Composición para artistas: estructura, contraste y profundidad

1. Avance: En esta lección, soy composición para la escuela más rara, hablar de desarrollar estructura para nuestro exterior. Antes de preocuparnos por sumergirnos cabeza en una ilustración terminada, tenemos que asegurarnos de vivir fundaciones que establezcan un punto focal, estado de ánimo, y profundidad. Por lo que vamos a cubrir un montón de herramientas diferentes que podemos utilizar para asegurar que nuestras identificaciones tengan integridad estructural, así como cómo esas herramientas pueden usarse para crear una narrativa. Habrá una conferencia seguida una demostración de cómo construir nuestras identificaciones. Y lo acabaremos con una asignación para que completes. Si alguna vez has tenido problemas con la profundidad y historia en tus composiciones, entonces estas herramientas son justo lo que necesitas. Entonces, empecemos. 2. Lecciones de medición: Estructuras la parte más importante de cualquier composición, aunque busquemos hacer un trabajo menos realista y apoyarnos más en el diseño abstracto, tener bases estructurales en su lugar siempre va a resultar en un mejor resultado para nosotros. Entonces, ¿cómo exactamente nos acercamos a esto? Bueno, la estructura es realmente sólo otro nombre para nuestros componentes de diseño. En otras palabras, nuestra herramienta artística sake. Y como cualquier tipo de conjunto de herramientas, normalmente significa que hay algún tipo de medición involucrada antes de usarlos. No tiene sentido martillar y Nilo en un par de piezas de lista de madera. La madera ha sido cortada al tamaño correcto primero. Entonces, ¿cuáles son nuestras herramientas de medición para la composición? Bueno, hay dos herramientas diferentes pero superpuestas, teclas geniales. Una es la clave proporcional y la otra es un contraste t. Empecemos con el Ki proporcional. El primer componente de diseño H que utilizamos va a consistir dos ideas opuestas sentadas en una escala deslizante como esta. Una sombra, color cálido versus color fresco, golpe versus curva, suave versus textura. Hay una lista infinita de disponibles para nosotros. El k proporcional se trata de establecer cuál de estas ideas opuestas va a jugar el bote dominante. Vamos a desglosar más esto y utilizar nuestro valor de componente más importante como ejemplo. valor es la escala entre la luz y la sombra. Estas son ideas opuestas para este componente de diseño. En esta instancia, el k proporcional representa la cantidad de luz en relación a la cantidad de castillos. Estas imágenes, también estableció un dominio diferente del agrupamiento de valores. Esta primera imagen tiene un gran porcentaje de valores de luz. El segundo tiene un gran porcentaje de valores oscuros. Y el tercero se divide aproximadamente uniformemente. Si le asignáramos un porcentaje a esta primera imagen aquí, probablemente podamos hacer una conjetura educada y decir que son unos 70 por ciento de valores de luz. Entonces f proporcional K es todo sobre cuál de estas dos ideas opuestas juega un papel dominante. En esta instancia, es la proporción de luz a la proporción de sombra. Entonces, ¿cómo funciona nuestro segundo avión clave a esto? Bueno, en contraste K o fuera de rango de contraste, se trata de lo lejos que separan esas dos ideas opuestas unas de otras en su escala deslizante. Si miramos estos ejemplos, tenemos la misma composición que antes, pero hemos movido los grupos de valores más cerca uno del otro o más lejos uno del otro. En este primer ejemplo, valores de caracol de contraste ABC son muy extremos. En estos otros, es mucho más estrecho. Lo que notarás bastante rápidamente aquí es que estos cambios en contraste lo largo de la escala de valor ayudaron a darle a la imagen un campo completamente diferente. Echa un vistazo a estas diferentes imágenes y ten un momento a pensar cómo se ven y se sienten todas. Bueno, esta primera imagen es bastante extrema con sus valores, formas claras y formas oscuras en extremos completamente opuestos entre