Composición para artistas

1. 1 introducción: Acojo con beneplácito este curso sobre composición. Mi nombre es Paul, así que este curso es principalmente fin en Pinter pero puede ser de alguna utilidad para los fotógrafos también . El curso en sí, espero, será un curso práctico. Estamos viendo algunas ideas en ideas de composición que siendo utilizadas por artistas famosos para crear grandes obras de arte. Y espero que podamos mirar esos y usarlos de manera práctica para mejorar nuestra propia obra de arte. Entonces quizá la primera pregunta que podamos hacer es, ¿Qué es la composición ahora? Algunas personas ruta reducirá la composición a ideas como esa, la posición fuera de los elementos dentro de una imagen y qué del posicionamiento de los elementos es una parte importante de la compensación. No es el ser todo y terminar todo de composición, Um, en este curso, lugar de rehashing ideas como la regla de los tercios que se enfocan mucho en posición sobre posición solo vamos a mirar ideas mucho más poderosas como el ritmo, la armonía, el equilibrio y la unidad, ideas que realmente podemos utilizar para mejorar nuestra propia obra de arte. 2. 2 Centro de interés: De acuerdo, entonces vamos a empezar con la idea de un centro de interés. Entonces, ¿qué es un centro de interés? Por lo que es un elemento dentro de cosa europea que quieres que el espectador note, y probablemente quieras que lo noten primero antes de que noten algo más dentro dependiendo. Entonces, por ejemplo, tenemos esta pintura de Vermeer, el pintor holandés. Um, tenemos dos personajes encendidos. Hay una especie de historia que se desarrolla dentro del dependiente. Por lo que el personaje de la derecha la notamos probablemente primero, porque tiene estas túnica o vestido amarillo brillante. Es de piel muy pálida. En general, los valores que solía pintarla son mucho más claros que el fondo muy oscuro. Y luego el otro personaje. Ella no es tan notable. Sus ropas son más planas, y se funden más en el fondo. Pero sí notamos algunas cosas de ella. Notamos su feroz brazo y mano, y, por supuesto, la carta que está sosteniendo. Por lo que aquí ocurre algún tipo de historia. El sirviente ha recibido una carta de alguien. Ella lo está llevando a la contra la señora de la casa, y entonces podría empezar a preguntarse ¿qué hay en la carta? Quien escribió la carta. Pero de todos modos, tenemos esta historia. Tenemos estos tres centros de interés, las verdaderas cifras de la mano con la letra. Si alguno de esos tres elementos, um, um, no fuera un centro de interés en toda la historia fuera del, uh el cuadro, empezaría a desmoronarme bastante rápido. Entonces otra pregunta que podemos hacer es, ¿es necesario un centro de interés? Bueno, en el ejemplo anterior, yo diría que sí, lo es. Entonces si estás pintando tiene algún tipo de significado o mensaje o historia que quieres transmitir al espectador, entonces probablemente necesites al menos un centro de interés en tu pintura. También hay algunos géneros donde es difícil imaginar una pintura sin centro de interés, por lo que dos géneros en particular en el último que tenemos retrato y a la derecha. Naturaleza muerta bien, es difícil imaginar una pintura de retratos sin centro de interés, así que tipo de toda la idea del retrato es que estás pintando a la niñera, entonces, la niñera es el centro de interés a menudo específicamente, el feroz de la persona, tal vez incluso más específicamente sus ojos. Eso tiende a ser lo que notamos primero. Si el espectador notó el fondo antes de darse cuenta de la niñera. A lo mejor el fondo tiene algún fondo de pantalla muy, um, chillón o algo así. Si notamos el fondo de pantalla antes de notar a la niñera para el retrato, entonces tal vez podamos decir que la pintura de retratos es un fracaso porque, realmente, queremos que el espectador note a la niñera. La persona primero, um, de la misma manera. Naturaleza muerta, Realmente, El objeto fuera del bodegón es el centro de interés. Entonces y, por ejemplo, girasoles de van Gogh, los propios girasoles son realmente el centro de interés. A lo mejor están sentados encima