Crea un storyboard para animación

1. Introducción: Storyboards. ¿Cuáles son? Un guión gráfico es esencialmente una gran tira cómica de una película. En él se resumen las escenas clave en una animación, disparo a disparo. Hola. Yo soy Sue, y soy Artista de Storyboard Freelance e Illustrator. En esta clase, te guiaré por los pasos de crear un guión gráfico y juntos encontraremos la mejor manera de contar tu historia. Puedes dibujar tus tableros en Photoshop, Storyboard Pro, o en cualquier programa de incorporación. De hecho, un lápiz y papel funcionan bien. El parte importante no es el medio, sino el guión gráfico en sí. Estaré creando un storyboard a tu lado, así que vayamos juntos a este viaje. Mirarás tu historia o guión y te enseñaré cómo averiguar cuál es el tema principal de la historia. Después recogerás referencias relevantes y te enseñaré los principios del storyboarding. Descubrirás qué es un beat board y los dibujaremos, luego repasaré qué terminología de storyboard necesitarás saber para hacer tus miniaturas, para dibujar tu borrador rudo, luego revisarlo, y finalmente dibujar el versión limpia de tu guión gráfico final. Esta clase es ideal para cualquier persona que tenga una idea de historia existente que quiera convertir en una animación o para cualquier persona que quiera aprender algo sobre el stroryboarding por ejemplar. Estas habilidades también se pueden aplicar para crear animéticos o cómics de movimiento. Al final de la clase, los alumnos tendrán las herramientas y conocimientos sobre cómo crear storyboards efectivos basados en su tema de la historia. Para aquellos sin una idea de historia existente, no te preocupes, proporcionaré un enlace a una versión de la historia, The Emperer's New Clothes. Siéntete libre de reinterpretar y adaptar esto de la forma que quieras. Entonces empecemos. 2. Encontrar el tema principal: De acuerdo, ahora hablemos de guiones. En esta lección, te enseñaré cómo identificar tu tema principal de la historia y cómo mostrarlo a tu storyboard. En primer lugar, debes tener lista tu historia base. Puedes transcribirlo a un formato de script si te facilita la lectura, pero no es necesario. Entonces analizaré un clip de arriba y te enseñaré qué lecciones podemos tomar de cómo Pixels traduce su tema de historia de guión a sus visuales. Concluiré la lección mostrándote mis propios guiones y hablando de lo que planeo hacer.Entonces te daré tu tarea al final de la lección. No sugiero que empieces con una historia muy complicada con unas largas tramas. Especialmente si este es tu primer guión gráfico. Yo mismo estaría creando una historia sencilla y ya he escrito un guión fuera. Se trata de dos hermanas llamadas Z y J. Están tratando de hornear un pastel de cumpleaños para su mamá. A quienes están usando una historia que yo siempre abrazan ropa nueva.Puedes cambiar tu historia de la manera que quieras y reinterpretarla en tu propio guión. Estaremos analizando este clip desde arriba, cual fue publicado por pixels canal oficial de YouTube. Estaré publicando el siguiente enlace bajo Recursos. Te sugiero que lo revisen ustedes mismos después de esta lección. También he proporcionado un enlace a una guía sobre cómo dar formato a su guión. Ahora bien, no necesariamente tienes que reescribir tu historia en formato de guión. Pero si eliges, no te obsesiones demasiado por ello. Simplemente escríbalo de una manera para que entiendas lo que necesitas contar de escena en escena. Sólo dejarte saber que habrá spoilers por delante, pero no es nada que estropeará la experiencia de ver la película en mi opinión. El guión detalla la vida de Carl y Ellie. Este clip compara el guión con los visuales finales que vemos en la película. El tema central de Up, en mi opinión, es recordar pero también pasar del pasado para que puedas estar abierto al amor desde nuevas amistades y experimentar nuevas aventuras en la vida en el presente. Pero, ¿cómo sabemos esto? Cuando miramos a través del guión, vemos descrito Carl y su relación. Muestra lo contrastantes que están nuestras personalidades; cómo empezaron juntos, casándose, viniendo de dos orígenes muy diferentes. Entonces vemos cómo viven juntos la vida. Cómo sus diferencias se complementan entre sí.Vemos a medida que pasan por los tiempos felices y los tiempos difíciles. Después de que ambos descubrieron que no pueden tener hijos, Ellie tiene el corazón roto, pero Carl le recuerda la aventura que quería tener de niña. Trabajan hacia una nueva motivación.Paradise Falls. Van por la motivación de querer tener una aventura juntos. Ambos intentan y ahorran para ello. Pero una y otra vez, las cosas fallan y encuentran que tienen que seguir gastando dinero en otras cosas. Esto demuestra sus dificultades para tratar de alcanzar su objetivo. Pero se puede ver por la secuencia que todavía están felices juntos. Llega a un punto donde envejecen juntos, felices y unidos. Pero como están limpiando un día, Carl tropieza con una vieja foto de Ellie. Se da cuenta de que su sueño original no se había cumplido y piensa que le falló a Ellie. Carl trata de cumplir el sueño de Ellie comprando boletos para Sudamérica, pero desafortunadamente, Ellie se enferma y muere antes de que logre traerle este sueño. Al final de la vida de Ellie, ella le pasa el libro de aventuras. Carl tiene el corazón roto. A lo largo de la película su implicación que no podía soportar mirar a través del libro de aventuras hasta el final por cómo le recuerda cómo falló en traer a Ellie su verdadero sueño. Toda esta secuencia establece la pregunta que Carl tiene en su corazón; que le ha fallado a Ellie y no sabe si alguna vez puede cumplir el sueño de Ellie. Pasa la película teniendo su propia aventura, descubriendo por sí mismo que la aventura que le dio a Ellie fue en realidad suficiente. Esta pregunta finalmente se responde hacia el final de la película cuando Carl mira a través del libro de aventuras hasta el final y se encuentra con páginas que no podía soportar mirar a través de antes. Él ve las últimas palabras de Ellie para él”, Gracias por la aventura. Ahora ve a tener uno nuevo”. Esto responde a la pregunta que Carl tuvo en su corazón desde el principio. Trae a la película círculo completo. El montaje al principio y la respuesta revelada hacia el final de la película establece el tema principal de Up; para pasar del pasado sin dejar recordar y cuidar a las personas que formaron parte de tu vida. Se te puede abrir a formar nuevas amistades y experimentar nuevas aventuras. Up establece el amor de Carl y Ellie el uno por el otro con un toque de toda la vida casada para conectar al público con estos personajes al inicio de la película. Al terminar el montaje con la muerte de Ellie y mostrar claramente arrepentimientos de Carl por perder la pista de su sueño original. Se establece por qué Carl se ha vuelto tan cerca de disfrutar de nuevas experiencias y amistades con gente nueva para el resto de la película. Esto fortalece el final porque da una respuesta a Carl, así como al público, que en las aventuras de Ellie con él fue suficiente y martillo hogar el tema principal de la historia. El script de Up el ejemplo de pantalla nos dice esto. Al analizar el principio y el final de tu guión, puedes encontrar qué mensaje une a los dos. Lo que eso transmite es tu tema principal de la historia. Piensa en cómo puedes configurar tu tema principal de la historia dando a tu público una pregunta que más tarde será respondida al final de la animación que apoya y muestra plenamente tus historias tema principal. Para mi storyboard, sé que va a contar con las dos hermanas, Z y J, y cómo están luchando para hornear un pastel de cumpleaños para su mamá. Ahora, esos son los eventos que ocurren en el guión. Pero, ¿cuál es el tema principal de la historia? El tema principal que sé que quiero transmitir al público es apreciar a los miembros de su familia y tratar de entenderse y apoyarse mutuamente durante tiempos difíciles. Ahora, es una trama sencilla y es un mensaje muy sencillo. Pero lo que realmente importa es cómo lo transmites en tu storyboard. Les dejaré leer a través de su guión y encontrar su tema principal de la historia. Todo lo mejor. Después de eso, vuelve para la siguiente lección, donde aprenderemos a recolectar referencias relevantes. 