Desbloquea la magia de la pintura en acuarela: ángel en el jardín

1. ¡Hola!: Hay algo mágico en la acuarela. No se trata solo de aleatoriedad y sorpresas. Con acuarelas, podemos pintar escenas que parecen reales usando cuidadosamente el pincel y las capas Los colores se mezclan de una manera única, creando imágenes suaves y realistas que evocan una sensación de paz Pero no se trata sólo de copiar lo que vemos. La acuarela me permite añadir mi propio toque. Si bien apunto al realismo, también tengo la libertad de hacerlo personal y único. Es como una meditación relajante mientras mezclo colores y el proceso se convierte en una forma de relajarme y expresarme. Hola, soy Chris y bienvenido a mi clase de skillshare, donde te llevaré en un viaje de pintar una estatua de un ángel en el jardín A lo largo de esta clase, te mostraré cómo interpretar la foto de referencia a través de tus ojos artísticos. Cómo simplificar formas y colores y crear tu propia versión de la realidad. Exploraremos diversas técnicas para capturar este maravilloso tema y recrear la fantástica luz del sol en la estatua Si eres un principiante, trata este tutorial como una oportunidad para desarrollar tus habilidades artísticas. El tutorial está cuidadosamente dividido en segmentos cortos y manejables, segmentos cortos y manejables, lo que garantiza una experiencia de aprendizaje fluida y agradable. Te guiaré paso a paso a través todo el proceso para que puedas crear tu propia y hermosa interpretación de esta pintura Te proporcionaré recursos que te ayudarán en el proceso de pintura. Únete a mí en este viaje creativo y comencemos. 2. Proyecto y recursos: Gracias por elegir ser parte del viaje artístico conmigo. Es un honor tenerte aquí En esta clase. He preparado algunos recursos útiles para tu proyecto, que puedes acceder en la sección de proyectos y recursos. Allí encontrarás un archivo PDF que contiene una lista de los suministros que utilicé para esta pintura en particular, una foto de referencia y mi pintura terminada para guiarte. Los dibujos lineales están disponibles en diferentes tamaños que puedes imprimir y transferir a tu papel de acuarela, lo que te permite elegir el tamaño que se adapte a tus preferencias. Pinté esto en un tamaño de 12 por nueve. Adicionalmente, hay fotos de progreso de trabajo que te ayudarán a seguir el proceso y enfocarte en áreas específicas. Siéntase libre de explorar estos recursos y utilizarlos para crear su pintura única y hermosa. Sería genial ver tus resultados. Por favor, no dudes en compartir tus tomas de progreso y la pintura final con la clase en la sección de proyectos y recursos. También te recomiendo encarecidamente que mires el trabajo del otro en la galería de proyectos estudiantiles. Siempre es inspirador ver trabajar a otros. Extremadamente reconfortante para obtener el apoyo de tus compañeros No olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. Por último, recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de comenzar a pintar. Esto te ayudará a entender mejor qué esperar en cada parte del tutorial. Si encuentras útil esta clase, lo agradecería muchísimo. Si pudieras dejar una crítica honesta. Sus comentarios me ayudarán a crear mejor contenido y ayudar a otros estudiantes a decidir si tomar esta clase. Gracias de antemano. 3. Mis suministros de arte: En este video, me gustaría compartir con ustedes una visión general de mis suministros de arte que uso regularmente. Creo que debo mencionar primero que no soy el tipo de persona que constantemente compra nuevos suministros de arte y experimenta con ellos. Yo uso los mismos suministros todo el tiempo. Funcionan bien para mí y he aprendido a sacarles el máximo provecho, lo que también me ayuda a ahorrar dinero. En lugar de comprar cinco colores nuevos que podría usar solo una vez para crear una muestra de color, prefiero invertir en libros, por ejemplo No me malinterpretes, Experimentar con nuevos suministros de arte y comprar regularmente nuevos materiales puede ofrecer muchos beneficios a los artistas Echemos un vistazo a algunos pros y contras de probar nuevos materiales artísticos. Puede generar ideas e inspiración frescas. Diferentes medios, colores y texturas pueden conducir a expresiones artísticas únicas y ayudar a romper bloques creativos Explorar nuevos suministros de arte a menudo implica aprender nuevas técnicas y enfoques. Este proceso de aprendizaje continuo contribuye al desarrollo de habilidades artísticas y amplía el kit de herramientas del artista Tener una amplia gama de suministros de arte permite una mayor versatilidad en la expresión artística. Los artistas pueden cambiar entre diferentes medios y herramientas en función de los requisitos específicos de un proyecto, lo que lleva a una obra de arte más dinámica y variada Experimentar con nuevos materiales puede sacar a un artista de su zona de confort. La voluntad de explorar y tomar riesgos fomenta crecimiento personal y fomenta el desarrollo artístico El mundo del arte evoluciona continuamente con nuevas tecnologías y nuevos materiales. Mantenerse al día con los últimos suministros de arte asegura que un artista siga siendo relevante en la escena del arte contemporáneo. Probar nuevos suministros de arte a menudo implica resolver problemas. Es posible que los artistas necesiten averiguar cómo manipular un nuevo medio o adaptar sus técnicas, potenciando sus habilidades de resolución de problemas y su pensamiento creativo. La emoción de usar una nueva oferta de arte o descubrir una nueva técnica puede reavivar la motivación y la pasión por crear Este entusiasmo es esencial para mantener una práctica artística consistente y satisfactoria. A medida que avanza la tecnología, también lo hacen la calidad y capacidades de los suministros de arte. Probar nuevos productos permite a los artistas explorar formulaciones mejoradas, lo que lleva a resultados potencialmente mejores en su trabajo. Diferentes suministros de arte ofrecen formas únicas de transmitir emociones y mensajes. Experimentar con una variedad de materiales permite a los artistas encontrar los que mejor se adapten su estilo personal y permitirles expresarse de manera más auténtica Y lo menos continúa. Por otro lado, aquí hay algunas posibles razones por las que. Algunos pueden argumentar que no siempre es bueno. Los suministros de arte pueden ser costosos, y comprar constantemente nuevos materiales sin un plan o propósito puede agotar tu presupuesto. Es bueno estar atento a tus gastos, especialmente si no estás usando todos los suministros que has acumulado Confiar en nuevos y variados suministros artísticos podría distraer el desarrollo de habilidades artísticas fundamentales Un artista competente puede crear obras impresionantes con herramientas básicas Se debe hacer hincapié en dominar las técnicas en lugar de depender de suministros específicos acumulación de una amplia gama de suministros de arte puede llevar a desafíos de almacenamiento y ruidos Demasiados suministros pueden dificultar encontrar lo que necesita constantemente. Comprar nuevos suministros de arte contribuye al desperdicio, especialmente si los materiales no se utilizan completamente. Es fundamental considerar el impacto ambiental de tus prácticas artísticas y tratar de minimizar el consumo innecesario. Algunos artistas argumentan que trabajar con limitaciones, como un Conjunto de materiales, en realidad puede mejorar la creatividad. Las restricciones pueden obligarlo a pensar fuera de la caja y encontrar soluciones innovadoras dentro de su kit de herramientas existente. Demasiado énfasis en probar nuevos suministros puede distraer del núcleo de la expresión artística El concepto o mensaje que quieres transmitir a través de tu arte. Enfocarse en el significado detrás de su trabajo es crucial, independientemente de los materiales utilizados. búsqueda y compra constante de nuevos suministros puede fomentar una mentalidad consumista donde la alegría proviene adquirir nuevos artículos en lugar del proceso de creación Esto puede llevar a un ciclo de perseguir el siguiente material de tendencia, en lugar de perfeccionar tu voz artística También puede crear expectativas poco realistas sobre el poder transformador de Si bien los suministros de calidad pueden mejorar su trabajo, la clave del éxito artístico radica en sus habilidades, técnicas y visión creativa. Confiar demasiado en la creencia de que los nuevos suministros mejorarán drásticamente su arte puede llevar a la decepción y Explorar y adaptar constantemente nuevos suministros de arte puede llevar a un cambio involuntario hacia las tendencias populares en lugar de desarrollar un estilo personal único Como pueden ver, son muchos los elementos que creo que valen la pena considerar. En definitiva, es una elección personal. Solía querer comprar todos los suministros de arte que pudiera pagar. Sin embargo, al darme cuenta de que no los necesitaba todos, y habiendo encontrado suministros con los que estoy realmente contento, dejé de comprar artículos innecesarios. En cambio, me enfoqué en los que tengo y en realidad uso. Ahora echemos un vistazo a lo que tengo. Empecemos con papel. Entre pinceles, pinturas y papel, considero que el papel es el suministro de arte más crucial. La calidad del papel influye significativamente en su experiencia y resultados de pintura. Yo uso papel arcos, que está hecho de algodón 100%. El papel de algodón a menudo se considera la mejor opción entre los artistas. Tiene una excelente absorbencia, resistencia y durabilidad, por lo que es adecuado para diversas técnicas de acuarela Proporciona los mejores resultados porque la pintura se comporta mucho mejor sobre ella que en papeles de celulosa más baratos El papel de alta calidad también es más indulgente, lo que facilita la corrección de errores Pasando a las pinturas, utilizo pinturas de grado profesional Windsor y Newton. Las pinturas de grado profesional, sin importar la marca que uses, ofrecen una excelente calidad. Tienen más pigmentos, colores más ricos y una vida útil más larga que las pinturas de grado estudiantil Si bien las pinturas de grado profesional son más caras que las de grado estudiantil, realmente valen la pena la inversión. Me tomó algún tiempo recoger todos los colores que necesitaba. Poco a poco compré uno o dos tubos a la vez hasta que tuve un juego completo. Ahora, rara vez necesito comprar tubos nuevos. Duran mucho tiempo. Compro uno o dos colores, tal vez una o dos veces al año. Actualmente, tengo 17 colores en mi paleta, aunque algunos son para fines de prueba. En los materiales de la clase, encontrarás archivos PDF con información adicional sobre mis colores, por qué los seleccioné y cómo los arreglé en mi paleta. También hay una tabla de conversión útil si desea colores similares de diferentes marcas. Permítanme explicar muy brevemente cómo elijo los colores a mi paleta. Esto lo hago en cuatro pasos principales. Mi punto de partida para elegir colores es siempre una