de una mesa amarilla, pero tal vez tenga algún tipo de fondo amarillento. Entonces esas cosas realmente solo están ahí para algún tipo de contexto. Um, si no lo fueran, podría parecer que el ladrón aquí está con girasoles está flotando en el espacio, cual se vería un poco raro, así que necesitamos algún tipo de mesa o algo así, y necesitamos un fondo, pero sólo están ahí para el contexto. Pero luego hay otros géneros. Por ejemplo, aquí tenemos que paisajear pinturas por dinero. Entonces lo que el paisaje. No siempre es necesario un centro de interés. Entonces tal vez con el paisaje no hay, um, um, mensaje están significando nuestra historia detrás de la pintura. Es simplemente una pieza de arte decorativa. Pero critter un sentido o un asesinato o un sentimiento en el espectador? A lo mejor uno, tal vez un sentimiento apagado. Relájese, ation o tal vez hasta, a menos que el espectador. Pero no hay mensaje. Por lo tanto, no hay necesidad real de un centro de interés. A veces. Entonces, si queremos un centro de interés, o si necesitamos un centro de interés en nuestro jadeo, ¿cómo podemos realmente crear Hook me, realmente crear el centro de interés? Entonces estoy dependiendo por Premier uh, Usa contraste para establecer los centros de interés. Tan contrastan, por ejemplo, que las pistolas amarillas brillantes, a diferencia del tema oscuro general con la pintura las caras, las manos, la letra, estos valores más claros Airil comparado con el fondo muy oscuro por lo que el valor, color y en general el contraste son buenas formas de crear centros de interés. Sé que hay manera de crear contraste es por tamaño, así que si tienes una serie de figuras y dependiendo de una de esas figuras, tal vez esté más cerca de nosotros en aparece más grande. Ese contraste es suficiente para hacer que una figura estándar de las otras figuras en la pintura por lo que el tamaño queja parte en contraste y también líneas. Entonces, ejemplo, por ejemplo, en este cuadro de un centro de interés alguacil está el reaseguramiento, el perro que viene de la lluvia, y lo logra a través de un contraste. Pero esta vez es contraste de líneas en lugar de los colores o valores er o tamaño. Entonces si miras el primer plano, todo es muy horizontal y también la masa de nubes en el cielo, al menos en el lado izquierdo. Es bastante horizontal, pero el re entrante hecho es muy vertical o diagonal. Por lo que esto cambió y patrones de mentira y mentira llama la atención sobre la re cena entrante y crea un centro de interés para nosotros para que una cosa más que podamos ver y técnicas para crear centros de interés sea la posición de los elementos dentro el cuadro . De acuerdo, entonces ahora pasamos a parte de la composición, donde mis ideas tal vez un poco controvertidas y no están de acuerdo con lo que otras personas tal vez te contarán sobre la composición. Por lo que algunas personas lo arreglarán en la idea fuera de posición y ahí a veces reducirán la composición, muriendo a solo, um, la posición fuera de tus elementos. Por supuesto, la posición es importante. Parece lógico decir que es importante, y lo es. Pero ciertamente no es lo más importante en composición. Por lo que con el posicionamiento, las personas a menudo dividen su área de imagen o el área de imagen en secciones utilizando cuadrículas imaginarias . Y un ejemplo muy común que encontrarás sobre el lugar en Internet es esta idea fuera de la regla de los tercios. Por lo que la regla de los tercios es muy simple para un título de tierra para una idea muy simplista. Básicamente, dibujas a líneas verticales en líneas horizontales que dividen área de imagen segura en nueve. Todos los tres por tres cuadrícula nueve rectángulos individuales en esta regla de tercios dice que para obtener una buena composición, siempre debes colocar tu centro de interés, tu elemento hombre, donde la vertical y se reúnen las líneas horizontales. Entonces el problema con esta idea, esta simplificación de la composición en justa posición de elementos. Um, entonces si miras la imagen en la pantalla, tenemos nuestro triángulo. ¿ Cuál es nuestro centro de