Cómo pintar lo que ves: paisajes de lago

1. ¡Hola!: Hola ahí. Bienvenido a mi séptima clase de Skillshare. Mi nombre es Payal [fonético], soy artista autodidacta, educadora de arte, y emprendedor radicado en Bahréin. Me puedes encontrar en Instagram en elsimplyaesthetic. En los últimos dos años, he enseñado a los estudiantes online y offline a explorar su talento oculto y enamorarme del arte. Siento que el arte es una parte muy crucial de nuestra vida y entregarnos un poco de creatividad puede ser un buen estresor. Desde que comenzó la pandemia, he sido impulsado hacia pintar paisajes. Cada vez que me desplazaba por Pinterest o Unsplash y miraba estas hermosas imágenes del paisaje, o salía a dar un paseo afuera y hacer clic en imágenes de cosas que vi a mi alrededor. Me llenó de entusiasmo por pintarlas. Era casi como si estuviera tratando vivir una vida a través de estas imágenes. Pero no siempre fue tan fácil porque no sabía por dónde empezar, cómo analizar una imagen, qué técnicas aplicar, pero a largo de los años desde que practicaba mucho, entendí cómo una imagen se puede descomponer fácilmente en diferentes partes. Cuando practicas cada una de estas partes obtienes una mejor comprensión. En esta clase, quiero compartir contigo mi amor por pintar paisajes. El medio de elección para esta clase va a ser acuarelas y vamos a estar pintando un hermoso paisaje lacustre. El formato de esta clase va a ser ligeramente diferente de los que has hecho antes porque quiero enfocarme más en los pasos que necesitas saber para entender una composición de un y luego utilizar todos nuestros conocimientos para hacer un proyecto de clase. Quiero enfocarme en la parte lago de la clase porque siento que los lagos, a pesar de que son un tema difícil de pintar, siempre es tan divertido pintar cuando entiendes el tipo correcto de técnicas que necesitas aplicar. Me encanta navegar por las imágenes del lago y cada vez que veo una puesta de sol o amanecer junto al lago no puedo dejar de pintarlo. En esta clase, voy a compartir exactamente todos y cada paso que necesites conocer y para el final de la clase, podrás pintar tu propio paisaje lacustre. He diseñado esta clase de una manera que aunque seas principiante, puedes unirte y explorar la belleza de las acuarelas. Empezaremos conociendo el tipo correcto de suministros que necesitamos. En lugar de decirte sólo los suministros de arte que uso, te diré las cosas exactas que busco cuando las estoy recogiendo. Después de eso, nos enfocaremos en aprender las técnicas de acuarela. Estoy seguro de que muchos de ustedes están familiarizados con estas técnicas de acuarela pero en esta lección, estaré diciendo exactamente cómo les estaré diciendo exactamente cómoelegirlas cuando estén mirando su imagen de referencia. Va a ser muy útil entender cómo descomponer tus imágenes de referencia. En la siguiente lección, estaremos hablando de cielos. Estaremos pintando seis tipos diferentes de cielos juntos. También estaré subiendo algunas otras imágenes de referencia en la parte de recursos de esta clase. Puedes descargarlo desde ahí y luego darles una oportunidad también. Cada una de estas imágenes de referencia se seleccionan de manera que estás aplicando las mismas técnicas, la misma composición, el mismo estilo para que entiendas los lagos un poco mejor. Si eres alguien que quiere explorar la belleza de la naturaleza pintándolas entonces únete a mí en esta clase y vayamos en un maravilloso viaje con acuarelas juntos. 2. Materiales de arte: [ MÚSICA]. Estoy tan emocionado que decidiste ser parte de esta clase. Ahora hablemos de los diferentes materiales que necesitas. Recuerda, no tienes que usar las mismas marcas que las que estoy usando. Puedes optar por cualquier marca diferente que generalmente uses o te guste. En esta lección el foco principal va a ser hablar las pequeñas cosas que busco cuando selecciono mis papeles y pinturas y pinceles. Ahora, también hablaré los suministros de arte como los frascos de agua, las paletas de mezcla, y todas esas pequeñas cosas que serían útiles cuando estás pintando con acuarelas. Entonces, vamos a bucear. Muy bien. Hablemos de nuestros suministros de arte que necesitamos. Las tres cosas que son muy importantes que debes saber a la hora pintar con acuarelas es tu papel, pinturas, y pinceles. Estas tres cosas son muy importantes y es muy importante saber exactamente lo que buscamos cuando queremos seleccionar el tipo correcto de suministros de arte. Lo