Composición de canciones y producción musical: guía esencial para principiantes

1. Introduccion: La música es algo que conecta con todos. No importa quién seas, casi te puedo garantizar que tienes un artista favorito. Has estado en un show en vivo, o te ha conmovido una pieza musical. Entonces, ¿no sería genial escribir el tuyo? No lo sé. Suena bastante complicado, como ¿qué acordes van juntos ¿Cómo escribo letras decentes? ¿Por qué mis melodías suenan horribles? Parece abrumador, ¿verdad? Pero, ¿y si te dijera que las canciones más populares se construyen usando progresiones de acordes simples, ganchos directos y letras identificables Escribir y producir música es mucho más fácil de lo que parece, y estoy muy emocionada de mostrarte cómo hacerlo. Oigan, amigos. ¿Cómo te va? Espero que estés teniendo un gran día. Yo soy Mike. Es muy agradable conocerte. Soy músico, artista, productor, director de una organización benéfica de música galardonada, y también soy una de las mejores maestras aquí en Skillshare Una gran bienvenida aquí a mi clase de composición y producción Y hoy, te voy a enseñar todo lo que necesitas saber para escribir grandes piezas musicales. Empezaremos por aprender a abordar la escritura de música y encontrar inspiración frente a un lienzo en blanco. Luego aprenderemos sobre la anatomía de las canciones populares y los bloques de construcción de la música y cómo moldearlos en algo especial. Te enseñaré todo sobre acordes y re progresiones para crear un motivo y un movimiento significativo en nuestra pista Luego nos sumergiremos en hacer ritmos de batería y líneas de bajo para crear ritmo, groove y plenitud a nuestra canción Desglosaremos letras, melodías y armonías para darle voz a nuestra pista además de crear ganchos pegadizos que hacen que los oyentes se vuelvan adictos a También te enseñaré cómo elaborar una canción de principio a fin, y vamos a incluir una tonelada o progresión, ritmos de o progresión, ritmos y planos de canciones, para que puedas seguirlo sin importar dónde estés en tu viaje musical En esta clase, voy a estar escribiendo y produciendo una canción yo mismo para que veas exactamente cómo implementamos cada uno de estos temas en una pista. Escribir y producir música es una de las formas más divertidas y gratificantes de hacer arte, y hoy estoy muy emocionada de compartirla contigo Entonces espero ver que están en la clase. 2. Proyecto de clase: Oigan, amigos, ¿cómo les va? Un enorme agradecimiento por acompañarme aquí en mi clase de composición y producción De verdad, realmente espero que te sea útil, y te quitas mucha buena información de esto, y te sientes como un compositor y productor más seguro por ello Pero justo antes de empezar, rápidamente quiero hablar sobre nuestro proyecto de clase. Entonces, al final de esta clase, vas a poder escribir y producir tus propias pistas que suenan increíbles Y me encantaría escuchar lo que haces. Entonces el proyecto de clase va a ser un espacio seguro donde podamos publicar cualquiera de estas ideas, ya sea solo para compartirlo conmigo y con los demás alumnos de la clase, o si quieres algunos comentarios más críticos sobre una canción o una pista o cualquier cosa con la que necesites ayuda. Compartir R es una parte muy importante del proceso, y realmente puede ayudar escuchar tomas u opiniones de otras personas sobre la cosa. Realmente puede ayudarte a progresar de una manera más rápida y segura. Y simplemente realmente me encantaría escuchar lo que se te ocurre. Entonces, cualquier cosa sobre la que quieras comentarios o quieras poner ahí fuera. Siéntase libre de enviar . Escucho cada cosa enviada a esos proyectos de clase. Yo estaba de vuelta con ellos tan pronto como pude. Entonces, si estás interesado en eso, no dudes en usar ese espacio. Todo lo que necesitas hacer es subir tu pista a YouTube o SoundCloud o cualquier cosa similar y luego publicar ese enlace en el proyecto de la clase Y si no estás listo para compartirlo con todo el mundo, puedes hacer un enlace privado, así solo yo y la gente de esta clase tenemos acceso a él. Bien. Así que estoy muy emocionada de escuchar lo que se te ocurre, pero primero aprendamos sobre cómo hacer la música que vas a publicar en el proyecto de clase. Entonces te veré en la siguiente lección. 3. No hay una forma correcta de escribir una canción: Bien, así que muy rápido, déjame hacerte una pregunta. ¿Cómo suena una canción? ¿Es rápido o lento o emocional o enojado? Y obviamente, no hay una respuesta correcta a esa pregunta. Podría ser todas esas cosas, o podría ser ninguna de esas cosas. Y lo pregunté porque así como no hay una forma correcta de que suene una canción, tampoco hay una manera correcta de escribir una canción, lo que parece contraintuitivo, ¿verdad? Estás viendo una clase sobre cómo escribir música. Pero si yo fuera a decir, así es como escribes una canción, hacemos un verso, estructura de coro. Nos pegamos en una sola llave. Así es como escribes una canción. Eso sería muy hipócrita de mi parte porque parte de mi música favorita va completamente fuera de eso Por ejemplo, una de mis canciones favoritas, nosotros de Bonnie Ver arroja por completo la idea de una estructura de coro verso por la ventana y en su lugar usa tres secciones locas variables sin ganchos ni partes repetitivas Y es impresionante. Ajo de Jimmy Hendrix, utiliza acordes que se mueven fuera de una tecla Hide and seek de Imogen Heap básicamente no tiene producción más que una voz pasando por un módulo Y algunos de los mejores compositores de todos los tiempos tienen formas completamente variables de hacer música Algunos están fuertemente enfocados en la letra y escriben todas sus letras antes de saltar a cualquier instrumento, mientras que otros escribirán progresión de acordes y un arreglo musical lleno primero antes incluso de pensar en voces Pero ahora, si damos un paso atrás por un segundo, obviamente es súper útil y divertido aprender sobre grandes que se hacen las canciones populares, porque a muchos de nosotros nos encanta ese tipo de cosas. Ya sabes, queremos intentar emular ese tipo de canciones que escuchamos Y hacer eso es tan válido como ir contra corriente. Pero supongo que lo que estoy tratando de decir con todo esto es lo único que realmente importa es que te guste lo que estás haciendo. Y todo lo que escribir canciones realmente es juntar sonidos geniales que te gusten. Y eso podría caber en un molde o no podría. Realmente quiero que pienses en eso a medida que vamos avanzando por la clase porque te voy a estar dando muchas herramientas y métodos diferentes, pero por favor no sientas que tienes que encajar en un molde en particular. Nuevamente, no hay una manera correcta de escribir una canción, y la única justificación que necesitas es si te gusta o no. Pasemos a la siguiente clase. 4. Búsqueda de inspiración: Entonces, una de las partes más difíciles de hacer música o cualquier tipo de arte es comenzar, poner un bolígrafo a ese trozo de papel en blanco y encontrar inspiración Puede ser realmente intimidante y fuera de poner, sin saber por dónde empezar Entonces, ¿cómo resolvemos esto? Para responder a esto, creo que primero tenemos que preguntarnos ¿Por qué? ¿Por qué escribimos canciones en primer lugar? Así que probablemente ya tengas en la cabeza al perfecto danser, pero solo para que quede claro al respecto Creo que la gente se siente atraída por escribir música porque es una forma tan poderosa de compartir emociones y sentimientos e historias, sea que las profundidades de la angustia o podría ser algo tan simple como cómo se siente ver a un pájaro volar a través de este tipo Imagina por un segundo tu película favorita. Ahora, quítate la música. Esto será incómodo si tu película favorita no tiene música. Pero tengan cuidado conmigo. De pronto escenas que tenían tanta profundidad y emoción de repente se sienten planas y sin vida. Eso es lo que pasa con la música. Cuenta tal historia y traduce tal sentimiento en cuestión de segundos, y hay algo realmente profundo ser la persona detrás de eso. Eso es realmente clave a la hora de pensar en comenzar una obra de arte o una pieza musical. Sentimiento o emoción o historia ¿ estoy tratando de retratar con este pedacito de música? Podría tratarse de una historia o una experiencia que hayas tenido, o simplemente podría basarse en un sonido o un sentimiento o visión que evoca algún tipo de emoción Entonces lo que quiero que hagas a partir de hoy es a medida que avanzas en tu día a día, si un sonido o una vista evoca algún tipo de sentimiento en ti y ese podría ser cualquier tipo de sentimiento Calienta hacia abajo. Usa un bloc de notas, tu cámara, notas de voz y grabaciones de audio, cualquier cosa que pueda capturar ese momento que te hizo sentir algo Entonces, cuando se trata de escribir una canción, estás sentado en un banco masivo de posibilidades e ideas. Por ejemplo, si estás sentado en el tren y el tipo de ritmo de las vías tal vez sea interesante, saca tu teléfono y graba eso O tal vez estás viendo televisión, y un personaje dice una línea que resuena contigo. Anota eso. A lo mejor algún día se pone el sol, y solo hace que el cielo se vea hermoso. Toma una foto de ella. Literalmente, cualquier cosa que encienda tu imaginación o te haga sentir algo es el punto de partida perfecto para hacer una obra de arte. Y déjame decirte, es mucho más fácil escribir alrededor de un tema o una idea en lugar de simplemente ir a ciegas. Por ejemplo, si lo dijera, aquí está el sonido de un forrest, aquí está el sonido de un forrest, escribiré una canción a su alrededor Te garantizo que tu mente inconscientemente ya se está haciendo una idea de cómo se sentiría y sonaría eso Mira a tu alrededor de tu habitación ahora mismo y elige un objeto. Ahora pregúntate, ¿cómo sonaría esta cosa? Otra vez, creo que tienes una idea aproximada de adónde va a ir eso. ¿Cómo sonaría una lámpara? ¿Entiendes a lo que me refiero? Qué idea tan divertida escribir una canción alrededor. Y esa es la cosa, no necesita ser una historia sobre desamor o trauma o algo realmente profundo Simplemente puede ser un sentimiento. Entonces por tontos o insignificantes que sean estos momentos de inspiración, si te hace sentir algo, ahí hay una canción esperándote Y es tan importante que le des vida a esa canción. Porque si no lo haces, nadie lo hará. Voy a verles lo que dice. 5. Estructura de la canción: Oigan, amigos, bienvenidos de nuevo. En esta siguiente lección, vamos a hablar sobre la estructura de la canción o el tipo de bloques de construcción que componen la mayoría de las canciones. Ahora bien, es importante recordar que no todas las canciones usan estas secciones, y pueden ser moldeadas y adaptadas y utilizadas como quieras. Ahora probablemente ya hayas escuchado de todos estos términos, pero solo para que quede claro, vamos a repasarlos juntos ahora. Entonces primero, tenemos nuestra introducción o nuestra introducción. Entonces esto marca la pauta e introduce al oyente a las diferentes temáticas musicales. Elementos de la canción. A menudo es instrumental, pero muy bien puede incluir una melodía o un motivo que capte la sensación de la pista. Y esto podría ser un instrumental gentil, así en tu canción, Belton John empieza como con este hermoso piano, por lo que sugiere que va a ser más una pista emotiva y emotiva Es un poco gracioso. O, podrías simplemente abofetear a la gente en la cara con una enorme pared de ruido como bien de Jacob Collier Entonces, a continuación, tenemos el verso. Y esto va a hacer avanzar la historia tanto lírica como melódicamente con los Es como que constituye una gran parte de la canción. A menudo contiene letras y melodía que varían con cada repetición, tipo de proporciona nueva información con cada línea. Y a menudo tienen una energía más tenue en comparación con el coro Una especie de versos tienden a sentarse más aquí en la escala de energía comparación con como un coro, que está más aquí arriba Son como tu pan y mantequilla. No siempre es la parte más emocionante de un sándwich, pero muy fundamental e importante para ello. Si eso tiene sentido. A continuación, tenemos nuestro pre coro, y esta es la parte que tipo de construye la energía y la anticipación o agrega una sensación de contraste entre el verso y el El pre coro puede ser bastante significativo y cambiar, digamos, como las o progresiones o los instrumentos en esa sección, o puede ser muy sutil y ser como un tambor realmente genial se siente como el de Clint Eastwood Te llevará de regreso a las edades de sao dao. A continuación tenemos el coro. Ahora, estoy seguro de que ya sabes exactamente qué es esto. Es como el núcleo de la canción. Es lo que todos recuerdan, la parte que se queda atascada en la cabeza de todos, la parte con más energía y más vida A menudo tiene letras bastante contundentes, a veces simples que encapsula el mensaje principal de la Y, a menudo es muy repetitivo y muy memorable. La parte con la que todo el mundo canta, ¿sabes? Suena como. Suena como. Como dijimos antes, generalmente tiene niveles de energía más altos en comparación con el verso. A continuación, tenemos ganchos. Entonces esto no es exactamente una sección, per se, sino más bien como un elemento que lanzamos a la pista. Y como probablemente puedas adivinar, es como un elemento memorable o pegadizo que realmente se queda con el oyente Puede ser una frase musical repetida o una lírica memorable, o una combinación de ambas, y sirve como punto focal de la pista y