interés? Se coloca en una de las líneas verticales. Pero, ¿qué pasa con el lado izquierdo del cuadro? ¿ Qué está pasando ahí? Pero absolutamente nada. Simplemente tenemos espacio vacío. ¿ Queremos este espacio vacío? ¿ Por qué está ahí? ¿ En qué contribuye a la imagen general? Todas estas son preguntas que la regla de los tercios no responde, porque la regla de los tercios sólo está fijando en la idea, la posición fuera del elemento. Posteriormente en el curso, vamos a ver formas más sofisticadas de pensar en la composición. Tenemos cosas como el equilibrio en el ritmo. En Indias. la posición del elemento, pero es importante desde el punto de vista del equilibrio ya que importante desde el punto de vista del ritmo con los elementos dentro de tu imagen. Por lo que entiendo a mucha gente le gusta la idea de la regla de los tercios. Es sencillo, pero una de las ideas clave en este curso que quiero atravesar es que la regla de los tercios quizá sea demasiado simple en ello. Arregla su justo en la idea de la posición de los elementos, y hay mucho más en la composición que solo donde pones elementos dentro de la imagen 3. 3 Balance: De acuerdo, entonces ahora vamos a ver el tema del equilibrio. Vamos a ver un ejemplo simétrico y también asimétrico de equilibrio dentro de las pinturas. Entonces el equilibrio es básicamente más difícil. Tus elementos dispuestos dentro de la imagen en ¿Cómo estás usando escupitones vacíos o espacio negativo dentro de la imagen. Entonces, por ejemplo, en esta imagen, sólo tenemos un elemento. El triángulo. Está mucho en el lado derecho, y entonces siempre tenemos espacio vacío o espíritus negativos en el lado izquierdo. Podríamos decir que esta no es una composición bien equilibrada, porque el espacio vacío del lado izquierdo no está haciendo nada. No está contribuyendo a la imagen. Es sólo área desperdiciada. Ahora es posible tener este tipo de composición simétrica pero tener algo, uh, en el espacio vacío. O tal vez si se trata de una figura mirando al espacio vacío que puede funcionar tan espacio vacío por sí mismo no está mal. Pero si solo está ahí por mala planeación, entonces probablemente no vaya a funcionar. Otros casos especiales, este tipo de equilibrio simétrico. Vamos a ver un ejemplo donde esto puede funcionar. Es bastante común en un retrato de curso y bodegón porque muy a menudo el pársón tenía siendo jadeado con Naturaleza muerta se centra dentro de la imagen para él o cerca del centro. Pero fuera de la pintura de retratos sobre Naturaleza muerta, este tipo de conversación quizá no sea tan común. De acuerdo, entonces nadie mira en realidad algunos ejemplos. Por lo que el cuadro de la izquierda se llama el Martirio de San Sebastián, y esta es casi exactamente la composición que acabamos de ver. Tiene esta composición triangular en su simétrica. Es la figura del hombre lo centra dentro de la imagen. Por supuesto, esto no es un accidente. El artista planeó esta composición, pero realmente, el objetivo del artista era que nos centráramos en la figura de San Sebastián, quizás sobre todo en sus puños. Por lo que toda la gente que lo estaba llevando a la figura del hombre lo están mirando todos. Entonces de nuevo, esto nos redirige de nuevo hacia la figura del hombre. Entonces en este caso, la composición funciona muy bien. Pero como dije, es una especie de beso especial, una composición especial, pero probablemente mejor se use con moderación. No siempre va a funcionar, así que eso es un ejemplo de equilibrio simétrico. A continuación, vamos a mirar una simetría. Equilibrio asimétrico sobre esto es una impresión de bloque de madera o una impresión Yukio por una orden japonesa llamada Halcones. I Estas pinturas japonesas, Yukio o Ukyo rara vez usaban composiciones simétricas. Prepararon unas composiciones simétricas, pero la asimétrica del Señor es equilibrada. Por lo que tenemos mente Fuji otra vez mucho en el lado derecho de la composición. Pero no sólo tenemos espacio vacío en el lado izquierdo, tenemos este patrón de nubes en el cielo y también estos árboles verdes oscuros y la parte inferior izquierda. Estas dos cosas