sí. El imagen es muy limpio, muy audaz, muy dinámico. Está enviando una declaración muy fuerte al público. Nada de esto es ambiguo. ¿ Y esta segunda imagen? Bueno, hemos desplazado nuestros valores más ligeros hasta el otro lado. Por lo que el rango de contraste entre las agrupaciones de valor claro y oscuro es divertido, más estrecho. Ahora, ¿qué declaración se siente esto como si estuviera haciendo? Está muy oscuro, Está muy mal humor. Probablemente se podría decir que es deprimente o dieta. No hay nada de esto que se sienta viejo, que acogedor, ni es una declaración muy clara. Echemos un vistazo a una tercera imagen, pero esta vez empujaremos las zonas DACA al extremo opuesto, nuevo, dándonos un rango de contraste muy estrecho. Entonces, ¿qué afirmación se siente esto? ¿Está haciendo? A lo mejor un serial, soñador, nebuloso, atmosférico, incluso. No es tan claro e imágenes la primera, pero se siente un poco más invitante, perdido. Echemos un vistazo a uno más donde nuestros grupos de valores están aproximadamente separados por igual. ¿ Cómo describiríamos mejor esto? Bueno, éste se siente bastante equilibrado. Es una declaración PHA más fuerte que las dos últimas, pero tampoco es casi tan audaz y dinámica como la primera. Esto probablemente se sienta seguro, tal vez un poco demasiado seguro. Por lo que podemos empezar a ver cómo podemos empezar a cambiar el Luke y el estado de ánimo de nuestras composiciones jugando alrededor con estas cajas de medición, la Kaizala proporcional sobre cuál de nuestras ideas opuestas en nuestro componente de diseño va a ser el más dominante. Y el contraste K es todo acerca de lo lejos separan estas dos ideas opuestas el uno del otro. Como mencionamos, podemos aplicar estos Skiles murmurando no sólo a nuestro componente de valor, sino a cualquier componente de diseño que podamos pensar. Hágase las preguntas, cuál de estos Audi opuestos sí quiero dominar más y dónde a lo largo de sus respectivas escalas quiero colocar a ambos necesitados caer en algún lugar entre la elección es en última instancia la tuya. No es importante que utilicemos este caso para todo en nuestra composición. Se trata de saber lo que existe y usarlos cuando sea necesario. 3. Fingerprint digital gráfico: Entonces hemos establecido L midiendo el camino de k a, de, Hey, bueno, ahora necesitamos establecer el esqueleto para nuestra composición con lo que se llama huella digital gráfica. Una huella digital gráfica es un simple estudio en blanco y negro que ayuda a establecer las bases básicas de la composición. Otra forma de verlo es que es el diseño gráfico para nuestra composición. Representa la luz y la sombra y cómo forma o las formas de valor de la luz y la oscuridad. Ahora composición. Antes de empezar a preocuparnos por cualquier tipo de renderizado de textura estilo colonial, queremos utilizar los sencillos estudios de lote y pato para hacer mucho del levantamiento pesado por nosotros. Queremos utilizar estos sencillos estudios para trabajar no solo en áreas de luz y oscuridad, sino también crear áreas de interés así como usarlas para guiar la mirada del público alrededor. Si era, porque colocados junto a una serie de composiciones de otras personas fuera objetivo es llamar la atención del público y sostenerla el mayor tiempo posible. A diferencia del cine, de los libros musicales sólo tenemos unos segundos para captar la atención del público. Por lo que necesitamos hacer algo para involucrarlos durante el mayor tiempo posible. Por lo que nuestra huella digital gráfica es el primer paso para hacer esto. Ahora la idea compositiva no está clara en el escenario. Entonces cualquier intento de construir una imagen totalmente renderizada a partir de esto dará como resultado un ritmo que es muy poco claro y no estructurado. Echemos un vistazo a un ejemplo. Tenemos dos composiciones aquí y junto a ellas tenemos unas huellas dactilares básicas. Toma nota de cómo la huella digital gráfica en image1 ya se siente mucho más estructurada en comparación con la huella digital en imagen