primero de lo que voy a hablar es el periódico. Cuando estoy pintando con acuarelas busco algunas cosas en mi papel. Estoy usando mi papel Canson Heritage Watercolor aquí, pero te diré cómo seleccionar el tipo de papel correcto. Lo primero que deberás buscar es que el papel sea de 300 GSM. Eso es porque el papel 300 GSM es más pesado, no se fruncirá, y al mismo tiempo te ayudará cuando estés agregando mucha agua en el papel. Es muy importante que un papel no se fríe cuando estamos haciendo nuestra técnica mojada sobre mojada. Lo siguiente es que el papel debe ser un algodón 100 por ciento. Tu papel 100 por ciento de algodón se mantiene uniformemente mojado durante un período de tiempo más largo y se seca realmente agradable e incluso, y eso es muy importante. Lo siguiente es el papel de prensa en frío. Esa es una preferencia personal, puedes ir por un papel verde áspero también. Me gusta tener textura media en mi papel y es por eso que voy por papel de prensa fría para acuarelas. Voy a estar simplemente dividiendo este papel de tamaño A4 a la mitad, y lo estaré haciendo A5, y solo estaré usando ese tamaño para mis proyectos de clase. Lo siguiente, nuestra pintura. Puedes usar pinturas de pan, puedes usar pintura Stu, eso está totalmente en ti. Voy a estar usando pinturas en la marca White Knights. He creado esta paleta personalizada en el lado derecho, que es bandas suaves. Acabo de tomar estos tubos, ponerlos en bandas. Esta banda es muy útil para mí viajar con y por eso seguí adelante e hice eso. Pero puedes seguir adelante y elegir cualquier pintura. Simplemente asegúrate de que poco a poco empieces a invertir en pinturas de buena calidad como las del Caballero Blanco, que creo que no son muy caras, y son muy buenas. Poco a poco puedes empezar a invertir en pinturas de buena calidad que cambiarán por completo tu juego de acuarela porque disfrutarás del proceso de pintar con acuarelas si tienes buenos insumos contigo. Lo siguiente de lo que quiero hablar son los pinceles. Voy a estar usando estos pinceles de la marca Silver. Me encantan absolutamente estos pinceles por pintar con acuarelas. También estoy guardando un pincel plano, que es un pincel plano de dos pulgadas para aplicar agua uniformemente sobre la superficie cuando estamos pintando paisajes. Mi preferencia hacia este pincel es mucho porque se trata de punta realmente fina, que te mostraré más adelante en la clase, donde hablo de los pinceles y el control de pinceles y cosas así. Estos pinceles son mis favoritos y hay que recoger pinceles que llegarán a una punta fina después de haber aplicado pintura porque eso es muy importante y realmente ayuda en conseguir trazos más delgados con un pincel grande para que no tengas que seguir cambiando tus pinceles. lo siguiente que quiero hablar es del agua. Siempre guardo dos frascos de agua conmigo. Uno para usarlo para enjuagar mis pigmentos y el otro va a estar dando a mi pincel el enjuague final y la carga agua limpia para mezclar diferentes colores para que mis colores no se enloden en el proceso. Puedes guardar dos frascos de agua o mantener un frasco de agua y seguir cambiándolo con frecuencia para que tus colores no se enloden. Hemos terminado con cuatro tipos de suministros de arte [Risas] por ahora. Lo siguiente que estoy usando es una paleta de mezcla. Básicamente uso placa de cerámica, que es una bonita placa plana para mezclar mis colores porque no forma estas burbujas como se pueden ver en mi paleta de plástico o una paleta de metal. Forma estas burbujas, y en una paleta de mezcla de cerámica no hace eso. Puedes usar cualquier placa de cerámica y usarla como paleta de mezcla, sobre todo cuando estás en casa, por lo que no importa. Lo siguiente que necesitas contigo es mantener un pañuelo o un paño para que puedas limpiar tu pincel para deshacerte de cualquier agua extra, para deshacerte de cualquier pintura extra que realmente ayude a gustar eso, tener un trapo más corto contigo. Lo siguiente que necesitas son tus cosas básicas que es tu lápiz, borrador, escala, cosas así que necesitarías para esbozar tus elementos. No estás haciendo mucho bocetos, sino solo unos pocos bocetos básicos. A continuación necesitamos una cinta adhesiva. Estoy usando esta cinta adhesiva de una pulgada. Este funciona perfectamente bien para el papel de prensa en frío y me gusta mucho. Es la que encontrarás en todas las tiendas. A continuación necesitas una tabla contigo para pegarte el papel. Puedes hacer eso en tu mesa también, pero me gusta tener una tabla que pueda moverlo por si quiero que mis pinturas se extiendan o si tienes mucha agua, solo puedo deshacerme de ella moviéndolo alrededor y extendiéndolo uniformemente sobre el papel. Me gusta tener algo que sea movible. Estamos terminados con los proveedores de arte. Háganos saber un poco sobre nuestro proyecto de clase en la siguiente lección. 