3. Recopilar referencias: Hablemos de recolectar referencias relevantes. En esta lección, hablaré de cómo y dónde obtener referencias relevantes, ya sea en línea o en la vida real. También hablaré de qué concepto arte debes tener listo antes de empezar a dibujar cualquier cosa y qué referencias de narración deben obtener en base a tu tema principal de la historia. La mayoría de mis referencias en línea se recogen en Pinterest y YouTube. También miro otras referencias de Google o cualquier otro blog de especialidad dependiendo del tema sobre el que necesito referencia. A mí me gusta Pinterest porque puedes categorizarlo bastante bien. Se pueden crear diferentes tableros de estado de ánimo, y es casi como una carpeta que contiene múltiples imágenes diferentes. Creé diferentes humor-boards basados en los diferentes personajes que hay en mi guión gráfico. Los diferentes ajustes de fondo, y también los diferentes aparatos y objetos que quizá no sepa necesariamente dibujar sin referencia. Después de recolectar tus referencias, debes empezar a dibujar tus artes conceptuales si aún no lo has hecho. Necesitas diseños de personajes y diseños de fondo. Ambas no tienen que lucir terminadas, se pueden dejar sin color, e incluso puedes dejarlas en formato de boceto si lo deseas. Lo que es importante para los diseños de personajes, es que, está claro cómo se ven los personajes, y qué tan altos son los personajes en relación entre sí. Se puede dibujar en un formato de escala como este. Como puedes ver, mi diseño de fondo es más o menos un boceto y también está mostrando claramente lo que hay en el entorno sin ir realmente por la borda los detalles. También ayudó a acelerar los diseños de tus personajes dentro del entorno en una capa separada para que sepas qué tan altos son tus personajes en relación con los elementos de fondo y con los objetos que están alrededor. Aparte de tener el entorno de fondo diseñado, también dibujé una vista de pájaro del diseño. Es como un plano arquitectónico que te ayuda a resumir el diseño de entornos a sus partes base. Se dan forma a los entornos generales, los objetos y dónde se colocan, y cómo se colocaría todo el uno contra el otro. Esto realmente ayuda mucho cuando estás abordando historias porque puede ser fácil perderse en dónde colocar tu cámara cuando estás dibujando escena a escena. Si no encuentras la referencia que necesitas en línea, te sugiero que intentes crearlos en la vida real, puedes publicarte y tomarte una foto o puedes pedirle a un amigo o familiar que pose para ti. Tampoco pude encontrar una foto de una flor en un ángulo específico que yo quería. Tomé una foto en ese ángulo exacto cuando andaba por el parque. También colecciono referencias de YouTube y las organizo en diferentes listas de reproducción. Esta playlist es en realidad una exclusivamente para mariposas volando porque hay una mariposa en mi guión gráfico que juega un papel importante. Estaba tratando de averiguar cómo las alas en realidad se aletearían para que pueda storyboard de manera efectiva? Otras referencias que puedes recolectar de YouTube provienen de películas, programas, o cualquier cortometraje que se suba allí. Coleccionar referencias como esas son importantes porque quieres saber qué tipo de estado de ánimo y tono vas a establecer para tu storyboard. Por ejemplo, si tu historia se enfoca principalmente en el drama con un elemento de comedia dentro también, te recomendaría que revises los clips de Coco o Canción del Mar, si está dirigida a que sean niños. Si tu storyboard es más un drama directo que aún está hacia los adultos, entonces recomendaría hacer referencia a clips de Persépolis o Grave of The Firefly. También puedes encontrar tus referencias de storytelling en Netflix o en cualquier otra plataforma de video que se te ocurra. He comisariado diferentes playlist de YouTube de acuerdo a diferentes géneros para que ustedes se refieran en los recursos. Si los enlaces que he proporcionado no se ajustan a tu tema principal, entonces siéntete libre de buscar tus propios enlaces de referencia en YouTube, Netflix, o cualquier otro sitio web de streaming de videos. Muy bien chicos, así que ahora sabemos qué referencia relevante recolectar en línea y en la vida real y qué tipo de arte conceptual tenemos que dibujar antes de empezar a storyboard. Diviértete buscando referencias y vuelve más tarde para conocer los principios del storyboarding. 4. Principios del trazado de narrado: narrador: Bienvenido de nuevo. Ahora que conocemos nuestro tema principal, tenemos ya nuestras referencias y concepto, entrémonos en los principios del storyboarding. Los principios del storyboarding que cubriré serán la narración, la claridad, la regla de 180 grados, la composición, y la continuidad. En esta lección, me centraré en la narración de cuentos. Antes, discutimos encontrar nuestro tema principal, y toqué un poco la narración ahí. Pero quiero entrar en profundidad en hablar de qué objetos visuales puedes dibujar y cómo acelerar tu guión gráfico para apoyar tu tema principal. Todos los enlaces están disponibles bajo Proyectos y Recursos como siempre. Ahora analicemos la narración en estos dos clips de películas. Uno es de Coco y otro de Up. Empecemos con Coco. Simplemente dejándote saber que habrá spoilers por delante. Elegí a Coco como una de mis principales referencias de storyboard. Esto se debe principalmente a que mi propio tema de historia es similar al de Coco, y la forma en que retratan su tema es tan efectiva, sobre todo en esta escena fundamental. En esta escena, Miguel está tratando de que su abuela Coco recuerde a un familiar que ha pasado, para que su espíritu no desaparezca. En mi opinión, el tema de Coco es este: recordar el pasado para que puedas aprender de él y apreciarte y escucharte cuando seas de familia, no dejar a nadie atrás. El punto de esta escena es recuperar la memoria de Coco, pero creo que lo que es más importante es cómo mostraron su tema principal a través de la escena. ¿ Cómo apoyaron este tema en su storyboard? Al inicio de la escena, Miguel corre desesperadamente tratando de llegar a su bisabuela Coco, pero lo ha detenido su abuela. Se las arregla para meterse en la habitación en la que está Coco y cierra fuera a su abuela. Está tratando de que ella recuerde, pero ella no puede. corazón roto de Miguel. Justo después de su fallido intento de conseguir que su bisabuela recuerde, su abuela irrumpe en la habitación con sus padres. Sus padres inicialmente están enojados pero cuando ven las lágrimas de Miguel lo abrazan en su lugar. Ahora mira cómo se ve el guión gráfico. Cuando Miguel se da cuenta de que su Coco no puede recordar, retrocede y una cámara sigue su expresión, alejándose de Coco, enfocándose sólo en él. Este movimiento de cámara aísla a Coco de Miguel porque ella no puede recordar y no puede conectar con él ahora. Por la forma en que construyeron este tiro, aún se puede ver claramente que Miguel es el centro de foco. Pero también se puede ver claramente a los miembros de la familia irrumpiendo por atrás, para que el público sepa que los miembros de su familia están entrando en escena. No obstante, se mantiene en la expresión de Miguel como el foco principal para que veas lo desgarrado que está. Cuando Miguel interactúa con sus padres y llora, uno siente el momento porque se queda en la expresión de Miguel y también muestra claramente que sus padres lo están abrazando y tratando de consolarlo. Después una cámara muestra a su abuela hablando con Coco y luego diciéndole a Miguel que se disculpe con ella. En las siguientes escenas, Miguel finalmente consigue que su bisabuela Coco recuerde al familiar perdido cantando y tocando la guitarra. ¿ Cómo es la configuración? Justo después de eso, está el disparo de la guitarra que Miguel trajo a la habitación. El disparo de la guitarra y la expresión de Miguel establece que Miguel le va a empezar a cantar para tratar de que ella recuerde. Cuando Miguel empieza a cantar y tocar la guitarra, el disparo se centra exclusivamente en Miguel y Coco. Se recorta brevemente para mostrar la objeción de la abuela y su papá la retuvo. También, recorta para mostrar que el resto de los familiares están ahora ahí viendo a Miguel cantándole a Coco. No obstante, para la mayor parte del resto de las escenas, se centra predominantemente en Miguel y Coco porque son las que llevan el tema principal de la historia. También son los únicos que conocieron personalmente a ese miembro de la familia que falleció. El momento en que Coco empieza a recordar es un momento fundamental, por lo que la cámara comienza mostrando las manos temblorosas de Coco asomando hasta los ojos, empezando a recuperar la memoria. Después recorta para mostrar las reacciones de los miembros de la familia porque también son parte de esto. No obstante, no son el foco de esta escena, por lo que el resto de las escenas se centran predominantemente en Miguel y Coco y cómo se están vinculando y conectando sobre la memoria de su ser querido perdido. Al final de la escena, Coco recuerda y todo está bien. Toda la secuencia termina con Miguel abrazando a Coco y al