a. Se siente mucho más equilibrado y dinámico, mientras que el segundo se siente mucho más aleatorizado y caótico. Ni siquiera necesitamos ver los renderizados terminados para la composición H para saber esto, si escondemos nuestras piezas terminadas, HE, podemos decir con bastante facilidad con solo las patentes de diseño. Imagen uno ha prohibido una fundación. Tiene un punto focal en su jerarquía de ojos. Lleva la mirada del público alrededor en una dirección específica como segunda imagen en campos de comparación por todo el lugar. Entonces estos son cruciales primeros saltos porque nos va a ahorrar mucho tiempo y energía, luz o mal. Estamos mucho mejor si gastamos una flecha para trabajar en estos pequeños bocetos en miniatura en blanco y negro, después pasar diez horas un ritmo totalmente renderizado solo para descubrir algo al respecto no está funcionando del todo. Entonces esa es la idea básica que necesitamos para empezar con la estructura, pero desarrollemos las cosas un poco más. 4. Luz y sombra y forma de valor: Ahora, como se mencionó, dijimos que la huella gráfica representa ya sea la luz y sombra de nuestras formas o los valores claros y oscuros de las formas S. Entonces, solo expliquemos qué significa esto exactamente porque es algo que puede ponerse un poco confuso. En casi todas las instancias de nuestra composición, todo lo que pintemos va a ser una combinación de dos identificaciones, forma y forma. A menudo escucharás estos referidos en composición como 0 para nuestras formas. Desorden, oh no bronceado para nuestras formas. Queremos pensar en estas dos ideas como esencialmente siendo dos mentiras separadas pero repitiendo que se superponen entre sí. El laboratorio plano bidimensional para nuestras formas de valor claro y oscuro y el diseño tridimensional redondeado para nuestra luz y sombra, la forma y la forma mentira va a estar en una escala deslizante superponiéndose unos a otros en diversos grados dependiendo de cuáles sean nuestras intenciones. Lo que básicamente estamos tratando de hacer es determinar cuál de estas yace opuesta a la mayor área de contraste para comenzar con huella digital gráfica. Si suena un poco confuso Aún así, vamos a descomponerlo un poco más. Echemos un vistazo a estos cubos de Rubik. Por ejemplo, el cubo de alphas Rubik tiene la mayor área de contraste proveniente de su luz y sombra. Este se forma dominante. En un segundo Cubo de Rubik, la mayor área de contraste proviene de las formas planas en blanco y negro en la superficie del cubo, haciéndolo así dominante en forma. Lo que esto significa es que cuanto más intensa sea la fuente de luz, más contraste cambiará de ser dominante en forma a ser formado dominante. Ahora lo que pasa con estas dos capas es que a menudo son bastante difíciles de tratar de separarse porque hay mucha superposición. ¿ Dónde terminan exactamente nuestras formas de valor 2D y dónde comienza una, una luz y sombra en nuestras formas 3D. Echemos un vistazo a una bandera a cuadros como ejemplo para intentarlo y resolverlo. Tómate un momento para mirar estos tres ejemplos y pregúntate, ¿dónde está la mayor área de contraste? Bueno, y cómo primera imagen, la mayor área de contraste viene de la forma se acuesta. Y podemos decir esto porque nuestra patente de tablero de ajedrez se está mezclando con esta bandera. están abrumando las plazas en las zonas sombrías de Lazada y Daca y un combate en la superficie de la bandera. Se siente como si hubiera una luz más intensa golpeando la superficie. Dado que la segunda imagen en comparación tiene muy poca forma que se está desarrollando, la luz se siente mucho más sutil. Cubetas y otros costos dydt, No tenemos sombras profundas y reflejos brillantes. Para que la falta de red de lotes intensos en patente de tablero de ajedrez y formas de valor claro y oscuro, me voy a convertir en la mayor zona de contraste. Y nuestra tercera imagen es aproximadamente una división de 50, 50 entre ambas mentiras no hay ninguna regla que diga que hay que empezar con 10, el amarillo. Esta