Diseña personajes para animaciones usando Adobe Photoshop

1. Avance de la clase: Ilustrar personajes es una de las partes sobresalientes de mi trabajo como diseñador para la animación. [ MÚSICA] Bueno a menudo esencial para la narración de cuentos y fines de demostración, personajes también pueden agregar un montón de encanto a una animación. Como ilustradores, tenemos la capacidad única de inventar historias de hechos extravagantes, empujar proporciones corporales, o incluso inventar a un personaje de una manzana podrida o de un diente desencarnado. Oye, tú. Soy Sarah Beth, y soy directora de animación, ilustradora y diseñadora. He dirigido comerciales animados para empresas como Bath and Body Works y Facebook, y recientemente incluso dirigí mi propio rodaje de animación para estreno en festivales de cine de todo el mundo. Me encanta infundir proporciones abstractas únicas y rasgos de personalidad inesperados a mis personajes. Desde trabajar en estudios de movimiento como Scholar y Oddfellows hasta ahora dirigir con Hornet, especialmente he tenido la maravillosa oportunidad explorar el diseño de personajes. Bueno, yo mismo no animo personalmente en proyectos, estoy constantemente liderando grandes equipos de diseñadores y animadores que dan vida a las ilustraciones fijas. Yo principalmente diseño webs de estilo en Photoshop al inicio de los proyectos, y luego paso mis archivos de ilustración a animadores talentosos. Pero para pasar estos diseños con facilidad, siempre es mejor considerar el proceso completo de animación. En esta clase, vamos a repasar exclusivamente el proceso previo al movimiento de diseñar personajes para animación. Primero te presentaré el mundo de los personajes en movimiento, destacando personajes animados celulares así como personajes amañados. Discutiremos cómo se pueden usar los personajes para apoyar la narración animada. También comenzaré a guiarte por las múltiples etapas de construir tu propio personaje bidimensional en Photoshop desde la historia de fondo hasta el boceto hasta el diseño completo. Te guiaré a través de la proporción, posando, y más. La mejor parte es escucharemos de un animador talentoso, mi esposo, Tyler [Risas] quien le brindará algunos consejos y trucos en el camino. Tan cool. Bueno, sin más preámbulos, hagamos un personaje juntos, pero ojalá no éste. [ MÚSICA] 2. Proyecto de la clase y materiales: [ MÚSICA] En esta clase, estaremos trabajando juntos en un proyecto, diseñando nuestra propia viñeta de carácter único. Este será solo el diseño y nos acercaremos a este proyecto como si tuviéramos un animador para pasarlo como hacen la mayoría de los diseñadores de personajes en la industria del movimiento profesional. La forma en que siempre me he acercado a los proyectos es con una mentalidad de estudio. Siempre siento que me prepara para el mundo real, clientes reales, proyectos reales pagados. Incluso si estoy trabajando en un proyecto de pasión, tiendo a configurar mis proyectos de la misma manera mis profesionales porque honestamente sólo me mantiene organizado. Con eso dicho, hoy estaremos sumergiéndonos en un breve cliente ficcionalizado para estructurar esta clase. Nuestro cliente es una tienda de regalos IRL llamada The Gift Stop. Te buscan a ti y a varios otros artistas para crear publicaciones cuadradas en redes sociales que muestren sus increíbles clientes y productos. También mencionaron que pasarán tu diseño a un animador de personajes, qué conveniente, por lo que tu diseño necesita estar configurado para eso. No te preocupes, entraremos en lo que realmente dice el breve con más detalle un poco más tarde. Ahora, para abordar este breve, obviamente estaremos creando un personaje desde cero. Te guiaré a través de mi proceso de creación de mi propio personaje y podrás seguirme junto a mí y crear el tuyo propio. Al final, ambos tendremos un personaje divertido, único para usar en nuestras carteras o en las redes sociales o donde quieras ponerlo. lo largo de toda la clase, repasaremos conceptuando, dibujando, posando, tomando una foto de referencia, agregando color en detalle, y sobre todo cómo configurar a tu personaje para la animación. Si estás teniendo problemas para llegar a tu propio personaje, también he proporcionado esta lista de mensajes handy-dandy que puedes encontrar en el folleto de clase descargable, que está en los recursos del proyecto a continuación. Este folleto de clase también incluye una visión general de la clase y tiene consejos y trucos adicionales. Si estás planeando seguir junto con el proyecto, asegúrate de abrir Photoshop y prepárate. Yo personalmente uso un Wacom Cintiq para dibujar, pero una tableta también funcionará. [ MÚSICA] También eres más que bienvenido a usar Illustrator o Procreate. Pero no voy a repasar ningún consejo específico para esos programas en particular porque estaré usando Photoshop. También podrías bosquejar potencialmente en papel y luego tomar una foto de tu boceto y terminarlo en Photoshop. Por lo que hay un montón de opciones. No te preocupes demasiado si tienes herramientas diferentes a las que yo hago, todo va a terminar igual. En esa nota, sé que muchos animadores prefieren los archivos de Illustrator y puede que te confundas en cuanto a por qué estoy usando Photoshop. Personalmente encuentro que como diseñador, Photoshop es mucho más liberador para bocetos y agregando texturas. También personalmente acabo de aprender Photoshop primero, así que eso es en lo que está mi experiencia y eso es en lo que me siento más cómodo compartir contigo. Todos trabajan de manera diferente y solo estoy compartiendo mi propio proceso. Por último, si quieres sacar el máximo provecho de esta clase, te animaría a que te involucres con otros estudiantes y con la comunidad aquí en Skillshare. Puedes invitar a tus amigos a que lo lleven contigo, hacerte preguntas entre sí, colaborar, tal vez podrías comentar proyectos de otros estudiantes para ayudar a mejorar el trabajo del otro. Como siempre, [MÚSICA] por favor publique en la pestaña de discusiones a continuación si tienes alguna pregunta para mí mientras estás pasando por la clase. Estoy bastante activo aquí en Skillshare, así que probablemente responda rápidamente. [ MÚSICA] 3. Introducción a los personajes en movimiento: [ MÚSICA] En este video, nos sumergiremos en losaspectos conceptuales y técnicosbásicos aspectos conceptuales y técnicos del diseño de personajes para su promoción. Estaré ayudando a responder preguntas como, ¿qué contribuye un personaje a una narrativa? ¿ O cómo configuro mi archivo de diseño de personajes para el proceso de animación? Gran parte del conocimiento sobre los personajes que he recopilado ha estado en el trabajo de Motion Studios. No hay una forma correcta empezar a diseñar un personaje. Hay un sinfín de posibilidades. Si bien muchos otros animadores y diseñadores pueden hacer las cosas de cierta manera, te guiaré a través mi proceso de diseño de personajes personales. Nos centraremos en el diseño real de personajes desde cero. Esto involucra muchas cosas, incluyendo la base de concepción y la historia de fondo del personaje. No estarás haciendo nada tú mismo en este video de introducción en particular, pero siéntete libre de tomar notas o dejar preguntas en la pestaña Discusiones. Esto es cosas importantes que debes saber antes empezar con bocetos. Os estaré presentando los fundamentos del diseño de personajes para el movimiento, sentando las bases para nuestro proyecto cliente. Primero te presentaré diferentes formas en las que puedes usar personajes para apoyar la narración animada, mirando ejemplos de diferentes tipos de personajes. Hablaremos de usar After Effects versus cel, conceptuar, tomar tus propias fotos de referencia, bosquejar y abstraer. Al final del video, incluso abriré algunos de mis propios archivos de personajes organizados para que los vean. Pero antes de que nos metamos en el nity-gritty de los personajes, por eso todos están aquí, quiero sumergirme en un poquito de mi propia historia de fondo para darte un poco de contexto, qué experiencia tengo y por qué estoy calificado para impartir esta clase. Bueno, siempre me ha interesado dibujar a la gente. Comenzó con esto y luego personajes de manga y anime cuando estaba en la escuela primaria y poco a poco progresaba desde allí. Después de graduarme del Savannah College of Art and Design con licenciatura en Motion Media Design, comencé mi primer trabajo fuera de Motion Studio llamado Scholar en Los Ángeles. Fue ahí donde realmente empecé a mudarme a la mía con el diseño de personajes. De hecho, aquí puedes ver algunos de mis primeros diseños de personajes creados en Scholar. Estaba tan frustrada cuando dibujé esto. Realmente estaba luchando tanto con la proporción y la iluminación, etcétera, sólo con todo, pero me empujé a través. Hacia el final de mi tiempo en Scholar, estaba consiguiendo un mejor agarre en proporción y creando diseños de personajes encantadores. Aquí hay uno de una serie de spots I art dirigidos para Nexium antes de irme. Este fue animado por Chris Anderson. Necesito avivar aquí que no animo a mis propios personajes. Entiendo los procesos de After Effects y la animación cel a nivel profesional, pero lo dejo al equipo de animación para dar vida a mis diseños. Por lo que todo lo que ves en esta presentación ha sido animado por otro miembro del equipo. En realidad verás todos estos créditos a lo largo del video. Después de Scholar, me mudé mi tiempo en el Motion Studio Oddfellows, donde progresaron mis habilidades de diseño y dirección. Tuve la oportunidad de trabajar en toneladas de diferentes estilos y variedad de personajes para clientes como Adobe, Google, Airbnb, Capital One y más. Aquí tienes algo de mi trabajo colectivo hoy como director e ilustrador freelance. He diseñado en una amplia gama de estilos como se puede ver. cuanto al proceso, principalmente trabajo en Photoshop y paso mis archivos de Photoshop a los animadores. Soy consciente de que los animadores de After Effects a veces prefieren los archivos de Illustrator, pero personalmente nunca me he topado con un problema con esto en mi proceso. Creo que lo más importante que podemos hacer aquí como promoción de diseñadores, es crear personajes decididos e intrigantes que respondan a un cliente o las narrativas preguntan. Si bien siempre enfatizo la importancia de limpiar archivos funcionales para entregar al animador, mi trabajo se trata menos de apaciguar al animador y más conseguir que los personajes se vean bien para el proyecto y cliente. Ten esto en cuenta mientras trabajas en tu personaje. Ahora que hemos llegado a conocernos un poco, comencemos con las cosas para las que todos están aquí. Ahora, ¿qué es exactamente un personaje? Por cursi que sea, veamos cuál es la definición clásica dictionary.com de un personaje. El agregado de características y rasgos que forman la naturaleza individual de alguna persona o cosa. Tengo que decir que dictionary.com no está mal, pero esta definición es la definición más básica y no se refiere a ninguna situación específica. Realmente es sólo un poco difícil de leer. Me costó mucho tratar de entender lo que significaba. Probemos con algunas palabras diferentes, mis propias palabras. En el contexto del movimiento, personalmente digo que un personaje es una personalidad viva o animada que se crea para evocar un mensaje significativo. Un personaje podría ser un padre humano despeinado corriendo a una escuela primaria para recoger a su hija en un comercial de alquiler de autos. Por el contrario, un personaje también podría ser una bolsa deprimida de papas fritas con cara en ella, sentado solo en la despensa de la cocina. [ Risas] La verdadera pregunta es, ¿qué aporta un personaje a una pieza? En la animación, las marcas usan personajes para un propósito, para dar vida a su declaración de misión. Los utilizan para humanizar y moler su producto u otro objetivo. Los personajes agregan relatabilidad, a la gente le gusta verse en comerciales o cortometrajes, agregan un significado atractivo y entrañable a una narrativa. echa un vistazo a esta pieza de Oddfellows donde literalmente toman un verdadero testimonio de un cliente y dan vida a sus palabras a través de un personaje tonto. América ama Prego, pero no tomes nuestra palabra por ello, toma Treyes3s. Es literalmente la mejor salsa de la historia. Lo bebería si fuera socialmente aceptable. Ve con una salsa que amora a América, ve Prego. Como se puede ver, el personaje realmente trae mucho a la mesa literal. Hace que Prego parezca divertido y tentador, pesar de que literalmente solo venden salsas básicas de tomate. Vemos que los personajes usan una y otra vez para reforzar las marcas y darles vida. Una forma popular de esto es en realidad tomar la marca y convertirla en un personaje mismo. Esa marca se vuelve indistinguible de una personalidad como el GEICO Gecko o tus clásicos M&M's. La mayoría de las personas asocian enteramente a Geico con un gecko ahora. A veces incluso se imaginan comer M&M con rostros pequeños en ellos, lo que en realidad es bastante inquietante. Piénsalo. Antes del gecko, realmente no había nada emocionante por ahí sobre las aseguradoras. Eran aburridos. El personaje gecko trajo la complicada aburrida idea del seguro a la Tierra y hizo que los espectadores quisieran interactuar con la marca. Geico se volvió muy memorable. Además de que las marcas se conviertan en personajes, existe el uso más común de los personajes como refuerzo. Estas cifras en realidad no encarnan las cualidades de las marcas, solo ayudan a contar una historia o transmitir sobre la misión de la marca, como lo que vimos en ese Prego anuncio una pareja de hace minutos. Aquí hay otro que consigue ese punto bastante bien para Etsy. Estos tontos personajes están reforzando el mensaje de crear y comprar en Etsy para el Día de San Valentín. [ MÚSICA] Ahora, sé que no todo se trata de publicidad, por lo que si tuvieras que aplicar estos dos tipos diferentes de personajes a la narración de cuentos, se puede decir que un personaje realmente encarna la concepto general de tu narrativa, o los personajes son elementos de apoyo que ayudan a retratar esa narrativa. Como se puede ver en algunos de los ejemplos que he mostrado, no todos los personajes tienen que ser humanos o implicar proporciones parecidas al ser humano, así que, ¿cuándo y cómo decides usar un personaje no humano? Al igual que con todas las preguntas que propongo aquí, mi respuesta es sencilla. Hágalo cuando conceptualmente tenga sentido. Todo depende realmente de ti o del objetivo del cliente. Esta primera pequeña animación a la izquierda fue un personaje que creé para encarnar la emoción de la ansiedad creativa. Tenía sentido conceptual para mí crear un carácter garabloso, tambaleante, pero neutral para esto. Si hubiera usado aquí un personaje humano, no creo que realmente se lea como la emoción de la ansiedad per se. El personaje de la derecha es de la campaña de animación Seed Matters de Buck. El objetivo de la organización sin fines de lucro es aumentar el rendimiento y variedad de semillas orgánicas en las fincas. Naturalmente, tenía sentido tener una semilla orgánica real diciéndole al espectador la cola desde su perspectiva. Esto ayudó a conmemorar una historia atractiva que el espectador recordaría. Podría hablar del propósito conceptual de los personajes todo el día. Incluso podría entrar en el desarrollo de personajes para narrativa escrita, TV, cortometrajes y así sucesivamente. Pero ahora estás aquí porque tienes algún interés en los personajes para la animación y el movimiento. Desde que me especializé en animación comercial, voy a hablar con mi propia experiencia en esa avenida. distinción más importante en la animación de caracteres 2D en mi experiencia ha sido entre After Effects y la animación cel o fotograma a fotograma. También hay personajes animados 3D, pero eso está totalmente fuera de mi almacén, así que voy a fingir que esos no existen por ahora. Animar personajes en After Effects es drásticamente diferente a los personajes animados cel. Te explicaré la diferencia ahora. Los personajes de After Effects suelen ser amañados para la animación, como puedes ver aquí en estos ejemplos. Si no estás seguro de qué es el aparejo, no te preocupes, no estás solo. Es bastante técnico. Esencialmente significa que estás configurando una armadura o esqueleto de trabajo para animar el diseño del personaje. El animador tiene que tomar tu diseño, romperlo miembro por extremidad, incluso articulación por articulación, y luego conectarlo o emparejar todas esas piezas juntas para que reaccionen entre sí movimiento de. Esta configuración lleva algún tiempo, pero le da al animador el control total del personaje una vez que la plataforma esté configurada correctamente. El inconveniente de los personajes de aparejo y After Effects es que hay menos movimiento fluido. Técnicamente no serías capaz de dar vuelta completamente a un personaje usando una plataforma ya que aún vive en un plano 2D. No serías capaz de tener un swoop de personajes y hacer un gran cambio de perspectiva o conducir una transición, etcétera Yo diría que la animación de personajes After Effects es más accesible a las masas aunque, como marco a cuadro animación requiere mucho dibujo y entrenamiento. animación After Effects en el reverso, no requiere necesariamente que el animador sea bueno en el dibujo. La animación Frame by frame se llama cel-animation, porque los animadores tradicionales solían tener que dibujar cada fotograma en una hoja transparente de celuloide. Cel es básicamente sólo una abreviatura para la animación dibujada a mano. Se necesita mucha práctica y muchas escuelas de arte tienen títulos en animación 2D tradicional en las que puedes participar. Es tan loco como suena literalmente. Esencialmente el animador cel tomará tu diseño de personaje y literalmente dibujará cada versión de cada fotograma que veas en pantalla reposándose a medida que van. Existen programas utilizados hoy en día como TVPaint y Adobe Animate que facilitan este proceso. Pero todavía suele tardar mucho más y es más laborioso. También puede ser más difícil abordar los comentarios de los clientes ya que tendrás que volver a dibujar todo. El alza es que los resultados pueden ser absolutamente impresionantes. Si tú o alguien en tu equipo es un gran animador cel, realmente tienes posibilidades ilimitadas. El único limitante es tu mano y las necesidades del cliente. Como probablemente se puede decir de toda esta información es que, la forma en que algo va a ser animado puede afectar en realidad la forma en que diseñas bastante. Si fueras a diseñar un personaje para aparejar y After Effects, tendrías que ser mucho más técnico con cómo estás rompiendo a tu personaje y etiquetando tus capas. Te gustaría asegurarte de que cosas como la parte superior del brazo y el antebrazo estén en diferentes capas etiquetadas, probablemente necesitarías incluir juntas redondeadas para hacer que el aparejo se vea menos obvio. Es posible que necesites crear diferentes versiones del personaje para diferentes aparejos. Tu trabajo como diseñador para cel-animation podría ser esbozar un personaje en diferentes poses o crear una hoja de cambio de personaje para que el animador entienda todas sus proporciones y ángulos. También es posible que necesites ilustrar diferentes poses clave en la animación, por lo que el animador sabe dibujar al personaje para diferentes acciones o perspectivas. Aquí tienes una lista de las cosas que harías para que tu archivo esté listo para After Effects en cel-animation. Ahora voy a repasar esto mucho más en detalle al final de la clase después de que en realidad hayamos terminado nuestro diseño de personajes. Pero aquí hay una pequeña hoja de trampas para que los mires con anticipación. Aquí hay un ejemplo de cómo podría verse un cambio de personaje. Este es un giro muy aplanado, muy básico de carácter que hice para un proyecto. Como pueden ver, también la tengo en un atuendo diferente porque eso podría afectar la forma en que se mueve. Pero si estás trabajando en un personaje animado cel más tradicional o una película narrativa, es posible que te pidan algo más detallado como este, donde puedes ver más ángulos de la carácter, se puede ver más del volumen, más del sombreado e iluminación. Todo esto por decir, es por eso que siempre enfatizo comunicarme con tu animador desde el principio. Abordar todas estas inquietudes puede no siempre ser posible si el equipo de animación comienza después del equipo de diseño para un proyecto específico. Pero hay formas de resolver esto desde el principio, hablar con tu productor o director de arte y preguntar si necesitas configurar el personaje para el aparejo o si necesitas diseñar el cambio de personaje para el animador cel. No hace daño hacer preguntas y ahorrará mucho tiempo y esfuerzo al equipo más adelante en la fase de animación. Obviamente si eres el animador y estás animando tu propio diseño, probablemente deberías pensar en tu técnica antes de diseñar tu personaje. Asegúrate de tener las capacidades para animar a tu personaje de la manera que quieras. Dicho esto, no quiero meterme demasiado en las malas hierbas de cómo aplicar realmente estas ediciones hasta más adelante en la clase. Pero quiero que estén al tanto de ellos desde el principio. Ahora es el momento de realmente salir de esta presentación por un segundo caliente y abrir Photoshop y sumergirse en algunos de mis archivos de personajes. Este primero que vamos a mirar es un personaje animado cel. [ MÚSICA] Eso fue animado por Tyler Morgan, quien vamos a estar hablando en pocos minutos, y diseñado por mí mismo, también animado por algunas otras personas increíbles en Oddfellows como Josh Parker y Kavan Magsoodi. Pero lo que quería mostrarte aquí es que sólo hay tantas poses diferentes en