3. Tu proyecto: [ MÚSICA] Ahora que tenemos nuestros suministros descubiertos, quiero tomarme un minuto y hablar de nuestro proyecto de clase. Vamos a estar pintando un proyecto de clase en esta clase, que es de este hermoso paisaje lacustre. Vamos a estar pintando eso a partir de una imagen de referencia. La idea de esta clase es entender la composición de nuestro cuadro de referencia, cómo analizar, dónde aplicar diferentes técnicas. Cómo escoger una paleta de colores de las imágenes de referencia y todo ese jazz. Te voy a caminar por todos y cada paso. Después de esto, voy a descomponer las técnicas por ti. Cómo pintar diferentes cielos, cómo pintar elementos de primer plano, cómo saber sobre las reflexiones. Usando una combinación de todos esos pedacitos, pintaremos nuestro proyecto final de clase, que es éste. También voy a estar subiendo un montón de otros proyectos en la parte de recursos que se pueden descargar y darle una prueba. También tendrán el mismo tipo de concepto y los mismos tipos de pasos involucrados. En realidad quiero abrir esta pequeña puerta para ti donde puedas pintar estos pequeños paisajes de lago que no son demasiado difíciles de pintar. También es amigable para principiantes, pero también si eres un intermedio puedes agregar más detalles, también. También te ayudará a construir tu práctica de acuarela, construir tu juego de acuarela, y esa va a ser la idea principal para esta clase. Vamos a sumergirnos a la derecha en las técnicas de acuarela en la siguiente lección. 4. Comprender las técnicas de acuarela en detalle: Hablemos de las diferentes técnicas de acuarela. Estoy seguro de que muchos de ustedes están familiarizados con el término húmedo sobre húmedo y húmedo sobre seco. Estas dos técnicas son una de las técnicas más importantes y casi como base a la hora de pintar con acuarelas. Pero hay mucho más estas técnicas que solo conocerlas como dos técnicas diferentes y separadas. Al igual que cuando miras una imagen de referencia, ¿cómo identificas dónde usar la técnica húmeda sobre húmeda? Dónde utilizar la técnica húmeda sobre seca. En esta lección, voy a hablarles con ustedes acerca de la técnica húmeda sobre húmeda y sobre húmeda la técnica en un poco de detalle que les mostrará la aplicación de estas técnicas. Otra cosa en la que quiero enfocarme en esta lección es aprender a controlar tu agua. Es muy importante que sepas cuánta agua es demasiada agua a la hora de pintar con acuarelas. Vamos a bucear. Hablemos de dos de las principales técnicas de acuarela de las que estoy seguro que muchos de ustedes han oído hablar, como mencioné antes. Contamos con la técnica húmeda sobre seca y la mojada sobre húmeda. La primera técnica de la que voy a hablarles chicos es el método húmedo sobre seco. Ahora como su nombre indica, hay algo que tendrá una consistencia húmeda y algo que tendrá esa consistencia seca. La primera palabra es mojada y eso se asemeja a tu pintura. Ya que estamos usando acuarelas, le agregamos agua y es por eso que la pintura está mojada. La segunda palabra seca es para tu papel. No estás cebar tu papel con ninguna cantidad de agua. Es por eso que está seco. Cuando está seco y cuando se aplica pintura sobre un papel seco, ese método se llama el método húmedo sobre seco. Ahora bien, ¿por qué es útil el método húmedo sobre seco, dónde es útil, cómo lo usas donde? Te contaré todos los detalles. El método húmedo sobre seco es útil cuando se desea agregar detalles a sus pinturas. Ahora digamos que los detalles están en primer plano o hay bordes nítidos, los detalles son nítidos y claros y quieres mostrar eso en tu pintura. Ahí es cuando usas el método húmedo sobre seco. Como ves cada vez que estoy aplicando algún trazo en mi papel, sobre un papel seco, hecho, los bordes son nítidos y claros. El pintura no se está mezclando con el fondo, no se está moviendo, es sólo en las áreas donde estoy aplicando pintura a. Cuando sigues un método donde quieres que tus pinturas sean más controladas, no quieres que se muevan, no quieres que se extiendan simplemente fuera de control