la resistencia a diario. Al vencer a la resistencia a diario, poco a poco el poder de la resistencia se debilita con el tiempo. Piensa en cuál es tu tiempo mínimo viable. Incluso cinco minutos está bien. El punto de dibujar todos los días no es crear una obra maestra todos los días, sino vencer a la resistencia cada día. Porque cuando ganas a la resistencia de manera regular, se vuelve mucho más fácil y puedes pasar a la siguiente zona mucho más rápidamente. En el siguiente video, miraré la zona de tensión, que es donde estás trabajando, pero aún no estás relajado. Miraré los elementos que podemos traer para entender esta zona y luego discutiré uno de estos elementos con más detalle. Acompáñame ahí en un momento. 6. Zona de tensión: Hemos mirado la zona del miedo y el primer concepto clave, que es que tu creatividad necesita venir de un lugar de autocuidado y te he dado mis tres mejores consejos para cómo empezar rápidamente y dar la bienvenida a los incentivos espaciales y establecer un límite de tiempo. Echemos un vistazo a la segunda zona, que es la zona de tensión. Quiero decir de inmediato que la palabra tensión no necesariamente tiene una connotación negativa, así que por favor no lo asuma así. Si lo has hecho por la zona del miedo y empezaste a trabajar entonces deberías celebrar porque te has presentado y estás haciendo el trabajo. Podría querer darle a la zona de tensión unas etiquetas diferentes como la zona de productividad, eso depende totalmente de ti, he llamado la atención de zona porque así me siento. El área de tensión es zona poco importante y realidad podría ser la zona en la que quieres estar particularmente si haces trabajo de cliente donde estás esperando unos resultados específicos y necesitas mantenerte controlado para lograr lo que tú o el cliente quieren y eso está todo bien. No obstante, ¿recuerdas la regla de oro? Tiene que ser divertido. Aquí es donde entra en juego la regla de oro. Si estás haciendo trabajo personal sin expectativa de los clientes, puede ser tan valioso y tan divertido pasarte por la puerta de al lado donde te sueltas y comienzas a crear en la zona de libertad. Las técnicas que voy a compartir son todas las cosas que te ayudan a dejar ir tu cerebro controlado, apretado y acceder a tu cerebro expresivo más intuitivo. Todas son cosas a probar cuando estás haciendo trabajo personal y o no te estás divirtiendo o no estás trabajando tan suelta y libremente como quieras y cuando no tienes la expectativa específica de unos resultados específicos. También hay técnicas que puedes usar como calentamiento y luego puedes cambiar entre zonas dependiendo de lo que esperes lograr. Son tres elementos que podemos llevar a la zona de tensión. El primer elemento es el concepto, yo no soy el arte, el artista, no yo. El segundo elemento es entender tu “por qué” y el tercer elemento se centra en cómo definimos dibujo y la creatividad en nuestras vidas y la relación entre nuestra creatividad e inspiración. Todos estos son temas bastante grandes, jugosos, así que para los efectos de esta clase, sólo voy a hablar del primero, que es, no soy el arte, el artista, no yo, los otros dos de los que hablaré en una clase separada. Si disfrutaste de esta clase, deberías seguirme en Skill Share, para que no te pierdas estos temas. Yo no soy el arte, el artista, no yo. Estudié Bellas Artes en la Universidad de Ciudad del Cabo y las críticas semanales fueron tan devastadoras que creo que aquí es donde empecé a internalizar el concepto. Lo que significa es que necesitas separar tu arte de tu ego. Es necesario eliminar por completo la jerarquía y estado y la identidad personal de la ecuación. Lo que esto hace es quitar el imperativo, la necesidad de hacer un buen arte. Significa que puedes arcilla, puedes hacer mal arte y no impacta en cómo te ves como artista. Es sólo cuando comienzas a correr riesgos y te abres a la posibilidad de hacer mal arte que puedes reventar por esa puerta donde te sueltas y comienzas a trabajar en esa zona de libertad. Es sólo en la zona de libertad donde empieza a suceder la verdadera magia. Es en esta zona donde se empieza a jugar, explorar, hacer un lío, probar cosas nuevas y para mí esta es la zona donde más fácilmente se accede al estado de flujo. Es aquí también donde puedes perderte, tu dolor, tu lujuria, tus preocupaciones. En esta zona, pierdes la noción del tiempo a medida que te conviertes en un canal para la creatividad. En su libro, Big Magic, Elizabeth Gilbert habla de ideas que flotan por ahí buscando un anfitrión y creo que es en la zona de libertad donde te vuelves abierto para recibir ese tipo de ideas. Muy a menudo, puede que te sorprenda lo que creas, estoy constantemente sorprendido por lo que he creado. Dice que si viene de otro lugar y cuando finalmente emerges de la zona puede que te sientas refrescado o coma o reventado de alegría, aquí es donde se encuentra el aspecto terapéutico del arte pero no siempre vas a hacer un buen arte en la zona. Por eso al final de tu sesión, es realmente importante que evalúes la sesión en lugar de juzgar el dibujo. Tengo una proporción de nueve dibujos malos a un dibujo bueno, así que cuando un dibujo no funciona, lo veo en realidad como algo bueno porque te acerca un dibujo más a uno bueno. Lo principal a recordar cuando estás trabajando en la zona de libertad es que dibujar mal no importa, ¿por qué? Porque yo no soy el arte, el artista, no yo. Ahora vamos a ir a los videos de demostración. Primero te mostraré una manera fácil y no aterradora de iniciar un dibujo y luego te mostraré algunas técnicas que te pueden ayudar a hacer ese cambio de controlado y atado a suelto y expresivo e intuitivo para que puedas empezar a aflojarte y diviértete más. Nos vemos en el siguiente video. 