Curso de Cinematografía|Graba videos expertos con cualquier cámara

1. ¿Quién eres y qué voy a aprender?: ¿ Qué pasa? Mi nombre es Dale McManus. Soy director de fotografía profesional, fotógrafo, y galardonado YouTuber. Tengo una licenciatura en cine y siete años experiencia en el campo de la videografía y la fotografía. Si te preguntas qué tipo de video de calidad vas a poder tomar para el final de este curso, te mostraré. Esta es algunas de mis imágenes personales que he tomado mientras viajaba a diferentes partes del mundo, y que he tomado caminando a tan solo cinco minutos de mi casa. Una de la otra parte loca, tomé todo esto en mi iPhone y el video que te estoy mostrando en este momento consiguió más de dos millones de reproducciones en Facebook. No es broma, en serio, aprender cinematografía profesional es lo que te separa del resto del mundo. He diseñado este curso alrededor de DSLR y smartphones, pero puedes usar cualquier cámara que tengas. He diseñado este curso para que sea lo más claro y conciso posible. Utilizo gráficos y grabaciones en pantalla y mis propios ejemplos personales para mantenerte comprometido todo el tiempo. Incluso incluyo notas descargables al final del curso para que todo lo que tienes que hacer es patear los pies y disfrutar del material. Está bien. lo que este curso está diseñado para cualquiera que puntee, dot, dot. Una vez que se convierten en un hábil camarógrafo y director de fotografía. Quiere filmar increíble video sin gastar miles de dólares en equipo caro. Quiere documentar de manera increíble sus viajes y ampliar sus cuentas de redes sociales. Quiere convertir el video y la cinematografía en una carrera profesional y quiere rodar cortometrajes, películas y aprender el arte de contar historias. Entonces aquí solo te dejamos algunas de las cosas que vas a aprender en este curso. Cómo grabar video profesional mediante la utilización de la composición de tomas, cómo optimizar la configuración de tu cámara para tomar mejor video, cómo replicar película cinematográfica como movimiento para tu video, cómo crear iluminación profesional para cualquier escenario, cómo la narración puede impulsar instantáneamente la calidad de su producción, y cómo filmar personas, paisajes, arquitectura y mucho más para impulsar sus redes sociales o mostrar sus amigos o cualquier propósito que usted podría tener para tu video. Con eso dicho, dirígete a la siguiente lección y saltaremos a la derecha. 2. ¿Qué es la cinematografía?: ¿ Qué es realmente la cinematografía? Bueno, según Internet es el arte de capturar fotografía cinematográfica, eso es súper aburrido. Aquí está mi punto de vista, cinematografía se trata de contar una historia realmente genial, se trata de marcar el ritmo, se trata de conducir la emoción y mantener un flujo hacia adelante, se trata de involucrar a tu público. Lo más importante, sin embargo, la cinematografía se trata de entender el instinto versus los estímulos. instinto siendo un patrón fijo de comportamiento en respuesta a ciertos estímulos, AKA, una reacción de impulso. Huir de un oso pardo hambriento que quiere arrancarte la cara, esa es una reacción instintiva, siendo el oso pardo hambriento los estímulos. El estímulos es lo que desencadenó la respuesta para huir, así que probablemente estés pensando, cool Dale pero lo que la f hace esto tiene que ver con la cinematografía. [ inaudible] porque aquí está. Disparar gran video se trata de aprender a controlar esos estímulos, llega a elegir qué oso pardo hambriento le lanzas a tu público tiene sentido. Es decir, cuanto más aprendas y aplicas las reglas de la cinematografía, más control sobre tu público que tienes, llegas a controlar las reacciones. Todo y todo, se trata de saber qué buscar, y por qué buscarlo para tomar mejor video que tus espectadores no van a querer quitarle los ojos de encima. Pero, antes de sumergirnos en las reglas de la cinematografía necesitamos que se hagan algunos trabajos de base en las cámaras. Dirígete a la siguiente lección, y hablaremos de algunas cosas técnicas. 3. Sección de la cámara: introducción: En esta sección, vamos a estar hablando de la cámara. Ya sea que tenga un celular incorporado o que pese 30 libras y tenga 700 adjuntos diferentes, prácticamente funcionan de la misma manera. Vamos a estar repasando la resolución de video, velocidad de fotogramas, la relación de aspecto, la distancia focal, y todas las cosas de lujo tanto para DSLR, que es reflejo de lente simple digital, como para iPhone. Incluso me sumergiré en mi bolsa de cámara y te mostraré con qué estoy trabajando en el diario. Yo sólo voy a estar hablando este aburrido material técnico para salvar a tu caballo más tarde en la edición. Porque cuando estás subiendo tus dulces y dulces videos a YouTube e Instagram y todas esas cosas y te diste cuenta de que tenías un problema técnico que no puedes arreglar, va a apestar, te lo prometo. En uno u otro, cometerás un error y te costará mucho tiempo. Lo último que queremos es que tengas que volver a rodar todo tu metraje de nuevo porque jodiste algo. Entonces tienes que saber estas cosas, ¿genial? Muy bien, hagámoslo. 4. ¿Qué es la resolución de video?: En algún momento u otro, probablemente te hayas topado con estos números con la letra p al final. Lo más común se encuentra en YouTube y otras plataformas de streaming de video, donde se puede controlar la configuración de calidad. Estos números son la resolución de video, y para decirlo de manera sencilla, la resolución significa calidad. Conocer estos números bien determinado si tu metraje va a ser borroso y pixelado o va a ser de alta definición. Tomemos 1080p, por ejemplo. El p significa escaneo progresivo, que es el método con el que se está dibujando el video en la pantalla frente a tu cara. escaneo progresivo significa que cada línea de video se dibuja de arriba a abajo en orden secuencial fotograma por fotograma. Se traza una línea de video en la parte superior, va a la segunda línea, la tercera línea, todo el camino a través. Hace esto tan rápido que ni siquiera lo puedes ver. Si bien lo contrario de esto es 1080i, que significa escaneo entrelazado. Aquí es donde cada otra línea se dibuja marco por fotograma en la pantalla frente a usted. Se inicia en la línea superior, se salta una línea, hace la segunda línea, salta otra, hace un tercio, y así sucesivamente, y luego una vez que se hace un pase, va por un segundo pase y llena todos esos otros espacios. El único motivo por el que traigo esto a la luz es porque mayoría de las cámaras modernas usan escaneo progresivo. Por lo que sólo apegarse a la p. La parte más importante es el número. El número representa la cantidad de líneas que el video es alto, o también conocido como la cantidad de píxeles que es alto. Cuantos más píxeles apilados uno encima del otro, mayor será la calidad del video, también conocida como mayor calidad de resolución. De ahí, por qué 1080p se ve mucho claro que 360p. Un video de 1080p mide 1.080 píxeles de alto por 1920 píxeles de ancho. En realidad es en lo que estoy disparando ahora mismo. De ahí que 1920 por 1080. Un video de 720p es de 720 píxeles de alto por 1280 píxeles de ancho, ahí 1280 por 720 y así sucesivamente y así sucesivamente con 480, 360, 144, creo que se pone aún más bajo a una calidad de porquería que nunca debería usarse. En mi opinión, 1080p es el más bajo al que debes ir. Pero hay otro número que es más alto que todos esos, y eso se llama 4K. El 4K tiene básicamente 4.000 píxeles de altura. Pero en realidad son 3,840, pero nadie va a ser un stickler al respecto, y 4K suena mucho más sexy, rodando fuera del tono. Estoy disparando 3,840, de todos modos, llamémoslo 4K. Los iPhones incluso pueden disparar en 4K hoy en día. El mío lo hace, el tuyo probablemente lo hace también. Si bien la única forma de disparar 4K en una DSLR es gastar algunos billetes de dolly más dulces y dolly, en el último modelo de Canon o Nikon o similar. No hay teléfono incorporado, pero me siguen gustando las DSLR. En realidad estoy disparando en uno ahora mismo. Hay resoluciones más altas que existen como 6K y 8K, pero las cámaras comerciales más vendidas todas disparan hasta 4K, que es suficiente. Siempre disparo en al menos 1080p, si no 4K. Nunca voy abajo. Aquí están esas resoluciones demasiado altas en comparación con resoluciones de menor calidad. 