paleta primaria dividida. Un gusano y un amarillo frío. Un gusano y un rojo frío. Y un gusano y un azul fresco. Aquí creo que es un buen momento para mencionar que el azul ultramarino que uso es el tono verde No es el ultramarino francés. Hay cuatro diferencias principales entre el azul ultramarino, el tono verde y el ultramarino francés No obstante, son realmente pequeños de color azul ultramarino. El tono verde tiene un matiz más verde. Es más fresco en apariencia. Crea tonos más fríos de púrpura y gris, y es menos granulante. Ambas pinturas comparten la misma capa de pigmento. Pb 29, utilizo azul ultramarino, el tono verde, principalmente por costumbre. Como es a lo que siempre me he acostumbrado y acostumbrado. Adicionalmente, me parece menos granulante que el ultramarino francés, una cualidad que Sin embargo, de nuevo, las diferencias entre ambos son realmente sutiles. En el segundo paso, busco colores de la misma familia de colores con propiedades específicas como estar hecho con un solo pigmento, tener buena solidez a la luz, no granularse Con algunas excepciones, prefiero usar pinturas no granulantes y ser transparentes o semitransparentes Yo principalmente uso pinturas pigmentadas individuales, con una excepción, que es pinturas colores grises en este grupo deben diferir notablemente del primer Si son demasiado similares, los elimino. No veo una buena razón para mantener, digamos siete amarillos muy similares en la paleta Yo elijo los que son los más singulares y puedo mezclar otros tonos. En el tercer paso, agrego colores que simplemente me gustan o sé que voy a usar. Frecuentemente la siena quemada es imprescindible en mi paleta porque es un marrón básico versátil, crea hermosos neutros Con el blues silencia algunos greens crean varios tonos de amarillos Es un color muy versátil. Adicionalmente, como el verde es mi color favorito, me gusta tener dos listos para usar que sirvan como una buena base para mezclar otros tonos. El paso cuatro es opcional. Quedan tres manchas en mi paleta que están reservadas para nuevos colores o colores que estoy probando actualmente, que pueden cambiar con el tiempo. Además de la pintura acuarela, también tengo un tubo de guash blanco A menudo lo uso para pequeños detalles o reflejos. Guardo mis pinturas en una paleta de porcelana con 17 pozos y dos grandes áreas de mezcla. Las paletas de porcelana son excelentes porque son fáciles de limpiar. No manchen como los de plástico. Antes de usar esta paleta, usé una de plástico con 33 pozos durante mucho tiempo. Cambié cuando me di cuenta de que no usaba la mitad de esos colores. Siempre lleno todo el pozo de pintura. Lo vuelvo a llenar cuando me quedo sin el color específico. Normalmente compro tubos de 5 mililitros porque puedo meter todo el tubo en el pozo Pasemos a los pinceles. Mis pinceles primarios son redondos, plateados, terciopelo negro en varios tamaños. Me pareció que funcionan excepcionalmente bien para la técnica wet on wet, que uso a menudo. También llegan a un punto perfecto. Un pincel que siempre tengo a mano, que con cariño llamo mi arma secreta es el pincel Windsor y Newton's Galleria talla cuatro Es mi cepillo de fregado y lo uso en casi todos los cuadros También tengo un pincel pequeño Princeton snap shader tamaño cuatro, que utilizo para levantar detalles muy pequeños como venas diminutas en las hojas También tengo pinceles spotter de Rosemary and Co, específicamente de la serie 37 Son pequeños, no contienen mucha agua, por lo que no son buenos para la pintura húmeda sobre húmeda. Pero son excelentes para pintar pequeñas áreas húmedas sobre secas y para agregar pequeños detalles. Siempre los uso para crear textura visual con la técnica de punteado, ocasionalmente uso pinceles de diseñadores, pinceles rigger o pinceles de script Van por diferentes nombres y son muy similares. Estos pinceles tienen cerdas finas, largas y son útiles para pintar líneas largas, delgadas o líneas más naturales como ramas de árboles Por último, tengo un pincel plano grande para aplicar agua a grandes áreas, o a veces incluso para pintar grandes áreas. También tengo que mencionar sobre dos pinceles adicionales. Uno de ellos es un cepillo viejo barato que utilizo solo para aplicar líquido enmascarador. Aplicar líquido de enmascaramiento con un cepillo puede dañar tus pinceles, evita usar tus buenos pinceles para ese propósito. El otro es un pincel plano barato, que utilizo para preparar colores en mi paleta. Si tengo que preparar mayores cantidades de pintura. Este pincel es ideal para eso porque permite transferir mayores cantidades de pintura del pozo al área de mezcla. La desventaja de este en particular es que está perdiendo cerdas Voy a tener que comprar algo un poco mejor tablero Gator. Siempre pego mi papel de acuarela a una tabla de cocodrilo usando grapas y cinta adhesiva. Esta tabla es ligera, resistente al agua, y me permite mover e inclinar mi pintura según sea necesario. Crucial para mí, especialmente al pintar fondos lisos con la técnica wet on wet. Siempre uso una grapadora de oficina para fijar mi papel al tablero de cocodrilo Después de grapar, aseguré el papel en los cuatro lados con cinta adhesiva para crear un borde limpio alrededor de la pintura terminada Prefiero usar cinta escocesa lavanda diseñada para superficies delicadas He notado que se adhiere bien durante la pintura, y si alguna vez se desprende, es probable que sea por mi uso excesivo de un secador de pelo Esta cinta no ha causado ningún daño a mi papel. Y me gusta su superficie. Es ligeramente resbaladiza, lo cual es muy conveniente para limpiar fácilmente las gotas de pintura Mi único deseo es que viniera en blanco. Aquí hay otros suministros que uso con más o menos frecuencia. Almohadilla ligera, la uso en realidad para cada pintura. Este es el más barato que encontré en Amazon. Lo uso para transferir una imagen a mi fluido enmascarador de papel de acuarela de Windsor Newton. Este es un medio esencial para muchos de mis cuadros. Herramientas para aplicar líquido de enmascaramiento como un cepillo viejo, rotulador, herramientas de gofrado. Y esas herramientas pueden estar aparte de eso. El pincel viejo también se puede utilizar para aplicar pintura y crear efectos específicos. Un trozo de jabón y una taza vieja de un viejo líquido enmascarante. Al usar líquido enmascarador, sumerjo el cepillo en agua, lo froto sobre una barra de jabón, creando una capa protectora en las cerdas Después lo sumerjo en el líquido enmascarador. Esto evita que el enmascaramiento pegue las cerdas juntas. Siempre vierta un poco de enmascaramiento en una taza vieja y cierre rápidamente la botella para evitar grumos secos en la botella Herramienta de recogida de enmascaramiento de goma para eliminar el líquido de enmascaramiento. Una herramienta muy práctica, secador de pelo, útil para acelerar el tiempo de secado. Rocíe la botella con agua limpia, para humedecer el papel suavemente o forzar que la pintura fluya. También rocío pinturas en mi paleta antes de comenzar a pintar borrador de lápiz HB regular Y necesario ya que uso un lápiz HB normal para mi boceto y a menudo uso un erazor necesario para eliminar el exceso de grafito y hacer las líneas de lápiz Contenedor de agua más ligero debe tener. Durante la pintura, a menudo tengo 21 para agua limpia y una para agua sucia. Toalla de papel, siempre bueno tenerla. Por último, una toalla blanca que ya no es tan blanca. Hablando de toallas, una grande se extiende por mi escritorio, debajo de mi tabla Gator. Hago esto para evitar que la tabla Gator se deslice, se mueva o gire. Mientras pinto, esto no solo asegura estabilidad, también protege mi escritorio y agrega un bonito campo a mi espacio de trabajo. La segunda toalla más pequeña siempre se coloca junto a mi paleta y contenedor de agua, sirviendo como un espacio dedicado para limpiar mis cepillos. Dejé que mis pinceles descansaran sobre esta toalla. En el pasado, cuando colocaba mis pinceles en mi escritorio, magia parecía suceder. Se transformaron en seres vivos escondiéndose de mí, saltando del escritorio y moviéndose para que no los pudiera encontrar. Ahora siempre los pongo sobre la toalla y se quedan en su lugar, siempre aquí conmigo. Entonces estos son mis suministros artísticos actuales. Aunque puede haber cambios en el futuro, esto es lo que estoy usando por ahora. 4. Introducción: Permítanme compartir con ustedes unas palabras sobre este cuadro. En primer lugar, ya que quiero llamar su atención sobre algunos puntos clave. Usaremos esta foto de referencia. Siempre trato de seleccionar imágenes con sujetos que estén bien iluminados por la luz solar. Los reflejos distintos crean sombras bien definidas. Esta interacción de luz y oscuridad siempre agrega un toque fantástico a las pinturas en acuarela Observe que los colores en mi pintura difieren de los de la foto. Generalmente, se inclinan hacia tonos más cálidos y los oscuros no son tan profundos A pesar de que el fondo en mi pintura no es tan oscuro como en la foto, creo que es lo suficientemente oscuro como para establecer un alto contraste con las partes más claras de mi pintura. Elegí simplificar varias áreas. Por ejemplo, cuando comparamos el lado derecho del fondo, notarás menos detalles en comparación con la foto original. Generalmente, he simplificado todo alrededor de la estatua. Tomé esta decisión para dirigir su enfoque hacia la estatua, que es nuestro tema principal aquí. Todo lo demás sirve como telón de fondo. Toma las flores, por ejemplo. Si nos acercamos, tal vez no reconozcamos fácilmente estas formas como flores, ¿verdad Sin embargo, dentro del contexto de toda la pintura, estas formas abstractas evocan la impresión de flores Esto ilustra la notable capacidad de nuestro cerebro como artistas. Podemos aprovechar esto manipulando las percepciones de los espectadores y simplificando nuestro trabajo Si bien podríamos pintar meticulosamente cada pétalo y usar fotos de referencia detalladas para esas rosas es realmente necesario Mi enfoque de la pintura tiene sus raíces en el amor por el realismo, pero también quiero que mis pinturas se vean como pinturas, no fotografías. Agradezco dejar espacio para interpretaciones de la realidad. Hay numerosas sutilezas y matices en esta pintura que creo que vale la pena mencionar, en realidad observando Por ejemplo, toma nota de cómo se refleja en la estatua el color verde del fondo. Esto no sólo agrega más interés, sino que también crea un agujero cohesivo También observa los colores vibrantes en las sombras. Si bien no vamos a utilizar una paleta extensa, observe que, por ejemplo, las sombras en el cabello no están pintadas con un solo color sólido. Están sucediendo muchas cosas allí, lo que hace que esa área sea realmente emocionante de ver. Adicionalmente, me gustaría dirigir su atención a reflejos de luz muy sutiles en la línea de la mandíbula, en el cuello y debajo del brazo. Se trata de áreas delicadas y ligeras, pero tienen una importancia