ayudaron a equilibrar el Monte Fuji a la derecha. Si el patrón de nubes donde los árboles no existieran, um, tal vez la composición general no sería tan exitosa. Por lo que otro par de ejemplos thes aire dos pinturas del artista dinero. Entonces el del lado derecho otra vez, esto es un simétrico y luego el del lado izquierdo es más simétrico. Entonces, primer lugar, la asimétrica, um, dinero ha pintado mucho a la niñera en el lado derecho de la composición. Cuando tenemos mucho espacio vacío en el lado izquierdo, pero no es espacio completamente vacío. Tenemos su mano, el humo del cigarro que sale del puro. También noté que la niñera es una especie de mirar malditamente hacia la izquierda, por lo que estas cosas ayudan a equilibrar el arte, tu composición oral y, en este caso, de nuevo, mucho asimétrico. Hay suficiente equilibrio general para que la compensación funcione, dependiendo de la izquierda. Cuando tienes dos figuras, por supuesto, es más fácil crear una composición más simétrica. Se puede poner una de las figuras en la última vez, una de las figuras de la derecha. En este caso, notarás la mano derecha figurada que el hombre tiene muy oscuro es una barba oscura en una chaqueta oscura . Los valores oscuros tienen una especie de ingenio visual, que puede crear un desequilibrio que si te gustan los valores más oscuros, los colores más oscuros son más pesados, visualmente más pesados en comparación con el color azulado claro del vestido de la mujer. Pero aún tenemos equilibrio porque debilita a Seymour a la mujer y ella tiene su falda. Me tropezé a través del banquillo, por lo que en general la figura femenina es más grande que la figura masculina. Entonces este tipo de equilibrios, creo, en general, seres humanos preferimos imágenes que sean más equilibradas. Um, pero también, si tienes una composición desequilibrada, es posible que tengas mucho espacio vacío dentro de tu imagen. Y hay que preguntar, El espacio vacío está aportando algo a la imagen general? O simplemente estás desperdiciando parte de tu área de imagen? De acuerdo, entonces en esta parte del curso, miramos el equilibrio. Entonces a medida que estás diseñando tu imagen como estás creando tu imagen, puedes estar preguntándote, Es esto equilibrado? ¿ Esta imagen es balanceada? Um, si no lo es, ¿hay espacio vacío dentro de la imagen que realmente no está contribuyendo a la imagen general alguna manera? Es sólo espacio vacío. Creo que eso es algo que queremos intentar y evitar tanto como podamos. En ocasiones se puede utilizar el espacio vacío de manera positiva de manera constructiva. Entonces vimos con el retrato por dinero al hombre fumando el cigarro. Estaba muy por encima de un lado al lado derecho del cuadro, pero había algunos elementos en el lado izquierdo que le dan al cuadro y equilibrio general . En otros casos, posible que queramos espacio vacío en un lado. Pero tenemos un personaje mirando a ese espacio porque tal vez hay algo ahí. A lo mejor no podemos decir algo. Tenemos que usar algo de imaginación. Por lo que esto vuelve a la idea de contar historias dentro de las imágenes. Entonces en general, podemos decir que en general nos gusta el equilibrio. Nos gusta el equilibrio en nuestra vida. Generalmente, nos gusta el equilibrio dentro de las imágenes. Se trata de algo sobre la condición humana. Preparamos algo que es equilibrado, pero también podemos crear en imágenes balanceadas. En ocasiones si el espacio vacío o el desequilibrio ayuda a contar algún tipo de historia, por ejemplo, o es uno de tus objetivos con la imagen. 