4K y 1080p son mucho más grandes y mejores de una buena manera. Ahora, quiero señalar que el tamaño físico de la pantalla en la que su público está viendo su video, puede o no cambiar esta relación. Esto es lo que quiero decir. Una pantalla de cine y un iPhone son dispositivos de visualización muy diferentes. Aquí es donde entra en juego la resolución. Si estás planeando reproducir tu video en una pantalla de película, entonces el 4K probablemente sea una mejor manera de ir. Cuanto mayor sea la calidad, mayor será la pantalla en la que puedas poner el video sin perder calidad. Si intentas poner como un video 720, o incluso un 1080 en una pantalla gigante de cine, van a tener que sentarse para no notar una gran caída en la calidad. Por otro lado, si estás reproduciendo tu video en un iPhone y la mayoría de la gente lo está viendo en redes sociales, puedes salirte con la tuya 720p. Normalmente disparo en 1080p de todos modos, pero realmente no notarás una diferencia entre la calidad porque el teléfono es tan pequeño. Cuanto más pequeña sea la pantalla, menor calidad con la que podrás salirte con la tuya. Pero como dije, rodar en mayor calidad siempre es mejor. Siempre puedes bajar un video 4K a 720p más adelante en la edición si estás intentando ahorrar espacio a los archivos. Pero no puedes ir por el otro lado. Si disparas en baja calidad, no puedes sacarlo a la luz. ¿Tienes eso? Enfriar. Disparar en alta calidad como 4K es genial porque en la edición, puedes llevar un video 4K a una línea de tiempo de 1080p, y en realidad escalarlo hasta el doble del tamaño sin perder calidad. Así es como disparo todo el tiempo. Me encanta tener un poco de espacio de meneo en la edición. Pero ten en cuenta que los archivos 4K son archivos muy grandes. Van a ocupar mucho espacio en tu tarjeta de memoria o en tu teléfono. Ahora que entiendes la resolución de video, necesitamos hablar de Aspect Ratio. Dirígete a la siguiente lección, y hablaremos de ello. 5. ¿Qué es la relación de aspecto?: ¿ Qué es la relación de aspecto? relación de aspecto es el primo primero a la resolución de video pero no son lo mismo. La relación de aspecto es exactamente lo que dice que es, es una relación. De manera más específica, es la relación entre ancho y alto en tu video, no el ancho y la altura en sí mismos, la relación. El ratio de aspecto más común es de 16 por 9, siendo 16 el ancho y nueve la altura. Es un 16 a 9, como en más largo de lo que es alto. Si estás viendo este video en una pantalla de computadora o en un teléfono móvil, esta es la relación de aspecto en la que están integrados esos dispositivos. Si estabas vivo antes de los años 90 y capaz de pensar cognitivo, entonces probablemente recuerdes que la mayoría de las pantallas de computadoras y pantallas de TV son de forma cuadrada. Esa forma cuadrada es de 4 por 3. Yo traigo esto para que se pueda ver la diferencia entre 4 por 3 y 16 por 9. Dos proporciones completamente diferentes y dos formas de video completamente diferentes. La mayoría de las veces en un iPhone, ni siquiera tienes la capacidad de cambiar esto, lo cual es bueno. Ya nadie dispara realmente en 4 por 3. No hay razón para usar 4 por 3 a menos que vayas por alguna vibra hipster '80's a tu video, lo que sea. De lo contrario, simplemente no disparen en ella. Tus ojos ven la vida como un rectángulo, no un cuadrado estrecho. No hay mayor marca de un videógrafo aficionado que la gorra de baile 4 por 3 que ni siquiera sabes que llevas puesto. Ahora, antes de seguir adelante, sí quiero señalar que una pantalla de cine y una pantalla de iPhone son de 16 por 9 ratios. Dos tamaños de pantalla muy diferentes que requieren dos resoluciones muy diferentes, pero la misma relación de aspecto. Suficiente fácil, ¿verdad? Vamos a hablar de las tasas de fotogramas. 6. Comprender la velocidad de fotogramas: ¿ Qué pasa? Es hora de hablar de velocidad de fotogramas. No, esta no es una aplicación para iPhone para calificar marcos de fotos en tu zona cercana. Es la frecuencia a la que se graban los fotogramas de video por segundo. A esto se le llama frames por segundo o FPS. ¿ Qué es un fotograma de video? Bueno, básicamente es solo una imagen, así que los marcos en un video son solo un montón de imágenes reproducidas una tras otra. Piensa en la velocidad de fotogramas como la cantidad de imágenes que se toman en un solo segundo de tu video. Cuanto menor sea la velocidad de fotogramas, menos fotogramas tengas, y cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas, más fotogramas tendrás. Fácil, ¿verdad? En serio chicos, este es uno de los manjares más comúnmente pasados por alto a video impresionante nunca. Las tasas de fotogramas más comunes en cualquier cámara moderna son en cualquier lugar tan bajas como 24-240 fotogramas por segundo. Si grabaras un video a 30 fotogramas por segundo y grabaras exactamente lo mismo a 240 y luego reproducirlas, exactamente lo mismo a 240 y luego reproducirlas,probablemente no notarías mucha diferencia. Es decir, hasta que lo ralentices. ¿ Ves qué tan claro está el de la derecha comparado con el de la izquierda? ¿ De qué se trata de los 240 cuadros por segundo que lo hacen mucho mejor que los 30 cuadros por segundo disminuyeron a media velocidad? Esto se debe a que con menos fotogramas por segundo, menos información tenemos que trabajar en la edición. Piénsalo de esta manera, el ojo humano funciona exactamente como una cámara, excepto que nuestro ojo humano solo puede procesar alrededor de 30-60 FPS antes de ni siquiera notar una diferencia. El único modo en que podríamos, es si nuestras mentes pudieran controlar el tiempo y el espacio y ralentizar la vida a 50 por ciento de velocidad. Bueno, 50 por ciento de velocidad, sería más largo y más lento. Desafortunadamente, la ciencia no ha hecho una pastilla para eso todavía. En fin, entonces, ¿por qué es tan importante esto? Porque cuando estás editando más tarde, tu ojo va a estar procesándolo alrededor de 30 fotogramas por segundo, lo que cuando ralentizas un video de 30 fotogramas por segundo a 15 fotogramas por segundo, que es de media velocidad, va a mirada entrecortada y francamente aficionada. Si bien ralentiza un video de fotogramas más altos por segundo como digamos 60 ralentiza eso a media velocidad, y ahora tienes un bonito y suave nítido 30 fotogramas por segundo. Aún más lento, pero ahora tienes más fotogramas en ese video que lo hacen mucho más limpio de aspecto. Para obtener cámara lenta de aspecto verdaderamente suave y nítido, necesitas unos fotogramas más altos por segundo como 60-240. El otro motivo por el que esto es tan importante es porque velocidad de fotogramas determina el estilo de nuestro metraje. Aquí te dejamos dos tomas de la misma acción. Uno se juega en 24 cuadros por segundo y el otro en 60 cuadros por segundo. ¿ Ves cómo el que está en 24 fotogramas por segundo tiene ese clásico desenfoque de movimiento de cine? El que es de 60 fotogramas por segundo es mucho más nítido porque tiene más marcos para mezclar. Se obtiene una bonita imagen clara 60 veces en segundo en comparación con 24. ¿ Significa esto que alguna vez tienes que grabar en 24 fotogramas por segundo? No, definitivamente no lo haces. Puedes grabar en una velocidad de fotogramas alta y luego llevarlo a la edición más tarde y renderizarlo a 24 fotogramas por segundo si realmente lo deseas. Siempre es mejor grabar en mayor velocidad de fotogramas si puedes, para que tengas la capacidad de frenar sin que parezca entrecortado. Tiene sentido, ¿verdad? Enfréntate a la siguiente lección y nos empollaremos por algunas lentes. 7. Lentes y profundidad de campo: La mayoría de la gente del planeta sabe lo que es una lente, pero pocas personas saben cuánto afecta realmente una lente a un disparo. Cada lente tiene lo que se llama distancia focal, y la distancia focal se mide en milímetros. Tienes lentes muy anchas, y tienes lentes muy teleobjetivo, y tienes lentes que pueden hacer ambas cosas, que se llaman lentes zoom. Estoy disparando en uno ahora mismo. Por lo general, las lentes anchas son mucho más cortas, mientras que las lentes teleobjetivo son mucho más grandes. Para averiguar en qué lente necesitas disparar, tienes que pensar en tu disparo. Si es una habitación interior, entonces una lente ancha va a recoger mucho más que una lente teleobjetivo. Esto se debe a que un teleobjetivo no te permite retroceder mucho para conseguir todo en la toma. En cualquier momento estoy grabando un interior que es pequeño, siempre uso una lente ancha. Si estás filmando paisajes, puedes salirte con una amplia o un teleobjetivo si You Want. Simplemente depende de qué parte del paisaje quieras disparar. Si quieres capturar toda la imagen, entonces adelante y usa un objetivo ancho o estándar. Si hay un sujeto en el fondo en el que quieres entrar a cero, entonces vas a necesitar un teleobjetivo, te ahorrará una tonelada de caminar. Si estás disparando con poca luz, entonces un teleobjetivo te va a cortar mucho de tu luz. Va a hacer que tu imagen sea mucho más oscura. Esto se debe a que cuanto más grande sea la lente, más vidrio que hay dentro de ella, y cada panel de vidrio que está dentro de ella va a cortar tu luz poco a poco. Cuando estás disparando en áreas luminosas, esto no es un gran problema en absoluto, pero en condiciones de poca luz, posible que quieras quedarte con una lente más pequeña y simplemente acercarte a tu sujeto. Si estás disparando cerca de un objeto, entonces una lente ancha no solo conseguirá a tu sujeto, sino que también obtendrá el entorno circundante y brindará una imagen más grande de lo que estás viendo mientras un teleobjetivo realmente podrá cerrar en la imagen y creará un bonito fondo borroso, que se llama profundidad de campo. La profundidad de campo es básicamente el rango de nitidez en tu imagen. Puedes tener una gran profundidad de campo donde todo esté enfocado, o puedes tener una pequeña profundidad de campo donde solo tu sujeto está enfocado, y el fondo es borroso. Aquí hay una profundidad de campo realmente superficial en una lente teleobjetivo. Puedo echarlo fuera o traerlo de vuelta cambiando mi anillo de enfoque. Si estás filmando a la gente, entonces una lente ancha y una lente teleobjetivo van a tener distorsiones faciales muy diferentes. Si estás grabando un video rap, usa una lente ancha, pero si vas a estar filmando una entrevista de boda, por ejemplo, vas a querer volver a subir y usar la lente teleobjetivo para que puedas acercarte a la emoción y retener una forma de cara regular. El lente ancho realmente distorsiona tu cara. Basta con pensar en el disparo y elegir una lente en consecuencia. Mi lente favorita de todos los tiempos es el 18-135. Estoy disparando en él ahora mismo; es impresionante. Te lo recomiendo mucho porque puedes ir desde muy ancho, 18 milímetros, así puedo estar en una habitación y sacar la mayor parte de la habitación, y puedo acercarme a 135 y acercarme realmente los objetos y conseguir ese fondo borroso profundidad de campo realmente bonito pasando. Lo peor es cuando estás a punto de perderte un tiro porque estás revuelto con tus lentes. Si estás disparando en un iPhone, entonces tienes mucho menos control, pero no estás fuera de suerte. Disparo en mi iPhone casi tanto como mi DSLR, si no más. Hay lentes especiales que puedes comprar para tu iPhone que te darán teleobjetivo, macro, ancho, todo eso. Suministraré un enlace a Amazon para que así puedas revisar esos también. Viene en este dulce estuche también. El motivo por el que me gusta esto, es porque no quieres usar la función de zoom digital en tu iPhone. Es absolutamente lo peor. Convertirá un gran tiro en una pila borrosa de basura. No uses el zoom de dos dedos. 