significativa en la composición general. A lo largo del proceso de pintura, encontraremos muchas áreas intrigantes que abordaremos Seremos testigos de cómo podemos simplificar ciertos aspectos y los diversos enfoques que podemos tomar con la pintura un tanto compleja. Recomiendo encarecidamente ver cada parte del tutorial antes de ahondar en la pintura Al hacerlo, le proporcionaremos una comprensión de qué esperar, el proceso involucrado y el objetivo de cada segmento. Una vez que te hayas familiarizado con el contenido, puedes reproducir el video y seguirme Tómate tu tiempo con este proyecto. No hay necesidad de apresurarse. Te animo a pintar lenta y cuidadosamente. Es crucial que entiendas lo que vamos a hacer y por qué nos estamos acercando a ciertas áreas de maneras específicas. Antes de comenzar su pintura, comprender el razonamiento detrás es esencial comprender el razonamiento detrás de cada paso. Especialmente en proyectos complejos. No podrás seguir mis pinceladas replicando exactamente cada movimiento En cambio, enfócate en comprender las ideas detrás de mis pinceladas y mi proceso de pensamiento Esta comprensión le permitirá imitar el proceso con confianza Saber por qué estás tomando ciertas decisiones. Si bien pintar es vital, es más que simplemente copiar trazos de pincel. Se trata de entenderlas. Esta comprensión no sólo hará que tu pintura actual sea más cómoda, sino que también te beneficiará en tus futuros esfuerzos artísticos También tengo un descargo de responsabilidad para compartir. Estaba increíblemente entusiasmado con este proyecto y apunté a crear videos de alta calidad. Sin embargo, debido al uso de una nueva cámara y a mi proceso de aprendizaje continuo con ella, hubo un error en la configuración de la cámara. Esta vez, cometí un error. Como resultado, notarás que la calidad del video no es tan buena como algunos de mis otros contenidos. A pesar de esto, puse un esfuerzo extra durante la edición posterior para mejorar las imágenes. Podría haber un efecto de ruido notable que podría distraer un poco, pero espero que no le quite demasiado al mensaje principal de los videos Aquí está mi boceto. Las dimensiones de la pintura son 129, ya que he optado por crear tutoriales en este tamaño, ya que es el tamaño más preferido por muchos de ustedes que pintan junto a mí. No obstante, si estuviera emprendiendo esto como mi proyecto personal, sin duda optaría por un tamaño mayor. Siéntase libre de pintarlo en tamaño 16 por 12, o incluso más grande, si lo prefiere. Creo que quedaría fantástico. Y sin duda haría el proceso de pintar el cabello y la cara, mucho más fácil el proceso de pintar el cabello y la cara, que es relativamente pequeño en mi pintura. Engrapé el papel a mi tabla de polainas y no mojé el Está totalmente seco usando una almohadilla ligera. Transferí la foto de referencia y ahora estoy agregando cinta alrededor de ella para crear un borde limpio para la pintura terminada mientras el boceto es bastante visible para el propósito de los tutoriales, lo que le permite ver claramente las líneas. Si estuviera pintando esto solo para mí como mi proyecto personal, usaría una goma de borrar necesaria para eliminar el exceso de grafito, haciendo que el boceto sea mucho más ligero Ahora, asumiendo que tu espacio de pintura está listo, tus herramientas están listas y tu boceto está preparado, podemos pasar al siguiente paso, que consiste en aplicar el fluido de enmascaramiento. 5. enmascaramiento: Para esta pintura, opté por usar líquido enmascarante ya que nos ayudará a pintar el fondo con facilidad Voy a estar usando líquido de enmascaramiento Windsor y Newton y vamos a necesitar un pequeño recipiente para el enmascaramiento, un trozo de jabón, un cepillo para aplicar el enmascaramiento, Y por supuesto, agua. Estoy vertiendo parte del líquido enmascarante en una taza vieja y cerrando rápidamente la botella, minimizando su contacto con el oxígeno. Ahora, aquí como pueden ver, no fui lo suficientemente cuidadoso y hay una gota de enmascaramiento en la pintura. No obstante, esta es una buena oportunidad para mencionar que si te pasa , no entres en pánico. Evita intentar quitarlo inmediato ya que eso no va a funcionar. Simplemente déjelo como está y déjelo secar. Una vez seco, puedes quitarlo fácilmente. Ahora agarra una brocha que utilices únicamente para aplicar líquido de enmascaramiento. Nunca uses tus buenos pinceles para este propósito. Profundizar el cepillo en agua y frotarlo contra un trozo del jabón creará una capa protectora en las cerdas, evitando que se peguen entre sí Ahora con jabón en las cerdas, profundiza el pincel en líquido de enmascaramiento y comienza a aplicarlo a tu pintura Estaré enmascarando las hojas de la izquierda, las flores y los bordes de la estatua, y adicionalmente, algunas manchas blancas en el lado derecho en el fondo. Si bien puede ser un desafío ver esto en el video, puede hacer referencia a los materiales de la clase para un dibujo lineal donde marqué exactamente dónde apliqué el fluido de enmascaramiento. Creo que será mucho más fácil para ti seguir esa ilustración a la hora de aplicar el enmascaramiento. Tómate un descanso de vez en cuando y limpia tu cepillo. Sumergirlo en agua, enjuagarlo, secarlo en una toalla de papel. Y repita el proceso, sumételo en el agua, frótelo encima del jabón y continúe aplicando el enmascaramiento. Limpiar tu cepillo periódicamente ayudará a mantenerlo en buenas condiciones durante mucho más tiempo. Si no se usa jabón, garantice que su cepillo sería inútil después de un solo uso. De hecho, todavía tengo pinceles viejos con enmascaramiento seco en las cerdas porque a veces pueden ser útiles para crear formas más orgánicas y aleatorias hora de aplicar el enmascaramiento Cuando se trata de un borde más largo, como el columpio para lograr una línea suave, lo mejor es mantener el cepillo en ángulo y correrlo paralelo al borde. Aplicar un poco más de presión al pincel mientras se mantiene el pincel en ángulo dará como resultado un borde mucho más suave. Al pintar con enmascaramiento, recuerda que las formas que estás creando ahora formarán la forma de tu sujeto. No te apresures. Tómate tu tiempo. Nadie te está mirando y no hay necesidad de terminar esto hoy. Trabaja lentamente, paso a paso, y enciende con cuidado tu música favorita y simplemente disfruta del proceso. No es una carrera. Entiendo el deseo de completarlo enseguida, pero cuanto más impaciente seas, triste se vuelve mi vida y quiero ser feliz Entonces, por favor, despacio. Una vez que termines de aplicar el enmascaramiento, limpia tu pincel y deja que todo se seque completamente. 6. Fondo: El líquido de enmascaramiento ahora está completamente seco y el color se ha convertido en un amarillo más oscuro. Ahora podemos proceder a pintar el fondo. Por el fondo, me refiero a todas las áreas verdes, todo alrededor de la estatua, incluyendo las áreas verdes frente a ella. Ahora vamos a aplicar la primera capa principal, y luego agregaremos más detalles al primer plano Empezar, necesitamos preparar unos tonos de verde. Comencemos mezclando el verde fresco más ligero usando el verde dorado y el tono amarillo verde Windsor Adicionalmente, noté más de un verde oliva en la foto de referencia, un matiz menos saturado. Podemos crear fácilmente este color usando los mismos verdes que en la primera mezcla de verde dorado y tono amarillo verde Windsor. Añadiendo la sienna quemada a la mezcla. siena quemada le dará al verde un aspecto más natural y menos saturado También es un poco más oscuro en tono. Marrón, naranja o incluso rojo. Agregado al verde siempre neutraliza un poco el verde. Lo hace menos saturado y lo convierte más en un verde oliva. También necesitamos un verde natural muy oscuro. Para ello, podemos mezclar verde, dorado, verde Windsor, tono amarillo y siena quemada los mismos colores que en la segunda mezcla Pero esta vez para oscurecer esta mezcla, agregaremos Pains gray Por último, necesitamos un verde azulado. Y para esto, mezclemos el azul verdoso Windsor con el tono amarillo verde Windsor. Esto creará una bonita turquesa oscura que podremos oscurecer aún más añadiendo dolores grises Ahora tenemos cuatro tonos de verde Y es momento de cambiar el agua porque vamos a necesitar agua limpia. Para el siguiente paso, vamos a pintar en sentido horario de izquierda a derecha usando un pincel tamaño 12 para pintar el fondo. Estaremos usando el método de cebado. El método de cebado es similar a la técnica wet on wet, pero con un paso adicional, una capa extra de agua al principio Déjeme ilustrar esto para usted. Imagínese que esta es una vista del papel desde un lado bajo un microscopio. A medida que aplicamos la primera capa de agua, observarás un brillo brillante en la superficie del papel Esta capa inicial poco a poco comenzará a empaparse en el papel. La superficie brillante poco a poco se volverá mate. En este punto, las partes internas del papel seguirán mojadas porque hay agua su interior que aún no se ha evaporado. Ahora podemos aplicar la segunda capa de agua. La segunda capa de agua no tendrá suficiente espacio dentro del papel para sumergirse completamente dada la presencia de agua de la primera capa. La segunda capa se remojará parcialmente y permanecerá parcialmente en la superficie del papel. Esto es precisamente lo que necesitamos. Ya que tanto la superficie las partes internas del papel están bastante mojadas, el papel no se secará rápidamente, dándonos tiempo suficiente para aplicar la pintura. Este método es particularmente útil en climas cálidos o durante el verano Cuando está mojado sobre pintura húmeda puede ser un desafío debido al rápido secado del papel. La primera capa adicional de agua ayuda a mantener el papel húmedo durante un período prolongado. Volvamos a nuestro cuadro. Apliquemos la primera capa de agua sobre el área que vamos a pintar. Estoy aplicando esta capa sobre las rosas que no están enmascaradas, pero estoy evitando las áreas de la estatua Esto es crucial. No queremos que ningún verde fluya hacia la estatua en esta etapa a menos que sea el pelo, ya que es una zona muy oscura y estaremos agregando verde en esa zona. De todos modos, esta primera capa de agua de cebado sirve para un propósito específico Necesita remojar en el papel y humedecer la parte interna del papel. Cuando el interior del papel permanezca húmedo, aplicaremos otra capa de agua que permanecerá húmeda por mucho más tiempo, dándonos más tiempo para pintar. Ahora, en la primera etapa, la primera capa de agua, apliqué por la izquierda hasta que me encontré con el ala. El ala divide la pintura en dos partes, lo cual es conveniente ya que no tenemos que trabajar en todo a la vez Por cierto, olvidé mencionarlo antes, pero puede que ya se hayan dado cuenta que no dibujé la segunda ala. Eso lo incluí en el dibujo lineal. Si quieres, puedes agregarlo, pero pensé que no era crucial. Después de aplicar la primera capa de agua, déjala por unos minutos para remojar. En