y es entonces cuando usas tu húmedo sobre seco método. Es el mejor método para usar para agregar detalles al primer plano. Estás haciendo montañas u hojas o agregando cualquier detalle, es entonces cuando usas el método húmedo sobre seco. Como pueden ver, dondequiera que mueva mi pincel, la pintura simplemente se queda ahí en cualquier forma que aplique, se mantiene en esa forma y ese es el método húmedo sobre seco para ti. Ahora, hablemos del siguiente método. A estas alturas ya tienes la caída de ella. Mojado es tu pintura, y el siguiente mojado que se menciona en la técnica es para tu papel. Aquí vamos a preparar nuestro papel con agua y hacerlo mojado. Es por eso que la pintura húmeda va sobre un papel mojado y es por eso que se llama la técnica húmeda sobre húmeda. Usando mi pincel talla ocho, solo voy a seguir adelante aplicar una capa de agua en mi papel. Como pueden ver, la he difundido uniformemente en dirección izquierda y derecha. Ahora cuando veas, he cargado mi pincel y estoy aplicando estos pequeños trazos en el papel para que la pintura se esté extendiendo. Tu acuarela va a fluir donde está el agua. Desde que has aplicado agua en tu papel, tu pintura se va a esparcir con el agua. Es por eso que se llama la técnica húmeda sobre húmeda. Ahora, la técnica húmeda sobre húmeda es muy útil cuando estás pintando fondos, quieres fondo luminoso, quieres que sea chloe, quieres que sea suave. Quieres que se extienda y un poco borrosa en el fondo, es entonces cuando usas la técnica húmeda sobre húmeda. Ahora por supuesto, hay muchas formas diferentes en las que puedes aplicar técnicas húmedas sobre mojadas en tus pinturas, como para pintar el cielo. Cuando estás pintando elementos que están camino en el fondo y aún puedes verlos pero no tan claramente, es cuando aplicas el método húmedo sobre húmedo. También puedes usar lo mismo para hacer un cielo. Se puede utilizar una técnica húmeda sobre seca. Pero se ve la clara diferencia. Aquí cuando aplicé la pintura, se extiende. Es más claro en color. Pero cuando lo aplico sobre un papel seco y lo muevo alrededor, el color simplemente se queda ahí. Esa es la única diferencia principal aquí. Tenemos la libertad de mover la pintura alrededor. Tenemos la libertad de mezclar nuestros colores juntos. Tenemos tiempo para simplemente mover nuestros colores mientras que en húmedo sobre húmedo, húmedo sobre seco, se seca más rápido para que no tengas tiempo suficiente. En húmedo sobre mojado ya que tu papel está mojado, tienes tiempo para mover tus colores alrededor. Ese es tu método húmedo sobre húmedo. Hay muchas formas en las que puedes aplicar esto que discutiremos en esta clase en la futura lección. Esto te da una idea básica de ambas técnicas. Ahora, hablemos mi tema favorito del que me gustaría hablar en acuarelas, ese es tu control del agua. Es bastante importante que sepas cuánta agua es demasiada agua hora de pintar con acuarelas. Muchas veces en el pasado he cometido este error de no saber cuándo mi contenido de agua en el papel es demasiado o el contenido de agua en mis pigmentos es demasiado. Es por eso que terminaría con realmente como mi sujeto simplemente lo volaría. No conservaría la forma que siempre quise ir. Ese era el problema que enfrentaba en el pasado. Una vez descubrí la magia del control del agua, todo el juego de acuarela solo cambia para ti. Sólo voy a hacer un pequeño rectángulo con una capa de agua clara, clara y clara. Se extiende uniformemente en este movimiento izquierdo y derecho. Quieres asegurarte de que siempre vayas a la izquierda y a la derecha y no levantes el cepillo en el medio. Cuando haces eso, te aseguras de tener una capa uniforme de agua. Debieron de haber visto cuando cargué mi pincel con agua, lo agregué a través de la mezcla de pigmentos. Hay mucha agua en mi mezcla. No es grueso, es agradable y ligero. Cuando eso sucede, cuando tus pigmentos tienen más agua, tu papel ya tiene agua. Cuando eso suceda, tus pinturas no están controladas, solo se extenderán por ahí. Ahora esta técnica se puede utilizar en su beneficio. Sin duda. Puedes utilizar estas técnicas para tener sujetos en el fondo que sean más borrosas, más extendidas. Pero si vas a ir por algo que sea más controlado, esto no funcionará. Solo quería mostrarte una comparación rápida entre el mismo tema y la diferencia entre esa sería la cantidad de agua que estoy agregando. En el primero he añadido más agua a mi mezcla, a mi mezcla de pintura. Lo siguiente