8. DSLR: cómo cambiar la resolución y la velocidad de fotogramas: Si no tienes una DSLR y quieres disparar en un teléfono o alguna otra forma de cámara, entonces siéntete libre de pasar a la siguiente sección. Si sí tienes una DSLR y eres nuevo en ellas, entonces esto es importante. Esta es la forma de cambiar la velocidad de fotogramas y la resolución en su DSLR. Todos van a ser un poco diferentes, pero todos tienen prácticamente las mismas funciones de menú, así que solo un poco de búsqueda y mi DSLR podría coincidir con la tuya. Simplemente encienda la cámara, luego vaya al menú, que está en la parte superior izquierda de mi cámara. Después usa la rueda de desplazamiento para navegar hasta el tamaño de grabación de películas. Haga clic en el botón Establecer para ingresar a este elemento del menú. Entonces puedes usar nuevamente la rueda de desplazamiento para cambiar la velocidad de fotogramas y la resolución. Este no es uno de los últimos modelos de Canon porque no soy un bailarín así pero pronto, ojalá, tal vez, no sé, ya veremos. Por lo que sólo puedo ir tan alto como 1920 por 1080 a 30 cuadros por segundo. Tengo que bajar a 720p para poder ir a 60 cuadros por segundo. Pero de todos modos, así es como cambiarlos en tu DSLR. 9. iPhone: cómo cambiar la resolución y la frecuencia de imagen: Está bien, te voy a mostrar cómo ajustar la resolución y la velocidad de fotogramas en tu teléfono. Simplemente ve a tu configuración, navega hasta la cámara y toca grabar video, donde ahora puedes elegir cualquier configuración que quieras. Al igual que una alta resolución, cuanto mayor velocidad de fotogramas escojas, más espacio que esto va a ocupar en tu teléfono. Por lo que los archivos 4K a 60 fotogramas por segundo van a ocupar mucho más. O también 1080 a 120 o 240 van a tomar camino más de lo que dicen 720 a 30 o 720 a 60. Para el video regular, típicamente me pego en 1080 a 60 fotogramas por segundo, a menos que encuentre una razón para cambiar a 4K. Si retrocedes un menú, puedes escoger la función de slo-mo y puedes cambiar tu configuración de slo-mo. Normalmente establecí esto en 1080 en 240 fotogramas por segundo. Esto es para que cuando estoy disparando, todo lo que tengo que hacer es deslizar una vez y puedo cambiar de 1080 a 60 a 1080 a 240. O si mi video regular está configurado en 4K, entonces siempre puedo cambiar de 4K a 1080 a 240. Todo el punto de tener esta característica de Slo-mo en tu teléfono es para que puedas cambiar a ella realmente rápido. Establezca a una velocidad de fotogramas más alta para que pueda obtener realmente nítido, limpio, a cámara lenta. Aunque si estás grabando a tu abuela soplando sus velas de cumpleaños 92, 1080 a 240 es un poco exagerado. Podrás salirte con la tuya con el video regular a 1080, a 30 fotogramas por segundo. Pero si eres muy antiatlético amigo es sobre los intentos primero retroiluminados por primera vez, quieres conseguir eso en 1080 a 240. Confía en mí, estarás realmente feliz de que lo hicieras. Además, mientras estamos en este menú, encienda la función de cuadrícula, solo gírela verde porque esto ayudará más adelante para regla de tercios y asegurándose de que tengas un marco muy nivelado con el horizonte. 10. ¿Qué hay en el bolso de mi cámara?: ¿ Qué pasa, chicos? Voy a estar pasando por mi bolsa de cámara ahora mismo y discutiendo lo que traigo conmigo en el diario cada vez que disparo y por qué tengo ciertas cosas que podrían salvarme el culo si me encuentro con un problema. Empecemos. [ inaudible] entramos aquí. Primero la obvia. Tengo mi DSLR. Normalmente lo metí en una funda protectora pero por el bien de desabrochar, aquí está. Tengo una Canon T3i, este es un modelo más antiguo estoy buscando conseguir una nueva pronto. Pero sin importar, muy importante para cuando estás disparando es tener algo con lo que disparar. A continuación, tengo mi trípode. Es pequeño, portátil, ligero. He tenido esto desde hace mucho, mucho tiempo. En realidad fue una mano que me bajó de mi papá. Es un ajuste [inaudible] ligero en mi bolso. Se pone bastante alto pienso hasta cerca como el nivel de mi pecho. Definitivamente recomiendo tener un bonito trípode muy ligero para viajar. Viajo mucho cuando disparo y esto realmente me viene muy bien. A continuación, tengo mi laptop. Siempre traigo esto conmigo cuando disparo, porque cuando necesitas transferir metraje y tu lugar aleatorio interior, ayuda tener una laptop totalmente cargada porque me queda sin espacio en mis tarjetas. A veces me olvido de traer uno, uno extra y simplemente nunca sabes cuándo vas a necesitar transferir tus imágenes o cuando estás esperando la lluvia o el sol es demasiado duro o lo que sea, hay demasiado ruido de tráfico. Podrás editar tus videos mientras esperas. Si puedes caber tu laptop, te lo recomiendo. Simplemente no te roben tu bolso y porque traigo mi laptop, también traigo mi disco duro o disco duro y cable. Esto es muy útil. A veces te quedas sin espacio en tu computadora y a veces necesitas darle videos a tus amigos con los que estás filmando, sea lo que sea. Siempre ayuda tener un disco duro o tal vez una unidad USB liviana que puedes intercambiar entre computadoras. Muy práctico. Otra cosa que llevo conmigo y me parece éste probablemente lo más útil de esta bolsa es un cargador de batería portátil. Conseguí esto por $10 en Walmart. Súper servicial. Enciende eso [inaudible]. Bastante impresionante. Puedes cargar tu teléfono con él, puedes cargar la batería de tu cámara, GoPro, sea lo que sea. Simplemente realmente ayuda cuando estás caminando por ahí y no tienes ningún punto de venta a la vista por un tiempo. Arriba a continuación tengo una cortina de ducha. Esta es una divertida. En realidad es para la iluminación. Discutiré más sobre esto más adelante. No llevo esto conmigo todo el tiempo pero cuando sepa que estoy filmando un video estilo cortometraje, traeré uno de estos. Casi lo olvido, también traigo mi cargador a mi DSLR. No olvides eso. Nunca se sabe. Tengo mi funda de micrófono. En realidad estoy usando el micrófono ahora mismo pero dentro de aquí, tengo un cable que se conecta a mi DSLR. Estoy usando el iPhone 1 en este momento. También tengo un parabrisas que pasa por encima de mi micrófono. Cuando hace mucho viento, puedes tirar esto. En realidad también se llama gato muerto. Un nombre gracioso, pero puedes arrojar esto en el micrófono y bloquea todo el viento. Muy servicial. También tengo una luz que va encima de mi DSLR. Bastante brillante. En realidad se adhiere a la parte superior con el soporte de zapato caliente. Simplemente lo deslizas bien, lo haces girar. Entonces puedo disparar con un poco de luz y tengo mis lentes para mi iPhone. A mí me gusta dispararles mucho iPhone, es realmente conveniente y práctico. Se trata de lentes que pasan por encima del iPhone. Son teleobjetivo ancho, una lente CPL, y una lente macro. Simplemente se engancha al frente. Eran pila bastante barata como $20 en Amazon y por último pero no menos importante, tengo mi funda Osmo Mobile por DJI. Dentro de ella está mi DJI Osmo Mobile. Es genial para la estabilización. Tu teléfono se pone en él. Hablaré más de esto después, gran herramienta. Dentro de la funda, también tengo el cargador para ello. Tengo un cargador de auto. Esto es bueno si no quieres desperdiciar esa batería portátil que te mostré, puedes usar un cargador de auto si estás cerca de tu auto. Esto es bueno tener. También tengo una batería extra para el Osmo. Siempre es bueno tener baterías extra. No tengo una batería extra para mi DSLR, definitivamente deberías. El motivo por el que no lo hago es porque es tan viejo y no creo que ya los hagan, pero una buena idea tener baterías extra y eso es todo. Todo eso probablemente chupa hasta unas 20 libras tal vez. Viajo mucho cuando disparo como dije. En realidad no es tan malo. Dejaré algunas cosas atrás si sé que no las voy a necesitar, pero en general, bueno tener copias de seguridad para las cosas, bueno tener otras formas de cargar cualquier cosa que te guarde la batería. Con eso dicho, pasemos al siguiente apartado. 11. Exposición: introducción: Exposición. No, no estoy hablando de un hombre desnudo en una gabardina ni de la razón por la que te engañan para hacer trabajo gratis. Hablo de la cantidad de luz en tu video. La exposición en los términos más simples es lo brillante u oscura que es tu imagen. Saber cómo conseguir una exposición adecuada diferenciará a los profesionales de los aficionados. Nada apesta peor que meterte en tu programa de edición e importar tus metrajes solo para darte cuenta de que tu toma está súper volada así, o está súper oscuro así, y ninguna cantidad de filtros de brillo y contraste van a te ayudan a salir. Entonces en esta sección vamos a estar hablando de apertura y f-stop. Vamos a estar hablando de ISO y rodaje en condiciones de poca luz. Además de repasar algunos problemas de exposición típicos que podrías tener mientras estás disparando y otras partes de la cámara que afectarán tu exposición. Confía en mí, esta cosa es tan importante que vas a querer quedarte. 