resto de los familiares en la toma también, mostrando a toda la familia unida por fin. A partir de analizar una secuencia en Coco, puedo llevar lo que he aprendido a mi propio guión gráfico. Porque mi storyboard se enfoca exclusivamente en dos personajes, Z y J, puedo enfocarme en su dinámica hermana aplicando lo que aprendí en Coco. Ahora que hemos analizado Coco, analicemos Up. Ahora ya analizé este clip en la lección uno cuando estábamos encontrando nuestro tema principal. Pero aquí, quiero enfocarme en qué visuales y qué tomas repetitivas utiliza esta secuencia para mostrar bien su tema principal de la historia, y cómo configuran la secuencia para que dé la pregunta de que Carl tiene a través de toda la película, ¿puede darle a Ellie la aventura final que se merece? En el montaje de vida casada de Up, utilizan la repetición para mostrar el paso del tiempo en su relación. Si vuelve a ver el montaje, hay varios disparos que se repiten. Por ejemplo, el disparo de Carl y Ellie subiendo por la colina de hierba, los disparos de Carl y Ellie mirando nubes, y el tiro de Ellie poniéndose las corbatas de Carl. El disparo de Carl y Ellie llegando por la colina cubierta de hierba aparece por primera vez justo después de que Carl y Ellie se casen. Se muestra que Carl está luchando subiendo la colina mientras que Ellie ya está en la cima porque es tan enérgica. Esta escena reaparece cerca del final cuando Carl y Ellie están subiendo de nuevo la colina. Sólo que esta vez Carl es el que está en la cima emocionado de darle a Ellie los boletos de avión que consiguió para que finalmente puedan tener su aventura. Pero se muestra que Ellie se cae, y Carl se apresura en su ayuda. Ahí hay una señal visual que preludia la siguiente escena donde Ellie está en su cama de hospital dándole a Carl sus últimas palabras. Estas pistas visuales también hacen que el público asocie inconscientemente el cerro de hierba con el inicio y el final de su historia juntos. La escena de observación de nubes también ocurre dos veces porque la primera vez, fue solo para mostrar a Carl y Ellie divirtiéndose. La segunda vez se muestra cuando Carl y Ellie quieren tener un bebé juntos y se dan cuenta por la mirada de nubes. La repetición final que Up utiliza es la repetición de Ellie ayudando a Carl a ponerse sus corbatas. Cada momento de ellos haciendo esto muestra claramente a Carl y Ellie felizmente casados. Se configura el resto de la película donde Carl tiene que darse cuenta a través su propia aventura que Ellie ya estaba feliz con su propia vida con él. Entonces deja que estos métodos de enfatizar el tema principal de la historia te enseñen cómo enfatizar el tuyo propio. Vuelve a leer tu guión y descubre en qué personajes y en qué relaciones de personajes te gustaría enfocarte, y en qué punto de la historia te gustaría destacar. Después de eso, puedes volver y te enseñaré el lado técnico del storyboarding; cómo crear claridad en tus storyboards. 5. Principios del trazado de narrado: claridad: Vamos a conseguir algo de claridad en esta lección. En esta lección, vamos a aprender a aclarar nuestros storyboards para que nuestro público sepa lo que está pasando y los animadores sepan exactamente cómo animar cada escena. Te enseñaré mostrando y analizando un claro ejemplo de un guión gráfico. Entonces te mostraré uno malo y te explicaré por qué no está claro. Hay algunas formas de dejar claro tu guión gráfico. Una de las formas es asegurarte de que en cada escena de tu storyboard, solo se enfoca en un movimiento importante. Aquí tienes un ejemplo. En esta secuencia, J está fundiendo chocolate y no se da cuenta de que el pastel se está quemando en el fondo. cuando ella y Z se den cuenta y sacarlo del horno, ya está quemado a un crujiente. Entonces su chocolate se incendia. Ahora bien, aunque J está haciendo una acción y algo más sucede detrás de ella, sólo nos enfocamos en cada acción una a la vez. Cada elemento introducido también sólo se introduce paso a paso. Escena 1. J rompe el chocolate para derretirlo en un tazón. Escena 2, J está empezando a derretir el chocolate removiéndolo repetitivamente sobre una olla. Es sólo después de ver a J derritiendo el chocolate que vemos el humo entrando de fuera de pantalla. Después de ver el humo, vemos volar a la mariposa en aparentemente advirtiendo a J sobre el pastel que se está quemando en el horno. El mariposa vuela fuera de pantalla. Porque nuestra atención ya está en el lado izquierdo de la pantalla, cuando Z entra corriendo con la mariposa, nuestra atención está inmediatamente sobre ella. Cuando ella saca el pastel del horno, la cámara la sigue y J. Abren la puerta del horno y están cubiertos de humo. Escena 3. El revelador de su pastel quemado. Esta escena es importante porque necesitamos mostrar lo insalvable que es ese pastel, que sepamos por qué Z y J se ven tan decepcionados en la siguiente escena. Escena 4. Z y J miran tristemente el pastel. Entonces el chocolate se incendia. El chocolate sólo se incendia después de que vemos las expresiones decepcionantes de Z y J. Esto es importante porque necesitamos establecer qué emociones negativas están sintiendo Z y J antes de mostrar el percance final. Ahora bien, si una secuencia mostrara todo lo que ocurría al mismo tiempo exacto, se verá así. La escena se verá confusa y el público no sabría qué mirar. Otra cosa a destacar es que todas estas ocurrieron dentro de una escena en este ejemplo, por lo que no se entiende el contexto de que J está fundiendo el chocolate en la escena antes, y tampoco se llega a ver el resultado de que el pastel se esté quemando. De este ejemplo poco claro, también podemos ver que la acción principal se corta a mitad de camino, lo que se suma a la confusión. Recuerda que está bien cometer errores sobre todo en la etapa inicial de miniaturas. Te sugeriré que leáis a través vuestro guión y miniaturas todo en su totalidad primero, para que saquen sus ideas iniciales por ahí. Siempre puedes comprobar si hay errores y editarlo en tu borrador aproximado. Pero no hagas miniaturas aún sin embargo, porque aún nos quedan tres principios de storyboarding por delante. A continuación, hay una lección sobre la regla de 180 grados. 6. Principios de el trazado de narrado: regla de 180°: ¿ Cuál es la regla de 180 grados? En la regla de 180 grados se establece que dos personajes deben mantener la misma relación izquierda, derecha entre sí en la película. Digamos que hay dos personajes y hay una línea entre ellos. Imaginemos que Z y J son del personaje en cuestión. En esta sección, el fondo consta de contadores, la parte superior de las cosas, ollas, sartenes colgados en el área del alféizar de la ventana y la puerta trasera, y unos flecos en el lado derecho. En esta sección al fondo, hay más contadores, un fregadero, paredes, los gabinetes de techo, el pasillo, la puerta al área de la cocina, y los flecos se encuentra en el lado izquierdo. Te voy a mostrar dos ejemplos. Uno sigue la regla de 180 grados, el otro no. Empecemos con el que sí. En esta secuencia abordé Z y J se muestran teniendo una conversación. Si notas, Z está a la derecha y J está siempre a la izquierda de Z. Un fondo que vemos como público es sólo de este tramo de la línea. Lo que significa que nuestro punto de vista nunca pasa más allá de la nevera, ni pasa por el área del horno y alféizar de la ventana. Ahora aquí un ejemplo de que se está rompiendo la regla de 180 grados. A partir de esa secuencia, podemos ver que el público estará igual de confundido como nosotros al verlo. El motivo es que Z y J siguen cambiando de lugar entre sí y el medio ambiente sigue volteando también. Esto se debe a cómo la cámara o el punto de vista del público sigue viendo de un lado a otro de la línea. Lo que significa que seguimos viendo una parte diferente del fondo y Z y J constantemente voltearán entre izquierda y derecha. Eso hace que el público no sepa dónde están los personajes en relación entre sí y dónde están y su entorno. Ahora en realidad hay algunas maneras de romper claramente la regla de 180 grados. Una de las formas de hacerlo es mostrar por qué personaje literalmente cruza la línea de manera clara. Ahí se ve a los personajes cambiando su relación izquierda, derecha entre sí. Aquí un ejemplo de un viejo tablero de cuentos que dibujé donde dos personajes están peleando y se rompe la regla de 180 grados. Pero está roto de una manera donde las posiciones de los personajes siguen siendo claras para el público. En esta secuencia, la cámara se re-posicionó para mostrar al personaje saliendo de atrás. Reubicando el punto de vista o cámara del público para mostrar la relación cambiante izquierda, derecha entre ellos. Aquí hay otro ejemplo de