que voy a hacer es de nuevo aplicar un rectángulo de agua clara. Me muevo en este movimiento de izquierda y derecha y me aseguro de que he extendido uniformemente mi agua a través de la pequeña forma que estoy haciendo o en el papel básicamente. Asegúrate de haber extendido uniformemente el agua. La mejor manera de hacerlo es simplemente ir a la izquierda y a la derecha en la misma dirección y levantar cualquier exceso de agua que esté en su papel. Ahora, limpio mi pincel por completo y voy a tomar mi color índigo. Puedes usar cualquier color aquí mismo, puedes usar cualquier color. Estoy tomando mi color índigo y como pueden ver, es mucho más grueso. Hay más pintura que agua en mi pincel. Es bonito y grueso, y verás una diferencia completa cuando lo aplique en mi papel. Sólo voy a mojar ligeramente mi pintura, añadir un poco de agua para que sea un poco más delgada porque era demasiado gruesa. Después de hacerlo un poco más delgado, voy a seguir adelante y hacer la misma montaña que lo hice en la sección anterior. Aquí, se ve una gran diferencia. Mi pintura está conservando la forma que quiero que tenga. Seguro que se está mezclando con el fondo, pero sigue conservando la forma mucho más en comparación con la anterior. Esa es exactamente la diferencia que sucede cuando agregas menos agua a tu mezcla de pintura. Lo mágico vendrá cuando ponga en las ramas, lo prometo. Cuando estoy levantando mi pintura y hago las mismas ramas que yo en la anterior aquí, las pinceladas son más controladas, están más informadas. Te mostraré exactamente lo que quiero decir con eso. Se mezcla porque el papel está mojado, sí se mezcla, se extiende ligeramente, se vuelve más ligero, pero conserva la forma mucho más en comparación con la anterior. Digamos que tienes un tema que no está demasiado en segundo plano, pero aún no está en el foco del observador. Es entonces cuando usas esta técnica controlada húmeda sobre húmeda, donde estás agregando la pintura en el papel mojado, pero es más controlada en comparación con la anterior. Puedes usar una combinación de ambas técnicas para tu beneficio. No estoy diciendo que el primero esté equivocado. No está mal. Se puede utilizar en sujetos que están más en el fondo, son más borrosas, no son visibles. Cuando tienes sujetos que en algún lugar del medio suelo digamos, usas esta técnica más controlada. Esto te da una idea más clara de dónde mienten tus sujetos. Cuanto más está en primer plano, es más controlado y si está en el fondo, es más suelto y fluido y va con el agua. La siguiente pequeña técnica divertida de la que quiero hablarles chicos es la técnica de pincel seco. Ahora puedes usar esta técnica para agregar detalles en el agua. Como dije, es una técnica de pincel seco. Es húmedo sobre seco. Esta técnica es húmeda sobre seca. Solo estoy levantando mi pintura, que sacan cualquier contenido extra de agua y pintura. Cuando lo cepillo a través de mi papel, deja la textura sutil en el papel debido a la textura del papel. Cuando froto mi pincel por él, más partes de la textura en el papel saca la forma y más depresión pero en el papel no toma la pintura y es por eso que tú consigue esta textura rugosa. Puedes usar esta textura para aplicar capas en tu agua y darle tu agua algo de profundidad de los lagos, algo de profundidad sin tener que agregar muchos detalles. Simplemente agrega un poco de textura desigual a tu agua y al suelo puedes usar esta textura en cualquier lugar que quieras en realidad. Pero esta es una pequeña técnica divertida que quería incluir en la que quería incluirtambién que puedes usar en tus obras de arte. Estamos más o menos hecho con los fundamentos de la acuarela. Espero que hayas disfrutado aprendiendo estas pequeñas técnicas. Puedes utilizar estas técnicas de muchas maneras diferentes y en muchos lugares diferentes. Como se puede ver en la técnica húmeda sobre húmeda sin embargo, primero charco que hicimos, se secó para ser como una nube tormentosa. Parece una nube tormentosa. Esa es la mejor parte de la técnica húmeda sobre húmeda. Es muy divertido. Una vez que aprendas a controlar tu agua, es magia lo bien que puedes hacer con la técnica húmeda sobre mojada. Estas son las cuatro técnicas. Tienes el húmedo sobre seco, tienes el mojado-en-húmedo. Tienes el control del agua, eso es muy importante tener en cuenta, así que dale una práctica. No te saltes esta lección. Pruébalo. Intenta mirar imágenes de referencia y ver dónde puedes aplicarlas. Pero eso es más o menos con nuestras técnicas. En la siguiente lección, voy a mostrar cómo puedes usar tu técnica húmeda sobre húmeda y húmeda sobre seca para pintar seis tipos diferentes de cielo. Vamos. 