7. Cómo dibujo de línea continuo: Voy a demostrar cinco técnicas que se pueden probar cuando se quiere hacer el cambio de trabajo controlado en la zona de tensión a liberar trabajo más expresivo en la zona de libertad. Estas técnicas son el dibujo de línea continuo, cambio de manos, el trabajo directo desde un tubo de pintura, salpicaduras y blanco sobre. Entonces voy a compartir lo que puedes hacer para salvar el día en que nada funcione y puedes convertir lo que has creado en una textura para usarla en collage o para enriquecer tus ilustraciones digitales. Estas técnicas no son nada especial en sí mismas, todas son muy sencillas. Voy a usar clips de unos cuantos dibujos diferentes que he creado para mostrarte cómo puedes moverte entre las diferentes técnicas dependiendo de lo que te esté funcionando bien en el día. Algunos de los dibujos tienen una narración que hice mientras los dibujaba y algunos de ellos voy a hacer una voz para explicar lo que está pasando, pero primero, veamos una manera fácil de iniciar un dibujo. Para este dibujo estoy trabajando a partir de esta fotografía de una protea que es de BecBarTell de Pixabay. Realmente buena manera de empezar si te sientes un poco nervioso, es solo empezar con agua, sin pigmento y simplemente mapear más o menos a dónde van a ir tus dibujos en la página. Te estás poniendo el brazo en marcha, estás escuchando tu cuerpo después y comienzas a relajarte en él y divertirte. Lo que normalmente hago antes de que incluso haga eso es poner mi reloj por 20 minutos, presionar el botón de inicio y ahora sé que mis 20 minutos están sucediendo. Entonces no tengo tiempo para estresarme todo. Yo sólo tengo que seguir adelante porque sólo tengo 20 minutos. Si estoy haciendo hojas a menudo, bueno, lo que sea que esté haciendo, a menudo empiezo con un bonito amarillo limón brillante y me parece que este es un color muy indulgente. Agrega un brillo encantador y un resplandor cálido a la pintura, incluso si te cubriste con un color oscuro más tarde. Entonces voy a tener las flores en algún lugar de aquí, así que voy a empezar con unas rosas y estoy muy flojamente solo haciéndolas entrar y salir, en realidad quiero a propósito, si puedo llegar al punto donde tal vez esto no está funcionando para que te pueda mostrar algunas de las técnicas de qué hacer cuando no te gusta, no amar lo que estás haciendo. Voy a ir directo a unas bonitas rosas oscuras, manteniéndolo bonito y esta es bastante bonita y fácil de hacer. Normalmente guardo tres frascos de agua a mano, así que termino con uno para colores cálidos, uno para colores oscuros y a veces uno que es solo para blancos. Entonces empiezo a estallar en algunos de estos greens. En cuanto oscurezco sobre caliente, existe el peligro de ponerme marrón ahí. Por lo que he lavado mi cepillo para mantenerlo agradable y limpio. A mí me gusta este verde, pero me parece un poco pesado, así que voy a ir por chispas verdes un poco más brillantes. Como pueden ver, estoy muy suelto con mis marcas, solo estoy disfrutando de tener un go. Suelta parte de la tensión. Por lo que ahora la primera técnica que utilizo es el dibujo continuo de líneas. Los dibujos de líneas continuas es donde acabas de empezar dibujar y apenas miras lo que estás dibujando. Tus ojos prácticamente se quedan en tu tema. vez en cuando podría mirar hacia abajo y ver si estoy vagamente en el lugar correcto tengo algunos lindos [inaudibles] aquí brillando aquí en la imagen fuente, así que quiero que eso aquí empezando a agregar algunos tonos. Con el dibujo de línea continuo, es bastante divertido dibujar en pintura húmeda porque te arrastra la pintura húmeda y puedes empezar a llevarnos profundidad a la imagen y no importa si tus líneas no todas tienen sentido. Siempre siento que algunas de las mejores líneas de un dibujo son líneas de error porque agregan interés. Se puede ver si al menos iba, parte de esta pintura ya se está secando bastante así que voy a agarrar un poco más verde, arriba un poco más ahí. No quiero trabajar en exceso, pero quiero poder mover algo de esta pintura con mi lápiz. Entonces esa es la primera técnica, el dibujo continuo de líneas. Ahora voy a demostrar una técnica de inicio similar y otro ejemplo de dibujo continuo de líneas usando esta imagen de un perro, que por Artpyle de Pixabay. En este caso es un perro blanco en una página blanca, que va a presentar alguna dificultad por lo que voy a empezar con un lavado muy ligero de un marrón y negro. Yo sólo voy a bosquejar muy vagamente hacia donde creo que van las cosas. Si me siento nervioso en esta etapa, sólo me recuerdo que es sólo un dibujo, no importa si falla, así que todo el punto es la libertad de hacer marcas y tener un ir. El dibujo continuo de líneas es donde empiezas a dibujar y mantienes los ojos en el tema, apenas miras tu página. vez en cuando glaseo cierro y solo miro dónde está mi lápiz y si algo de esto tiene sentido en la página, pero lo que hace esto es que libera tu mente y tu ojo para solo pensar en las proporciones relativas del tema que usted está dibujando. Cuando haces esto, quieres mantener tus líneas realmente sueltas para que puedas corregirlas como más ves, veo que hay una cosa subiendo aquí y luego hay un outy bastante rígido pero ahí que grabé en el lugar correcto, yo no lo sé. Entonces estás acumulando un poco de textura y un poco de interés en la página y solo te estás relajando en ella en esta etapa, así, he visto aquí tiene que ser realmente largo y quizá quiera enfatizar esa longitud en mi dibujo y la parte de atrás viene aquí abajo y allá arriba y al siguiente tiene una cosa de cuello raro aquí, ahí vamos. Tan fácil como eso. Cómo empezar, podría tener agua, pequeño pedacito de pintura, dibujo continuo de línea, simplemente marcando dónde están las cosas más o menos. Aquí pasa algo curioso y muy a menudo si no levantas el lápiz de tu página, puedes encontrar dónde estás más fácilmente porque tu ojo está ahí y así tu lápiz solo viene por la derecha. Entonces estoy bastante contento con eso, no creo que sea perfecto, creo que la inclinación de la cabeza no está del todo bien. Esto en realidad es mucho más alto en la imagen que ese ojo, así que vamos a sacarlo un poco más. Cuando haces tu dibujo continuo de líneas puedes corregir las cosas como necesites. Este ojo podría estar abajo así, así y no necesitas comprometerte demasiado con lo que estás haciendo, así que ahí vamos. Así que la próxima vez que estés dibujando y solo te encuentras un poco de cosas o un poco atascado solo tienes que ir a un dibujo de línea continua suelta y