punto, deberías ver un brillo alto en el papel. Espera a que esa espinilla se haya ido. Esperé unos 10 minutos. Ahora después de 10 minutos aplicar la segunda capa de agua. Esta es la capa de agua adecuada que siempre aplicamos primero en la técnica húmeda sobre húmeda con la superficie del papel Ahora realmente húmeda, No hay necesidad de apresurarse con la pintura. Comienza con el verde más claro en el frente de la estatua. La luz golpea esta zona, haciendo que el gusano verde. En esta etapa, no nos estamos enfocando en los detalles. Nuestro objetivo es aplicar los colores básicos en todas partes. Mira la foto de referencia como si estuviera borrosa. No podemos ver formas específicas. Sólo podemos ver áreas de colores. Eso es lo que queremos lograr, nuestra base sobre la cual construiremos más formas más adelante. Tampoco tenemos que seguir exactamente la foto de referencia. Es nuestra inspiración. Si bien nos ayuda a organizar los colores, no es ciencia. Es arte. Y no tenemos que seguir con precisión la referencia, usar los mismos colores y pintar exactamente las mismas formas. Aquí dejé intencionadamente un hueco donde apliqué pura sombra verde azul Windsor. Es uno de esos pequeños detalles que pueden parecer menores pero agrega un efecto realmente agradable. Al final, anticipo que voy a pintar un tallo más oscuro de la rosa en esta zona más tarde. No quiero que oscurezca demasiado. Este toque de azul creará un bonito juego de luces en el fondo. Ahora en el fondo, estoy empezando por aplicar Windsor Blue. Mi objetivo es que esta zona tenga un tono más verde azulado, pero necesito mantenerla bastante oscura Es importante señalar que cuando las pinturas se secan, tienden a volverse más pálidas mientras aparecen maravillosamente profundas y oscuras Cuando están mojados, esto cambia a medida que se secan. De ahí que quiero aplicar una cantidad significativa de pintura aquí, pintura oscura, sabiendo que se secará más pálida Adicionalmente, planeo pintar el fondo en una capa, una sola vez, necesito aplicar una cantidad sustancial de pigmento. Ahora bien, usar mucho pigmento no significa que esté usando pintura gruesa todo lo contrario. La consistencia de la pintura es lechosa y puedo moverla fácilmente en mi paleta. No siento ninguna resistencia bajo mi cepillo. Estoy recogiendo cada vez más pintura y dejándola caer al fondo. También vale la pena señalar que si solo aplicas el pincel sobre el papel En lugar de hacer una pincelada larga, liberarás mucha más pintura y de ahí pigmento de la brocha. Por eso me puedes ver pinchando mi pincel, soltando pintura más concentrada sobre el papel También observa que no me apresuro, ya que estamos usando el método de cebado, el papel sigue húmedo y no hay necesidad de darse Tengo tiempo de sobra para aplicar todos los colores. Tenga cuidado al aplicar dicha pintura oscura. A veces puede mover involuntariamente las cerdas del pincel haciendo que la pintura salpique la estatua Estamos usando mucha agua y pintura. Ahora quieres tener mucho cuidado. Esta es también la razón por la que debes trabajar con calma y despacio. No hay necesidad de apresurar las cosas mientras la pintura aún está mojada. Podemos agregar más pigmento al aplicar la pintura. Es un momento crucial moverse alrededor la pintura e inclinarla en varias direcciones. No puedo enfatizar lo suficiente lo importante que es esto. Con mucha pintura mojada sobre el papel, empieza a abrocharse. Dejarlo así provocaría que el pigmento se acumule en los valles, dando como resultado áreas más oscuras o grandes floraciones Queremos que todos los colores se mezclen muy bien en el papel, creando transiciones suaves y grandes áreas uniformes de colores inclinan su papel. Mientras la pintura se mueva, no se detenga hasta que la pintura se asiente. Sólo cuando veas que la pintura ha dejado moverse y no hay pedales, puedes parar Presta atención a la pintura alrededor del líquido de enmascaramiento. No quieres que la pintura fluya sobre esa barrera de enmascaramiento y entre en la estatua. La etapa de inclinación puede tardar unos minutos largos, pero es crucial para un efecto suave en los fondos lisos Al igual que estos no se crean solo con el pincel. El pincel es un medio para transferir pintura de la paleta al papel. El resto se logra con la ayuda de la gravedad, alicató la pintura para guiar el flujo de pintura en una dirección específica. Una vez que la pintura se haya asentado, limpie la cinta y pase al lado derecho del fondo. Nuevamente, use el método de cebado. Aplica la primera capa de agua y déjala remojar por unos minutos. Aquí me perdí una pequeña sección que debería haber enmascarado. Tengo que pintar cuidadosamente alrededor de esa zona. Ahora aplica la segunda capa de agua y empieza a agregar tus colores. Estoy empezando de nuevo desde el verde más brillante. Hay una hoja verde cálida al fondo. Estoy aplicando este verde en esas zonas. No tengo que pintar esa hoja exactamente, Pero quiero recrear la distribución de colores más o menos en la parte superior Es crucial usar un color que sea el mismo, o al menos similar al del lado izquierdo del ala. El fondo detrás del ala es un área grande, por lo que queremos usar el mismo color en ambos lados para mantener la continuidad del color en la parte inferior, tenemos mucho espacio para la interpretación. Toda esta zona es muy borrosa y las formas están en. No hay necesidad de ser demasiado cuidadoso o detallado aquí. Sólo estoy aplicando los colores. Partiendo del verde más claro y añadiendo gradualmente verdes más oscuros. Incluso hay algunos indicios de siena quemada y un área clara sin pintar en la parte inferior Esto es lo que pretendemos lograr en esta etapa. Deja que se seque completamente. Puede tomar un tiempo porque aplicamos mucha agua, pero recuerden, no es una carrera. Incluso se puede dejar secar. Paciencia de ejercicio durante la noche. Cuando esté seco, vuelve a esta pintura con ojos frescos y pasaremos al siguiente paso donde retiraremos la cinta de enmascarar y usaremos una brocha fregadora Todo tiene que estar completamente seco antes de la siguiente etapa. 7. Usa el cepillo depurador: Asegúrate de que todo esté completamente seco. Vamos a usar un cepillo de fregado. Ahora, voy a estar usando el pincel Calia de Windsor y Newton tamaño cuatro en el fondo, puede que notes esos puntos más claros y podemos crearlos con una fregadora Cepille profundamente, su pincel en agua, Retire las Xs sobre una toalla de papel, envuelva la superficie con movimientos circulares y frote esa zona con una toalla de papel para quitar la pintura activada No necesito exactamente el mismo cepillo que tengo para esto. Cualquier pincel ligeramente más rígido que los pinceles de acuarela, preferiblemente los que se utilizan para la pintura acrílica funcionarán bien Incluso puedes probar con tus pinceles de acuarela, tal vez tengas uno plano, pero puede que solo lleve un poco más de tiempo, ya que son un poco más suaves. Observe que podemos controlar cuánta pintura se despegará. Si presionamos el pincel con más fuerza, activará más pintura y despegará más. Si presionamos muy suavemente, eliminaremos menos pintura Sabiendo esto, podemos controlar los bordes de nuestros spots. Pueden ser muy suaves. Si presionamos el pincel ligeramente en el centro de esos círculos, estoy presionando fuerte, y en los bordes, estoy siendo muy delicado. También estoy levantando la pintura de los lugares detrás los tallos para crear más impresión de luz en esas áreas. Ahora aquí tenemos manchas de líquido enmascarante. Quizás te preguntes por qué estoy abordando esto ahora y no después de quitar el enmascaramiento. Hay una razón para ello. Este lugar no es muy grande. Si tuviera que quitar el enmascaramiento y luego comenzar a suavizar los bordes, hay una gran posibilidad de que tire de la pintura verde hacia esos puntos enmascarados y al final no se quedaran tan blancos Por eso ahora estoy suavizando el área alrededor de esas manchas porque el líquido de enmascaramiento sigue protegiendo esas áreas blancas. Cuando finalmente quite el enmascaramiento, habrá mucho menos pigmento a su alrededor y se reducirá el riesgo de tirar de la pintura de tirar de la pintura hacia esas manchas blancas. Espero que esto tenga sentido. Podemos, por supuesto, despegar algunos puntos más claros aquí y allá para introducir más variedad y formas más abstractas en esa zona. Ahora ya podemos quitar el enmascaramiento. Tengo esta bonita herramienta de recogida de enmascaramiento. Está hecho de goma, creo, lo cual es muy agradable y lo recomiendo encarecidamente. Por supuesto, puedes usar tus dedos para, pero esta herramienta lo hace muy fácil. Si el enmascaramiento está bien aplicado y fresco, se desprenderá en una pieza grande, lo que siempre es muy satisfactorio. Ahora podemos eliminar fácilmente ese error y enmascaramiento de todos los demás lugares. Al final, me gusta correr el dorso de mi dedo por todas partes para asegurarme de que me quité todo el enmascaramiento. Ahora los bordes son muy afilados, por lo que podemos usar un cepillo de fregar para suavizar algunos de ellos o suavizarlos. Por ejemplo, aquí en este lugar, quiero suavizar esos bordes También quiero suavizar algunos bordes de las rosas para crear un aspecto más suave, más borroso la derecha. Ahora también podemos suavizar esos bordes Observe que aquí quitamos la pintura antes. Ahora no tenemos mucho pigmento aquí. Solo queremos suavizar esos bordes un poco más porque ya hay menos pigmento No metemos el green en esa zona blanca. Por eso levantamos la pintura antes cuando esas zonas aún estaban enmascaradas. También hay algo llamado bordes perdidos y encontrados, que es uno de esos pequeños secretos en acuarela que hace que las pinturas sean más interesantes. La idea detrás de esto es muy sencilla. Visualízalo en la flor de la izquierda. Actualmente, todos los bordes son afilados. Ahora voy a ablandar los bordes en la parte inferior. La idea aquí es que los bordes afilados sugieren que el objeto está enfocado. Es claramente visible. Estos son los bordes encontrados. Los bordes perdidos son los que están en la parte inferior que se mezclan con el fondo. Es como si el objeto estuviera emergiendo del fondo. También quiero suavizar ligeramente el borde en la parte superior de la cabeza donde está la luz Creo firmemente que suavizando los lugares con las luces más altas, vamos a hacer que se vean más naturales y el efecto de luz será más intenso. También haremos esto con las sombras de la estatua en una etapa posterior. Ahora el fondo está terminado, se quita el enmascaramiento. Y hemos ablandado algunos de los bordes. Podemos pasar a agregar algunos detalles al primer plano. 