es una herramienta puramente objetiva de hielo. Esto se trata de darnos un punto de partida para nuestra huella gráfica. Si cómo la composición va a tener una fuente de luz intensa, entonces podríamos querer acercarnos primero con forma, si es menos intensa que la luz y la oscuridad las formas de valor son probablemente el camino a seguir. Podría incluso ser un caso donde elegimos combinar por pensamiento D es tal vez decidimos hacer nuestra composición predominantemente pesada y valorada forma, solo para tener un poco de forma como punto focal. Esta es una gran manera de dirigir al Irán del público porque cualquier cosa con forma va a destacarse contra algo que ha aplanado bidimensional. Por lo que al empezar, vas a pastel huella gráfica estas dos mentiras en mente. 5. Crear profundidad: Entonces tenemos nuestra huella dactilar resuelta ahora necesitamos empezar a desarrollar las cosas. Uno de los mayores problemas, lo más raro que va a tener que enfrentar es el reto de engañar al público para que piense que la superficie plana bidimensional que están mirando tiene un sentido de profundidad espacial. Entonces veamos algunas maneras en que podemos dejar de convertir ese plano 2D k esto en más de una ventana mirando al mundo que creamos. Valores. De la forma más obvia en que podemos ayudar a crear esta ilusión de profundidad. A medida que los objetos se alejan cada vez más del espectador, esos rangos de valor y valor comienzan a desplazar todo establecido. Por lo que al renderizar diferentes áreas de nuestra composición con diferentes rangos de valor, podemos empezar a crear ese sentido de profundidad fuera del valor. Lo más obvio que podemos usar es el tamaño. Por lo que hace falta decir, pero si tenemos un objeto que es más grande que el otro, automáticamente empieza a crear un álbum en un sentido de profundidad espacial, nuestros ojos están acostumbrados a ver las cosas disminuye, ellos alejarse más de nuestra visión. Por lo que esta es otra herramienta sencilla pero obvia a nuestra disposición. A continuación, que es una extensión de tamaño, se superpone, ya sea a través de la superposición en línea recta o incluso en una línea curva. En cualquier momento ese solapamiento disminuye en el plano de imagen significa que nuestros cerebros van a empezar a interpretar la profundidad espacial dentro de la composición. Siguiendo de esto, otra herramienta para nosotros es la línea. Por ejemplo, si tenemos una serie de líneas que se remontan a un punto de fuga, el ejemplo más obvio es una carretera que se arrastra o algo así como un río que serpentea hacia la distancia que automáticamente va a conducir el ojo del espectador a lo largo de donde convergen las líneas. Por lo que los puntos de fuga, las líneas de perspectiva, un gran hito visual. Pero largo también puede ser una serie de líneas horizontales también, disminuyendo gradualmente en la distancia similar a una vía ferroviaria. Una versión más sofisticada de la luz y una que se relaciona con el valor es la actualización. Upgradation por su misma naturaleza, mueve el ojo a lo largo en una dirección particular porque transita de un valor a otro o incluso una llamada a la siguiente. Si tenemos un campo de hierba, Es doc y verde en primer plano, y se pone más fuerte y más atmosférico a medida que retrocede al fondo, nuestros ojos naturalmente van a seguir a través del plano de imagen con él. Permite herramienta es menos de una herramienta de dibujo y más de un dispositivo de narración de cuentos, y eso es crear una narrativa. Esto es algo que se elevan en los cineastas hacen, pero esto también es algo que tenemos que considerar. Dos, no tenemos palabras ni imagen en movimiento. Entonces, ¿cómo hacemos eso en una imagen fija? Bueno, queremos separar la composición en capas de especia H con algo que se relaciona con la historia con tratar de contar. Entonces en este ejemplo, tenemos tres capas, el primer plano y gran subvención y un fondo. Tenemos la taza todavía humeante café caliente, ayudando a enmarcar las cosas en