romper con claridad la regla de 180 grados. Esta secuencia muestra a J y Z tratando de seguir un tutorial de cocción en su teléfono. Se inicia con unas tomas neutras, que es una toma que muestra a un sujeto o un personaje de manera neutral que no tiene una sólida relación izquierda, derecha establecida entre los personajes de su fondo. A pesar de que esta escena establece que Z esté del lado izquierdo y que J esté a la derecha. Un disparo neutro que se coloca justo después esta escena nos permite restablecer su relación izquierda, derecha entre sí en la siguiente escena. También ayuda ver a Z y J saliendo de pantalla para salir de la mesa. Lo que implica que estarían buscando artículos de múltiples gabinetes y cajones diferentes. Cuando regresan a la pantalla, el público no está cuestionando por qué regresaban de diferentes lugares de los que la izquierda. Establecen tiro neutral en el medio para que cuando vuelvas a los personajes, puedas restablecer su relación izquierda, derecha entre sí. O eso o puedes mostrar un nuevo tiro establecedor, luego cortó a una escena, restableciendo su relación izquierda-derecha con sus posiciones cambiadas de la escena que se mostraba antes de la toma establecedora. Ahora que ustedes saben cuál es la regla de 180 grados, ¿por qué no ver algunos shows y películas y averiguar qué manera siguieron esta regla o de qué manera la rompieron que aún hace que el público entienda por qué los personajes están en relación entre sí y en su entorno. Después de eso, vuelve y aprenderemos sobre lo que hace una buena composición en la siguiente lección. 7. Principios del trazado de narrado: composición: ¿ Qué es la composición de todos modos? En esta lección, vamos a aprender qué es la composición, cómo hacer una buena composición, y qué trampas evitar al componer todos los tiros. Te enseñaré mostrándote ejemplos de grandes artistas y mostrándote algunos de mis propios dibujos, unos que funcionan y otros que no funcionan. Entonces, ¿qué es la composición? Composición es cómo aparecen los elementos en pantalla en relación entre sí, y cómo están dispuestos en una toma. Es cómo y dónde se coloca un personaje o utilería en un fondo en pantalla y en qué partes se enfocan. Buena composición, enfatizan la parte importante que lleva la historia y el mensaje principal de la escena. Ahora, les voy a mostrar un ejemplo del artista Karolis Strautniekas cuyo nombre definitivamente estoy pronunciando mal y me disculpo por ello. Por lo que esta ilustración también que dibujó Karolis para The New Yorker. Sin siquiera conocer el contenido del artículo, ya podemos sentir tensión y suspenso en esta imagen. Una de las formas en que Karolis hace esto es mostrando contraste tanto en tamaño de los personajes como en valor. Podemos ver que el hombre en primer plano es mucho más grande que el hombre de la derecha y la izquierda. Este contraste en el tamaño da una sensación más presagiosa. El contraste en tamaño del hombre en primer plano mirando al hombre del lado izquierdo, da una sensación de que el del primer plano tiene el poder. Esto sumado por el hecho de que el hombre en primer plano y el hombre del lado derecho están ambos mirando a este hombre de la izquierda que sostiene una carpeta y se va caminando. El hombre que se va no está mirando a ninguno de ellos y no parece saber que lo están vigilando. El contraste y el valor también se suma a la tensión. El hombre de primer plano está fuera del valor más oscuro. Está mirando al hombre del lado izquierdo, que literalmente está siendo bañado de luz por su teléfono. Si te das cuenta, el hombre del lado izquierdo no está siendo cubierto por la oscuridad de ningún edificio o cartelera a su alrededor. Esto contrasta tanto con el hombre en primer plano como con el hombre de la derecha en ambos lados, que se cruzan con elementos de fondo como vallas publicitarias y edificios. El hombre del lado derecho, aunque no es del valor más oscuro, sigue envuelto en oscuridad por los edificios, como dijimos antes. Además de no distraer del foco principal de esta ilustración, los elementos de fondo también ayudan a llamar la atención sobre ellos. También hay un ritmo, las carteleras que se cruzan con el hombre en primer plano son todas formas variables de cuadrados, son las iniciadas. Mostrando ritmo y llevar el ojo del espectador al foco principal de la escena. Si te das cuenta, ninguna de las partes oscuras del edificio se cruzan con ninguno de estos personajes. El mayor cruce que se obtiene en esta imagen es con el hombre del lado derecho que está frente al auto. Pero aún así, los edificios se han desvanecido en un tono naranja claro, y el corto está perfectamente equilibrado por las paredes a ambos lados de la imagen. Pero ¿de qué se trata el artículo en realidad? Se trataba de cómo se encomendó a dos operativos la tarea de reporteros severamente y cómo se involucraron en un complot internacional para suprimir las acusaciones de asalto contra Harvey Weinstein. Esta ilustración configuró la escena para el artículo sin realmente revelar o estropear los contenidos. Ahora, analicemos la composición en alambiques de Spirited Away de Studio Ghibli. Spirited Away tiene tantos ejemplos de maravillosa composición, toma esta toma por ejemplo, en esta escena, el personaje principal, Chihiro, está tratando de conseguir un trabajo de este anciano. El peso se muestra como compuesto, deja claro que ella está esperando su respuesta y además sigue todas las reglas de composición que mencionamos antes. Hay contraste en tamaño de personajes y valor y el disparo está perfectamente equilibrado a ambos lados. A pesar de que Chihiro es mucho más grande en primer plano, la colocación de las tres sillas en la parte inferior izquierda y el valor oscuro fundido por ese muro de cemento hace para que el peso del lado izquierdo sea igual a la derecha. Este disparo también sigue la regla de los tercios. ¿ Cuál es la regla de los tercios? Ahora imagínense si dibujamos dos líneas de igual distancia entre sí horizontalmente, y luego dibujamos otras dos líneas igual distancia entre sí verticalmente, cualquiera que sea el carácter u objeto que se cruza o esté muy cerca de uno o cualquiera de estos cuatro puntos, estarán siguiendo la regla de los tercios. Esto está lejos de ser la única escena de Spirited Away que sigue esta regla. La mayoría de las veces en cine y espectáculos, los personajes son impulsos que son importantes, se colocan cruzando estos cuatro puntos o cerca de ellos al menos. Como se puede ver en esta escena, tanto Chihiro como el anciano se colocan en esas posiciones exactas. Incluso un tiro de bastante cerca como este tiro con Yubaba y Haku se adhieren a esta regla de tercios. El escenario también se adhiere a la relación dorada. Ahora te estás preguntando cuál es la relación dorada si no has oído hablar de ella antes, la relación dorada es en realidad un cálculo matemático, pero a menudo se usa en el arte como una relación literal para usar para que una escena sea visualmente agradable. La tanta explicación de la relación dorada es que tiene un punto focal importante que está ligeramente fuera del centro, que también se está apegando a la regla de los tercios. No necesariamente tienes que seguir la regla de los tercios o la proporción dorada en todas tus escenas. Depende mucho de lo que necesites que transmita la escena y de lo que quieras enfatizar. Ahora este ejemplo de Spirited Away podría decirse que realmente no sigue la regla de los tercios ni la proporción dorada. Tiene un edificio imponente y es un escritorio corto que acaba de reunirse para establecer dónde y qué está viendo Chihiro. En términos generales, sin embargo, no se puede fallar al usar la regla de tercios o la relación dorada. En todos los tiros en Spirited Away, hay repetición y ritmo. La mayoría de las veces, los elementos repetitivos conducen al foco principal de la escena. También a veces utilizan líneas de liderazgo para llevar el ojo del espectador al foco principal de la escena. Este tiro Chihiro corriendo sobre una pipa es uno de los ejemplos más flagrantes de usar líneas de liderazgo para que el público preste atención al personaje. También agrega flujo a la escena. A continuación te presentamos más ejemplos de líneas de liderazgo. Spirited Away, también utiliza la composición para fortalecer la narración. En la escena con Yubaba y Haku se muestra que Yubaba es lívido y grande e imponente. No obstante, Haku, ser tan pequeño sigue de pie fuerte, sus caras no tienen cara y ella es la que está perdiendo el control. Su cabello está por todo el lugar y su fuego no lo afecta. El escenario también se adhiere a la relación dorada. Estás enteramente enfocado en ellos porque