8. Flores - detalles: El fondo es completamente seco. Y ahora podemos comenzar a agregar más definición a las formas en primer plano Voy a estar usando una forma del tamaño de pincel. Empecemos por aplicar los colores principales a las hojas de la izquierda. Además que vamos a usar un bonito verde cálido, que es en mi caso, el oro verde. También podría tener un toque de tono amarillo verde Windsor, pero es principalmente oro verde. Apliquemos este color a toda la hoja. Solo un simple lavado plano, húmedo y seco. Ahora, agrega un poco de tono amarillo verde Windsor y aplica el color a la otra hoja del lado derecho, agrega más oro verde solo para introducir alguna variedad en esos greens. Eso es todo. Ahora dejemos esas dos hojas en la foto de referencia, también está la tercera hoja abajo, pero decidí no pintarla. Ahora pasemos a la primera flor. Aparte de nuestros greens, también necesitaremos un color neutro, que usaremos para pintar la estatua. Mezclemos la siena quemada con el azul calvo. Esta mezcla nos dará un agradable gris cálido, neutro que podemos cambiar hacia el azul marrón o incluso verde si es necesario ajustando la mezcla de colores. Ahora, porque todas esas formas son muy pequeñas, estoy pintando húmedo y seco. Empiezo por aplicar el gris en los lugares más oscuros. Entonces estaré agregando diferentes tonalidades de verde y también marrón para obtener varios tonos para las sombras. En este punto, describir exactamente lo que estoy haciendo es bastante difícil porque todas esas formas son muy abstractas. En general, mi idea es que quiero aplicar colores principales que pueda ver, dejando los reflejos blancos sin pintar Empiezo con un tono claro y luego voy cayendo en tonos más oscuros, en las zonas sombreadas Como puedes ver, es difícil decir que esto sea realista, realmente no lo es. Yo diría que esto es sólo un intento de crear una impresión de una rosa. En lugar de pintar una rosa, me preocupan más los valores y los colores que por crear algo realista. En esta etapa, fíjate cómo estoy tratando de mezclar el marrón con el verde en la parte inferior. Quiero crear la ilusión de la flor emergiendo del fondo, un borde perdido. Por eso fue muy útil suavizar ese borde en la parte inferior. Si tuviéramos un borde duro ahí, no podríamos lograr esa transición suave de colores. Estoy cayendo en tonos más oscuros aquí y allá en los lugares más oscuros, tratando de obtener los tonos correctos de inmediato En la siguiente flor, estoy empezando por el verde más brillante en la parte inferior, y estaré agregando tonos más oscuros, creando nuevamente esas formas muy abstractas En general, este es un lugar perfecto donde podemos aplicar la regla, pintar lo que veas. Puede que no tenga sentido para ti. Y esas formas, sobre todo cuando se mira y sin contexto, pueden parecerse a nada. Pero no te preocupes por ello. Solo trata de pintar más o menos lo que ves en la foto. Al final, todos esos colores y formas se unirán para crear una imagen agradable y cohesiva Ahora aquí está, creo, la única flor que en realidad se asemeja a una rosa. Está en la sombra. Estoy empezando por aplicar algunos colores básicos. Primero lo dejaré secar y agregaré tonos más oscuros. Mi objetivo será simplemente crear una distinción entre las dos rosas aquí. También quiero crear esa impresión de un pétalo rizado. Posteriormente. Para realmente tener la impresión de una rosa, agregaré sépalos en la parte inferior Ahora solo estoy agregando los colores principales, algunos verdes, algunos grises neutros, y también ese verde oscuro en la parte inferior Después cuando todo se seque, volveré a esta flor y agregaré algunos detalles. Observe que estoy usando los mismos colores todo el tiempo. Quemar Siena con azul cobalto es mi gris neutro. Lo cual cambio más hacia el verde, marrón o azul según sea necesario. Creo que también es importante usar colores un poco menos saturados aquí. Por eso estoy construyendo los colores con ese gris. La razón de ello es porque si usamos colores más neutros alrededor de la estatua, los colores cálidos de la estatua y la luz de la misma serán más pronunciados porque los colores de la misma no competirán demasiado con el fondo. Aquellos de ustedes que me conocen saben que me gustan los colores atrevidos y generalmente los colores cálidos. Por eso mi pintura es más vibrante y más cálida que la foto. Pero así es como me gusta pintar. Si te gusta, siempre puedes usar colores que sean más fieles a la referencia. Para mí, la referencia siempre es solo una inspiración e información sobre los valores tonales Los colores son siempre menos importantes. No estoy tratando de recrear perfectamente los colores porque no es ciencia, es arte Podemos hacer lo que queramos. Aquí en las rosas de la derecha, estoy aplicando esos colores beige neutros. También estoy dejando algunos huecos sin pintar en los bordes de las flores, que serán los reflejos cercanos al lado inferior de los pétalos Estoy agregando un verde más oscuro ahora volvamos a las hojas de la izquierda y agreguemos venas. La primera capa ahora está seca, por lo que podemos agregar líneas de vetas muy finas con un tono verde más oscuro. Queremos que sea muy sencillo. Después de agregar las venas, podemos agregar algunas manchas más oscuras en las hojas. Pero no queremos exagerar y tocar demasiado aquí. También hay un tallo más oscuro, así que queremos pintar eso también. El tallo será más oscuro que el fondo y obtendremos ese bonito efecto ahora con el mismo verde más oscuro. Agreguemos el tallo de una rosa y los sellos, las formas de los sépalos nos ayudarán a crear la impresión de una rosa Creo que este es un rasgo muy característico de esta flor. Y después de agregarlos, creo que ya podemos decir que es una rosa blanca porque los pétalos ya están secos. También podemos agregar algunas sombras, un poco de sombra en la rosa en la parte posterior para hacer una clara distinción entre las dos flores. También podemos agregar una sutil sombra bajo el pétalo rizado, en la rosa de enfrente Después de aplicar el color, enjuaga y mancha tu pincel y difumina rápidamente el borde de la pintura. 9. Tonos oscuros en primer plano: Creo que ahora es el momento de mezclar más verde oscuro. Usemos pinturas grises mezcladas con oro verde para obtener un verde oscuro muy profundo. Vamos a agregarle la sienna quemada para que sea más verde oliva oscuro Usemos este color oscuro para crear algunos espacios negativos en la referencia. Puedo ver una rosa detrás y algunas hojas. Apliquemos el verde entre esas formas para dar vida a esas formas. Entonces estamos usando la técnica negativa. Aquí estamos pintando el fondo de los objetos. Intenta difuminar ese verde. También podemos agregar algunos colores para sugerir pétalos en la rosa. Ahora voy a usar este verde para oscurecer toda esta zona entre las flores Inicialmente, quería crear formas más negativas y tener más cuidado aquí, pero pensé que esta área es solo el fondo y realmente no tenemos que enfocarnos en los detalles aquí. Me verás jugando con varios tonos oscuros de los verdes y llenando el espacio con esos colores. Creo que aquí solo podemos crear una sensación de aleatoriedad. En lugar de definir las formas exactamente, esta área es como un gran rompecabezas. Lo que estoy haciendo ahora es realmente muy aleatorio. Estoy tratando de recrear esas formas y colores más o menos Nuevamente, toda esta área es muy abstracta. Como pueden ver, es muy difícil describir exactamente lo que estoy haciendo. Trato de evitar hacer tutoriales como este y pintar tales cosas porque este no es un proceso muy organizado y estructurado. Es realmente difícil de describir, lo cual puede ser molesto, eso lo sé. Pero ya sabes, a veces áreas como esta van pasar en nuestras pinturas y solo tenemos que ocuparnos de ello. Pensé que agregaría un toque de Windsor Yellow Deep para realzar la sensación de calidez aquí. Ahora vamos al lado derecho de la pintura. Aquí de nuevo me verás añadiendo formas muy aleatorias, pero mi principal objetivo aquí es pintar el tallo y los sellos de la rosa. Creo que es muy importante que hagamos eso. Porque esta rosa junto con la del lado izquierdo de la pintura que también tiene sépalos son dos rosas que influyen en cómo percibimos todas esas flores Creo que con sólo añadir esos sépalos en sólo esas dos rosas, el espectador de la pintura podrá percibir todas esas flores como rosas A pesar de que no los pintamos a detalle. También estoy agregando líneas aleatorias aquí, pensando en pastos altos Simplemente algo que agregará más aleatoriedad aquí y creará la impresión de un pequeño caos en el jardín o simplemente la belleza del mundo natural Creo que podemos terminar aquí antes de seguir adelante, también quiero usar un cepillo de fregado y suavizar algunos de los bordes cerca de los reflejos solo para introducir Con eso, creo que podemos terminar y pasar a pintar la estatua. 10. El cabello: capa inicial: Ahora estoy bastante emocionada porque nunca antes había pintado una estatua como esta. Es una nueva y emocionante aventura. Pero tengo un plan. No te preocupes, podemos hacer esto. En primer lugar, necesitamos algunos colores. Vamos a mezclar quemar Siena con Azul Cobled. Esta será la mezcla principal que vamos a usar en toda la estatua. Azul Cobled es el azul más delicado, muy suave, lo que crea un agradable gris cálido y neutro con siena quemada La siena quemada es un bonito marrón cálido. Creo que funcionan muy bien juntos, sobre todo para este propósito. En la otra mitad de la paleta, también estoy preparando rosa permanente, amarillo Windsor, profundo, una mezcla de oro verde con tono amarillo verde Windsor y pinturas grises e incluso algunas sienna quemadas Eso es un verde oliva oscuro profundo. Usaremos principalmente el gris y sus tonos desde el lado izquierdo de la paleta. No obstante, creo que la rosa permanente y el amarillo Windsor profundo pueden ser útiles en los lugares más cálidos del cabello En algún momento también usaremos verde en la parte inferior del cabello en lugares donde el cabello se encuentra con las rosas. También en otros lugares donde solo el verde de las plantas se refleja en la estatua, tu agua probablemente se volvió verde. Ahora, al igual que el mío, te recomiendo encarecidamente que cambies el agua para que usemos colores limpios. Ahora voy a estar usando un tamaño de pincel para, recojamos algo de ese gris neutro y comencemos con este. Estaremos pintando mojado sobre seco. Mantenga la pintura realmente acuosa. Recuerda, siempre puedes dejar caer más pigmento si es necesario. Comienza con un tono claro para establecer la forma y luego agrega más color para oscurecerla. Estoy empezando desde la parte superior de la cabeza y estar pintando el pelo del lado izquierdo. Ahora déjenme explicarles cuál es mi plan y cómo quiero abordar este tema. La idea es bastante simple. En realidad, tomemos un descanso por un segundo para poder describirte tranquilamente mi proceso de pensamiento Cuando miro esta zona del cabello, primero que pienso es, ¿cómo puedo simplificar todo esto? Puedo ver que hay una clara distinción entre las sombras y los reflejos. Voy a dejar los reflejos pintados porque la blancura del papel será el blanco más brillante de la Eso es