5. Pinta 6 tipos de cielos: Impresionante. Ahora que has aprendido unas técnicas básicas de acuarela, es hora de que aprendamos una de las principales aplicaciones para la técnica mojada sobre mojada, es decir cielos. Los cielos en sí mismos son un tema muy vasto. Pero en esta lección he tratado de cepillar más de seis tipos diferentes de cielos. Estos cielos son muy similares a los que utilizo en mis cuadros también y son muy fáciles de seguir también. Vamos a bucear. He dividido mi papel en seis bloques diferentes, estos son seis cuadrados en los que estaré pintando. Puedes hacerlo en papeles individuales, pequeños papeles de tamaño polarizado, lo que quieras ir. Acabo de dividir mi papel A4 en seis bloques diferentes y te voy a mostrar los seis tipos diferentes de cielos en cada uno de ellos. El primero que quiero mostrarte es un bonito lavado graduado. Esto va por un cielo muy claro donde no hay nubes, es sólo cielo limpio. Para eso solo voy a ir primero adelante y hacer una mezcla de agua y un color azul ultramar. Por aquí estamos haciendo el método wet on dry. Pero eventualmente esto resulta ser un método mojado sobre húmedo porque pongo la capa de agua y luego me sumerjo mi pincel en agua limpia. Sólo voy a mover la pintura hacia abajo en este movimiento de izquierda y derecha. Cada vez que baje verás que baja la intensidad del color. Ahora voy a limpiar mi pincel y usando solo agua limpia voy a mover el pigmento hacia abajo de nuevo, manteniendo mi movimiento izquierdo y derecho atrás. No vayas por todo el lugar. Tiene que ser movimiento izquierdo y derecho para obtener ese efecto de gradiente perfecto. Ese es el efecto que vas a buscar desde el color más claro en la parte inferior o el valor tonal más ligero del color en la parte inferior y luego transitando lentamente a las partes más oscuras del cielo. Éste como dije va por el cielo realmente claro donde solo quieres mostrar el color en el cielo. No hay nubes. No vamos a añadir ningún drama al cielo. Es bonito, lindo, llano cielo pequeño. El siguiente que quiero mostrarte es muy similar a la anterior. Justo en éste estaremos agregando un poco de especia a nuestro cielo. Usando mi pincel talla ocho solo voy a aplicar una capa limpia de agua. Como pueden ver, acabo de ir por todo el lugar pero eventualmente voy en este movimiento de izquierda y derecha para asegurarme de que sea agradable y parejo y asegurarme de que el agua esté distribuida uniformemente. Incluso si vas por todo el lugar eventualmente solo asegúrate de que tu papel esté uniformemente mojado. Ahora voy a cargar mi pincel con algo de azul. Aquí verás la diferencia en el método mojado sobre húmedo sobre seco. El primero estaba mojado sobre seco y bajamos los colores usando agua. Aquí ya he cebado la superficie. Sólo voy en este movimiento de izquierda y derecha. Como se puede ver fue mucho más fácil simplemente mover mi pintura por el cielo con incrustar un mínimo esfuerzo pude simplemente crear esa rejilla en efecto. Puedes elegir lo que sea más fácil para ti, el mojado sobre seco o el mojado sobre mojado. Personalmente prefiero mojarme sobre mojado la mayoría de las veces porque es más fácil y no lleva mucho tiempo. Si piensas que cuando estás bajando el color y si crees que aún está oscuro, entonces simplemente limpias tu pincel y cargas tu pincel con solo agua limpia para mover los pigmentos una vez hecho, obtendrás un lavado claro graduado. Eso es exactamente lo que queremos. Ahora para añadir un poco de drama al cielo sólo voy a seguir adelante y cargar mi pincel con un poco más de pintura esta vez que agua. Sólo voy a crear estos pequeños trazos que vienen del lado izquierdo y derecho. Ahora este cielo se hace mayormente donde tienes un solo color en el cielo y solo tienes versión más oscura de nubes en el cielo. Esto apenas ****** sube un poco tus nubes. Digamos que es bonito cielo azul pero se ve un poco de oscuridad en el cielo con el propio azul no agregando más colores. Solo por el azul le agregas un poco de especia en el drama a tu cielo. Este va a ser el segundo tipo de cielo que pinto. Todo esto se hizo en la técnica húmeda sobre húmeda. Ya que cada vez que quieras agregar nubes en el cielo, quieres asegurarte de que estén utilizando la técnica húmeda sobre húmeda porque tu