las que vemos a ese personaje. Ya que todo es tan rápido y rápido, tal vez sería un dolor de cabeza tratar de aparejar cada pose. que básicamente solo significa que tendrías ponerlos a todos, extremidad por extremidad y animarlos como un títere, así que decidimos hacer esto en cel-animation. Tengo algunos archivos de ejemplo diferentes aquí del personaje. Solo quería mostrarte muy rápido cómo se configuraría eso. Siempre separo la cabeza y los brazos y todo eso, sólo para que el animador tenga eso para trabajar. Si bien es posible que no necesariamente lo usen, será realmente útil si tienen que ir más tarde y agregar textura y cosas. Por ejemplo, toda esta textura, probablemente no etiquetada un 100 por ciento, como me gustaría que fuera. Este es un viejo archivo. Siempre me gusta mantener estas capas de textura separadas. Todos los detalles y todo en caso de que el animador necesite entrar y agarrar esa textura para mapear sobre el personaje. Entonces porque tenemos este personaje y un montón de poses diferentes, va a ser una cabeza diferente para cada personaje, un brazo diferente, un ángulo diferente, una perspectiva diferente. Todo se ha roto de manera diferente. Entonces lo otro importante que quería mostrarte aquí fue, como se puede ver en el video al final vemos al personaje pasar por todas estas diferentes perspectivas y poses cuando ella está volando a través de este campo de papel. Para que el animador del personaje realmente dé vida a través de cel, necesitan ver todas las poses diferentes. Entonces tenemos aquí a nuestro personaje principal, pero luego están todas estas diferentes poses que se dibujaron con el fin de mostrar cómo el personaje se moverá a lo largo de la animación. Tenemos a todos los de aquí para que el animador pueda dibujarlos con éxito mientras avanza. Ahora esto es en realidad probablemente más trabajo del que tendrías que hacer. Muchas veces el animador del personaje lo resolverá ellos mismos. Pero si quieres que tu personaje se mantenga realmente preciso, vas a querer realmente dibujar las poses para ellos, porque no quieres que se equivoquen las proporciones ni nada por el estilo. El segundo que quería mostrarte era una animación de personajes de After Effects. [ MUSICA] ¿Qué es la acidez estomacal? La acidez estomacal es una incómoda sensación de ardor en el pecho o la garganta. Ocurre cuando el ácido estomacal se levanta del estómago e irrita el esófago. Esto puede ser tan irritante como los dedos por una pizarra donde esos dedos están en llamas, y la pizarra es en realidad tu esófago. acidez estomacal frecuente es la acidez estomacal que ocurre más de dos veces por semana o más de cuatro veces en una quincena si eres británico. Conoce más sobre la acidez estomacal en la página de YouTube de Nexium 24HR. Como se puede ver, hay diferentes poses para este personaje, pero hay mucho más mínimas y la propia personalidad es más robótica, diría yo. animación de personajes After Effects no siempre es igual a robótica. Pero se puede decir que los pies están fuera de ángulo con los pantalones, y creo que éste fue animado un poco más rápido, así que no fue tan refinado. Pero se puede ver que todo se hace más con marcos clave en lugar de dibujado marco por fotograma. Lo que quiero decir con eso es After Effects aparejo, que es una herramienta muy útil. Teníamos básicamente dos poses para este personaje. Tuvimos la pose caminando al principio y la pose push-in donde miramos su esófago, donde la cámara se acerca a ella. Se puede ver todo esto, el personaje tiene texturas y todo. Pero debido a que sé que esto se iba a romper articulación por articulación, necesitaba asegurarme de que el antebrazo estaba separado del codo y la parte superior del brazo estaba detrás de la camisa y tal vez los flequillo están incluso separados para que la animadora pueda animar su cabello moviéndose alrededor. Sólo hay muchos elementos. Entonces otra cosa que querrías tener en cuenta es que si están haciendo un ciclo de caminata como este, querrías separar las piernas para que al apagar la pierna delantera, aún puedas ver el pierna trasera. No se quiere simplemente dibujarlo para que no esté ahí detrás de él. Pero así es más o menos como configurarías tu personaje para la animación After Effects. Te gustaría ser realmente preciso al nombrar cada capa única, que es lo que he hecho aquí, a diferencia de la cel-animación que en realidad no me hice demasiado precisa con toda mi capa nomenclatura porque el animador probablemente no usará tanto mi archivo. Simplemente lo estarán rastreando. Pero aquí queremos que las cejas se etiqueten y los ojos y las diferentes partes de la cabeza. Lo mismo ocurre con esta otra versión de la chica. Todo está etiquetado correctamente, tiene recorte texturas enmascaradas. Las texturas están todas separadas, por lo que si el animador quiere quitarse la textura y redibujarse o animarla ellos mismos, tienen la capacidad de hacer eso. Básicamente, solo quieres que sean capaces de romper todo lo que necesiten y utilizarlo a su favor. Ahora que he mostrado cómo se configuran mis propios archivos de personajes y tienes un conocimiento de trabajo de los fundamentos de los personajes. Hagamos una charla con un animador profesional sobre su propio proceso también. [ MÚSICA] 4. Consejos de un animador, parte 1: [ MÚSICA] Nuestro invitado animador especial no es otro que Tyler Morgan [RISAS]. Se puede pensar que sólo estoy hablando porque es mi marido, pero no, en serio, es increíble en lo que hace. La animación de personajes es solo uno de sus muchos conocimientos. primer lugar, hace la animación celular y Photoshop usando una tableta Wacom Cintiq que es lo que yo también uso. También sabe animar personajes tras efectos. Qué mejor persona para charlar sobre todas tus preguntas de animación de personajes candentes. [ MÚSICA]. Hola, ¿cuál es tu nombre? [ Risas]. [ inaudible] [Risas] tan cool. Soy animadora, así que entra como Tyler bajo el proyecto después de ser abordado por el director y típicamente tomo activos de los diseñadores y los haré pasar para convertir el diseño original y los tableros en video. Normalmente animo y vendo animación o frame by frame. Si es necesario, hago después de efectos animación de personajes también. Con sell, estás literalmente dibujando cada marco normalmente se ve más natural. Hace mucho más tiempo y ahí es donde la animación de personajes de secuelas brilla es para líneas de tiempo de presupuesto con todas las cosas con después efectos animación de personajes que no puedes pero yo prefiero encuadro-por-marco, personalmente. [ MÚSICA] Puede que dependa en gran medida de los proyectos, estudio en todas partes tiene un proceso diferente. En ocasiones trajiste antes proyecto propio para ayudar a bordo en cuyo caso tendrías relación moral con los diseñadores medida que se crean las cosas. A veces te traen cuando el diseño está completamente terminado y ni siquiera estarás hablando con diseñadores. Sólo se te entregarán los expedientes y te indicarán que lo hagan moverse de esta manera. Si tengo la oportunidad de comunicarme con el diseñador como está sucediendo el diseño, ese es el mejor de los casos porque entonces puedo pedir un especifico. Retransmisión de mis propias preferencias cuando se trata de entrega de archivos, sugiriendo poses o composiciones para crear animación dinámica o crear animación más fácil dependiendo de la línea de tiempo. ¿ Qué quiere el cliente? ¿ Cuáles son nuestras limitaciones? Esto es lo que puedo hacer en animación y eso puede ayudar a informar diseño. mejor hay un arbusto frente a un personaje, de ahí ya que el diseñador tenía prisa, ese personaje no tiene piernas si apago la capa de arbusto. A lo mejor el personaje y el diseño está mirando a cámara, pero necesito dar la vuelta y pasear o agarrar algo fuera de un estante. No necesariamente sé cómo se ve esa información. Idealmente, hay un diseñador que creó un cambio o dibujó un activo extra, está en un archivo separado de como, “Oh, bueno, ¿así es como se ve la mano?” A pesar de que está fuera de marco en este momento, pero lo necesitaremos para entrar en marco [MÚSICA]. Archivo sabio y estructura, diría yo, no. Idealmente, el archivo está organizado con diferentes estructuras de carpetas, con las capas. Todo se nombra, nada se aplana, ya se trate de texturas, trabajo de línea para llenar todo en diferentes capas y etiquetado si es posible. A veces no hay tiempo para eso cuando se está entregando, pero luego solo se reduce a hacer más trabajo para el animador. En cualquiera de los casos para vender o después de efectos, se bajará más a composición y diseño en ese sentido, donde si estás animando a un personaje y después de efectos, hay ciertas cosas que puedes hacer para el diseño para que sea mucho más fácil en el animador. Considerando que con sell, ya que el animador estará dibujando al personaje, nuevo, esencialmente, hay un poco menos limitaciones a cómo diseñas el personaje [MÚSICA]. Muchas veces cuando estás creando diferentes activos para las extremidades o partes del cuerpo, todos van a ser divididos y algo parentado entre sí. Si no llegan a una articulación que sea un círculo perfecto, cuanto veas que el brazo comienza a girar, parte de la capa podría empezar a romperse del codo [MÚSICA]. Lo importante número 1 es la comunicación. Puedes dejar notas en un expediente si quieres. Puedes ocultar una capa y escribir una pequeña nota. Puedes seguir adelante y crear los turnarounds en los activos y ocultarlos en la esquina o enviar un archivo separado junto con tu diseño final. De lo contrario, organice su expediente y no aplanen nada. Esa es la mayor entrega que hay que hacer. [ Risas] [MÚSICA] Ahora es el momento hacer juntos algunos personajes nuevos. Pase al siguiente video para ver resumen del proyecto y comenzar con ideas para su boceto. [ MÚSICA] 5. Rompe el resumen: [ MÚSICA] Prepara tu bolígrafo y papel o tableta porque estamos a punto de cavar en él. En este video estaremos trabajando juntos para analizar el breve cliente que te proporcioné desde la parada de regalos. ¿ Qué pide el cliente? ¿ Cómo debemos interpretarlo para animación? ¿ Qué personajes cumplirán las breves estipulaciones? Nuestro breve cliente falso es obviamente de la parada del regalo. Sigo diciendo eso, pero es super pare abajo por lo que sería un breve cliente real ya que no quiero demasiado enfoque en el aspecto empresarial de las cosas, no queremos hablar de presupuesto y esas cosas. Estamos aquí por los personajes. Pero es una gran práctica probar y conceptuar alrededor un tema en lugar de comenzar completamente desde cero. Imagina que esta empresa se ha puesto en contacto contigo con esta información vía correo electrónico. Vamos a leerlo juntos cuidadosamente. ¿ Cuál es la parada del regalo? La parada de regalo es tu ventanilla única para todas tus necesidades de regalo. Ya sea un cumpleaños, día de la madre, o una fiesta de orgullo lo tenemos todo. Todo lo que se vende en cada ubicación es local, orgánico, o hecho a mano. El encargo. Planeamos lanzar una serie de publicaciones cuadradas en redes sociales que muestren la variedad y diversidad de nuestros clientes. Desde papás solteros hasta arrastrar reinas, paseantes de perros, a trabajadores de la construcción, a artistas y más, damos la bienvenida a todos. Para este proyecto, hemos contactado a un puñado de diseñadores de personajes como tú para ilustrar a un cliente de su elección. Nuestro único requisito es que incluyas algún regalo o producto en tu diseño. Tal vez alguien que está sacando un libro de un estante o haciendo un chequeo en la caja registradora. Podríamos incluso imaginar a alguien alejándose de la parada del regalo con su compra, feliz como almeja. Una vez que hayas completado el diseño y se lo pasaremos a nuestro animador interno para darle vida. Esa es la parada de los regalos. A medida que empecé a sumergirme en el diseño de personajes para esto, estaré ideando y dibujando en vivo en mi pantalla aquí para que puedas seguir adelante. También tendrás la oportunidad de conceptualizar y esbozar tu propio personaje. Siéntete libre de seguir con exactamente lo que estoy haciendo o llegar a tus propias ideas. Siempre es divertido ver cosas nuevas. Me encantaría ver lo que se te ocurre. Obviamente traje esto a Photoshop porque quiero descomponerlo manualmente. Lo que quiero decir con eso es simplemente subrayar visualmente y resaltar cosas que creo que son importantes para el breve. Hago esto con todos mis proyectos de clientes. Personajes o no y además de hacer que nuestro personaje sea divertido y único, tenemos que asegurarnos de que nos mantengamos en buen camino con los objetivos del cliente. Antes de hacer bocetos, pregúntate: “¿Quién es el público? ¿ Cuál es el estado de ánimo?” Empieza con eso como punto de lanzamiento. ¿ Quién es nuestro público? Empecemos ahí. Definitivamente queremos que sea en las redes sociales, así que lo tenemos como nuestro público. Lo vamos a mostrar para gustarle a la gente con mentalidad basada en un algoritmo, cosas así. También queremos apuntar a todos nuestros clientes mostrando toda esta diversidad. Queremos asegurarnos de que sea inclusivo y que todos se sientan vistos. Obviamente, eso se va a hacer sobre una colección de diferentes personajes. Pero para nuestro personaje, solo intentemos hacerlos divertidos y únicos. Entonces, ¿cuál es el estado de ánimo? En cuanto al estado de ánimo definitivamente queremos asegurarnos de que la persona que está de compras en la parada de regalos esté feliz como almeja. Nos estamos contentos, necesitan estar sosteniendo un producto o su compra. También sabemos que necesita ser animado y este no es realmente el estado de ánimo. De verdad le compré esto aquí arriba, pero tú entiendes la idea. No es realmente el estado de ánimo, pero tenemos que asegurarnos de que nuestro archivo esté configurado para la animación. Conceptualmente, sabemos que nuestro personaje necesita ser único de alguna manera, mostrando su diversa clientela. Sabemos con fines técnicos que esto necesita ser cuadrado, y es a través de las redes sociales, que es una plataforma digital. Eso significa que necesitaremos trabajar en 72 DPI con color RGB. Vamos a seguir adelante y hacer una composición. Voy a empezar por solo decir 2,000 píxeles por 2,000 píxeles, porque eso es lo que hago con mis composiciones cuando las estoy haciendo para mis redes sociales, pero eres bienvenido a ir más grande o más pequeño. Yo también diría que mantengamos nuestra resolución en 72 DPI. Sé que si eres diseñador de impresión, tu inclinación es trabajar en 300 DPI, sobre todo si quieres imprimir tu ilustración en línea. Pero para la animación, lo mejor es mantenerlo a 272 DPI para reducir el tamaño de tu archivo digitalmente. Si vas a ir con la ruta 300 DPI, que a veces hago, solo asegurémonos de reducir esa resolución más tarde después de que terminemos en Photoshop. Tiendo a usar a través DPI para mi propio trabajo a veces porque puedo escalar más una animación con esa mayor resolución, o puedo convertirla a un archivo de impresión si lo necesito. Siempre, siempre vuelvo al archivo al final cuando hago una copia del mismo y creo una versión de 72 DPI para el animador. Definitivamente quiero asegurarnos de que estamos usando color RGB, que es para pantallas digitales. 8-bits debería ser suficiente a menos que realmente ganas de usar muchos gradientes. Si estás usando muchos gradientes, yo diría ir con 16 bits, y eso es más o menos todo. Yo sólo seguiría adelante y presionar “Crear”. Ahora tenemos nuestra configuración de archivos, así que sólo me aseguraría de seguir adelante y guardar que donde sea que se sienta mejor en su propio equipo solo porque queremos poder presionar “Comando S” como estamos trabajando, así que acabaré de nombrar a este regalo stop personaje 01. Tenemos listo nuestro expediente, [MÚSICA] tenemos nuestro breve desglosado. [ MÚSICA] Sabemos lo que tenemos que hacer aquí, así que vamos a seguir adelante y entrar en la fase de concepción en el siguiente video. [ MÚSICA] 6. Concepción rápida: [ MÚSICA] Ya tenemos nuestro Lienzo. Ahora nos sumergiremos en un poco de conceptualización sobre nuestros personajes. Ya que esta clase se trata menos de conceptuar y más sobre los detalles técnicos, lo haré rápido. Siéntase libre de buitear en este aspecto por su cuenta mientras trabaja en su tarea entre sesiones. También tengo esta lista de rasgos de carácter mano-dandy en el folleto de clase descargable que puedes usar para arrancar algunas ideas. Ten cuidado, son bastante tontos. Creo que sería divertido ver a lo mejor vincular a una princesa con una bola de pelusa. Porque tengo eso ahí, trozo borroso de pelusa. No sé por qué hice eso. Pero de todos modos, solo compruébalo y ojalá te ayude con algunas ideas. Si empiezo completamente desde cero, siempre empiezo con una historia de fondo. Necesitas algún tipo de marco de referencia para empezar a crear tu personaje. Si el cliente no te lo ha proporcionado alguna de sus informaciones, posible que quieras considerar crear tu propia historia de fondo. Esto agregará profundidad y personalidad al diseño de tu personaje y puede hacerlo bastante divertido y peculiar también. ¿ Por qué ha pasado tu personaje en la vida? ¿ Cuál es su situación? ¿ Cuál es su trabajo? ¿ Tienen éxito? ¿ Están estresados? ¿ Están deprimidos? Y la pregunta más importante, ¿cómo encaja tu personaje en tu historia y cuál es su papel o propósito en la historia o en este caso, el breve cliente? Esto ayudará a definir qué atuendo lleva puesto tu personaje? ¿ Cuáles son sus idiosincrasias o cómo reaccionarán ante ciertas situaciones? Esto obviamente te da una gran cantidad de contextos para lo que podrías estar agregando a tu personaje para que su diseño sea más único. Aquí está el folleto descargable. Tenemos la página del título, un pequeño blurb de clase, y luego el prompt, y luego también esta lista rápida y algunos consejos y trucos adicionales en los que podemos entrar más adelante. Me divertí mucho haciendo esto y es tan estúpido. Realmente creo que podrías disfrutar haciendo algunos personajes fuera de esto, como tal vez haya una cabaña de núcleo cutie comiendo cereales solo para siempre. Ella tiene una pequeña oveja bebé su lado o tal vez tenemos a una bruja que le gusta recoger setas y ella juega al básquetbol. [ Risas] No sé, todos son tan tontos, pero creo que podrías usar esto para mezclar y combinar, crear algunas ideas. Pero voy a empezar completamente desde cero aquí porque solo tengo una idea y quiero descartar con ella y quiero ver qué puedo hacer con ella. Creo que en esta situación podemos mantenerlo simple. Sólo voy a empezar la lluvia de ideas con un mapa mental. A veces solo escribo las cosas mientras pienso en ellas. Vamos a cambiar un poco nuestra fuente aquí para que no sea tan difícil de leer. Entonces solo voy a empezar a escribir las cosas. Mi idea es que personalmente soy una señora perra loca y estoy obsesionada con mi perro. Traeré un poco de mi propia personalidad a su historia de fondo. Si estás en una pérdida por dónde empezar, siempre digo como hacerlo personal. El arte siempre es mejor cuando estás dibujando de la verdad, cuando estás usando experiencias de la vida real para agregar complejías y detalles. Eso se aplica a los personajes aquí también. Usa una parte de tu propia historia como punto de salto para la historia de fondo de tu personaje y ref desde ahí. Como dije, quiero hacer una dama de perro, así que cuando apenas estábamos consiguiendo nuestro vendaje de cachorro hace unos cuatro años. Siempre quise vestirle bandanas. Siempre le estoy comprando demasiados juguetes. Empecemos ahí, haciéndolo personal. Amor cuando mis fuentes hacen esto. Haciendo una señora perra loca personal, bandana para perros. Tener al perro con su bandana y tal vez esté un poco loca. Esto afecta cómo es mi personaje. Cualesquiera que sean los brazos apilados altos con juguetes y se están cayendo por todo el lugar y su cachorro tiene un pañuelo, está felizmente olfateando los juguetes. Sólo estoy tratando de imaginar cómo sería esta escena. A lo mejor está un poco desaliñada, agarrando un brazo lleno de juguetes. El perro es lindo y olfateando. Esto puede sonar tan tonto como te lo quieras ahora mismo porque esto es solo para ti. No tienes que compartir esto. Además, también me encantaría darle un poco de algo más único ya que siento que esto es básico y no quiero que el personaje solo sea yo. Quiero agregarle un poco más de brillo . Supongo que se podría decir. Creo que sería divertido sumar a su caótica torpeza agregando un par de patines o una tabla de skate o algo así. A lo mejor su cabello también es como un poco desaliñado porque se puede decir que está apurada. Sólo diré patines en un apuro. Si me voy fuera de mí, supongo que probablemente no soy una gran representación de la diversa clientela. Tal vez la cambie un poco mientras estoy trabajando. A lo mejor tiene un peinado más fresco que yo o tiene más tatuajes y piercings. Algo que la hace sentir un poco más interesante para el ojo común. Si miro esta lista que hice y puedes hacer un mapa mental como dije o lo que quieras hacer. Pero en verdad sólo me gusta escribir cosas. Si miramos esta lista, esto se alimenta de nuevo a las casillas del cliente que querían comprobar. Ella es interesante, matiz. Tiene más a su historia que solo una mujer al azar mirando un estante y cuanto más historia de fondo añadas, más idiosincrasias más ingeniosas y detalles reflexivos que puedes agregar en que se brillar a través en tus diseños. No voy a empezar a hacer bocetos todavía porque quiero ir un poco a proporción de caracteres y cómo en realidad vamos a crear esos bocetos gesturales primero. Pero siempre es bueno tener en mente tu intención antes de empezar. Vamos a arrancar eso en el siguiente