Creación de Storyboard para animación: cómo ilustrar el diseño para un movimiento exitoso

1. Introducción: narración es la base de cualquier proyecto de movimiento. Si tienes una buena historia, va a dar vida a tu concepto de una manera mucho más interesante que si solo crearas algo que se ve bonito. Oye, soy Sarah Beth Morgan y soy ilustradora y directora de arte freelance con sede en Portland, Oregon. La clase de hoy se trata de la planeación creativa para el diseño de movimiento. Como persona creativa, tal vez te estés preguntando, ¿por qué no solo hacer lo que quieres hacer? Hay tantos aspectos y diferentes partes de un proyecto de movimiento que ponerlo todo junto de manera organizada y planificarlo muy a fondo es realmente útil porque se llega a ver el proyecto en su conjunto para que el cliente y tú y cualquiera de tu equipo saben lo que está pasando. Si estás atascado, te puede ayudar a desbloquear tu creatividad y tu potencial, y realmente te ayudará a dar vida a tus proyectos de una manera mucho más fácil y fluida. hoy, estaremos creando un nuevo deck de clientes a través de lluvia de ideas, investigación, abordaje del estado de ánimo, bosquejando el guión gráfico, creando un marco de estilo y agregando final pulido a tu deck cliente. Siéntete libre de seguir conmigo, descarga el deck del cliente en tu extremo, o puedes usar estas técnicas de planificación creativa en tu propio proyecto. Deberías tomar esta clase si eres un ilustrador que quiere aprender un poco más sobre animación o si eres un animador que quiere aprender más sobre el proceso de concepción y planificación creativa. En el pasado, realmente he tenido muchos problemas para concepcionar y llegar a ideas. Cuando vuelvo a confiar en mi proceso creativo de planeación y conozco los pasos que necesito dar para crear mi proyecto, eventualmente se me ocurrirán algunos grandes conceptos e ideas en el camino. Estoy muy emocionado de enseñarte sobre la planeación creativa, así que vamos a sumergirnos. 2. El poder de la planificación: planificación creativa puede significar una serie de cosas. Pero para los propósitos de esta clase, va a ser más sobre planear obviamente un proyecto de movimiento, pero también crear una baraja para comunicarse con tus clientes. A veces, esto se llamará un tratamiento creativo, que es algo que le mostrarás a tu cliente para transmitir tus ideas. Digamos que un cliente vino a ti y tenían un guión e idea, pero no sabían cómo dar vida a esas ideas. Eso es lo que vamos a estar haciendo aquí es averiguar el camino para crear ese proyecto. Esta clase te será beneficiosa si eres diseñador de movimiento, ilustrador o animador. Pero también es realmente beneficioso para cualquier tipo de creativo, incluso si solo estás incursionando o eres un creativo que quiere crear un proyecto de pasión a un lado. Este flujo de trabajo es realmente me ayudó mucho con proyectos de pasión, porque los proyectos de pasión son algunos de los proyectos más desorganizados que tengo. Muchas veces, empezará con un concepto, o una emoción, o un sentimiento. Es realmente difícil blanquear eso hacia abajo en algo tangible que realmente pueda planear y convertir en un proyecto de movimiento real. Personalmente no animo mucho, pero como director de arte e ilustrador para el diseño de movimiento, realmente ayuda entender cómo funciona la animación para armar mi proyecto para el éxito más adelante por la línea. Voy a sumergirme en algunos ejemplos aquí para mostrarles lo que necesito. Este primer producto que te voy a mostrar fue un típico proyecto de movimiento. Esto fue para una escuela en línea con la que trabajé, y estaba creando un conjunto de marcos de estilo para su proyecto final. Entonces con cada deck de clientes, me gusta mucho tener una pagina de hola que diga: “Muchas gracias por pensar en mí por esta maravillosa oportunidad”. Tenía algunas ideas conceptuales y pensamientos sobre los visuales que incluí aquí, así como algunos tableros de humor de dirección de estilo y este proyecto fue sobre las plantas. Incluí algunas fotos reales de plantas que fueron utilizadas como inspiración para el proyecto, y este proyecto fue único porque tenían dos guiones. Entonces llegué a crear storyboards para ambos lo cual fue bastante divertido, y puedes ver esos storyboards aquí. Pero entonces en realidad también vemos el marco final que creé para esos storyboards. Estas son algunas maneras en que algunos de los estudiantes tomaron realmente los marcos que diseño y los convirtieron en animación. Entonces como se puede ver en estos proyectos, no todo lo que creé aquí se interpreta de la misma manera. Todavía hay una colaboración entre el diseñador y el animador. No todo aquí que planeo se va a crear exactamente a la T de lo que diseñé. El segundo proyecto que les voy a mostrar se llama Cocoon, que fue un proyecto de pasión a largo plazo en el que trabajé junto a mi esposo. Este proyecto tuvo una sensación emocional muy malhumorada, así que querías mantener el tono bastante oscuro en general. Entonces como puedes ver aquí, muy mal humor y muy personalizado al proyecto. Entonces tenemos alguna referencia de estilo, y a veces el cliente pedirá cosas muy específicas como referencias de estilo de vida solo para personajes. Entonces tenemos una página aquí sobre sólo los personajes y potencialmente cómo podrían verse, diferentes direcciones de estilo para eso. La pieza final es algo de lo que realmente estamos orgullosos. Definitivamente nos llevó mucho tiempo y mucha planeación crear. Para que veas cómo algunos de la referencia de estilo, el estado de ánimo, y la emoción que pusimos en el inicio de este proyecto, realmente llevaron hasta el final en la animación final. Como se puede ver mirando estos ejemplos, no todos los deck o el trato al cliente va a ser igual. Pero todos tienen esos huesos desnudos como esqueleto que mantiene todo unido, y de eso vamos a estar hablando aquí es cómo puedes ser flexible con tu planeación creativa, pero siempre vuelves a estos esenciales consejos y técnicas para realizar tus proyectos. Por lo que el primer paso de este proceso es la lluvia de ideas. Vamos a echar un vistazo a una baraja de clientes y vamos a decir por ese breve. Vea lo que quieren para su proyecto, y comience a pensar en cómo podemos crear diferentes conceptos para esta idea, mediante mapeo mental, tirando referencias, y buscando pistas en el informe del cliente para ver qué es lo que realmente está buscando el cliente para. En ese punto, ya habremos labrado un camino para un proyecto. Tengo una idea en mi cabeza de cómo quiero que se vea esto, tengo mis referencias de imagen, tengo mis conceptos, y ahora es momento de empezar realmente a meterme en story-boarding. En el proceso de storyboarding, desglosaré el guión en varias partes y comenzaré a ilustrar y simplemente a crear bocetos en miniatura realmente rugosos para cada línea del guión. Muchas veces, si realmente estoy emocionado por un proyecto, aunque tenga múltiples direcciones conceptuales o de estilo, me gustaría crear un marco de estilo para mostrar al cliente. Un marco de estilo es esencialmente solo un poco de una muestra de cómo podría verse mi proyecto final. Por lo que esto mostrará al cliente el estado de ánimo y la sensación del proyecto, y potencialmente cómo podrían verse sus personajes, o cuál va a ser la dirección del estilo. La etapa final será después de que ya tenga toda mi dirección visual, mi marco de estilo, mis storyboards, después de que esté toda confiada con esas cosas, solo quiero volver a mi trato al cliente y agregar un par de toques finales en. Ya sea esta alguna descripción de cómo quiero que se mueva la animación, o una página de agradecimiento al final, o un pequeño llamado a la acción, y emoción sobre cómo puede resultar el proyecto. Entonces estaremos abriendo un deck de clientes de un cliente llamado Floatie-Micffoat, y a partir de ahí, realidad te guiaré por todos estos pasos que acabamos de discutir, y traer a la vida a un nuevo cliente humano para este cliente. Para que puedas seguir junto con lo que estoy haciendo aquí y descargar el mismo informe de cliente, y trabajar en tu propia versión de este proyecto. O puedes aplicar las técnicas que te voy a enseñar aquí a tu propio cliente breve o proyecto de pasión. Entonces empecemos con el primer paso, lluvia de ideas. 3. Comenzar con tu proyecto: Por lo que para esta primera etapa del proyecto, realmente necesitamos enfocarnos en el cliente. ¿ Al igual que quién es el cliente? ¿ Qué quieren? ¿Qué estamos haciendo para ellos? Tenemos que resolver todas estas cosas antes de que nos metamos demasiado en la planificación. Este breve aquí que estoy a punto de mostrarles es la situación ideal de descripción del presupuesto de línea de tiempo, pero tal vez no siempre consigas eso. Podrías simplemente conseguirnos pequeña consulta de un cliente o quizá tengas una idea de que te apasiona que quieres dar vida. El verdadero despegue clave de esto es tomar lo que tengas y desempacar, y descomponerlo, y convertirlo en algo que realmente puedas empezar a planear. Entonces mientras estoy mirando a través de este breve, realmente voy a estar pendiente de información sobre la línea de tiempo y el presupuesto y la dirección conceptual que el cliente quiere ir. También voy a estar pensando en cómo realmente crearon este breve. Al igual que este breve se ve divertido y emocionante? ¿ Eso es algo que quieren incluir en su animación? ¿ O es un poco más pulido y seco y limpio? Entonces, solo te voy a guiar por el brie ahora. El cliente recibe el nombre de flujo de micrófono flotante y que delinean aquí en su primera página que quieren hacer un comercial más floaties personalizados. Entonces solo voy a seguir adelante y leer esto porque me ayudará a descifrar lo que están diciendo. De verdad me gusta leer todo en voz alta porque significa que no me pierdo nada. Si en realidad lo estoy diciendo en voz alta, entonces me