papel se mantiene húmedo por un periodo de tiempo más largo. Al mismo tiempo te da tiempo para agregar las nubes trabajan en tus mezclas y no tienes que apresurar todo el proceso. Ahora pasemos al tercero, que está agregando nubes al cielo. Este de hecho es uno de mis métodos favoritos en el que agrego nubes porque es tan fácil y le da un acabado muy bonito a las nubes. Es hermoso. He pensado este tipo de nubes antes en mis clases anteriores pero solo quería mostrarte exactamente cómo se hace en esta clase. Sólo voy a seguir adelante y crear como un borsch del color azul que es el azul ultramarino. Usando la técnica mojada sobre húmeda he aplicado fácilmente una capa de este azul por toda la sección cuadrada. Ahora lo más complicado para conseguir tu suave mirada a las nubes es usar un papel de seda. Asegúrate de que estás usando un papel de seda que es bastante delgado. Este es tu papel de seda facial normal, no las toallas de cocina. Estos son mucho más suaves. Puedes enrollarlo en esta forma de tazón y simplemente parar en la sección. Ya que tu papel está mojado seguirá adelante y levantará la pintura del papel. Tendrías estas hermosas nubes que era tan fácil de crear y es tan suave. No hay bordes duros, nada de ese tipo. Es simplemente bonitas nubes puras, simples con solo levantar tus pinturas del papel. Ahora esto es otra vez por hacer cuando tu papel esté todavía mojado y la pintura aún esté mojada. Tienes que ser un poco rápido con eso antes de que tu papel se seque. Eso es si vas a tener estas hermosas nubes. Ahora hay otra forma en la que agrego nubes. Sólo voy a mostrarte que éste es más un acercamiento mojado sobre seco a las nubes. En esta sección solo vas a cargar tu pincel con pintura azul. Voy a dar la vuelta en este movimiento en zigzag y dejando estos pequeños espacios donde quieres que estén tus nubes. Dondequiera que quiera que estén mis nubes sólo voy a seguir adelante y dejar esa zona vacía. Entonces voy a limpiar mi pincel. Sólo voy a limpiar, deshacerme de todo el azul mi pincel y luego darle a mi pincel un enjuague final en la otra pestaña, cargarlo con un poco de agua limpia , borra el exceso de agua. Pero asegúrate de tener un poco de agua y que esté limpia. Entonces solo voy a reactivar la pintura que estaba en esta sección y simplemente ablandar un poco los bordes. Ahora cuando haces eso obtienes este suave look para las nubes. Si crees que tu azul vuelve a ser abrumador, puedes levantarlo con tu papel de tisú que no importa. Pero aquí solo estás ablandando los bordes agregándole un poco de agua. Esta es otra forma en la que agregas nubes y detalles a tus nubes en el cielo. Nuevamente mi favorito es el levantamiento de la técnica. Es mucho más fácil de hacer. Creo que es sólo por un hecho que me gusta trabajar con mojado sobre mojado mientras que me gusta trabajar con mojado sobre seco para las capas de fondo y cosas así. Pero adelante y prueba esto también. Este podría ser tu favorito, te gustaría trabajar con esto, eso son preferencias personales. Vamos a seguir adelante, darle una oportunidad y ver si te gustaría. Puedes agregar colores más oscuros alrededor las nubes solo para que no se vea tan plana y levante las pinturas extra si sientes que el azul es absolador y no eres capaz de ver los blancos en el nubes. Para sacar tu pintura del papel todo lo que necesitas hacer es asegurarte de que tu pincel esté seco y luego levantar la pintura, limpiarla sobre el tejido de nuevo y seguir adelante y hacer eso. Eres como remojarte en la pintura húmeda y simplemente secarla en tu papel de seda. Cuando te mueves y levantas tu tinta con tu pincel, agregas más carácter y drama a tu cielo. Como se puede ver las nubes en la cuarta técnica, que es la que acabamos de hacer, es mucho más suave en comparación con la tercera, que se hizo levantando la pintura usando los tejidos. Podemos usar el tercero para nubes más estructuradas, y la cuarta para una mirada más suave. Ahora, el cielo de adelante del que les voy a hablar chicos se trata más de mezclar diferentes colores en el cielo. La mayoría de las veces en puestas de sol usamos colores como el amarillo, pero también usamos azul. Cuando usamos estos dos colores juntos, muchas de las veces muchas de mis alumnos terminan mezclando verde, y ese no es uno de los colores favorables a tener en el cielo. En esta sección, voy a enseñar cómo evitar que te pongas verde en tu cielo y cómo conseguir ese hermoso aspecto de cielo. De nuevo, estamos