realmente contribuye a los pitos generales Y se encuentran en el coro, pero se pueden encontrar en cualquier parte de la pista Por ejemplo, cuando la canción empieza por Sam Fender, usa este tipo de gancho vocal en el pre coro para marcar el puente entre el verso y el coro Canción Ara hook puede vivir en un instrumento, y a veces puede ser tan fuerte que puede ocupar el lugar de la vocal en un coro, digamos, por ejemplo, Ejército de Svenation por Viniendo de una sola. Oh. Entonces, a continuación, tenemos el puente. El puente está ahí para agregar variedad y contraste a la canción. A menudo introduce nuevos elementos que rompen la estructura del coro del verso, y suelen ocurrir después del segundo coro A menudo tienen acordes y melodías diferentes, y agregan una refrescante salida de Entonces, a continuación, tenemos solos o breaks instrumentales, y esta suele ser la parte donde los instrumentistas pueden mostrar sus habilidades o como una dinámica diferente a la pista Y a menudo también pueden agregar una gran oleada de energía a una pista. Gravity de John Mayer es un gran ejemplo de una ruptura instrumental realmente efectiva Por último, tenemos el tro. Entonces este es el tipo de marca del final de la canción y la cosa que proporciona ese cierre o conclusión. Y esto podría ser simplemente la repetición del coro, o podría ser el rasgueo final de un acorde, o podría ser un fade out, simplemente algo para darle un final satisfactorio a la pista Bien. Entonces, ahora que hemos aprendido sobre la palabra diferentes secciones, ¿cómo construimos una canción con ellas? Y la respuesta a eso es, quieras, no hay bien o mal. Sin embargo, si quieres algo un poco más útil, aquí tienes el plano de cómo puede ser el tipo de canción popular promedio Entonces tendremos una intro de cuatro compases, 16 compases del primer verso, 4 compases de un pre coro, coro para 8 compases, segundo verso para 8 compases, coro pre coro, Puente que cambia las cosas hacia arriba seguido de otro coro cambia las cosas hacia arriba Si estás empezando y te preguntas a qué apuntar, este es un plano perfecto para este es un plano perfecto asegurarte de que vas a conseguir algo que suene como una canción adecuada Voy a contener esto un paso más allá y desglosar cómo la canción pop promedio sería la canción pop promedio a lo largo de cada sección. Por el bien de este ejemplo, voy a descomponer esto en una banda de pop o rock realmente estandarizada. Por lo general, este estará compuesto por un vocalista, un guitarrista, o un teclista, bajista y un baterista Ese es un muy buen lugar para comenzar. Si estás confundido acerca qué instrumentos deberías tener, en realidad limitarte a solo cuatro tal vez cinco pistas es una buena manera de reducir la cantidad de decisiones que tienes que tomar. Es típico comenzar con un riff o el uso de la pista Por lo general, toca una guitarra o un piano. El primer verso suele ser bastante bajo de energía, todos los instrumentos están presentes, pero tal vez el tambor esté solo en el bombo o simplemente en el paseo. El bajista puede estar tocando notas realmente largas intacto, y se introducen las voces que marcan el tono de la Recoge la energía en el coro, todos los instrumentos subiendo una marcha, una línea base más ocupada, un patrón de batería más agresivo El vocal encaja en el gancho principal y comienza a golpear algunas de las notas altas, y la guitarra o las teclas realmente pueden colocarse en los acordes El segundo verso puede ser bastante similar al primero, pero podemos volver a recoger la intensidad solo un poco. A lo mejor los tambores pueden estar un poco más ocupados. La base puede estar un poco más transitada. A lo mejor las voces solo suben un poco la agresión. El segundo estribillo a menudo puede ser justo al principio, nuevo, simplemente realmente va a por ello con todos esos elementos El puente puede entonces cambiar las cosas con algunos acordes nuevos Base solo va a seguir esos nuevos acordes, y podríamos tener un patrón de batería diferente mejor el puente es un poco más intenso, así que pueden animarse un poco, o igualmente, tal vez podría calmarse y bajar. O aquí es donde puede tener lugar un solo o un break instrumental con los mismos acordes que el coro Y entonces el último coro puede ser igual que los otros dos. Así que de nuevo, no uses ese tipo de plano si no quieres Esa es solo una idea muy aproximada sobre a qué puedes apuntar si esto se siente un poco abrumador. Bien, entonces ojalá eso te dé una buena idea sobre cómo puede ser una estructura de canción, y ¿qué significarán esos términos diferentes? Y ahora que sabemos eso? Podemos sumergirnos y comenzar a escribir algunas de estas secciones nosotros mismos. Nuestro sello en los balnearios. 6. Clave: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo. Entonces, en la lección de serpientes, vamos a sumergir nuestro dedo del pie muy suavemente en el mundo de la teoría musical Lo siento, bien. No hay manera de sortearlo. Es solo parte del proceso. Entonces vamos a hablar un poco sobre las llaves. Ahora, las claves son realmente importantes cuando se trata producción musical y composición de canciones. Entonces, ¿qué son las llaves? Entonces las claves son esencialmente un grupo de notas y que funcionan muy bien juntas. Si alguna vez te has sentado ante un teclado antes, trataste de tocar un par de notas, solo para que suenen horribles, Eso suele ser porque no están en la misma tecla. Pero si sabemos qué notas y acordes hay dentro de cada clave, podemos tocar o progresiones, y escribir melodías y líneas de base, y préstamos son cosas geniales muy fácilmente Me gusta pensarlo un poco como el lenguaje. Si conoces todas las palabras del diccionario inglés, puedes hablar inglés, igual que si conoces todas las notas en Do mayor, puedes tocar muy bien en esa clave. Saber qué notas, qué núcleos hay en cada clave es súper útil a la hora de producir y escribir música. En la música, tenemos claves mayores y claves menores. Como ya sabrás, las canciones escritas en claves mayores tienden a sonar un poco más felices y edificantes, otro lado, las canciones escritas en teclas menores suenan un poco más oscuras y sombrías Dependiendo del tipo de estado de ánimo que quieras crear, puedes elegir clave mayor o menor. Pero hay una gran zona gris en el medio. Así que no sientas que estás demasiado definido por este tipo de llaves. En la música, hay 12 notas diferentes, y estas se reflejan en nuestras claves. Así que tenemos 12 llaves mayores y 12 claves menores. Pero no te preocupes. No has ido a memorizar todas las notas y acordes en todas estas diferentes claves Vamos a resolver eso a medida que avanzamos. Va a ser mucho más fácil de lo que parece que probase. Entonces, de todas estas 24 llaves, ¿cómo sabemos cuál elegir? Bueno, para ser contundentes, realidad no importa Cada tecla va a sonar genial. La única diferencia real va a ser la frecuencia en la que se sientan. Por ejemplo, cualquier canción se puede tocar en cualquier clave. Sólo voy a sonar más alto o más bajo. B T aquí. Ta aquí. Entonces, si eres cantante o estás trabajando con un vocalista, querrás intentar elegir una clave que funcione bien con su rango vocal A veces escribirás una melodía gris junto a una progresión central. Pero a medida que vayas a cantarlo, podrías pensar, esto es un poco demasiado alto para mí, en cuyo caso, puedes simplemente bajarlo una tecla. Entonces de C a C plano, y sonará muy, muy similar. Simplemente se sentará en una frecuencia ligeramente diferente. Otro factor importante a la hora de escoger una llave es pensar en qué tipo de instrumento vas a estar escribiendo alrededor. Entonces, por ejemplo, las teclas de Do mayor y menor funcionan muy bien en teclas o piano para principiantes porque usa todas las notas blancas, ninguna de las notas negras. Es muy fácil jugar, hacer ejercicio y entender. Igualmente, las teclas de E y G funcionan muy bien en la guitarra porque muchas de las cuerdas abiertas están en esas teclas. Más escribirás alrededor de diferentes claves, más notarás las diferencias tonales cada vez tan leves entre ellas, y podrías encontrar que favoreces el tipo de tono de D, por ejemplo Puede que no. No hay bien o mal. Simplemente haces lo que creas que es correcto. Como nota al margen de esto, solo debes saber que puedes usar absolutamente notas y cordones que funcionen fuera de una llave. Simplemente se vuelve un poco más complicado a la hora de organizar pero sigue siendo totalmente factible si encuentras una progresión central que funciona bien fuera de la clave, vas a por ello Me gusta pensar en llave como estabilizadores en una bicicleta. Cuando están encendidos, realmente no puedes equivocarte. Absolutamente puedes quitárselos y volverte un poco más loco, pero las cosas pueden ponerse un poco más difíciles. Pero también es importante saber que la gran mayoría de canciones populares están escritas en una sola clave. Entonces, si eres principiante, sugiero encarecidamente que te quedes dentro de una clave. No quiero ir demasiado a fondo con la teoría musical aquí, ya que hice una clase totalmente dedicada al respecto. Si estás confundido o quieres saber más al respecto, te sugiero que lo revises. Pero esencialmente, lo que realmente necesitas saber sobre las claves es que hay un grupo de acordes y notas que suenan muy bien juntos Pero hablando de lo que funcionan las notas y los acordes dentro de una clave, vamos a averiguarlo a continuación. Te veré en la siguiente lección. 7. Escalas: Oigan, amigos. Bienvenida de nuevo. A continuación, vamos a hablar de básculas. Lo siento. Es muy importante San y es importante porque las escalas nos dicen qué notas están en cada clave. Una vez que lo sepamos, podemos escribir grandes melodías y pistas, y podemos construir acordes, y podemos hacer que esas coordinadas suenen más interesantes y Así que un montón de cosas geniales gira en torno a las escalas. Por lo que es muy importante conocer y entender. Si ya sabes todo sobre básculas, no dudes en saltarte esta lección. En caso de que tal vez necesites un pequeño recordatorio o seas un principiante, no dudes en seguir viendo. Una escala es esencialmente solo una secuencia de notas que suenan bien juntas. Y hay montones de diferentes escalas todas con sus propias características y sonidos. Pero las escalas más importantes a conocer son las escalas mayor y menor. Y eso es porque esas escalas nos dicen qué notas hay en cada clave mayor y menor. Y cuando sabemos eso, podemos escribir, progresiones de acordes, melodías, leads, líneas de base, casi todo lo que necesitamos saber está dentro de estas escalas, y desbloquea así m de lo que necesitamos saber para Podrán notar que la descripción de qué es una clave y qué escala es muy similar y a menudo se usan indistintamente Lo principal que debemos recordar con escalas es que el orden en el que tocamos las notas es muy importante y eso va a tener sentido un poco más adelante. Primero vamos a averiguar las claves y escalas mayores, y llegaremos a las escalas menores y a las llaves en poco tiempo. Para encontrar cualquier escala mayor, necesitamos seguir una cierta secuencia de pasos completos y medios pasos. Si no sabes lo que eso significa, no te preocupes, ya lo traduciré. Un medio paso es la distancia entre una nota. C y C afilados. una nota alejada la una de la otra, a eso le llamaríamos medio paso. Todo un paso es la distancia de dos notas. F C a D, eso sería todo un paso. En la misma línea, la distancia entre E y F es de medio paso porque solo hay una nota, y la distancia entre G y A es un paso completo porque está moviendo dos notas. Para encontrar nuestra mayor escala, todo lo que necesitamos hacer es seguir un patrón simple de pasos completos y medios pasos. Primero, tenemos que decidir qué clave o qué escala queremos elaborar. Usemos C para este ejemplo. Primero encontraríamos la nota de C. Y luego seguimos el patrón de escala mayor. ¿Qué va esto? Agujero, medio entero entero, entero y medio, y volvemos a C ahí. Así que hemos elaborado cada nota en la escala C mayor, e igualmente, hemos elaborado cada nota que está en la clave de Do mayor. Ya podemos usar este conocimiento para elaborar pistas y melodías en esa clave de C. Y realmente ayuda saber que la una o la nota raíz, qué gira el tipo de escala, va a actuar como el hogar de la báscula y la Si estamos jugando un papel principal, Todo va a girar torno a la C. Va a sentirse como en casa Entonces ese pequeño patrón es tan importante de recordar. Entonces voy a poner en la pantalla aquí. Por favor, imprima la pantalla esto o anotarlo ya que va a entrar en juego mucho. Intentemos en otro lugar para perforarlo realmente. Entonces intentemos D. Así que de nuevo, si queremos encontrar la escala D mayor y todas las claves que funcionan en D mayor, encontraríamos la clave de D y seguiríamos ese mismo patrón de escala mayor. Casco Casco, medio agujero, mitad H. Hemos resuelto muy fácilmente todas las notas que funcionan en re mayor. Ahora es muy útil numerar las notas en la escala en el orden en que las encontramos, y eso va a entrar en juego un poco más tarde. Podemos usar ese conocimiento para calcular cada nodo en cada clave principal. Pero, ¿qué pasa con las escalas menores y las llaves? Justo a la escala mayor, tenemos una fórmula de escala menor que podemos seguir, y que resolverá de nuevo cada nodo en esa clave. Pero esta vez va a ser menor en vez de mayor. Como antes, vamos a encontrar la nota, esto va a