estoy asegurando de que estoy agarrando todos los elementos clave de su guión y de su descripción. Entonces si estoy mirando esta primera página del breve aquí, sólo voy a subrayar un par de cosas que me destacaron. Este primer párrafo es realmente agradable porque la resma realmente útil para describir visualmente lo que quieren ver y sentir en su pieza. Entonces hablar de nostálgica diversión veraniega que definitivamente significa algo para mí. Me recuerda un poco a mi propia infancia al crecer, y realmente quieren enfocarse en la piscina comunitaria en personas jugando juntos en la piscina y usando sus floaties personalizadas en ese entorno, y parece que se trata más de la sensación y la magia de todo eso en lugar de limitarse a centrarse solo en lo geniales que son sus floaties personalizadas. El segundo párrafo es un poco más logístico y se enfocan más en cuanto tiempo debe ser. Algunos de estos a través de un anuncio animado de 30 segundos para mostrar las floaties de piscina personalizada al azar. Entonces cuando me dicen rango, eso significa que quieren mostrar un montón de floaties diferentes de alberca. Por lo que voy a llegar a divertirme ahí jugando con diferentes estilos de floaties, y ella también estar enfocándose en su marca que es partes iguales peculiar y memorable, y también mencionaron que son nuevos en este medio, que es bueno saber porque eso significa que tal vez no sepan mucho sobre animación, así que podría necesitar guiarlos un poco a través de ese proceso. Podría necesitar ser un poco más claro con mis storyboards, y podría necesitar tener un párrafo en mi mazo que diga así es como va a funcionar el proceso de animación. También mencionaron brevemente que están entusiasmados algunas transiciones divertidas y escenas surrealistas, y en esta página aquí sobre el guión y su información sobre su línea de tiempo, básicamente dicen que otras líneas de tiempo realmente flexibles y no están demasiado preocupados por el presupuesto que es bastante loco honestamente. Bastante impresionante. Este es un proyecto de ensueño que básicamente significa para mí que podría tener un equipo más grande, podría tener a mis diseñadores y animadores seleccionados en él porque tengo más rango de elección ahí, puedo trabajar con personas con las que me entusiasma trabajar. También saben realmente un par de veces que no tienen miedo de ponerse raros. Entonces realmente voy a tener eso en mente ya que estoy trabajando aquí en mis transiciones y mis storyboards. También me dan un par de ideas para cómo podrían parecer las floaties posiblemente un puro para el abuelo y una ola gigante de 100 floaties. Por lo que están abiertos a exhibir sus floaties de diferentes maneras lo cual también es realmente genial. Para esta página con sus referencias de imagen, esto es realmente útil tener. Me encanta mucho cuando un cliente sincroniza sus referencias de imagen porque eso significa que realmente puedo verte cuál es mi punto de partida y puedo ver lo abiertos que están a las cosas, y esta página es realmente impresionante porque muestran un poco de personaje porque definitivamente voy a tener que tener algunos personajes aquí dentro. Si estoy mostrando floaties voy a necesitar mostrarle a la gente que las está usando. También se trata de recuerdos y nostalgia. Por lo que también necesito enfocarme en las personas que están viviendo esos recuerdos. Me encantan estos personajes que ponen aquí porque son realmente tontos y tontos y juguetones y me excita jugar con diferentes estilos para eso, y luego en la segunda imagen, dicen que están abiertos a formas y colores atrevidos. Entonces eso es algo con lo que puedo jugar. No proporcionaron una paleta de colores que a veces un cliente proporcionará una paleta de colores de marca. Pero aquí ya que no proporcionaron eso, puedo usar las indicaciones de este tablero de referencia de imágenes para crear mi propia paleta de colores. Entonces en esta última imagen de aquí, simplemente están abiertos a ponerse raros. También puedo decir en general que mirando todas estas ilustraciones juntas, todos estos son estilos bastante diferentes. Entonces eso significa que tengo cierta flexibilidad en mi dirección de estilo que puedo ir, y no siempre vas a conseguir un breve perfecto de un cliente como yo tengo aquí. Esto es bastante ideal. Muchas veces solo recibirás un correo electrónico con una consulta y es posible que necesites realmente pedir algo más de información, y si no tienen esa información o no saben lo que quieren, siempre puedes ir a su página web o tú pueden consultar proyectos que han hecho en el pasado para ver si hay algo más de información por ahí sobre lo que les interesa. Muchas veces si un cliente no me da algo, voy a ir a su página web y ver que tienen una animación de un viejo proyecto y que me da una idea de a qué estaban abiertos. Si es algo que publicaron en línea eso significa que es algo con lo que están cómodos y ojalá pueda empujar eso y jugar con eso un poco más en mi propia animación. Entonces después de haber pasado y descifrado el breve resaltado, un par de cosas que creo que son interesantes y que puedo tener en cuenta mientras trabajo. También me gusta entrar en Photoshop y en realidad resumir todo con mis propias palabras. Para mí, esto es realmente bonito porque guarda todo en un solo documento. También se convierte en una breve visión general a la que puedo mirar mientras estoy creando mis storyboards y mis ilustraciones más abajo de la línea. Este es un lugar donde puedo simplemente anotar cosas que estoy pensando. A lo mejor el cliente tiene un objetivo diferente y realmente quieren jugar con un tipo diferente de animación, así que tendré eso en mente aquí. O podrían ser metas personales como tal vez quiero usar este proyecto para probar un nuevo estilo en el que he estado pensando. Por lo que sólo trato de mantener eso todo consolidado en un solo lugar para poder referirlo más adelante. Después de haber resumido todo con mis propias palabras, me gusta mantener ese mismo dock abierto y crear una nueva capa donde empezaré a escribir un mapa mental. 4. Hacer una lluvia de ideas sobre tu concepto: Mi mapa es básicamente como un lugar seguro donde solo puedo apuntar cualquier idea que quiera, conectarlas visualmente solo para poder planear hacia dónde voy a ir a continuación. que normalmente solo empiezo con el nombre del cliente en el centro del marco, y luego empiezo a escribir lo que realmente sé del proyecto. Esto no necesita lucir bonito, puede ser tan desordenado como quieras. Entonces sé que quieren exhibir sus productos, que son flotantes de alberca, por lo que será un solo llamado. Otro llamado podría ser sobre el guión y lo que he descifrado del guión. Un tercer llamado podría ser sobre la esencia de la marca y el estado de ánimo que quieren retratar. Entonces otro podría ser sobre los diferentes momentos que quiero ver sucediendo en la alberca. Parece que realmente quieren enfocarse en esos divertidos momentos memorables peculiares que tuviste de niño en la piscina, y quiero que esos sean únicos y destaquen. Por lo que quiero enfocarme en lo que podrían potencialmente estar aquí. A lo mejor se trata de broncearte en la piscina cuando eres adolescente, o de tener una pelea de pollo con tus amigos en la piscina cuando eras pequeño, o de hacer un puesto de manos. Entonces solo voy a escribir todo eso aquí solo para tener una mejor idea de lo que podrían ser esos. Entonces aquí tengo la marca y el guión, y los diferentes estilos visuales con los que podría jugar. Una vez que tengo esos conceptos generales principales, entonces puedo empezar a ramificarme en partes más pequeñas del mapa mental. Siempre que tengo una idea de algo que puede funcionar ahí, solo anoto eso hacia abajo, no tiene que ser una buena idea, pero siempre puedo volver a ello más tarde y usar eso en mi proyecto. Así que realmente quería enfocarme primero en su producto, y quería mostrar que pueden tener una gama de diferentes floaties de piscinas personalizadas. Por lo que hice una lluvia de ideas un poco sobre lo que podrían ser esos. Estaba pensando en las formas geniales que podrían jugar en esto. Entonces tal vez una pizza floaty sería genial, o incluso un unicornio podría ser interesante para jugar. Apenas diferentes formas y tamaños y colores de floaties que potencialmente puedo incluir en mi guión gráfico. Entonces como decía antes, queremos enfocarnos en esos divertidos momentos de piscina. He incluido un par de esos aquí. A lo mejor jugamos con el salvavidas y de alguna manera está involucrado, o la natación sincronizada podría ser realmente genial, y esa podría ser una forma muy divertida de jugar con la simetría en mi pieza. Esa podría ser una manera realmente genial de tal vez la transición. Por lo que sólo tendremos eso en mente mientras estamos trabajando. Entonces en lo que va el estado de ánimo slash de la esencia de la marca, sé que están abiertos a ser húmero, y juguetones, y peculiar, por lo que eso realmente jugará en mi estilo también. Entonces solo estoy atravesando y dando vueltas todas estas cosas que creo que podrían ser esenciales para mi proyecto para poder ver lo que he destacado más adelante e incorporar esas a mi storyboard. Por último, desglosé el guión en diferentes partes que me pareció interesante jugar. Entonces el cumpleaños del abuelo, ¿qué podría usar ahí? Bueno, mencionaron cigarros, así que hice un pequeño llamado por eso. A lo mejor hacemos algo con Oreos porque mi abuelo amaba a Oreos, tal vez sólo algo que lo hace sentir un poco más humano. Entonces para la reunión del cachorro, ¿qué podemos hacer ahí? A lo mejor todos los cachorros están en floaties de gato, o todos están persiguiendo a una ardilla, o algo así, sólo tratando de pensar en momentos divertidos que realmente pueden dar vida a esto. Eso también exhibe sus floaties al mismo tiempo. Entonces ahora que ya has visto cómo hice esto, es tu turno de hacer lo mismo. Toma tu propio cliente breve, o incluso el mismo flotante haz que el flujo sea breve y empieza a interpretarlo a tu manera. No necesitas hacerlo exactamente de la misma manera que lo hice yo, justo lo que te funcione mejor, pero solo empieza a desempaquetar toda esa información para utilizarla más adelante. Entonces ahora que hemos pasado y hecho todo este mapeo mental, y descifrando el resumen del cliente, vamos a tomar esa información y usarla para investigar algunas pistas visuales. 