video. [ MÚSICA] 7. Teoría sobre las proporciones de personajes: [ MÚSICA] La proporción es clave para hacer que un personaje sea único. Siempre tienes la opción de ir más realista con tus proporciones y hacer que tu diseño o animación sea fiel a la vida. A menudo, más comerciales corporativos quisieran este tipo de personajes, los que se sienten más realistas como los humanos reales. Pero si buscas algo divertido y peculiar, pasaremos a abstraer, distorsionar y estirar a tus personajes en estos próximos dos videos. Solo tienes que tener eso en cuenta mientras estás trabajando aquí y creando a tus personajes lo mejor de tu habilidad. Aquí, nos quedaremos semi-realistas con nuestros personajes, manteniéndolos humanos y proporcionales. Nos meteremos en más estilización en el próximo par de lecciones. Antes de empezar a dibujar un personaje humano o cualquier personaje para ese asunto, necesitamos entender los fundamentos de anatomía y las proporciones del cuerpo humano. Encontré esta hermosa imagen de stock y hace el trabajo. No es lo más ideal para enseñar con. Por el bien del tiempo, y debido a que esta no es una clase de anatomía, no voy a ir demasiado lejos en detalle. Pero así es básicamente como se rompe la forma humana. La forma humana es típicamente de siete cabezas y media. Obviamente, no estoy haciendo esto 100 por ciento con precisión porque la forma de la cabeza está un poco apagada, pero se puede ver que son alrededor de siete cabezas y media. Esto es para una forma adulta y eso aplica tanto para hombre como para mujer. Pero como se puede ver con un niño, la cabeza está un poco fuera de proporción con el cuerpo porque todavía estás creciendo en tu forma. Por lo general, los niños tienen cabezas más grandes. En esta clase, estamos tratando de mantenernos semi-realistas con nuestros personajes. No voy a entrar realmente tanto de los personajes no humanos porque creo que este es un gran punto de partida. Los mantendremos más humanos y proporcionales, y luego entraremos en estilización. Siempre es bueno mantener algo como esto a mano mientras estás dibujando. Honestamente solo busco estos en Google Images y luego solo suelto uno en mi archivo así que lo tengo a mano. Para proporciones típicas para los humanos, para los hombres, los hombros son anchos y las caderas suelen estar más al ras del torso, y la pelvis se hace más pequeña. Típicamente con los hombres, tenemos más de una forma de triángulo al revés, y luego con las mujeres, en realidad es lo contrario o más cuadrado. Las caderas típicamente salen de una cintura más pequeña. En realidad, ahí es donde obtienes tu forma de reloj de arena. Como dije, si estás dibujando a un niño, muchas veces verán sus cabezas agrandadas en comparación con los adultos. Por eso, si quieres algo para sentirte más juguetón o infantil, solo intenta agrandar la cabeza. Aunque agrandar esta cabeza aquí mismo, se puede ver que ya se está volviendo más como una caricatura. Se siente más juguetón e infantil, pesar de que esto ya es un niño, pero se llega de donde vengo. También quería compartir este sitio web que encontré contigo porque creo que es súper útil. Su anatomy4sculptors.com. Si quieres ser realmente realista con tus proporciones humanas, tienen esta calculadora de proporciones humanas. Se puede elegir masculino o femenino. Además de eso, también puedes elegir qué parte del cuerpo estamos mirando, la cabeza, o el pie, o algo así. Entonces también puedes elegir la edad. Verás cómo progresan a medida que envejecen. Estas son algunas imágenes muy halagadoras, pero creo que es súper útil e incluso puedes escribir en proporciones si quieres hacerlo bien. Además de esto, también en su página web, si vas a la página del artículo, tienen alguna información realmente útil. Tienen este modelo de anatomía 3D que puedes usar para dar la vuelta en su página web. Si vas a esta pestaña aquí mismo, en realidad puedes ver la forma humana desde diferentes ángulos. Desafortunadamente, creo que sólo tienen esta parte esculpida. Pero puedes hacer cabezas y orejas, y diferentes partes del cuerpo. Si quisieras dibujar algo desde un ángulo interesante, en realidad serías capaz de usar algo como esto para averiguar cómo se ven esas proporciones en esa perspectiva. Pero volviendo a mi documento aquí, solo quiero hacer un resumen y decir que crear un personaje como este en una pose de brazo delantero de pie es lo mejor para los propósitos de los animadores, especialmente si estás haciendo animaciones celulares para que puedan ver esas diferentes partes del cuerpo con claridad. Pero a veces me gusta empezar poniendo a mi personaje en cierta pose porque me ayuda a emocionarme con el personaje y me ayuda a imaginar al personaje en una situación. Honestamente, a veces solo necesitas ver a ese personaje en esa pose. Por ejemplo, si vamos a mi página web y echamos un vistazo a mi película, aquí, solo veremos un poquito del teaser. Por ejemplo, en este tiro escribe aquí, sólo vamos a necesitar ver a este personaje desde un costado, y sólo vamos a necesitar ver al personaje desde atrás aquí. Obviamente, tuve que hacer un poco de cambio de personaje en algún momento para mostrar cómo se ve este personaje desde diferentes ángulos. Pero el animador sólo va a estar animando a un niño a la vez. No siempre, necesariamente necesitas ver todas las partes del cuerpo todo el tiempo. No siempre es práctico diseñar tu personaje y oponerte o cambio, sobre todo si el personaje no se verá más de una vez. A lo mejor sólo vemos un personaje desde un lado por un momento. No necesitamos dibujarlos desde todos estos diferentes ángulos. Pero aunque estés queriendo posar a tu personaje desde el principio, al menos intentemos mantenerlo en perspectiva plana mientras dibujamos y no te preocupes demasiado por cómo veremos el carácter desde un ángulo bajo o alto, por lo que verlos más desde la pose recta como vemos aquí con estos personajes. Si volvemos a mi página web, solo podemos mirar algunos de esos. Cuando digo pose recta, me refiero a algo como esto, o estos personajes caminando, más bien como una perspectiva gráfica plana. Esa es solo mi rápida visión general de las proporciones de los personajes. Creo que será útil tomar realmente una clase de dibujo de figuras o hacer más investigaciones en línea sobre cómo funcionan las proporciones de los personajes. Pero debido a que estoy haciendo esto por la animación y por un look y sensación más estilizados, creo que este es un pequeño panorama realmente genial para cómo son las proporciones de los personajes. A partir de aquí, solo voy a ir a hacer gestos de bocetos en el siguiente video. [ MÚSICA] Nos pondremos más en detalle sobre cómo hacer que tus personajes se sientan más realistas con fotos de referencia en unos videos. 8. Cómo bocetos de gestos: Aquí se desmorona todos ustedes han estado esperando, bosquejando. [ Risas] Siéntete libre de seguir conmigo aquí o simplemente mirar. En esta etapa, realmente no necesitas preocuparte demasiado por la animación todavía. Estas son sólo las líneas de trabajo básico. Estamos llegando a trabajar en nuestra pose áspera e idea básica y en realidad no vamos estar usando estas líneas para el animador. Estoy emocionado de empezar a meterme en algunos bocetos de miniaturas contigo. Lo único que podrías querer considerar de antemano es, ¿ estás diseñando para una animación celular o un personaje de animación después de efectos que será amañado? Como dijimos en un video anterior, esos se van a configurar de manera diferente. Solo tienes que tener eso en cuenta mientras estás trabajando. Quiero decir, creo que para éste, ya que el personaje probablemente solo estará en una pose considerando el breve cliente y lo que mencionaron tenerlo sea una simple publicación de Instagram, yo don no creo que tengamos que preocuparnos demasiado por eso. Pero esta es una clase para aprender cómo la animación interactúa con tus ilustraciones por lo que es realmente bueno seguir pensando en esto mientras estás trabajando. Obviamente, si no sabes certeza cómo se va a animar, aún no te preocupes por ello. Si este fuera un proyecto cliente real, probablemente querrías saber más. Pero no estoy demasiado preocupado por ello en este momento. Sobre todo cuando solo estamos dibujando gestos, aún no es un gran trato. Yo personalmente, voy a asumir que mi personaje va a ser más dinámico y tener más flexibilidad. Sólo voy a asumir que será celular animado marco a cuadro a mano, lo que te da mucha más flexibilidad para hacer lo que quieras con la pose. Si quieres crear algo que se animará directamente en After Effects, es posible que quieras considerar dibujar a un personaje como en una pose a pie o una pose más rígida con clara articulaciones que se pueden aparejar fácilmente. Tengo mis ideas aquí, mi silueta y todo y voy a empezar a hacer un par de bocetos gesturales. En esta fase, no te preocupes si se ve súper áspero, nuestro siguiente paso sacará mucho refinamiento. Manténgalo simple mientras empiezas a dibujar aquí y pensar en la silueta. La forma técnica adecuada de empezar a diseñar un personaje es crear una silueta clara. Veamos un par de ejemplos aquí. Tenemos nuestras proporciones de personajes, que hablé en el último video. Pero la silueta de un personaje es lo que el ojo reconoce de inmediato al mirar a un personaje. Probablemente quieras empezar asegurándote de que las extremidades estén separadas y alejadas del cuerpo para que puedas definir esas formas. Averiguar la silueta también te ayudará con posar y gestar más adelante. Solo quería mostrarte algunos ejemplos de siluetas. Como dije antes, un personaje masculino humano tendrá un hombro más ancho. Si quieres que tu personaje se vea aún más fuerte, les darás un hombro gigante y una cintura diminuta. Eso fue lo que hizo esta persona con la silueta aquí. Con éste, tenemos muy agradable separación de las extremidades. Podemos ver los dos brazos trabajando por separado, y todos estos son muy estilizados. Cuando hablo de estilizado, eso significa realmente entrar a la silueta y encoger la cabeza hacia abajo o alargar las piernas o lo que sea. Eso vendrá un poco después de que hayamos hecho nuestros gestos. Pero estos son ejemplos divertidos a tener en cuenta. Como se puede ver, en éste, tenemos alguna separación entre las cinturas y los brazos. Muchas poses realmente bonitas con espacio negativo en ellas para que puedas ver la silueta clara de la figura. Todos estos son muy diferentes, pero realmente se puede decir que la silueta ha sido tomada en cuenta. Incluso aquí podemos ver una divertida variedad de siluetas, y como dije, personajes con cabezas más grandes se ven más infantiles. Por infantil, no me refiero a inmaduro, pero me refiero a más inocente y más infantil. Creo que este ejemplo realmente muestra eso. Las cabezas más pequeñas obviamente se ven un poco más adultas, en mi opinión. Simplemente lo tendremos en cuenta, teniendo una silueta clara como estamos dibujando aquí. Ya que estamos empezando con la forma general, no te pongas demasiado atrapados en los detalles ahora, experimenta, no te enamores de ningún personaje por el momento. Tienes que estar dispuesto a tirar un diseño si no sirve lo suficientemente bien al propósito de la historia. Trata de no frustrarse demasiado. Solo voy a usar un color divertido para empezar a bosquejar aquí usando mi pincel fino de tinta, pero puedes usar lo que quieras aquí. Me gusta usar los pinceles de Kyle Webster como siempre digo y todas mis clases. Solo voy a empezar usando formas realmente básicas para la cabeza, así que como un círculo para la cabeza siempre es estándar cuando solo estoy haciendo estos gestos sueltos realmente abstractos. Sé que quiero que esto tenga a una mujer en patines. A lo mejor está despeinada, agarrando un brazo lleno de juguetes. Hay un perro. Solo mantengamos todo eso en mente mientras estamos dibujando aquí. También se supone que está recogiendo algo de un estante o algo de las tiendas. Sólo voy a adivinar libremente cómo se vería eso. A lo mejor está llegando y está en un par de patines. Obviamente esto es super fuera de proporción pero tal vez su pierna está dando una patada para un poco de diversión. Tal vez sus brazos están llegando a algo en un estante. Tienes este estante ligero detrás de ella. En esta perspectiva plana, tal vez tiene a su perro mirándola, queriendo conseguir el juguete que está buscando. A lo mejor está buscando un cuenco de huesos de perro o algo así. [ Risas] Ni siquiera sé qué es eso, golosinas para perros. Como se puede ver, esto es súper áspero. Pasa 1-2 minutos en cada boceto y no te apeges a él. Tal vez esté en el suelo inclinándose, en posición de cuclillas, lo que en mi opinión probablemente sería realmente difícil de hacer en las hojas de rodillo, pero solo veamos. A lo mejor se está agachando para agarrar algo de un estante del que vemos al costado. Obviamente, necesitaría averiguar cómo crear realmente estas poses. Pero creo que nos vamos a algo. Nos vamos a un buen comienzo aquí. A lo mejor aquí está el perro que llega al otro lado de ese estante. También realmente quiero señalar aquí que cuando estés pensando en siluetas, piensa en una línea de acción. Esto es animaciones así que vamos a estar pensando en cómo se mueve el personaje. Cuando digo línea de acción, piense en una sola línea gestual que llevará a través de todo el personaje. Tenemos tal vez esta línea aquí, y para esta tenemos una línea curva aquí. Si hago un tercer boceto, tal vez quiero que sea esta curva. Siempre se puede dibujar la línea de acción primero. A lo mejor está llegando al suelo para agarrar una pelota para su perro o algo así. Aquí tenemos las piernas estabilizándola. No sé si eso deja espacio para el perro. Tal vez el perro está sentado sobre su espalda. Pero realmente me gusta usar esta línea de acción porque muestra al animador potencialmente cómo se moverá el personaje. Para éste, tal vez el personaje se está desvaneciendo así y estamos usando esa línea de acción para crear ese movimiento. Es simplemente realmente agradable tener esta línea visual clara para crear algún interés dinámico a la vista. Estos son bocetos súper ásperos. Necesito asegurarme de que además del personaje, también estoy tomando en consideración la tienda a su alrededor porque si miramos atrás el brief del cliente, realmente queremos asegurarnos de que el personaje esté contento. Queremos asegurarnos de que si está en un post cuadrado en redes sociales, queremos asegurarnos de que veamos al personaje sosteniendo el producto y todo porque es para el regalo se detiene. A lo mejor lo tomo en consideración un poco más. Vamos a entrar en más detalles más tarde, pero tal vez ella está sosteniendo una bolsa aquí, tal vez haya un montón de cosas apiladas en una tienda de comestibles luego en el suelo, o tal vez en ésta ella tiene más cosas se amontonaron en sus brazos. Tal vez uno de los brazos está realmente caído. Tal vez sea éste, tal vez este brazo está abajo y ella tiene un montón de juguetes ahí y el perro está tratando de alcanzarlos. Creo que hay muchas cosas que podemos hacer. Esto es súper duro, pero se puede ver a lo que me refiero cuando digo, esto realmente no tiene por qué ser perfecto. Esto es sólo para ti. Esto es solo para que saquen esas ideas y luego en realidad escogerás una de ellas, crearás una foto de referencia, y crearás un boceto más refinado a partir de ahí. Creo que este es un gran punto de partida. Solo asegúrate de intentar infundir vida a tu personaje en estas etapas iniciales con trazos rápidos y líneas enérgicas. No te preocupes demasiado por accesorios o detalles innecesarios. Trata de mantenerlo simple y apegarse a lo básico. Ahora es tu turno. Tómate 5-10 minutos para bosquejar más o menos composiciones gesturales y formas realmente rápidas para tu personaje. Estas solo deberían ser miniaturas básicas, no te pongas demasiado detalladas ni preocupadas por cómo se ven bastante todavía. Esto es realmente solo sentar las bases para ti, como dije antes. Adelante y haz eso y te conoceré en el siguiente video. 9. Toma tu propia foto de referencia: [ MÚSICA] Este siguiente consejo es mi consejo favorito absoluto para ilustrar personajes humanos. Toma tus propias fotos de referencia usando la cabina fotográfica o tu teléfono. Quiero decir, ¿quién sabía que puede ser tan simple? Usualmente tomo fotos de referencia después de esbozar mi idea suelta o personaje así que sé de qué pose necesito para tomar una foto. Cuando empecé a dibujar personajes para el diseño de movimiento para el trabajo personal , realmente, realmente luché. Por un lado, no fui genial en perspectiva para empezar. Así que ver a mi personaje desde un ángulo extraño o algo que no sea frontal era casi imposible de imaginar. Dos, acabo de tener problemas para dibujar personajes en general y hacer que las proporciones se vean correctas. Empecé a tomar fotos de mí mismo o Tyler o incluso de mis compañeros de trabajo o de mi perro para hacerlo bien. Tomar mis propias fotos sobre todo ayuda con las manos porque las manos son probablemente la parte más compleja del cuerpo para dibujar y una tonelada de gente lucha con las manos. Sólo sé que no estás solo ahí. Yo 100 por ciento todavía tomo mis propias fotos de referencia todo el tiempo para conseguir poses más interesantes. Estas son poses que no hubiera podido llegar sin una foto. No es algo que solo pudiera buscar en Google y encontrar al instante. Creo que esto te será de mucha ayuda. Como dije, me encanta tomar mis propias fotos de referencia. Hago esto todo el tiempo, sobre todo incluso para los animales. Voy a tomar fotos de mi perro, etc y tengo algunos ejemplos de eso aquí. Esto va a retroceder un poco pero quería ilustrar a un zorro para esta toma de posesión que estaba haciendo por Panimation. Realmente no sabía cómo conseguir una pose única para un zorro porque si buscas como pose de zorro o algo así, hay algunas fotos y cosas realmente geniales pero quería algo un poco diferente. En realidad tomé una foto de mi perro y se puede ver el proceso aquí. Apenas una foto de mi perro dobló [Risas] jugando con su juguete. Pero pensé que era una divertida línea de acción. Como hablamos en el último video, hay esta bonita curva en su cuerpo. En realidad lo uso para esbozar mi zorro. Entonces jugué con proporción un poco, agregué algunas alas y creé esta versión de cuento de hadas de él. Un par de otros ejemplos que tengo son que hice este ejercicio donde quería hacer calentamientos y sólo me di como 20 minutos para terminarlos. Tomé algunas [risas] fotos incómodas de mí y las usé como referencia. En este caso en realidad no me gustó rastrear nada porque quería jugar más con la abstracción y dibujar desde mi visión. Pero me divertí haciendo dos versiones diferentes de ella y se volvieron realmente abstractas y divertidas que me encantó. Mi último ejemplo de esto fue esta ilustración que tuve sobre la ansiedad. Tenía esta idea en mente que realidad esbozo realmente, realmente básica. Como llamarías a esto mi boceto gestual que ilustré en mi pequeño cuaderno de noche [Risas]. Sólo una idea que había llegado a mí. Entonces estaba como, bueno, sé que quiero a alguien en esa pose así que hice que mi esposo me tomara una foto con las tijeras y el pincel [Risas] que se convirtió en espejo y tijeras. Fui de ahí, y se puede ver empiezo con el pelo largo pero quería hacer diferente al personaje así que jugué por ahí con diferentes ideas de boceto y proporción a medida que iba cambiando todo a sentirse un poco más juguetón, menos realista, más estilizado. Se puede ver así como resultó mi boceto. Entonces en realidad fui a Procreate y agregué como la iluminación y cosas que definitivamente no estaba en mi foto de referencia original pero tenerla ahí como base fue súper informativo. Como se puede ver, me encanta usar fotos de referencia. Para éste obviamente estaba como, hagámoslo una loca señora perra que está en hojas de rodillo. Yo estaba como, ¿sabes qué? ¿ Por qué no trato de usar cuchillas de rodillo reales para hacer estas poses para ver si son exactas. Te importa, no soy una gran patinadora. [ Risas] En realidad acabo conseguir estas cuchillas enrollables recientemente. Pero yo estaba como, ¿sabes qué? ¿ Por qué carajo no avergonzarme a mí mismo? Tomé algún video de mí mismo patinando, dos capturas de pantalla y poses. [ MÚSICA] Aquí estoy siendo extremadamente malo en patines. [ Risas] Estoy practicando, voy a mejorar. Pero jugué con algunas poses así que solo voy a las capturas de pantalla que creo que podrían funcionar potencialmente. Obviamente estoy basando todas estas poses fuera de los bocetos gesturales que ya hice. Fue realmente bueno tener esa base de lo que quería con mi línea de acción y entonces en realidad pude tratar de emular eso en mis poses. Probando un par de cosas diferentes aquí. Obviamente no demasiado grande en hacer esto en las cuchillas de rodillos. Veamos dónde terminamos. Hay algo más por aquí lo prometo. [ Risas] Este era yo tratando de hacer la pose de rodillas pero en realidad fue mucho más difícil de lo que parecía porque todavía no estoy lo suficientemente estable en mis cuchillas. Muy bonitas poses aquí. En realidad me dieron un segundo video. Permítanme tratar de encontrar algo aquí. Aquí está el que se inclina sobre uno. Guau, qué hermosa línea de acción. Me encanta eso, la cintura de 90 grados se dobla ahí mismo. [ Risas] También quería conseguir uno de ellos de la espalda por lo que estaba llegando con mi brazo delantero. Aquí conseguí unas fotos más. Caray, la cosa más halagadora que he visto jamás. Tengo unos pocos ahí. Pero también solo quiero enfatizar que no tienes que ser tan incómodo como yo. Simplemente puedes ir a la cabina de fotos y tomar fotos fijas. Estos también son semi incómodos pero yo era como si lo voy a probar sin la hoja del rodillo también