corresponder a nuestra clave. Volvamos a ir por C. Pero en cambio, vamos a seguir la fórmula de la escala menos, que va así. Ho, mitad, entera, mitad, le. Y ojalá, ahí se pueda escuchar. Suena más sombrío y oscuro y serio, no tan feliz como la escala mayor Entonces ahora con ese conocimiento, podemos elaborar cada nota en cada clave mayor y menor. Y con eso, ya podemos escribir pistas, melodías y partes base, y es difícil equivocarse Entonces ahora tenemos ahí en la bolsa. Aprendamos un poco más sobre las preocupaciones. Veré en la siguiente lección. Oh. 8. Acordes: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo. Entonces, a continuación, vamos a hablar de acordes. Entonces, como probablemente ya sabrás, los acordes son como los bloques de construcción de la mayoría de las piezas musicales Y sin entrar demasiado en la teoría, lo único que realmente son es una combinación de tres o más notas tocadas juntas al mismo tiempo. Y en la mayor parte de la música, juntaremos una cadena de acordes para crear una progresión de acordes, que tipo de son las canciones como el movimiento y su viaje Ahora, hay un montón de acordes diferentes, y podemos seguir con que sean muy simples O si sabemos un poco más, podemos hacer que suenen un poco más interesantes. Y como se puede decir por eso, los acordes que elegimos tienen un gran impacto en el tipo de tonalidad Y eso a su vez afecta mucho el sentimiento de una canción. Así que quizá conozcas algunos acordes si eres guitarrista o pianista Pero no te preocupes si no lo haces. Voy a dejar aquí algunas tabulaciones y hojas de acordes. También estarán vinculados en los recursos, también. O puedes ver mi fantástica clase de teoría musical disponible ahora mismo. Pero no te preocupes si no sabes tocar un instrumento o teoría musical. Una forma realmente sencilla de crear una progresión central sin ese tipo de conocimiento es usar muestras. Así que hay sitios gratuitos como sonidos de laboratorio de bandas o alternativas de pago como Lander, Splice, y están llenos de progresiones centrales que suenan increíbles, que solo puedes arrastrar y soltar directamente en tu proyecto Toma nota de la clave y el BPM ya que eso va a relacionarse con tu proyecto Si estás usando lógica y banda de garage, esto es aún más fácil porque arriba en la parte superior derecha, tenemos nuestro navegador de loops, y aquí es donde podemos encontrar un montón de muestras diferentes. Podemos mirar por aquí, seleccionar nuestro instrumento o nuestro género, y encontrar una progresión central que esté pre hecha para nosotros. Encantadora. Todo lo que tenemos que hacer es arrastrar y soltar eso en nuestro proyecto, y la lógica lo hace realmente fácil porque encaja en la clave y el BPM de tu pista existente No importa cuál sea el que arrastres, va a funcionar. Perfecto. Y no sientas que esto es hacer trampa. Inspirarse en muestras y otras piezas musicales es tan ampliamente utilizado en estos días, es casi como un estándar para el género rap y grime Si necesitas más pruebas, esa progresión central para Clint Eastwood por los Grillas fue literalmente robada de un preajuste de teclado antiguo Pero en fin, volviendo a construir nuestro propio ord, la forma más básica de un acorde se llama tríada, y se compone de tres notas Ese es el mínimo que necesitamos para un acorde, tres notas. Muy rápido poco de teoría musical. Para encontrar cualquier acorde que quieras, solo necesitas seguir estos dos pasos. Primero, necesitarás encontrar la nota que corresponda al acorde que deseas, así que quieres encontrar C, encontrar la nota ahí. A continuación, encontraremos la escala mayor, hablamos del último ssson Entonces, entero, medio, quién, quién, quién, mitad. Hay siete notas en la clave. Ahora, para tocar el acorde mayor, sólo tenemos que tocar el uno, tres y cinco. Eso va a hacer C mayor. Ahora, si queremos encontrar la versión mi de ese cable. Todo lo que tenemos que hacer es aplanar el tercero hacia abajo una nota. Apenas tercera nota, abajo una. C menor. Vamos a probarlo una vez más en otro lugar. Si quisiéramos encontrar los acordes en E, primero encontraríamos E, y luego encontraríamos la escala mayor Medio agujero del casco, agujero del agujero, medio. Entonces para el acorde mayor, pagamos el uno, tres y cinco, y para encontrar el acorde menor, simplemente aplanamos esa tercera nota hacia abajo, y ahí está nuestra Mi menor Entonces, si quieres que las cosas sean fáciles, puedes simplemente apegarte a estos acordes básicos mayores y menores Realmente no hay nada malo en eso. Estos son los componentes básicos de la mayoría de las canciones. Y como probablemente ya puedas adivinar, acordes mayores suenan más felices y edificantes, mientras que los acordes menores suenan más sombríos Pero la mayoría de las canciones utilizan una combinación de acordes mayores y menores en su progresión para crear una sensación de movimiento y viaje Pongámonos a mi lado, por ejemplo. Cuando se conocen ha llegado Y la tierra es Monitor Oscuro, y el Mo es el único muchacho que veremos Como se puede decir, no soy cantante ni pianista, pero se nota cómo usa la E menor en esa canción, a pesar de ser una canción feliz, ya sabes. Y estos acordes básicos son más que suficientes para hacerte componer canciones Tomemos a Sharon, por ejemplo. Utiliza los acordes estándar más simples, y sin embargo es posiblemente uno de los compositores más exitosos de esta generación Entonces, si estás contento con esos, siéntete libre de pasar a la lección sobre o progresiones Pero si quieres aprender un poco más cómo hacer que esos acordes suenen un poco más interesantes y profesionales, no dudes en ver la siguiente clase sobre acordes elegantes Te veré ahí. Oh. 9. Acordes elegantes: Oigan, amigos, bienvenidos de nuevo. A continuación, vamos a hablar un poco sobre acordes elegantes Como aprendimos la última lección, podemos tocar nuestras simples tríadas que suenan realmente geniales y son muy fáciles de usar en la composición de canciones Sin embargo, si queremos hacer un poco más de un sonido profesional complejo a nuestros acordes, podemos utilizar un par de técnicas diferentes para que suenen mucho más ricos e interesantes ¿Cómo lo hacemos? Nuevamente, hay tantos tipos diferentes de acordes. Podríamos seguir sobre eso literalmente todo el día. Tomo toda una clase sobre acordes si quisiera. Pero hay algunos en particular que son realmente, muy populares y suenan, realmente geniales. El primero y más fácil es lo que se llama un acorde SS. Vamos a ver como el ejemplo. Nuevamente, si jugamos la escala de C mayor, numeramos esos arriba. Ahora hay dos tipos diferentes de acordes SS, S dos y S cuatro Un SS dos sería el 12 y el quinto de la escala. Un SS cuatro sería el uno, cuatro y cinco de la escala. Ahora bien, sus acordes son realmente interesantes porque nos estamos alejando de la tercera nota, yo la que dicta si es un acorde mayor o menor Un acorde SS se vuelve casi neutro y que no es ni mayor ni menor, y crea este misterio en sentido de ambigüedad. Esa es una palabra elegante, ¿no? Se usa en mucha música alternativa por su tono neutro silenciado Es muy agradable resolver un acorde SS a la mayor o menor. Por ejemplo, se siente como si volviera a colocarse en su lugar. A continuación, tenemos acordes séptimos. Estos agregan una nota extra encima de nuestra tríada y esto lo agrega como riqueza y tensión, lo que los hace muy utilizados en mucha música jazz y blues Tenemos tres tipos principales de acordes séptimos. Primero está nuestro siete mayor, para encontrar esto, nuevamente, C como ejemplo, sacaríamos nuestra escala mayor, y tocaríamos el uno, tres, cinco y siete. Crea esto bastante como un acorde de sonido bonito rico. A continuación, tenemos siete dominantes. Esto es muy similar. Entonces tocaríamos uno, tres, cinco, pero tocaríamos el siete menor en lugar del mayor. Entonces, todo lo que eso significa es que solo movemos a los siete mayores hacia abajo una nota. Eso crea un siete dominante. Así que ahí ha habido más tensión e intriga, ¿no? Y por último, tenemos el mi séptimo. Para definir esto, jugamos el tercio o el tercio plano, el quinto, y el siete menor o el siete plano. Eso crea acorde en Do menor. Nuevamente, sonando muy misterioso y oscuro. Y por último, tenemos nueve acordes. Soy fanático masivo de nueve acordes porque suenan muy bonitos y bastante exuberantes Utilizan dos notas adicionales encima de la tríada existente. Para estos nueve acordes, en realidad necesitamos extender más allá de nuestra escala existente Como pueden ver, tenemos del uno al siete. Ahora bien, si solo repetimos exactamente el mismo patrón, F siete, vamos ocho, nueve, diez , 11, 12, 14, si quieres. A partir de esto, tal vez puedas adivinar que para tocar el nueve mayor, nosotros jugamos el uno, tres, cinco, siete y nueve. Eso sería C mayor nueve. Y simplemente suena realmente exuberante y lleno en mi opinión. Ahora, podemos crear un nueve menor de manera muy simple bajando el tercero al tercio menor y el séptimo al mi séptimo y jugar exactamente esa misma forma. Entonces eso sería c menos nueve. Y eso va por cualquier forma en el teclado. Y yo vivo mucho C como el ejemplo ahí. Intentémoslo en otro lugar y juguemos con esos acordes diferentes Intentemos E. Volveríamos a encontrar la escala E mayor, y así encontraríamos E, y íbamos enteros, mitad, quién, quién, quién, mitad. Ahora, para tocar un acorde mayor, encontraríamos el uno, tres y cinco, para hacer esto menor, aplanamos el tercero, para hacer este ***, tocaríamos el 12 y el cinco, si quieres *** dos Y para jugar S four, tocaríamos el uno, cuatro, cinco. Ahora bien, si volvemos esto a un acorde mayor, para hacer de este un siete mayor, solo queremos sumar también el siete mayor. Entonces uno, tres, 57. Para hacer de este un siete dominante, aplanaríamos el siete hacia abajo una nota, y para que sea un siete menos, aplanaríamos el tercero Ahora volvamos a nuestro acorde mayor. Ahora para hacer de este un nueve mayor, agregaríamos el siete mayor y el nueve. Y para hacer de esto un nueve menor, bajaríamos el siete y bajaríamos el tercero. Y ahí está nuestra E menos nueve. Así que montones de acordes realmente interesantes para tocar ahí Sé que eso puede resultar un poco abrumador, así que voy a dejar aquí una especie de hoja de trucos como una manera fácil de recordar todos esos ds diferentes. En esa nota, también podemos hacer que estos acordes suenen aún más interesantes mediante el uso de inversiones En pocas palabras, las inversiones son justo donde cambias la octava de una nota en un acorde Tomemos, por ejemplo, este acorde C. Tenemos Cs y Gs por todo el teclado. ¿Y si toco la E aquí, la C aquí y la G aquí? ¿Qué sería eso? Eso también sería un acorde C porque es exactamente la misma composición genética de un C. BC suena muy diferente a esta. De esto se tratan las inversiones. Vayamos a nuestro acorde mayor aquí arriba. Podemos hacer que cualquier acorde suene más brillante moviendo algunas de las notas hacia arriba la octava Tomemos esta C y pongamos aquí en su lugar. Ahí tiene un acorde de sonido más brillante. Igualmente, si quieres hacer un acorde que suene más oscuro, solo tenemos que mover algunas de esas notas Tomemos esta g aquí en su lugar. Es w y oscuro, ¿no? O como hablamos antes, podemos alejar estas notas muy lejos. Y hacerlos sonar más amplios y más grandes, ¿sabes? Y esto va exactamente lo mismo para esos acordes más complejos al noveno y séptimo, realmente podemos ponernos experimentales con ampliarlos y colocarlos en diferentes octavas para que suenen un poco diferentes para que suenen Entonces, sé que hay mucha información que tomar ahí. Y si eso se siente abrumador, por favor no se preocupe por ello. Se puede avanzar mucho con la clase conociendo solo esos acordes básicos Pensé que la tiraba ahí por si te interesaba. Pero ahora que hemos aprendido de todos estos grandes acordes, la siguiente pregunta es, ¿cómo los armamos? ¿Cómo hacemos profesiones centrales? Así que vamos a resolverlo en la siguiente lección. Te veré ahí. Oh. 10. Progresiones de acordes: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo. Ahora que sabemos un poco más de acordes, aprendamos cómo podemos juntarlos. Como hablamos de la última lección. Una progresión Cor es lo que da una canción? Es como viaje y movimiento. Ahora bien, si bien no hay nada correcto o incorrecto sobre cómo armar acordes, hay un sistema realmente simple de hacer que las progresiones de acordes suenen bien muy fácilmente Se relaciona de nuevo con nuestra lección sobre las claves. Como recordarás, en cada tecla, hay siete acordes que van a sonar muy bien juntos Se utilizan todo el tiempo en la música popular occidental, y de nuevo es, como el pan y la mantequilla de o las progresiones ¿Qué acordes pertenecen en cada clave? Hay algunos métodos diferentes para averiguar qué acordes son en cada clave Lo que me gusta hacer y lo que me parece más efectivo es usar las quintas circulares Es posible que hayas visto la quinta circular antes. Aparece todo el tiempo en la música y se usa en bajos de formas centrales. Pero sé que esto es confuso, pero no te preocupes, solo lo vamos a usar hoy para averiguar cómo usar las progresiones centrales Para encontrar nuestros acordes, todo lo que necesitamos hacer es encontrar nuestra clave en el círculo Y luego las cinco notas que rodean la clave, incluida la propia clave, van a ser todos los acordes que funcionen en esa Tomemos D, por ejemplo. Si rodeamos D, y luego