5. Extraer referencias: Entonces ahora que hemos hecho nuestro mapa mental, y hemos descifrado un poco el breve del cliente, voy a empezar realmente a sacar algunas referencias de imágenes visuales de Internet. Siempre me gustó mucho proporcionarle al cliente una pizarra de humor, porque les da una idea de lo que estoy pensando visualmente para su proyecto. Esto me ayudará a encabezar el proyecto más hacia cómo quiero que se vea y lo que soy capaz de hacer, y también les dará imágenes para apuntar y ser como, no me gusta eso, o me gusta esto, o esto funciona para mi proyecto o mi marca y esto no, por lo que abre la conversación entre el cliente y yo para empezar a acordar un estilo visual. Entonces si miramos hacia atrás el breve del cliente aquí, podemos ver que proporcionaron algunas referencias. Al mirar esto, noto que aquí surgen dos estilos diferentes que creo que sería muy divertido la dirección de tomar este proyecto. El primer estilo que veo es más de este sentimiento orgánico hecho a mano. Tiene estos personajes peculiares que están usando menos formas geométricas o más dibujadas a mano. Puedo decir que han utilizado algunas técnicas diferentes dibujadas a mano para esto. Pero luego a la derecha, es un poco más audaz y geométrico. Voy a llevar esto a diferentes direcciones de estilo. Tendré un estilo que sea un poco más orgánico y hecho a mano, y tendré un segundo estilo que sea más geométrico, gráfico, y audaz. Realmente me gusta darle al cliente más de una opción. mí me gustaría darles al menos de dos a tres direcciones de estilo, porque esto realmente les da diferentes opciones con las que pueden jugar. También realmente solo me gusta tener dos direcciones de estilo, porque demuestra que las estoy considerando y gastando un poco de tiempo extra para desarrollar estas ideas para ellos. Entonces ahora que tengo estas dos ideas en la cabeza, voy a empezar a buscar referencias para realmente afinar en cómo se ven esos estilos. Entonces para todos mis proyectos, me gusta mucho organizar todo a fondo en mi Finder solo para que tenga todo dispuesto para mí. Entonces como pueden ver a la izquierda aquí, sí tengo una sección para lluvia de ideas, para el deck del cliente y diseño. Ahora, nos vamos a centrar en la sección del tablero de Mood. Aquí mismo, se puede ver que he desglosado esta sección Mood en tres partes. Tenemos movimiento, estilo A que es ese estilo audaz del que estaba hablando, y estilo de B que es el estilo más artesanal. Entonces ya he navegado por Pinterest aquí, y saqué un montón de referencias. Para el estilo A, estas son todas las cosas que me destacaron, ya que estaba navegando en Pinterest, ya sea si se relacionaban con el tema del proyecto. Entonces como tal vez sea alberca o flotante o incluso relacionado con el agua, y muestran formas interesantes de cómo podría manipular mi imagen con agua, tal vez, o simplemente tienen un estilo interesante. Entonces podemos ver que éste de aquí. Este es solo un personaje realmente divertido. A lo mejor algunas manipulaciones interesantes que suceden con las formas geométricas. Algunos colores realmente audaz, y muchos de ellos que tengo aquí implican movimiento lo que me da una idea de cómo mi equipo va a animar las cosas, y no todas estas imágenes tienen que relacionarse de nuevo con el tema. Pueden estar completamente desrelacionados. Muchas veces, solo mantendré algunas referencias de imagen separadas de mí mismo para hacer referencia y no mostrarlas al cliente. Por ejemplo, esta imagen de aquí mismo es una imagen de la cara de un tipo siendo golpeada con un tazón de fideos. Realmente no creo que eso vaya a ayudar a mi materia o proyecto de ninguna manera, pero realmente me encanta el trabajo de línea. Me encantan los colores atrevidos. A mí me gusta la composición y cómo se puede sentir el movimiento implícito en ella, pero quizá no sea necesariamente algo que le muestro al cliente. Para la segunda dirección de estilo, saqué muchas más referencias de imagen hechas a mano, muchas más referencias de sensación orgánica ilustrativa que tenían mucha textura. Entonces este primero de aquí, me encanta la composición audaz. Me encanta ver a los personajes de una manera diferente, y éste que vemos un cierre de la playera y algunos el detalle ahí, y tal vez eso sea algo con lo que pueda jugar en mi propia animación. Pensé que esta referencia de imagen era realmente genial porque usan mucho espacio negativo, y juega más con trabajos de línea y rellenos. Además, puedo decir que crearon textura literalmente coloreando algunas de estas formas en lugar de simplemente llenarlas con la herramienta de relleno en Photoshop. A veces, realmente me gusta tirar GIFs también para mis clientes, porque les muestra cómo algo podría animarse. Simplemente da vida a tu mazo si puedes incluir algunas imágenes en movimiento también. Especialmente para este cliente, quería tirar un montón de referencias de movimiento, porque sí mencionaron que hay un poco nuevo en la industria de la animación, por lo que podría ser un poco más difícil para ellos concebir cómo se va a ver el producto final. Entonces para mí, el mejor lugar para encontrar referencias de animación suele comenzar con Vimeo, así que navego por Vimeo. Muchas veces, buscaré estudios de animación que sé que me gusta su trabajo, o si he encontrado un estudio de animación o un animador en Instagram o redes sociales, miraré dónde trabajan, los encontraré en Vimeo, y luego solo empezaré navegando esos videos desde ahí. Vimeo también es realmente genial en sugerir contenido extra para ti. Por lo que si encuentras un video que realmente te gusta, podría ser realmente fácil encontrar el otro que sea similar. Entonces me encantan mucho estos títulos del Camp 2018, porque vemos algunos personajes muy finos y juguetones, realmente como peculiares, y el movimiento es muy estepa, lo cual es genial para este proyecto porque se siente un poco más hecho a mano. También me encanta esta Goldi Launch Film porque sí tenemos ese estilo de fábrica más audaz, pero también sólo una sensación general muy juguetona y tonta. También es una forma totalmente diferente de usar personajes. Como vimos en los títulos del Camp 2018, esos se sintieron mucho más dibujados a mano. Pero lo que esta Goldi Launch Film aquí mismo, puedo decir que pudieron haber sido animados y secuelas. Por lo que también depende de mi equipo, como tal vez tengo un animador After Effects y no un animador celular. A lo mejor esto es algo que consideraría más a fondo, bueno, enviarlo al cliente. Este video de Actos aleatorios de la bondad es un ejemplo realmente impresionante de cómo podemos usar texturas orgánicas y movimiento orgánico para crear una pieza realmente genial. El grandioso de éste, es que veo que tienen muchos cortes y cortes de match que podrían ser interesantes de incorporar a mis storyboards, porque podría significar que dedique menos tiempo creando esas transiciones y en realidad pasan más tiempo desarrollando mis fotogramas y desarrollando más de la acción del personaje en lugar de transiciones. En esta pieza final que tiré es una sartén vertical realmente fresca, sensación de vibra muy veraniega. Creo que puede ser realmente interesante mostrárselo al cliente, porque también le tiene una sensación vectorial. Ahora que te he mostrado un poco aquí sobre estructura de carpetas y buscando tus propias referencias de imagen, adelante y haz esto por tu cuenta para tu propio proyecto. Puedes usar los recursos que quieras, si tienes un sitio web de inspiración favorito, o quieres ir a un museo cerca de ti, o incluso querías solo navegar por Pinterest como lo hice aquí. El objetivo aquí es realmente sacar un montón de referencias de imagen, tanto como puedas, y empezar a dividir esas hacia fuera y crear dos estilos visuales distintos. A continuación, en realidad empezaremos a armar esto en un tablero de Mood. 6. Crear un panel de inspiración con indicaciones de estilo: Entonces hemos sacado un montón de referencias ahora. Tenemos que empezar a consolidar los abajo y curarlos para mostrarlos al cliente. Esto es realmente importante porque te ayuda a ti y a tu cliente a alinearte en una voz creativa. Entonces para crear estos tableros de humor, necesito hacerme algunas preguntas mientras estoy mirando a través de mis referencias. El cliente ha trabajado en algo como esto en el pasado y el estilo los asustará visualmente? ¿ O están emocionados y abiertos a empujar límites creativos? A lo mejor el estilo y los renderizados de personajes que tienes en tus referencias de humor son en realidad cómo quieres que se vea tu proyecto, o esto simplemente puede crear un estado de ánimo o sentimiento general para tu proyecto. A lo mejor solo quieres mostrar este estado de ánimo donde en su conjunto al cliente para que puedan ver cómo va a encajar todo más adelante. A lo largo de los años he usado un montón de programas diferentes para crear mis mazos para mis clientes. De verdad he llegado a amar Google Slides y Google Slides es realmente impresionante porque es algo que puedo editar en tiempo real. Entonces si le envío algo al cliente y me doy cuenta de que hice un tipografía o quería agregar otra referencia de humor en, entonces fácilmente puedo ir y cambiar eso de verdad rápido antes de que lo vean. Pero a veces si el cliente me envió un PDF para empezar puedo decir que realmente les gustan los PDF, así que en realidad exportaré mi plantilla de Google Slides como