podría probar un par de cosas diferentes. [ Risas] Posando desde atrás. Obviamente hago mucho del tipo de posando. [ Risas] Ahora tengo muchas cosas que puedo usar, así que voy a arrastrarlas a todas. Chico, estoy haciendo una carpeta llamada fotos de referencia y puse todas mis viejas cosas conceptuales en esa carpeta conceptora. Realmente me gusta estar organizado ya que estoy trabajando porque las cosas pueden ponerse realmente desordenadas en Photoshop. Estoy seguro de que lo sabes. Tengo unas bonitas poses de referencia ahí. Yo también tengo las cuchillas enrollables lo cual es súper útil. Entonces también voy a agarrar un par de estas fotos de la cabina de fotos también porque creo que podrían ser divertidas para jugar y tal vez un poco más fácil de leer. Veamos. Éste podría ser divertido o tal vez éste. Recuerda que quiero tener el pelo desaliñado, quiero tener a mi personaje con su perro también, y también pensando en el estante y donde se coloca todo así que toma todas estas cosas en consideración. También tengo un video que filmé con mi perro solo tocando. Voy a meterme en esto un poco más tarde en un video de bonificación pero quería asegurarme de que tuviera algunas imágenes de él moviéndose por ahí para que pudiera usarla. No sé si tengo el metraje correcto porque no era muy cooperativo. Pero esto es sólo algo a tener en cuenta mientras sigo adelante. [ Risas] Básicamente sólo está de pie y, mira a ese pequeño [inaudible]. Sólo tengo que poner eso ahí. Esto es sólo algo bueno para tener ya que estoy avanzando. Ahora que tengo todas estas poses voy a mirarlas objetivamente en relación a las poses que he esbozado y ver cuál podría ser la mejor línea de acción. Si realmente te preocupa la moción yo pasaría e ilustraría eso ¿dónde está esa línea de acción y cuál podría ser la más exitosa? Mirando esto, me siento como la más divertida solo sin siquiera la línea de acción podría ser una de estas sentadas porque creo que la pose es simplemente realmente realmente interesante y en realidad va a tomar el marco cuadrado muy bien. Si estoy pensando en cómo esto es un post en redes sociales y en cómo realmente quiero tomar la mayoría del cuadro cuadrado y asegurarme de que encaja con precisión, probablemente voy a ir con uno de estas posturas sentadas para que pueda apagar las de pie. Creo que éste sigue siendo interesante pero es incómodo. ¿ Como quién saca algo de un estante así? Obviamente no yo. Solo utilicemos uno de estos tres. Porque realmente quiero incluir el patín ahí, creo que sería mejor usar uno de los con la patinadora. Voy a seguir con éste por ahora. A medida que estás dibujando que podría cambiar, podrías elegir una foto diferente, podrías abstraer mucho de tu foto para que tu ilustración no acabe realmente pareciendo así al final. Pero ahora que he elegido éste puedo pasar a esbozarla en el siguiente video. Ahora que me he avergonzado por completo frente a ti, también puedes avergonzarte. [ Risas] Aunque es lindo que no tengas que compartir tus poses con el mundo como yo lo hago así que eso es un plus supongo. Abre la cabina de fotos o tu teléfono, toma tu foto y comienza a ilustrar sobre eso, rompiendo la imagen abajo sección por sección. No todo el mundo se siente cómodo con tomar sus propias fotos así que podrías pedir a un familiar o un amigo para hacer esto o podrías intentar usar Unsplash para fotos de referencia aunque no diría que sea como imágenes fáciles de recursos en línea. Tomar tu propia foto es siempre preferible y mucho más rápido. [ MÚSICA] Elige tus fotos favoritas y deja caer esas en tu archivo de Photoshop para la siguiente lección donde comenzaremos a crear esos personajes. 10. Cómo bocetos de tu referencia: [ MÚSICA] Ahora vamos a usar nuestras fotos de referencia para realmente meternos en la nitty-gritty de posar a nuestro personaje. Desglosaremos tu foto en formas geométricas básicas. Puedes usar la herramienta de forma o puedes dibujarlas a mano. Usualmente uso ambos honestamente. Muchas de las veces trazaré la foto de manera más proporcional y luego empiezo a abstraer a medida que voy. Me gusta usar un equilibrio uniforme de curvas y rectas para hacer que mi personaje se sienta más geométrico. En realidad tengo toda una clase basada en descomponer fotos, todavía vive, en formas geométricas. Se llama Jugar con Formas en Procreate. Podría ser útil tomar esa clase también para aprender un poco más. Pero te mostraré aquí lo que quiero decir. En este video, en realidad voy a empezar hacer un boceto rudo de mi referencia. Puedes seguir junto con esto también, asegúrate de sacar tu foto de referencia que vas a usar y traerla a Photoshop. Usualmente hago una carpeta llamada boceto áspero. Lo que hago es que lo vuelvo en una baja opacidad y empiezo a dibujar. Uno de los consejos con los que me encanta empezar, porque iniciar un boceto puede ser súper desalentador, es que trato de descomponer la foto en formas geométricas básicas. Podrías hacer esto usando la herramienta de forma o puedes dibujarlas tú mismo. Muchas veces rastrearé la foto de manera más proporcional y luego empiezo a abstraer a medida que voy. Voy a cambiar el color aquí. A lo mejor sólo voy a hacer un círculo para la cabeza y tenemos dos rectángulos [Risas] para el brazo. Solo quieres descomponerlos en las formas más básicas. Eso te ayuda a simplificar todo. También quiero tener esa línea de acción ahí dentro. [ Risas] Eso es como una versión abstracta desglosada de mi personaje. Esa es una forma en que puedes hacerlo y luego podrías convertir eso en baja opacidad. Dale la vuelta o tal vez lo duplica, presiona Comando E para aplanarlo. Entonces estás como, ya sabes qué, quiero que se esté inclinando más así que voy a tenerlo así. Simplemente puedes jugar con la disposición de todo. Personalmente, uso este tip. A veces es agradable poder ver, tal vez el brazo podría simplemente ser recto en lugar de tener esta curva de codo en ella. O tal vez las piernas son muy claramente cuadradas en un ángulo de 90 grados. Pero personalmente, [Risas] Me gusta hacer una combinación de rastreo y abstracto. Me encantan esos brazos rectos. A lo mejor voy a empezar simplemente rastreando mi cara sin apretar. Solo quiero negar que el rastreo nunca debería suceder si no estás usando tu propia foto de referencia. Creo de corazón que no deberíamos estar copiando el trabajo de nadie, aunque sea una fotografía o la ilustración de alguien más, definitivamente no quieres estar rastreando eso, sino porque esta es una foto te tomaste, no hay daño en usarlo como referencia de trazado porque este es técnicamente tu trabajo. Esta eres tú [Risas] o una foto de alguien que tomaste, así que no hay daño en eso. Dicho esto, sólo voy justo ahí dentro. Quiero tener un look más curvo a este personaje. Hacerla un poco más orgánica, menos rígida. Voy a añadir un poco más de curva ahí ya que estoy trabajando, añadir un poco más de ángulo. Pero ya puedes decir que estoy pensando en este muslo como un rectángulo. Entonces esta parte de la pierna sería otro rectángulo. Entonces tenemos el zapato bajando en ángulo. Entonces si estamos tratando de mantener todo más plano, tal vez estoy pensando en las ruedas desde una perspectiva frontal en lugar de en esta perspectiva en ángulo que están aquí. Sólo los agregaré así. Pueden ser realmente simplificados. Entonces tal vez por esta pierna, también estoy haciendo dos rectángulos. A veces es divertido simplemente presionar Shift y hacer una línea recta y ver a dónde te lleva eso. Hace este pie muy ancho, pero me gusta. Entonces voy a añadir esas tres ruedas de nuevo, y tal vez podría hacer los brazos rectos, así que me sentiría muy rígido así. También podría exagerar la curva de mi brazo y hacerlo ir un poco más abajo y luego mantener esta recta. Hay una bonita mezcla de abstracto y orgánico en su. Las manos siempre son lo más difícil de hacer, así que voy a ignorarlas por ahora. Pero si apago mi referencia, se puede ver que ya tengo algo bonito dando forma aquí, un poco más refinado [Risas] que esos gestos que tenía antes. Pero también quiero explicar otra forma que me gusta ir por las cosas. Esto es en realidad algo que tengo en una de mis otras clases de Skillshare, se llama Jugar con Formas en Procreate: Illustrate a Graphic Bodegón. Sé que esto se hace en Procreate, pero utiliza muchos de los mismos principios básicos. Lo que me encanta hacer es tomar esa foto de referencia, obviamente, nunca trazar una copia de la foto de otra persona. Pero tomando eso y luego dividirlo en esas formas simples, para que puedas ver aquí, estoy usando elipses, rectángulos y triángulos para crear esas formas. Incluso tengo esta lección llamada la curva al truco recto, que os animo altamente a que echen un vistazo. Lo repasaremos un poco aquí, pero no necesariamente quiero entrar completamente en eso porque ya hay una clase ahí fuera para ello. Pero algo que me gusta hacer es tener un equilibrio uniforme de curvas y rectas. Como dice aquí, las líneas rectas se sienten más angulares y crean más una sensación dramática o enojada, y luego las líneas curvas orgánicas se sienten más suaves y amigables. Ten eso en cuenta ya que estás creando tu personaje porque queremos crear una sensación neutral para esto o incluso una más feliz. Podríamos querer ir un poco más curvados porque incluso solo mirando esto, este personaje se siente como un robot que me hace pensar en frío y duro. Definitivamente no quiero eso. Por eso estoy empezando a sumar algunas de estas curvas aquí. Pero como dije, un equilibrio uniforme de curvas y rectas que tengo yendo aquí, tengo esta curva, tengo la curva de rodilla que cumple con la curva recta. Un ejemplo clásico de una curva a recta que realmente me gusta es sólo una pierna humana básica. [ Risas] Tenemos una recta y luego tenemos el muslo y la pantorrilla y luego eso solo hace una pierna de inmediato, pero es muy simplificada. Tienes la recta por un lado y la curva en el otro. Simplemente crea este fresco aspecto geométrico abstracto y sensación sin sentir realmente demasiado geométrico como este. [ Risas] Si quisiera hacer eso aquí, incluso podría hacer toda la parte superior de la pierna de este personaje curvatoda la parte superior de la pierna de este personajey luego tener la parte inferior sea recta o podría tener estas dos rectas cumplir con un punto, y luego hacer que se curven por debajo. Obviamente, siento que cualquier cosa que tenga un rincón afilado se va a sentir un poco demasiado intenso [Risas] por lo que estoy buscando aquí. Pero esa es tu regla básica para curvas y rectas. Voy a repasar esto un par de veces, te recomiendo encarecidamente que hagas esto tú mismo. Empieza con tu abstracción básica de formas y luego trae tu boceto de traza. A partir de ahí se podría incluso empujarlo más. mejor sólo voy a hacer una segunda donde voy aún más curvada porque en el breve cliente, dicen, queremos que sea feliz como almeja, así que tal vez haciéndolo aún más amigable. A lo mejor vemos más de una cintura aquí y tenemos curvas más voluptuosas pasando aquí. Si quieres crear esa sensación más geométrica como tener un pie plano o algo que cumpla con un plano plano en realidad será realmente agradable y ayudará a que se sienta más plano. Podríamos incluso tomar esta rodilla aquí mismo y hacer ese piso. Esto crea más una sensación geométrica. Podríamos tener el pie siendo recto y tal vez una pierna curva, pero entonces tal vez incluso la hoja del rodillo esté recta en el suelo, lo que realmente no tiene ningún sentido. Pero podrías tenerlo así potencialmente. Obviamente, no tiene por qué ser realista. Si tu pose que hiciste no está funcionando y no te encanta, siéntete libre de burlarse de ella aquí. Sólo voy a seguir adelante. A lo mejor definimos el hombro un poco más y lo hacemos más curvado de esa manera. Lo bueno de las fotos de referencia es que realmente te muestran cómo solapar tus extremidades y esas cosas. Porque a veces estoy como, espera, ¿la línea irá esta manera o va a ir de esta manera? [ Risas] Así que teniendo eso ahí como referencia, puedes ver la manga de mi atuendo, eso realmente ayuda. Voy a mantener el brazo recto aquí también y hacer que se reúnan. Solo tendremos unas manos de guante por ahora. Pero realmente me gusta cómo se está perfilando esto. Si volvemos a nuestros bocetos gesturales, tenemos esa bonita línea de acción que aparece aquí. No es necesariamente tu línea básica de acción, pero tal vez sea un poco swoopy swoop. [ Risas] Siento que tiene una composición agradable. Si tomamos ese boceto rudo y lo hacemos más grande, ¿encaja en el marco? Bueno, tal vez potencialmente, aquí es donde estaría el perro más tarde cuando repasemos eso, así que ocupa más del marco. A lo mejor el perro está agarrando el botín como lo hacen los perros. Sólo bromeando. No sé por qué dije eso. [ Risas] Pero podemos mantener eso adentro. Sí. Obviamente, soy genial en solo bosquejar perros más o menos. Ya lo sabes. Ya se ve perfecto, por lo que no se necesita más trabajo ahí. [ Risas] Pero si también estamos pensando en el aspecto de ella que tenía, si volvemos a nuestro concepto, agarrar un brazo lleno de juguetes, en un apuro, despeinado, tiene todos estos detalles extra. Eso es algo que seguiremos agregando. Pero quiero hacer un poco de espacio para ello aquí. A lo mejor la correa del perro está en su brazo y está envolviendo de nuevo al perro, y tal vez ella tiene su bolso o bolso o bolsa de compras de comestibles, sea lo que sea colgando de su brazo y tal vez hay una pelota aquí abajo y ella está rodeada de juguetes y esas cosas. Entonces tal vez si la hacemos un poco más pequeña, podemos añadir un estante detrás de ella. Tal vez sea más un estante aplanado. Bueno, no quiero sólo ver el lado de ella porque creo que eso es aburrido y no sería tan emocionante para el cliente ver sus productos. A lo mejor hay este estante que ocupa la mitad del marco y vemos algunos artículos en él. A lo mejor está llegando a las galletas de perro como dije antes. [ Risas] Es sólo una versión súper áspera del boceto, pero estoy guardando todo en capas separadas. Si quiero volver a entrar y ajustar las cosas o abstraer al personaje como vamos a hacer en la siguiente lección, tengo esa capacidad ahí. Creo que vamos a un gran comienzo. Te animaría a seguir adelante y probar algunas formas diferentes de esbozar a tu personaje y luego nos adentraremos en los detalles más refinados. [ MÚSICA] Usando tu foto de referencia favorita, crea 1-2 bocetos rápidos. Los estaremos refinando en el siguiente video. Sinceramente no puedo esperar a ver qué se te ocurre. Tómate una ráfaga y te veré ahí. [ MÚSICA] 11. Teoría sobre abstracción y exageración: [ MÚSICA] En este video teórico, voy a sumergirme en las formas que puedes hacer que tus diseños de personajes sean más únicos empujando proporción. Usaremos la abstracción, la exageración y la distorsión para transmitir cosas diferentes. Por ejemplo, si queremos que un personaje se encuentre súper fuerte, posible que quieras darles hombros irrealistas anchos, o un truco que siempre me gusta usar es hacer la cabeza y los ojos mucho más grandes de lo que deberían ser para crear una sensación más juvenil o inocente. Incluso puedes enloquecerte y hacer algo que simplemente ni siquiera se encuentra como humano. Esta es una parte súper divertida del proceso de diseño de personajes para mí, y creo que tú también lo disfrutarás. Obviamente, cambiar todas estas proporciones también afectará la forma en que se animan los personajes. Si algo tiene pies enormes, su biodinámica y su ciclo de caminata van a ser muy diferentes ponderados que uno normal. Esto es definitivamente algo a considerar mientras abstraste tu propio boceto en la siguiente lección. Si estás trabajando con un animador súper experimentado, es posible que te sientas cómodo volviéndote loco con proporciones. Pero si no estás seguro, siempre es bueno obtener el beneficio de la duda y no ir demasiado duro con la abstracción. Estamos en este punto de nuestra ilustración, que es escribir la fase de boceto áspero. Aquí es donde queremos llegar, un poco más únicos con nuestros personajes. Obviamente, ya he implementado alguna abstracción haciendo esa curva a truco recto y haciendo algunas formas geométricas y aplanando todo. Pero todavía hay muchas cosas que podemos hacer. Voy a mostrarte algo de eso ahora. Me encanta usar la abstracción, la exageración, empujar proporción para hacer que mis personajes sean más únicos, y no sólo mis personajes, sino mis diseños en general. Por ejemplo, si miráramos estas gafas aquí mismo, un verdadero par de gafas, la perspectiva no se vería así y no sería tan perfectamente recta y en ángulo plano como ese. Pero realmente quería hacerlas geométricas y simplificadas, así que literalmente acabo de hacer un par de líneas rectas, una curva y dos círculos, y se vuelve realmente abstracta. Podemos aplicar esos mismos principios a los personajes. Por ejemplo, aquí, con el brazo aquí abajo, creé dos líneas rectas, conectándolas con una curva y creé más ángulos de 90 grados por todas partes. En realidad se puede empezar a ver algo de esa abstracción, y la distorsión y exageración. Lo que quiero decir con eso es que los pies son realmente pequeños en comparación con las piernas, o aquí arriba, la cabeza del personaje es muy pequeña en comparación con el cuerpo. Realmente es solo tomar esos elementos del cuerpo, hacerlos más grandes o más pequeños, distorsionarlos un poco, tal vez inclinarlos, y llegar algunas formas diferentes de visualizar estos personajes. Si pasamos por mi Pinterest, que siempre es mi lugar favorito para ir, siéntete libre de seguir por ahí porque sí me encanta pintar todo el tiempo. Pero se puede ver muchos de los personajes que he ahorrado aquí son exagerados. Los pies de este personaje son 50 veces más grandes que su cabeza. Eso es una exageración, pero ya sabes a lo que me refiero. Lo hace más juguetón y divertido. Estos personajes tienen alguna perspectiva aplanada realmente interesante, y sus cabezas son realmente diminutas, pero sus manos son enormes. Para éste, por ejemplo, es como una perspectiva aplanada donde vemos que la mano está en primer plano, pero sólo parece gigante en comparación con el cuerpo porque está aplanado. Algo que voy a decir es que usar la abstracción y la exageración y empujar esa proporción puede crear un tipo diferente de humor para tu personaje. Como dije antes, los niños tienden a tener cabezas realmente grandes en las ilustraciones. Incluso si miramos las ilustraciones sugeridas que se hacen aquí, puede ver que estos personajes son niños y se ven como niños porque sus cabezas son masivas en comparación con sus cuerpos. Incluso aquí, por ejemplo, este es un proyecto que yo arte dirigió, Odd Fellows, y vemos a este personaje femenino más sofisticado, realista. Definitivamente está abstraída un poco, pero tiene proporciones humanas más realistas, y también lo hace su familia. En la fase de desarrollo de esto, en realidad se pueden ver diferentes iteraciones de eso. Este personaje, aquí abajo en el centro izquierdo es de aspecto mucho más realista. Su cabeza está más en proporción con su cuerpo, igual que esta otra en la parte inferior izquierda. Pero entonces éste de aquí abajo que dibujé, y estos en el medio donde realmente lo logramos, tienen cabezas un poco más pequeñas y brazos y piernas alargados. A pesar de que no son un 100 por ciento proporciones humanas realistas, todavía se puede identificar como humanos. Tienen mucha más personalidad en la corte para ellos. Ahora no estoy diciendo que no debas usar proporciones humanas realistas porque eso es una mirada. Eso es una vibra. [ Risas] Algunas personas quieren ir con cosas que se ven más realistas y a veces tu cliente lo pedirá. Pero esta clase se trata de simplificar para la animación y crear un personaje estilizado. Si vamos a ver esta animación 3D desde libro, es super lindo, pero se puede decir que están tratando ser más juguetones porque los personajes tienen cabezas enormes y ojos enormes. Casi se sienten como juguetes. Cambiar las proporciones y todo realmente puede darle a tu ilustración un estado de ánimo totalmente diferente. Además de eso, cambiar las proporciones va a afectar la forma en que se animan tus personajes. Por ejemplo, como este personaje de dinosaurio tiene piernas pequeñas y brazos pequeños y la forma en que se anima es reaccionar a la forma en que se forma. Supongo que esa es probablemente la mejor manera de decirlo. Es tomar en cuenta el peso del personaje. Esto puede no ser 100 por ciento exacto, pero me gusta pensar que las piernas son largas y el cuello es un poco demasiado largo, por lo que se siente realmente fuera de equilibrio, y por lo que esta caída solo está volteando. Entonces este personaje se siente mucho más fiel a la vida. Tenemos más de ese movimiento realista sucediendo, viento muy estilizado y todo. Pero realmente se puede ver que hay mucho peso puesto en el personaje. también me gustó este como ejemplo, porque la cabeza del perro es enorme, por lo que definitivamente se siente un poco fuera equilibrio cuando está corriendo. Éste es simplemente tonto. No tiene sentido. Amo a Charles Huettner y ni siquiera sé si así es como lo dices. Si no, lo siento, Charles. Pero solo me encantó [Risas] cómo la cabeza se ve más pesada con el trasero hacia arriba. Las proporciones realmente afectan todo y hay que tener eso en cuenta a medida que estás dibujando porque tu personaje será animado. Ahora que en realidad hemos mirado algunos ejemplos de abstracción, pensando un poco todas las diferentes proporciones de personajes, cómo podemos cambiar esos para arriba y luego tomar también en considerar el aspecto de animación de la misma, me encantaría sumergirme en nuestro propio diseño en la siguiente lección y aplicar algunas de estas características