12. Apertura y velocidad de obturación para la cinematografía: Esta siguiente parte va a parecer un poco complicada, pero voy a tratar de explicarlo de la manera más sencilla posible. Hagámoslo. Cada vez que tomas un video con tu DSLR, hay un anillo dentro de la lente de la cámara que se puede abrir o cerrar para dejar que más o menos luz entre en tu video. Este anillo se llama el anillo de apertura. Cuanto más grande es el agujero, más luz viene en tu video, haciéndolo más brillante. Cuanto más pequeño es el agujero, menos luz entra, haciéndolo más oscuro. Suficiente fácil. Bueno, los dioses de la cámara querían tirar una llave de mono en ese plan por lo que decidieron que deberíamos medir en F-stop. En términos técnicos, F-stop es la relación entre la distancia focal y la apertura. ¿ Qué? Eso es aburrido, y confuso y estúpido. Basta con pensar en F-stop como la cantidad de luz que pasa a través de tu lente y dentro de tu video. Pero para hacer las cosas más irritantes, los dioses de la cámara decían : “medidámoslas al revés”. Básicamente, el entero más grande se etiqueta como un número más pequeño mientras que el agujero más pequeño se etiqueta como un número más grande. Estúpido, pero lo que sea. Si estás disparando en una DSLR de lo que tienes que recordar esto y bien podrías tatuarlo en tu antebrazo mientras estás en ello. respecta a los iPhone, no necesitas saber apertura y F-stop. Apple lo hizo realmente simple y simplemente llamó a esa exposición. Acaban de hacer un simple deslizar hacia arriba y hacia abajo para cambiarlo. Hablaré más de eso después. Si estás cambiando la abertura de tu DSLR, que es este número, también tienes que cambiar este número. Este número es la velocidad de obturación. La velocidad de obturación funciona mucho como la velocidad de fotogramas, excepto que no es para procesamiento, es para la luz. Básicamente controla cuánta luz entra en cada fotograma de tu video. Cuanto más rápido dispare el obturador, menos luz entra mientras más lento dispara, más tiempo estará abierto, lo que permite que entre más luz. Esto también afecta el desenfoque del movimiento. ¿ Ves a lo que me refiero de que esta sección sea confusa? Oso conmigo. Básicamente, cuanto más tiempo esté abierto el obturador, más desenfoque de movimiento, a diferencia de una velocidad de obturación rápida, lo que crea una imagen más nítida. Normalmente si estás disparando a mitad del día y hay mucha luz, puedes cerrar tu apertura a unos 5, 6, que es de un tamaño bastante estándar y alejarte con una velocidad de obturación más rápida. Si estás disparando con poca luz, querrás abrir tu abertura para dejar entrar más luz y querrás usar una velocidad de obturación más lenta. Esto también permitirá que más luz entre en tu video. Simplemente no usaría demasiados movimientos rápidos o de lo contrario vas a conseguir mucho desenfoque de movimiento. Enfréntate a la siguiente lección y hablaremos un poco más sobre la exposición. 13. Por qué filmar con menos luz siempre es mejor: Por lo que llevo un rato enfermo, así que podría estar un poco nasalmente. Perdón. Si puedes superarlo, entonces vamos a estar hablando de por qué disparar más oscuro es mejor que disparar más brillante. Esto es lo que quiero decir. En algunos escenarios te encontrarás con una toma en la que estás tratando de exponer adecuadamente tu sujeto y tu fondo, o el cielo, o donde sea que esté, se vuelve realmente volado. Esto me pasa mucho cuando estoy disparando montañas y arquitectura y cosas así, donde estoy al aire libre. Estar soplado significa que hay tanta luz que en realidad estás perdiendo la imagen detrás de ella. En este caso, siempre es mejor subexponer solo un poquito en lugar de sobreexponer. Porque cuando subexpones, siempre puedes traer de nuevo detallado de él más adelante en post con efectos de brillo o exposición. Pero una vez que se va demasiado brillante, no hay que traerlo de vuelta. Una vez que has perdido el detalle detrás de la imagen, no puedes recuperarlo. Así que inicia sesión este consejo en el fondo de tu mente donde definitivamente lo necesitarás porque sucederá algún día donde estés como: “No sé qué hacer. ¿ Expongo para el cielo? Pero ahora mi tema es demasiado oscuro. ¿ Expongo para mi tema? Pero ahora mi cielo está volado”. Simplemente ve un poco más oscuro. Siempre puedes subir esas sombras más tarde mientras estás editando. No demasiado oscuro porque entonces perderás tu imagen. Sólo un poco, pero un poco más brillante es mucho más catastrófico que un poco más oscuro. Recuerda eso. Además, revisar tus imágenes a mitad del día en tu cámara o en tu teléfono puede ser extremadamente engañoso. Lo he hecho muchas veces donde lo estoy viendo yendo, “Sí, eso se ve bien”. Entonces llego a casa más tarde solo para darme cuenta de que estaba completamente equivocado. Estaba demasiado sobreexpuesto. A veces fuera de foco. Confía en mí, nos pasa a lo mejor de nosotros. Cuando estés al aire libre, intenta cubrirte con una camisa, o una toalla, o un amigo, no me importa y cuando tengas dudas, subexponga solo un poco. A la siguiente lección. 14. Cómo la velocidad de fotogramas y el obturador afectan la exposición: Esta lección es sobre cómo la velocidad de fotogramas y la velocidad de obturación afectan la exposición. Ya sé, una cosa más de la que preocuparse. La velocidad de cuadro y la velocidad de obturación afectan la exposición de la misma manera. Cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas o la velocidad de obturación, más oscura es la imagen, menor será la velocidad de fotogramas o la velocidad de obturación, más brillante será la imagen. Entre más luz entra. Pero la velocidad de obturación y la velocidad de cuadro no son lo mismo. Para ustedes yonquis de matemáticas por ahí, una velocidad de obturación de 400 es en realidad una- cuatrocentésima de segundo. Para video que son 30 fotogramas por segundo, ese obturador está abierto durante una cuatrocentésima de segundo, 30 veces en un segundo. Probablemente estés pensando, Del, ¿por qué me estás lanzando toda esta matemática? Esto es demasiado, se supone que esto es artsy, ralentiza tu rollo. Por suerte para ti, no tienes que recordar nada de esas matemáticas. Todo lo que hay que recordar es que cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas o la velocidad de obturación o ambos, oscura será tu imagen y cuanto menor sea la velocidad de fotogramas y menor la velocidad de obturación, más brillante podría ser tu imagen. Aquí hay un ejemplo, aquí está la misma imagen exacta con las mismas condiciones de iluminación exactas, excepto uno está a 30 fotogramas por segundo y el otro a 240 fotogramas por segundo. Si quieres capturar algo para ralentizar más adelante en edición y quieres capturarlo a 240 fotogramas por segundo, entonces considera lanzar más luces en tu escena o disparar afuera en un día brillante. Te mostraré cómo cambiar la velocidad de fotogramas y la velocidad de obturación tanto en un iPhone como en una DSLR en la siguiente sección. Ahora para velocidad de obturación. Aquí la misma imagen exacta, excepto que una de ellas se toma a una velocidad de obturación de un segundo y la otra se toma a una centésima de segundo velocidad de obturación. ¿ Ves cómo la velocidad de obturación más rápida es mucho más oscura? Para compensar una DSLR, solo abre un poco más tu abertura y deja entrar más luz y podrás mantener esa velocidad de obturación rápida. Si en tu video hay una velocidad de obturación rápida, no tendrás mucho desenfoque de movimiento. Si es lento, lo harás. Está bien, hablemos de cómo cambiar estos ajustes en tu teléfono y en tu DSLR. 15. Composición de la toma: introducción: Lo hemos hecho a mi parte favorita del curso. Composición de tiro para cinematografía, se siente bien. Manos abajo, la parte más importante de disparar gran video es aprender las reglas de composición de tiro. En serio, es más importante que el nacimiento de tu primogénito. Si has tomado mi último curso de fotografía, sabrás que digo que la composición de tiro es el hazlo o romperlo entre profesionalismo y hora amateur. Podrás tener todos los gadgets y equipos más fantasiosos del mundo para filmar video impresionante y aún así podrías disparar como tu tía abuela [inaudible] con un teléfono con tapa Razor. ¿ Qué es la composición de tiro? Bueno, para saber eso, tenemos que saber qué es un disparo, y un tiro es solo un marco que está dispuesto con objetos y formas que se utilizan para conformar una composición. La composición de tiro es simplemente arreglar ese marco con estos objetos y formas con propósito. Tienes que disparar con propósito si quieres ser un buen director de fotografía. En estas siguientes secciones, vamos a estar hablando de perspectiva y punto de vista, y la regla de 180 grados, y sala de plomo, y margen de ampliación, y todas estas cosas. Vamos a estar hablando de cómo puedes usar todos estos para ayudar a contar una historia en tu cinematografía. Confía en mí, esto es material que no quieres perderte. Es sumamente valioso. Presta atención, disfrútalo. Yo lo voy a hacer divertido. Me siento bien, esta es una buena sección. Hagámoslo. 