PDF, puedo descargarla y enviársela por correo electrónico de esa manera. Aquí está la plantilla que armé. Este es un esbozo bastante rudo de un proyecto básico de movimiento, pero normalmente empiezo con mi logo aquí y luego escribiré el nombre del cliente y en la segunda página suelo tener una página de introducción como, “Hey, muchas gracias por pensar de mí por esta maravillosa oportunidad”, y especie de resumen lo que les voy a estar mostrando en la pila. Entonces a partir de ahí entro en mis Conceptos Visuales y aquí es donde guardaré mis tablas de humor. Normalmente nombraré a cada concepto, solo dale un pequeño nombre para que el cliente pueda hablar de ello fácilmente, no es solo concepto A y concepto B, le da un poco más de personalización, y luego después de eso escribiré un poco de descripción al respecto y luego incluir las referencias de humor en la siguiente página. Esta plantilla está disponible para que descargues en los recursos de la clase. Entonces aquí es donde realmente averiguo qué imágenes voy a poner en mi pizarra. Normalmente no me gusta agregar demasiadas imágenes, si tuviera como 10 imágenes en esta página en realidad se pondría un poco abrumador, podría haber demasiados detalles e información y podría no resaltar las cosas de la forma que queremos. Por lo que voy a empezar a pasar por mi estilo audaz Una referencia y añadir imágenes allí. Por lo general, solo empezaré a caer en unos que me hablen como estoy trabajando, así que como este me encanta el estilo del personaje y me recuerda a algunos de esos personajes que tenían en su baraja, y todos estos son geniales pero lo estoy intentando para variar un poco las cosas. Entonces no quiero agregar demasiados personajes porque no quiero que solo sea sobre los personajes, necesito que sea sobre el estilo también. Creo que éste es bastante cool porque realmente me da esa sensación de vintage y nostalgia pero también es muy gráfico al mismo tiempo. Este solo tiene un estilo realmente cool y me gustan mucho estas referencias porque muestra cómo podría jugar con los efectos del agua en mi animación pero aún usando un estilo u vector audaz. Entonces ahora solo voy a empezar a organizarlos e intentar encajarlos juntos en la página, algo para lucir composicionalmente sonido para que no haya demasiada oscuridad en un lado o demasiada pesadez en el otro. Trato de mantener aquí mi composición un poco equilibrada para la pizarra de humor. Esta imagen de abajo justo aquí en la parte inferior izquierda, como pueden ver en realidad la recorté porque realmente no encajaba demasiado en la página, pero no quería abrumar la página con esta imagen porque si utilizo toda la imagen simplemente ocupan todo el lado izquierdo de la página y quería incluir más que solo cuatro imágenes. Entonces para el segundo concepto he ido adelante y acabo de añadir en unas pocas referencias que ya tenía y las curé un poco. Aquí puedes ver realmente agregué en ese GIF animado que me gustó mucho. Me encantó cómo se sentía tipo de paso B y orgánico y como si fuera hecho a mano y alguien realmente estilo lo animó, así que eso fue realmente genial de incluir, especie de le da al cliente una idea de cómo un personaje podría ser animado. También me encantó mucho cómo la mayoría de estos colores se sintieron muy nostálgicos. Tenemos algunos tonalidades muy cálidas tipo de lavado de toda esta paleta aquí. Tenemos diferentes ejecuciones de estilos, así que tenemos algo de trabajo de línea aquí. También tenemos momentos donde las formas se rellenan a mano. Así que traté de mantenerlo realmente equilibrado y agregué un gran trozo de rojo la izquierda y un gran trozo de rojo a la derecha para que no sintiera que hubiera demasiado en un lado de la página. También traté de mantener las referencias de imagen variadas para que pudiera ver cómo podía llevar este estilo artesanal en un par de direcciones diferentes, pero sí, en general no quería abrumarlas con demasiadas opciones porque el estilo se puede conseguir bastante detallado. Por lo que me lo guardé a cerca de seis imágenes aquí. Una vez que tengo ambos tableros de humor hechos y en realidad puedo mirar todas mis imágenes juntas, dispuestas juntas, quiero volver a entrar y en realidad simplemente nombrarlas. No suelo pensar demasiado en estos nombres, solo quiero que sean algo único al que el cliente pueda apuntar para que no necesiten ser nada loco, es más solo para los propósitos de la baraja. Por lo que nombré a este Go audazmente porque simplemente resume toda la dirección de estilo. Si miras estas imágenes aquí todo lo que puedo pensar son variables grandes formas blocky, colores atrevidos, así que creo que Go Audazmente es un nombre muy apropiado para este. Entonces para la segunda dirección de estilo creo que podría ser bueno llamarlo Made by Hand porque sí se siente muy tocado por la mano humana. Vemos muchos elementos prácticos aquí y eso será realmente memorable cuando el cliente lo esté señalando. Algo que también me gusta mucho hacer a veces solo como un pequeño bono para el cliente es agregar algunas paletas de colores en, y esto no es innecesario pero como este cliente en realidad no me proporcionó una paleta de colores quiero darles un par de opciones, y creo que esto realmente se sumará a la personalización de mi mazo. Para este primer concepto, el concepto Go Audaz, quería jugar con estos colores realmente audaces y me encantó mucho la interacción de este rojo y azul aquí y pensé que se veían muy bien juntos. Tienen valores ligeramente diferentes, hay un aspecto cálido y fresco para ellos. Entonces por regla general me gusta mucho incluir un taco cálido y un tono fresco en mis paletas. También me gusta incluir neutros, así que como un negro o un gris oscuro o algún otro color oscuro que pueda usar para sombras y luego también incluyo un color blanco o un color claro que es comparable al blanco aquí, y luego para éste acabo de agregar un par de colores extra en porque pensé que todos estos colores gráficos realmente audaces funcionaban bien con esta paleta. Ya que querían que se sintiera nostálgico también quería traerlo de vuelta a la Tierra con un poco más de color orgánico cálido aquí con esta naranja. Entonces utilizo la misma base que la paleta de colores para el concepto B, pero sí cambié los colores un poco para que coincida con lo que tenía aquí en la pizarra de humor. A veces voy realmente a entrar en mi pizarra de humor y elegir color pero no siempre me gusta hacer eso porque no quiero acercarme demasiado a una referencia, así que suelo ir a Photoshop y retoque esos colores un poco pero como puedes ver aquí este Made by Hand palette es solo un poco más cálida sensación. Tiene más de esa sensación vintage porque es tan cálido en general. Por lo que al crear una paleta de colores e incluir una paleta de colores en su plataforma de tratamiento es totalmente opcional. Es agradable tener ese paso extra porque una vez que comienzas a avanzar con el proyecto, si al cliente realmente le gustó la paleta de colores, ya has hecho un poco de trabajo antes de tiempo, o también le da a tu cliente cosas pueden apuntar y decir que no les gusta o les gusta y realmente te ayudará a empezar crear la dirección de estilo específica para tu proyecto. Adelante y empieza a poner tus tablas de humor juntas en una baraja, solo diviértete con ella y decide qué referencias de imagen funcionan mejor para tu proyecto. Por lo que a continuación vamos a llevar estos estilos al siguiente nivel y empezar a incorporarlos a un storyboard. 7. Storyboard: planificar la narrativa: Entonces aquí estamos en fase de storyboarding. Esta es una de las partes más estresantes pero emocionantes y esenciales de un proyecto de movimiento. Entonces en un nivel base, un guión gráfico es básicamente los huesos o esqueleto de tu proyecto de animación. Te va a mostrar el mapa o el camino para llegar a tu producto final. Te mostrará lo que necesitas para diseñar, pero también mostrarás a los animadores cómo se van a mover las cosas. Te configura para crear transiciones geniales y también empareja el script del cliente junto con tus visuales. Por lo que el storyboarding puede ser bastante estresante porque estás pensando en todo lo ya se te ocurrió y es mucha información para tomar y armar y luego crear algo nuevo con. Pero también es realmente emocionante porque es donde sí ves que todo se une y comienzas a ver un proyecto de animación real que se forma a partir de tu storyboard. Por lo que realmente me gusta storyboard y unos pasos. Empiezo importando el script a mi plantilla de storyboard, y a partir de ahí, empezaré a pensar en las acciones. Entonces podría simplemente escribir y anotar algunas notas de lo que realmente quiero que suceda en los marcos. Entonces a partir de ahí, crearé unos bocetos súper, súper rudos hasta el punto en que probablemente se vean mal. Entonces una vez que por fin consiga esos el lugar que me gustan, entraré y refinaré los para el cliente. Entonces, cuando empezaba por primera vez en mi trabajo en el mundo de los gráficos en movimiento, no estaba realmente seguro de cómo guiar guiones para la animación. Conocía un poco de motion graphics desde la escuela, pero realmente no sabía cómo funcionaban las transiciones y yo era más ilustrador que animador. A menudo, iría con alguien del equipo de animación y les preguntaba si lo que estaba creando para mi storyboard era posible con la línea de tiempo y el presupuesto. Entonces si no puedes encontrar un animador, intenta encontrar animaciones comparables en línea para darte una idea de lo que deberías estar haciendo con tu proyecto. Si estás ajustado en línea de tiempo o presupuesto, es posible que quieras probar algunas opciones de atajos como usar cortes o cortes de coincidencia en lugar de transiciones locas fluidas. Es posible que quieras considerar no usar ningún personaje porque la animación de personajes lleva mucho tiempo y cuidado extra. También solo mantener