a eso. [ MÚSICA] 12. Resume tu boceto: Pongamos en acción esos punteros de proporción que acabamos de aprender. Tengo mi pose de personaje y boceto que realmente me gusta. Ella sigue siendo básica, así que en realidad no he llegado a adjuntar a nada todavía. Esta parte es realmente divertida para mí. Ya hemos hablado de cómo ven las proporciones humanas reales. Quiero llevar esas técnicas al siguiente nivel jugando con la proporción, y la escala y la distorsión usando la herramienta de transformación. Porque estamos usando la ilustración aquí, tenemos la licencia para estirar los límites de la realidad. Puedes usar contraste de escala y forma añadir estilización a tu trabajo. En muchos casos, dependiendo de cómo estés utilizando estas técnicas, proporciones exageradas pueden hacer que tus personajes sientan más relacionables o únicos. Dicho esto, veamos un par de formas en las que técnicamente podríamos exagerar nuestro carácter. Voy a apagar estas capas extra y simplemente usar esta principal. Sólo voy a duplicarlo y apagar mi capa de boceto por ahora. Lo que me gustaría hacer muchas de las veces es solo hacer una versión más pequeña de mi personaje y crear iteraciones. Obviamente esto es sólo formas en este momento. Pero voy a entrar y ser como, ¿y si tuviera una cabeza realmente grande? Eso me parece más infantil y no necesariamente siempre la única manera de ir extravagante. También podrías darle una cabeza diminuta. Eso podría sentirse más juguetón de alguna manera porque está fuera de equilibrio. A lo mejor los pies son masivos. Esa ilustración que estaba mirando antes tenía pies realmente grandes y me gustó cómo se sentía más divertido y juguetón. Voy a hacer esa aversión y voy a iterar desde ahí. Quizás otra cosa que podamos hacer es que puedas seleccionar tu personaje y luego puedes hacer clic derecho en él, y tienes todas estas herramientas como distorsionar, perspectiva, escalar, rotar. A veces me gusta usar la herramienta de distorsión, y simplemente arrastraré las esquinas y simplemente seré como, tal vez quiero que su línea de acción sea más fuerte, así que la estoy empujando más hacia la izquierda porque es inclinándose hacia la izquierda. Lo hace un poco más interesante y atrae tu ojo hacia el otro lado del marco porque está apuntando hacia él. Me gusta cómo se siente eso. A lo mejor sus piernas están aún más alargadas, así que solo seleccionaré una de las piernas a la vez y las arrastraré y llenaré los espacios en blanco. Tal vez éste sea más largo de esta manera. Vas a tener que hacer ajustes a medida que avanza. Pero comienza a convertirse en algo un poco más único e interesante. Ya si miras por encima del boceto en el que estoy trabajando ahora y ves el original, se siente como si le tiene más movimiento. Ya se siente más animado. Cuanto más animados podamos hacer a nuestros personajes antes de que incluso se pongan en movimiento, más impulso visual van a tener. Personalmente me gusta este, pero veamos algunas otras formas en que podríamos simplemente distorsionar las cosas. Si volvimos a tomar ese original, si queremos que parezca realmente fuerte, podríamos exagerar y distorsionar los hombros. Como dije, tener esos hombros masivos va a hacerla lucir más aficionada, más machista. A lo mejor se le puso un gorrito. Su desperdicio es menor, por lo que se siente más como la proporción masculina. Quizás tengamos aquí un personaje masculino o un personaje no binario o sin género. También puedes hacer que las piernas sean súper pequeñas y apoyarte en eso un poco más. Creo que eso parece realmente tonto, pero si pudiéramos hacer algunos ajustes, podría funcionar. Quizás las piernas salgan de esta manera. Quiero decir, esto es simplemente ridículo. Probablemente quiero ir con esto y el final, pero tengo mi propio estilo y probablemente tengas tu propio estilo y no son iguales. Te animo a que juegues con cómo se ven las proporciones de tu personaje. Creo que es realmente importante abstraer y ver diferentes iteraciones a medida que avanza para asegurarte de que te sientas cómodo con el diseño de personajes en el que terminas coloreando. Después de haber terminado de abstraer, quiero tomar este próximo poquito de tiempo para realmente refinar nuestro boceto un poco más. Vamos a estar entrando en caras pronto y agregando color en detalles, etcétera Pero antes de llegar allí, obviamente necesitamos tener un boceto más refinado. Voy a elegir el boceto que más me gustó, que fue éste, y me voy a tomar algún tiempo para darle vida. Simplemente haré esta carpeta llamada boceto refinado. Empieza con esto. Este es mi boceto áspero. Puedo nombrar esa capa. Estas capas aún no se utilizarán para el animador. No te preocupes demasiado por organizar tus capas. Pero siempre es bueno ver semiorganizado porque entonces tienes algo que mirar fácilmente y puedes cerrar carpetas y puedes mirar hacia atrás a tu progreso. Realmente te animo a que te quedes al menos semi-organizado aquí. Eso no significa nombrar necesariamente a cada capa, pero mantenerme más organizado en general siempre me ha ayudado. Ahora que estoy mirando esto, me estoy dando cuenta de que nuestro personaje podría ser en realidad un poco demasiado largo para el marco porque vemos que es cuadrado, pero aún queremos tener estas otras cosas a su alrededor. Digamos que hay justo como este estante rectangular. Entonces potencialmente, queremos tener al perro aquí. Tenemos todo este espacio extra en la parte superior y abajo, y estoy tratando de encajarlo de manera más proporcional porque el cliente ha dicho específicamente que quieren que sea un puesto cuadrado en redes sociales. No se utilizará realmente en ningún otro contexto. Creo que está bien apoyarse en esa forma cuadrada. Sólo voy a volver a jugar con esa abstracción y sólo tratar de traerla un poco más. A lo mejor no está tan alargada como la tenía antes. A lo mejor su cabeza es un poco más grande para que ocupe más espacio en la parte superior. A lo mejor eso la hace parecer un poco más amigable. Quizás sus antebrazos no sean tan largos y tal vez no esté tan doblada como antes. Esa es una diferencia muy leve, pero creo que va a ayudar. Además, podríamos hacer que la parte inferior de la pierna un poco más corta e incluso hacer que su pie sea más alto y más grande. Pero a veces es simplemente divertido añadir un poco de personalidad extra a tu personaje. Ahí está ella. Está tomando la mayor parte del marco. Quiero tener esta cosa del estante, pero tal vez le voy a dar un poco más de espacio para respirar. Es como enmarcar a nuestro personaje, que composicionalmente se siente realmente agradable. Entonces cuando lleguemos a la parte del perro más adelante, solo quiero tener un poco de forma de gota aquí para darme alguna idea de dónde va a estar ese perro. Perro, tal vez eso es su nariz, y tiene unas piernitas. Eso definitivamente se ve mal pie. Eso es algo en lo que podemos trabajar. Ya que se inclina hacia la izquierda, se siente muy pesada a la izquierda. Sólo voy a sacarla un poco. Si no está técnicamente centrada, todavía puede estar centrada visualmente. Eso es en lo que realmente quiero enfocarme. A lo mejor le daré un par de estantes. Asegúrate de eliminar las piezas que realmente no quieres superponer. Voy a hacer un lapso de tiempo aquí de mí refinando a este personaje. Lo que quiero decir con refinar, es repasar creando líneas limpias y formas limpias que puedo rastrear en mi fase de bloqueo de color para que tenga una silueta más geométrica y limpia para trabajar fuera de. No hay demasiado para esto. Realmente se trata de agregar detalles, asegurarnos de que estemos obteniendo esas líneas muy rectas. Ya no es tan insignificante. Asegurándonos de que estamos agregando en las cosas que están en los estantes, agregando ese pelo despeinado al personaje y todo. Creo que será realmente útil ver cómo estoy haciendo esto. Entonces cuando entramos en la fase de bloqueo de color, podemos hablar más sobre esos detalles y cómo se suman al concepto. La forma en que hago eso típicamente es solo tomaré toda la carpeta y presionaré Comando E y eso pondrá todo en una capa porque es más fácil simplemente mantener mis bocetos en una capa. Típicamente, no queremos aplanar las cosas en la animación, pero aún no estamos del todo ahí. Voy a bajar la opacidad. Voy a crear otra carpeta. Sólo voy a empezar a sumergirme en esto. Un consejo a tener en cuenta si estás usando Photoshop y especialmente Procreate, esto realmente funciona en Procreate también, es tener en cuenta esta herramienta de suavizado. Si quieres conseguir esas líneas más limpias y hacer que tus líneas sean menos tambaleantes, típicamente pongo mi suavizado al 15-20%. Con suavizado, simplemente hace que todo se vea realmente bonito de forma automática. Entonces si apago el suavizado, está más dentada. Recomiendo encarecidamente usar suavizado. Es realmente bueno para hacer bocetos y hacer cosas que se ven un poco más refinadas. Aquí es donde lo terminé con mi refinado boceto. Yo le hice muchas cosas. Me aseguré de que las curvas y rectas se sintieran más limpias en nuestro personaje. Volví y miré nuestro concepto, esto parece una locura en este momento, pero solo estoy mirando esta lista aquí mismo. Realmente queríamos que fuera despeinada, patines, en un apuro. En realidad me olvidé de añadir en su bolsa y esas cosas, así que déjame hacer eso ahora mismo. Definitivamente quería que se sintiera más como si estuviera despeinada. A lo mejor tiene algunos juguetes más metidos en su brazo aquí. A lo mejor hay una pequeña bola en el suelo o una cuadra o algo así. Otra forma en la que realmente quería traerle vida personalizada era potencialmente a través de agregar patrones a su ropa. Piensa en tu boceto áspero como tu boceto de figura básica. Imagina que aún no le has unido ropa, es más bien un modelo de plástico. Entonces en esta sección cuando estamos refinando, voy a entrar y agregando un poco más de interés y detalle. Por eso añadí la pierna del pantalón sobresaliendo. Se sentiría un poco más rígido si todo estuviera exactamente a la línea del cuerpo, todo sería la piel apretada y eso no es realmente realista. No todo el mundo se viste de esa manera. Sólo quería agregarle un poco más de estilo y personalidad a ella. Tal vez incluso cuando entro en color más tarde, ella puede tener un poco de tatuaje en su brazo o aretes fríos. Hay un sinfín de posibilidades de lo que podemos añadir a nuestros personajes. Cuanto más añadas, más única será esta persona. Ahí es donde me dirijo con él. Dejé este lugar a su derecha para meter al perro. Realmente quiero repasar eso un poco más tarde porque quiero hablarte un poco de personajes y animales no humanos y cosas así. Entonces eso también nos dará un poco de repaso por cómo hicimos este primer personaje. Me siento bastante bien con este refinado boceto. Me aseguré de usar mi truco curvo, recto, mi abstracción. Me quedé fiel a mi silueta. Entonces vemos mucho espacio negativo entre todas las piezas de nuestro personaje. Es muy clara y fácil de leer. Eso me hace sentir que estoy casi listo para pasar a la siguiente lección, en la que hablaremos un poco sobre rostros y expresiones faciales. 13. Rostros y emoción: [ MÚSICA] A menudo es posible que no necesites expresiones faciales muy detalladas para tus personajes. ocasiones tal vez ni siquiera necesiten caras en absoluto, pero en el otro lado, es posible que quieras que la emoción sea el factor impulsor de tu personaje. No sé dónde escuché esto exactamente, pero sé que los humanos están científicamente inclinados a ver caras y emociones en las personas. Mascotas, animales, e incluso naturaleza, es probablemente por eso que siempre veo una cara espeluznante de fantasma cuando miro demasiado cerca mis tablas de madera. Pero la emoción tiene un montón de relacionabilidad e interés un personaje y puede intrigar a los espectadores para que miren su trabajo con más cuidado, tal vez incluso darle una segunda mirada. Como dije, me encanta hablar un poco más emoción y carácter expresiones faciales y todo. Si obviamente miramos hacia atrás el breve, quieren que esta persona sea feliz. Todo el mundo sabe dibujar una cara sonriente. Creo que literalmente podríamos simplemente tener una sonrisa en este personaje y ella se sentiría completa. A veces no necesitamos mostrar esas caras para cruzar la emoción que estamos sintiendo. Si quisiéramos exagerar eso más, podría tener su pequeño ojo volteado o simplemente podría tener un ojo de círculo, incluso podría tener una sonrisa lateral astuta y todo por el estilo. Pero para bajar estas expresiones faciales básicas, siempre es bueno mirar referencia de la vida real para saber exactamente lo que estamos haciendo. Pensé que sería agradable mirar algunas de estas expresiones faciales. Acabo de agarrarlos de Google. Desgraciadamente no estoy seguro de dónde vinieron exactamente, pero creo que mirar una cara real va a ayudar mucho. Una cosa que es muy útil notar ya que estamos mirando a estos personajes y personas en la vida real es que las cejas agregan mucha expresión. El ancho de los ojos y la ansiedad, la ira y el miedo es como casi exactamente igual, pero las cejas están haciendo cosas totalmente diferentes. Realmente se puede ver que se encuentran más en personajes ilustrados, como cuando están exagerados, porque para la animación sobre todo, el animador va a estar exagerando estos faciales expresiones para que se sientan más notables en la animación. Utilizan estas técnicas llamadas stretch y squash, que ayudan a exagerar esas emociones dependiendo de la emoción que estés tratando de retratar. Por eso algunos de estos se ven mucho más exagerados que tu típico rostro humano. Creo que este es un ejemplo realmente lindo de cómo los ojos se vuelven más pequeños por expresión. Es realmente bueno tener eso en cuenta. Pero cuando te pones a ella y realmente quieres simplificar las cosas, todo lo que realmente necesitas es honestamente, ni siquiera necesitas una nariz. Todo lo que realmente necesitas son ojos, boca y cejas. En ocasiones puedes incluso solo tener ojos y boca, como te estaba mostrando hace un poco. Pero las cejas son una gran ayuda para retratar esa emoción. Esto es en realidad de un proyecto que yo arte dirigido a Odd Fellows for Google y fue realmente divertido idear estos personajes desde cero. Trabajamos con algunos diseñadores increíbles, Ods realmente fue más o menos el que diseñó el sistema. Pero como se puede ver, pasamos por muchas iteraciones simplificadas y más realistas de los personajes. Después de ahí llegamos a diseñar ciclos de paseo y turnarounds y todo eso. Esto es sólo una bonita hoja de expresión de carácter poco simplificado. Entonces si vas a la página de mi página web, tenemos ejemplos capilares de diferentes tipos de personas, razas, nacionalidades, todo eso. Además de eso, también tenemos esta hoja de expresión, que es lo que tengo en la pantalla detrás de mí aquí. Pero como se puede ver , bajar las cejas va a parecer más enojado o irritado. Si pones las cejas arriba, se va a quedar más alegre o sorprendido. Si tienes cejas volteadas, se sentirá más triste o ansioso. Puedo mostrarles al instante cómo se vería eso en este personaje aquí. Si queríamos que se sintiera simplemente feliz, va a ser difícil conseguir esto bien desde este ángulo, pero ella tiene los ojos levantados allí, tal vez incluso tiene una gran sonrisa en su cara. Pero al instante, si hago esto, se va a ver enojada porque sus cejas están bajadas. O si hacemos esto, ella es como, estoy un poco preocupada, tal vez ella tiene un poco de sudor, lágrima pasando ahí. Como dije, te vendría bien una boca si quisieras. Yo no diría que sea un policía fuera porque definitivamente creo que hay algo de belleza a la simplicidad de la misma. Pero siempre me gusta agregar un poco más. Para ella, puedo tener los dos ojos así que lo estamos viendo en el borde y tal vez tenga esa pequeña mirada sorpresa en su cara. [ Risas] Podría estar girando un poco hacia la cámara. También podrías tomar esa expresión y moverla en la cara y ver cómo se siente diferente. Incluso si lo cortas y luego tal vez quieras agregar una nariz y el personaje empieza a sentirse un poco diferente con la nariz, por lo que quieres jugar con la expresión facial. Hay tantas posibilidades y realmente solo toma el golpe de una línea para que se vea diferente porque como humanos, tratamos de encontrar la emoción y las expresiones faciales en todo. Incluso solo agregando una pequeña línea al azar, como aunque pongas su boca por aquí y le pongas las cejas hacia abajo, se vería frustrada. O si le pones las cejas arriba, es como más ligeramente y curiosa o casi preocupada. A lo mejor tiene una expresión bajista y está preocupada o está absolutamente sorprendida. Dios mío, mira esta comida para perros, es una locura. Esto me encanta tanto. [ Risas] Hay muchas formas en las que puedes ir con tu expresión facial, pero te animo a que juegues y simplemente te diviertas con ella. Creo que en lo personal, sólo voy a ir por una simple sonrisa suave. A lo mejor ella tiene un poco de ceja ahí y realmente me gusta tener la nariz ahí porque creo que le da más definición a su rostro. Incluso puedes jugar con cómo se ve la nariz o cuánto cambia la cara. lo mejor es sólo un pequeño botón de nariz o tal vez es una nariz grande que tiene más personalidad a ella o tal vez tenemos una nariz un poco redondeada. También puedes volver al boceto y eliminar la línea extra para que parezca más terminada. Pero me gusta esta pequeña nariz puntiaguda que tuve antes. Aunque no quiero que se vea demasiado preocupada, así que hagamos más felices sus cejas. Podrías agregar un ojo de verdad ahí si quisieras. Simplemente le da un aspecto y sensación totalmente diferentes. Pero sugeriría encarecidamente tal vez probar cosas diferentes que ves en Pinterest o ir a un tablero de personajes y solo ver qué tipos de caras diferentes hay por ahí. Tenemos unos ojos de aspecto más realistas, tenemos algunos más ojos de punto, tenemos estos ojos grandes, redondos, googly. Yo no diría necesariamente tomar exactamente lo que alguien más tiene y hacer eso por toda la cara, pero toma trozos y piezas de eso y aplica eso a cómo estás dibujando a tus personajes. A lo mejor quiero que los ojos sean más medio realistas, como esos. A lo mejor tenemos esa línea superior y se ve un poco astucia y está mirando hacia atrás a su perro. Me gusta cómo resultó eso. En realidad voy a dejar esa. Una vez que añadamos el perro ahí, tendrá un poco más de interacción, creo. De cualquier manera, esto es algo con lo que puedes jugar fácilmente porque es tan pequeño e intercambiable y cambia toda la dirección de tu ilustración. Asegúrate de tomarte algún tiempo para entrar ahí y jugar con esas expresiones faciales. [ MÚSICA] 14. Consejos de un animador, parte 2: [ MÚSICA] Después de finalizar nuestro boceto, vamos a estar colocando las capas con las que el animador realmente estará usando para animar. Creo que es importante que volvamos a visitar el proceso de animación con nuestro animador invitado, Tyler. Haré que rompa una de sus animaciones para que te des una mejor idea de lo que necesitarás prestar atención mientras agregas color, textura y detalles. También tendrás que prestar mucha atención a cómo estás organizando tus capas y no aplanando las cosas [Risas] por supuesto para que también repasara eso un poco. Soy yo, Tyler. Ahora que has esbozado cómo va a ser tu personaje y tu archivo, es importante tener en cuenta cómo estructurarás los rellenos y formas para cuando lo refines en la final diseño. Hay algunas cosas importantes que debes tener en cuenta cuando lo estás haciendo. [ MÚSICA] Esta es una animación que Sara y yo hicimos. Este es el expediente que me dio. Es en su mayoría genial y voy a pasar por algunas de las razones por las que funcionó bien para mí y luego hubo algunas cosas que faltaban que al final, yo, como animador, tenía que simplemente tomar esas decisiones porque no tuvo tiempo para crear activos extra para mí. Yo personalmente uso Photoshop para animar de todos modos por lo que usar PSDs directamente de diseñadores tiende a ser una entrega bastante fácil. Definitivamente no es la forma tradicional y popular de hacer animación celular o fotograma a fotograma, pero es justo como lo aprendí y eso es lo que sigo haciendo. Comenzando, de inmediato voy a ir directamente al panel de capas y solo ver qué está pasando por aquí. Típicamente, asumiré que mayoría de las capas que están apagadas probablemente no van a ser importantes así que voy a empezar limpiar el archivo por sake de simplicidad para mí, no necesito el boceto, Necesito los rellenos. Este es el diseño final. Curioso qué hay debajo de los rellenos, ese es otro boceto. No necesito eso. Ese es otro elemento de boceto y dado que el fondo está integrado en esta carpeta de rellenos, tampoco necesito esta capa. Adelante y simplemente desagrupa esto personalmente para que sea más fácil para mí ver. Caída de nieve, eso está bastante claro. Con la nieve probablemente será como construir y luego bajar y desaparecer de nuevo. Con ese tipo de movimiento, sé tedioso hacer eso y así por cada uno cuando podría hacerlo mucho más fácil en After Effects. Simplemente apagaré eso por ahora y lo pensaré más tarde. Pasando por. Todos estos son bastante claros. Por estas cosas, probablemente solo aplanaré esto. De nuevo, soy el animador en esta situación y es muy útil para mí tener ambas capas posiblemente. mejor habría una situación en la que necesito estas pilas de nieve para estar separadas, pero en mi mente no necesito que sean así que solo iré y aplanaré eso por mí mismo. Abriendo estos hongos más pequeños. Todavía tengo que pasar y encender y apagar. Se puede decir qué es esto mirando la miniatura aquí. Pero sigo revisando para ver qué es qué. Considerando que si esto