ver cómo te sientes. Recuerda lo principal es que tiene que ser divertido. Esa es la regla principal de cualquier toma. Si no te estás divirtiendo, cambia lo que estás haciendo. Entonces mis mejores consejos para el dibujo continuo de línea son, empieza con un lápiz de color claro, sostén el lápiz y suelto en tu mano, no te comprometas. En otras palabras, dibuja libremente alrededor del tema hasta que te sientas seguro de su tamaño y posición y, por último, intenta arrastrar a pintura húmeda con un lápiz, es realmente divertido. En el siguiente video, demostraré la segunda técnica que está cambiando de manos. Nos vemos ahí. 8. Cómo cambiar las manos: Las siguientes técnicas que utilizo cuando quiero hacer el cambio de controlado y apretado, a flojo y expresivo, es cambiar de manos. Entonces si eres diestro, dibuja con la mano izquierda, si eres zurdo, dibuja con la mano derecha. Lo que hace esto, así que voy a usar mi mano izquierda, es que te obliga a hacer marcas que realidad no eres muy bueno controlando y en este caso, lo estoy haciendo con un poco de blanco. Creo que voy a meter un poco más de rosa oscuro en mi flor, luego ver qué consigo en cuanto a las marcas. Si entonces trabajo sobre él con los lápices de colores blancos. No lo quiero en todas partes, solo quiero más para trabajar, cuando estoy trabajando con la mano izquierda. Ahora, veamos. Sí, entonces cámbiate de manos, y es realmente difícil de controlar. Casi, por definición, terminas haciendo marcas que realmente no harías normalmente, y en realidad, eso puede ser bastante sabroso. Especialmente si trabajas con un color claro como este, solo puedes conseguir algo de textura agradable entrando aquí. Aquí todo se ha ido seco, así que voy a añadir un poco más verde amarillento. A ver qué pasa. Salir fuera de las líneas a veces crea algunos efectos bonitos también. Yo quiero tomar mi mano izquierda, y poner unas marcas oscuras aquí. No uso mucho la mano izquierda, pero es algo que puedo hacer si realmente estoy luchando por anular mi propio cerebro. Se puede controlar razonablemente con él así, y sólo se puede conseguir algunas otras marcas bastante bonitas. Esa es la segunda técnica, cambiar de manos. Entonces cuando sí quieres más control, vuelves a cambiar a tu mano derecha y puedes hacer algunas marcas muy sueltas pero controladas, exactamente donde sí las quieres. Ahora voy a demostrar la técnica del cambio de manos. Nuevamente, volviendo al dibujo del perro blanco en una página blanca. Lo que voy a hacer por este perrito es empezar a estallar unos cuantos más de la primera del perro. Sé que aquí abajo está bastante oscuro. Aquí está oscuro. La cavidad ocular es bastante oscura, y ella está en algún lugar por ahí. Este tipo, la cavidad ocular está por aquí. Ahí dentro está rosa, así que no quiero hacer demasiado, luego la oreja, aquí hay una sombra. Eso me gusta y por el fondo de su oreja, y este cuello de aquí abajo. El tema con el dibujo es que las líneas de error son las líneas más interesantes en cualquier dibujo, y realmente lo creo, porque en realidad se puede ver la mano del artista leyendo a lo largo. Cuando ves los errores casi puedes seguir el proceso de pensamiento, que me parece bastante fascinante. Entonces solo estoy bloqueando holgadamente en algunas de las zonas más oscuras como esta. La boca está bastante oscura y aquí adentro y afuera en eso. Aquí hay algunas rosas, que en realidad son bastante bonitas. Quiero un poco menos de pintura en mi pincel, y sólo voy a meter eso. Ahora, voy a demostrar cómo cambiar de manos. Entonces en lugar de trabajar con mi mano derecha, me voy a llevar mi mano izquierda. Es bastante buena idea usar un color claro, porque quieres disfrutarlo y no quieres preocuparte por ello. Esta es mi mano izquierda, sólo voy a poner aquí algunas de estas deliciosas rosas. Voy a reventar unos pedacitos, y hay todos estos preciosos tonos meñalitos en la oreja aquí abajo. Esta oreja es realmente mucho más larga de lo que la tengo, así que vamos a marcar eso en un poco más. Viene justo ahí abajo. Cuando cambias de manos, puedes dibujar maravillosamente en la pintura húmeda, y puedes controlarla un poco pero también estás obteniendo una holgadura que no conseguirías con la mano derecha. Entonces cuando tengas un poco donde piensas, “Oh necesito un poco más de control”, vuelve a entrar y usa tu mano derecha. Pero el control no siempre es lo mejor en un dibujo, se quiere tener un poco de libertad. Cambia de manos, empieza con un color más claro y solo diviértete haciendo marcas que de otra manera no harías con tu mano derecha. Déjalo salir todo. Si estás frustrado, deja salir esa frustración. Si te sientes intenso, deja salir la tensión. El dibujo está ahí como una herramienta para que lo utilices, y después te sientes mucho mejor. Por lo que mis mejores consejos para cambiarse de manos son empezar con un color claro mientras te acostumbras a la sensación de usar tu otra mano. Utiliza esta técnica para agregar textura y energía a tu dibujo, y cambia de ida y vuelta entre las manos, dependiendo de si quieres control o menos control mientras trabajas. En el siguiente video, voy a demostrar lo divertido que puedes tener dibujo con tu pintura directamente del tubo. Nos vemos ahí. 9. Cómo : recto desde el tubo: La siguiente técnica que voy a demostrar es trabajar directamente desde el tubo de pintura. Para esto, voy a volver al dibujo del perro blanco. Este es un tubo de Diseñadores Gouache. Es blanco. Puede ser muy divertido simplemente entrar directamente ahí con algo de pintura gruesa realmente delicioso y simplemente escogiendo las áreas que son especialmente ligeras y brillantes y haciendo algunas áreas donde trabajas con forma pero es agradable y suelto. Si presionas suavemente, solo obtienes la pintura, pero si presionas más fuerte, obtienes la línea que crea el borde del tubo, así como la pintura. Esto a veces puede ser inesperado pero realmente divertido como elemento extra en tu dibujo. No quieres exagerar esto pero solo bloquear en algunas de las áreas de luz puede ser muy divertido. También puedes obtener textura dotando cosas en. A lo que quieres ir es inesperado. así