lo que necesitamos aquí. Voy a tener que enfocarme en pintar sólo las sombras. Cuando miro esas sombras, pienso en sus colores y valores tonales inmediato sé que no voy a poder pintarlo en una sola capa. ¿Por qué? Porque hay demasiados valores tonales diferentes Si puedo ver valores de luz bonitos y valores bastante oscuros, entonces sé que tendré que dividir pintura en al menos rondas. Primero, aplicaré valores más claros y quizás valores medios. En la segunda capa, crearé valores más oscuros. Sabiendo que ahora estoy pensando en los colores. Veo que los colores van desde el marrón pasando por gris hasta el azul y además algunos verdes en la parte inferior. Esos son los colores que ya hemos preparado. Mi idea es que en la primera etapa, podamos aplicar colores iniciales, los colores principales del sujeto sin enfocarnos en los detalles. Cuando la primera capa se seque, aplicaremos más detalles en los tonos oscuros para definir todas esas formas onduladas del cabello. Estoy viendo la referencia en cuanto a grandes formas llenas de colores. Mi objetivo es simplemente aplicar marrones, grises y azules en los lugares correctos, más o menos Estoy dejando reflejos blancos sin pintar y enfocándome sólo en esas sombras coloridas Observe que la siena quemada y azul cobalto es una combinación muy, muy agradable Eso es capaz de mostrar maravillosa luz reflejada dentro de las sombras. Espero que lo veas. Al menos eso es lo que estoy recibiendo. En lugares donde aplicamos sienna quemada. Ese marrón se ve como si hubiera una luz cálida. Pero como lo estamos combinando con el azul, tenemos una sensación de luz dentro de la sombra. Creo que este efecto se ve muy, muy bonito. Esa siena quemada nos ayuda a crear la luz reflejada en el área sombreada de la estatua Casi parece como si hubiera una fuente adicional de luz brillando en algún lugar desde el fondo. Esta etapa de la pintura no es demasiado difícil, sin embargo, debemos prestar atención a los aspectos más destacados y evitar pintar esas áreas. Sé que te puedes perder entre todas esas líneas. Lo sé porque tuve que pensar en dónde poner cada trazo de pincel. Pero déjame recordarte que esto no es una carrera. Realmente no tenemos que darnos prisa. Tómate tu tiempo, y te prometo que vas a crear una pintura impresionante. Realmente vale la pena pasar un poco más de tiempo y aplicar esos colores lentamente. Solo recuerda usar una consistencia de pintura realmente acuosa para que los colores se mezclen muy bien en el papel En las zonas inferiores, puedes pintar con confianza las recompensas No hay reflejos y solo tenemos que llenar esa área de color. Observe que cerca del cuello, estoy ablandando ese borde. Quiero mezclarlo. Posteriormente, cuando estemos pintando el cuello, definiremos la línea del cabello en esta zona con un tono más oscuro en la parte inferior. Usa el verde como reflejo de las hojas en la estatua. Si bien la pintura aún está húmeda, me estoy dejando caer más pintura solo para oscurecer un poco el color Será más oscuro de todos modos. Bien, entonces hemos aplicado una capa inicial a la izquierda, ahora pasemos al lado derecho y repita el proceso. Este sitio tiene más luz, tiene colores más cálidos. Así que tenlo en mente. Incluso mezclaré un poquito de amarillo Windsor profundo con mi marrón para hacerlo. Ahora estoy mezclando amarillo Windsor profundo con rosa permanente. Esta mezcla nos da una naranja muy agradable la cual es limpia y cálida que el marrón de la sienna quemada Creo que este es un color muy agradable para usar en este lugar donde la luz es realmente fuerte. De nuevo, por favor sea paciente y pinte lenta y cuidadosamente de este lado. También necesitamos moldear cuidadosamente la curvatura de la cara. Tómate tu tiempo y haz esto lenta y precisamente aquí. Cerca del hombro y el cuello. Disminuye aún más la velocidad y crea formas agradables y suaves. Intenta mezclar la pintura aquí. Ahora no vamos a pintar esa gran sombra. Volveremos a ello más tarde. Enfócate solo en el cabello. Introduce un marrón más oscuro para sugerir profundidad. Este marrón es una mezcla más fuerte de siena quemada y azul cobalto en esta etapa. Así se ve en los materiales de la clase. Encontrarás mis fotos de obra en progreso. Así que siéntete libre de abrir esta foto e intentar recrearla. Me gustaría llamar su atención la belleza de las acuarelas. Observe cómo las propiedades transparentes de las acuarelas y la interacción entre luces y sombras crean este efecto hermoso, casi efímero Quizás cuando veas ya aplicado al cazavamoscas, podrías pensar que no es tan difícil Si ya lo has pintado, ahora te darás cuenta de que no fue tan difícil en absoluto. Eso es porque realmente no lo fue. Aquí no hicimos nada especial. Es solo un simple lavado gradual, aplicado húmedo sobre seco. Solo tuvimos que sentirnos en formas específicas paso a paso. Nos dirigimos en la dirección correcta. Sin embargo, necesitamos seguir un orden específico y tomarnos nuestro tiempo. Incluso las pinturas complejas no son tan complicadas si las dividimos en partes más pequeñas y las acercamos de manera organizada. Bien, ya basta de retumbar. Pasemos ahora a la siguiente parte. 11. Wing - Capa inicial: Esta parte será mucho más fácil que la anterior. Vamos a aplicar una capa inicial sobre el ala usando un pincel tamaño ocho. Nuestro objetivo ahora es muy sencillo. Solo tenemos que aplicar una capa inicial, húmeda y seca. He decidido usar un pincel más grande esta vez porque la forma es mucho más simple y no hay muchos reflejos complejos que tengamos que pintar alrededor. Usa la misma combinación de siena quemada y azul cobalto. Voy a empezar desde abajo y moverme hacia arriba. Observe que hay una sombra más profunda dentro del ala y ahí quiero agregar más azul cobalto. Presta atención a los aspectos más destacados. Hay un resaltado a la izquierda, en la curva del ala, y también reflejos más pequeños en las plumas de la derecha. Podríamos enmascararlos con líquido de enmascaramiento, pero creo que esas formas son súper simples y solo podemos pintar alrededor de ellas. En la parte inferior del ala, pensé en agregar algo de verde para reflejar el color de los alrededores. Sólo un poquito para introducir algo de interés. También mezclé una mezcla más fuerte, más oscura de azul adoquinado y quemé Siena Y lo estoy aplicando en la zona más oscura. Si haces esto y notas como yo lo hice, que se está formando un borde duro en alguna parte. Esto significa que la pintura comenzó a secarse. Así que adelante y aplica otra capa para pintar a todo el ala. Pensé que haría esto porque la pintura se secará más pálida y quiero lograr un valor tonal similar al pelo de la izquierda Y eso es todo por esta parte. Ahora podemos pasar a aplicar una capa similar al vestido. 12. Vestido: capa inicial: Para el vestido, volveré a cambiar a un pincel más pequeño tamaño cuatro. Vamos a usar exactamente los mismos colores que antes, pero esta vez creo que comenzaré con una mezcla de rosa permanente y amarillo Windsor, profundo. Voy a usar quemar sienna de todos modos en un segundo. Esta vez, de nuevo, tenemos que ser un poco más cuidadosos porque tenemos que dejar esos reflejos sin pintar, cerca de las flores Usa el verde para reflejar ese color. Fíjate en lo acuosa que es mi pintura. Si usara pintura gruesa, se secaría muy rápido y crearía bordes duros. Queremos crear una gran área de colores bellamente mezclados con reflejos sin pintar Por eso estamos usando pintura muy acuosa porque nos permite mezclar los colores Pero también nos da un poco más de tiempo para pensar en el siguiente trazo de pincel. Debo decir que el vestido para mí era mucho más confuso que el pelo. No sé por qué, pero aquí estaba perdido. A pesar de que no hay muchos aspectos destacados, yo estaba aún más, Pero llegaremos a eso. Hay una distinción entre el vestido y el fondo. Pero cubrí toda esta zona ahora mi idea es que el fondo se quede así y el vestido será mucho más oscuro en esta zona. Posteriormente, crearé esta distinción con una pintura más oscura. Bien, y eso es todo por esta parte. Echemos un vistazo más de cerca a lo que hemos hecho hasta ahora. En la siguiente parte, vamos a aplicar una capa inicial al cuerpo. 13. Cuerpo: capa inicial: Hay una capa inicial más que tenemos que aplicar. Es decir, en el cuerpo del ángel, estaré usando un pincel tamaño cuatro. Y tengo que disculparme por mi error en esta parte. Después de terminar esta sección, me di cuenta de que no hice clic en el botón de grabación en mi teléfono. No verás mi paleta en esta parte, pero estaré usando exactamente los mismos colores que en todas las demás secciones. Aquí no hay cambios. Empecemos por la parte superior y movamos hacia abajo. Empiezo con un color base más neutro y luego agregaré más siena quemada o azul cobled Este color es una mezcla de siena quemada y azul cobalto aquí por encima del ojo Quiero crear una sensación de luz más fuerte en lugar de la siena quemada Estoy usando esa mezcla naranja de amarillo Windsor, rosa profunda y permanente. Observe también que hay un pequeño resalte en el párpado, así que trata de pintar cuidadosamente a su alrededor. En realidad estoy combinando aquí técnicas mojadas sobre mojadas y mojadas sobre secas. En algunas zonas, estoy aplicando la pintura húmeda sobre seca. Pero en áreas más grandes, primero estoy mojando rápidamente esa área y luego estoy agregando colores. Esto es solo porque quiero lograr transiciones de color suaves. Y esa capa de agua solo me ayudará a mezclar mejor los colores. Estoy, por supuesto, usando una pintura de consistencia muy acuosa. Echa un vistazo más de cerca a la distribución de los colores. Observe donde hay más azul adoquinado, donde hay más sienna quemada, Donde estoy usando una mezcla muy ligera de ambas Ahí está esa bonita luz alta corriendo a lo largo de la línea de Joe. Realmente vamos a querer crear eso en esta área. Estoy tratando de usar un color muy claro en la segunda capa, vamos a potenciar este efecto, pero en esta etapa, ya podemos crear una base y sugerir esa zona, la sombra se vuelve azul en la parte inferior y neutra en el lado izquierdo del cuello. En el lado izquierdo del cuello. También estoy usando una mezcla más oscura. Este será un lugar muy oscuro. Ya quiero sugerir que también tenemos que aplicar sombra por encima del ojo derecho. También hay un resaltado en el párpado, así que asegúrate de pintar alrededor de él. También fíjate como pinté la sombra debajo de la nariz y en los labios. Dejé un pequeño resaltado en los labios, y no apliqué ninguna pintura en la mejilla derecha Por último, tenemos que aplicar la última capa inicial sobre el brazo. Empecemos por un tono más azulado y luego cambiemos el color a más marrón No te preocupes por el borde duro de la sombra ahora, luego usaremos un cepillo de fregado y suavizaremos algunos de los Presta atención a los colores y valores tonales. Observe que hay un resalte más claro en el brazo entre el azul y el marrón. También hay más azul cerca de la luz alta en la parte inferior, cerca de las flores. Agrega también el color verde para sugerir un reflejo del verde en la estatua. Con eso, terminamos de aplicar la capa inicial sobre toda la estatua. Como pueden ver, lo hicimos en varias partes. Dividimos toda la estatua en secciones más manejables, gracias a las cuales no fue tan abrumadora, eso espero Eso lo hicimos paso a paso, y ahora tenemos una base muy bonita sobre la que podemos construir tonos y detalles más oscuros. En la siguiente parte, terminaremos de pintar el cabello. 