no hay distracciones en segundo plano ni en ningún otro lugar. Esto porque es un momento fundamental en la película donde son las dinámicas de relación cambio. Aquí hay otro ejemplo, pero esta vez sin ningún personaje, el disparo aún se adhiere a toda la regla de composición de la que hablamos. La regla de los tercios, el contraste, ritmo, las líneas de encabezamiento, y la relación dorada. De acuerdo, les voy a mostrar algunos de mis viejos storyboards. A pesar de que los de composición definitivamente son imperfectos, sí se adhieren a las reglas de composición que discutimos antes. Analicemos y averiglemos cómo puedes aplicar reglas de composición a tu propio guión gráfico. Aquí te mostramos un ejemplo de un tiro establecedor que sigue la regla de los tercios y tiene contraste en tamaño. Yo sí creo que dibujé la luna un poco demasiado grande aquí, pero aparte de eso, generalmente se adhiere a las reglas de composición media. Hay ritmo en las farolas y en los edificios. Hay contrastes en la forma de ese edificio principal y en el tamaño del árbol contra el edificio más pequeño de fondo. Ahora pasamos a un tiro donde los personajes están rompiendo una entrada. Sigue siguiendo las reglas generales de composición. Si notas que hay líneas de perspectiva dibujadas en la parte inferior, hace que sea más fácil para los artistas respaldadores saber hasta qué punto están los objetos y personajes en el fondo. Yo recomendaría que ustedes bajaran las líneas respectivas en el suelo también. Este tiro no sigue la regla de los tercios. Pero la razón por la cual es porque se supone que un tiro medio que se enfoca en mostrar carácter presagiante, robar un objeto precioso. Siempre que un personaje se sorprende o está tratando de hacer algo nefasto, posible que quieras enfocarte en su rostro y gesto. En ocasiones cuando se quiere resaltar expresión de un personaje o introducir un nuevo personaje, se puede colocar a los personajes en medio de la pantalla para enfatizar su importancia para el público. Recuerda alternar los tipos de composiciones que usas en tu guión gráfico para que tu público se involucre. Por ejemplo, alternando entre usar la regla de tercios, la relación dorada, y composiciones con el foco medio a un tiro de variedad. Aquí la introducción del superhéroe que los va a derrotar o va a intentar de todos modos, los escombros y la pared la enmarca para que nuestra atención esté exactamente en ella y sabemos de dónde está entrando en la escena. En este ejemplo, generalmente sigue la regla de tercios con la asunción del héroe conejito en el medio. Ayuda a sombrear en los personajes que están más cerca del espectador o en primer plano para que puedas ver la diferencia de distancia entre cada personaje. De acuerdo, así que eso es un fragmento de mi viejo storyboard. Espero que ustedes logren aprender algo de ello. Ahora les voy a mostrar algunos ejemplos de errores comunes de composición a evitar. No hay superposición incómoda de diferentes personajes que distraen del foco principal de la escena. No hay objetos que se cruzan y sobresalgan de personajes, sobre todo los que hacen parecer que tienen una forma extraña. No hay extraños recortes de personajes, pies y manos, sobre todo cuando se están moviendo o si se supone que lo que estás haciendo es el foco de la escena. Cuando haya una gran multitud, no te enfoques en el personaje equivocado, como un personaje de fondo que no va a entrar en juego ni afectar la historia, a menos que sea para una comedia específica. Quiero que recuerden que está bien cometer errores. Cada error que cometes es un paso más cerca de crear una hermosa composición que cuenta tu historia y está bien si eso lleva tiempo. Ahora, sugiero que ustedes vean y vuelvan a ver y luego analicen la composición en estas películas. El Grand Budapest Hotel, Ghost in the Shell, Whiplash, y Spirited Away. Ahora la razón por la que elegí estas películas es porque todas son películas fantásticas por una cosa, y todas son muy diferentes entre sí. Todos ellos también tienen grandes composiciones que cuentan la historia de una manera muy efectiva en cada escena. Siento que ustedes no pueden internalizar mejor la lección analizando estas películas. Después de eso, vuelve y te enseñaré sobre continuidad en la siguiente lección. 8. Principios de el trazado de narración: continuidad: Sigamos con cierta continuidad. En esta lección, te voy a enseñar sobre continuidad mostrando y analizando buenos y malos ejemplos de mi storyboard. ¿ Qué significa continuidad? Continuidad se refiere al mantenimiento de consistencia y lógica de escena a escena en una película de animación o cualquier espectáculo. Mi storyboard se centrará en dos hermanas horneando un pastel de cumpleaños para su mamá. Aquí te dejamos un ejemplo de un guión gráfico que tiene una continuidad decente. Esto es parte de mi storyboard donde Zee y Jay están teniendo una conversación cerca del principio. Ya que no hay problemas de continuidad, nuestro enfoque principal es la dinámica hermana entre Zee y Jay. Una buena continuidad ayuda al público a enfocarse en lo que es importante en la secuencia lo que ayuda a fortalecer la dinámica entre los personajes y el tema de la historia en su conjunto. Básicamente, si tu guión gráfico tiene buena continuidad, permites que el público se concentre en la historia y en los personajes en su lugar. Ahora aquí un ejemplo de un guión gráfico con mala continuidad para que ustedes tengan un punto de comparación. Echa un vistazo y mira si puedes ver cosas que son un desastre. ¿ Os dieron todas las inconsistencias? Si sientes que no lo hiciste, entonces puedes volver a ver la secuencia y averiguarla. De no ser así, aquí está la lista de cosas que son inconsistentes en esa secuencia. El primero que ocurre es que el elemento con el que interactúa un personaje desaparece repentinamente dentro de la misma escena. En esta escena, la capa de primer plano no se hace visible en cada panel lo que hace que la escena sea muy distraída ya que sigue parpadeando. En esta escena, se muestra que la tabla está llena de elementos que de repente desaparecen en la siguiente escena. Entonces en las siguientes escenas, los artículos de abarrotes reaparecen pero en una posición diferente a la anterior. En segundo plano hay cosas pequeñas que cambian constantemente también, lo que no sería gran cosa si no estuviera tan cerca o cerca de los personajes principales. Por último en la escena que sigue, el disparo de Jay mostró estar empapado, ni Zee ni Jay están mojados. Por lo menos, Jay aún debe estar empapado ya que la secuencia implica que las dos últimas escenas son espalda con espalda sin pasar tiempo entre las dos escenas, y ambas acaban de regresar de estar bajo la lluvia. Ahora no tienes que dibujar un storyboards de detalle, siempre son increíblemente consistentes, pero las principales cosas notables como el personaje cambia repentinamente su apariencia sin la implicación del paso del tiempo o los elementos desaparecer justo después de que los personajes los atrajeran, son demasiado perceptibles para la mayoría de las audiencias, y romperá la suspensión de la incredulidad, y les hará preguntarse sobre cosas que no tienen relación con la historia. continuidad y la consistencia también es importante para que no confundas al animador y a los artistas de fondo con los que estarás colaborando en tu proyecto. Sin embargo, no te obsesiones con los detalles, solo comprueba dos veces si hay inconsistencias mayores que puedan confundir a la gente con la que estás trabajando o al público y estarás bien. No tienes que preocuparte demasiado por continuidad cuando estás haciendo tus miniaturas una vez más. Las miniaturas están justo ahí para que saques tus ideas por ahí. Es más cuando estás haciendo tu borrador áspero, que tienes que revisar escena por escena y ver si hay algún error. Aunque lo haya, está bien, puedes revisarlo en tu borrador revisado. Te sugeriré chicos que busquen ayuda de tus amigos o de un animador con el que estás colaborando en este proyecto para asegurarte de que la lógica y la consistencia esté ahí entre cada escena. Después de esto, la siguiente lección, por fin vamos a empezar a dibujar. Vas a aprender qué es un Beat Board y los vamos a dibujar juntos. 