tus diseños, en general, realmente simples incluyendo menos fondos para animar, será realmente útil si tienes una línea de tiempo o presupuesto ajustados. Cuando estoy creando una ilustración editorial, necesito pensar en encapsular un estado de ánimo o un sentimiento en una imagen. Pero aquí para la animación, necesitamos pensar más en cómo captamos un estado de ánimo o un sentimiento a lo largo de toda una pieza. No quieres apegarte demasiado a nada aquí, porque si uno cambia en función de los comentarios de los clientes, es posible que tengas que cambiarlos todos. Una vez que te acostumbras a este proceso, it; s realmente liberando porque puedes ser muy duro con tu guión gráfico y estar abierto a cambios y crear composiciones nuevas y emocionantes. Por lo que en realidad tengo una plantilla de storyboard que uso a menudo y acabo de crear esto desde cero en Photoshop. Pero esto es esencialmente sólo un montón de rectángulos 16 por nueve rectángulos de formato de video, que he incluido aquí en un documento de Photoshop. En realidad son solo números y lugares para agregar en el guión. Por lo que ahora mismo, tengo esta plantilla de storyboard que tiene alrededor de 24 fotogramas de largo. Podría extenderlo si quisiera, podría copiar estos rectángulos para hacerlo un poco más largo, si tengo una animación realmente larga. Pero para este proyecto ahora mismo, solo voy a empezar a sumar en las líneas de VO y empezar a separar esas por lo que creo que podría ser como una acción. Entonces por ejemplo, si miro aquí el guión y veo la primera línea, no importa cuál sea la ocasión, Floaty McFloat te da la espalda. Entonces eso podría ser en realidad una o dos líneas. A lo mejor “No importa cuál sea la ocasión” es una línea y “Floaty McFloat tiene la espalda” es una segunda línea. Sólo quiero empezar a sentir el flujo y el ritmo del proyecto aquí cuando estoy agregando estas líneas de VO a mi storyboard. Entonces para traer esas líneas a Photoshop, en realidad sólo voy a captura de pantalla o copiar y pegar aquí mi guión, para que pueda referirlo ya que estoy agregando esas líneas. Por lo que este guión fue bastante natural para romper las líneas. Cada línea era sus propios pensamientos separados. Entonces mantuve esta primera línea “No importa cuál sea la ocasión”, “Floaty McFloat te cuida la espalda ” como un solo pensamiento porque sí parece que todo podría funcionar juntos en un solo cuadro aquí. Entonces el cumpleaños del abuelo, el adorable cachorro, el meetup, la venganza, todos esos parecen que podrían llevar a diferentes visuales y momentos diferentes. Entonces los mantuve todos separados y podemos encontrar algunas formas geniales de transición entre ellos. Entonces lo genial de esta historia Plantilla de Word es que en realidad puedo simplemente entrar y recortarla al tamaño de mi proyecto. Por lo que no necesito todos estos cuadros extra. Simplemente puedo recortarlo en Photoshop al tamaño que necesito para poder importarlo más fácilmente a mi deck en Google Slides. Ahora, sólo voy a seguir adelante y empezar a escribir en algunas ideas que tengo para este proyecto. Esto puede cambiar a medida que estoy trabajando, pero es genial tener este pequeño esbozo antes de empezar a bosquejar. Entonces digamos en la primera habitación somos como abrir en una piscina comunitaria. Eso lo escribiré aquí abajo, pero luego también quizá escribiré sobre cómo vamos a pasar al siguiente cuadro. Estoy pensando en cómo estoy trayendo mi tiro, tal vez este primer disparo sea un tiro medio. Estoy pensando en términos de cine aquí a veces como tiro medio, o cerca, o tiro ancho. Entonces también señalaré cuál será la transición. Entonces, ¿eso será un corte de partido? ¿ Habrá alguna transición loca de morfación? Aquí es todo donde apenas empiezo a pensar en toda la forma en que se moverán las cosas. Entonces para ello, voy a hacer un nuevo grupo en mi documento de Photoshop, solo para que tenga todos mis bocetos juntos en una capa diferente. A veces, los romperé en diferentes porciones también, así que tal vez tengas marco uno, marco dos. Esto es realmente sólo para mí como referencia. Estoy pensando que sería realmente genial en este primer disparo solo abrir en la espalda de un niño. A lo mejor es nuestro personaje principal. A lo mejor tenemos un héroe. A lo mejor está mirando a toda la acción que está sucediendo en la piscina. Entonces esto puede ser súper áspero y no necesita lucir bonita, porque nadie va a ver esto y puede simplemente ser una base realmente de una idea. Ni siquiera tiene que ser así de minucioso. Lo que escribí aquí solo está abierto en la espalda de un niño, frente a la piscina, vistiendo un tubo flotante, él salta. Entonces tal vez solo pensando un poco por delante sobre las transiciones aquí. A lo mejor hay algún chapoteo que nos lleve al siguiente cuadro. A lo mejor sólo escribiré chapoteo entre esos marcos. Está bien si esto no es lo que realmente sucede más adelante, pero es bueno tener ese pensamiento ahí dentro, pensar en la moción. Entonces en esta siguiente línea, el cumpleaños del abuelo, algo seguro. A lo mejor en realidad seguimos al chico mientras chapotea en la piscina y tal vez está flotando debajo del abuelo. Está disfrutando de un cigarro y un whisky en su flotador. Entonces tal vez se desliza más allá de él. Es agradable usar a veces verbos visuales aquí para darte a ti mismo y al animador una idea de cómo se va a mover esta acción. Entonces como pueden ver aquí, escribo la descripción de lo que realmente vamos a ver, como el marco visual de lo que vamos a ver. Pero también estoy agregando algunas pistas para la animación. Vemos que los niños vistiendo un tubo flotaban, pero luego también salta al agua, y hay algo de chapoteo, y luego se desliza bajo el cigarro flotante del abuelo. Simplemente vamos a sentir esa acción cuando estoy escribiendo aquí, y esta no necesariamente va a ser la acción que le mostramos al cliente. Pero me dará una idea de cómo ilustrar mi marco y cómo configurar mi composición. Entonces en este momento, acabo de configurarlo con los visuales que van a estar sucediendo en cada fotograma, pero no he hablado de cómo vamos a llegar a cada fotograma. Entonces aquí, voy a denotar cuál debe ser cada disparo. Entonces tal vez este primer disparo es de tiro medio. Simplemente vemos al chico desde las rodillas arriba, tal vez, y está mirando hacia fuera a la piscina. Entonces para el segundo fotograma, podría escribir una pequeña nota sobre cómo vamos a estar bajo el agua. Entonces tal vez este es un tiro más amplio y vemos alguna distorsión del agua. Para meterme entre estos dos tiros, creo que sería interesante jugar con una transición de agua más fluida. Entre estos dos marcos de aquí, sólo voy a dibujar una pequeña flecha y una transición de agua derecha. A lo mejor cuando el niño salta al agua, el agua salpica y se apodera del marco y luego nos damos cuenta de que ya estamos en el siguiente cuadro. Una vez que vemos al abuelo y vemos al niño flotando debajo de él, tal vez en realidad cortamos a nuestro personaje saliendo del agua y está rodeado por un montón de cachorros adorables, y todos están flotando en carrozas de gatitos. Va a ser súper lindo. Entonces tal vez solo cortamos ahí para ahorrar un poco de tiempo al animador. No queremos tener transiciones locas para todo el spot, porque sólo se va a poner un poco abrumador. Las transiciones son impresionantes, pero también pueden tardar muchas veces. Por lo que queremos pasar por este guión en un plazo de 30 segundos. Queremos asegurarnos de que mantenemos las cosas en movimiento. Este sólo será un corte. Entonces tal vez este es otro tiro más amplio donde vemos toda la escena con todos los cachorros. El siguiente disparo, estaba pensando, que podríamos tener a alguien lanzando una pelota, y así todos los perros se distraen y siguen el balón. Seguimos a esos perros hasta el siguiente cuadro. Por lo que aquí ocurre más de un pan de cámara. Entonces tal vez esto es menos de un corte y simplemente nos movemos al otro lado de la piscina. Todo esto es algo que debemos tener en cuenta ya que estamos trabajando porque si tenemos algo así como un pan de cámara, en realidad vamos a necesitar construir nuestra toma realmente larga en lugar de solo fotogramas individuales, porque eso hará que sea más fácil para el animador cuando necesiten crear algún paralaje más adelante o necesitamos ver algunos elementos más entre los fotogramas. Nos acercamos a mamá que está descansando en un flotador de piña leyendo, y los niños nadan más allá de ella y le disparan con pistolas de agua. Entonces ese es como el momento embarazoso para mamá. Entonces para el cuadro cinco aquí, en realidad estaba pensando en cambiar un poco la composición. En estos fotogramas anteriores, sí vemos muchos tiros medianos anchos donde vemos los lados de todo y yo estaba pensando, sería interesante que el cuadro cinco jugara más con como una vista de gusano. A lo mejor vemos a mamá en su piña o incluso como una carroza de concha y la vemos desde abajo. Por lo que realmente obtenemos esa hermosa vista de la flotante. Bueno, entonces también podemos ver a los niños entrando y chorreando a mamá con pistola de agua. Entonces a pesar de que ya tengo esto hecho aquí, y todo se va juntando bastante bien, sólo quiero saber que mientras estaba haciendo esto, realmente volví atrás y miré mi mente-mapa y toda esa investigación inicial que hice. Elegí esos elementos que me emocionaron y los incorporé a mi storyboard aquí. No siempre se va a unir tan fácilmente. Sí se necesita mucho ensayo y error. No es súper fácil todo el tiempo simplemente empezar a anotar las cosas y ser como, está bien, es genial. Muchas de las veces tendré que volver a entrar y borrar las cosas, y estoy como, esta transición definitivamente no funcionará aquí o incluso más allá de esta etapa. En ocasiones, escribiré las cosas y suenan muy bien, y luego empezaré a bosquejar, y simplemente se desmoronará por completo. Entonces necesito repensar algunas cosas y eso es totalmente normal, y eso es parte del proceso de lluvia de ideas y planificación creativa. 