14. El cabello - Detalles: Bien, entonces la capa inicial ahora está completamente seca y podemos agregar más detalles y tonos más oscuros en esta parte. Terminaremos el cabello. Voy a estar usando un pincel tamaño cuatro. Recrear cada una de mis pinceladas no sería posible, claro Pero me gustaría describir el proceso y lo que estoy pensando ahora lo mejor puedo para que entiendas lo que vamos a hacer y por qué. En esta parte, nuestro objetivo es agregar más detalles al cabello y oscurecer los tonos donde se necesita En el caso de la estatua, por suerte no tenemos que pintar pelos individuales. Podemos enfocarnos en pintar formas onduladas más grandes. Por supuesto, estoy usando los mismos colores todo el tiempo. Sienna quemada y azul cobalto y todo. Podemos mezclarnos con ellos. Estamos pintando húmedo y seco porque queremos crear esos bordes duros ahora, lo que nos ayudará a crear esa estructura sólida de la estatua. Primero estoy aplicando un tono más claro. Entonces si es necesario, estoy cayendo en más color para oscurecer ese tono, o para ajustar ligeramente el color agregando más azul o marrón Observe que estoy dejando huecos entre esas formas. La capa anterior, esa capa inicial que aplicamos antes, ahora actúa como el valor medio. Incluso podríamos decir que ahora estamos pintando las sombras reales. Y la capa anterior ahora funciona como el color base o el llamado color local cuando aplicamos la pintura. Ahora puede o no ser la última capa. Depende, pintar es un acto de constantes ajustes. Quizás cuando agreguemos las sombras más oscuras, resultará que algunas otras partes necesitan más atención y más oscurecimiento Podemos regresar y agregar más color para oscurecer el tono en algunas áreas Por eso no estoy usando un tono súper oscuro de inmediato. Estoy construyendo los valores lentamente. Observe que la consistencia de mi pintura es la misma que en la capa anterior. Pero debido a que ahora tenemos una acumulación de capas, el valor tonal es más oscuro Con cada capa el tono será más oscuro y más oscuro. Es mejor construir el tono oscuro de esta manera en lugar de ir de inmediato con una gruesa capa de pintura. Porque de esta manera no perderemos esas propiedades bonitas y transparentes de las acuarelas. Esas finas capas de pintura crean un aspecto muy fresco y limpio. Sé que te puedes perder en esas olas que te animan a bajar la velocidad y observar realmente pacientemente la foto y pensar en cada trazo siguiente Por suerte, aquí estamos pintando pequeñas áreas que están separadas para que poco a poco podamos pensar en cada una de ellas y qué colores usar. Ahí está esa sombra más oscura en la parte inferior. Y aquí podemos usar un tono ligeramente más oscuro de inmediato. No obstante, no se oscurezca demasiado. No use pintura. Observe que hasta mi pintura más oscura sigue siendo bastante acuosa. Siempre podemos oscurecer esos lugares o caer en un tono más oscuro mientras la pintura aún está húmeda Simplemente no uses pintura gruesa en la parte inferior. Al principio, quería pintar esta zona con más detalles, pero pensé que sería suficiente si solo oscurecíamos esta zona y sugerimos algunas formas onduladas Hay una sombra oscura y profunda y cuando las cosas están en la sombra, no son muy detalladas y claramente visibles. Por lo que no tenemos que pintar detalles aquí. Creo que sería mejor al menos lo haría de esta manera. Si miras toda esta parte y luego solo abres mi pintura terminada o foto de trabajo en progreso e intentas recrearla mirando la pieza terminada Tenemos que repetir el proceso en el lado derecho, casi se siente como si fuéramos peluqueros ahora tenemos los colores básicos aplicados, y ahora tenemos que darle forma al Piensa en las ondas, pliegues, cómo se moldearía el cabello real. Observe que realmente no requiere mucho trabajo aquí para crear un efecto de aspecto agradable. Sólo una simple forma ondulada ya crea una sombra. Y le da una forma más tridimensional a nuestra estatua. Si pintas sobre la cara por accidente, siempre puedes usar una brocha fregadora cuando la pintura se seque y despegar la pintura innecesaria Estoy siendo bastante cuidadoso alrededor la cara porque tiene una forma hermosa, suave y no quiero perturbar eso. Pero tenemos que crear un tono más oscuro aquí para llevar visualmente el rostro hacia adelante. Bien, entonces creo que el pelo está hecho. Y ahora tal vez saltemos a pintar el vestido porque está muy lejos de aquí, así que no tocaremos nada. Y también las formas son similares. 15. Vestido - Detalles: Creo que no va a ser una sorpresa si te digo que vamos a usar los mismos colores. Ahora, solo estoy preparando más pintura porque sé que el vestido a la sombra requerirá un tono más oscuro. También mantengo el azul cobalto como pedal separado y estoy agregando amarillo Windsor profundo a mi mezcla marrón para que sea más cálida. Ahora otra vez, que comience la aventura. Mi plan es pintar de izquierda a derecha, de arriba a abajo. Realmente no hay nada que descubrir aquí. Sólo tenemos que pintar esas sombras para crear el pliegue del vestido. Tengo que decir que el vestido para mí era mucho más confuso que el pelo. No sé por qué. Creo que realmente estaba tratando de mantener esos reflejos y tenía miedo pintarlos y no estaba muy segura de dónde deberían estar exactamente. Olvidé mencionarlo en la parte anterior, pero puedo decirles ahora que, por supuesto, estoy mirando la foto de referencia, pero como se puede decir, no estoy recreando cada pliegue exactamente como está en la foto Realmente no hay necesidad de ser tan detallado a menos que realmente quieras. Por supuesto que puedes, pero para mí, lo crucial es mantener las cosas minimalistas simples, pero al mismo tiempo, tratar de transmitir el mismo mensaje Si miras esta sección y puedes decir su dirección, entonces se alcanza mi objetivo. ¿Se ve exactamente como en la foto de referencia? No. ¿Pinté cada pliegue? No. ¿Usé exactamente los mismos colores? No. Pero, ¿me pinté el vestido y sabes que es su dirección? Sí. Lo que quiero decir con eso es que nadie lo comparará jamás con la referencia. Así que realmente podemos hacer lo que queramos. Mi objetivo es solo pintar un vestido o una estatua de aspecto realista filtrada a través de las lentes de mis ojos Creo que la clave aquí es darnos cuenta de lo que realmente tenemos que dejar sin pintar en lugar de lo que tenemos que pintar El objetivo es crear esos pliegues. Y podemos hacer eso no pintando esas formas alargadas. Esas formas son los lugares donde golpea la luz y estamos pintando la sombra. Pinté el vestido en dos rondas. Ahora estoy aplicando la segunda capa. Cuando termine este, usaré secador de pelo para secarme rápidamente, agregará más capa. El motivo detrás de esto es que F de toda la tercera capa me ayudará a lograr los tonos en los lugares. En segundo lugar, la tercera capa funcionará como la tercera dimensión. Simplemente agregará otra capa de profundidad a los pliegues. Aquí puedes ver la segunda capa aplicada, y ahora estoy secando esta capa. Creo que vale la pena mencionar que cuando usas un secador de pelo, calienta el papel. A veces el papel se pone muy caliente. Lo mejor es esperar unos minutos hasta que se enfríe porque lo contrario el paté que vas a aplicar se secará muy rápidamente Ahora, cuando está todo seco, estoy aplicando la tercera capa para crear las sombras más oscuras en la tela hecha de piedra Estoy pensando aquí principalmente en estas grandes sombras. Ahora estoy pintando generalmente todo el lado derecho del vestido, el ala, y el brazo proyectan ahí una sombra. Es importante oscurecer esa zona, recordando mantener algunos reflejos. Nuevamente, fíjate que no estoy usando ningún color nuevo y sigo usando una consistencia de pintura acuosa El tono oscuro aquí es solo el resultado de tres capas aplicadas, una encima de otra. Algunas líneas adicionales aquí y allá, y el vestido está terminado. Puede que no se vea particularmente hermoso en el primer plano, pero lo que cuenta es el aspecto general de toda la pintura. Por eso también es importante no rendirnos cuando estamos en la llamada etapa fea, porque al final todo se unirá. 16. Cuerpo - detalles: Ahora es el momento de la parte aterradora. Ahora. No da miedo. Estoy bromeando. Lo es. Esta parte requerirá tu enfoque, especialmente en un solo lugar. Te recomiendo encarecidamente que veas con calma primero todo este video para entender mejor lo que vamos a hacer, y luego tratar de repetirlo en tu pintura Empecemos tranquilamente por definir los elementos más importantes de la fase, los ojos y los labios Empecemos por los ojos. Usa un color marrón más oscuro y aplícalo en la comisura del ojo. Enjuaga y mancha tu pincel y suaviza el borde de esa pintura para crear una transición suave de la oscuridad a la luz Entra aún más marrón oscuro en la esquina si sientes que es necesario. Ya lo hice algunas veces. Haz lo mismo en esa parte, que no sé llamar. Pero se puede ver dónde, digamos que es el otro rincón del ojo, más cerca de la nariz. Si agregamos una sombra ahí, crearemos un bonito aspecto tridimensional. Aplica la pintura y suaviza rápidamente el borde con una brocha limpia y tonta También definamos un poco más el párpado pintando aquí una línea más oscura. Por supuesto, tuve que volver a oscurecer la esquina. Como pueden ver, estoy ajustando diversas áreas a medida que avanzo. Apenas veo que tiene que ser más oscuro porque en comparación con otros lugares oscuros de la pintura, sobre todo en comparación con el pelo, estos lugares sólo tienen que ser un poco más oscuros y más definidos. No podemos olvidarnos del segundo ojo. Podemos agregar sombras sutiles allí también. Pero no se oscurezca demasiado porque esa parte está en la luz. Bien, ahora vamos a pintar los labios. Creo que sería mejor que partiéramos de la parte más destacada, esa línea oscura que corre entre los labios. Tómese su tiempo ahora, porque esta sencilla línea le dirá todo sobre el estado de ánimo del ángel. Dependiendo de cómo lo pintes, el ángel estará sonriendo o se verá como si no estuviera tan contento. Es importante acertar esta línea para crear un ambiente amigable. El estado cuando pintas esa línea, suaviza la pintura en el labio superior. El labio superior debería estar más a la sombra. Pinta una sombra sutil debajo de los labios. Y si crees que no es lo suficientemente oscuro, agrega un poco más de color en la sombra