que realmente no sé cómo va a salir esto pero es divertido y estoy disfrutando. No quieres exagerar. Pero eso es algo divertido de hacer para inyectar algo de calidad 3D en tu dibujo y un tipo diferente de calidad de línea. Lo que puedes hacer es dejar que eso se seque o puedes tomar otro color. Voy a tomar un azul suave, pálido y luego puedes empezar a dibujar justo en esa pintura húmeda. Cuando dibujo siempre busco los colores que están justo por ahí pero no necesariamente te darías cuenta. Vuelvo a mi mano izquierda porque esas marcas que estaba haciendo con la mano derecha eran bastante horribles. Volvamos a la izquierda y empecemos a intentar describir algunas de las formas. A veces se quiere describir pero no describir, si se sabe a lo que me refiero. Quieres ir en contra de la forma que está ahí para agregar una riqueza a lo que estás haciendo. Si haces esto, solo tienes que limpiar el lápiz al final. De lo contrario tienes que afilar antes de poder usarlo. Esa es la técnica de directamente desde el tubo y luego dibujar en la pintura húmeda con tu lápiz de acuarela crayón. Entonces mis mejores consejos para trabajar directamente desde el tubo son: primero pruébalo con un color claro, variar la cantidad de presión que pones en el papel, variar cuánto aprietas los tubos para que obtienes más o menos pintura saliendo del tubo, y con esta técnica, menos es definitivamente más. En el siguiente video, voy a hacer una demostración súper rápida de salpicaduras. Nos vemos ahí. 10. Cómo en: plato: La siguiente técnica que voy a demostrar es salpicaduras. Es tan fácil que no requiere enseñanza, pero la estoy incluyendo porque puede ser una técnica útil en tu kit de herramientas cuando encuentras que estás dibujando un rígido y estás luchando por relajarte en tus líneas de fabricación de mercado. Encuentro que con el solo renunciar al control total y arrojar pintura a mi cuadro de una manera relativamente aleatoria, a veces puede ser lo que me ayuda a soltarme y aflojarme. El punto clave con salpicaduras, como con todas estas técnicas, es identificar cuándo usar cada una. Para esto, necesitas desarrollar una visión general de tu proceso creativo y estar al tanto de esto mientras estás trabajando. Es como tener tu cerebro funcionando en dos niveles diferentes al mismo tiempo. En un nivel, te enfocas completamente en lo que dibujas, pero en otro nivel necesitas estar criticando tu método y tus sentimientos para que puedas hacer ajustes según sea necesario. Para esta técnica voy a volver al dibujo de la protea. A menudo uso un blanco cuando hago salpicaduras porque esto agrega un bonito rebote a la imagen. Esto en realidad es lavado blanco y voy a poner un poco de agua pero no demasiado, así que es razonablemente grueso. Me estoy tomando un pincel. Es pequeño, es un poco puntiagudo. Yo consigo mi blanco y luego sólo salpicar. No tiene que ser enorme cantidad pero es una forma divertida de inyectar un poco de aleatoriedad en tu dibujo. Porque no puedes controlarlo, entonces te ves obligado a dejar que los niños sean más sueltos. Me gusta mucho la vitalidad que puede agregar. A veces lo salpico con blanco, bastante a menudo lo salpico con un color oscuro. Mis mejores consejos para usar salpicaduras o esa consistencia es clave, depende en gran medida de tener la relación pintura a agua correcta, y el tamaño del pincel afectará el tamaño de la splat. Acompáñame en la siguiente lección donde compartiré lo que hago cuando esté teniendo un día realmente apagado, lo llamo, blanco sobre. 11. Cómo en: blanca: Todos tenemos días en los que te sientas a dibujar y simplemente no lo estás sintiendo. No fluyen las líneas, parece que no puedes aflojarte y no te gusta lo que has hecho. Esto es cuando hago lo que llamo un blanco sobre. Para esto, te llevas una bonita botella grande de pintura blanca barata, salpicas por todo tu dibujo y luego te divertirías arrastrando con un pincel grande. Hay dos razones por las que hago esto. En primer lugar, sólo el acto de obliterar mi mal dibujo y frotar la pintura húmeda sobre ella con un pincel grande a veces es el punto de inculcación que me permite cambiar marcha mentalmente y dibujar con más libertad y abandono. Ya he estropeado el dibujo, así que no tengo nada más que perder. Pero entonces, entra en juego el segundo aspecto que es que ahora tengo una superficie completamente nueva en la que trabajar. Superficie de pintura gruesa y húmeda con bastante frecuencia una riqueza de otros colores debajo de ella. Aparte de cualquier otra cosa, dibujar en pintura húmeda es divertido y me hace sentir mejor sin importar el resultado. Te mostraré algunos ejemplos de overs blancos que he hecho. En este primer ejemplo, estaba dibujando algunos Robbins como parte de una colección navideña. Empecé en mi método habitual con agua y acuarela de pintura y luego agregando coronas de lápiz de acuarela, pero rápidamente me di cuenta de que el dibujo no iba de acuerdo a lo planeado. Tomé mi tubo de goulash y borré todo el asunto. Después tomé mi calabaza de arrecife, que es mucho más líquida y luego un cepillo grande y se ha ido. Al obliterar mi dibujo, ahora he aflojado mi cuerpo, liberado los movimientos de mis brazos, liberado mucha tensión y estoy listo para empezar de nuevo. Tengo una superficie húmeda blanca a estrenar para trabajar. Este es un juego de pelota diferente. Cuando comienzas a agregar pintura a tu pintura húmeda a continuación, se comporta de manera completamente diferente. Ahí tiro un poco de sal para agregar un poco de textura. Ahora estoy completamente jugando, disfrutando de lo que estoy haciendo porque probablemente no va a funcionar. Ahora solo estoy liberando tensión y divirtiéndome. Al final, el ave de la izquierda no funcionó. No obstante, el pájaro de la derecha funcionaba realmente bellamente, tenía una cualidad diferente porque era libre y suelto y me quedé muy complacido con cómo salió. En esa instancia, el proceso de blanco sobre funcionó muy bien para mí. En el siguiente ejemplo, voy a mostrar una forma diferente de trabajar en pintura blanca, eso es realmente divertido. He estado trabajando en estas flores y solo pude sentir que no iba