fuera patrón rojo seta o incluso si estos no fueran solo números. Esto era frontal, centro, hongo, top, espalda, seta. Derecha, hongo pequeño. De esta manera esto no es mucho más descriptivo y tal vez un poco excesivo. Pero si tienes el tiempo, te ahorra poder intelectual [Risas]. Cuando consigo un archivo que es complejo como este, donde este ratón va a estar haciendo algo saltando y yendo atrás y este fin va a hacer algo así como éste y éste y este ratón va a estar dando la vuelta y sonriendo a nosotros. Solo hay muchas cosas en las que pensar y quitar ese paso de tener que pasar y organizar las cosas. Se va a hacer que el animador te guste mucho más y fue a trabajar contigo de nuevo y recomendarte a ti y a todas esas cosas felices. Aquí hay un buen ejemplo de diseñar detrás de capas. Ambos ratones se moverán. Digamos que tenía su boceto construido la manga del ratón y está en el queso. Vas a llenarlo y luego solo rellenas esta forma marrón para el ratón. Vuelves atrás y solo dibujas esta forma verde detrás del ratón así. Cosa fea, rugosa allá atrás. Cuando el ratón se mueve, entonces no tendría esa información detrás de todo esto que estaba detrás del ratón. Si no lo llenaras, entonces solo tendría que adivinar y rediseñar y posiblemente crear lo de aspecto equivocado por lo tanto tal vez recuperará la animación más tarde y el ratón saltó y hay algún patrón de hojas tontas que no coincide y el animador estaba confundido. No es del todo correcto. En muchos casos, la pregunta general de la animación es que un personaje se aleje, entonces el animador va a necesitar esa información para lo que hay detrás de las piezas y moverse. Esta animación, tuve la idea que este ratón inferior izquierdo aquí estaría rebotando arriba y abajo y vemos esta hormiga aquí. Probablemente se está arrastrando de esta manera. Pero a este ratón le encanta su queso. Va a abofetear a la hormiga cuanto llegue por aquí. Él disparaba por aquí y volvía a golpear esta pequeña nieve porque eso es tonto. Hay mucho involucrado en eso porque será divertido ver la cara del ratón. Por suerte, tengo otro ratón en el ángulo que sería la cara. Yo sí vi si Sara tenía alguna preferencia sobre cómo debería verse este ratón inferior izquierdo cuando se gira y abofetea y hace todas sus tontas cosas. Pero no tuvo tiempo para sacar esas poses. Acabo de referenciar el rostro de éste de aquí. Yo agarré generalmente cómo se ve este tipo de este perfil y luego lo volteé y funcionó. Entonces cuando animé en el medio y lo postula para estar mirando hacia abajo a la hormiga y luego tiene este pequeño brazo por aquí y le da una bofetada a la hormiga. Pero muchas veces el animador no va a tener innecesariamente la información como otro ratón que se plantea como se quiere, es posible que tenga que proporcionar esa información, sobre todo decir solo había un ratón en esto de todos modos. Entonces el animador es como, el ratón necesita mirar a la cámara. Entonces esa es mucha información para el animador se acerque a sí mismos. ¿ Como qué aspecto tiene el ojo? El animador podría darles como unos ojos tontos que no son pronto tan lindos y luego solo se ve como un pequeño y espeluznante ratón ojo pequeño ahora. A veces no quieres eso. Tal vez lo quieras. Pero de nuevo, eso es conjeturas para el animador. Solo quería mostrarte cómo terminó mi expediente y cómo se veía la animación final. No es el momento del todo real ahora mismo. Aquí está la animación final. Todo esto se hizo en Photoshop durante una cantidad decente de tiempo. Hay muchas texturas, animando, y la animación de personajes no fue la más simple. Pero puedo entrar en algunas de las formas en que se ven estas capas. Pero podría ser mucha información para tomar en cuenta con la línea de tiempo de Photoshop, que probablemente no estarás mirando mucho en esta clase. Esta línea de tiempo aquí abajo es una forma diferente de mirar las capas que también están dispuestas por aquí. Voy a hacer linework primero antes de entrar y hacer rellenos. Pero si vamos a mirar la textura de este ratón, se puede ver cómo redibujé la textura cada tres fotogramas y la decisión que tomé con Sara en realidad fue no tener la textura puesta la cola de este ratón porque no estaba en éste y me hizo la vida un poco más fácil tener una cosa menos para dibujar y cortar el diseño un poco consistente y eso es todo. Quizás algún día, no será un curso de animación de Photoshop. Pero no es hoy. [ MÚSICA] 15. Creación de bloques de color: Aquí es donde nosotros, como diseñadores realmente necesitamos empezar a ser conscientes del proceso de animación como acabamos de aprender de Tyler. Relleno de colores, así es como en realidad empiezo a bloquear mis diseños para la animación después de haber terminado con la fase de boceto. Vamos a cavar en ella. Antes de volver a saltar a la derecha en bloqueo de color y nuestro archivo de Photoshop real. Solo voy a caminar a través de un par de reglas a tener en cuenta mientras estás creando estos archivos para la animación. Siempre me gusta tener en cuenta estas tres reglas cardinales para llevar tu diseño a cualquier estado listo para la animación y me encantaría que tuvieras estas en mente mientras estás trabajando en agregar color y textura a su diseño. El número 1 es etiquetar todo con claridad. Si tienes Photoshop, si tienes Procreate, si tienes Illustrator, asegúrate de que estás etiquetando cada capa o cada objeto, sea cual sea lo que estés trabajando. No importa dónde, solo asegúrate de que estás etiquetando eso. El número 2 nunca se aplana. Cuando digo aplanar, si no has usado Photoshop o Procreate mucho antes, esto es básicamente solo significa tomar esas capas individuales y aplanarlas en una sola capa para que no puedas ya edita cada una de esas capas individuales. Voy a caminar por eso como estoy diseñando. Pero la tercera es eliminar capas ocultas, vacías o innecesarias. Esto es algo que puedes hacer al final. Pero siempre me gusta simplemente borrar mis capas vacías a medida que voy porque simplemente se pone realmente molesto tener que pasar por al final y simplemente eliminar un montón de cosas. De cualquier manera, tienes tiempo para hacer eso antes de pasárselo al animador. Algunas otras cosas a tener en cuenta mientras estás agregando color aquí, After Effects solo funciona con una resolución de 72 DPI. Pero como dije anteriormente, si quieres usar 300 DPI para tener una ilustración impresa, también puedes convertir la resolución una vez hecho el diseño. Asegúrate de trabajar en color RGB ocho bits, 16 bits si quieres usar gradientes. No aplanes tus capas y no recortes ninguno de tus elementos fuera del marco. Digamos que tenemos un personaje que está detrás de un escritorio o algo así, y simplemente no dibujas la parte del personaje que está detrás del escritorio, cuando el animador apaga el escritorio o si el movimiento característico en cualquier parte, va a haber una pieza faltante del personaje. Queremos asegurarnos de que todo esté ahí para usar una animación. Ahora es el momento de diseñar. Volvamos al proceso de diseño e integremos esas ideas a medida que avanzamos. También voy a ir más allá en desglosar tu archivo para animación después de que hayamos terminado con color en detalle. Solo quería mostrarte lo que quería decir, decir que hay un escritorio delante de nuestro personaje aquí. Realmente no importa de qué color sea. Pero digamos como Illustrator, este escritorio era parte de la ilustración y yo estaba como, oh no necesito, tal vez apaga el escritorio y no hay información ahí para el animador para ti. Y si el personaje tiene que levantarse o ella es como deslizarse y tú eres como, espera un segundo. No tengo una pierna ahí. ¿ Qué voy a hacer? Es por eso que quieres asegurarte de tener toda esa información extra ahí para el animador cuando la pases. Como por ejemplo, en esta ilustración, tenemos un par de cuadrados y objetos detrás de nuestro personaje. Queremos asegurarnos de que esos objetos estén plenamente ilustrados. Cuando nuestro personaje se está moviendo. No hay sólo como extrañamente faltantes piezas de los estantes. Ojalá eso ayude un poco mientras estás trabajando aquí. Siempre empiezo por sacar todos los colores principales y luego agrego texturas y detalles después, lo que vamos a hacer en un video separado. Una cosa clave a tener en cuenta es la organización. Un animador o tú como animador, va a tener muchos problemas para tamizar a través de un archivo y después de los efectos si todo se llama Capa 5, capa 253 y así sucesivamente. Como estoy trabajando, me gusta asegurarme de que todo se mantenga bastante organizado desde el principio para que no tenga que volver a entrar y hacer conjeturas después. Nombra todo a medida que avanza. No aplanes las cosas. Obviamente eliminaremos esas capas innecesarias a medida que avanzamos. No obstante, hay algunas herramientas que necesitamos para empezar, como con cada ilustración. Tenemos nuestro boceto, que es la parte más importante que en realidad es probablemente la fase que más me lleva más tiempo. La parte para colorear es simplemente realmente divertida. En el folleto de clase que tengo para ti, también tengo estas páginas con paletas de colores limitadas para que puedas usar y pinceles sugeridos. Pinceles, me gusta tener a veces un borde texturizado a algunos de mis pinceles para que mi personaje tenga un poco de textura y campo orgánico al personaje y aquí hay algunas paletas de colores limitadas mi clase de paleta de colores y no quiero seguir enchufando mi clase todo el día, todos los días. Pero si tomas mi juego con formas y procreas clase, en realidad hay un recurso descargable aquí llamado jugar con formas, paletas de colores, y eso es lo que incluí para ti aquí. El mismo color paletas. Para esta ilustración, voy a estar usando una paleta de colores limitada, que tiene seis colores o menos. Estas son geniales para ilustraciones gráficas y te obligan a simplificar tu rango, hacer que todo parezca más plano. Simplemente sugeriría si no estás seguro de dónde ir con tu paleta de colores, solo toma uno de estos como captura de pantalla o lo que quieras hacer y meterlo en tu ilustración. Voy a agarrar esta segunda paleta de colores y solo dejarla caer aquí. Me gusta poner mis paletas de colores en la parte superior y simplemente mantenerlas ahí, nombrarlas paleta de colores, para que obviamente esté separada y el animador no tenga que animarla. Personalmente voy a estar solo usando un pincel de bolígrafo aquí porque está limpio, es fácil de leer y no me preocupo por textura ni la apariencia orgánica y la sensación por éste. Además, también me gusta mucho hacer uso de capas de forma. Se ven más limpios, pero no necesariamente se traducirán como editable y After Effects como su mayoría si tienes un archivo Illustrator, podrían, pero con Photoshop aquí, déjame mostrar usted lo que sería un expediente. Aquí solo hay un PSD vacío con una capa de elipse real y una capa texturizada dibujada a mano. Eso es solo una capa ráster básica. Si traigo eso a After Effects, vas a poder ver que esta capa de textura es solo un pequeño objeto. Puedes moverte. No puedes hacerlo más grande. Empezará a ser más borrosa. Una capa de forma y secuelas se ve así. Forma capa y luego agarras la herramienta de forma y dibujas allí. En realidad tienes una elipse con su camino, su trazo, es llenar todo con lo que el animador puede trabajar. Pero la capa de elipse de mi documento de Photoshop es en realidad solo una capa con una máscara en ella. Básicamente es solo una pantalla negra gigante como esta con una máscara de círculo en ella. Es un poco diferente. Todavía es más editable que usar solo una forma dibujada a mano, pero no siempre funcionará para el animador. Solo quería darte un poco de idea de cómo funciona eso. No obstante, como dije, te voy a enseñar lo que sé. Normalmente trabajo con capas ráster. A veces mis capas no van a ser editables por el animador. No obstante, como Tyler y yo los dos siempre decimos, comunícate con tu animador. Si estás en una línea de tiempo muy ajustada y necesitas todo en capas de forma, tu animador probablemente te va a pedir que trabajes en vector para asegurarte de que realmente eres satisfacer esas necesidades desde el principio, en lugar de que el animador convierta su ilustración en vector ellos mismos. Pero nuestro trabajo también es simplemente hacer un personaje realmente encantador y divertido sin preocuparse demasiado por las limitaciones. Sólo quiero que te diviertas con esto aquí. Definitivamente mantente organizado. Pero si te preocupan las capas de formas en este punto, no te vas a divertir tanto creando tus personajes. Yo diría que solo prepara tus colores, prepara tu boceto, prepara tus pinceles. Vamos a sumergirnos en el diseño de este personaje. Lo que voy a hacer es que voy a bajar la opacidad en mi capa refinada de boceto. Normalmente lo vuelvo a cerca de 10 por ciento más o menos. Entonces crearé una carpeta que diga Color o algo a lo largo de esas líneas. Entonces crearé un color de fondo. A lo mejor quiero este rosa como mi color de fondo para empezar. Normalmente me gusta empezar con un color de fondo para que pueda agregar colores a medida que voy. Esto no terminará necesariamente siendo los colores que uso al final, pero es divertido para mí ver cómo evoluciona a medida que trabajo. Definitivamente quiero cambiar el nombre de ese fondo. Deshazte de esa capa extra y la carpeta de referencia y empieza a trabajar quizá primero en el cuerpo de nuestro personaje. Sólo voy a hacer un grupo llamado Character. Entonces dentro de ese grupo voy a hacer una capa llamada Head. Es así como trabajo a lo largo de todo el proceso, todo, me aseguro de mantenerme organizado a medida que voy. Realmente no tengo un gran color de piel para elegir de aquí. Sólo voy a hacer uno ir de acuerdo con esta paleta. Al hacer eso, acabo de elegir una variación del color de fondo. Otra cosa que realmente te amo a tener en cuenta mientras estás creando colores de piel y trabajando con colores aquí es solo pensar un poco en la diversidad. Queremos ser inclusivos, tan inclusivos como podamos. Agregar en las personas tienen diferente color de piel, ya que las personas tienen diferentes formas corporales, las personas tienen diferentes tipos de cabello es algo realmente importante para estar consciente de estos días. No sólo hacer a una persona azul porque quieres que sean representativas de todos los diferentes colores de piel y razas y culturas. En realidad pensando intencionalmente en el fondo de los personajes, si estás cambiando el color de su piel, también piensa en cómo sus características podrían ser diferentes y cómo su cabello podría ser diferente. No sólo les abofetee un color. Sé un poco más intencional sobre lo que estás creando, quiénes son tus audiencias y solo ser más inclusivo en general. Sólo voy a empezar creando la cabeza de este personaje en capas de forma porque creo que va a lucir mucho más bonito y más limpio. La forma en que me gusta agregar color a través de la mayoría de mis ilustraciones, especialmente a los personajes, es usando máscaras de recorte sobre las formas base. Usando la silueta del personaje y luego aplicando color o forma encima de eso y recortándolo a la capa base. Creamos un diseño más resbaladizo. Pero básicamente la máscara lo está haciendo para que pueda usar esa forma de la cabeza y luego simplemente poner detalles dentro forma de la cabeza sin tener que preocuparme por estos puntos exteriores. Porque si lo desagrupo, sólo parece una forma de rectángulo rara, pero tenemos la cabeza ahí, por lo que ayuda a mapear eso para nosotros un poco. Sólo voy a mostrarte un poco de lo que estoy haciendo y luego me voy a meter en un time-lapse para que puedas ver cómo estoy trabajando y cuando terminemos, repasaré todas las cositas que yo tenía en cuenta mientras estaba trabajando, cosas que potencialmente podrían ayudarte. Pero para el bloqueo de color, realmente solo queremos agregar estas formas principales. No te preocupes demasiado por detalles como estos pelos extra. No te preocupes por los ojos y diseños en la camisa y cosas así. Solo asegúrate de empezar poner todo donde necesita estar. Por ejemplo, este hombro se superpone a la cabeza, así que me aseguré de mantener el cuello más largo que el hombro para que al caer el hombro sobre él, tengamos una ilustración completa. Voy a quitar el trazo y ojalá que eso no esté ahí. Obviamente. Tengo unos dedos incómodos aquí con los que puedo entrar y jugar y meterme conmigo mismo y hacer que se vea un poco mejor. Pero no nos vamos a preocupar por sumar todos los detalles como las líneas entre los dedos y esas cosas. En este momento sólo estamos poniendo todo en orden. Digamos que quiero que su camisa sea blanca. Puedo recortar enmascararlo a su parte superior y luego solo cabrá justo ahí. Me aseguraré de etiquetar todo. Brazo delantero torso, camisa, torso. Entonces dentro de ahí detrás del brazo delantero, pondré el brazo trasero. Porque estaba tratando de ser realmente geométrico con él, tengo básicamente solo un brazo rectángulo aquí atrás, que puedo crear al ilustrar realmente el dorso de la mano aquí. Queremos asegurarnos de que la mano esté en realidad todavía ahí para cuando el animador apague esta capa frontal. Si el personaje no está agarrando este tarro todavía, vas a querer ver al menos la palma de sus manos para cuando estén animando. Podemos poner estas dos capas juntas, rectángulo 7 y forma 3. Si presionas el Comando E, se convertirán en la misma forma. Están conectados ahora. Podemos llamar a eso el brazo trasero. Entonces entre el brazo trasero y el brazo delantero, podemos poner este tarro. Ahora me gusta el tarro un poco más grande para que en realidad se pueda ver una separación distinta entre las manos. En realidad, me estoy dando cuenta de que necesito releer o cosas. Este brazo trasero va a tener que ir detrás de la cabeza porque en este momento se puede ver que se está superponiendo con la cabeza y no queremos ver eso. Pongámoslo detrás de la cabeza, dámoslo brazo trasero. Entonces este torso se puede separar del frasco. Ahora tenemos todas estas capas realmente fáciles, muy bien separadas. Así es como te animaría a trabajar. Asegúrate de que todo esté etiquetado. El frasco aún no está etiquetado del todo. Voy a asegurarme de añadir eso ahí dentro. Agrega esos pequeños pedacitos de detalle. Asegúrate de que estás agarrando de tu paleta de colores usando la herramienta cuentagotas. Como pueden ver, así es como voy a ir a crear todo el asunto. Una vez que hayas terminado, tendrás un personaje realmente bonito con forma y capas que será realmente fácil de navegar. Además, solo quiero señalar que no tienes que hacer exactamente el mismo proceso que yo. Si quieres dibujar tus capas en lugar de usar la capa de forma como soy, siéntete libre porque como dije antes, son lo mismo cuando las importas a After Effects, ellos 're ambas capas ráster. Simplemente prefiero usar la herramienta Capa de forma porque me gusta cómo se ven esos bordes limpios, pero eso es solo mi preferencia. Si quieres añadir algo de textura a tu personaje usando un pincel texturizado para dibujar. Deberías seguir adelante y hacer eso. Hay un sinfín de posibilidades de cómo configurar esto. En este punto podrías ser, Sarah, por qué estás dibujando todo y formas capas, si no se traduce en After Effects como vector. Bueno, ese es un gran punto. Lo estoy haciendo porque me gusta el look de ella. Tampoco soy tan bueno en Illustrator. De ahí vengo con todo esto. Pero me encanta la forma en que puedo combinar líneas limpias usando mi herramienta de forma de Photoshop. Entonces también puedo agarrar una textura realmente divertida y aplicarla con una máscara de recorte a mis personajes aquí. Eso es algo que realmente puedes hacer tan bien en Illustrator. Esa es la razón por la que realmente me gusta usar Photoshop. Voy a simplemente hacer un lapso ahora de mí trabajando y lo veremos juntos una vez que haya terminado Sorpresa ahí. No creí que me escucharas hablar por el lapso de tiempo, bueno, aquí estoy. Esta es la futura Sarah hablando aquí. Solo quería señalar algunas de las cosas que hice mientras trabajaba, hay muchas cosas que volvería y reordenaría. Me aseguré de apagar mi capa de boceto de vez en cuando para asegurarme de que todo se viera bien y limpio sin esa capa sobre ella. También estropeé numerosas veces y tuve que mover las cosas por ahí. Entonces sobre todo cuando estaba trabajando en los estantes de fondo, una cosa en la que realmente traté de enfocarme era asegurarme de que todos los colores encajaran juntos, pero no distraían demasiado de nuestra carácter. Como se puede ver, uso una versión sombreada del color de fondo e hice los estantes fuera de esos por lo que se sintieron un poco desvanecidos y no fueron demasiado intrusivos con nuestra composición. Este jarrón es bastante oscuro. Al final volví a pasar y lo hice un poco más. Básicamente traté de mantener estas formas más empujadas al fondo. Una cosa en la que también estaba pensando mientras estaba trabajando fue que todavía estamos planeando agregar un pequeño doug ahí. Quería asegurarme de que esas formas no fueran demasiado locas complejas detrás del doug. En realidad podría haber cosas que tengo que entrar y eliminar más adelante ya que estoy trabajando con esa composición doug. Pero por ahora mismo, sentí que esto estaba en un lugar bastante bueno y estaba bloqueando en todos los colores que sentí se veían bien con cómo está la composición en este momento. Esto lo está desgastando, y estoy realmente emocionado de hablar más sobre texturas en detalles en las próximas lecciones. Ahora me gustaría que entraran en su archivo y comiencen agregar color a su personaje e ilustración general. Asegúrate de tener en cuenta esas tres reglas cardinales mientras trabajas. Etiquetar todo con claridad, nunca aplanado y llevar capas ocultas, vacías o innecesarias a medida que avanza. 