4. composición de 4 Lanscape: De acuerdo, Entonces cuando vas a pantalón ah, paisaje, hay algunas decisiones que necesitas tomar antes de poder poner cualquier pintura en papel. Entonces la primera decisión es ¿qué orientación vas a tener? El papel. Suponiendo que se trata de un rectángulo, ¿lo tendrás en formato de paisaje o de retrato? Por lo que las tres imágenes principales son todas de paisaje, y luego las tres de abajo son de retrato. Otra decisión que necesitamos tomar es qué tipo de ustedes tener fuera de este paisaje. Por lo que el 1er 2 en el lado izquierdo y paisaje en Retrato Esta es la vista normal. Imagina que estás de pie en un campo. Estás mirando hacia el horizonte. Este es el tipo de año que normalmente remenderías en esa situación. Podrías bajar un poco el horizonte, pero va a estar al menos un 50% arriba desde el fondo de tu papel o lienzo, y luego en el beso fuera del medio a esto está más apagado. Has desarrollado superpoderes o algo en tu cuchillo volando en este tipo o flotando en este tipo, y es más como una vista de pájaro. Entonces la tierra el horizonte es mucho más baja y vas a ver más del cielo. Y entonces el tercer ejemplo es lo contrario. Si te gusta, esto es más como una vista de ojo de gusano. No, estás acostado boca abajo en el suelo encima. Sólo se puede ver un poquito de este tipo encendido. La mayor parte de lo que se ve es el paisaje en mensaje con. Esta no es una opción común para los paisajes, pero si hiciste esto, todo en primer plano va a ser muy grande. Vas a ver cada hoja de hierba en cualquier Flores salvajes. Vas a ver cada pétalo en el piso salvaje. Lo contrario sería cierto para la vista de pájaro, y esa es la situación. Todo en el paisaje va a ser bastante pequeño porque estás levantado por encima de la tierra buscando hecho ahora con paisajes. Um, puedes o bien ir por una especie de interpretación realista del paisaje o um, o una especie de interpretación del diseño gráfico. La interpretación del diseño gráfico sería más bidimensional. Esa sería una imagen plana. Un enfoque más realista sería intentar indicar que tu paisaje es tridimensional y tiene profundidad, por lo que algunas formas en las que puedes crear una sensación de profundidad dentro del paisaje. Entonces primero, lo que puedes dividir tu paisaje en tres partes. No necesariamente son partes iguales, pero tendrás un primer plano. Entonces en este caso, el primer plano es la parte inferior de la imagen. Entonces tienes un terreno medio, y luego tu fondo y el fondo bien pueden incluir cualquier parte del cielo que hayas incluido en tu imagen. Ahora, en este beso con tratar de crear un sentido de profundidad, perspectiva lineal es importante. Sé que la perspectiva lineal a veces puede parecer una idea complicada, pero es nivel muy básico. Las cosas que están más cerca de ti son más grandes en cosas que están más lejos o más pequeñas . Entonces en este ejemplo, en primer plano tenemos cuchillas de pasto. Las cuchillas de pasto son casi del mismo tamaño que el seto, o árboles en el suelo medio sobre nuestro más grande delgado el seto en los árboles en el fondo. Por lo que sabemos que el seto es probablemente por lo menos uno o dos metros contados así por lo menos cinco o seis pies de altura. ¿ Dónde están las cuchillas de hierba? Son sólo una pequeña fracción de eso. Entonces, usando perspectiva lineal, tener cosa es más grande en primer plano. Eso, en el medio terreno en el fondo crea una sensación de que está más cerca de ti, lo que ayuda a crear esta sensación de profundidad dentro de la imagen ahora, así como perspectiva lineal. También hay una cosa llamada perspectiva aérea. Entonces este es un cuadro de Mona, y es un buen ejemplo fuera de perspectiva aérea. Por lo que tenemos dos versiones fuera de la pintura. Una es la versión de color en el 2do 1 es justo la misma versión, pero con los colores eliminados, por lo que quitar los colores hace más fácil ver los valores encendidos por valores. Es sólo decir, ¿está oscuro? ¿ Eso es ligero? ¿ Está en algún lugar en el medio? Eso es todo lo que significan los valores. Por lo que este cuadro podemos ver en primer plano en la parte que está más cercana a nosotros. Hay mucha variación en los valores, así que tenemos algunos de los oscuros más oscuros en la pintura, justo al lado de algunos de los blancos más brillantes en dependiendo, mientras que si vas al fondo, puedes ver esa línea del horizonte el cielo en el mar, se funden entre sí. Es difícil ver dónde empieza uno y empieza una parada Justo a punto de distinguir este tipo de promontorios aquí, estirándose a través de la flexión. Pero de nuevo, la diferencia de valor entre eso y el cielo