8. Storyboard: bocetar las acciones: Entonces ahora que ya tengo mis ideas abajo, he descubierto mi narrativa, en realidad quiero ver si esto funciona. No estoy seguro si lo que he escrito aquí realmente va a crear algo que se ve genial. Entonces voy a entrar y en realidad solo hacer miniaturas básicas súper ásperas. Aquí es donde se puede poner súper desordenado, y puedo manipular cosas y borrar cosas. Esto es realmente sólo para prueba de concepto aquí. Por lo que normalmente, solo apagaré esta hoja de ideas y la puedo mantener ahí solo para hacer referencia cuando quiera. Pero sólo voy a empezar ilustrando esta espalda de un niño, frente a la piscina, vistiendo el tubo flotante. Aquí mismo, realmente no estoy pensando demasiado en el diseño de personajes todavía. En realidad sólo me estoy centrando en la composición y cómo se van a diseñar las cosas. A lo mejor ilustro al tipo demasiado pequeño y no puedes ver su flotante. Entonces llegué a cambiar eso a medida que voy. Aquí es donde puedo empezar a pensar en alguna perspectiva, tal vez veamos que el personaje es plano y perspectiva, pero tenemos algo cool, como cosas de un punto que suceden en segundo plano. mejor vemos más de lo que está pasando en la piscina, como las sillas. Obviamente, podemos pasar por ahí y añadir todo un montón de detalles más adelante. Esto es realmente solo para ver cómo se enmarca todo. Si miro hacia atrás mi hoja de ideas aquí y todo lo que escribí para esto, sí menciono transiciones y sí quiero implicar esas transiciones en mi guión gráfico. Pero no quiero ilustrar completamente esas transiciones porque sí quiero dejar algunas cosas abiertas al animador, y tal vez tengan una perspectiva diferente al respecto. A lo mejor querrán hacer algo loco o en lo que ni siquiera pensé porque mi cerebro no siempre funciona de esa manera. Los animadores definitivamente tienen una forma de pensar diferente y pueden traer algo de vida nueva al proyecto más adelante. Entonces aquí ya que en realidad no estoy dibujando explícitamente la transición, solo estoy mostrando cómo podemos llegar al siguiente cuadro ilustrando al personaje nadando. Si vuelvo a mirar hacia atrás en mi hoja de ideas, sí mencioné un tiro más amplio distorsionado por el agua y esa distorsión es algo que podemos agregar más adelante en el diseño. Pero tal vez sí mostramos el fondo del cigarro de los abuelos flotando porque de eso es de lo que están hablando en esta línea. En este punto del proceso, realmente no necesito preocuparme de que todo esté separado en capas separadas porque no es que alguien vaya a estar animando estos storyboards. Entonces he terminado mis bocetos en bruto aquí y solo quiero anotar un par de cosas. Desde mis ideas rudas originales que había escrito hasta los bocetos de miniaturas rugosas reales, han cambiado un par de cosas, notablemente en el marco 5 cuando vemos flotar a la mamá leyendo sobre su piña, realidad cambié que a una concha flotante porque solo creo que eso tiene una mejor silueta en la ilustración. Creo que va a ser mucho más bonito con jugar, y en realidad realmente conducirá muy bien a los cisnes en el siguiente cuadro porque tienen muchas de esas curvas orgánicas. Por lo que la siguiente fase sería tomar estas miniaturas ásperas y hacerlas cliente listas. Yo quiero que sean más digeribles. Quiero que el cliente pueda ver mejor la composición. Pero también quiero descartarles que las composiciones se pueden cambiar a través del diseño y que les podemos aplicar estos dos estilos conceptuales diferentes. Entonces esto se trata del nivel de refinamiento que se lo mostraría a un cliente. No quiero ser extremadamente detallado. Pero a veces voy a empezar realmente a divertirme con la composición aquí. Entonces si hay un cuadro del que me estoy emocionando mucho, me gusta mucho cuando estoy haciendo en el cuadro 3. Podría pasar un poco de tiempo extra ahí para que la composición se vea genial. También puedes ver aquí que no estaba súper feliz con el marco 4 en mi guión gráfico áspero. Pero cuando lo tomé y lo refiné, cambié un poco el ángulo. Le agregué un poco más de personalidad. Eso me tiene más emocionado por traer al diseño. Entonces desde aquí, en realidad voy a guardar esto como un JPEG y subirlo a mi deck de clientes en diapositivas de Google. Entonces guarde esto como un JPEG en mi escritorio. Después entro en mi tratamiento de cliente que he creado en diapositivas de Google, y ya lo he configurado con mis plantillas de storyboard. Entonces solo voy a seguir adelante y reemplazar la imagen y subir eso desde mi carpeta. Es posible que necesites hacer algunos ajustes para asegurarte de que encaja ahí adecuadamente. Entonces una vez que has subido esto, esto significa que ya tienes tus líneas V0 escritas aquí, y solo necesitamos agregar las descripciones de acción de todo. Para que el cliente pueda entender mejor lo que está sucediendo en cada fotograma. Aquí en realidad he escrito todas las descripciones, y solo quiero señalar que son muy diferentes a lo que escribí aquí en mi documento de Photoshop. Estas fueron sólo ideas ásperas muy iniciales para mí. Pero estoy teniendo cuidado extra para escribir en algo más interesante y atractivo para el cliente. También estoy describiendo cómo va a funcionar la animación y cómo vamos a cortar y transitar y potencialmente cómo se moverá cada personaje. Por lo que en el primer cuadro, abrimos en la parte posterior de nuestros niños protagonistas. Está frente a la alberca del vecindario vistiendo un tubo flotante. Él salta y el chapoteo de agua nos transita al siguiente cuadro. Para el segundo cuadro, seguimos al niño mientras se desliza bajo el agua. Encima de él, su abuelo está escribiendo un flotador de cigarros personalizado y bebiendo whisky felizmente. La descripción real que escribí aquí para el segundo fotograma no es demasiado diferente a la que en realidad escribí en mi idea aproximada. Pero sí agrego cosas, como felizmente y deslizándose sólo para que haya más de un estado de ánimo evocado a través de estas palabras. Queremos asegurarnos de que enfatizamos que la gente se está divirtiendo mientras usa floaties mcfloats floaty, y que realmente se están disfrutando y eso significa que están creando recuerdos, que es lo que el todo concepto se trata. Solo algunas cosas a tener en cuenta ya que estás trabajando en tus storyboards aquí. número 1, es que solo queremos asegurarnos de que todos nuestros storyboards sean bastante universales. Si miramos hacia atrás las direcciones visuales que hemos creado aquí, quiero asegurarme de que pueda traducir mis storyboards a esos dos estilos avanzando. Entonces si al cliente realmente le encanta el concepto A y quieren que este estilo sea realmente audaz y vectorial, quiero asegurarme de que los storyboards que he creado aquí funcionen realmente con ese estilo. Entonces el número 2, es que quieres ponerte en los zapatos de animador. Si en realidad no tienes un animador para mostrarle tus storyboards, solo trata de pensar en su proceso aquí. Entonces con mis storyboards, no quiero ponerme demasiado tonta sobre cómo van a funcionar las transiciones. Yo quiero dejar al animador un poco de espacio para jugar. También quiero asegurarme de que las transiciones sean realizables. Entonces realmente no quiero exagerar con las locas transiciones, a menos que ese sea el objeto de la paz. El tercero a tener en cuenta mientras trabajas en tus storyboards es pensar en el cliente, poniéndote en los zapatos del cliente. Entonces estoy pensando en todas estas transiciones geniales y cómo se verán los personajes, pero realmente van a estar pensando en sus floaties. Van a estar pensando en la variedad y la gama de floaties que estamos viendo aquí. También habían mencionado que son nuevos en el mundo de la animación. Entonces solo quiero asegurarme de que mis descripciones sean súper claras aquí y que estoy mostrando la acción tanto como puedan a través de mis storyboards. Así que adelante y aplica esto a tu propio proyecto aquí. Empieza realmente duro y piensa en la acción de tu storyboard general. Piensa primero en la narrativa. Entonces a partir de ahí, empieza a crear unas miniaturas ásperas. Por último, termina eso con algunos bocetos refinados y escribiendo algunas descripciones para tu cliente. A continuación, en realidad estaré tomando uno de estos marcos aquí que he creado mi guión gráfico y construirlo en un marco de estilo. 