primer plano. Tenemos un cigarro encendido en la mesa mitad del suelo y el hombre se desplomó en su silla al fondo. Incluso se puede decir en el cuadro en la pared es que es diferente a esta serie de puntos Laius para desarrollar la narrativa. A lo mejor es un empresario que se ha quedado dormido en el trabajo. A lo mejor es un jefe de la mafia que acaba de ser sacado por un rival. Todas estas vainas dentro de estos laboratorios esperan mover al público ya sea a través de la parte posterior de la obra de arte, esperando encender las migas de pan para que interpreten la historia. Podemos elegir en qué mentira queremos que se centren más. Entonces tal vez sea un caso donde queremos poner más énfasis en la taza por la razón que sea. Si todo lo demás más allá de eso se mantiene fuera de foco, entonces le va a decir al público que la taza es la parte más importante de la narrativa. Por lo que podemos empezar a ver las posibilidades que están disponibles para ayudarnos a crear profundidad, podemos mezclar y emparejar estas herramientas, poner énfasis en una más que en la otra. Hay una cantidad infinita de posibilidades. Dicho esto, si hacemos ajustes a una de estas herramientas, muchas veces significará que también tenemos que hacer ajustes a la Odisea. Entonces va a haber un poco de un acto de malabares involucrado con esto, que se remonta al inicio de la lección, es por eso que empezamos con la estructura más simple para la primera de nuestra composición, Eso nos va a permitir hacer muchos errores y trabajar en cómo avanzar mejor con su ID, con la conferencia fuera del camino, pasemos a hacer algunos ejercicios. 6. Demostración: diseño y espíritu: Por lo que voy a recrear el proceso que fue detrás este pequeño bosquejo de paisaje de fantasía el hecho previamente. Por lo que el primer paso es crear nuestra huella gráfica en blanco y negro. Ahora bien, debe afirmarse que estos top de bocetos realmente no deberían trabajarse demasiado tiempo. Va a ser muy fácil empezar a empantanarse con todos los detalles. De hecho, se podría argumentar que esta composición terminada es probablemente un poco demasiado detalle. Este ejercicio realmente necesita ser sobre formas básicas, valores básicos con tal vez salpicaduras de detalle aquí. Y ellos, así que tengo mi forma de luz en la proporción de sombra de luz es probablemente un mal ojo, proporción de 60, 40 aquí. De nuevo, no hay que limpiarse con estos cimientos. Cualquier bolígrafo o lápiz viejo que tengas tirado sobre cualquier vieja chatarra de pipa va a estar perfectamente bien para esto. Entonces solo bloqueando en el muelle una forma ahora. Entonces lo que voy a hacer es que voy a tener el costal en el fondo sea parte del muelle una forma. Ahora, es más que probable que te preguntes, ¿no vas en contra de lo que hablaste durante la conferencia? El castillo es claramente un valor mucho más ligero que todo lo demás en el medio y las paredes de primer plano. Eso es cierto. Ten en cuenta que para nuestra huella digital gráfica, no necesariamente buscamos tener valores de l en los lugares correctos todavía. Estamos buscando el diseño de forma más interesante que podamos conseguir sin boceto en blanco y negro. A pesar de que at causal está claramente alineado con la luz de los valores en el cielo, sigue siendo un valor más oscuro que el propio cielo. Por lo que estoy tomando la decisión aquí para buscar las formas oscuras más interesantes dondequiera que estén en el entorno. Ahora bien, puede que muy bien tome unas elecciones completamente diferentes. Si optas o no por hacer los costos será maceta o el muelle está en forma o la ley a dar forma. Eso simplemente va a bajar a lo que crees que se ve mejor. De hecho, vamos a deshacernos de los costos y el otro solo para comprobar con qué luce esto agregado y creo que probablemente podemos estar de acuerdo en que nuestra huella dactilar va a terminar luciendo mucho mejor sin que Castilla sea desplazada a la más oscura formas. Entonces nuevamente, buscando el diseño gráfico más interesante en esta