de acuerdo a los planes así que sale la pintura blanca. Te sorprenderá lo absolutamente liberador que es esto cuando lo hagas. Es sólo divertido. Voy a llevarme mi lindo cepillo plano grande. Yo sólo lo voy a mojar un poco y lo voy a aplastar por todos lados. Como puedes ver, este blanco es muy transparente por lo que aún puedes ver trozos de la imagen debajo. En realidad en este caso me gusta bastante eso. A veces podría pintar más flores sobre flores si eso es lo que me apetece hacer. hoy decidí pintar unos tarros antiguos y jarras sobre esto. El frasco particular con el que voy a empezar es que tiene una pátina de oro encima. En realidad me voy a llevar esta acuarela ocre amarilla y sólo voy a derrochar un poco directamente aquí. En esta etapa del proceso, no tengo idea de si esto va a funcionar o no. Pero eso me gusta, mira qué bonito está viniendo esa naranja por ahí. Esto es bastante bueno hacer como ejercicio de calentamiento porque libera tu cerebro. O si te sientes frustrado por lo que has estado dibujando, esto puede ser realmente satisfactorio. Hay algún azul interesante sucediendo bastante a menudo dibujar sin miedo se reduce a estar dispuesto a jugar oh, eso es bastante bonito y hacer un lío y dispuesto a encontrar que lo que estás haciendo no ha funcionado. En realidad eso es bastante interesante. me gusta mucho. Quiero que venga un poco más de este Goldie, así que no sé qué va a pasar si tomo un cepillo suave suelto y solo vario las tierras y huelgas que se hacen es todo un brillo en mi jarra ahí. Parte de ella en realidad es útil sólo para salir como blanco. Esto se trata solo de no ser precioso con lo que has hecho. Realmente me gusta el azul que está saliendo por aquí. Podría volver a mi tubo. Porque esta es una acuarela realmente barata, no me importa usarla de esta manera y tratar de poner unos oscuros más aquí. El borde de la jarra en realidad tengo la forma bastante equivocada ahí, quiero subirla más y luego abajo y arriba aquí y luego allá abajo. Ahora me voy a llevar un lápiz de acuarela azul púrpura y lo voy a utilizar sólo para añadir algunas sombras, algunas marcas definitorias, y algunas áreas más de interés al dibujo. Si quieres que se muestre el color del lápiz crayón a través de la pintura húmeda, tienes que seguir limpiándolo en un poco de papel de seda. Observe que estoy sosteniendo el lápiz muy flojo para que casi pudiera hacer la mano izquierda aquí si quiero. Creo que el truco con esto es no exagerar. Simplemente manténgalo suelto, manténgalo divertido, y luego detente y ve a otra cosa. La próxima vez que estés trabajando y no va de acuerdo a lo planeado, ten un ir a blanco sobre. Es una forma muy divertida de hacer snap y jugar con los materiales. Simplemente te voy a llevar de vuelta al dibujo proto porque quiero demostrar que no tienes que hacer un blanco completo sobre cada vez. A veces es divertido solo usar pintura blanca en tu fondo y un poco superponiendo tu dibujo. Tan solo sé juguetón con él. Además de algunos accidentes felices como se ve aquí, puede ser una forma útil de definir los bordes de su dibujo cortando secciones de pintura no deseadas. También puede ser simplemente una forma divertida y relajante lista para terminar tu sesión. Mis mejores consejos para el blanco sobre son usarlo como mecanismo para cambiar de marcha. Se trata del ejercicio más que del resultado. Experimenta con diferentes implementos, puedes probar lápiz de color agua, un tubo de pintura, incluso puedes probar un tenedor, lo que sea que te venga a mano. Limpie su implemento con un paño o pañuelo entre cada trazo especialmente si desea conservar el color del implemento. Por último, solo disfruta. Es un proceso divertido. Acompáñame en el siguiente video donde miramos cómo la textura y el collage pueden salvar el día. 12. Cómo : textura para collage: Mantener una práctica creativa diaria consiste en aparecer y usar tus materiales de arte todos los días sin importar cómo te sientas. En esta última sección de demostración, quiero compartir sobre crear texturas y trabajar con collage. Las texturas son divertidas de crear porque básicamente es jugar con pintura y cualquier otra cosa que venga a la mano. Pero también hay artículos valiosos para tener en tu biblioteca de dibujos, que puedes usar para realzar tus ilustraciones o para crear ilustraciones a través del collage. Hay cosas útiles que hacer cuando simplemente no estás en la zona para pintar algo figurativo, o cuando en lo que estás trabajando no está funcionando. Una de las formas más fáciles de crear texturas es hacer frotamiento de hojas o cualquier tipo de frotamiento textural. Se trata de frotamiento que se hacen en el bosque detrás de su casa, y en realidad forman la base de toda una colección de patentes. Se trata de roces de corteza de árboles en las mismas palabras, lo que crea unas preciosas texturas estriadas. Todo esto, cuando se escanea y luego se manipula en Photoshop, puede ser realmente útil para agregar textura a las ilustraciones. Cuando creas texturas, puede ser útil tener en cuenta el espacio positivo y negativo. Puedes colocar tu objeto en este caso, era una hoja en tu papel y luego pintar sobre él con, por ejemplo, un rodillo de pintura, que te da esta encantadora calidad hasta el borde de tu forma y luego puedes tirarle pintura como lo hice yo aquí. Hay otro ejemplo de hermoso uso del espacio negativo en textura. Otra técnica divertida para crear texturas es soplar tinta a través una pajita y eso te da esta hermosa línea serpenteante calidad. Puedes soplar verticalmente también para obtener el efecto de goteo, puedes usar cepillo seco y simplemente jugar y divertirte. Nunca se sabe cuándo estas cosas van a venir útiles, puede conseguir un poco más creativo en estos ejemplos están jugando con el arroz. Cubrí mi página con pintura y luego me pegué, eso es un arroz y lo dejo secar. Esto lo conseguí presionando la página sobre mi superficie húmeda cuando el arroz aún estaba atascado y consiguió estos encantadores chapoteo aleatorio. Aquí hay otro ejemplo que es realmente interesante como textura y algo que no encontrarías en ningún otro lugar. Lo que haré es escanear la escena