en la nariz. Estoy borrando la línea de lápiz aquí porque cambia la forma de la nariz Creo que sin la línea se verá mejor. También estoy dando forma a la nariz al agregar una sombra naranja muy sutil detrás de ella. Ahora aquí está la parte que necesita tu enfoque completo. Vamos a aplicar una capa más a toda esta sombra y vamos a dar forma al cuerpo. Observe que hay tres lugares que captan la luz reflejada. La línea de la mandíbula, el cuello del lado derecho, el músculo. A lo mejor, llamemos a eso el músculo del cuello. Creo que la línea de la mandíbula, pero también el músculo del cuello es súper importante aquí, Pero sobre todo la línea de la mandíbula, porque esa zona más clara en realidad dará forma a toda la fase. Es importante hacerlo bien. Usemos un pincel más grande de tamaño ocho, porque de esta manera no nos centraremos demasiado en los detalles sino en las formas más grandes. Esta vez, creo que es necesario pintar mojado sobre mojado. Comience aplicando una capa de agua. Esto nos dará un poco más de tiempo para pintar. También nos ayudará a mezclar bien los colores y reducirá el riesgo de conseguir bordes duros. Empieza a agregar los colores desde el cuello. A la izquierda, está esa sombra oscura debajo del cabello, que requerirá de algunas rondas para que quede lo suficientemente oscuro. Ahora cambia a un marrón cálido. Mezclemos quemar Siena con un poco de amarillo Windsor profundo, y apliquemos ese color debajo de la oreja. Ahora con un gris neutro, empieza a construir la forma del cuello. Comience aplicando un tono claro, y si es necesario, agregue tonos más oscuros. Pero empieza lentamente colocando el gris en los lugares correctos. Observe que ya estoy tratando de darle forma a la línea de la mandíbula. Estoy agregando el color en el lado izquierdo del músculo del cuello. De esta manera, la línea de la mandíbula y el músculo del cuello permanecen más claros que la sombra. Debido a que aplicamos una capa de agua, la pintura crea formas borrosas. Bordes borrosos Después de comparar los valores tonales con otros lugares de la pintura, decidí agregar un tono más oscuro a la sombra de la izquierda y un poco más al cuello Ahora estoy usando solo la punta de mi pincel, y estoy agregando solo un poco más de pintura en la sombra para definir mejor esa línea de mandíbula. Ahora cuando tengamos un color ligeramente más oscuro en el cuello, vamos anillos y pincel secante Y con una brocha limpia y tonta, quita la pintura de esas zonas más claras, Desde el músculo del cuello, la línea de la mandíbula, y el lado derecho del cuello que atrapa la luz Ahora estoy cambiando entre agregar tonos más oscuros y quitar la pintura para encontrar un buen equilibrio entre la sombra y la luz. Después de cada deslizamiento del pincel, después de cada levantamiento del color, limpia tu pincel. No queremos trasladar la pintura levantada de un lugar a otro. Me imagino la línea que va desde la oreja hasta la barbilla. Como puede ver, al levantar la pintura, podemos construir esas formas y crea esa hermosa impresión de luz reflejada. Por último, tenemos que añadir una sombra más fuerte en la parte superior, debajo del cabello. Necesitamos definir mejor la distinción entre la cara y el cabello. Esa zona ya está seca, así que estoy pintando húmeda y seca. Usando una pintura más diluida. Y después de aplicar el marrón oscuro, estoy tratando de difuminar ese color. Como toque final, cambié a un cepillo más pequeño. Como tengo cuatro, estoy agregando solo unos pequeños detalles para definir un poco mejor algunas formas. Un poco más de pintura en los labios y los ojos. Una sombra más definida en el lado izquierdo del cuello, y sombras y detalles más definidos en la oreja. Ahora con un cepillo de fregado, quiero suavizar el borde de la sombra en el brazo Estoy mojando el cepillo, trazándolo en una toalla de papel para eliminar el exceso de agua Y me estoy frotando ese borde para activar la pintura seca. Estoy frotando esos lugares con una toalla de papel para quitar la pintura Ahora, es totalmente opcional. No sé cómo se ve tu pintura, pero decidí oscurecer ligeramente la sombra Aquí estoy aplicando un agua y voy a caer en más color. Quiero añadir un poco más de azul y marrón. También creo que es importante crear un borde más ligero en la parte inferior del brazo. Este borde más claro es una luz reflejada. Creo que siempre es bueno crearlo en cada forma redonda. El brazo es en realidad un cilindro, tiene una forma redonda. Esta luz reflejada ayuda a transmitir eso porque apliqué otra capa de pintura, está húmeda. Ahora estoy corriendo varias veces en el mismo lugar para levantar la pintura. Si no aplicaste una capa más aquí, simplemente puedes usar una brocha fregadora para crear esa luz reflejada Con eso, podemos terminar esta parte en la siguiente parte, la parte final. Terminaremos la pintura pintando el ala. 17. Ala - detalles: Estamos muy cerca de terminar esta pintura. En esta última parte del tutorial, vamos a agregar algunos detalles al ala. Hay dos ideas principales que estoy teniendo en cuenta al pintar el ala. Ahora, mientras pinta el ala, realidad no estoy mirando la foto de referencia, solo tengo una idea general de qué parte del ala debería ser más oscura. Ahora estoy tratando de hacer una clara distinción entre cada pluma. Para ello, pacientemente estoy pintando una sombra en cada pluma En general, cada sombra se ve muy similar. Echemos un vistazo a esta ilustración. Digamos que estas son mis plumas. Mi idea para pintarlos es que primero aplique un tono más oscuro en la parte inferior de cada pluma. Y lo mezclaré hacia la punta de la pluma. De esta manera, si repito esto con cada pluma, crearé el bonito efecto de las plumas superpuestas. Para plumas más grandes, también estoy haciendo esto, pero también estoy pensando en el borde más largo. Quiero aplicar una sombra debajo de cada una de esas plumas para crear esa apariencia superpuesta. Aquí realmente podemos practicar nuestras habilidades para suavizar los bordes. Creo que esta es una habilidad muy importante, probablemente sea la técnica más importante justo después de mojarse sobre húmedo y húmedo sobre seco. Estoy saltando de una zona a otra porque quiero mantener el control sobre la pintura Es como pintar los pétalos a menudo tratan de no pintar los que están uno al lado del otro que la pintura no fluya de uno a otro. Aquí, es similar en realidad, cuando estoy mezclando la pintura, no estoy tirando de esa pintura hasta el borde mismo de la pluma. Normalmente dejo un pequeño hueco en el borde lo que me permite pintar la siguiente pluma de inmediato Por supuesto, estoy usando quema Siena y cobalto florecen todo el tiempo en diversas proporciones. Estoy tratando de mantener esta mezcla neutra con cantidades iguales de esas dos pinturas o con un poco más café. Pero depende de la zona. Tampoco quiero pintar todas las sombras con exactamente el mismo color. Creo que necesitan algo de variedad. A veces uso más azul. Esto los hace más interesantes. Otra vez, no te apresures. Tómate tu tiempo. Esto no es difícil, pero realmente necesitas dedicar algo de tiempo a esto y pintar cada pluma individualmente. Aquí no hay atajo. Esta también puede ser tu primera capa solo para establecer dónde debe estar cada sombra. Siempre puedes volver a repasar algunas áreas y agregar un tono más oscuro para definir un poco mejor esas formas. Los valores tonales correctos son muy importantes porque nos ayudarán a hacer una distinción entre cada pluma Es mucho mejor definir cada pluma con variación tonal en lugar de pintar un contorno claro de cada pluma Pintar un contorno es una forma muy común de definir formas que veo entre los principiantes. Creo que en realidad no se ve bien. Es mucho mejor definir formas usando tonos claros y oscuros y las diferencias entre los tonos entre las dos plumas. El único contorno debe ser la línea de lápiz claro. Al menos ese es mi enfoque. También agreguemos una sombra en esta parte del ala. Generalmente es más ligero que el lado interno del ala, así que no queremos ir demasiado oscuros, pero tenemos que crear una clara distinción entre el hombro y el ala. Aquí se necesita la sombra. Asegúrate de que la parte interna del ala esté lo suficientemente oscura. Ahora, secemos la pintura con un secador de pelo. Necesitamos una superficie seca ahora para agregar las líneas a las plumas. Esas líneas tienen que mantenerse crujientes. El papel necesita estar completamente seco ahora, nuevamente, usando una mezcla de sienna quemada y floración de cobalto, tono neutro Agreguemos esas líneas, esos detalles que son muy característicos de las plumas. Nuevamente, no tenemos que seguir exactamente la foto de referencia. Podemos imitar las líneas más destacadas. Pero la idea general aquí es aplicar una línea recta que recorra la mitad de cada pluma y unas pocas líneas en ambos lados. Es casi como pintar las venas de las hojas, pero más fácil. Tengamos también en mente que es un estado, así que no hay que ser muy precisos. Solo unas pocas líneas aquí y allí serán suficientes para crear este bonito look plumoso Por último, el último paso que puedes dar, pero no tienes que hacerlo aunque, te animo a que lo hagas, es suavizar los bordes con un pincel Sc Para aquellos de ustedes que llevan un tiempo pintando conmigo, saben que me gusta suavizar bordes particulares cuando hay una sombra limpia, aguda que se encuentra con un fuerte resalte Siempre me gusta suavizar ese borde de la sombra porque creo que hace que el resalte luzca más brillante y más realista Es casi como si alguien encendiera una luz brillante. La sombra se ve bien con ese filo afilado, pero ese pequeño detalle, ese borde suavizado, creo que hace la diferencia También podemos suavizar esa sombra en la mejilla, lo que ayudará a crear una hermosa y suave y redondeada Acabo de notar que aquí me olvidé de una diminuta sombra. Estoy aplicando un poco de café y suavizándolo rápidamente, y eso es todo. Con eso, creo que podemos llamar a este cuadro terminado. Ahora puedes firmar tu cuadro. Siempre hago esto. En la esquina inferior derecha, utilizo un pincel pequeño spotter, generalmente t 0.1 de los colores que estaba usando en la pintura En este caso, la esquina es verde. Estoy usando un verde más oscuro. No quiero que la firma sea demasiado prominente. Ahí lo tenemos, una hermosa pintura de una estatua de ángel en el jardín a plena luz del sol. Realmente disfruté pintando esto. Fue una experiencia nueva. Me dio algo de reflexión, pero también demostró que las mismas técnicas de acuarela que estamos usando todo el tiempo en cada pintura se pueden utilizar para pintar diversos temas desde flores, pasando por mariposas, perros, pájaros, paisajes y bodegones. Solo necesitamos un buen plan de acción, y un enfoque metódico, y paciencia Espero que le den una oportunidad a este cuadro y estén contentos con su resultado. Muchas gracias por ver, por acompañarme, y les deseo a todos la mejor pintura feliz por.