9. Crear tableros de beats: Aprendamos y dibujemos tablas de beat. En esta lección, te voy a enseñar lo que es un beat board mostrándote ejemplos. Después te explico cómo dibujarlos y por qué los necesitas antes de tu storyboard. ¿ Qué es un beat board? Un beat board es básicamente lo mismo que las miniaturas, solo que en lugar de dibujar algo panel por panel, estás resumiendo una escena en un solo dibujo. Tiene la idea de alrededor de 9-16 imágenes sin detalles adicionales. Aquí hay un ejemplo de una progresión panel por panel de guiones gráficos, en lugar de dibujar un personaje paso a paso, hacer una acción y llevar a la siguiente. Toda la escena se resume en un panel aquí. Este solo panel es un tablero de beat que muestra a Zee y Jay esparciendo mantequilla en un pastel de maíz. Aquí hay otro ejemplo de múltiples escenas mostradas panel por panel de la conversación de Zee y Jay, mostrando sus diferentes personalidades siendo resumidas en un solo beat board. Es importante dibujar beat board para que puedas resumir la emoción y el punto previstos de cada escena, como dije antes, porque sirve plano para todo tu guión gráfico y tus miniaturas. De esa forma, cuando dibujas tus miniaturas y dibujas un borrador aproximado, sabes cuál debe ser el foco en cada segmento de tus guiones. Piensa en los tableros de beat como el esqueleto del cuerpo de tu storyboard. Un esqueleto fuerte apoya bien tu cuerpo y previene problemas de salud más adelante. En este caso, evita que surjan problemas imprevistos al animar mucho más tarde por la línea e impide que los momentos de embarque en la historia que terminarán distrayendo del tema principal de la historia. Ustedes pueden dibujar sus tablas de beat en cualquier medio. Puedes usar Photoshop o cualquier programa digital, o puedes dibujarlo tradicionalmente en un cuaderno de bocetos como este. Honestamente, la única razón por la que dibujé esto en Photoshop en lugar de tradicionalmente, es porque quería compilarlo un PDF y es más fácil hacerlo dibujando digitalmente. Independientemente del medio en el que elijan dibujar sus tablas de beat, serán preciosos sobre el final. Basta con dejarlo en un boceto y dibujarlo todo muy rápido. Porque recuerden, el punto de dibujar tableros de latidos es simplemente resumir el enfoque de cada segmento de un guión. No se trata de lo bonito que se ve. Muy bien chicos, diviértanse dibujando sus tablas de beat. Después de eso, regresa y te enseñaré a componer diferentes tomas usando diferentes ángulos de cámara en la siguiente lección, parte 1 de la terminología de storyboard. 10. Terminología de storyboard: parte 1: Aprendamos sobre la terminología del storyboarding, esta es la parte 1 de dos. En esta lección, voy a nombrar y mostrarles diferentes tipos de tomas. Entonces te voy a explicar, para qué solían usarlos y cómo puedes usarlos en tu propio guión gráfico. Aquí te dejamos un ejemplo de un tiro ancho. Se trata de una toma que muestra al sujeto o personaje en su totalidad en su entorno circundante. Por lo general, esta toma se utiliza para mostrar personajes y establecer dónde están, y es para dejar claro al público cuál es tu entorno después de cambiar la ubicación de sus personajes. Un disparo similar pero ligeramente diferente es el tiro estableciendo. Ahora, un tiro establecedor es el tiro ancho extremo en una película o un video. Por lo general, se utiliza al inicio de una nueva secuencia para establecer una visión general de la escena que sigue. También suele utilizarse para inicios de películas y algunos cortometrajes y series para introducir al público un mundo completamente nuevo. No tienes que empezar tu película usando el disparo, pero es bueno usarlo cuando quieres establecer un mundo totalmente nuevo que sea totalmente ficticio o que esté basado en la fantasía. Un tiro medio es un tiro que muestra a un personaje desde la cintura hacia arriba. Ahora, un tiro medio se suele usar para mostrar a los personajes que tienen conversaciones. El tiro medio es muy versátil porque o puede ser relajado y nada puede estar pasando mucho en una escena, o puedes usarlo de una manera para rampar la intención dramática, cambiando el ángulo de que el público está viendo al personaje de. Filmar a tu personaje desde un ángulo bajo, como si el público estuviera mirando hacia arriba al personaje desde cerca del suelo, hace que se vean más fuertes y más dominantes. Mientras filma a tu personaje desde un ángulo alto, al igual que el público está mirando hacia abajo al personaje por arriba, hace que el personaje parezca más débil y más vulnerable. Un tiro de cerca es un disparo donde cara de un personaje o un sujeto ocupa la mayor parte de la pantalla. Ahora, la mayoría de las veces, estas tomas se guardan para enfatizar las emociones de un personaje en momentos dramáticos de una historia. Por ejemplo, si un personaje está pasando por un momento de angustia, enojo, miedo, alegría, etc. Te recomendaría que no abusen estos tiros y lo guarden para momentos que realmente importan. Una versión más intensa de este tiro es el primer plano extremo. Un primer plano extremo se enfoca en sólo una parte del rostro del personaje o de un sujeto. Por lo general, este tiro se usa justo antes o justo después de un enorme revelador en una historia, marcando su punto de inflexión o el clímax. Definitivamente, no uses en exceso esta toma porque quieres guardarla para los momentos que realmente importan. En ocasiones este rodaje se utiliza al inicio de una película. Tan solo asegúrate de que si usas esto al inicio de tu storyboard, lo sigan con un tiro establecedor o con un tiro ancho para que los miembros de tu público sepan exactamente dónde está tu personaje y tú presenta a tu público el mundo de tu historia. Otro disparo que a menudo da seguimiento al extremo de cerca es un disparo de POV. El disparo de POV pone al público en el punto de vista de los personajes. Ahora bien, este método es muy útil para que los miembros de tu audiencia se empatiquen con un personaje en momentos de extrema angustia emocional o confusión por lo que sea lo que estén presenciando, el público también está experimentando. Si eres nuevo en storyboarding, realmente no te recomendaría que uses demasiado el disparo de POV porque puede ser bastante complicado de storyboard y suele reservarse para momentos muy específicos. El último disparo que cubriré es el disparo sobre el hombro. El disparo sobre la sombra se toma sobre el hombro de un personaje para exhibir al otro hablando. Ahora bien, este método se utiliza con mayor frecuencia para transmitir personajes conversando mientras se destacan las expresiones y gestos de un personaje. Esos son todos los ángulos de cámara que voy a cubrir en esta lección. Ahora que conoces la terminología del storyboard, piensa en los diferentes ángulos de cámara que podrías querer usar en tu storyboard. Ahora, no tienes que usarlos todos, solo usa los que mejor se adapten a tu historia. También recomendaría para ustedes chicos volver a ver diferentes películas y shows que son similares en tema a su propio storyboard. Esto es para que puedas analizar cuándo usaron diferentes ángulos de cámara y cómo es efectivo para contar su historia. Ahora, en la siguiente lección, les voy a enseñar la parte 2 de la terminología de storyboarding, donde les enseñaré diferentes movimientos de cámara para usar en su storyboard. Nos vemos en la siguiente lección. 11. Terminología de storyboard: parte 2: Aprendamos más terminología de storyboard en la segunda parte de dos. En esta lección, vamos a aprender una terminología de storyboard específica y explorar diferentes movimientos de cámara que podemos usar en nuestro storyboard. Empecemos enumerando primero toda la terminología en su totalidad. Entonces los explicaré en detalle después de dos ejemplos. La cámara se refiere a lo que el público está viendo en pantalla o al punto de vista del público. escena se refiere a la posición del personaje en una escena en relación entre sí para una legibilidad clara de sus acciones al público. camión se está acercando, el camión se está alejando. Pan a la izquierda significa que el disparo se moverá hacia la izquierda mientras que la panorámica derecha significa que la toma se moverá hacia la derecha. Un disparo de seguimiento es un disparo que sigue a un solo personaje o sujeto, que permanece más o menos en el centro de la pantalla mientras el fondo pasa a medida que se mueven. Exploremos estos términos en detalle. Empezaré mostrándote un ejemplo de lo que vería una cámara, dependiendo de dónde se coloque en el diseño. Digamos que la cámara se coloca aquí junto a la nevera. Nuestra visión de la escena sería esta. Si nuestra cámara se coloca ligeramente por encima de la mesa o cerca del nivel de las mesas, nuestra vista será esta. Cuando me refiero a la cámara me refiero a lo que está viendo el público y lo que estás dibujando dentro de la pantalla. Ahora, te mostraré lo que es la puesta en escena. Aquí, Z y J están siguiendo una receta de hornear de manera equivocada, porque no tienen las herramientas adecuadas. J elige un método sencillo que funciona. Z y J se posicionan claramente