16. Añadir textura y detalles: [ MÚSICA] Para más detalles, agreguemos un par de cosas en que podrían sumarse a la historia de fondo de nuestro personaje. Quizás un patrón ayudaría a definir los intereses de nuestros enamorados de los perros. A lo mejor tiene un patrón de Paul en su suéter o algo así. las texturas son uno de los bloqueos más grandes para Sin embargo,las texturas son uno de los bloqueos más grandes para los animadores y pueden ser un verdadero ajetreo, así que ten en cuenta esto cuando te sumerjas en After Effects tú mismo o entregando tu archivo a otro animador. En esta fase de texturizado y detalle, quiero darme un segundo rápido para asegurarme que nos quedemos en buen camino y echamos un vistazo a nuestro breve. Esto es sólo por diversión, no importa tanto. Pero solo quiero asegurarme de que estés continuamente mirando hacia atrás el breve para que te asegures que estás siguiendo junto con tu intención original. Creo que lo somos. Si miramos hacia atrás en nuestra fase conceptora, vamos a sumar estos detalles de que esté desaliñada, vamos a convertirla en una dama perra. Una cosa que no añadí de inmediato mirando esto es el brazo lleno de juguetes. Quería que tuviera un poco más de una mirada frenética y se sienta así que voy a incluir el brazo de los juguetes en mi color en la fase de detalle. Sólo voy a volver a encender este refinado boceto para que podamos ver esos pequeños detalles. Pero también quiero hablarte un poco sobre texturas en términos de animación, en realidad lo usé para una presentación de Adobe hace un tiempo, pero pensé que aquí sería realmente útil. Hay diferentes tipos de texturas en la animación. Estos son algunos ejemplos aquí, texturas que se mueven con la emoción del objeto animado, es como si la textura estuviera realmente pegada a la superficie. Si tenemos tela que tiene un patrón en él o una sombra que crece con el objeto, obviamente las texturas conectadas es sólo algo que hice, pero creo que es una buena manera de describir este tipo de textura. Entonces también tenemos texturas independientes. Estas son texturas que o A, no se mueven con un objeto, o B, se mueven independientemente de un objeto. El objeto se moverá mientras la textura permanezca en su lugar detrás o viceversa. Como se puede ver con este pez aquí, el pez apenas fluye sobre esta textura por lo que tiene esta apariencia de moverse, lo mismo con el ojo. Entonces finalmente tenemos texturas en movimiento. Estas son las texturas que en realidad se animan a sí mismas. No sólo se mueven con el movimiento del objeto, sino que están animados por separado de los objetos. Estos podrían estar conectados o independientes. En la mayoría de los casos, probablemente solo vas a asumir que todo es esa textura conectada así que si dibujamos este patrón en sus pantalones o algo así, vas a tener que el animador probablemente asuma que se va a estar moviendo con ella. La textura además se puede definir como cualquiera de los siguientes: iluminación que agrega a las formas, sombreado que agrega, textura rugosa general, o texturas de fondo. Pensé que este sería un buen ejemplo de una pieza texturizada que hice. Claramente, éste no fue configurado para la animación, y por eso todo tiene nombres de capa malos y las sombras están separadas. Se podría decir que esta capa de aquí mismo era una textura, digamos que solo estábamos mirando su casco o algo así. Pensarías en esa textura superior izquierda como sombreado. Debajo de eso, tenemos sombras como esta que están conectadas a las piernas per se. Si los apagamos, se puede ver esa definición entre las formas. Entonces también hay detalles como la línea en los zapatos y casi llamaría a esto una textura en sí misma porque se va a estar moviendo con el objeto como esa textura de conexión. Una cosa más es que nunca querrías realmente aplanar tus texturas a tu objeto y sé que acabo de decir nunca aplanar como regla, esencialmente una textura aplanada. Esta capa 110 es una textura y luego la capa 95 es su pierna. Obviamente, esos serían etiquetados. Pero cuando digo aplanado, me refiero a que todo está seleccionado dentro del rango de piernas y luego presionas el Comando E, y eso solo significa que ahora es un objeto. Si quisiéramos que su sombra en su pierna se moviera como si estuviera moviendo su pierna hacia adelante y hacia atrás, no serías capaz de hacer eso en After Effects porque estaría conectada a la forma. No serías capaz de aislarlo y moverlo. Definitivamente quieres poder tener esas texturas separadas, sobre todo para los fines de los animadores. Apliquemos algo de eso a mi ilustración aquí. Asegúrate de mantener esas capas separadas de la capa base. Digamos, por ejemplo, aquí tenemos la pierna del pantalón. Voy a presionar Opción click para agregar esa máscara de recorte y voy a escribir textura de pierna pantalón. A partir de ahí, voy a elegir una textura que me guste. Me gusta dividir todos mis pinceles de maneras divertidas. Quizás usamos, veamos. Se trata de un gran trabajo cuadrado de carbón para la textura. Ya me equivoqué la pierna del pantalón, así que volvamos y lo pongamos en la pierna del pantalón trasero [RUIDO]. ¿ Eso se ve bien? Sí, creo que es un pincel de textura divertido. Creo que este es uno de los pinceles de medios secos de Kyle Webster. Tomé el color de fondo y lo puse multiplicar para crear esa textura y eso crea una buena separación entre las piernas también. Ahí, voy a bajar la opacidad para que no sea tan fuerte, y luego solo para asegurarme de que todo se vea bien. Voy a apagar ese boceto refinado. Tenemos nuestra primera pieza de textura ahí. La textura puede definir su ilustración. Pero también puedo ser como una gran textura pictórica, digamos que querías que sus pantalones tuvieran este patrón fresco en ellos. A lo mejor solo agregas algunos patrones divertidos, eso puede ser una textura también. Obviamente, probablemente haz eso con los círculos que ves en sus pantalones aquí. Siempre quieres asegurarte de que esas capas estén nombradas obviamente porque el animador no va a saber qué es si solo es una pequeña capa ráster apareciendo en After Effects. Decir la textura del pantalón o la iluminación del pantalón realmente ayudará mucho con el proceso. Entonces la otra cosa que realmente quería mostrarte es con patrones. Digamos que has creado un patrón de lunares o algo así, lo mejor es no recortarlos completamente. Lo que quiero decir cuando digo eso es básicamente, digamos que tienes un patrón de círculo y quieres que sea solo la mitad que se muestre en los pantalones y estás como, “Eso se ve bien cuando lo enganche a la pierna del pantalón”. Pero en realidad, vamos a querer tener ahí todo el círculo y luego cortarlo a la pierna del pantalón para que el animador pueda entrar en realidad para que cuando tengan el archivo, puedan mover las cosas alrededor y todavía habrá una textura completa por ahí. Así que definitivamente asegúrate de completar esas texturas y patrones mientras trabajas. Potencialmente, solo podrías hacer un patrón gigante para que el animador lo use. En este caso, probablemente sólo voy a hacer un montón de círculos, añadir la herramienta elipse y ponerlos en sus manchas, y recuerda que cada pierna va a tener una textura diferente en ella porque es el elemento separado. Para esta pierna delantera, voy a poner patrón [RUIDO] y hacer lo mismo. Si quisieras, solo podrías hacer un patrón de repetición gigante así que tal vez solo tengas un montón de lunares por todas partes y luego lo conviertes en un patrón para que potencialmente podría moverse mucho. No sé por qué querrías hacer eso con estos pantalones [Risas] pero nunca se sabe. Quizás haya alguna animación realmente divertida, caótica que el animador pueda hacer con ella. Voy a seguir adelante y voy a sumar esos pequeños detalles como linework y expresiones faciales que ya teníamos y todas las texturas y definitivamente estoy quiero asegurarme de que estoy agregando todos esos elementos extra en su brazo como tenemos en el boceto porque totalmente olvidé hacer eso en el último video. El detallado fase es un gran lugar para agregar eso en. [ MÚSICA] Me siento bastante bien en la fase de detalle. Una cosa en la que estaba pensando y tratando de tener en cuenta mientras trabajaba aquí era mantenerlo bastante simple. No tienes que ir demasiado hardcore en todos los detalles, puedes guardar algunas piezas con espacio negativo como este jarrón. Me gustó que en realidad no tuviera nada en él y algunos de los objetos como esta bola blanca no tienen textura extra en ellos en absoluto. Definitivamente creo que eso es algo a tener en cuenta, ser intencional con tus texturas y con tus detalles porque van a significar algo para el animador y van a ser un poco difícil de usar para ellos, así que úsalos escasamente si puedes. Obviamente, si el proyecto requiere más texturas, usa más texturas. Pero si podemos ser escasos e intencionales, creo que también realmente ayudará con ese proceso [MÚSICA]. 17. Extra: dibuja un animal: ¿ Quién no ama a una mascota? Honestamente, nadie. Ahora que hemos aprendido todas las habilidades necesarias para diseñar un personaje, voy a recapitular rápidamente todo diseñando una mascota para nuestro personaje, desde boceto rápido, hasta referencia, hasta full- diseño de color soplado. Como dije, vamos a seguir adelante y diseñar el perro que he estado planeando tener en este marco. Si volvemos al boceto refinado, y la fase de boceto anterior, tenía aquí este pequeño indicador de incluir al perro, así que sé a dónde quiero que vaya el perro, así que puedo apagar ese boceto refinado. Entonces si miramos atrás a conceptuar, podemos ver que queríamos que el pañuelo del perro, queríamos que fuera una señora perra loca, así que creo que tener este perro aquí es realmente va a sumar algo más de personalidad, y historia de fondo a nuestro personaje, así que voy a seguir adelante y simplemente ilustrar a un perro de principio a fin. Obviamente, teníamos nuestro boceto rápido ya, miramos el concepting, tenemos algunos ejemplos de cómo se verán estos bocetos gesturales, puedo simplemente rápidamente áspero que por dentro de mi ilustración de color. En realidad he hecho una carpeta llamada perro, y sólo voy a rápidamente lo que quiero que sea la pose. Quiero que el perro tenga curiosidad por lo que está agarrando el personaje, y se puede ver que tiene un ojo lateral, está interactuando con su perro, sabe que su perro está ahí, así que voy a agarrar sólo mi pincel de boceto fino, y hacer un poquito pose. Estaba pensando que el perro podría estar llegando a ella. No sé exactamente cómo se ve eso, así que ahí es donde va a entrar una foto de referencia, pero imagina algo como esto, y se puede ver lo rudos que son mis bocetos. Obviamente eso no es exactamente lo que quiero que luzca, pero quizá ese sea un buen punto de partida, y porque sabía que iba a ir aquí, seguí adelante y busqué alguna referencia fotos de mi perro Badnit, y te importa, el video que tomé antes que te mostré realmente no tenías buenos ejemplos de él estirándose así, pero sí encontré esta ridícula foto de él. Vamos, eso es tan estúpido y lindo, así que voy a usar eso. Entonces realmente no se puede ver la vista lateral de su cabeza aquí, así que encontré otra foto adorable por cierto, del costado de su cabeza, y así voy a emparejar estas dos fotos juntas como si yo Tomó estos para mi foto de referencia hoy. Ahí vamos, es un lindo Badnit. Entonces obviamente no está en la pose exacta correcta, pero creo que esto nos hará algún bien. Sólo voy a darle la vuelta horizontalmente, aumentar un poco el tamaño, y ponerlo en contexto. Solo voy a combinar estas dos capas, presionando “Comando E”, así que tenemos una imagen fácil de trabajar, y luego bajando la opacidad aquí. Ahora obviamente, esto sólo parece que se está agarrando el trasero, así que probablemente voy a hacer que los brazos suban un poco, pero creo que este es un buen punto de partida. Lo que puedo hacer es, lo que hicimos antes, que fue el boceto rudo donde acabamos de repasar la foto con las proporciones básicas, así que sólo voy a rastrear como lo hice antes, y esto dará yo una buena idea de dónde ir con mi abstracción a continuación. Es un chico tan largo, siento que esto va a parecer muy raro, así que voy a tener que jugar un poco con las proporciones. Mira cuánto tiempo es, oh dios mío. Eso parece una locura. ¿ Se ve así un perro de verdad? Al parecer sí, pero no creo que la gente vaya a caer en ello. Voy a jugar un poco con proporciones, así que esta es más de la fase abstracta, y de distorsión que pasamos en la clase ya. En primer lugar, quiero arreglar la pose para sea más como mi boceto, así que tal vez tomamos la cabeza, y la inclinamos un poco hacia arriba. Entonces sí quería que esos brazos estuvieran mirando hacia arriba, así que veamos qué pasa cuando acabo de mandar X, cortarlos, pegarlos y rotarlos hacia arriba. Creo que eso realmente va a funcionar. No obstante, quiero que este brazo trasero esté al otro lado de nuestro personaje, por lo que hay más capas, se ve un poco más realista, y creo que va a tener que haber algunos trabajo hecho aquí para que parezca real. Creo que las piernas son un poco largas, o el torso es un poco largo, así que voy a mover eso un poco arriba, obviamente mi perro realmente no tiene cola, pero voy a añadir una, lo hacen un poco feliz wag de cola. También como estoy dibujando aquí, solo quiero señalar que, dibujar a un humano y animar a un humano, va a ser un poco más fácil, que animar a un cuadrupedo, también conocido como cualquier animal que tiene cuatro patas para caminar. En un ciclo de caminata, lugar de animar dos piernas como lo harías con un humano, tendrías que animar las cuatro patas, y es un poco más complejo, le da al animador mucho más trabajo, así que ten en cuenta de eso como estás dibujando a tus personajes. Si no necesita haber un perro, y estás en una línea de tiempo apretada, probablemente no añadas ese perro. Pero por el bien de esta clase, quería que juegues con un animal, o algún otro personaje que tal vez tenga proporciones diferentes, así que está bien agregarlo aquí. Además este perro va a estar en una pose fija si lo animamos, tal vez no tengan que estar moviéndose mucho más que solo pararse ahí. Creo que he decidido que quiero que las piernas del perro estén detrás del personaje, así que quizá ni siquiera tengamos que ver esos pies, a menos que parezca raro cuando lo estamos dibujando. He ido adelante y sumado más curvas a rectas, más líneas rectas por sí mismas. He trabajado en acortar el cuerpo para lucir mejor en la ilustración, podemos ir aún más lejos con abstracción al tal vez hacer esta pierna trasera completamente recta, tal vez sea más alto así se ve un poco menos incómodo. Obviamente este perro es mucho más grande que mi perro, pero no tiene por qué ser mi perro. También ingresé mi pequeño ejemplo aquí mismo, que los oídos apuntaban hacia arriba, así que voy a jugar con eso, tal vez se sienta un poco más juguetón en mi opinión. Entonces desde aquí podemos entrar en la fase refinada de boceto. Voy a encender eso en baja opacidad, y crear un boceto más limpio. Eso incluye detalles como la expresión facial, quizás algunas manchas en el perro, o algo por el estilo. Sólo voy a hacer aquí un lapso de tiempo-lapso ya que agrego esos detalles. Creo que mi boceto refinado está en un buen lugar. Ahora, voy a seguir adelante y hacer ese bloqueo de color. Para ello, voy a asegurarme de que mis etiquetas estén en capas. Esto va a ser boceto de perro. Esta va a ser mi foto de referencia. Solo voy a agrupar todos estos juntos como boceto de perro y luego lo pondré por encima mi sección de color para que el animador no tenga que usarlo. Entonces aquí es donde en realidad agregaré el bloqueo de color. Voy a simplemente hacer que el frente de este perro todo una forma porque sí dije que esto probablemente sería vender animado. No obstante, probablemente podrías fotograma clave, eso es un después de efectos también. Pero debido a que tengo estas líneas limpias en todas partes, también quiero usar aquí la herramienta Bezier. Eso podría ser un poco más fácil trabajar con un After Effects. Yo no diría. Siempre es ideal poner todo el frente de una persona o silueta de una persona en una capa. Pero tengo esta experiencia que si alguien está animando a un perro o a un cuadrupedos, como dije antes, típicamente van a usar animación celular. Pero en este caso, digamos que usan After Effects y el perro está literalmente de pie en su lugar y simplemente moviendo la cola y jadeando o algo así. En ese caso, solo necesitarías separar la cola y la lengua o la cola en la oreja posterior. Eso es lo que voy a hacer aquí. Quizás las piernas se queden en su lugar y los brazos se quedan en su lugar o supongo que las piernas delanteras, como sea que los llames a un perro. Después tenemos una capa separada para la cola y la pierna trasera también. Siempre quieres separar esas capas de, sobre todo si están superpuestas. Incluso en este caso, tal vez tengamos que poner una capa detrás de este personaje. A lo mejor tenemos frente de perro y luego detrás de nuestro personaje principal tenemos perro de vuelta. Estará entre nuestro personaje, en cuyo caso te aseguras de separar todas esas piezas. Como dije, nunca quieres simplemente tener una pierna que no tenga forma ni definición detrás de otros objetos. Me estoy asegurando de incluir toda la pierna ahí en caso de que el personaje se mueva de alguna manera para que sea más fácil hacerlo si solo apaga las capas y se puede ver dónde está todo alineando. Ahora tenemos esa capa fuera. Entonces voy a poner perro atrás la pierna, asegúrate de etiquetar las cosas a medida que aveces. Silueta frontal de perro. Entonces en esta capa trasera de perro, también voy a añadir la cola para que tal vez el animador solo quiera mover la cola por separado. Tener eso separarlo para ellos ya será realmente útil. También voy a poner la parte de atrás aquí en esta capa o en este grupo, tal vez, asegurándose de que todo se vea bien sin el boceto. También pon el brazo trasero, atrás, pierna delantera, pero sólo voy a llamarlo brazo, que está detrás de nuestro personaje aquí. Queremos asegurarnos de que esté completo también. Cuando apagamos nuestro personaje, todavía lo puedes ver. En caso de que nunca lo sepas. Eso es como nuestro principal bloqueo de color. También quería agregar algunas manchas al perro. Como pueden ver he dibujado aquí, así que sólo voy a seguir adelante y sumar aquellos con una máscara de recorte. Como dije, recuerda no usar una máscara de recorte en un grupo, pero puedes usarla en una capa de forma o capa regular. Todavía debe traducirse a After Effects. Voy a añadir un poco de color para el oído interno y la lengua. Creo que sólo voy a usar este color, quedarme dentro de nuestra paleta de colores y usar este color melocotón que tenemos en el fondo. El color de la oreja me parece un poco ligero, por lo que voy a usar sólo una versión sombreada de ese color y también usar el mismo color para la lengua. Si vamos en el proceso en el que dibujamos a este personaje, ahora sería el momento de agregar detalles y texturas y sombreado y todo eso. Voy a seguir adelante y añadir eso aquí también. Creo que la mejor manera de hacerlo es usar los mismos pinceles que usamos en este personaje. Para el sombreado de mi pierna trasera, voy a usar ese mismo pincel y ponerlo en multiplicar. Baja la opacidad un poco como lo hicimos con el personaje, mismo con la cola y la oreja trasera. Recuerda etiquetar estos sombreados o texturas. Ahora voy a añadir en esos detalles faciales realmente pequeños también, usando este color más oscuro que usamos en nuestro personaje. Tenemos la nariz pequeña y la boca, así como algunas manchas de bigote. También tenía una línea para que el oído creara algo más de separación. También me gusta agregar un poco de detalles con los pies también. A lo mejor sólo un poco de líneas de Paul pueden agregar las de aquí también. Entonces además, también me gustaría apagar a mi personaje y sumar esas líneas a las patas traseras dos, no quiero olvidar esas por si acaso se necesitan. Siempre es mejor no tener que hacer que el animador vuelva a usted y pida eso. Si ya está en el expediente, va a ayudar mucho. Obviamente he hecho el perro, pero luego, vuelve a nuestro concepto y habíamos hablado de que había un pañuelo en este perro. Sólo voy a seguir adelante y sumar eso de verdad rápido. Creo que estaremos en un buen lugar con nuestro perro papá . En realidad acaba de regresar del peluquero como hace una hora. Tiene un pequeño bandana y ahí está la cosa más linda que he visto jamás. Queremos asegurarnos de que pongamos ese pequeño bandana ahí. Tal vez agregue un pequeño patrón. Sólo unos garabatos. Me siento como si estuviera en un buen lugar. Además de tener al perro en capas con nuestro personaje aquí, agregando más personalidad a la escena. También lo hicimos para que encajaran bien en la composición. Si apaga el perro, frente del perro y el perro retrocede, obviamente todavía hay cosas detrás del perro, pero no se está intersecando demasiado con la composición. Seguimos obteniendo un buen flujo de todo. Creo que eso realmente envuelve nuestro diseño para esta fase. En el próximo par de videos, voy a estar entrando en preparar tu archivo para animación y repasando lo que esas etapas de premolares. 