y luego manipularla en Photoshop como parte de mis ilustraciones. Lo que hay que tener en cuenta al hacer texturas es simplemente usarlo como forma de expresión. Entonces no hay premios por adivinar cómo me sentía ese día, pero en realidad esta es una de mis texturas más útiles en mi biblioteca. Se ha puesto muchas capas de pintura, culminando en una capa oscura. Se puede ver que me he rayado en la superficie con un bolígrafo o un implemento afilado, y luego mientras aún estaba mojado, hice una transferencia donde se presiona hacia abajo en la pintura húmeda y luego se la despega y se ve que tengo el correspondiente valores negativos ahí. Estos son realmente útiles cuando los manipulas en Photoshop. Aquí hay otra cosa que puedes hacer. Se puede mezclar pintura con pegamento. Puedes lanzarle un brillo, y luego cuando vengas a escanearlo en Photoshop, obtienes resultados muy inesperados, y solo hace que tu ilustración sea mucho más única. Si todo eso falla, puedes pintar algunas rayas, que siempre son útiles, y también puedes pegar trozos de papel de pañuelo sobre pegamento o sobre pintura húmeda y crea este tipo inusual de superficie la cual vienen muy bien en algún momento. Si tienes un final específico en mente, entonces puedes pintar texturas de acuerdo con tu idea. Entonces en este caso, estaba trabajando en una colección africana para niños, así que pinté texturas todas en estos colores estilo paisaje africano, y luego tomé mis tijeras y corté formas de elefante. Después puedes tomar papel de calco y jugar con donde quizás quieras agregar líneas. Esta es una gran técnica porque se puede ver cuando escaneo eso y luego puedo trabajar con eso en diferentes capas en Photoshop o Illustrator. Aquí hay otra en la que puedes simplemente experimentar con esta técnica sin comprometerte realmente, y te da mucho espacio para jugar y experimentar. Aquí estaba jugando poco con cómo un elefante podría estar cargando una flor. Todo esto es realmente divertido de hacer. Para la misma colección, corté algunas formas de árbol de papel pintado que he creado e intentado un camaleón un intento de un hipopótamo, y algunos leones. Nuevamente, desde el mismo papel pintado aquí, esto es resistente a la cera, así que es solo crayón de cera y luego pinta encima y obtienes esa calidad encantadora y te hace sentir como si estuvieras de vuelta en el jardín de infantes, lo cual siempre es bueno. Mismo ejemplo, cortar los mismos papeles pintados, y luego jugar con papel de calco para averiguar cómo quiero que se vean mis jirafas. Todo esto es tan divertido y se puede hacer tan fácilmente en tus 20 minutos de dibujo. Yo sólo voy a demostrar cómo hacer algunas texturas. Esta es una botella de Winsor & Newton Ink. Algo divertido de hacer es verter un poco en tu paladar. Necesito un nuevo libro de tinta, llévate tu rodillo de pintura, y solo diviértete viendo qué marcas obtienes. Nunca se sabe cuando una textura como esta podría venir útil y me gusta bastante el patrón aleatorio que estoy consiguiendo aquí. Otra cosa divertida que hacer es resistir a la cera donde solo puedes crear marcas aleatorias y realmente expresarte en papel, luego tomar algo de pintura de color agua. Muy a menudo es desagradable usar un color contrastante, y este es un violeta multicolor muy barato, ponte un poco ahí, toma un bonito pincel grueso, eso es delicioso, eso es hermoso, y pinta sobre, y como puedes ver, el naranja brilla tan bellamente y esto es realmente divertido y nunca se sabe cuándo esto podría ser útil. Ese es un ejemplo de resistencia a la cera con pintura de color al agua. Otra cosa divertida que puedes hacer es ver qué diferentes tipos de formas puedes obtener. Este es mi tubo de color agua barato de pintura umber. Cuando haces texturas, simplemente acércate desde el punto de vista de ¿qué podría hacer con este material que no he hecho antes? O ¿qué podría hacer con ella eso es algo nuevo? Obtienes alguna calidad de línea bastante interesante dependiendo de lo duro o suave que aprietes el tubo. Nuevamente, todo esto es muy útil tener en tu biblioteca de imágenes. De verdad te animo a que te vayas, te retes a pensar en lo creativo que puedes conseguir con tus materiales y simplemente divertirte jugando. Desestresa y recuerda que si usas tus materiales para el día, has tenido éxito. Otra forma en que puedes ser creativo con textura, que es una casa a medio camino entre el trabajo figurativo y el trabajo completamente abstracto, es poner muy suelto algo de pintura húmeda hacia abajo y luego agarrar tu lápiz, y antes de que la pintura tenga oportunidad para secar, trabaja en ella con tu lápiz. Entonces cuando lo llevas a Photoshop e Illustrator, puedes cortar tus formas y terminas con estas texturas inesperadas y bastante originales en tus animales o lo que hayas dibujado. A mí me gusta esta técnica porque te obliga a trabajar rápido y a no ser precioso con tu dibujo, sino a trabajar rápido antes de que se seque la pintura. Por lo que es un gran enfoque para trabajar con textura, cuando solo necesitas aflojarte y dejar de ser precioso con lo que estás haciendo. Entonces mis mejores consejos para crear texturas son; considere técnicas aditivas y sustractivas. En otras palabras, no es solo estratificar, sino también raspar, frotar , podrías intentar enmascarar líquido, y así sucesivamente. Desafíate a encontrar nuevas formas de utilizar tus materiales que no has probado antes y utiliza la creación de texturas como forma de expresión artística. Espero que estas secciones de demostraciones te hayan dado algunas ideas de formas en las que puedes pasar de tu cerebro de control a tu cerebro más expresivo y a la hora de hacer texturas, jugar y divertirte. Acompáñame en el siguiente video donde te compartiré por qué es importante no colgarte demasiado del éxito de cada cosa que dibujes, y te mostraré algunos de mis verdaderos bloopers. Es entretenimiento. Nos vemos ahí. 13. No te desanimes: Cuando dibujas en la zona de libertad, no siempre obtienes un hermoso dibujo. Eso está bien. Yo quiero mostrarles algunos ejemplos de eso. Antes de hacer eso, estos son algunos ejemplos; de dibujo en la zona de tensión. Sabía que quería