las cinco notas que rodean eso, encontramos los seis acordes en esa clave dada, y podemos tocarlos en cualquier orden y van a sonar muy bien. Déjame mostrarte. La clave de C funciona realmente donde guitarramos. Vamos a probar eso. Entonces otra vez, cualquier cordón en esa llave, va a funcionar muy, muy bien, no importa en qué orden los pongas. Este mismo sistema va exactamente para las llaves menores también. Digamos si querías ir por re menor. Bastante pobre ejemplo, pero te da una idea. Quizá estés pensando, espera un segundo, dijiste que había siete cuerdas, el trabajo en cada llave. ¿Qué está pasando ahí? Lo cual diría, muy agudo. Bien hecho. Buen alumno. En cada llave, teníamos un cordón disminuido. Un cordón disminuido suena un poco así. No suena particularmente agradable. Suena un poco extraño. Y por esa razón, rara vez se usan en mucha música popular. Así que mucha gente tiende a olvidarse de ellos. Entonces sí, no te preocupes por usar esos acordes disminuidos a menos que te guste el jazz o la música alternativa Pero por si acaso quieres tirar eso, hay un círculo de quintas que tiene acordes disminuidos en el anillo interior. Así que usa eso como quieras. Mantén las cosas muy fáciles, podemos usar los acordes dentro de esa clave dada en cualquier orden, y va a sonar realmente genial Pero veamos que encuentras una progresión de acordes realmente genial que funciona fuera de una tecla. ¿Cómo pensamos de eso? Eso es otra vez, donde el quinto circular es súper súper práctico. Pensemos en ello como un barrio. Digamos que escoja nuestra llave en G. Ahora, nuestros vecinos más cercanos del círculo son básicamente nuestros amigos más cercanos. Cuanto más nos alejemos de nuestro vecindario, más cosas empiezan a chocar, y puedes usar esto para sacar ventaja o mantenerlo simple y mantenerlo en tu vecindario. Entonces, por ejemplo, digamos que estamos en la clave de C, y queremos movernos fuera de esa clave, ir a D, A, E. Así que ahí nos mudamos bien fuera de la clave, pero aún así suena muy bien. Y en realidad son las llamadas a Hjo de Jimmy Hendrix, que es famoso como que se mueve fuera de la llave Pero lo hace de una manera muy natural porque de nuevo, nos estamos moviendo lentamente fuera del vecindario por fuera de nuestra llave, como un paso a la vez, por lo que se siente realmente natural. Fue si tuviéramos que tocar de C a F sharp, te sientes como disonante y extraño que suena Ahora, de nuevo, puedes usar eso a tu favor si quieres hacer algo un poco más como llamativo, pero si quieres mantener las cosas simples, podemos trabajar alrededor de nuestro vecindario. Pero solo ten cuidado de que si nos movemos fuera de una tecla, se vuelve un poco más complicado a la hora hacer melodías y leads y bits así Entonces otra vez, si quieres mantener las cosas simples, mantenlo en clave. Bien, entonces ya hemos hecho suficiente teorizando sobre esto. Empecemos ahora a escribir algo de nuestra música. 11. Composición de nuestra propia progresión de acordes: Entonces, personalmente, me gusta mucho comenzar con progresiones centrales Yo eso es lo más natural para mí. Pero vale la pena tener en cuenta que puedes comenzar donde quieras, letras, melodías, líneas de bajo, partes de batería, lo que te parezca correcto Entonces, cuando estoy escribiendo progresiones centrales, no tiendo a aplicarle, como una teoría necesariamente A menudo solo voy a echar un vistazo a lo que las llamadas están en clave, y simplemente voy a jugar y me guiaré por lo que se siente bien. Y de nuevo, como que voy a tirar algunos martillos o simplemente usar la guitarra de una manera interesante para algo así cambiar de la norma Pero lo que realmente me gusta hacer, de nuevo, para un poco de inspiración y hacer que las cosas suenen un poco diferentes es usar una cejilla Siento que eso solo cambia las cosas por un poco de cerveza, tal vez. Es una dinámica un poco diferente, ¿sabes? Y nuevamente, solo se trata de encontrar qué tipo de inspiración te inspira, ¿sabes? De pronto, esa llamada avanza en el sonido un poco disquete Por aquí, suena un poco más apretado e interesante. Intentemos aún más alto. Así que acabo de elegir cuatro cordones en la clave de C, todo tipo de en la clave de C. Lo he subido a la llave con él como A flat, pero son las mismas formas de cordón Y eso me gusta bastante. F fue un poco interesante y divertido. Y lo que también me gusta hacer es tocar con los diferentes tipos de, me gusta, amplificadores y sonidos en la guitarra. Estaba tocando el piano. A lo mejor tendría una jugada con los diferentes tipos de sonidos clave. Veamos qué podemos encontrar. Eso es genial. Y ese enfermo. Y sí, solo juega hasta que encontremos algo que resuene para el autobús. Entonces, esa. Suena malvado. Y ya, como eso suena haciéndome pensar en muchas ideas diferentes, y es poner en marcha mi imaginación. Y otra vez, eso es lo que queremos que nos guíen, como, ¿qué sentimos? ¿Qué nos hace reaccionar? Dulce. Ahora vamos a entrar más en una melodía y una letra más tarde. Pero en este tipo de punto, creo que es muy bueno tocar con, como, tararear una melodía o algo que sus voces puedan hacer sobre el acorde que tienes aquí tararear una melodía o algo que sus voces puedan hacer sobre el acorde que tienes Oh sólo para conseguir una especie de Doman, mira cómo podría sonar ese tipo de idea o a dónde podría ir esa canción D B Algo así. Así que me siento muy bien por eso. Así que voy a grabarlo enseguida mientras tengo la idea. Fresco. Probablemente podría grabar eso más a tiempo, pero solo por el momento, solo quiero poner esa idea en papel. Todo lo que estoy haciendo ahí es tocar los acordes estándar, pero solo mover mis dedos vez en cuando para crear un tipo diferente de sonido Sólo estoy jugando con eso. Ahora bien, en este punto, me gustaría preguntarme, ¿cómo suena esa sección de? De suena más como una especie de coro pegadizo más grande, ¿ o es más bien una especie de verso Cuando me estoy planteando ese tipo de preguntas, jugando ya sea con algunos acordes más o con una forma diferente de tocarlos para que pueda empezar a pensar en cómo podrían funcionar las diferentes secciones Entonces, por ejemplo, eso me sonó como un coro. Sonaba bastante grande y abierto. Entonces tal vez para un verso, podríamos simplemente simplificar la forma en que estamos jugando esos mismos coros exactos Y solo déjalos colgar. Un poco así. Y esa es la cosa. No necesitamos crear una nueva progresión central para cada sección. Puede ser en gran medida solo la forma en que la tocamos o los instrumentos que tenemos presentes. Y para contarte un secreto, algunas de las mejores canciones utilizan la misma progresión central a lo largo de su pista. Por ejemplo, pintar el pueblo de rojo de Doja, una de las canciones más famosas de 2023, son solo dos tocadas una y otra vez exactamente de la misma manera a lo largo vez exactamente de la misma manera toda la canción Ven Ce Ce simp A menudo la familiaridad y la repetición pueden ser realmente reconfortantes y pegadizas, ahí por qué se usa todo el tiempo en la música pop Otra técnica súper popular es tener la misma progresión central a lo largo de tu verso y coro estar a diferentes intensidades y luego solo cambiar la progresión central hacia el puente Por ejemplo, estoy enamorado de ti para el 1975. Servicio S Sim con Coming Coming go manteniendo Keeping. Pero de nuevo, solo déjate guiar por lo que te parece correcto. Realmente no hay bien o mal. Para mí, voy a mantener los mismos acordes para en el verso y el coro Yo sólo voy a variar su nivel de intensidad, y luego voy a cambiar tal vez hacia arriba hacia el puente. Así que sólo voy a tocar con algunos acordes más y ver si puedo trabajar como una especie de sección de puente Entonces, por ejemplo, acabo de tomar otros cuatro acordes de nuestra clave, y eso suena como que encajará en la misma canción Suenan en el mismo tipo de barrio, pero están cambiando un poco las cosas, así que podemos usar una sección así para nuestro puente. Gran trabajo en esta lección. Voy a coger en la siguiente. 12. BMP y firma de tiempo: Oigan, amigos, bienvenidos de nuevo. Entonces, en esta siguiente lección, voy a darte un poco de introducción a hacer ritmos y ritmos Ahora, estoy seguro de que ya sabrás de qué se trata todo esto. ritmos y el ritmo son una especie de estructura fundamental en la música. Proporcionan un pulso y una sensación de tiempo y ritmo. Pueden empujar una canción junto con ritmo y energía como 17 pasando por debajo de Sam Fender. O realmente pueden arrastrar la sensación hacia abajo y dar, como, un swing perezoso a cosas como feel de Jacob Collier Guau. Pero antes de que empecemos a dejar caer algunos latidos si. Primero tenemos que hablar de metrónomo. Un metrónomo es simplemente un latido que nos mantiene en el tiempo. Crea una columna vertebral para grabar y los inicios de como un ritmo Y esencialmente, todo lo que estamos haciendo con los ritmos de batería es hacer un metrónomo que suene más interesante Estamos manteniendo las cosas a tiempo y dando una columna vertebral a la canción mientras agregamos interés y dinámica a una pista. Pero para configurar un metrónomo, necesitamos hablar un poco sobre BPM y Entonces BPM significa latidos por minuto. Normalmente lo ves como un pequeño número en la parte superior de tu puerta. Y en su forma más simple, esencialmente, cuanto mayores sean los latidos por minuto, más rápido será la canción, e igualmente, bajos sean los latidos por minuto, más lenta será la canción. Si no estás seguro en qué BPM puedes haber escrito tu canción, puedes descargar esta aplicación gratuita llamada metro Ter en la que solo tienes que tocar la pantalla al ritmo de tu canción o al ritmo de tu idea, y te mostrará sus ritmos por minuto Muchas de las canciones populares de hoy tienden a escribirse en el rango 90-140 latidos por minuto Por ejemplo, la venció por Michael Jackson, registra en 108 BPM. Mientras que Dancing Queen de Aber es de 100 latidos por minuto. Muchos compositores consideran que 120 beats por minuto son el tempo perfecto para elaborar una gran canción popular, pero no leen demasiado en eso. También necesitamos saber sobre la firma de tiempo. Entonces esto es esencialmente cuántos beats hay en un bar, y dicta mucho el ritmo de un latido Ahora bien, este tema puede llegar muy rápidamente a ser complicado y confuso Puedo hacer toda una clase sobre ritmos y ritmos. Sólo voy a mantenerlo muy sencillo hoy. Para cortar la basura, casi definitivamente vas a estar escribiendo en cuatro, cuatro tiempos, lo que significa que hay cuatro latidos por barra Uno, dos, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatro. Literalmente utilizado todo el tiempo en la composición moderna. De hecho, en realidad se le llama el ritmo común porque se usa con tanta frecuencia. Las leyendas absolutas que es David Bennan analizaron 440 canciones populares en los últimos 20 años, y encontró que 94% de ellas fueron escritas en 44 tiempos Es solo el sonido satisfactorio más natural a un ritmo. Y como dije, si ya has escrito una progresión de llamadas, probablemente ya esté en 44 timing. Bien. Sonido. Es. Ahora, el siguiente compás más común es 34. Entonces esto agrega un poco de ritmo diferente al ritmo, así que será uno, dos, tres, uno, dos, tres, uno, dos, tres. Tiende a sentirse un poco más anticuado, pero se usa en canciones populares. Irish by the Google Dolls es un buen ejemplo de tres, cuatro tiempos. Para ver. Para ser bienvenidos. Entonces para generalizar, 44 es un poco más contemporáneo, ampliamente utilizado Es un poco más conductor y alegre, mientras que 34 es un poco más dulce y sentimental y anticuado, y tiene un poco de nostalgia Bien, entonces ahora eso está fuera del camino. Hablemos de escribir nuestros propios libros. 