9. Cuadro de estilo: diseñar una escena: Entonces aquí te voy a guiar a través de la creación de un marco de estilo para el movimiento. No me voy a meter demasiado en la basura ardiente porque esto no se trata de ilustración. Pero sí quiero hablar un poco sobre cómo pensar en el movimiento cuando estás creando tu marco de estilo. Un marco de estilo es como una muestra visual o un snack visual para los clientes para que puedan tener un poco de idea de cómo podría verse su proyecto potencialmente cuando se incorpore a la animación. Por supuesto que no se va a mover, va a ser un cuadro fijo, pero les dará una mejor idea de adónde podría ir su proyecto. Voy a elegir el marco que más me emociona en mi guión gráfico, pero también voy a elegir una dirección de estilo que más me guste. Entonces para mí, me encantan estos dos estilos y creo que ambos serían geniales para traer a la animación. Pero me siento mucho más atraído por este estilo dibujado a mano que está hecho a mano concepto B. Me encantaron las texturas orgánicas. Tengo un poco más de flexibilidad con mis formas, y puedo ser un poco más fluida, y de verdad quiero enfatizar crear algo que te apasiona aquí porque realmente brillará en tu mazo cuando el cliente lo ve. Entonces tengo mi storyboard abierto y tengo mi Documento Brainstorming abierto en caso de que quiera referirme de nuevo a esos. Pero en realidad voy a crear un nuevo documento aquí. El estándar y la animación es crear algo que sea de 16 por nueve. Por lo que 1920 píxeles por 1080 píxeles que es pantallas estándar ojos, y por estándar que sería 72 DPI que es resolución de pantalla. Pero en realidad quiero hacer esto en 300 DPI que es resoluciones de impresión es mucho mayor resolución y se obtiene un poco más de detalle en sus píxeles. Entonces solo voy a crear este documento de 1920 por 1080 a 300 DPI y antes de hacer otra cosa, sólo voy a guardar eso para que no termine perdiendo todo mi trabajo, y la forma más fácil para mí de empezar a crear esto, es en realidad tomar mi boceto para mi guión gráfico y traerlo a mi nuevo documento, y para mí, estoy muy emocionado por trabajar en este marco de cachorro, marco número tres, solo porque creo que va a ser muy divertido ilustrar. También ocurre algún movimiento interesante con el agua aquí dentro. Todavía vemos a nuestro héroe, nuestro protagonista en el centro del cuadro, y también vemos una serie de flotantes. Por lo que estoy teniendo en cuenta al cliente no ha elegido mi marco aquí. Quiero asegurarme de que sea un momento de acción pináculo. Vemos muchos de los elementos clave de la pieza. Entonces solo copiaré ese marco de mi guión gráfico y entraré en mi documento de marco de estilo y pegaré eso ahí dentro, y solo voy a aumentar el tamaño de eso y empezar a refinar ese boceto ahí, y esto puede terminar luciendo completamente diferente a tu sketch de storyboard o podría ser realmente similar y solo quieres refinar algunos de los personajes. A lo mejor como para este marco especialmente, creo que mi personaje principal luce bastante durfee. Se ve un poco espeluznante. Tienes algunas cosas como las gafas raras que suceden. Entonces voy a arreglar eso y luego también voy a refinar un poco a los perros y exhibir el flotador es un poco más. También siento que falta algo en la parte superior del marco. Se siente como si necesitara algún elemento de marea juntos. Entonces estoy pensando que tal vez voy a agregar un sol en el fondo para especie de agregar esa calidez que el cliente está buscando. He caído en mi marco de storyboard. Pero luego encima de eso, voy a crear un nuevo grupo y nombrar ese boceto refinado, y voy a relabel mi viejo boceto en bruto, solo para mantener todo organizado y muchas veces me gusta mantener mi boceto en bruto como 10% opacidad, para que pueda ver mientras estoy trabajando, pero no está adelantando el marco. Entonces para mi personaje principal, los voy a cambiar un poco, y aquí es donde puedo meterme más en la tontería en detalle de cómo se ve cada personaje porque estoy refinando todo. Entonces ahora que tengo la composición, no tengo que preocuparme tanto de cómo se ve eso y puedo enfocarme en el detalle, y uso tanto el comando Z así que está bien si no lo haces bien la primera vez. Así que he ido adelante y limpiado algunas cosas y terminado mi boceto de refinar aquí, y he añadido un poco más de estructura al agua. He creado el sol aquí atrás como mencioné antes y creo que va a ser realmente bonito dispositivo de encuadre para toda la escena. Se tipo de atar toda la composición y permitirá algunas interacciones de color interesantes en la parte superior del marco. Por lo que hablando de color, mi siguiente paso suele ser un bloqueo de color. 10. Cuadro de estilo: añadir color y detalles: Por lo que el objetivo principal del bloqueo de color aquí es solo realmente ver cómo interactúan todos los colores. Digamos que primero creé uno de estos cachorros y los lavé por completo y agregué todo el detalle, y toda la textura, y toda la coloración, y luego me di cuenta de que quería cambiarlo por un perro azul en lugar de un perro blanco, entonces tendría que entrar y ajustar todos los detalles en los que ya he trabajado. Por lo que realmente me gusta averiguar a dónde van a ir todos mis colores antes de empezar a llenar todo el detalle extra. Desde que decidí ir con el concepto B, este estilo más dibujado a mano, en realidad voy a usar la misma paleta de colores que he agregado aquí en mi deck cliente. Entonces solo voy a arrastrar esa paleta de colores a mi archivo y es bastante masiva, así que solo voy a escalarla hacia abajo y ponerla en la esquina superior derecha. Puedo usar la herramienta cuentagotas para esto realmente fácilmente para simplemente capturar cualquier color con el que trabajo en este momento. Al igual que lo hice con mi boceto rudo, voy a poner mi boceto refinado encima de todo y bajar la opacidad a como 7% tal vez. Tan súper desmayado aquí, y esto me ayudará sólo a ver las formas generales de todo para empezar a bloquear todo lo demás. Crearé un nuevo grupo. Aquí también es donde quiero empezar a pensar en cómo estoy organizando mi archivo. Para la animación, necesitamos mantener todo muy separado y etiquetado muy claramente, porque el animador va a necesitar meterse en tu archivo y usar todas esas capas individuales en after effects o cualquier programa que estés usando. Cuando empecé a trabajar por primera vez en la industria de la animación, no me di cuenta de lo crucial que era esta parte del proyecto. Entonces muchas veces hacía todo mi fotograma, algo por lo que estaba realmente emocionado, y luego le entregábamos al animador y me daría cuenta de lo mal que había presentado mi archivo. Tenía capas extra ahí dentro que no tenían nada encima. Había aplanado algunas texturas, y me acabo de dar cuenta bastante temprano de que esto no va a ser útil de ninguna manera para el animador. Además de eso, a veces sí tuvieron que volver a mis archivos y volver a etiquetar todo y dejarlos más claros para el animador porque no hice un buen trabajo de eso desde el principio. Entonces para el bloqueo de color, solo voy a hacer una estructura de capas completamente nueva y solo nombrar ese color, y luego dentro de ahí realmente voy a empezar a romper todo de acuerdo a lo que estoy dibujando. Por lo que probablemente empiece con algunos elementos de fondo primero, y luego capa encima. Probablemente voy a elegir el color claro sólo porque el cliente quiere que esto se sienta brillante, y sumario, y nostálgico. Entonces voy a tener ese cálido hugh atar todo junto al fondo. Otra cosa a notar aquí es que quiero asegurarme de que todas mis formas estén completas, y lo que quiero decir con eso es un animador podría entrar en mi archivo y mover a uno de estos perros por ahí, y darse cuenta de que no hay información detrás del perro, o el perro solo está medio hecho, o el flotador está solo la mitad ahí, porque está siendo cubierto por agua. Quiero asegurarme de que realmente estoy dibujando completamente las formas de estos objetos, para que el animador pueda usar esta información mientras están trabajando en la animación más adelante. Aquí está mi etapa final de bloqueo de color, donde me he asegurado de que todo esté equilibrado. Tengo algunos colores claros en la parte superior y la inferior. Tenemos rojo en todas partes como acento y azul para el agua. Realmente he considerado la colocación de todos estos colores, pero también quiero mostrarles a qué me refiero asegurándome de que todo esté completo. Si partimos de la nada, podemos ver que en realidad tengo todo el sol detrás del agua. Así dicen que el animador realmente quería mostrar el sol saliendo o poniéndose, tendrían esa información extra ahí para mover el sol alrededor. Entonces a partir de ahí, tenemos el agua y los cachorros. Por lo que cada uno de esos está en sus grupos separados habrá realmente fácil de manipular y moverse. Tenemos a nuestro personaje que está en medio suelo, luego a nuestros cachorros de primer plano. Si el animador quisiera mover el flotador a través de la pantalla o quisieran que se moviera hacia arriba y hacia abajo con el agua, tendrían un poco más de información visual allí para usar en los efectos posteriores. Entonces aquí es donde el bloqueo de color avanzado realmente viene muy bien porque todo ya está ordenado y en capas correctamente, lo que será realmente fácil para mí averiguar a dónde va todo, y me aseguraré de guardar todo mis capas de detalle en el mismo grupo que las capas de bloqueo de color para que el animador pueda agarrar fácilmente esos grupos y tratarlos como un todo. En la fase de detalle, puedo empezar a agregar sombreado, puedo agregar trabajo de línea que realmente empezará a darle vida y agregar un poco de personalidad a mi pieza. Entonces como pueden ver aquí con mi ilustración detallada final, en realidad sí entré y cambié algunas cosas mientras estaba trabajando. La fase de detalle es realmente un buen momento para sentir las cosas y ver cómo funcionan los diferentes colores. Entonces obviamente puedes ver aquí realmente cambio el color de la oreja de este perro, porque solo se sentía un poco demasiado contrastando el fondo ahí. También cambié el tamaño del sol porque pensé que funcionaba mejor composicionalmente. Aquí ocurre menos de una tangente rara con el perro a la izquierda y el sol. Entonces solo ten en cuenta que no todo necesita ser perfecto. A medida que vayas puedes volver atrás fácilmente y cambiar y refinar las cosas más tarde. Desde aquí en realidad solo guardaré mi imagen como jpeg y la dejaré caer en mi deck de clientes. Mi plantilla en realidad no tiene una sección de marcos de estilo. Solo voy a duplicar esta diapositiva nueve aquí y personalizarla a mis necesidades. Simplemente lo voy a nombrar concepto ser marco de estilo. Eliminaré la paleta de colores de ella, y solo insertaré mi nuevo marco de pila. Por lo que puedo simplemente arrastrar eso fácilmente desde el buscador, esa es la belleza de las diapositivas de Google. Entonces ahora es tu turno de hacer tu propio marco de estilo y arrastrarlo a tu trato de cliente. Ahora, en el último paso que está agregando un poco de pulido a tu cubierta de tratamiento. 