es que son casi lo mismo. Entonces esa es la perspectiva aérea. A medida que las cosas se alejan de ti, uh, los valores 10 hacia la mitad del rango de valores. Entonces en lugar de tener oscuros oscuros al lado de blancos brillantes, todo se mueve ahí especie de Ah, gris medio Tom o valor gris medio en cuanto a los colores. A medida que te alejas, las cosas tienden hacia el extremo más azul del espectro. Por lo que el verde olvidable como en la hierba, empezará a convertirse en un color más azul. Por lo que esta pintura pastel, la marca Four, podemos ver diferentes valores más brillantes y oscuros uno al lado del otro, el suelo medio de rango bailado, emergió hacia rango de valor más cercano, menor valor rango, y luego en la distancia, la colina distante se vuelve azulada. Se puede ver este efecto sucediendo en el mundo real, sobre todo donde puro parado dicen en lo alto de la colina, se puede ver por una larga distancia, pasto distante comienza a aparecer ligeramente azulado. Andi, el Grand y el cielo. Los valores tonales se acercarán muy entre sí. Por lo que eventualmente en el horizonte, el cielo, la tierra casi puede fusionarse en uno. De acuerdo, entonces en esta parte de la clase, miramos algunas ideas sobre posiciones de convocatoria específicamente para paisaje pendiente. Entonces una de las decisiones que debes tomar desde el principio es, ¿ vas a tener un formato de paisaje o un formato de retrato? Formatos tan retratados Muy bueno para darte una composición más ajustada, centrándose en un poco del paisaje. Por otro lado, si quieres hacer un paisaje barrido, voluntad en ese beso un retrato cuatro meses no va realmente el trabajo del dedo del pie. Entonces otra cosa que necesitas considerar su estilo de pintura que quieres producir. Si es algo que va más hacia el realismo, entonces vas a tener que pensar en profundidad dentro de tus jadeos. Existen algunas formas en las que se puede crear profundidad. Entonces lo recuerdas. Si piensas en primer plano medio de fondo y luego duro, divides tu pintura en esas tres partes. La perspectiva lineal entra en ella porque en tu primer plano las cosas van a aparecer más grandes. Después se mudó al suelo medio y luego al fondo. Todo reduce en tamaño, entonces también tienes perspectiva aérea. Entonces a medida que las cosas se alejan en segundo plano, los valores son todo se fusiona hacia una especie de rango de valor más pequeño en algún lugar del medio. Para que no te den los oscuros más oscuros ni los blancos más brillantes. Por lo general en el fondo. Todo se fusiona más hacia ah, valor gris medio. 5. 5 Ritmo y movimiento: De acuerdo, entonces lo siguiente que vamos a ver es las ideas de ritmo y movimiento. Ninguna emoción no es algo que quizá esté asociado con pinturas y dibujos o fotografías, porque se trata de formas de arte muy estáticas. Pero es posible, a través del uso de la línea en los barcos, crear una sensación de movimiento dentro de las pinturas. Vamos a ver algunos ejemplos algunos pintores que crearon pinturas que vuelven a tener esta sensación de ritmo de movimiento. ritmo puede no estar asociado a menudo con artistas visuales más asociados con la música, pero podemos tener un sentido del ritmo dentro a finales P, dibujos y fotografías. Entonces vamos a empezar por mirar el ritmo. Ahora son dos imágenes en la pantalla. Ambos tienen sentido del ritmo creado por las líneas. Ambos son, supongo, supongo, un género particular de arte, toda parte o ilusión óptica. Pero otras formas de arte otros géneros también pueden tener este sentido del ritmo a menudo introducido a través de barcos y líneas. Entonces en esto, estos dos ejemplos estos aires dos pinturas por dinero, la impresión de er gastado en ambos. Tenemos árboles contra un cielo, un cielo azul en ambos comen son buenos ejemplos de cómo puedes usar el ritmo dentro de tus pinturas. Por lo que en el pendiente de la izquierda, se puede ver que los árboles no están igualmente espaciados. Esto da un ritmo en las líneas verticales son algo que son ojo se llama, pero verás que no todos son regulares, y eso crea un ritmo más interesante. Si