ilustrar algunos gatos y está bastante apretado, pero obtuve el resultado que quería. Ahí hay otro y que voy a armar como imagen compuesta para una ilustración. En primer lugar, no siempre hay que apuntar a un dibujo reconocible. Está absolutamente bien solo experimentar con marcas, experimentar con texturas. Estos son algunos ejemplos. Estos los he hecho como fondos para un patrón en el que estoy trabajando. Aislaré pedacitos de ella, y lo juntaré en Photoshop para crear una repetición sin fisuras. Pero me divertí haciendo esto, divertí trabajando con el papel, haciendo las marcas, tirándole un poco de sal. Eso se puede hacer y puede ser igualmente satisfactorio. Esto de aquí son algunas flores que estaba experimentando con la técnica. Después hice una textura, y luego los junté en Photoshop para crear otra ilustración. Ejemplos de cosas que no funcionan. El motivo por el que te estoy mostrando esto es porque no quiero que pruebes este método para luego desanimarte. Habrá muchos días en que pruebes las cosas y no funciona. Estaba tratando de hacer flores. No, no trabajando. Pájaro en una poción. No funcionó. Aquí un ejemplo de un gato que intentaba dibujar con torques y con pintura húmeda. Estaba jugando con cómo funcionan los torques con pintura. Estaba tratando de hacer un proteo. Me cansé un poco, y se pone un poco demasiado emocionado. Todo eso no funcionó. Esto fue incluso anoche. Es decir, claramente no ha funcionado. Cuando dibujo, me estoy centrando en la calidad de la línea y esa cosa. Dibujo y redibujo porque no siempre se trata sólo de la perfección de la imagen. Pero cuando hice mi evaluación de la sesión, me di cuenta de que he usado una pequeña división de este rodillo. Cuando lo enrollé con pintura, me dieron unas buenas marcas. Cuando evalué esa sesión, estaba contento con la sesión misma y feliz de que me mostré. El último ejemplo es que intentaba dibujar un gato. Claramente no funcionó. Lo que debería haber hecho ese día no fue tratar de representacionalmente, sino más bien simplemente entrar en hacer el amor y expresión de emoción. Necesitaba sólo hacer algo de pintura alrededor. Este de aquí es un dibujo donde estaba dibujando algo, me harté. Hice mi técnica sobre blanco que fue bastante satisfactoria luego tomé mi lápiz grueso y suave HB y dibujé en la pintura húmeda. Cuando lo miré al día siguiente, me di cuenta de que en realidad esto había captado cómo me sentía en ese momento. Me sentí agotado, y al hacer el dibujo, sacó algo de ese sentimiento fuera. En realidad me quedé bastante satisfecho al final. Después obtienes algunas veces donde obtienes dibujos que son parcialmente exitosos. Este pájaro era bastante interesante, se puede utilizar en una ilustración. Un ramo que tiene algunos elementos interesantes. Acércate aquí donde con un poco de trabajo de Photoshop, pasando cosas interesantes. Otra, esto se salió un poco de las manos pero expresé la energía, expresé lo que necesitaba para expresar ese día. Entonces de vez en cuando obtienes tu uno en 10 que sólo boom, funciona. Este perro alienígena bastante raro, me quedé complacido con cómo salió ese. Con un poco de procesamiento de Photoshop podría hacer una pieza bastante interesante. Este es el perro que he usado mucha de la línea continua, mucha de la técnica de la mano izquierda. Cuando hice este perro, usé la técnica recta de la tubo. Eso fue bastante divertido. Éste donde pude expresar a través del dibujo cómo me sentía. Mi editar las palabras pensando en ti en photoshop después. Sentí que me expresaría mejor a través del dibujo de lo que podría haber pasado por palabras o un mensaje escrito. Ahí es cuando estar en la zona de libertad es increíble. Cuando dibujas en la zona de libertad, solo siéntete libre de jugar, pega las cosas. Probé algunos botones, probé algunos, esta es pintura de tela directamente del tubo apretado. Puedes probar poco de colores mezclados con pintura, puedes probar y mezclar medios. No tengas miedo de probar las cosas. No tengas miedo de hacer dibujos que no funcionen como dibujos. Estaba experimentando con estratificación y textura. Si fuera a hacer mi evaluación de esto, diría, bueno, hay algo de buena energía ahí dentro. Hay algunas capas interesantes, hay algunas buenas líneas, esa cosa. Ve fácil contigo mismo. Disfruta el proceso, disfruta haciéndolos, y celebra incluso cuando el resultado en las páginas no es fabuloso porque tendrás montones de falsos arranques. Tendrás muchos días donde el resultado en la página no es lo que esperabas. Pero analiza cómo te sientes y celebra que lo hiciste y te apareciste y diviértete. Ese es el punto completo. Simplemente diviértete haciendo arte. Hemos tenido la teoría, hemos tenido las manifestaciones. Ahora es tu turno de tener un go. Una vez que hayas reunido tus materiales, todo lo que tienes que hacer es elegir tu imagen de origen. He puesto algunos en la sección de recursos, de los que puedes trabajar o puedes seleccionar los tuyos propios de unos sitios libres de regalías como Pixabay o Unsplash. También se puede trabajar a partir de unas flores frescas o fruta. De lo que quieras trabajar como material fuente. Después pones tu alarma por 20 minutos y tienes que ir a las técnicas. Es importante pausar la clase y tener una oportunidad ahora, porque el siguiente video es sobre evaluación. Es necesario haber hecho una sesión de dibujo para tener una sesión a evaluar. Si te sientes como una rabiosa atrapada en faros, solo tienes que descargar mi Receta de Dibujo No Fear y sigue los pasos. Yo recomendaría solo hacer una sesión de 20 minutos y siéntete libre de probar cualquiera o todas las técnicas. Recuerda que es sólo una breve sesión de dibujo y realmente no importa cómo se vea al final. Si sí te sientes cómodo compartiendo lo que has hecho, entonces por favor sube una foto a la galería de la clase, ya que animaría a otros a tener un go ellos mismos. En el siguiente video, vamos a ver cómo evaluar una sesión de dibujo. Esta es posiblemente la comida para llevar más importante de toda esta clase. Después de que hayas hecho tu sesión de dibujo, te veré ahí. 14. Evaluación: Cuando dibujas todos los días y usas el método