para que puedas ver sus movimientos de ojos completos y puedas ver tanto sus expresiones como formas contrastantes de lidiar con la situación. Aquí te mostramos un ejemplo de mala puesta en escena y cómo puede afectar tu composición y claridad. El montaje aquí es muy poco claro y malo, porque los personajes no están bien espaciados y porque ver dónde están en el entorno. Se cortan sus principales acciones. El foco principal de toda la secuencia está disperso y no tiene sentido para el público ya que no podemos ver lo que están haciendo. En la primera escena de ellos tocando un tutorial de hornear en su teléfono. No podemos decir qué es en el tiro porque está muy acercado. Cuando introduzcas un nuevo elemento en la escena, asegúrate de dejar espacio al escenificar tu entorno, para que puedas ver la forma completa de algo así como un teléfono y el público pueda decir cuál es el artículo cuando se está trayendo. Si alguien con quien estás colaborando en animación te aconseja mejorar tu puesta en escena, eso significa que se está refiriendo a cómo se colocan los personajes en una escena en relación con los objetos y su fondo. A los que crean cómics de movimiento, recuerda dejar espacio para un discurso burbujas porque esencialmente hay otro personaje en tu guión gráfico. Ahora te voy a mostrar un ejemplo de un camión en. Un camión en es básicamente un zoom. En esta escena, Z tiene una conciencia de que olvidaron algo importante para ella y para enfatizar en su reacción, le hice el camión de la cámara en la cara. Un camión en suele utilizarse para enfatizar la reacción de alguien o dramatizar un momento. Aquí te dejamos un ejemplo de camión fuera. Un camión hacia fuera es esencialmente un zoom hacia fuera. Normalmente se utiliza un camión fuera para sorprender al público con un nuevo entorno o personaje. Aquí te dejamos un ejemplo de la cámara panorámica izquierda. En mi storyboard la cámara sartenes izquierda de Z, quien lleva un atuendo apropiado para hornear a J que lleva una camiseta descuidada. Aquí te dejamos un ejemplo de un derecho de sartén. En este guión gráfico, la cámara canta derecho para revelar el pastel que se está quemando en el horno. La mayoría de las veces, un pan a la izquierda o a la derecha se utiliza para revelar el contraste entre dos personajes, o para revelar algo que ha estado sucediendo en el fondo sin que el público lo sepa. El último ejemplo es una toma de seguimiento. Una toma de seguimiento es una toma que sigue a un solo personaje que permanece más o menos en medio de la pantalla a medida que cambia el fondo. Esta toma se utiliza predominantemente para mostrar al público un nuevo entorno a través de los ojos de un personaje para evocar un sentimiento de asombro y capricho. Su también se usa a menudo al principio de las películas o cuando los personajes son traídos a un nuevo mundo. Recuerda siempre consultar con el animador y respaldar a los artistas con los que estás colaborando cuando estás abordando la historia, sobre todo en la etapa de clavado en el pulgar y de borrador en bruto. Esto es para estar seguros de que cualquiera que sea su story-boarding sea posible para ellos llevar al resultado final. El único motivo por el que agregué algo tan complicado como una toma de seguimiento en mi guión gráfico es porque realmente no estoy planeando llevar esto a una animación final, no estoy obligado por las mismas limitaciones. Ahora, ustedes saben toda la terminología de storyboard que necesitan para dibujar sus miniaturas. Una vez más, no sientas presión para usar toda esta terminología y movimientos de cámara. Solo los enumeré todos para que tengas opciones de donde elegir cuando estés dibujando tu guión gráfico. Con eso, vayamos a nuestra siguiente lección, miniaturas. 12. Resúmenes: Dibujemos algunas miniaturas. En esta lección, vamos a miniaturas nuestro guión de principio a fin. Ahora puedes miniaturas usando cualquier medio. Puede ser en Photoshop o en cualquier programa conjunto, o puedes dibujar en tu cuaderno de bocetos. A quienes están dibujando tus miniaturas digitalmente, te proporcioné una plantilla bajo recursos. Como miniatura de un chico, te recomendaría que tengan tus referencias abiertas, como tus tablas de beat, eres un diseño de vista de pájaro, y tus diseños de fondo. Esto es para que si alguna vez estás inseguro de dónde están tus personajes o cómo se vería tu fondo, tienes una referencia, o si no recuerdas del todo cuál se supone que es el punto de foco de la escena, chequear de nuevo en tus tablas de beat también ayudan. Aquí están mis miniaturas. Dibujé mis miniaturas como una historia sobre Pro, y dibujé los personajes y fondos en una capa separada encima de la plantilla de miniaturas. Yo recomendaría a los que dibujan esto en Photoshop o cualquier otro programa de dibujo, hacen lo mismo. En realidad normalmente dibujo mis miniaturas en mi cuaderno de bocetos, pero esta vez lo dibujé digitalmente con fines de presentación. A los que están dibujando tradicionalmente, en realidad recomendaría que ustedes chicos se unan a sus miniaturas panel por panel, con cada miniatura en una nota pegajosa. De esta forma, si quieres reordenar tus paneles o cualquier escena, puedes reordenarlo sin tener que volver a dibujar todo el conjunto de miniaturas. Eso hará que sea más fácil averiguar cuál será el mejor flujo para tu storyboard. Ustedes probablemente deberían usar las notas adhesivas amarillas regulares ya que hay más espacio para dibujar sus paneles, pero yo solo elegí esto porque es adorable. Si alguna vez estáis atascados al dibujar vuestras miniaturas, adelante y volver a ver las dos lecciones anteriores sobre historia sobre terminología. De esa forma, puedes refrescar tu memoria sobre qué tipo de tomas y movimientos de cámara están disponibles y averiguar cuáles se utilizaron cada escena de tu historia pero la mejor. Está bien. Eso es una envoltura en miniaturas. Después de dibujar los cuatro sets, vuelve a nuestra siguiente lección donde dibujaremos juntos nuestro borrador en bruto. Buena suerte, pero lo más importante diviértete. 13. Borrador de bruto: Bienvenido de nuevo. Vamos a unirnos a nuestro Rough Draft. En esta lección, vamos a aprender a dibujar nuestro borrador en bruto. Una vez más, puedes usar cualquier medio que quieras, ya sea digital o tradicional. Si estás dibujando digitalmente, solo asegúrate de que las capas en las que dibujas tu dibujo estén claramente etiquetadas como capas de dibujo. Confía en mí, te ahorrará mucha confusión más adelante. Si estás dibujando tu borrador en Photoshop, asegúrate de dibujar todos los paneles del guión gráfico en capas separadas en un archivo maestro de Photoshop. A quienes están dibujando tradicionalmente, puedes elegir si quieres o no seguir dibujando tus paneles sobre notas adhesivas, o si quieres dibujar directamente en tu cuaderno de bocetos. Si todavía estás dibujando tus paneles sobre notas pegajosas, asegúrate de que cuando confirmes en qué orden deben estar tus paneles, que refuerces esas notas pegajosas con pegamento y las pegues en un cuaderno de bocetos. Esto es para asegurarte de que no pierdas ningún panel importante. Solo asegúrate de pegar tus notas adhesivas en un cuaderno de bocetos encuadernado en espiral para que sea más fácil escanearlas más adelante. Estoy usando Storyboard Pro para hacer mi borrador aproximado. Cuando estés haciendo un borrador aproximado, asegúrate de referirte a tus miniaturas y no tengas miedo cambiar nada si sientes que el flujo puede ser mejor, o la continuidad no tiene sentido. Por ejemplo, en realidad cambié esta escena de miniaturas donde J está luchando por cerrar un paraguas cuando entra al área de la cocina. Esto se debe a que realmente no tiene sentido ya que la entrada a la casa sería la sala más que el área de la cocina, por lo que ya habría cerrado el paraguas entonces, además Z estaría sobre entusiasta y estaría sobre comprar productos de panadería. Tiene más sentido que J tenga un montón de comestibles en su lugar. El borrador en bruto versión tiene a J llevando un montón de abarrotes y entrando sin entusiasmo al área de la cocina. Al dibujar tu borrador en bruto, no agregues demasiados detalles, solo dibuja los gestos generales e indica aproximadamente qué sería en segundo plano, porque de todos modos lo vas a revisar más adelante. personal, me gusta dibujar mi borrador en bruto en azul porque distingue claramente entre la capa de borrador y las líneas finales del guión gráfico. Un paso importante después de dibujar un borrador en bruto en su totalidad es obtener comentarios de otras personas para ver si tu almacén funciona. Una buena manera de hacerlo es publicar tu borrador aproximado como un proyecto en esta clase para obtener comentarios de otros estudiantes que también están creando storyboards, y ver qué se puede mejorar a partir de tu borrador original. También puedes compartir tus propios pensamientos con otros estudiantes de trabajo, para que ambos puedan ayudarse mutuamente. Además de eso, puedes pedir comentarios al animador y al artista de fondo con el que estás trabajando para ver qué funciona y qué no en tu guión gráfico. Si eres tu propio animador y animador artistas, solo puedes preguntarle a tu familia y amigos y obtener sus comentarios para ver qué puedes mejorar y qué no les quedó claro. Eso es todo lo que tengo que decir de la etapa de borrador en bruto. Después de que hayas terminado, vuelve a la siguiente lección, donde aprenderemos cómo revisar nuestro guión gráfico. Todos los mejores chicos. 