13. Beats: Así que para reducirlo a su forma más simple. La mayoría de los beats son una mezcla de un sonido de bajo golpe, llamado la patada y un sonido de craqueo más agudo, que es la caja Tenemos sonidos de tono aún más altos como un sonido de sombrero alto o un paseo. Canta justo en la parte superior del espectro de frecuencias. Ahora, hay una cantidad interminable de sonidos de batería, tanto acústicos como eléctricos, pero a menudo se caracterizan en estos campamentos de bajo, medio y alto. Incluso se puede decir un golpe de golpear la mesa y aplaudir es como una patada en una caja Y cuando los tocamos juntos, crea este sonido de caída realmente rico porque estamos utilizando cada espacio en el espectro de frecuencias. En la mayoría de los niños, también tenemos choques para enfatizar y hacer un poco de drama, y también tenemos toms para hacer las sensaciones y agregar un poco de interés a la obra. Pero la mayoría de los sonidos de batería realmente giran alrededor la caja de patada y algún tipo de sonido de tono alto, ya sea un sombrero alto o un paseo, algo así Pero algunas canciones pueden simplemente usar una patada, o pueden simplemente usar un paseo. Ahí de nuevo, no hay bien ni mal. No son más que los pilares del ritmo o de un sonido de batería. Ahora bien, si quieres la solución más sencilla para escribir beats, podemos volver a usar samples. Entonces tomemos los bucles de Manzanas, por ejemplo, podríamos ir a instrumento, beats y encontrar un beat que esté pre hecho. Podemos arrastrar eso, y con los bucles de Apple, es agradable porque si es nuestro momento, y tenemos un ritmo pre hecho ahí listo para nosotros. Manera realmente fácil de hacerlo y totalmente válida. Tantas canciones, ritmos de batería de acero y samples de otras canciones. Si así es como te gusta trabajar, ve a por ello. Además, algunas puertas tendrán lo que se llama baterista automático. Entonces aquí es donde la puerta leerá tu BPM y tu compás, y sacará una idea para un patrón de batería Entonces así, por ejemplo, Pero obviamente podemos cambiar el tipo de kit que se está utilizando. Y podemos usar esta pequeña cuadrícula aquí para cambiar la dinámica del kit. Hazlo más suave y complejo. También podemos cambiar qué partes del kit se están usando, así podemos agregar algunos símbolos, una pandereta para un poco de percusión extra, y tenemos un ritmo de batería que suena realmente genial batería que suena O podemos tomar las cosas en nuestras propias manos y escribir nuestros propios ritmos. Ahora, soy baterista, así que a menudo me gusta escribir en mis propios ritmos Nuevamente, este es un tema que puede complicarse bastante rápidamente. Sólo me gustaría reducirlo a unas reglas realmente simples. Así que personalmente primero me gusta enfocarme solo en la patada y la caja Estos son los sonidos realmente dominantes en un latido. Al enfocarnos primero en ellos, obtenemos una base realmente sólida. A continuación, me gusta escribir el tipo de patada en la caja alrededor de los acordes o suele ser el caso de que la batería y el bajo están muy estrechamente conectados Pero porque aquí hay un ritmo bastante fuerte, voy a imitar eso con la patada en la caja. Si decimos el coro por ejemplo, Tiene este fuerte da da da da da Ahí tiene un ritmo fuerte, y como que quiero acentuar eso con el ritmo de la batería, así puedo imitar el ritmo de esa guitarra con la patada y la Da da da da da. Probemos el cordón. Y ahí tenemos un ritmo que realmente encaja muy bien en esa guitarra . Pero digamos que queremos ir por algo un poco más sencillo. Entonces con nuestros cuatro latidos por barra, uno, dos, tres, cuatro. Una cosa realmente estándar que hacer es jugar la patada en el uno y la caja en los tres. Entonces es así. Uno, dos, cuatro, uno, dos, uno, dos, cuatro. Sueno un poco más así. BCO tampoco empata del todo al ritmo. Entonces, lo que podemos hacer en realidad es acelerar la forma en que estamos contando, lo que nos da más oportunidades para poner más ritmos. Así que ahí estaba contando los latidos estándar. Pero debido a que esto es como una suma matemática, podemos dividir esas 4 barras en barras más pequeñas. Pero todo lo que realmente se reduce es a lo rápido que cuentas. Entonces por ejemplo, 2412 34c un 123412, tres, cuatro, uno, dos, tres, cuatro, 1234 Si usamos la misma lógica jugando en el uno y el tres, 212 o dos et pet para dos o 12 piso. Entonces eso suena bien. Pero si agregamos otro instrumento de tono más alto, va a hacer que esta batería suene mucho más amplia, así que podemos usar como un sombrero alto Este es un sonido de sombrero alto abierto, sonido de sombrero alto cerrado o un paseo o un choque si quieres ponerte realmente agresivo con él. Y podemos tocar al ritmo recto, o simplemente podríamos ponernos experimentales con él. De nuevo, realmente no hay bien o mal aquí. T dos. Y entonces tenemos un sonido de batería mucho más grueso, más interesante. Pero creo que preferí el ritmo que usamos hace un minuto, donde lo tecleé con el ritmo, así que volvamos a eso Entonces, vamos a experimentar con poner un sombrero alto encima de eso. Y de nuevo, sin meternos demasiado en el tipo de teoría similar detrás de esto, podemos mantener esto bastante recto o solo un poco de acertijo a ello No necesita ser una ecuación científica, ya sabes, ir con lo que se siente bien. Entonces, por ejemplo, ese ritmo, no creo que haya funcionado realmente. De hecho creo que solo el más recto funciona mejor. Ahí vamos. Alternativamente, muchas puertas tendrán un secuenciador de batería incorporado en ellas, que se parece un poco a esto Ahora bien, si mudo la batería anterior, así que si toco esta barra blanca moviéndose por la pantalla que vi mostrando donde están los beats. Entonces, aunque nuestro ritmo está a 98 latidos por minuto, como decía antes, en realidad podemos dividirlos en pequeños trozos aún más pequeños Quiero quiero querer me pongo aún más rápido y más rápido y técnicamente pongo ritmos de batería en todos estos espacios. Entonces, si nuestro ejemplo encendió todos estos sombreros altos, sé un montón de gente sé b. Estamos dividiendo esos 98 latidos por minuto en pequeños trozos pequeños, y podemos escribir en nuestra batería usando esto Entonces digamos que quería ir por ahí un sombrero alto menos intenso. Y como puedes ver aquí, tenemos que patear sombrero alto y snare Así que de nuevo, vamos a experimentar con qué tipo de sonidos correctos. Cre un ritmo bastante genial ahí, pero casi suena un poco como sable, que no es del todo la vibra para esta canción Esta es una manera muy divertida de jugar con ritmo y beats lugar de tocarlos en ustedes mismos. Otro tema importante del que hablar son las sensaciones de tambor. En el sentido tradicional, una sensación de batería será donde un baterista se mueva alrededor de su kit y haga un poco de juego de pies elegante Agrega un poco de contraste agradable a la canción, agrega un poco de dinamismo a los ritmos y a los beats, y es una manera muy agradable significar el cambio entre decir, como un verso y un coro sensación de tambor grande realmente bien conduce a un cambio de sección. Pueden ser bastante animadas y enérgicas. O simplemente podrían cambiar un poco las cosas. De nuevo, simplemente siento que es muy divertido simplemente tocar con los diferentes sonidos de batería y encontrar algo que se sienta bien. Por ejemplo, el minuto nuestro coro verso. Conduce al coro aquí. Coro. Al poner aquí el relleno de tambor, creo que sólo vamos a mejorar un poco más esa sección. Vamos a tener una jugada por ahí. Idea realmente simple en la caja ahí. Ponte un poco más interesante. Algo así, tal vez. Nuevamente, bastante simple. A lo mejor podríamos probar algo un poco más intrincado usando los túneles Creo que eso está bien por ahora. También creo que una gran idea es escuchar realmente el tipo de música que te gusta, o tal vez la música que intentas emular y realmente romper lo que está pasando con sus tambores y tal vez tratar de recrearlos a tu manera A mucha gente que conozco le gusta comenzar a escribir una canción con un ritmo. Y creo que es una muy buena idea si buscas conducir realmente una canción, digamos, como, música dance o rap. Ese tipo de géneros están tan liderados por el ritmo que comenzar con un ritmo o ritmo realmente fuerte puede ser un muy buen paso fundacional para meterte en ese tipo de géneros Gran trabajo en esta lección chicos de atrapar al siguiente. Oh. 14. Letra musical: Bien, entonces a continuación, vamos a hablar de letras. Súper importante a la hora de componer canciones, ya que obviamente se trata de expresar emociones y contar una historia y conectar con tu oyente a un nivel más profundo, ya sea que estés inspirado en el amor o el desamor o simplemente por las complejidades de la vida Hay una canción ahí queriendo ser escrita al respecto. Entonces, exploremos algunas ideas sobre cómo podemos dejar que esa historia salga a la superficie. Otro tema donde realmente no hay bien o mal, siempre estar liderado por lo que te sienta bien, pero voy a pasar por algunas ideas que uso todo el tiempo para ayudar a que algunas ideas fluyan. Lo primero que me gusta hacer es elegir un tema para escribir nuestra canción alrededor. Mentira de la que hablamos antes. Es mucho más fácil escribir alrededor de una idea en lugar solo tratar de idear algo profundo en la parte superior de tu cabeza. A menudo esas cosas vienen de ahondar y jugar con la idea de un tema Aquí es donde entra en juego muy bien la lista inspiradora de la que hablamos antes Si tienes un banco de cosas en tu teléfono, como fragmentos de sonido, palabras de un libro o cualquier cosa que te haya captado la imaginación Puedes usar esto como tu tema. Digamos que no sé, un pájaro volando por el cielo. Ese podría ser el tema en el que escribes. Igualmente, es posible que tengas algo que te haya pasado recientemente, como una historia o algo en lo que hayas tenido que trabajar. También puedes usar eso como tu tema. Pero si estoy atascado por un tema, lo que realmente me gusta hacer es mirar títulos de libros. Esto puede parecer un poco pícaro, pero sólo tengan paciencia conmigo un segundo La canción que estamos escribiendo me está dando a Ciencia Ficción casi como una especie de vibraciones de videojuegos Voy a entrar en Amazon y simplemente escribir como libros de ciencia ficción. Podemos usar estos títulos de libros como temas similares para escribir alrededor. Por ejemplo, como la quinta Ciencia. De nuevo, ya puedo sentirme como una canción y una historia ahí esperando ser contada, o que el espacio entre nosotros, un gran nombre para una canción. Nuevamente, algo así como palabras e ideas vienen a la mente con eso. Y entonces este es uno realmente genial, el hombre que cayó a la tierra, un nombre enfermo para como un disco o un sencillo. Y siento que ese tipo de título realmente cae bastante bien con el tipo de sonido e ideas que tengo para la canción. Entonces usemos eso como ejemplo. Entonces ahora que tenemos un tema o un título en mente, lo que voy a empezar a hacer es simplemente escribir algunas palabras sencillas que vienen a la mente cuando pienso en eso. Entonces el hombre que derribó a la Tierra. Ahora, eso me hace sentir como estar solo. Otra vez, algo así como ciencia ficción, tipo de vibraciones. Me estoy imaginando algo así como alguien cayendo en como una ciber punky algo así como ciudad de neón Mucha gente que no conocemos, así que, muchos extraños. Estoy pensando como de noche. De nuevo, literalmente cualquier palabra que me venga a la mente, solo escríbelas. No tienes que usarlas todas. Es solo poner nuestros pensamientos en papel. También podemos interpretar esta idea de un hombre cayendo a la tierra como casi como crecer, como estar en un lugar que es como desconocido, así podríamos decir algo sobre crecer Sentir que nada es real. Idea de querer ir a casa o buscar en casa. Así que ahí tenemos algunas ideas básicas, y me disculpo por mi mala letra Y ahora siguiente, lo que me gustaría hacer es pensar en algunas palabras haciendo, algunos sustantivos, así como conducir Nuevamente, imaginando esta ciudad que estamos manejando, ya sabes, eso me puede hacer pensar también en el auto, hablando del hombre que cayó a la tierra, así podríamos decir de caer, bucear, tal vez, conducir, bucear, caminar, caer a la Tierra y de alguna manera sobrevivir es un poco milagro, así que quizás podamos escribir eso también Entonces, una vez que tenemos algunas ideas abajo, lo que me gustaría hacer a continuación para pensar en cómo podemos conectar algunas de estas palabras para comenzar a hacer una oración. Por ejemplo, crecer y conseguir un auto, ya sabes, hablamos de que esta canción posiblemente como una especie de historia un poco creciente de edad. Entonces podríamos decir sobre eso. Podríamos decir que nos llevan a un milagro. Esa es una gran idea de llamada. Así que crece, consigue un auto llévame a un milagro o algo así. Nuevamente, puedo empezar a anotar esto. La idea de extraños s me hace pensar como sombras. Entonces podemos decir como sombras, sombras en la noche, sombras que no son reales, sombras caminantes, sombras en la pared. Sí, tal vez podría ir con esas sombras en la pared. Empezamos a actuar como estas personas que no conocemos. E incluso podríamos simplemente ampliar algunas de las palabras que has puesto. Entonces la idea de casa realmente muy sencilla pero solo se podría decir, quiero irme a casa. Probablemente algunas de las letras más utilizadas de todos los tiempos. Quiero irme a casa. Este proceso me parece genial porque es mucho más fácil anotar algunas palabras que resuenan contigo en lugar de intentar escribir líneas realmente poéticas Alguien como yo lucha con ese tipo de cosas. Ella podría ser un poco mejor en eso, pero esto me parece muy útil. Simplemente puedes continuar de esa manera, escribiendo algunas palabras más y tratando de pensar en cómo conectarlas. O a veces simplemente escribirás una palabra y una línea simplemente te llegará. Pero lo que también es muy agradable es comenzar a tocar con la canción y escuchar melodías o una forma en que pudiéramos cantar esto ya que a menudo también puede generar más ideas . Es muy importante saber No hay orden en el que escribir primero una melodía o una voz o letra. Es mucho lo que viene naturalmente y lo que se siente bien. A mucha gente le gusta escribir la letra de antemano. Entonces me gusta llegar primero con la melodía y luego encajar en la letra para ellos. Para mí, me gusta bastante tener letras al frente para poder empezar a hacerme una idea de cómo cantar una línea o la mía, pero ve con lo que sientas que es correcto. Voy a levantar nuestra pista y ver si puedo imitar algo ahí dentro Yo por. Voy a probar Bo. Consigue un auto. Alemán. Ese tipo de idea es genial. Se obtiene una D. A. Quiero algo así, solo para tener una idea aproximada de a dónde podrían ir las cosas. A mí me gusta bastante ese maga. Pido disculpas por mi muy pobre voz. Siento que tengo que señalar que no soy cantante, pero ojalá eso te dé una idea de cómo se puede cantar una línea. Conseguiremos que alguien cante la canción probablemente más tarde, creo. Ahora, como estamos construyendo