11. Pulir tu tratamiento: Ahora que he pasado, y he creado mis bocetos de storyboard, mis conceptos, e incluso un marco de sol. He creado algo que me gusta mucho. Pero realmente necesito asegurarme de que al cliente también le guste. Necesito presentárselo de una manera que sea fácilmente digerible y hable su proyecto y su producto. Incluso si el cliente no es realmente ir con tu idea original o quieren que vayas con una nueva dirección o marco de nuevo estilo, al menos la presentación se presentó de manera profesional y has construido un poco de una relación de confianza entre usted y el cliente. Entonces lo primero es lo primero, necesito asegurarme de que incluya el nombre del proyecto y una descripción del mismo e incluso la fecha en la primera página solo para que todo se ponga en el contexto correcto. Sólo voy a nombrar a este Custom Floaties-Conceptos porque esa es la primera fase del proyecto solo quiero identificar dónde estamos en la etapa del proyecto. De verdad me gusta agregar la fecha porque eso le dará el contexto del proyecto. Si el cliente se da cuenta que querían algo de una baraja anterior solo pueden decir: “Esa baraja que me fijaste el 2 de mayo, me gustó mucho lo que tenías ahí y me encanta incluir eso en nuestro proyecto”. En la segunda página siempre me gusta tener esa pagina hola y solo una descripción de lo que vamos a estar mostrando al cliente en la baraja. También como puedes ver en muchas páginas, he agregado esta cajita en la parte inferior izquierda que dice el nombre del cliente, así que solo quiero asegurarme de que está en todas partes porque realmente no me gustaría estar enviándolos algo que sólo dice nombre del cliente la parte inferior izquierda. Sólo puedo leerte lo que escribí aquí solo para darte una mejor idea de lo que le estaré diciendo al cliente. Empieza con: “Muchas gracias por pensar en mí por esta maravillosa oportunidad. Estoy súper emocionado de ser parte del proceso de animación para Floaty McFloats nueva campaña de floaties personalizadas”. En las siguientes páginas hay algunas referencias, conceptos y exploraciones visuales de cómo planeo acercarme a crear una narrativa que mejor hable con tu marca. También he incluido un conjunto de storyboards iniciales para ayudar a visualizar cómo me imagino que el guión cobra vida. Ya sea que optemos por ir con cuencos, formas blocky o enfoque más elegante, mi diseño tomará en consideración una amplia gama de posibilidades de narración de cuentos. Crear esta página hola en realidad es algo que aprendí en uno de los primeros lugares en los que trabajé. Siempre que creábamos mazos de pitch para clientes, solo queríamos expresar nuestra emoción por un proyecto. Simplemente hacerles saber que estoy pensando en el futuro. los conceptos visuales, Sobrelos conceptos visuales, lo grandioso de tener aquí estas descripciones es que pondrá el estilo visual que he proporcionado en contextos de sus proyectos. Entonces para el concepto A dije: “A través de esta audaz dirección visual, me afinaré en la peculiarización y la diversión de tu guión. Cada momento en el guión gráfico será exagerado y ampliado. Las formas gráficas se tragarán la pantalla e hipnotizarán al espectador mientras seguimos las flotaciones de la piscina en su viaje. Si bien el estilo será más gráfico y elegante, los personajes todavía se sentirán sorprendentes y memorables. Los colores estarán teñidos con un verde nostálgico”. El concepto B Made by Hand dice: “El segundo concepto visual se centraría en uno de los elementos clave de tu marca: la nostalgia. Nada se siente más nostálgico que algo dibujado a mano. Hade by Hand estará plagado de textura y encantadores personajes ilustrados. Este tratamiento cobrará vida a través de la animación celular cuadro por cuadro agregando aún más a la sensación hecha a mano”. Como puedes ver aquí, en realidad me metí un poco sobre animación y cómo eso se sumará al estilo visual. También puedo agregar un par de adjetivos para explicar brevemente los tableros de humor. Entonces mientras están mirando estos tableros de humor, realidad verán quizás tres adjetivos aquí abajo en la parte inferior que describen ese estilo. En lugar de simplemente leer ese párrafo completo que escribí, hay una descripción un poco más sucinta abajo. Entonces para el concepto A, puedo decir que sus pliegues, peculiares, y gráficos. Para el concepto B, puedo ampliar sobre lo que dije en la descripción y decir que es fluido, hecho a mano, y nostálgico. También es realmente genial que el cliente mire en referencia ya que están mirando los visuales, pueden ver lo que he escrito y los visuales juntos a la vez. Antes de que el cliente realmente vea un guión gráfico, es agradable tener un poco de blurb sobre animaciones que puedan pensar en eso ya que están leyendo y digiriendo a través de mi guión gráfico. Especialmente para este cliente Floaty McFloat, expresaron que son nuevos en el mundo de la animación. Entonces solo quiero dar una descripción más minuciosa de lo que va a estar pasando. A lo mejor el storyboard no es suficiente, a lo mejor quieren escuchar más sobre el proceso real o quieren escuchar más sobre el tipo de animación que estaré usando, y si se trata de animación celular o animación después de efectos, esta página aquí es donde puedo ampliar un poco sobre eso. Una nota sobre animación. Independientemente del concepto visual que elijas, la animación final de esta pieza fluirá sin problemas, recordando el agua fría que circula en una piscina. Será animado a mano, lo que le dará un poco de sensación táctil. En las siguientes páginas, encontrarás un guión gráfico y una referencia de animación. Si bien el guión gráfico retrata conceptos e ideas generales, no es una representación precisa de cómo se verán los diseños finales. En la fase de diseño después de elegir un estilo, volveré a entrar y darle vida a cada cuadro a través del refinamiento en detalle. Entonces ahora que le he dado al cliente un descargo de responsabilidad con una pequeña nota sobre animación antes del guión gráfico, pueden mirar el guión gráfico con nuevos ojos y entender cómo va a funcionar el proceso después de esto. Entonces después de que el cliente haya ajustado el guión gráfico y en realidad han visto todas las direcciones visuales que planeamos tomar este proyecto o potencialmente puedes tomar este proyecto, también me gusta terminar con un poco de referencia de animación página. Yo sí siento que si un cliente ve una animación que realmente le gusta al principio, podría agarrarla y luego comparar toda la dirección visual que les he dado a esa animación. Terminé yendo con dos direcciones diferentes para mi referencia de animación, y elegí una que se sentía como un estilo vectorial más audaz que tengo para mi concepto A, y elegí una segunda que tiene más de una orgánica hecha a mano se siente como concepto B. Para la película de lanzamiento de Goldi digo, esta pieza tonta tiene más sensación vectorial, recuerda a nuestro concepto A. Mientras el estilo es refinado, el personaje que actúa en situaciones tontas trae una historia a la tierra. La menor velocidad de fotogramas también ayuda. Está apuntando al aspecto real de la animación aquí. Por lo que para el segundo, los actos aleatorios de animación de amabilidad, digo que esta narrativa emocional incorpora una sensación muy agradable, estepa hecha a mano que se emparejaría muy bien con la constante B. Esta última página es realmente solo una nota personal de despedida. Quiero decirle al cliente que sigo pensando en ellos y estoy emocionado de seguir adelante con esto sin importar cuál sea su retroalimentación. todo, estoy extasiado de sumergirme en el diseño en esta narrativa peculiar para tu equipo. Me encanta colaborar con marcas únicas como la tuya para elaborar la receta perfecta de nostalgia, humor, y carácter. Me encanta crear algo memorable para tu marca que la gente no puede dejar de ver. No puedo esperar a escuchar lo que piensas. Tan sólo una firma final aquí, solo me gustaría tener una página de agradecimiento y no vi que el cliente tuviera una página de agradecimiento en su mazo. Por lo que es realmente agradable espejar eso aquí. Para personalizarlo un poco, creo que sería bueno agregar una de mis fotos de referencia aquí solo como personalización, solo recuérdales que estoy haciendo esto para ellos otra vez. Una vez que termine de agregar todo lo que quiero agregar y me he asegurado de que todos mis tableros de humor estén ahí, todos mis storyboards, y todas mis descripciones visuales están ahí, me gusta asegurarme de que todo esté centrado y todo sólo se ve bien y muy cohesivo en general. He incluido esta plantilla de proyecto en los recursos de clase para que puedas abrirla y duplicarla y usarla por ti mismo. Esto es realmente sólo un esqueleto de huesos desnudos de algo en lo que puedes hacer tuyo e infundir tu propia personalidad. Entonces en este punto, me siento muy bien con este trato al cliente y estoy listo para enviárselo a mi cliente, Floaty McFloat. 12. Reflexiones finales: De acuerdo, así que aquí estamos, hemos terminado nuestro proyecto, y hemos pasado por todos los pasos de conseguir un informe de cliente, descifrarlo, lluvia de ideas, crear tableros de humor, hacer bocetos, crear storyboards, y hacer un marco de estilo . Lo hemos juntado todo en una baraja de clientes que es fácilmente digerible. Esto es algo que funciona muy bien para mí y mis clientes en mis proyectos de animación a lo largo de los años. Pero quizá quieras tomar algo que has aprendido aquí y aplicarlo de una manera diferente a tu propio proyecto. Esto es realmente solo crear un marco para que puedas configurar tus proyectos creativos para el éxito. Por lo que espero que tomar esta clase te haya dado la confianza para abordar cualquier proyecto creativo. Si has estado siguiendo junto con tu propio proyecto, por favor comparte eso en la galería de proyectos, me encantaría ver qué haces. Muchas gracias por tomar esta clase. Feliz planeación creativa. 13. Explora más clases en Skillshare: [ MÚSICA].