14. Proyecto revisado: Bienvenido de nuevo. Pasemos a revisar nuestro borrador en bruto. En esta lección, aprenderemos a dibujar nuestro borrador en bruto. Ahora basado en toda la información y retroalimentación que has reunido de otras personas, así como en tu propio juicio como tiempo para editar tu storyboard de acuerdo a la crítica más común. Para aquellos que dibujaron digitalmente, puede elegir revisar y editar en la misma capa de dibujo que creó o bien puede crear una nueva capa de dibujo revisada y añadirla encima de la original. Para quienes están dibujando tradicionalmente, puedes optar por mantener un método de nota pegajosa o volver a unir tus paneles en un cuaderno de bocetos. O eso o puedes dibujar tus paneles en un formato digital en su lugar. Por lo que esta revisión es para asegurarse de que dondequiera que dibujaste antes, sea a la vez clara y también lleve el tema principal de la historia que quieres transmitir a lo largo de tu storyboard. Al mirar tu borrador aproximado, asegúrate de preguntarte, es el tema principal de la historia que se hace realidad al final del guión gráfico. Si no, qué puedes hacer para cambiarlo y asegurarte de que se exprese al público. Si te sientes atascado, siéntete libre de volver a ver estas lecciones de narración y claridad que estaban bajo los principios del segmento de storyboarding en esta clase. Para que puedas recordar cómo expresar el tema principal de la historia a tu público. Hice algunas revisiones a mi guión gráfico para. En esta escena, J está doblando un abarrotes de nuevo en un triángulo ya que Z está leyendo la lista de compras para comprobar si lo tienen todo. Encontré eso, esa secuencia se arrastró porque Z estaba leyendo la lista de compras durante bastante tiempo y esa escena con J doblando la bolsa de plástico no sirvió para nada. Entonces lo saqué por completo. Entonces chicos, no tengan miedo de tirar escenas que no funcionan, definitivamente se puede dibujar una mejor. Otra escena que cambié fue la escena donde J está fundiendo los chocolates y el pastel se está quemando en el horno. La primera vez que dibujé esto en el borrador en bruto, fue demasiado rápido. Entonces en mi borrador revisado, frené las cosas y reordené la secuencia de eventos. Si algo no está claro, a veces solo agregar escenas o reordenar y ralentizar una escena haría que funcionara mucho mejor. Eso es todo lo que tengo que decir de revisar tu storyboard. Buena suerte y seguro que lo puedes hacer. Estamos tan cerca del final. Después de eso, vuelve y te enseñaré la siguiente lección de cómo finalizar tu storyboard. 15. Finalizar tu storyboard: Finalicemos nuestro storyboard. [ MÚSICA] En esta lección, vamos a aprender a finalizar nuestro borrador de storyboard. Ahora bien, si eres tus propios animates y vuelves a los artistas, entonces no necesariamente tienes que hacer este paso siempre y cuando tengas claro cómo deben ser las animaciones de personajes basadas en tu borrador revisado, y sabes lo que debes dibujar en tu fondo cuando lo llevas a un visual final. Si estás pasando tu storyboard a otro animador u otro artista de fondo, sin embargo, definitivamente debes finalizar tus líneas para que queden claras exactamente cómo animar a cada personaje y qué finalizar en segundo plano parece. Para aquellos de ustedes que están finalizando una historia sobre digitalmente, recomiendo que creen una nueva capa de delineador por encima de su capa de borrador revisada, y luego agruparlos de acuerdo a cada fotograma o panel de su guión gráfico. Aquí te explicamos cómo hacerlo en Photoshop. Crea una nueva capa y renombrala como tu capa de forro. Después de eso, seleccione todas las capas que pertenecen a un solo fotograma o a un solo panel, y presione Control+G para agrupar todas estas capas juntas. Después de agrupar todas las capas que pertenecen a un solo panel, renombró la capa de acuerdo con el número de panel que es. Si planeas finalizar tu historia sobre tradicionalmente, puedes usar cualquier tipo de lápiz a prueba de manchas y dibujar por encima de las líneas de borrador revisadas que dibujaste en un cuaderno de bocetos. También puede optar por finalizar una historia sobre digitalmente, si lo hace tradicionalmente de antemano, escaneando todo su borrador revisado y luego importarlo Photoshop y dibujar nuevas capas por encima de su capa escaneada. Por lo general, cuando finalicé mi guión gráfico, me gusta crear capas separadas para mi delineador de personajes y volver a comprar arte en línea. personal, me resulta más fácil organizar mis personajes y antecedentes de esta manera para que si quiero moverlo, pueda hacerlo libremente. Además, cuando tengo un personaje u objeto en primer plano, creo una capa de primer plano separada. Esto por si necesito mover el primer plano o quiero eliminarlo por completo. Muy bien chicos, eso es todo lo que tengo que decir de finalizar tu storyboard. Nuestra siguiente lección es el final de nuestra clase, donde te enseñaré cómo exportar tu storyboard a un PDF y compartir mis pensamientos finales. Buena suerte chicos, y nos vemos en la siguiente lección. 16. Reflexiones finales: Enhorabuena, ahora tienes un storyboard completamente completo. Terminemos esta clase. Esta es nuestra lección final donde aprenderemos a exportar nuestro guión gráfico a diferentes formatos de archivo, luego compartiré mis pensamientos finales. Desde aquí, puedes optar por exportar tu libro de cuentos como PDF, j-clavijas o ambos. Aquí te explicamos cómo hacerlo. Seleccione el grupo que contiene su marco o panel, luego seleccione este icono, este es el icono de comp de capas. Una vez seleccionada, crea una nueva capa haciendo clic en este icono. Puede cambiar el nombre de su comp de capas de acuerdo con el número de panel. Haz esto a todos los demás paneles de tu storyboard. Seleccione archivo, luego seleccione scripts y, a continuación, elija comps de capas a PDF. Elija en dónde desea guardar su PDF y, a continuación, haga clic en Ejecutar. Después de eso, tienes listo tu PDF. Si desea exportar sus archivos a j-pegs en su lugar, seleccione archivo, luego scripts, luego haga clic en comps de capas a archivos en su lugar, y de nuevo, elija dónde desea guardar sus j-pegs, luego haga clic en Ejecutar. Después de eso, tienes tus clavijas de J. Para quienes dibujaron tus storyboards tradicionalmente, puedes decidir si quieres tener copias digitales de los mismos. Si lo haces, simplemente escanéalos en tu computadora. En caso de que quieras crear un PDF de todos tus escaneos de storyboard, aquí te mostramos cómo. Una vez que haya escaneado todos sus paneles de storyboard, puede importarlos a Photoshop haciendo clic en archivo, colocar incrustado. Seleccione el panel que desea importar y, a continuación, haga clic en colocar. Photoshop lo importará como una capa separada. Después de eso, puedes exportar tus capas a un PDF usando el método de comp de capas que acabo de enseñarte. De acuerdo chicos, eso es un envolver en nuestra clase, storyboard para animación. En resumen, aprendimos tanto la teoría como la práctica del storyboarding. Nuestra teoría abarcaba cómo identificar nuestro tema principal de la historia, recolectando referencias, aprendiendo los principios del storyboarding, que consistía en contar historias, claridad, la regla de 180 grados, composición, continuidad, y la terminología de storyboard y nuestra práctica nos tenían haciendo nuestros beat boards, miniaturas, borrador áspero y revisado, y nuestro guión gráfico final. Quiero felicitarlos una vez más por llegar tan lejos y completar su storyboard. Desde aquí, puedes compartir tu guión gráfico final creando un proyecto o actualizando el proyecto que has creado previamente con tu guión gráfico final. Me encanta ver lo que ustedes han creado y no puedo esperar a ver sus proyectos. Muchas gracias chicos por unirse a mi clase y los veré por ahí.