letras, también creo que es muy importante empezar a pensar en la estructura de la canción. Al igual que dentro del verso, vamos a estar más contando la historia y las cosas van a ser un poco más como discreto. Fue el coro va a ser más de la sección grande gorda, pegadiza, simplista, al menos para Sí, solo piensa en eso mientras estás elaborando las letras Para los versos, me gusta pensar, ¿cuál es el siguiente paso en esta historia o hacia dónde se mueve esto hacia crecer, conseguir un auto, conducir hacia un milagro? Están relacionados. Podemos pensar en cómo puede continuar esa historia. Pero para el coro, quiero empezar a pensar, ¿cómo envolvemos esta historia en un mensaje o qué tipo de gran punto quiero transmitir si hay alguno? Nuevamente, moldeando la letra para reflejar eso. Otra opción para todo esto es simplemente escuchar tu canción y sentir qué letra podría funcionar. Entonces, por ejemplo, como este coro antes, yo estaba tarareando st No sé lo que eso significa, pero solo esas palabras me vinieron a la mente como estaba, tarareando con la melodía Entonces a veces eso va a pasar, también. Nuevamente, no hay una forma correcta de hacerlo. Yo lo que funcione, entonces. Y otro gran consejo es pensar realmente en lo que hacen tus artistas favoritos, y cómo escriben sus letras. Por ejemplo, las letras de Bonnie Vers son súper crípticas, y en lugar de necesariamente como contar una historia realmente sencilla, Entonces usa más la letra para algo así como, evocar sentimiento y Y a él le gusta mucho usar palabras que como que evocan imágenes mentales Y muchas veces va tan lejos como para inventar nuevas palabras que simplemente se sienten bien en el contexto de la canción. Ella w pit of to es la pelota calle seis. Ella ss y s. pero ojalá eso te haya dado algunas ideas para trabajar. Gran trabajo en el sesson. Voy a coger en el próximo mes. 15. Melodía e instrumento principal: Bien. Entonces, a continuación, vamos a hablar de melodías y leads Por lo que estas son obviamente muy importantes ya que actúan como las partes más memorables de la canción y muchas veces partes que conectan con el público. Escribimos nuestra voz alrededor de una melodía, obviamente, y esa es la parte con la que la gente realmente conecta y los británicos se pega con ellos. También escribimos melodías en nuestros instrumentos principales, digamos como llaves o una guitarra estos conectores les gustan los ganchos y añaden mucho interés y textura de extremo superior a una canción también. Entonces, para las melodías vocales, mucha gente encuentra este proceso bastante natural y simplemente cantarán a lo largo una progresión central o una canción y las melodías simplemente fluirán de manera bastante natural para Al igual que hicimos en la última lección donde simplemente tarareé una idea sobre el coro que se sentía bien Y si eres de esas personas que pueden hacer eso, realmente me gusta simplemente entrar, configurar una pista vocal, golpear disco, y solo pasar por la canción tres o cuatro veces, simplemente imitar, o tratar de cantar con palabras, solo sacar ideas de tu cabeza en la canción Y el 90% de ella podría ser basura, pero te lo garantizo, vas a recoger pequeñas frases o palabras o pedacitos que simplemente funcionan muy bien, a los que te puedes ahondar Si quieres un poco más de asesoramiento técnico, podemos descomponerlo absolutamente. Entonces, para escribir una pista de Mladia, primero necesitamos saber qué notas funcionan muy bien juntas Como nos enteramos, algunas notas simplemente no funcionan particularmente bien juntas y chocan así. Por suerte, ya sabemos cómo hacer esto por nuestras lecciones en torno a llaves y escalas. Entonces volveríamos a encontrar qué nota se correlaciona con nuestra clave. Nuevamente, tomemos C, por ejemplo, si queremos encontrar la escala C mayor, solo seguimos el patrón quién mitad entera, quién quién mitad entera. Y si estuviéramos usando una tecla menor, usaríamos la escala menor, que va así, Hull half le le, mitad entera y todas esas notas van a funcionar muy bien juntas sin importar en qué orden las toquemos. Y no soy pianista por mucho tiempo, pero como puedo averiguar qué notas están en esa clave, puedo ordenar el juego con ideas de plomo y melodía con bastante facilidad ahora que sé qué notas funcionan juntas. Entonces la canción que hemos empezado a escribir está en Un bemol, mayor. Entonces usemos nuestra escala mayor para averiguar qué notas van a funcionar bien en nuestra canción. Entonces agujero, agujero, mitad, ho, ho, mitad. Y si queremos hacer las cosas realmente simples, podemos usar un juego de pegatinas para marcar fácilmente qué notas están en nuestra clave, así que es súper fácil de recordar. Cosa. Así podemos empezar a tocar con algunos riffs o algunas ideas principales o algunas melodías vocales, también que funcionan dentro de esas notas Suena a. ahora podemos usar absolutamente notas que funcionan fuera de esta escala. No siento que tengas que quedar atrapado por ello. Sólo van a sonar un poco más disonantes Pero de nuevo, a veces puedes usar eso a tu favor. Entonces , no es la mejor idea ahí, pero ya ves como esa fecha. Oh, estaba fuera de la clave, pero cuando se usa en el contexto adecuado, puede funcionar. Y podemos llevar esto un paso más allá y hacer que esta escala sea aún más convincente convirtiéndola en la escala pentatónica, que funciona muy bien con leads y Entonces la escala pentatónica es increíblemente famosa por ser como el tipo de melodía y máquina principal que ha salido con canciones como shape of you o tu canción de Elton John under the bridge Tantas melodías grandes se escriben con las notas dentro de la escala pentatónica De hecho, Matt Healey del 1975 recientemente fue a una entrevista diciendo que en realidad he tenido mensajes de profesores de guitarra siendo como, Si tengo otro estudiante entra, y me preguntó cómo tocar cosas de 1975 Y tengo que explicarles, Es sólo la mayor escala pentatónica para cinco discos Es la escala más natural y satisfactoria, y es casi imposible sonar mal y usarla. Y lo que es aún mejor es que básicamente es solo una versión simplificada de la escala mayor o menor. Sólo utiliza cinco notas en lugar de siete. Para encontrarlo, todo lo que tenemos que hacer es quitar el cuarto y el séptimo. No, en cualquier escala mayor. En la escala menor, hemos eliminado la segunda y la sexta. Entonces, sólo por ahora eliminemos estos. Y ahí tenemos nuestra escala pentatónica. Suena muy, realmente encantador. Y en caso de que te interese, es como la tocas en la guitarra. Así que siéntete libre de usar estas escalas sin embargo te sienta mejor. Puedes apoyarte mucho o poco en ellos. Pero algo que encuentro realmente útil usando la escala pentatónica en particular es escribir ganchos, usando tanto instrumentos como voces Ahora, para escribir un buen gancho, necesitamos algo que sea pegadizo y memorable Entonces, ¿cómo hacemos algo pegadizo y memorable? Y la clave es simple y repetitiva. Entonces lo que me gusta hacer es escoger tres o cuatro notas, y luego tocar con nuestra canción e intentar hacer algo que realmente, me gusta, pegue y casi se sienta molesto en lo pegadizo o, como, lo repetitivo que es Entonces dos, como, ideas realmente ásperas ahí, pero ojalá eso te dé una idea. Realmente jugando con tres o cuatro notas. Casi tratando de imaginarlo como si estuvieras en el patio de recreo cuando eras niño, y estás tratando de, como, hacer una especie de gráfico realmente molesta. Como un en. Tipo de sonido, ya sabes. Un gran ejemplo de esto es la mala guía de Billy Iles. Ella solo toma este riff y solo lo perfora y lo perfora Y se vuelve tan arraigada en tu cabeza, pesar de que es solo una escucha que es difícil no memorizar C. Se cuando se juega solo, es casi como insufrible lo molesto que es eso Pero tan bien en el contexto de esa pista. Lo que realmente me gusta hacer en este punto es poner tres o cuatro melodía diferente o ideas principales mientras estamos de humor. Como usar diferentes melodías a lo largo de la pista, es bastante importante Podemos salirnos con la suya teniendo una progresión repetitiva del núcleo Si somos demasiado repetitivos con el melodial, se volverá bastante estancado Así que una vez más, me disculpo por mi pobre voz, pero de todos modos, por esto, solo voy a golpear disco, y voy a seguir jugando con ideas hasta que algo empiece a pegarse o me den algunas buenas ideas No hay nada peor que pensar en una buena idea y ser como, A, ¿fue eso otra vez? No he grabado. Entonces, golpea record y solo métete en lo que puedas. G. Consigue un auto. Conducir a carro. Mostrar D. Ellos no me conocen. Pero estoy muy lejos. A b. Esa pequeña idea ahí. D. Eso me gusta bastante. Voy a tratar de agregar eso ahí en alguna parte. Entonces una vez que tenemos una idea o dos, lo que me gusta hacer es pensar, puedo hacer otra melodía esto un poco más rápida o un poco más lenta que la última, o sea un tono un poco más alto o un tono un poco más bajo y simplemente grabarlos en. De esta manera, obtenemos una gran variedad en diferentes ideas de melodía y va a hacer que nuestra canción suene realmente dinámica e interesante. Así que sólo voy a volver a grabar ese primer bit con esa nueva idea en mente. Crecer. Consigue un auto. Conducir a carro. Ellos no me conocen. Bien, así que esa es la idea ruda. Terrible, terrible voz, pero los vamos a volver a grabar más tarde. Quiero irme a casa. No me importa quedarme. Pero creo que eso también podría traducirse bastante bien en las voces. Y ningún lugar donde gastar. Algo así, ¿sabes? Y nuevamente, con cualquier idea, solo grabarlo. Y en ningún lugar donde gastarlo. Y podemos simplemente seguir adelante de esta manera, escribiendo pequeños ganchos u hojas de tres o cuatro partes, o podrían ser de varias partes si quieres. Pero lo importante es que los metemos en papel, los metemos en nuestra puerta, y luego podemos darles sentido y ponerlos en el lugar correcto más tarde si quieres. O ya podemos solucionarlo. Nuevamente, no hay papel ni derecho. Gran trabajo en este hijo chicos de atrapar al siguiente. 16. Bajo: Ta vuelve bienvenido. Entonces a continuación vamos a hablar del bajo. El bajo a menudo se pasa un poco por alto como una guitarra simplificada Pero en realidad, una base que es una cantidad enorme para reforzar una canción y agrega un montón de low end y base fundacional a su sonido mayor parte del tiempo, trato de pensar en la música como tratar llenar cada tipo de espacio en el espectro de frecuencias. Entonces los medios son algo así como donde están sentadas las teclas y las guitarras. El top ing es más parecido las voces y las fifts y las melodías El extremo bajo se llena con la base. Por lo que es muy importante a la hora de crear una pista de sonido completo tener cada una de estas frecuencias llenas de algo que el sonido de graves va a agregar tanta riqueza y sensación a la Podemos usar el conocimiento que hemos aprendido en las últimas dos lecciones sobre melodías y escalas para elaborar grandes líneas porque solo estamos tocando las notas que están trabajando en clave O de nuevo, como nos dimos cuenta, podemos usar notas fuera de la clave, pero para mantener las cosas realmente simples, solo podemos quedarnos con las notas que se han encontrado en nuestra escala. Pero la gran diferencia con base es que vamos a estar jugando en el ptaive Entonces es un poco más alto para una base para que podamos derribarla. Quizás aún más. Así que de nuevo, podemos tocar cualquier nota en la escala, y va a sonar bastante bien. Sin embargo, es muy común las partes base reflejen básicamente las llamadas que se están reproduciendo, ya que agrega mucha riqueza y profundidad al tipo de sonido que ya se está haciendo Lo cual suena bien, pero tantas cosas un poco más interesantes. Otra técnica muy común es equilibrar entre la nota raíz y el quinto del acorde que se está tocando. Entonces, por ejemplo, el primer acorde de nuestra canción es A flat. Entonces, si encontráramos el quinto a Un piso, entonces, quién, medio hoyo, ahí estaría nuestro cinco. Así podemos equilibrar entre uno y los cinco para crear una especie de línea de base más interesante, que sonará un poco así. B Así que simplemente equilibrando entre la raíz y la quinta, hemos hecho un poco más como una línea de base activa e interesante. Así que tomemos lo que hemos aprendido y ahora aplicarlo a un bajo real para un sonido un poco mejor. Entonces para mí, personalmente diría que toco las notas raíz cerca del 70% del tiempo, e intento llenar las otras 30 con algunas otras notas más interesantes. Pero de nuevo, mucho dependiendo de qué tipo de canción o qué tipo de vibra estés tratando de crear. Ahora, muy rápido consejo, si tienes un bajo real, puedes encontrar el quinto de cualquier acorde muy fácilmente. Entonces si decimos tomar G, por ejemplo, si tenemos dos amenazas, y luego abajo una cadena, Eso siempre va a ser el quinto. Siempre va a ser la quinta cuando subamos dos amenazas por una cadena. Y eso es lo mismo con la cuerda A también. Súper fácil. También podemos hacer la octava moviendo eso hacia abajo otra cadena. Lo que puede crear un sonido realmente genial. Entonces primero voy a grabar alguna base en el coro. Y por el coro, quiero asegurarme de esté activo y ocupado, ya que esa es obviamente la parte de la canción donde realmente estamos tratando plantear las cosas y darle a todo un gran empujón Voy a centrarme en tocar la raíz y la quinta para mostrarte lo buena que puedo sonar con esa sencilla técnica. Pero también voy a intentar replicar el ritmo en el que se están tocando los acordes, así que les gusta el slot juntos Un poco así. Como puedes escuchar ahí, le da una tonelada más como cuerpo y profundidad a esa sección solo con un poco de extremo bajo. Debido a que tiene un impacto tan grande en cómo se siente la canción, podemos usar esto a nuestro favor para cambiar cómo se siente cada sección. Como dije, para el coro, realmente queremos bombear las cosas y hacer que las cosas suenen más enérgicas y animadas Pero también podemos usar la base para hacer una sensación más suave y suave a los versos, que luego cuando captan el coro, solo hacen que suene realmente muy grande Por eso es muy común en muchas como la música rock que las notas de fondo en los versos solo se sostengan. Y en el coro, están un poco más activos. Y en esta canción, voy a tratar de hacer algo similar. Voy a tener un bajo que suene más suave en el verso Pero creo que me va a gustar imitar la guitarra en su melodía porque creo que eso podría actuar como un poco de diferencia bastante agradable Una especie de imitarlo para ese pedacito, ¿sabes? Pero que suenen esas notas. Y luego un poco más de energía hacia el coro. Y luego podemos jugar con hacer que el segundo verso tal vez sea un poco más intenso, haciendo que la canción se sienta como si estuviera progresando, cambiando y creciendo Gran bienvenida esta lección, chicos. Te pillaré la siguiente canción. 