16. Perspectiva y narración: En esta sección, vamos a estar hablando de perspectiva y narración. La perspectiva es todo sobre ángulos y posición de la cámara. Si no te gusta tu tiro, un simple cambio de prospectiva puede conseguirte lo que estás buscando. Mucha gente tiende a cambiar la posición de la cámara tantas veces antes de que realmente encuentren algo que les guste. Simplemente están rondando alrededor como un guepardo calcando una gacela esperando su disparo. Yo lo sé porque así me veo. Pero para evitar este juego de adivinanzas, puedes aprender los tipos de perspectiva y solo pensar en la sensación del disparo que estás tratando de conseguir. Te lo explicaré. En primer lugar, tienes ángulo bajo. Ángulo bajo trae a tu espectador de vuelta a la perspectiva de un niño donde tu sujeto es mucho más superior en este ángulo. En cierto sentido, el ángulo bajo es como un niño mirando hacia arriba a sus padres, literal y figurativamente. Los niños miran a sus padres y lo mismo con nosotros cuando miramos a un sujeto cuando estamos disparando. Cuando miramos hacia arriba al tema, es más importante en este ángulo. Nosotros lo valoramos más. Básicamente es como ser una hormiga en una selva. Todo lo que miras a este ángulo tiene poder. Basta con llegar lo más bajo posible al piso. O si estás filmando arquitectura realmente alta, probablemente ni siquiera tengas que subir al piso. Simplemente puedes dispararle. Pero a veces puede que tengas que tumbarte en el suelo para conseguir el tiro perfecto. Yo lo hago todo el tiempo. Probablemente te vas a quedar como un idiota cuando lo hagas. Pero lo que sea, quiero decir, el mejor video viene de hacer cosas que otras personas no están dispuestas a hacer. No se ve a muchos turistas tirados en el piso tratando de conseguir ese ángulo perfecto. Separate de los turistas. Siguiente es el ángulo alto. ángulo alto puede hacer que tu sujeto aparezca mucho más pequeño, y puede agregar mucha profundidad a tu video. Puedes usar este ángulo para hacer que tu sujeto parezca más débil e impotente. Es como un antagonista levantándose sobre un protagonista, y siendo poderoso. No me odies. Ese ángulo te hace parecer débil a menos que intentes ir por eso. En la videografía de viajes, lo que hago es usar un ángulo alto para agregar mucha profundidad a mi escena y hacer que mi sujeto, que podría ser yo mismo, luzca mucho más pequeño, como si fuera una hormiga en una selva, muy parecido a ángulo bajo sí, pero desde una perspectiva completamente diferente. Está mostrando lo grande que realmente puede ser el mundo porque expone mucho terreno. En realidad sólo depende de qué historia quieras contar. Los drones son realmente buenos para ángulo alto. Si tienes un dron, definitivamente aconsejo usarlo para obtener este tipo de ángulo. Pero si no lo haces, puedes usar una escalera. Puedes meter las manos en el aire, pararte sobre los hombros de un amigo por lo que me importa. Puedo lograr este ángulo cuando voy en una caminata y se llega al mirador en la parte superior. Es decir, este ángulo se encuentra en muchos más lugares de los que se podría pensar. A continuación se presenta el punto de vista en primera persona. Esta es una gran perspectiva para llevar al público a tus zapatos. Esta perspectiva es como si estuvieras mirando a través de los ojos de la persona que la está experimentando, y puede agregar mucho realismo a tu video. Un GoPro es la opción más obvia para este tipo de perspectiva. Yo uso esto cuando hago deportes de acción como el surf y el paracaidismo y cosas así. No necesitas un GoPro para hacer esta perspectiva. Puedes sostener la cámara donde tu ojo esté mirando, pero estás limitado a lo que puedes realizar mientras haces esto. Por eso me gusta la GoPro. Realmente no filmo videos enteros con esta perspectiva, pero sí los espolvoreo en mis ediciones regulares para mantener a mis espectadores en sus dedos de los pies y hacerlos sentir que están realmente, ahí. Por último, tenemos primeros planos, tiros medios, y largos. La diferencia entre estas tomas es simplemente mover la cámara más cerca o más lejos de tu sujeto. Pero recuerda que cada disparo ayuda a contar una historia. Piensa primero en toda tu escena antes de determinar qué tan lejos o cerca necesitas estar al sujeto. Digamos que estás filmando una conversación entre dos personas. Se usa un primer plano cuando las cosas se ponen realmente serias o intensas y la conversación se agudiza realmente. Utilizamos primeros planos para entrar en su cara. Pero lo más importante, sus ojos. Sus ojos son la parte más importante. Es lo que más emoción regala. Cuanto más cerca esté el disparo de los ojos, más profundo se va a sentir. Es esto lo suficientemente profundo. Además, los primeros planos son geniales para tomas de productos y macros. Si la conversación es bastante tranquila y normal, puedes usar una toma media para mantener al espectador a distancia y simplemente establecer quién está hablando. Todo depende de dónde quieras que se vea el espectador y por qué. El motivo para que nos acerquemos es lo que es tan importante. Necesitas estar cerca cuando las cosas son intensas y necesitas estar lejos cuando no lo están. Pero los tiros largos son una historia diferente. Se utilizan tiros largos para mostrar a un sujeto en relación a su entorno. Este tipo de disparo se utiliza para hacer que tus sujetos destaquen del resto de su entorno. Muy parecido a este disparo que me dieron de mi amigo, Alex, mientras estamos fuera en Perú en medio del desierto. La cantidad de espacio negativo en la escena realmente ayuda al sujeto a salir del resto de su entorno, y la distancia le da tanta profundidad a la escena. Realmente se puede ver lo vasto que es realmente el entorno y lo pequeño que es el tema en comparación con ese entorno. Se podría hacer esto con un ángulo alto también. Para que las cosas se vean aún más profundas, agregas una perspectiva completamente nueva a un tiro largo usando un ángulo alto con él. Puedes mezclar y emparejar estas perspectivas. Ahora que hemos cubierto perspectiva y cómo te ayuda a contar la historia de tu escena, ahora necesitamos hablar de mirador y cómo te puede ayudar. Enfréntate a la siguiente lección. 17. Tipos de posiciones estratégicas: Es hora de hablar de mirador. Vantage point es una de las cosas más simples e ingeniosas que puedes encontrar en tu entorno para ayudar a enfocar la atención de tus espectadores. En serio, esto choca automáticamente tu camarógrafo puntos 10 pliegues. ventajoso es un punto o un área de enfoque creada por las líneas principales. A tus ojos les gustaba ser guiados por lo que como director de fotografía, utilizamos líneas en la vida cotidiana para ayudar a dirigir o llevar al espectador a donde queremos que vayan. Estas líneas principales suelen comenzar en el exterior del marco y viajan hacia adentro hasta un solo punto o área. Aparte de guiar tus ojos rápidamente a través de tu video, también son realmente buenos para conectar el primer plano al fondo, siendo el primer plano el área más cercana a la cámara. Piensa en estas líneas como cebo para tu ojo. Cuando tu ojo los atrapa, te llevan de una parte de la imagen a la siguiente, y lo hacen todo antes de que tu cerebro incluso tenga tiempo de darse cuenta de lo que está pasando. Simplemente pasa así. Es lo que determina una buena imagen de una mala. Estas líneas se pueden encontrar en calles, en edificios, en árboles, en montañas, en agua, literalmente en todas partes. A menudo son solo la línea de contraste entre áreas claras y oscuras como esta imagen, o es la línea de contrastes entre colores como una línea de árbol verde contra un cielo azul, como esta imagen. Existen dos tipos diferentes de líneas de liderazgo. Ahí está geométrico y hay orgánico. Las líneas geométricas se encuentran en ciudades y zonas urbanas donde hay muchas líneas rectas y obvias por seguir como las cimas de edificios y barandillas y calles, cosas que están perfectamente alineadas. Si vives en una ciudad, probablemente las veas todos los días y nunca pensaste usarlas en tu video hasta ahora. Son gran herramienta para la composición en tu video porque hacen que todo sea tan simétrico y bien equilibrado y por el contrario, tenemos líneas orgánicas que son mucho más difíciles de seguir a veces. Tienden a doblarse y a curvar mucho más que las líneas geométricas. Están así en lugar de así. Podrían ser una cordillera, podrían ser una curva de río, podrían ser una línea de árboles, realmente cualquier cosa fuera en la naturaleza que te apunte a una sola dirección. Vantage point es una gran herramienta para contar historias porque puede ayudar a contar la historia de adónde va tu sujeto o que hay un viaje desconocido por delante de ellos mediante el uso de líneas de liderazgo que conducen al fondo. La forma más común de mirador es un camino. Hay caminos por todas partes. Si no vives cerca de una carretera, lo siento, necesitas salir de la mitad de Kansas y llegar a donde las cosas están mejor. Lo siento, Kansas, nunca lo he estado. Si puedes encontrar un camino, puedes encontrar mirador, y si puedes encontrar mirador, encontraste dulce video. Si no puedes encontrar punto de vista en ninguna parte, lo cual me resulta súper difícil de creer, si puedes, puedes usar tu propio brazo y una perspectiva en primera persona para conseguir este tipo de disparo. Esto también ayudará a agregar algo de profundidad y algo de realismo a tu toma, pero realmente solo debes usar esto si encaja con la historia de tu escena. No quieres simplemente lanzar una toma como esta al azar con un video corporativo o un video de boda, simplemente no encajaría. 