etapa, no necesariamente precisión. Por lo que una huella dactilar en su lugar. Pasemos a cambiar el contraste ahora para tratar de crear un poco de estado de ánimo. Entonces la primera dirección que voy a empezar a cambiar las cosas es hacia el extremo oscuro de la escala de valor buscando crear algún tipo de Doc y paisajes ominosos. Algo así como Monte Doom de Señor de los Anillos o cualquier fortaleza de fantasía que se te ocurra. Voy a hacer un par de estudios de contraste sólo para ver cuáles son los resultados. Ahora, estoy trabajando principalmente con Sharpie o no 10 como se podría escuchar referido como. Pero también podrías crear fácilmente una huella gráfica con forma. A menudo las escucharás referidas como tu esclerótica, que es una palabra italiana para luz y sombra. Y no, 10, que es una palabra japonesa que significa claro y oscuro para nuestra forma. Entonces me está gustando la forma en que va esto, pero creo que lo haré solo un poco ordenado, oye, limpia las cosas solo un poquito. Siempre pregúntate con anticipación cuando estás pintando desde la vida o desde tu imaginación, qué tan intenso es el lote. Entonces va a ser, y eso generalmente te va a dar un punto de partida en cuanto a si debes o no abordar las cosas desde una perspectiva de forma o desde una perspectiva firme. Entonces me gusta la forma en que es esto, pero voy a tratar de golpear las cosas en las zonas del muelle y sólo ver cómo se ve esto para que las cosas se vean un poco más místicas y oníricas y el cereal. Entonces otra vez, simplemente volviendo a nuestra forma y forma, como dijimos durante una conferencia, el plano de la fuente de luz, más forma dominante es probable que se convierta en la imagen. Si es una fuente de luz realmente intensa, entonces va a empezar a inclinarse hacia el dominio de la forma. Es algo complicado tratar de separar estos dos conceptos porque hay mucha superposición entre ellos. Entonces una buena cosa que hacer es investigar hallazgos de todos los grandes artistas y mirar qué tinte de carga usó. No siempre es súper fácil de descifrar, sobre todo con pinturas de colores, pero con un poco de práctica observacional, podemos empezar a trabajar si la obra es la forma o la forma dominante. Entonces limpiaré un poco más esto, pero ya puedo decir en esta etapa, éste no está haciendo mucho por mí. Entonces lo que hago es tratar de encontrar un poco de terreno medio entre estos dos extremos. Entonces la importancia de hacer estos pequeños estudios rápidos, bueno y verdaderamente en show aquí porque no queremos estar desperdiciando L fue renderizando este ritmo. A mí me gusta saber que realmente no está funcionando para nosotros. Por lo que estos pequeños estudios rápidos son perfectos para esto. Entonces todo esto se trata de establecer ánimo para nuestro trabajo. De eso se trata todo el contraste. Todo eso otros componentes de diseño pueden contribuir a esto también, no sólo el valor, el valor es por supuesto el punto de partida, sin embargo. Entonces cuando empezamos a desarrollar las cosas más, necesitamos empezar a pensar en todos esos otros componentes de diseño y en cómo pueden crear contraste en un mundo de fantasía la noche, mientras que lo hermoso, elegante curvado en el, tan la carga del muelle con el, con los picos y los bordes afilados. Por lo que golpea contra curvas, suave versus texturizado, Shani versus muñeca. Ahí hay una lista interminable en la que podemos dibujar para crear contraste. El contraste crea historia. Entonces me gusta la forma en que va esto ahora mismo. Entonces dejemos esto aquí y empecemos a establecer algo de profundidad. 