18. Teoría sobre la teoría: los 3 niveles de preparación: [ MÚSICA] Además las tres reglas cardinales que pasamos, hay muchas otras cosas que podemos hacer como diseñadores de personajes para ayudar al animador. Los personajes son mucho más complejos que un diseño regular basado en formas para After Effects. Quería compartir contigo un par de opciones diferentes. Como siempre digo, me aseguraría de ejecutar estas ideas por parte del animador para ver si en realidad son necesarias. A veces el animador puede preferir hacer algunas de estas cosas por su cuenta. He dividido estas ideas en tres niveles de preparación de animación, para que puedas personalizar la experiencia a tu propio archivo. Obviamente, no hay una forma de configurar tu archivo de Photoshop para animación. Las personas tienen diferentes procesos y es posible que estés usando Illustrator o lo que terminaste usando. Pero para mí, he llegado con estos siete pasos a un PSD amigable con la animación y sólo voy a seguir adelante y leerles estos aquí, hablar un poco de ellos. En el siguiente video, en realidad aplicaré estos a mi ilustración que acabo de terminar. Siempre digo que guarde su archivo y cree un duplicado etiquetado nombre de archivo o sea cual sea el nombre de su archivo, subrayar animación dot PSD. Si tienes un archivo separado, eso significa que tendrás tus bocetos originales y todo aún incluido en tu archivo de ilustración, pero tu archivo de animación estará más limpio y tendrá menos cosas extra en ella para el animador. También recomiendo eliminar ese tablero de humor de paleta de colores de boceto, o capa vacía que tenga ahí. Para el número 3, desagruparía carpetas innecesarias en grupos y luego deshacería de cualquier máscara no esencial. Si tienes algo máscara de recorte a una carpeta, definitivamente quieres descubrir cómo deshacerte de eso y vamos a repasar eso en un poco. Pero también quieres comprobar si hay bloqueos de animación, que sería algo así como tal vez pierna de tu personaje no esté terminada detrás de algo o tal vez el patrón no esté completamente terminado dentro de sudadera de tu personaje o algo así. Además, también querrías asegurarte de que estás comprobando tu resolución y espacio de color para ser de 72 DPI y color RGB. Por último, número 7, guarda tu archivo de proyecto y prepárate para animar o pasar tu archivo al animador. Además de esta preparación básica de archivos After Effects de la diapositiva anterior, hay muchas más cosas que podemos hacer como diseñadores de personajes para ayudar al animador. Los personajes son mucho más complejos que un diseño regular basado en formas para After Effects. He llegado con estos tres niveles de preparación, estos son sólo mis niveles, cosas que me ocurrió diferentes niveles de formas en que puedes preparar tu archivo para la animación. Pero siento que esta es una forma útil de dividirlo para que sepas lo que necesitas hacer. Para el nivel 1, esta sería la animación básica de After Effects. Se puede ver en los ejemplos de la derecha, hay personajes en estas animaciones, pero en realidad no se están moviendo mucho no hay ciclo a pie, simplemente o se deslizan por el marco o la cabeza se inclina hacia arriba y hacia abajo. No requiere necesariamente ninguna animación celular ni nada complicado. Esta sería tu animación básica de After Effects. En realidad no necesita aparejo ni nada, todo lo que necesitarías hacer sería eliminar capas innecesarias. No aplanes nada etiquetado todas tus capas y aplica máscaras de capa. Cuando digo Aplicar máscaras de capa, es decir, si enmascaras algo usando solo una máscara de capa regular, vas a querer deshacerte de esa máscara de capa para que no se estropee cuando importarlo a After Effects. Te mostraré por qué eso no funciona en un segundo aquí. Pero de nivel 2, diría que es más como la animación cel, harías todo lo que te tenía que hacer en la última diapositiva, pero entonces también podrías incluir algunos giros de personajes o alternos poses de carácter. Se pueden ver ejemplos de eso a la derecha aquí. Si sólo vas a estar viendo a tu personaje desde ángulos extraños o incómodos, es posible que no quieras mostrarlos planos como en la primera ilustración, pero tal vez necesites verlos desde una vista de arriba hacia abajo o algo así. Ahí es cuando incluirías esas poses de personajes alternos. Tier 3 After Effects aparejo, diría que esta es la preparación de animación más que tendrás que hacer. Te asegurarías de hacer todas las tareas de nivel 1 y nivel 2. Pero entonces también querrías hacer cosas como asegurarte tus patrones sean lo suficientemente grandes como para trabajar con animación. También se asegura de que tus texturas estén separadas y organizadas y potencialmente más grandes de lo que necesitan para que el animador pueda moverlas. También querrás separar las extremidades y apéndices. Si miras esta ilustración animada en la parte inferior por Robin Davey, puedes ver que los personajes están amañados, lo que significa que tienen su configuración de armadura a donde el antebrazo se conecta a la parte superior parte del brazo, que conecta con el hombro eso es algo que el animador establecerá en After Effects. Pero tienen que tener el archivo configurado de cierta manera, quiere asegurarse de que todos esos apéndices se pongan en capas separadas, etiquetadas, potencialmente incluso hechas en un archivo vectorial porque nunca saber a veces el animador de secuelas podría pedir eso si tienen una línea de tiempo de animación más corta. Pero como digo, comunícate siempre con tu animador. Éste depende. También pongo aquí un asterisco estrella que dice, es posible que no siempre necesites esos giros y poses como lo harías en el nivel 2. En el nivel 3 podrías estar viendo a alguien como en estos personajes de Robin Davey justo desde lado y esa es la única vez que los verás, por lo que no necesariamente necesitarías ver la parte posterior de ellos o la versión de perfil de los mismos. Tengo esta bonita pequeña hoja de tramposo práctica aquí, que también está en el folleto de clase descargable. Esto es solo una comparación de lo que son todos estos diferentes niveles de preparación. Tenemos animación básica AE cel y aparejo AE. Esto es algo a lo que hacer referencia siempre que no estés seguro de lo que debes hacer para tu preparación de archivos. Esta es una visión muy básica de cómo configuraríamos nuestros archivos, pero necesitamos realmente poner eso en acción y voy a estar aplicando algunas de estas herramientas aquí en mi archivo en el siguiente video. Te veré allí. [MÚSICA] 19. Prepara tu diseño para animación: Anteriormente estaba trabajando de una manera típica de diseño amigable, agrupando todo y agregando máscaras. Pero será mejor para el animador y ese proceso si quitamos algunos elementos innecesarios después de que termines tu diseño. Esto te hará mucho más fácil si estás animando o para quien más esté animando tu trabajo. Aquí está la mejor manera de lograr eso. Tengo la configuración de mi archivo aquí, y internamente he hecho algunos ajustes solo para darte algunos ejemplos de cómo voy a cambiar las cosas. Pero mi primera regla, como siempre como dije en el último video, fue en realidad primero antes que nada más, crear una copia de su archivo y hacer ajustes. Voy a hacer Comando Shift S para guardar como. Sólo voy a llamarlo GiftStop animación de personajes. A continuación, quieres asegurarte de que tu expediente esté en la resolución correcta. Para los efectos de este video, he hecho mi archivo 300 DPI, pero realmente necesito que sea 72 DPIS. Voy a remuestrear a 72 pixeles y pulgadas, y eso es a mi tamaño original de 200 por 200 pixeles. A veces si no dejas que vuelva a muestrear, se pone realmente agitado con todo. Quieres asegurarte de que entras en el tamaño de la imagen. No deshaga clic en “Resample”, y déjelo ir desde ahí. Asegúrese de que el remuestreo automático esté encendido. Podría tardar unos segundos ajustar el tamaño de tu imagen, pero debería salir con un aspecto tan nítido como lo hizo originalmente, justo al tamaño de píxel que necesitas y la resolución que necesitas. No se alarme si se aleja así, todavía va a ser resolución completa. Entonces también quieres asegurarte de que tu modo de imagen esté configurado en color RGB, y ocho bits por canal. Entonces, si no lo es, asegúrate de ajustar lo que necesitas aquí mismo. Como dije, si estás usando algo con más colores y gradientes, tal vez quieras usar 16 bits por canal, pero realmente no es necesario si estás haciendo algo gráfico como yo. Como ya he dicho algunas veces, en esta clase, no se quiere recortar algo a un grupo. Te voy a mostrar por qué ahora, voy a traer este expediente a After Effects y solo mostrarte lo que le pasa. Voy a arrastrarlo, y lo más importante, cuando estés arrastrando un archivo de Photoshop a After Effects, quieres asegurarte de que sea una composición que retenga los tamaños de capa, y quieres asegurarte de que el los estilos de capa son editables. Lo que significa que están realmente separados, no son sólo como una capa. Debido a que estos estilos de capa fusionados en metraje básicamente significa que aplanará todo. Solo quieres presionar “Ok”. Trajimos nuestro archivo aquí y le había agregado una máscara de recorte a mi perro, y como esta máscara de recorte se hizo en un grupo y no solo sobre una capa individual, en realidad no funciona. Si vas a la carpeta de colores, que es donde tengo toda mi información, la máscara de recorte simplemente desapareció por completo. Ya no hay esta línea ondulada que le había recortado, así que acaba de desaparecer por completo. Si quieres que esa información esté ahí, vas a tener que hacer algo más diferente con ella. O deshazte de él por completo, o aplica la máscara de recorte directamente a la cosa a la que quieres recortarla, no solo al grupo. Quizás esto se aplicaría a la silueta del perro, en lugar de todo el grupo. No uses máscaras de recorte en grupos, no aparecerán. Además, también vas a querer asegurarte de que tus máscaras estén aplanadas. Dije que nunca aplanar, pero esta es una excepción. Vas a querer asegurarte de que estas máscaras de capa se apliquen a las formas reales. Eso solo significa ocultar esa porción enmascarada a la forma ráster real, y debería importarse correctamente en After Effects ahora porque es solo una forma ráster y no tiene una máscara en ella. Pero [RUIDO] hay otra manera fácil de hacerlo, así que si tienes un montón de máscara de capa como esta y no quieres pasar y hacer todas ellas, lo que podría llevar mucho tiempo, en realidad hay un pequeño guión para esto. Si vas a archivo, scripts y luego haces clic en aplanar todas las máscaras, pasará por tu archivo y lo hará a cada máscara de una sola capa que tengas ahí, y seguirá conservando las máscaras de recorte, porque cuando dice máscaras, solo significa máscaras de capa, no necesariamente máscaras de recorte. Solo tienes que tener eso en cuenta. Pasó e hizo todo eso por mí, lo que me salvó tanto trabajo. Obviamente, aquí hay mucha basura extra que yo [Risas] no necesito usar. No necesitamos que el animador tenga. Voy a seguir adelante y eliminar todos esos porque ahora estamos en nuestro archivo de animación de personajes. Podemos simplemente eliminar todos estos grupos extra. Ya ni siquiera necesito ese fondo, no necesito esta máscara. No necesito un montón de cosas que ya están aquí dentro. Solo necesito lo básico y de hecho, ni siquiera necesito esto para estar dentro de un grupo. Si volvemos al archivo After Effects, verás cada vez que hay un grupo, crea una nueva composición en After Effects. Una composición es esencialmente como una capa anidada dentro de una capa dentro de una capa. [ Risas] Cuantos más grupos tengas, más complicado será para tu animador entrar realmente en cada uno y animar cada cosa individual. A veces es mucho más fácil no tener tantos grupos ahí dentro. Sólo voy a desagrupar este principal, y luego dentro de cada uno de estos grupos, como decir que tu animador aún quería el frente del perro y el personaje y todo eso para estar en sí mismo grupo o composición en After Effects, puedes dejar los tal y como están. Pero es posible que quieras entrar a decir el personaje y desagrupar la sección del torso, y desagrupar la sección del brazo, y el frasco y todo eso para que puedas ver fácilmente todos los elementos de este personaje en una sola composición, lugar de tener que entrar en grupos y animarlos, y me muevo de vuelta al grupo y todo eso. Sólo voy a hacer eso por todos estos aquí. Podría parecer una locura para ti en Photoshop, pero en realidad podría ayudar mucho el proceso de animación. Además, no quieres tener capas vacías ocultas o innecesarias. Otra forma en la que solo puedes deshacerte de cualquier capa vacía que no tenga nada en ellas, es yendo a archivar, scripts y luego eliminar todas las capas vacías, y eso simplemente eliminará cualquier vacío que tienes en tu composición de Photoshop. Hay muchos guiones poco astutos que puedes usar aquí. Más o menos acabo de usar las máscaras aplanadas todas, elimino todas las capas vacías y a veces usaré los efectos de capa. Pero a menudo no agrego ningún efecto de capa, y lo que quiero decir con efectos de capa es justo cuando creas estilos de capa y agregas como sombras internas o trazos que se llamarían efecto de capa. Si traemos esta nueva versión a After Effects, verás que ya no tenemos todos estos colores de croquis de perro de referencia extra, cosas de proporción ahí dentro. Solo tenemos las cosas separadas que necesitan ser animadas, y luego si vas al archivo de personajes lugar de tener todo roto, como lo hicimos aquí. Esto es lo que parecía antes. Era torso, tarro, cabeza, brazo trasero. Todo lo que tal vez el animador quiera poder ver a todos aquellos en un solo lugar. Ni siquiera se presenta en mi versión antigua, pero en la nueva versión tienes el brazo delantero y el torso juntos y se pueden ver todas estas piezas individuales, y podría ser más fácil animar de esta manera. Como dije, comunícate siempre con tu animador. Podrían encontrar este discordante, pero esto es típicamente lo que voy a hacer para configurar mi expediente. Este archivo se ve y se siente bastante bien. Si vuelvo a esta lista que tenía, básicamente estaba haciendo esta configuración básica de animación After Effects porque eliminé cualquier capa innecesaria. No aplané nada. Etiqueté todas mis capas, y aplicé todas esas máscaras de capa. Además, cambié el nombre de mi archivo, eliminé las capas extra que no eran necesarias. Desagruparé las cosas, me deshací de las máscaras no esenciales, revisé los bloqueos de la animación, revisé la resolución y el espacio de color, y ahora estoy listo para animar. Así que pasaría esto a un animador que esté listo para usar mi archivo en este punto, o lo animaría yo mismo. [RUIDO] Vuelvo y estoy aquí para juzgar el expediente de Sarah. Abrir Sarah es expediente aquí, decentemente nombrado hasta el momento. Sólo voy a hacer mi mismo viejo desvío cada cosa para ver lo que estamos mirando. Vea cómo se corresponden los nombres. Está bien que estos no están en algún tipo de grupo de palabras para bandana. Ya que como capa de eclipse, cuando importo esto a After Effects, esta capa de patrón y este bandana inmediatamente solo se meterán en un pre-comp, y se agrupará esencialmente para mí. Eso está bien mirarlo así y no tener absolutamente todo agrupado. Personalmente no me acercaría a esto con una mentalidad de sello porque inmediato este perro está suplicando tener algo de atención por parte de esta chica, y yo diría que la chica definitivamente necesita hacer un giro completo a, no sé, acariciarse vientre mientras rueda en el suelo o algo así. Pero eso no significa que no pudieras hacer algo con este archivo en After Effects. Pero mirando cómo se construyen las cosas, habría algo de trabajo para el animador, pero no será el fin del mundo. Por ejemplo, esta capa de torso de brazo delantero no necesitaría ser múltiples capas para After Effects con pequeñas articulaciones establecidas y piezas separadas como este brazo. Esta sería una capa de antebrazo. Esta será una capa de mano. Siendo parte superior del brazo, todo en la parte superior de un torso separado. Pero sí, se ve bastante bien en general. No tengo cosas horribles que decir. Todo está etiquetado, y todo está separado. No es nada de matemáticas locas de las que tengo que preocuparme. Creo que este archivo en sí [MÚSICA] sería muy fácil de saltar y simplemente conseguir animar de inmediato. [ MÚSICA] 20. Teoría sobre la teoría: comunicación con animadores: Sé que ya hemos hecho muchas discusiones de cómo pasar nuestros diseños a los animadores, e incluso hemos hablado con Tyler, quien tuvo muchos consejos geniales. toda confianza, creo que si lo has llegado hasta aquí, es probable que ya sepas lo que debes hacer para desmayar tu expediente. Pero también quiero recapitular brevemente lo que hemos aprendido como un suave recordatorio de qué esperar cuando estás en un proyecto con un equipo completo de diseñadores y animadores. Cada proyecto, estudio, cliente, etc., va a ser diferente. A veces la línea de tiempo puede tener una superposición entre diseñadores y animadores, y a veces es posible que nunca se llegue a discutir cosas con el animador en absoluto. De hecho, es posible que ni siquiera sepas quién va a estar animando el diseño de tu personaje. Lo que siempre digo es, solo haz tu mejor esfuerzo. Si no sabes quién va a estar trabajando en tu proyecto, solo mantén tu archivo de personajes lo más limpio posible. Asegúrate de prestar atención a esas tres reglas cardinales y a los tres grados de preparación de animación. Si puedes averiguar si un vendedor after effects animator estará dando vida a tu personaje y basará tu estructura de archivos fuera de eso. Lo más común que he escuchado al discutir este tema con cualquier animador es, siempre se aprecia un archivo de diseño limpio. No obstante, si tienes tiempo para charlar con el animador, lo mejor es mostrarles tu archivo y hacerles saber cómo lo tienes configurado. Incluso puedes preguntarles cómo quieren que se establezca, pero no siempre tendrás tiempo para hacer esto bien. Las líneas de tiempo pueden ser súper ajustadas. Está bien al 100 por ciento si tu archivo no es perfecto, el animador lo averiguará. Pero para facilitar todo el proceso , la comunicación es clave. Crear un archivo amigable animador es un activo maravilloso para tener como diseñador. Podría potencialmente darte una pierna arriba sobre otros freelancers y trabajos seguros para ti. Solo ten en cuenta todo esto mientras trabajas en proyectos de clientes, y la mejor de las suertes para ti. [ MÚSICA] 21. ¡Celebra y desata tu archivo!: [ MÚSICA] Lo has conseguido hasta ahora. En serio, es hora de celebrar a tu personaje. [ MÚSICA] Tienes que imprimir a tu personaje fuera, ponerla en una pared, convertir a tu personaje en un alfiler, la cola en el juego del burro, garabatear por todo tu personaje hasta que desaparezcan para siempre. Pero si estás trabajando en un proyecto en un estudio de animación en este momento, estarías en una fase en la que pasarías tu archivo al equipo de animación para darle vida. Pero, realmente no estamos en un estudio de animación, ¿verdad? Quizás solo estás haciendo esto por diversión y animando a tu personaje tú mismo, o tal vez estás colaborando con un amigo que quiere animarlo. No siempre tienes que ser tan formal con ultimar tu expediente. Hay un tiempo y un lugar para ello, pero al menos ahora sabes exactamente lo que necesitas hacer si alguna vez eres un diseñador de personajes en un proyecto de movimiento o animación. En este punto, sería encantador para ti publicar tu personaje en la galería del proyecto, compartir tu proceso, tu foto de referencia, tus bocetos gesturales, con lo que te sientas cómodo. No puedo esperar a ver a tus personajes. Si tiene alguna pregunta en absoluto, por favor déjelas en la pestaña de discusiones y responderé lo antes posible. [ MÚSICA] 22. ¡Gracias!: [ MÚSICA] Una vez más, gracias por tomar esta clase. Ha sido un verdadero placer compartir mis conocimientos de carácter contigo. Puede que no diseñe personajes de la misma manera que otras personas, pero estos consejos me han ayudado tanto a lo largo de los años. He crecido tanto como diseñadora mientras aprende a diseñar personajes y sé que tú también lo harás. No olvides consultar la pestaña Recursos a continuación para descargar el manual de esta clase, que incluye el esquema, indicaciones, y consejos y trucos. Si tienes tiempo, me encanta que compartas esta clase con tus amigos, o incluso podrías tomar otra de mis clases aquí en Skillshare. Tengo algunos que probablemente funcionarán muy bien en tándem con esta clase, como mi clase de paleta de colores o mi clase de formas. Gracias de nuevo por llegar hasta aquí. Estoy súper orgulloso de ti. Nos vemos pronto. [MÚSICA] 23. Bloopers :): Repasaré por qué los patrones pueden ser una molestia. No uses la última línea. [ MÚSICA] Haz que la parte inferior de la pierna sea un poco más corta e incluso haz que su pie sea más alto y más grande. Tiene [Risas] pies masivos. Pero ¿sabes qué? Algunas personas tienen pies masivos, y está bien y es genial. [ MÚSICA] ¿Cómo irías y animarías a esos? [ MÚSICA] Quiero animar a un personaje. [ MÚSICA] Naturalmente, tenía sentido tener una semilla orgánica real. Pero estos consejos aprendidos han, oh aprendido. Es una tienda del IRL llamada parada del regalo. El regalo se detiene. [ RUIDO] Lo siento. [ RUIDO] En este punto, podrías estar como, “Sarah, ¿por qué estás usando Beziers si no pudieras simplemente ponerlo en Illustrator?” Esa es una gran pregunta. Vamos a llegar a eso en un minuto. Pero esencialmente, antes de que te enojas conmigo [Risas] o pase lo que pase, ¿quién no ama a una mascota? [ Risas] Ahora que tenemos todos. [ Risas] Creo que había puesto un perro aquí, ¿no? [ MÚSICA] Si no lo hice, que parece que no lo hice, puedo simplemente rápidamente áspero eso por dentro. Esto es Video 22 y hay un camión ruidoso. Afortunadamente, estoy justo al lado de una comisaría, así que eso siempre es bueno. [ MÚSICA] Quieres que sea como. [ MÚSICA]