18. Regla de los tercios: Está bien. Ustedes siguen conmigo? Porque ahora es el momento de hablar de regla de tercios. Regla de tercios fue creada por un pintor llamado John Thomas Smith en 1797 mientras estaba fuera escribiendo un libro sobre Escenario Rural. Ahí está tu lección de historia. Entonces con esa porquería aburrida fuera del camino, seguir adelante. Su concepto era dividir tu imagen en nueve partes diferentes y lo más importante, tres columnas diferentes. Su idea es que colocar un sujeto en el tercero izquierdo o derecho, ya sea en la línea o en el espacio, crearía tensión para el espectador y haría la imagen mucho más interesante. En mi humilde opinión, estaba muerto equivocado. Pero este viejo que miraba las vacas y la hierba alta estaba totalmente sobre algo. Porque regla de tercios terminó equilibrando múltiples sujetos en la misma escena y permitió al espectador recibir la composición en su conjunto en lugar de un solo punto de enfoque centrado. Muchas pinturas a finales de 1700 eran de retratos de personas sentadas normalmente en el centro muerto del marco. Si eres un amante de la historia o del arte, probablemente serás como, bueno, no todos ellos. Lo que sea. No importa. Había una tonelada de retratos y la regla de los tercios interrumpió totalmente ese punto. Pasó de la pintura a la fotografía y ahora a la videografía y es impresionante. Entonces, lo que sea. Te mostraré un ejemplo ahora mismo. En este ejemplo, tu ojo no descansa inmediatamente sobre el tema. Sí ve el tema, pero luego explora el resto de la imagen y mira todo como un todo. Con múltiples temas y grandes antecedentes, realmente puedes usar regla de tercios para equilibrar todo. En tomas como esta, lo mejor es darle al espectador unos segundos para reunir el resto de la imagen antes de pasar a otra toma. Regla de tercios también es grande con la narración de cuentos. Si estás usando un sujeto que es humano y están alejando la vista de la cámara. Regla de tercios puede ayudarte a mostrar hacia dónde van y en qué entorno se encuentran. Recuerda cómo te pedí que encendieras la grilla antes para tu teléfono o tu cámara. Bueno, esto es para determinar la regla exacta de los tercios. Muestra cada una de las tres columnas. Pero esto es videografía, no matemáticas. nadie le va a importar si estás un poco apagado. Se pueden poner en la columna, en la línea, entre dos columnas. No importa, sólo acércate. Eso es todo por regla de tercios. Dirígete a la siguiente lección. 19. La regla de los 180°: Tiempo para hablar de la regla de 180 grados. Al igual que los primeros planos y médiums, la regla de 180 grados también se usa en conversaciones entre dos personas. Piénsalo como si fueras la tercera rueda en una cita. Solo estás viendo a dos personas tener una conversación y tal vez pensar en inscribirte en eHarmony. Si estás viendo a la persona de la derecha hablar, deberían estar mirando a la izquierda de la cámara, y si estás viendo hablar a la persona de la izquierda, deberían estar mirando a la derecha de la cámara. Esto da la impresión de que están hablando entre sí. La regla de 180 grados es una regla de cine clásica por una razón. En la regla se establece que si estás viendo una conversación, necesitas permanecer en un lado dentro 180 grados al cambiar la cámara entre dos personas. Si vas más allá de los 180 grados, porque tu sombrío cerebro gordo pensó : “Hombre, esto podría ser un ángulo fresco ", ahora has roto la regla de 180 grados, lo que echará a tu público y van a obtener de inmediato sacado de su escena. Terminarás pasando de un tiro como este a un tiro como este, y simplemente no va a igualar. Va a parecer que alguien está hablando con una persona y luego de repente se conmutan y empiezan a hablar con alguien más del otro lado, en contraposición a pasar de un disparo como éste, a un tiro como éste. Esto es lo que coincide. Parece que estas dos personas están hablando entre sí. Animo a romper reglas en casi todos los aspectos de la vida, pero esta no es una regla que animo a romper nunca. Sólo confía en mí, no lo rompas. Esa es la regla. Pasa a la siguiente lección y allí te veré. 20. Espacio principal y espacio para la cabeza: Ya que estamos en el tema de la gente, quiero hablar de cuarto de plomo y cuarto de cabeza, y voy a hacerlo lo más rápido posible. Cuarto de cabeza es exactamente lo que dice que es, está dejando suficiente espacio para la cabeza. Demasiado cuarto de cabeza, y tu tema se va a quedar realmente pequeño y la composición se va a tirar. Demasiado poco cuarto de cabeza, y más o menos va a estar mirando un torso y la parte superior de tu cabeza va a ser cortada y a nadie le gusta cortarse la cabeza. Simplemente se ve descuidado, desequilibrado, y solo la marca de un aficionado. No lo hagas porque recuerda, los ojos son los más importantes, así que queremos enfocarnos en la cabeza. Ahora, sala de plomo se utiliza en las películas cuando se tiene un sujeto humano y la gente está actuando. Es básicamente la cantidad de espacio que dejas a ambos lados del marco para que el sujeto tenga espacio para salir. O también puedes usarlo cuando el sujeto necesita ajustar su posición para hablar con otra persona, al igual que esta toma. Es importante seguir la regla de los tercios cuando estás haciendo esto porque dejar la cantidad adecuada de espacio puede mantener un tiro agradable y bien equilibrado. Si dejas muy poco cuarto de plomo, se va a tirar todo el tiro y va a parecer realmente poco profesional. El cuarto de plomo también se utiliza en tomas que tienen mucho movimiento cuando tu sujeto se mueve en una dirección. Pero vamos a hablar de eso a continuación, en la siguiente sección sobre movimiento. Hablemos de ello ahora. 21. Movimiento cinemático: introducción: Movimiento y por qué la cinematografía lo necesita. Esta es mi segunda sección favorita y estoy bastante bombeada al respecto. La foto y el video son diferentes por una sencilla razón, el movimiento. No se llama películas por nada. Cuanto más te mueves más interés y realismo agregas a tu tiro. Al lado de campo de tiro, movimiento es de lejos mi parte favorita sobre la cinematografía porque me encanta filmar videos de viaje y videos musicales y cosas que involucran mucho movimiento. movimiento no se trata solo de agregar llamarada y estilo, también se utiliza para ayudar a contar una historia y llevar tu espectador de escena a escena lo más perfectamente posible. No importa si estás filmando un cortometraje guionado con personajes en una trama, o si solo estás filmando un resumen de tus vacaciones. Todo requiere movimiento para ayudar a contar la historia. En esta sección, vamos a estar hablando de todos los diferentes tipos de movimiento, cuándo usarlos, por qué usarlos. También vamos a estar hablando de metraje estabilizado versus de mano. Esto es bueno. 22. Diferencias entre material grabado a mano y estabilizado: Mucha gente puede decirte que el metraje de mano es aficionado, y necesita ser estabilizado. Están medio equivocados, mitad bien, ¿ambos? No lo sé. Si se pretende que la escena sea agitada, como una persecución de autos, o estás huyendo de algo como el oso pardo hambriento del que hablé antes, vas a querer llevar al espectador al paseo contigo y tener un metraje tembloroso. Si no se pretende que sea una escena agitada llena de acción, entonces las imágenes temblorosas se ven bastante aficionadas. Hay muchas maneras de estabilizar el metraje. Si tienes una DSLR y quieres estabilizarla, puedes usar un Glidecam o un Ronin, o si no, puedes hacer tu propio Glidecam simplemente teniendo un trípode regular para tu DSLR y adjuntando pesos a la parte inferior de la misma. El peso en la parte inferior es lo que ayuda a estabilizar los movimientos bruscos cuando estás sosteniendo la cámara y caminando. Tener peso mantiene estos todos bonitos y parejos. Basta con agarrar el trípode justo debajo de la cámara y caminar rápidamente con un pie delante del otro, moviéndose de talón a punta, talón a punta, talón a punta. Si estás disparando en un iPhone, entonces mi forma favorita de todos los tiempos de conseguir material realmente estable es el gimbal DJI de 3 ejes llamado el móvil Osmo. Esta cosa es realmente jodidamente impresionante, ni siquiera bromeando. No me pagan por decir esto, simplemente me gusta mucho el móvil Osmo. La diferencia entre los dos es de noche y de día. El no estabilizado frente a lo estabilizado es increíble. Es electrónico, por lo que puede compensar cualquier cantidad de error humano que cometamos al caminar o correr o tropezar, sea lo que sea. También viene con el software en la app llamada Active Track. Puedes seleccionar cualquier objeto que elijas, y mantendrá constantemente la cámara apuntando a ese tema sin importar a dónde vayas. Es así como hago esos locos hiper lapses de zoom. Un hiper-lapse es sólo un lapso de tiempo que se está moviendo. En serio, en realidad puedes girar la cabeza hacia atrás y ni siquiera mirarla, y simplemente confiar en que el Osmo se va a quedar apuntado a cualquier tema que elijas. De nuevo, si estás disparando en un iPhone, esto es un imperdible. Es lo primero que me aseguraré de que esté cargado, Es lo primero que pondré en mi bolsa de cámara. Vale bien la pena. Ahora repasemos los diferentes tipos de movimiento que puedes agregar a tus tomas. 