los árboles estuvieran todos igualmente espaciados, bueno, primer lugar, no se vería como natural, pero también sería menos interesante para nosotros. Y de igual manera, en el lado derecho, el lado derecho es ligeramente diferente por la forma en que lo estamos viendo. También tenemos perspectiva lineal entrando. Los árboles eran cada vez más pequeños a medida que se alejan. Perspectiva lineal también causaría que los árboles se acercaran más juntos a medida que se alejan. Pero de nuevo se puede ver, sobre todo en el lado derecho con los árboles que están más cerca de nosotros. Hay un ritmo diferente. Los troncos de los árboles no están igualmente espaciados. Entonces cuando estás creando, sobre todo con paisajes o si estás creando, digamos, una ciudad, salta con gente con figuras, piensa en el espaciado y la agrupación de esas figuras o los árboles en tu paisaje. No hay que ponerlos todos igualmente espaciados. Y el hecho de que probablemente sea mejor en muchos casos, al Grupo tres elementos un poco más tienen espacios más amplios entre otros elementos para crear ese ritmo más interesante. Entonces este es otro gran ejemplo fuera del ritmo y una sensación de movimiento dentro de una pintura. Eso Hay dependiendo por Matisse. Creo que sólo se llama el baile o los bailarines, pero se puede ver su uso de esos barcos de la forma en que fluyen juntos. Crea este maravilloso sentido de movimiento y ritmo. Y de nuevo, los bailarines no están todos igualmente espaciados, lo que es patrones más interesantes, ritmo más interesante a la imagen. Entonces otra vez, con el trabajo de figura con paisajes, piensa en el ritmo. Piensa en el movimiento. ¿ Cómo puedes incorporar estas ideas a tus pinturas? Porque si puedes, le dará una composición mucho mejor de imagen mucho más atractiva para el espectador. De acuerdo, entonces no, el ejemplo otra vez, este de van Gogh. Entonces tenemos algunas de las mismas ideas. Los árboles. No están igualmente espaciados. Parte de eso es cierto a la perspectiva lineal, pero incluso los árboles de primer plano son las distancias entre ellos es más interesante, más variada. Y Van Gough era bien conocido por su pincelada es muy obvia pincelada en las líneas lineales que creó para pastos y setos y cosas como ésta. Pero si miras como está, está dibujado o pintado estos, realmente sugiere movimiento. Casi se puede imaginar el pasto moviéndose en la brisa. Entonces esta es una técnica que puedes usar similar a la de van Gogh cuando estás creando pastos y arbustos y cosas usando trazos de pin en lugar de solo áreas de pin plano, Um, puede ayudarte a crear una sensación de ritmo y movimiento en tu imágenes. De acuerdo, entonces en esta lección miramos dos ideas que a menudo están estrechamente relacionadas ritmo y movimiento. Vimos el ritmo cardíaco básicamente crea interés. Es más interesante mirar una pintura que tiene un ritmo interesante. Uh, si escuchaste, por ejemplo, con los árboles del dinero, si todos estaban igualmente espaciados contra el fondo plano, en realidad crea una composición muy interesante o ligeramente aburrida. Entonces recuerda variar el ritmo si tienes cosas como árboles. Si tienes figuras en tu obra como ellas, un gusto jadeando, crea ritmo interesante variando la distancia entre los elementos. El movimiento también es importante. Vimos de nuevo con la pintura Matisse con las pinturas de Van Gogh. Uh, agregar en ese movimiento o sensación de movimiento realmente agrega un nivel extra de interés para el espectador sobre hacer que tu obra estándar sea mucho más así la siguiente pintura que estás creando, o si quieres intentar recrear una pintura que ya has hecho, creo que es posible dedo del pie? Agrega en estas ideas de ritmo y movimiento. 6. 