7. Demostración: planos y profundidad: Entonces, empecemos a agregar con cierta claridad al boceto y trayendo algunas capas de profundidad. Entonces lo primero que voy a hacer es agregar este valor a lo mismo. Eso automáticamente va a empezar a crear valor de profundidad espacial por su propia naturaleza cambia cuando hay un cambio en el plano direccional que se va a aplicar tanto a los objetos en el entorno como el propio entorno, aunque es ligeramente diferente para ambos. Entonces en un objeto como una caja, si la luz lo golpea, cada lado de esa caja va a recibir una cantidad diferente de luz, lo que posteriormente va a provocar que se forme un valor diferente. Es así como empezamos a ver volumen. Los mismos anillos cierto para paisajes como este. La única diferencia son los planos direccionales en esta instancia, retrocediendo en el marco de la imagen. Entonces imagina esto como una serie de piones de ventana de brillo de esa manera pinchando encima de cosas generalmente que están más cerca del espectador, un DACA y tienen más contraste. Y a medida que las cosas se alejan del espectador, las cosas se vuelven más ligeras en la atmósfera y el contraste se vuelve mucho escuchado. Hay excepciones a esto por supuesto, pero es una buena regla general para empezar. Ahora, podemos decir que las dos ediciones de valor ya han comenzado a crear la ilusión de profundidad dándonos tres mentiras, un primer plano, medio terreno, y fondo. Podríamos incluso considerar el cielo como un dos de pleno derecho. Entonces este sería un buen lugar para parar, ¿verdad? Oye, y pasa a otro concepto. Pero sólo trabajemos en incorporar un poco de profundidad a esta escena. Y empezaremos con añadir un poco de gradación al cielo. El cielo se vuelve más ligero a medida que se acerca al horizonte. Por lo que nuestro ojo naturalmente va a seguir el camino que pesaba mucha área es el cielo tiene diferentes cambios de plano. Entonces va a seguir la misma lógica de la que hablamos. Un cambio en plano direccional va a ser igual a un cambio de valor en esta instancia, también está ayudando a llevar la mirada hacia el castillo. Por lo que esto no sólo está ayudando a crear una sensación de atmósfera, es actuar como puntos de referencia visuales. Hablamos de desarrollar una narrativa, decidir qué mentira es extraña, el punto focal. Estas herramientas para la profundidad ahí para ayudar a reforzar esas ideas y llevar al público al punto exacto que queremos que vean. Entonces mirando este castillo ahora, y estoy pensando que probablemente necesita bajar un poco en su valor. Eso también hará que destaque un poco más del cielo. Entonces realmente, estamos trabajando aquí con cuatro valores. Ya hemos utilizado la gradación para ayudar a establecer más deudas. Pero note cómo automáticamente también hemos establecido la superposición con sólo nuestros cambios de valor. Hemos traído adelante esa formación montañosa con su doc, valor que ahora se superpone a las montañas en el medio suelo, que posteriormente se superpone la costal de fondo. Por lo que hemos establecido una jerarquía de objetos. Lo que queremos tratar de evitar hacer es tener dos objetos a diferentes distancias buscando como si se estuvieran tocando unos a otros justo en el borde. Eso va a crear una tangente que va a causar tensión visual. Eso se puede usar como herramienta, pero queremos evitar hacerlo accidentalmente. Si tenemos planos diferentes, queremos evitar que se vean como si se estén mezclando porque las tangentes a menudo se aplanarán e imagen hacia fuera. Por lo que voy a centrar mi atención en usar line ahora para empujar al público a través de los antecedentes. Tenemos el camino y el cañón, el pequeño río serpenteando su camino. Incluso tenemos la sombra de yeso cuando la formación de roca para así las líneas convergen hacia lo que probablemente sería la puerta a la consola. Pero también tenemos líneas implícitas aquí también. Toma nota de cómo los bordes de los cerros rocosos en el medio suelo en ayudar con esa dirección. También están convergiendo al centro del castillo. Entonces línea es más que solo los trazos que ponemos abajo o los céspedes literales que algo así como una carretera o un río mezclan. Es algo que puede estar en muy implícito para crear dirección, incluso cierre. El cierre se trata de crear una forma completada, hacer que nuestros ojos se muevan alrededor de la imagen cierta manera y terminar de vuelta por donde comenzamos. Por