23. Los tipos de movimiento: Hablemos de los diferentes tipos de movimiento. Yo sólo voy a saltar justo dentro. En primer lugar, tenemos una dolly. Un dolly es sólo un término cinematográfico para un empuje o un pull out. Esto se hace sin acercar la cámara. Se hace moviendo la cámara hacia adelante o hacia atrás físicamente. Un empuje en es genial para construir suspense en una escena. Se puede hacer esto con personas o arquitectura o lo que sea. Siempre que lo empujas progresivamente, estás cerrando en la escena y agregando importancia a lo que esté en el centro del disparo. Podría ser una puerta, podría ser una persona, realmente no importa. Sea lo que sea que estés presionando, estás agregando mucha importancia a mientras un pull out se puede usar para revelar una escena, o lo que es más importante, la profundidad en esa escena. A medida que sacamos, la escena crece más grande mientras que el sujeto se hace más pequeño. Esto cuenta una historia sutil sobre el tema que se desvanece en su entorno o tal vez ser una pequeña pieza a un rompecabezas aún más grande. Un empuje hacia adentro o hacia fuera dependerá cuál sea la historia de la escena que intentas filmar. Si no estás seguro, sólo pruébalos con los dos. Siempre es una mejor opción tener más video. Tanto un push in como un pull out se pueden usar para lograr un efecto de vértigo realmente fresco contrarrestándolo con un zoom opuesto. Un efecto de vértigo es ese estilo donde el primer plano o tal vez tu sujeto y el fondo están dimensionando de manera diferente. Si estás presionando sobre un sujeto, puedes sacar el zoom exactamente a la misma hora en tu DSLR para lograr este efecto, o si estás sacando, puedes presionar el zoom al mismo tiempo. Esto podría llevarte unos cuantos intentos de conseguir, pero si puedes hacerlo, es realmente genial. Si estás disparando en un iPhone, típicamente hago esto haciendo un empuje normal y luego en edición más tarde, fotograma clave la escala para bajar ya que estoy empujando, o si estás haciendo un pull out, yo clave la escala para subir al mismo tiempo exacto. Si lo haces bien logrará exactamente el mismo efecto que tirar de tu zoom en una DSLR. Básicamente la ciencia detrás de un efecto de vértigo es que es solo un cambio continuo en la distancia focal a medida que estás empujando o sacando. Va de un ancho a un teleobjetivo, o un teleobjetivo a un ancho. Esto fue popularizado en la película Tiburones de Steven Spielberg, pero lleva un tiempo por ahí. A continuación, quiero hablar del disparo giratorio, del ascenso hacia arriba y del desplegable. Pero primero, hay que entender el punto de interés. Piensa en que tu cámara esté atada con una cuerda y una pelota al final. Dondequiera que se coloque esa pelota, no importa a dónde muevas tu cámara, esa pelota se va a quedar en ese mismo lugar exacto. La cámara está fijada en este punto. Este es el punto de interés. Dondequiera que esté ese spot, es lo que deben ir tus sujetos. Si estás haciendo un disparo giratorio y moviéndote de izquierda a derecha, tu sujeto debe ser tu punto de interés. Estás evolucionando en torno a tu tema. El tiro giratorio es ideal para tomas de producto y mostrar todos los lados de tu sujeto. Agrega un elemento 3D. Un aumento hacia arriba puede ser una transición realmente buena de un ángulo bajo a un ángulo alto. Se puede usar cuando quieres pasar a tu sujeto de ser alto y confiado a ser débil y asustado, o simplemente puedes usarlo para revelar más profundidad en una escena. Recuerda, hablamos de ángulo alto mostrando mucha profundidad porque muestra mucha del terreno. Un desplegable es más o menos exactamente lo contrario. Es cuando tu personaje pasa de ser débil y asustado a estar confiado y alto y fuerte, como cuando pasan de ser pateados a recuperar el trono, o digamos que tus personajes se alejan de la cámara. Un desplegable puede revelar lo que están mirando. Este es un tiro impresionante para cuando tu personaje finalmente llega a su destino final y lo están mirando con asombro. Es donde finalmente los ha llevado su viaje. Recuerda, es una toma de transición, lo que debe estar motivada por la historia y su entorno. También, se puede hacer un alza y un descenso sin usar punto de interés. Básicamente el punto de interés simplemente va recto hacia arriba o hacia abajo con la cámara. Estos tienen efectos realmente similares a usar punto de interés. Simplemente depende de cuál se ajuste mejor a tu escena. A continuación, tenemos una sartén. Aquí es donde tu punto de interés se mueve de izquierda a derecha, pero tu cámara se queda en un solo lugar. Honestamente, este es el movimiento de cámara más fácil y usado por ahí, y rara vez lo uso cuando estoy grabando video profesional. Básicamente es solo el movimiento turístico para que puedas mostrar [inaudible] dónde estás. Por el contrario, tienes movimiento lateral, que es donde apenas estás estrafinando la misma dirección que tu sujeto se mueve. Strafing es donde estás moviendo la cámara y el punto de interés al mismo tiempo exacto, cuando haces un movimiento como este, puedes elegir dejar a tu sujeto en el centro muerto del cuadro, o puedes dejar algunos sala de plomo. ¿ Recuerdas cómo hablamos de sala de plomo antes? También se usa en movimiento. Cuando un sujeto está viajando, salimos de sala de plomo para que podamos ver lo que viene. Si están caminando directamente contra el borde del marco, va a ser un poco raro, no dejar ningún cuarto de plomo en absoluto es realmente incómodo y desequilibrado. Escoge tu pañuelo y adelántate a ellos. 24. Técnica extra: iniciar y despejar la escena: Quieres aprender algo fresco.Este tema está en Iniciando y despejando la escena. Yo quiero que éste sea rápido. Por lo que iniciar y despejar la escena es una técnica que uso en mis videos todo el tiempo. Básicamente es solo un pase de fantasía por una transición donde cositas una toma a la siguiente con un objeto. Este tipo de transición lleva un poco de tiempo en la edición, pero si lo disparas bien, puedes ponerte realmente creativo con ella. Todo lo que realmente necesitas es un objeto en tu entorno que sea lo suficientemente grande como para cubrir la cámara y que tenga espacio para moverse detrás de ella. Basta con buscar árboles, edificios, postes de luz, y cualquier otro objeto alto en tu entorno. Normalmente empiezo fijando y bloqueando mi enfoque y mi exposición sobre mi tema. Empiezo la escena tocando disco, mostrando mi sujeto. Yo me pongo detrás del objeto y luego si quieres, puedes moverte detrás de otro objeto. Este es uno de esos momentos en los que guardas el punto de interés sobre tu tema. Si lo haces bien, podrías coserte dos tiros juntos para hacer una transición sin fisuras. Este tipo de disparo se ve muy bien cuando la cámara está estabilizada. Entonces un gimbal va a ser tu mejor amigo aquí, pero no lo necesitas. Simplemente lo recomiendo. Esto se puede hacer con casi cualquier movimiento de cámara. No importa si es un ascenso, un movimiento lateral desplegable. Pero cuando comienzas por primera vez, te recomiendo usar primero una vuelta, hablemos ahora de drones. 25. Introducción a la iluminación para la cinematografía: Hablemos de iluminación. ¿ Por qué es importante? Saber iluminar adecuadamente es una habilidad tan comúnmente pasada por alto. Probablemente porque cuando la iluminación es buena, pasa desapercibida. La escena simplemente se ve como una escena de calidad y simplemente te hundes en el contenido. Pero cuando la iluminación es mala, definitivamente pasa notado. La gente notará la baja calidad de producción inmediato y será menos confiada en su video. Si tuviera una iluminación realmente pobre, así, mientras trataba de explicarte un concepto profesional, te sentirás mucho menos inclinado a confiar en mí, a diferencia de una buena iluminación. Una buena iluminación muestra que la empresa o persona ha puesto tiempo o dinero en su entrega. iluminación también se puede utilizar para establecer todo el estado de ánimo de una escena desde el alto contraste, el estilo de iluminación para el suspense hasta la fantasía, iluminación onírica, hasta la iluminación feliz y brillante. Cambiar tu configuración de iluminación, o incluso simplemente cambiar el ángulo de tu cámara para obtener una iluminación diferente, puede afectar toda tu toma. Es por ello que la iluminación adecuada se trata de la iluminación a propósito. Por último, una buena iluminación te ahorra tiempo y editando posteriormente. Te lo agradecerás. Cuanto peor sea tu iluminación, más tiempo vas a pasar una carta de edición, potenciando la exposición, sacarla las sombras, cambiando la temperatura del color y todo eso. Simplemente te va a perder el tiempo porque todavía va a salir subpar. En esta sección vamos a estar hablando de rodaje con luz exterior versus rodaje con luz interior. Disparo con poca luz e incluso balance de blancos y temperatura de color. Hagámoslo. 26. Rodaje en exteriores con luz natural: Disparos al aire libre con luz natural. Disparar al aire libre puede ser un poco un reto. Siempre tienes fuentes de luz limitadas y nueve de cada 10, el sol es todo lo que tienes. Seguro que puedes rezagarte alrededor de las luces y los cordones de extensión y los equilibrios y puestos de luz y toda la porquería contigo pero ¿quién quiere hacer eso? Por eso confío en recursos de mi zona circundante, diferentes ángulos de cámara y una cortina de ducha. Voy a llegar a esa. El primero que debe saber sobre disparar al aire libre es el mejor momento para disparar. El mejor momento para disparar es la hora dorada. hora dorada es la hora justo antes del amanecer y del atardecer cuando la luz es más baja y más suave y mucho menos dura. El alumbrado también es más cálido y desplazado mucho más uniformemente. Hay una razón por la que los atardeceres se habían visto desde el principio de los tiempos. Son hermosas y pueden hacer cualquier disparo que sea mucho más atractivo. También puedes usar el sol como retroiluminación para separar a tu sujeto de su fondo. Si estás disparando durante la hora dorada, esto puede agregar un brillo naranja realmente agradable alrededor del borde de tu sujeto. También puedes ajustar tu exposición para obtener un efecto de silueta realmente bonito. hora dorada es el único momento para hacer que esto se vea realmente cinematográfico. Pero al cambiar tu ángulo de disparo al otro lado, ahora puedes llenar de luz tu sujeto y tu fondo. Todo solo depende de lo que vayas a buscar en tu video. Pero un simple cambio de ángulo de la cámara hace un mundo de diferencia. Así que aunque solo intentes tomarte la selfie perfecta, solo prueba de pararte cerca de una ventana donde haya más luz, Instagram pro tip. Si estás disparando alrededor del mediodía y la luz es extremadamente dura y directamente arriba, aquí es donde la cortina de ducha es muy útil. El cortina de ducha ayuda a difundir la luz y hacerlo mucho más suave. Difundiendo, lo que significa que está rompiendo los rayos de luz y desplazándolos uniformemente sobre tu sujeto, puedes obtener una cortina de ducha barata en cualquier lugar. Yo conseguí el mío en Walmart. Es el blanco, no te pongas el esmerilado, no te pongas el claro, consigue el blanco. Todo lo que tienes que hacer es extender la cortina de ducha por encima de tu sujeto para difundir la luz. Esto es lo que parece antes de la cortina de ducha con la luz dura versus con la cortina de ducha por encima de la cabeza de nuestro sujeto. Ve cuánto más uniformemente desplazada es esa luz. Idealmente, el mejor momento para disparar al aire libre es en un día nublado donde el cielo actúa como una cortina de ducha gigante y difunde toda la luz. Si ves un día nublado, aprovecha. 