6 Unidad y armonía: De acuerdo, entonces la siguiente idea que vamos a mirar pero dos ideas. Vamos a ver nuestra unidad sobre la armonía. Comience con una idea fuera de la unidad temática. Um, un ejemplo aquí en el lado derecho en la pantalla. En este cuadro, hay dos elementos básicos. Hay líneas que repiten líneas, y también son círculos. Por lo que el estudio de la línea dirección diferente con ingenio diferente. Los círculos son colores diferentes, etcétera, pero repetir los círculos al repetir las líneas crea una unidad sobre la armonía, uh, uh, dentro de la imagen. Y otra vez, como con ellos vimos con equilibrio antes. Las ideas de unidad y armonía son algo que en general como seres humanos, nos gusta la armonía o menos muchos de nosotros nos gusta la armonía. La mayoría de las veces pinturas, imágenes que carecen de armonía, inmunidad pueden transmitir o pueden ser difíciles de ver. Eso podría ser más desafiante. Eso no es necesariamente algo malo. En algunos casos, claro que eso es exactamente lo que quieres. Se quiere desafiar al espectador, um, nuevo, con todas estas ideas de composición, si se quiere desafiar al espectador, si se quiere una falta de unidad y armonía, eso está bien siempre y cuando te estás acercando eso de manera metódica y preplaneada. Si tu obra carece de unidad y armonía sólo porque, bueno, así es como la pintaste sin ningún prepensamiento, eso no es tan bueno como un acercamiento. Entonces creo que una de las ideas generales y este curso fue acercarse a sus imágenes con alguna planeación. Pero algunos pensaron, ¿Cuál es tu objetivo con un mensaje, o hay una historia detrás de la imagen? ¿ Cómo quieres que el espectador se sienta sobre tu imagen? ¿ Quieres que noten algo específicamente? De acuerdo, entonces tenemos dos ejemplos más de nuevo. Unidad y armonía. El cuadro de la izquierda es por dinero, dependiendo de la derecha de Picasso. Ambos tienen, ah, ah, sensación armónica. Entonces la pintura de Manet a la izquierda, la armonía la unidad es creada por los colores, las banderas francesas. Todos los edificios son muy similares. Color. El nave's Hay repeticiones de barcos, y luego en el dibujo de Picasso, es de diferentes colores. Pero la mentira trabaja en el sentido general del movimiento. Andi, esas naves que está usando nuestro armónico. Hay un sentido de unidad, por lo que ninguna de las figuras estándar está siendo muy diferente. Todos tienen cierto grado de similitud. Por lo que otro ejemplo otra vez pintura del lunes. Entonces en este caso, está creando un sentido de unidad a través principalmente del uso del color. Entonces en los ejemplos que hemos visto, quizá haya un par de ideas de hombres. Um, la unidad y la armonía se pueden lograr a través del color que estás usando y también a través naves y líneas. De acuerdo, es otro ejemplo, éste bastante diferente. Se trata de un Kalash en lugar de pintar y se puede ver dentro del choque. Los artistas han utilizado muchos objetos diferentes. Diferentes tamaños, diferentes barcos. Pero hay una unidad general y armonía en el esquema de color a elegir. Entonces para resumir con unidad y armonía, um, estas son cosas importantes sean conscientes de si bien no siempre es necesario, solo debes tener falta de unidad y armonía si esa fue tu intención. De acuerdo, entonces en esta parte del curso, entonces miramos la unidad y la armonía. Um, unidad y armonía en general, son cosas buenas que el dedo del pie tiene dentro de tu imagen. Los seres humanos estaban preparados para ver armonía si prefieres imágenes armoniosas y unificadas, pero no siempre es necesario. Puede haber algunos casos en los que intencionalmente decidas introducir alguna falta de armonía en tu imagen. Depende realmente de lo cool que estás tratando de lograr. Creo que lo medio es que, si estás pintando, le falta armonía. Si no está unificada, está bien siempre y cuando estés haciendo eso intencionalmente. Entonces la unidad y la armonía no es algo que debas amenazar, o me preocupa demasiado. Básicamente, como vimos en ejemplos, por ejemplo, por ejemplo, la pintura del lunes, La Armonía fue creada por el uso de las banderas en los colores a repetir colores y barcos nuevo con el dibujo del castillo las naves de línea, um, crearon una imagen armoniosa. Por lo tanto, piensa en los colores o usando el esquema de color general. Pienso en el estilo en el que estás creando la imagen. Mientras estas cosas sean el CME a lo largo de toda la imagen, crearás una imagen unificada, armoniosa