de 20 minutos o lo que sea tu tiempo mínimo viable, es realmente importante que evalúes tu sesión en lugar de juzgar tu dibujo. No vas a crear una obra maestra todos los días, y no debes esperar eso de ti mismo. Debes sentir tu trabajo en el contexto del trabajo de toda tu vida. No empiezas a ser increíble. Tienes que hacer todos los malos dibujos para encontrar tu estilo, y lleva mucho tiempo. Para que sea sostenible, lo que hagas tiene que ser divertido mientras lo estás haciendo. Entonces independientemente de lo que termines en la página, si usaste tus materiales de arte, has tenido éxito. Porque has ganado la batalla con resistencia por el día. Cómo evaluar una sesión de dibujo. Aquí tienes un diagrama de flujo que puedes usar. He puesto una copia en los recursos de clase para tu proyecto de clase. Empezar con ¿cómo me siento? A lo que me refiero con esto, es pensar en cómo te sentías antes de empezar a dibujar y cómo te sientes después. ¿ Te sientes mejor? Entonces piensa en por qué, y luego considera cómo puedes construir sobre esto en tu próxima sesión. Si eres alguien a quien le gusta hacer diario, entonces haz unas notas para que recuerdes lo que hiciste, y qué aspecto de ello te hizo sentir mejor. A lo mejor fue la forma en que usaste tus materiales libremente, o tal vez fue porque pudiste expresar mucha emoción. Incluso con un dibujo que a alguien más podría no parecerse a nada, si te hacía sentir mejor al hacerlo, entonces eso es algo para celebrar. Si te sientes peor después de tu sesión de dibujo, entonces es realmente importante pensar en por qué. Pero trata de ignorar cómo es el dibujo, y primero piensa en qué parte del proceso de dibujo en sí no fue divertido y cómo puedes cambiarlo la próxima vez. Por ejemplo, ¿fueron los materiales que estás usando, o estabas trabajando con el color cuando no estabas de humor para el color? En cuyo caso, la próxima vez prueba diferentes materiales, o piensa en hacer un dibujo de línea en lugar de una pieza a todo color. Para mí, lo más común, los días en que no lo disfruto son los días en los que me quedo atascado en la zona de tensión, y suele ser porque estoy demasiado enfocado en lo que intento dibujar, lugar de en cómo lo estoy dibujando. Esto es algo útil para mí saberlo para la siguiente sesión, al día siguiente. Si encuentras que te sientes peor porque sientes que hiciste un mal dibujo, entonces lo que hay que hacer es no mirar ese dibujo en su conjunto, sino buscar lo que es bueno en el dibujo y qué pedacitos disfrutaste haciendo. A lo mejor has hecho un buen trabajo de línea o tal vez has experimentado con nuevas marcas indiferentes, todas estas debes celebrar. Porque son los pequeños pasos que haces cada vez que trabajas los que se suman a convertirte en tu propio estilo personal y necesitas hacer todos los pequeños dibujos malos para permitir que salgan todos los dibujos. Así que celebra los malos dibujos tanto como tú lo haces los buenos. Celebra que apareciste, e hiciste el trabajo. Celebra que estás viviendo tu verdadera vida creativa y abriéndote para convertirte en un canal de inspiración. En el siguiente video, voy a hablar brevemente sobre la noción de caerse del vagón. Pero antes de entrar a este video, por favor pausa el gráfico, toma cinco minutos, y evalúa tu propia sesión de dibujo, y publica una foto de tu evaluación en la galería del proyecto. Entonces te veré en el video final de esta clase. 15. Conclusión: Ahora estás bien armado para librar la batalla con resistencia y para acceder a tu creatividad de forma rápida y sencilla y para dibujar sin miedo. Necesitas acercarte a tu creatividad desde un lugar de autocuidado. Necesitas separar tu arte del ego. Tienes algunos consejos para ayudarte a esquivar el miedo y meterte en la silla y empezar a trabajar. Tienes una manera fácil de comenzar un dibujo y tienes técnicas específicas que puedes probar cuando encuentras que no te estás divirtiendo o necesitas acceder a tu cerebro más expresivo. Yo sólo quiero hablar un segundo sobre la noción de caerse del vagón. Es posible que hayas asumido uno de los muchos retos instantáneos en los que intentas dibujar durante 100 días, y aunque tu resultado fue realmente alto, quizás hayas encontrado que se hizo difícil sostener y luego empezaste a se siente mal por ello, y luego estás tratando de ponerte al día. Esto trae todo un nivel de culpa y la noción de fracaso a tu práctica creativa. Si bien estos retos pueden ser realmente útiles como una forma de empujarte a desarrollar un hábito diario, creo que hay mucho valor en conocerte a ti mismo y confiar en ti mismo. ¿ Te acuerdas de ese enfoque saludable de la creatividad? Sin culpa, sin vergüenza. Vivir una vida creativa significa cuidarte a ti mismo y a tu creatividad; dejar que te traiga alegría y dejar que esa alegría se extienda a quienes te rodean. Desterremos todos la culpa y la vergüenza de nuestra creatividad. Abracemos el juego y la experimentación y la exploración. Disfrutemos de dibujos expresivos y desordenados que no funcionan. Abracemos cuidándonos y cuidando a los que nos rodean. Ahora es el momento de quedar atascado en el proyecto de clase. Haz una pequeña mejora a tu espacio creativo y comparte una imagen del mismo en la galería de clases. Tengan un vistazo a las técnicas que he demostrado. Comparte una imagen de eso si quieres. Pero lo más importante, prueba la plantilla de evaluación y sube una copia de eso a la galería de clases. Si has disfrutado de esta clase, te estaría muy agradecido si pudieras dejar una reseña y seguirme en Skillshare. Esto asegurará que no te pierdas mi próxima clase y también animarás a otros a que tengan una oportunidad de hacer sin miedo. Si conoces a alguien que crees que podría ser ayudado por esta clase puedes compartirlo en Instagram usando el #going sin miedo. Si quieres ver más de mi trabajo en progreso, también puedes seguirme en Instagram. Yo soy @catherinejenniferdesigns. Gracias por ver. Ahora podrías proceder a probar esas técnicas. No puedo esperar a consultar con ustedes en la galería de proyectos. Si aún no has publicado en la galería de proyectos, hazlo ahora. Nos vemos en la siguiente clase.