27. Rodaje en interiores con luz controlada: Se trata de Disparos en Interior con Luz Controlada. Cuando estaba en la escuela de cine, mi profesor de iluminación solía decir que estábamos pintando con luz. Pensé que estaba tratando de sacar a algunos poetas muertos basura de la sociedad y ser todo como poético al respecto. Pero tenía un punto. De verdad tienes que pintar tu escena con luz. Como dije antes, tenemos que encender con propósito. Una adecuada iluminación interior es la mejor manera de lograr una alta calidad de producción. Puedes hacer esto con una configuración de iluminación de tres puntos, que es donde tienes una luz clave que se coloca a lado de la cámara que te proporciona la mayor parte de tu luz. Una luz de relleno más pequeña en el lado opuesto que llena esas sombras y la luz de fondo que da un bonito borde a tu sujeto y los separa del fondo. Con el posicionamiento correcto puedes hacer esto con simples lámparas domésticas o incluso ventanas. Obviamente, hay que esperar hasta la hora correcta del día para usar una ventana como luz clave o puedes hacer mi versión, que es la iluminación VLOG. Aquí es donde pones dos lámparas a cada lado de la cámara para rellenar uniformemente la cara y una luz en el piso detrás de ti que apunta hacia arriba a tu fondo. Es legítimamente lo que estoy usando en este momento, tres lámparas domésticas, ni siquiera bromeando. No gasté más de 15 dólares en bombillas. El lampara de pie da un bonito efecto de viñeta aquí atrás. Una viñeta es cuando se han desvanecido esquinas oscuras alrededor del marco de su imagen. El único que hay que saber de hacer esta configuración de iluminación VLOG es tener las bombillas de temperatura de color adecuadas, que vamos a hablar a continuación. 28. Temperatura de color: Entender el balance de blancos y la temperatura de color. Una parte muy importante de conseguir la iluminación adecuada es entender qué es el balance de blancos. Balance de blancos es lo que ponemos en nuestra cámara para contrarrestar las diferentes temperaturas de color de ciertas bombillas, o condiciones de iluminación si estás afuera. Temperatura de color, en pocas palabras, es lo cálida o fría que se ve tu escena. Si estás iluminando tu escena con bombilla de tungsteno, que es la bombilla de luz común más clásica, es una especie de color anaranjado que se encuentra en la mayoría de los hogares, esto te va a dar un tinte muy naranja a tu escena. El color de la luz de tungsteno oscila unos mil y 4.000 Kelvin en la báscula, siendo Kelvin una unidad de medida para la temperatura absoluta. Muchas bombillas fluorescentes más nuevas que son más eficientes energéticamente emiten una temperatura de color de unos 5 000 a 6 mil Kelvin. Hace mucho más frío. Este color de iluminación es ideal para la iluminación de estudio. En realidad es lo que estoy usando en este momento con las bombillas justo detrás de mi cámara. Está dándole a mi cara un bonito look blanco neutro. El que está detrás de mí para mi luz de fondo es sólo una luz de tungsteno regular. Puedes encontrar tanto estilo de bombillas en cualquier tienda local de Walmart o de mejoras del hogar por como 5-8 dólares, mucho mejor que gastar 80 dólares en un kit de iluminación profesional. Ahora, 6,000-10,000 Kelvin es básicamente el alcance de nuestro cielo azul. La mayoría de las tiendas ni siquiera venden una bombilla de este color a menos que sea como una bombilla de fiesta, que es pegajosa, así que no la uses. Otra cosa a saber de comprar bulbos es el vataje y los lúmenes. Consulta la lámpara en la que estás metiendo la bombilla para ver cuál es la potencia máxima y asegúrate de comprar una bombilla por debajo de esa configuración. Lo último que queremos hacer es iniciar un incendio y no será mi culpa porque no te lo dije. También puedes ver cuántos lúmenes apaga la bombilla, que básicamente es lo brillante que va a ser la bombilla. Normalmente es mejor comprar una bombilla con lúmenes más altos porque siempre se puede cortar la luz o difundirla con, digamos, la cortina de ducha de la que hablé antes. Simplemente pon más capas de cortina de ducha frente a tu luz para tenerla todo lo que necesites. Realmente no creo que necesite un ejemplo para demostrarlo. Si no quieres ir a gastar $5-8 en diferentes bombillas, puedes trabajar con lo que tienes en casa. Simplemente tendrás que cambiar la temperatura de color más adelante en la edición. La mayoría de los programas de edición tienen una temperatura o un mechero de fundición que puedes arrastrar de ida y vuelta para ajustar el balance de blancos en tu toma. No tienes casi tanto rango como solo comprar mejores bombillas, pero cualquier cosa ayuda. También tienen kits de iluminación en Amazon que puedes comprar, pero soy un do-it-yourselfer y como que disfruté haciendo mi propia configuración de iluminación. Las bombillas que estoy usando para mis luces de llenado, que son las de cada lado de la cámara para llenar mi cara, son de 1550 lúmenes. También son 14 vatios y alrededor de 5 mil temperatura de color. El que estoy usando, la luz de fondo, es una bombilla de tungsteno regular. Se trata de 2700 Kelvin, 500 lúmenes, y unos 9 vatios. Simplemente uso lámparas baratas regulares que puedo encontrar en Walmart o Target para alimentar estas bombillas. Si quieres hacer tu propia configuración de iluminación para vlogging, puedes usar mis recomendaciones, y simplemente empezar a jugar, y ver qué te gusta. Voy a volver a poner mi configuración de bombilla en la pantalla ahora mismo. 29. Visualizar la escena: scouting de ubicación se trata de encontrar los lugares más bien ajustados y con mejor aspecto para disparar. Puede ser divertido y puede ser un enorme dolor en el cuello. scouting de localizaciones es una de esas cosas que no quieres hacer si estás en un límite de tiempo. Una de las cosas que he odiado es estar de vacaciones en familia o algo a donde tengo que ir pronto a algún lugar y estoy apresurando todas mis ubicaciones, termino saliendo con basura. El único límite de tiempo real que debes tener es tratar de atrapar la hora dorada antes de que se ponga el sol. Hay algunas cosas que preguntarte antes de encontrar el lugar más apropiado para disparar. El primero es, ¿cómo se ve la iluminación en tu visión de la escena? ¿ Es puesta de sol? ¿ Es suave y romántico? ¿ Es contrastia y oscuro? ¿ O es luz blanca? ¿ Es luz cálida? La respuesta va a importar para cuándo y dónde se dispara. La segunda pregunta a plantearse es, ¿qué tipo de composición de disparo involucra la escena? ¿ Se verá mejor con punto de vista, es un ángulo bajo o un ángulo alto? cerca o tiro largo, también va a depender de donde se dispara. La última pregunta a hacerte es, ¿implica movimiento? Esto determinará cuánto espacio necesitas para conseguir el disparo y ¿qué hay en tu zona circundante que podría impedirte conseguir ese movimiento? ¿ Tiene objetos con los que arrancar y despejar la escena? ¿ Tiene espacio para hacer un empujón o un pull out? Estas preguntas importan y van a hacer que tu proceso de exploración de localizaciones sea mucho más sencillo. Simplemente anota tus requisitos para la composición de movimiento y disparo, y simplemente sube al auto y ve a explorar. El objetivo es encontrar un lugar que chequee todo en tu lista. Es posible que tengas que probar dos o tres lugares antes de encontrar el correcto. Sé paciente y no pongas un despertador. 30. Fin y agradecimiento: Eso es, chicos. Nosotros lo hemos hecho hasta el final del curso. Enhorabuena. Todo está hecho. Te animo a salir a practicar. Comete muchos errores porque ahí es donde vas a aprender lo mejor. Hemos conseguido mucha información en el último, no sé cuántas horas va a ser este curso al final. Tengo algunas notas al final de este curso que debes imprimir y seguir contigo para cuando necesites mirar atrás a todas estas cosas. Chicos, cada calificación y revisión ayuda a crezca mi credibilidad y importa mucho más de lo que piensas. Te lo agradecería mucho si lo hicieras. Si no, está bien. Si quieres dejarme algunos comentarios, puedes hacerlo públicamente o puedes mandarme un mensaje privado. Estaría más que feliz de hacer cambios donde sea necesario. Una vez más, felicitaciones. No puedo esperar a ver qué tipo de cosas ustedes ponen. Si me encuentras en redes sociales, siéntete libre de etiquetarme en algunas cosas. Espero que ustedes lo hayan disfrutado. Nos vemos en el siguiente curso.