lo que podrías notar aquí que el río, pesar de que está en el medio suelo, que está más cerca en valor a la formación rocosa completa. Lo que tenemos que recordar es que todo lo que pintemos va a tener su propio valor de partida. Entonces sólo porque pudiéramos tener un montón de objetos diferentes en el medio suelo no significa que todos van a parar con el mismo valor exacto. Entonces en esta instancia, el agua es Dhaka, por lo que sus niveles de valor en el medio suelo van a ser diferentes del cañón y las paredes del cañón y la roca circundante. Por lo que sólo añadiendo un poco de detalle a la roca sólo para ayudar a transmitir la historia. Nuevamente, estos son probablemente los límites superiores de forma en que quieres tomar tus composiciones en miniatura. Tenemos la ventaja, por supuesto, si estamos trabajando digitalmente de manera, hemos conseguido unos pinceles de textura antidisturbios y ajustes de iluminación dentro de nuestro software que podemos usar para citar mucho tiempo y ayudar desarrollar miniaturas rápido. Entonces si estás trabajando en procreate o Affinity Photo Photoshop, puedes usar las herramientas de curva o las herramientas de Niveles y esas aplicaciones para cambiar rápidamente el rango de contraste y probar diferentes superposiciones y texturas. Por supuesto que es diferente si estamos trabajando prácticamente, estoy usando estudio de pintura realista, que está mucho más cerca de trabajar con herramienta real. Entonces si estamos trabajando prácticamente, no tenemos el lujo que está disponible para nuestros homólogos digitales. Pero sea cual sea la forma en que trabajemos, no queremos pasar mucho más de cinco minutos en una miniatura estudiarla. Hay un requisito de historia específico. Es posible que muy bien necesites gastar un minuto adicional o así solo para que esa idea se transmita. Entonces, por ejemplo, si un cliente te dijera, Bueno, necesitamos que este paisaje se vea un poco más aterrador e intimidante y un poco más de un reto para agregar aquí un personaje tal vez tener pareja de dragones volando al fondo. Entonces por supuesto vendrías por encima de la cima con unos detalles extra justo al final. Así que sólo poner aquí un par de árboles retorcidos y tal vez un par de tienda adicional buscando zonas de roca. Ese poco de textura extra para tratar de capturar el audio sobre el mundo, pero ignorar la tendencia a detallar realmente es una especie de lo divertido con ilustración, pero también tenemos que contenernos un poco aquí y ahorrar un poco de esa energía para cuando empecemos a hacer la composición final. Una vez que tengamos ordenado nuestro diseño en miniatura, entonces podremos empezar a planear con anticipación para la verdadera obra de arte. Entonces empezaremos a terminar aquí. Ojalá estas herramientas que hemos repasado te ayuden en tus bocetos compositivos. Entonces solo para reiterar todo, siempre piensa primero en tu huella gráfica, tus formas básicas claras y oscuras. Piensa si la imagen es de forma formal dominante. Establece tus valores y rango de contraste y poniendo suficientes detalles y profundidad solo para que el ID sea a través. Con esto fuera del camino, pasemos a la asignación. 8. Proyecto: El encargo de esta lección es crear una composición con al menos tres rezagos, un primer plano, medio suelo y fondo. Ahora, la composición puede ser literalmente lo que quieras, pero trata de contar una historia dentro de ella. Puede ser una historia de la vida real, una historia de fantasía. Cualesquiera que sean los elementos que coloques en el entorno los tienen todos se relacionan entre sí. Trata de visualizar algo que actúa como pan rallado y realmente atrae a las audiencias están a través de fondo. par de esto y te mostramos diseñas la huella digital gráfica para tu composición, así como algunas variaciones de esa huella digital con diferentes rangos de contraste y valor, haz al menos tres opciones y ver cuál se ve un poco. Entonces te dejo con eso para completar la práctica HOD, y te veré en la siguiente lección.