17. Armonías: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo. Entonces en esta siguiente lección, vamos a hablar de Harmony Harmony Harmony. Oh, lo están haciendo. Entonces, en esencia, Harmony está usando notas complementarias alrededor de una melodía para crear, como un sonido rico y agradable. No es que ese ejemplo fuera un gran espectáculo de eso. Y puede agregar tanta vida y emoción a una canción y realmente agregar énfasis y exageración en líneas vocales particulares Dormir en la S Este es otro tema que puede complicarse realmente rápido. Entonces, para simplificarlo y hacerlo lo más sencillo posible. Todo lo que necesitamos saber es que la armonía son dos o más notas que suenan bien juntas, esencialmente, de las que ya hemos aprendido con nuestros acordes y nuestras escalas. Eso es armonía. Un acorde es más o menos solo una compleja tres parte de la armonía. Entonces, la forma más simple y algo creativa de hacer esto es simplemente elegir nuestra escala e intentar encontrar algunas notas complementarias que acompañen a nuestra melodía existente. Por ejemplo, escribamos una melodía realmente sencilla. Un trabajo dentro de esa misma clave que nuestras útiles pegatinas han mostrado. Y ahora podemos poner algunas notas más altas encima de eso para darle un poco de sustentación y energía. Así que sube una octava. O podemos agregar notas más bajas para una sensación de calidez y conexión a tierra Entonces algo así. O podemos usar ambos para crear una melodía amplia y exuberante Y podemos replicar exactamente ese mismo proceso puesto en una voz para hacer esas hermosas pilas vocales, también. Ahora bien, esta forma más experimental de recoger Armonías es mi favorita ya que es más creativa y generalmente necesitas seguir un proceso, donde simplemente te sientas en cuanto a lo que funciona mejor contigo No obstante, si queremos ser más específicos con Harmonies y saber exactamente lo que está pasando, igualmente podemos descomponerlo. Para este ejemplo, voy a estar usando la voz de mi amiga Harriet. Nos conocimos ayer y le bajamos algunas letras a esta canción. Yo mismo traté de recordar las voces. Simplemente sonaban muy mal, y no quiere escucharlos una y otra vez. Entonces, utilizamos todas las mismas técnicas que aprendimos en nuestras letras y nuestras lecciones de melodía. Y se nos ocurrió una pequeña idea para el coro, y así es como suena Un gran todavía llegar a jugar. No digas hola Jap Do. Entonces estoy seguro de que estarás de acuerdo en que es mucho mejor trabajar con esa voz que la mía. Entonces, experimentemos poniendo algunas armonías encima de ese coro Entonces aquí hay una línea específica. Fino Entonces una muy bonita, como, repetitiva línea hooky ahí que creo que va a funcionar muy bien con una armonía en la parte superior Entonces, la armonía más utilizada en la mayoría de los tipos de música popular es tercios. Entonces, como probablemente puedas adivinar, esto solo se relaciona con la tercera nota de nuestra escala, igual que cuando aprendemos sobre acordes, el primer tercio y el quinto, el primer tercio y el quinto, podemos estar enfocándonos en torno a la tercera nota, que se relaciona de nuevo con la línea de la melodía Así que vamos a desglosarlo un poco. Entonces, si encuentras ahí las notas que Harriet está cantando. No. Se le cae el bache. A, D, a aquí. Entonces ella está cantando G F y D agudo. Él. Se te cae el ba. A aquí. Así que todo lo que tenemos que hacer es encontrar las terceras notas a G F y D en esta escala, y luego tocarlas por encima, y va a sonar como una armonía realmente encantadora, bastante típica. Así que vamos a cambiar la octava y ponerla aquí abajo, así que tenemos algo más de espacio Entonces la primera nota en esa melodía es G. Así que para encontrar nuestra tercera, solo necesitamos hacer parte de nuestra mayor escala, agujero de agujero. Entonces ese va a ser el tercero. Sin embargo, en esta clave, estamos en Un piso. La g es en realidad una G menor porque usa A sharp. El tercero en este caso en realidad sería A sharp. Si eso te parece confuso, cada vez que encuentres el tercero, solo tienes que subir o bajar hasta que suene bien si no quieres demasiado sobre teoría musical. Esa sería la primera nota de nuestra armonía si estamos escogiendo terceras partes. El siguiente lowe en nuestra melodía es F. Otra vez, encontraremos el tercero, entero No está en A. En realidad está en un piso. Entonces esa sería la segunda nota en una melodía, y la tercera nota es D aguda, hacer todo el mismo agujero. Gs en la escala, como podemos decir de nuestras pegatinas. Así que tenemos nuestras notas de melodía trabajadas ahí fuera. Entonces, si tuviera que tocar esa melodía por encima. Se te cae la pelota que no quiero oír. Suena natural y agradable que suena. Ahora bien, si mueves eso a una vocal en su lugar, vuelvo a disculparme por mi voz coja, uno, dos, uno, dos, rap el b D uno Entonces solo agrega un poco más profundidad a esa línea, ¿sabes? Y si estás en ese tipo de sonido realmente, como, contemporáneo moderno, terceras armonías se utilizan mucho Sin embargo, obviamente podemos usar las armonías que quieras. Entonces, por ejemplo, tomemos cuartos. Así que las cuartas y quintas tienden a sonar bastante distintivas y usaban mucho en como la música asiática Entonces así es como sonaría una cuarta armonía. Trampa el b uno a aquí una quinta armonía sonará así. Deja caer la bala D W a aquí. Dios, eso es vergonzoso. Otra opción es utilizar armonías de octava. Entonces aquí es donde tocas exactamente la misma melodía, solo una octava arriba o abajo dependiendo del tipo de estado de ánimo que quieras crear No son tan complejas ni interesantes como otras armonías, pero puedes usar eso a tu favor, así que si solo quieres reforzar una línea sin crear demasiado ruido. ¿Cuál sonará así? Es soltar el ba D W a aquí. Más cómodo para mí cantando allá abajo aparte de eso. Quinto que hice hace un minuto. Eso fue duro. Y me gusta bastante ese tipo de sonido. Entonces creo que me voy a dar la vuelta a la derecha y usar eso en la pista. Deja caer el archivo. Queremos mantener al pájaro ahí dentro. Así que hay que hacer mucho trabajo ahí en este tipo de mezcla y hacer que las cosas suenen más equilibradas. Pero ojalá eso te dé una idea de cómo podemos crear armonías, cómo podemos utilizarlas. Bien, y ya casi estamos ahí. Entonces, en la siguiente lección, vamos a amarrar todo lo que hemos aprendido en una clase y realmente empezaremos a darle carne y producir la canción que empezamos. Entonces lo veré. 18. Producción parte 1: Oigan, chicos, bienvenidos de nuevo. En la siguiente lección, vamos a tomar todo lo que hemos aprendido de la clase, y vamos a aplicar a producir y escribir completamente esta canción que comenzamos. Entonces en este momento, nuestra canción empieza muy abruptamente. Bocetazos en la cara con todos esos instrumentos, que podemos usar Pero quiero tener un poco más una lenta introducción a la canción y dejarla respirar un poco más. Voy a empezar con un dron. Un dron es básicamente como nota alargada o un zumbido o algún tipo de sonido ambiental similar Crea un poco de mundo para que nuestra canción exista. Encontré este sonido realmente genial en laboratorios de bomberos de lanza llamados Hackney Angels Suena un poco así. Como puedes ver aquí, suena a textura y atmósfera, y va a llenar algunos de los huecos, y creo que va a funcionar muy bien en la introducción Entonces sólo voy a escoger algunas notas que funcionan en esa clave. Y podemos o bien loop eso a lo largo toda la canción o podríamos mantenerlo solo la intro Entonces quiero introducir primero la guitarra porque siento que es el gancho principal o si yo ese pequeño da da da da da. Voy a grabar eso en para la intro. El sonido que hemos usado para esa guitarra es tan épico que creo que realmente necesita respirar por un minuto. Vamos a grabar eso en. Y ojalá puedas escuchar ahí que crea un poco más como ambiente, introduce esa guitarra y el riff principal a la canción Ya empieza a perforarlo en la cabeza de la gente. Y el tono suena perverso. Pero todavía suena bastante solitario y vacío. Entonces cuando pateamos con el bajo y la batería, hay un buen poco de impacto. Se siente un poco más natural en lugar de simplemente traerlo de la nada. Obviamente, nos alejamos de la introducción al primer verso aquí A de lo que hablamos antes sobre las lecciones. La guitarra está tocando exactamente los mismos acordes, pero solo estamos dejando que suenen los acordes en lugar de hacerlos demasiado ocupados. Nuevamente, queremos mantener los versos un poco más discretos, así que es solo ayudar con eso. Y todavía tenemos la pequeña t para el riff ahí dentro. Solo estamos dejando que esos cordones cuelguen con un poco de pequeñas notas en el medio solo para agregar algo de interés. Y luego en la base, tenemos una línea de base bastante simple. Nuevamente, solo dejándolo colgar en su mayor parte. Y sólo están copiando los cordones que se están tocando. De nuevo, solo somos una nota o dos aquí o allá solo para darle vida un poco. Y luego los tambores son bastante contundentes, pero los hemos mantenido en un sombrero alto cerrado, que es este tipo de sonido para volver a crear una especie de sección de baja intensidad más apagada en el verso Y si nosotros para escuchar esos tambores por su cuenta. Y para construirlos, simplemente usé la patada y la trampa para enfatizar el ritmo que se estaba tocando, que en conjunto sonaba como Entonces, si estamos siguiendo el patrón del que hablamos justo al comienzo de la clase, queremos hacer que el primer verso sea un poco más largo. No tengo que hacer eso, pero en mucha clase de música pop y rock, ese suele ser el caso. Pero en la segunda mitad del primer verso, todo se repite, lo cual está bien. Pero piensa a un ser más interés, podemos tener otro instrumento ahí dentro. Y hablamos antes de que esta canción me sienta como una especie de videojuego, futurista tipo de inspirar tipo de pistas Quiero ir por algo así de acuerdo con eso. Entonces eso suena bastante genial. Y lo que creo que voy a hacer es agregar un arpegiador Así que no te preocupes demasiado por esto. Esto es más como una especie de término técnico, pero voy a seleccionarlo aquí. Y todo lo que hace un arpegiador es como, tocar las notas que tienes retenidas en cierto orden Y hay montones de diferentes en la lógica. solo mantener esas notas abajo, está haciendo algunas cosas geniales. Entonces si solo escogemos algunas notas en nuestra escala. Suena genial. Creo que eso suena muy interesante y genial. Así que voy a caer en la segunda mitad del verso cuando las cosas se pongan un poco repetitivas y pondré eso ahí. S suena. Así que eso solo agrega un gran poco de textura e interés a esa parte de la canción. Entonces entramos en que es como un pre coro, pero esencialmente todo lo que estamos haciendo es como amenizar la forma estamos tocando los acordes que van al coro Así que la guitarra se pone un poco más agresiva. Trump arriba en la mitad abierta y alta. Y luego entramos en el coro. Entonces comencemos a desglosar esto. Entonces nuevamente, nuestra guitarra está tocando exactamente los mismos acordes. Simplemente lo estamos haciendo de la manera más parecida a la vivaz y enganchada Similar como lo jugamos en la intro. Los tambores son exactamente los mismos que escribiste en la lección de Murciélagos. Siguiendo la guitarra. D ahí D ahí. Y el bajo es exactamente como lo fue en la lección de bajo, también. Sólo estamos siguiendo los acordes y añadiendo algunas notas quintas que sean de interés Y para esa última pequeña sección. Casi se puede decir que ahí es como una sección pre verso. Pero de nuevo, acabamos de amenizar los acordes para el último pedacito, y los tambores también están imitando Y ahora nos movemos al segundo verso. Entonces el segundo verso, creo que puede ser pret similar al primero Me gusta mucho el patrón de batería que ya escribimos. Entonces voy a pegar eso ahí dentro. Ahora, pongamos un poco más de guitarra ahí, también. Entonces voy a hacer muy parecido a lo que hice en el primer verso. Sólo tocando esos acordes. Pero solo animándolos aún más para crear más de un ascensor en el segundo verso Y de nuevo, partiendo de nuestro tipo de plano, queremos hacer el segundo verso un poco más corto y más ágil y tratar de volver directamente al coro lo más rápido que puedas Entonces algo así está bien. Muy similar al primer verso. Solo estamos animando un poco ciertas partes, y haciéndola un poco más corta Y es posible que hayas escuchado ahí. También grabé en una pequeña línea de base, que es muy, muy similar al primer verso. Nuevamente, usando las principales s en la guitarra, pero solo haciéndolas un poco más animadas, lanzando algunas notas diferentes ahí dentro. Ahora bien, el segundo verso puede ser exactamente el mismo que el primero. Ahora bien, si estaba escribiendo esto correctamente para, como, un gran lanzamiento o lo que sea, puedo volver a grabar esto, pero por el bien del tiempo y la eficiencia, solo voy a copiar y pegar un primer verso directamente. Voy a ir por el segundo coro. Al igual que el primero. Pero creo que lo que voy a hacer ahora es ir a otra sección para cambiar las cosas. Creo que lo que va a funcionar muy bien aquí es como una ruptura instrumental. Creo que va a dejar que la canción pueda, como, respirar adecuadamente y adentrarse en ese tipo de elemento más rocoso para ello. Así que vamos a copiar y pegar exactamente los mismos acordes de coro y simplemente hacer, ver si podemos llegar a un riff genial encima de los Entonces una vez más, sólo voy a copiar y pegar esa misma sección exacta. Toma esas voces de demostración rudas. Esa es la cosa. A veces escribir una canción puede resultar realmente abrumador, pero mucho de eso es solo eso repetir la misma sección. Aunque, sí, son tres o 4 minutos de música original, pero en realidad son como 1.5 minutos porque básicamente estás repitiendo los versos y estás repitiendo el coro generalmente unas tres veces ¿Sabes a lo que me refiero? Entonces voy a usar los conocimientos de nuestra melodía y nuestras escalas y nuestras lecciones de armonía. Voy a encontrar la escala pentatónica que enlaza con nuestra clave Y cada nota en esa escala va a funcionar muy bien. Jugar. Pero creo que lo que quiero hacer es, como, agarrarme al tipo de riff que ya está ahí y solo enfatizar eso con, como, un poco de armonía y un poco de melodía y algo así como esencialmente acompañarlo Y si lo jugamos en el cativo superior, debería darle más, como, emoción y vida Entonces te voy a mostrar a lo que me refiero. Y también voy a tomar el sonido de guitarra que ya tenemos y conducirlo un poco más. Ahora, obviamente no hay nada muy complicado. Es como dos o tres notas. Pero nuevamente, esta idea de querer crear ganchos, y crear s's pegadizos, elevar lo que ya está ahí Creo que eso funciona muy bien junto a eso. 19. Producción parte 2: Entonces después de nuestro segundo verso va a venir nuestro puente o el momento en el que necesitamos cambiar algo. Así que voy a escribir algunos acordes de guitarra diferentes aquí Sea que aquí hayamos tenido dos secciones enérgicas bastante grandes, creo que sería bueno contrastar con una más silenciosa, más gentil También creo que sería genial cambiar los acordes que estamos tocando Estamos usando los mismos cuatro acordes, para todas las canciones. Pienso de nuevo, solo creando un poco de contraste con el puente y cambiar de volverse demasiado repetitivo. Creo que es una idea genial. que podamos volver a nuestro círculo de quintas, mirar a qué acordes pertenecen en nuestra clave o a los que queramos, e intentar experimentar con algunas nuevas progresiones centrales P. Así que me encanta el sonido de eso. Así que vamos a conseguir que se grabe en. Y creo que eso lleva perfectamente de nuevo a nuestro coro. Pero antes de eso, solo quiero agregar un poco de instrumentación a este puente pi. Entonces me gusta bastante mantener este primer poco solitario y aislado. Pero para la segunda parte, casi un poco de Algo un poco así. Creo que podríamos agregar algunos tambores realmente simples ahí solo por un poco de suma extra Solo con un bombo para un poco de mp, y luego algunos símbolos para algún buen extremo superior centelleante. Muy bonito. Y luego aquí, podemos simplemente volver a dar una palmada al coro, creo A y yo tenía un poco más de brecha ahí solo porque, ya sabes, solo para hacer las cosas un poco extravagantes T cuatro. Yo genial. Y aquí hay otro pequeño truco para ti. Cada vez que siento que está un poco seco, pasando de una sección tranquila a una ruidosa. La calidad I es un elevador. Un elevador puede ser básicamente cualquier sonido que construya o se hinche A menudo a la gente le gusta invertir platillos, o si te metes en los bucles, a menudo puedes simplemente escribir riser y es ese tipo de que me voy a meter Sonido. Pero para ser realmente super cool, voy a cortar el final de este solo de guitarra. Este Todo ese sonido encantador. Voy a cortarlo. Voy a copiarlo. Voy a pegarlo por aquí, y voy a revertirlo, lo que suena un poco así. Y así como un lindo, como subir a ese último coro. Lo que voy a hacer es repetir las mismas dos secciones que tuvieron en el último coro, así que más del estribillo regular y luego ese tipo de instrumento, el s que rompemos poco Así que ten este pedacito y luego vuelve a entrar en eso. Y ahora creo que sólo podemos terminar en una muy simple que he llamado desde antes. Crea son realmente agradable final allí. Entonces tenemos un gran esbozo ahí principio a fin de toda nuestra canción. Ahora, probablemente estés pensando, dónde están todas las voces. Entonces, vamos a trabajar en eso a continuación. Entonces, a partir de mis últimas lecciones, nos ocurrieron algunas pequeñas ideas, algunas muy mal por mí mismo. A quién milagro Así usando todo lo que aprendimos de nuestra lección de letras, armé algunas letras y palabras más que creo que salieron bien. Nuevamente, usando las técnicas aprendimos sobre armar pequeñas persianas e ideas Realmente típico. Nuevamente, no estoy tratando de ganar los premios por esto. Así que todos mis amigos se han ido. Hablamos de estar perdido en un lugar o sentir que eres como una especie de planeta alienígena. Nada tiene sentido, sombras en la pared, ser como extraños. Para que podamos usar la melodía que se nos ocurrió la última vez y escribirlas. Entonces, eliminemos esa última toma Y metamos algo adentro. De nuevo, ten en cuenta que voy a conseguir esta re grabada con mi amiga Harriett, así que lo siento si suenan lam Har Tendencias se han ido. Nada lo envía encendido. Disparos en la w. Ellos no me conocen. Crecer. Consigue un auto. Condujo a bar. Quiero ir Así que solo estoy usando algunas de las melodías con las que trabajamos la última vez Da Da, da da. Y sólo los juntaremos ahí con las nuevas letras. Ahora, como dije, Harriet cantó un gran coro para nosotros. A un gran todavía llegar a la cama. Y otra vez, para hacerlo más grande, podemos sumar, como, mi octava inferior Un bi todavía por jugar no digas Agrega un poco más de interés ahí. Entonces vamos a entrar en el segundo verso aquí. Entonces pongamos algunas voces en el segundo verso. Va a seguir una melodía bastante similar, en realidad. Siento que me gusta bastante lo que tuvimos en la primera. Y a veces la repetición es nuestra amiga. ¿Sabes? Ir I s. Extraños. T a un mal. Olvídate de gastar más garra. Y luego vamos a volver directamente al segundo coro, que va a ser exactamente el mismo que el primero Y ahora podemos pasar al puente. Entonces aquí es donde se descompone un poco más tener el int para rompernos. Algunos drag Así que de nuevo, solo se le ocurre una melodía ligeramente diferente ahí usando las notas en nuestra escala y algunas letras más. Un muy muy sencillo. Algunos me arrastrarían lejos. Encerrado. Pero no quiero seguir. Muéstrame lejos. Oh, Dios. No puedo decir f. sin amor y sin dinero. Y vamos a volver al estribillo. H Ahora bien, puede que sea una suposición, pero en realidad se me ocurrió esto antes. Sorprendedor. Lo sé. Pero es por una buena razón porque no siento que sería un buen maestro si este fuera el ejemplo con mis terribles voces. Entonces conseguí que mi amiga Harriet grabara esas melodías Y así es como suena eso. Oh. Amigos de niña. Nada tiene sentido en absoluto. Sombras en el mundo. Está sobre mí. Ojalá puedas estar de acuerdo. Mucho mejor que el mío. Ir a ir. D O. ¿Algo en reverberaciones a c? Así que lijando genial ahí, mucho mejor con la voz de Harriet. Ahora el último pequeño consejo que te voy a dar es engordar cualquier tipo como voces en una producción Podemos usar lo que llamamos doble rastreo. Esto se puede hacer en una tonelada de instrumentos diferentes. Las guitarras usan esto todo el tiempo. Las voces usan esto todo el tiempo. Todo esto realmente significa es que estamos interpretando la parte exactamente igual, y luego solo estamos acotando diferentes tomas vocales o diferentes tomas de guitarra Y podemos hacer montones de cosas diferentes con ellos, podemos panear una a la izquierda y a la derecha. Una técnica muy común es tener el carril vocal centrado y tener dos versiones ligeramente diferentes de la izquierda y la derecha. Eso es lo que vamos a hacer hoy con la canción ya que hace que este sonido de otoño sea realmente agradable y amplio, y es genial para un coro porque simplemente, como, realmente engrosa la voz Entonces te doy un poco antes y después. Aoki Una chica grande. B para parar. Llegar a jugar. Y ahora con las tomas dobles. Me enloquezco. Una gran branquial. B para parar, llegar a jugar. Y ahora, si agrega la voz de mi coja octava ahí también Un mo gay. Un grande pero todavía lo consigue ahí. No digas Drop What you do Y esa es más o menos nuestra canción hecha. Elaboramos cada instrumento diferente. Llenamos todas las diferentes secciones, y nuestra canción llega a los 3 minutos y 33 segundos, lo que es bastante acertado para una especie de canción pop o rock. Cualquier cosa entre algo así como tres y 4 minutos es como un buen punto dulce. Entonces eso es perfecto tal como es. Ahora de nuevo, aquí podemos profundizar más si queremos agregar más instrumentos y volvernos realmente locos en más producción. No hay una cantidad final de instrumentos y sonidos, podemos ponernos en capas, podemos hacer esta sección de partitura sea aún más grande. Decimos cuerdas y cuernos si quisieras. Ahora bien, si has llegado a esta etapa tú mismo de escribir y producir una canción y quieres llevarla al siguiente nivel y realmente meterte en el lado de la mezcla de las cosas, siéntete libre de revisar mi clase de mezcla donde entramos en detalles sobre eso. Voy a darle una mezcla muy rápida, fácil. Y luego voy a poner eso en la siguiente lección para darte una idea de cómo sonaría esto con un poco adecuado de, sí, división de tiempo en la mezcla, con la compresión, y reverberación y todas esas cosas buenas Bien, entonces eso nos lleva a la última lección de la clase. Si has llegado hasta aquí, lo estás destrozando absolutamente. Muchas gracias por soportarme todo este camino. Ojalá aún no me haya enfermado demasiado de mi voz. Entonces, atemos las cosas en la siguiente lección. Te veré ahí. 20. Canción final: Frenético No tiene sentido en absoluto. Yo no lo hago. Oh, nos vamos a casa. A Un grande todavía llegar a la cama. S Tire su archivo. H i s f. extraño ser cama completa. Capaz de gastar. Un gran todavía hoy. Deja caer el fuego. Ir a la So D L S. Show un gran negocio. Todavía me vuelvo a poner la f. A 21. Clase final: Oh, oigan, amigos, bienvenidos de nuevo. Entonces lo hiciste. Se puede complacer a la clase. Muchas gracias por estar conmigo todo el camino. Sé que estas clases pueden parecer bastante largas y bastante desalentadoras a veces Así que genuinamente un enorme bien hecho por conseguir todo el camino a través y golpear al final. , realmente espero que lo hayas disfrutado, y tienes algunas cosas buenas de esto. Sé que, para mí, escribir canciones y producir música se sintió tan abrumadora durante tan largo periodo de tiempo Así que realmente espero haber podido facilitarte un poco las cosas, compartir algunos temas que quizás antes parecían un poco desalentadores Y ojalá encuentres el proceso de composición y producción un poco más divertido y fluido ahora Solo como enfatizar que si alguna vez quieres algún comentario sobre cualquier cosa que hayas hecho, no dudes en enviármelo o igualmente, si tienes alguna pregunta sobre algo de lo que hablamos o algo que tenga que ver con la música, no dudes en preguntarme. Me encantaría tener una charla, un gran nerd de la música, y me encantaría hablar de este tipo de cosas. Entonces, siéntase libre de ponerse en contacto si lo desea. Y si disfrutaste de la clase, una crítica positiva significaría el mundo absoluto para mí. Gente como yo haciendo estas clases de ln. Esas críticas son honestamente como polvo de oro, y son muy apreciadas, y simplemente mas me siento bien. Entonces, si eres, bueno el momento y has disfrutado de la clase, una crítica positiva realmente significaría mucho. Y gracias de antemano, si tienes tiempo para hacer eso. Si quieres mantenerte en contacto, no dudes en agregarme en Instagram, o puedes seguirme en la página de clases, y recibirás actualizaciones cuando publique clases futuras. Y ha sido un placer hacer esta clase para ti. , realmente espero que lo hayas disfrutado, y te veré muy, muy pronto. Gracias. Que tengas un día maravilloso.