usando la técnica húmeda sobre húmeda. Adelante, aplica una capa de agua uniformemente extiéndala hacia fuera, y luego carga tu pincel con algo de amarillo. Ve en este movimiento izquierdo y derecho y aplica el amarillo. Asegúrate de que siempre estás empezando con los valores tonales más claros de tu color, y luego sumas lentamente tus colores una vez que tengas todas tus pinturas en su lugar. Fui adelante sumé el amarillo, luego he añadido naranja por encima de él. Desde arriba, voy a mezclar y derribar un poco de índigo. Entonces cuando traje aquí el índigo, quiero parar ahí mismo. No quiero derribarlo más, lo contrario, hará un color fangoso. Aquí vas a limpiar tu pincel, darle un enjuague final, borra el exceso de pintura, y luego poco a poco intenta bajar tu color y encajarlo en todos esos espacios blancos que te quedaste con el amarillo, naranja. Dondequiera que tengas el espacio en blanco, solo estás llenando de color índigo. Cuando haces eso, ves que no estás mezclando los colores, solo estás colocando los colores. Eso es exactamente lo que quieres hacer. Ahora, una vez que tengo la idea de a dónde van mis colores, puedo seguir adelante y aumentar la vitalidad, lo que significa agregar colores más contrastantes y añadir más pigmentos en la mezcla y que sea agradable y vibrante. Adelante, agrega el amarillo en la parte inferior, luego limpia tu pincel. Toma tu tono naranja y agrega el color naranja. En este movimiento izquierdo y derecho añadir en mezcla de amarillo y naranja juntos. En esa pequeña sección donde ponemos la naranja antes, adelante y usa el trazo izquierdo y derecho y lo agregamos ahí también. Ahora, una vez que estés contento con donde se ha trazado la naranja, puedes limpiar completamente tu pincel y tomar tu tono índigo, derribarlo, parar ahí mismo. Limpia tu pincel, aclara todo el índigo, y luego dale un enjuague final en tu otro frasco de agua , elimina cualquier exceso de pintura que puedas tener. Después muévalo hacia abajo, disminuyendo lentamente la consistencia de tu pintura. Poco a poco disminuirlo y encajarlo en los pequeños espacios blancos que te quedaron. Esto es todo. Así es como agregas diferentes colores en tu cielo, y así es como tratas de evitar la mezcla de colores fangosos en el cielo. Tienes que ser un poco cuidadoso, eso es lo único. Esto es todo. Cuando mueves tus colores alrededor, esto es lo que va a mirar el cielo . En lugar de ponerlo todo plano, me fui en este movimiento diagonal para mi índigo también, que no se vea como el índigo es solo recto plano en ese movimiento izquierdo y derecho y mi amarillo y el naranja es simplemente muy bien bailando. Acabo de moverla por ahí. Eventualmente, todos se extenderán y se secarán incluso debido a la técnica húmeda sobre húmeda. Pero te dan el cuelgue de ella. Vamos a seguir adelante al tipo final de cielo que hoy quiero mostrarles chicos. Este es muy similar al primero. No, no el primero, el anterior. Es muy similar a eso. La única diferencia aquí es que vamos a sumar nubes en el cielo y darle más definición. Haz el mismo proceso. Repite el mismo paso que lo hizo en el anterior. En primer lugar, mojamos toda nuestra área, preparamos el lienzo o preparamos el papel. Adelante, agrega el amarillo, luego agrega naranja, y luego baja el índigo. Ahora aquí estoy creando una mezcla de azul ultramarino y el tono índigo juntos, solo para conseguir un bonito color azul prusiano. Después limpia tu pincel, elimina el exceso. Simplemente usando un lavado ligero y un pincel Lauder, mueve los colores hacia abajo muy ligeramente sin mezclar ningún greens y cielo con cuidado, y ya estás listo. Ahora que tus colores están en su lugar, puedes seguir adelante y añadir tus tonos vibrantes del mismo color. Nuevamente, más pigmento esta vez, amarillo más oscuro, naranja más vibrante lo mueven en el movimiento izquierdo y derecho. Ten cuidado dondequiera que el azul ya esté ahí, no quieres hacer nada verde. Entonces adelante y toma tu azul, tráelo desde arriba. Detente a mitad de camino, limpia tu cepillo. Esta vez, de nuevo, me estoy moviendo diagonalmente sólo para darle ese carácter. Como dije, carácter diagonal que hemos hecho con el amarillo y el naranja y por eso quería seguir adelante y hacer eso también con el azul. Aquí se puede ver, he terminado con cómo se ve el cielo. Aquí, vamos a sumar nubes. Para las nubes, voy a usar un color marrón para dondequiera que estén mis colores más cálidos. El amarillo y con naranjas, voy a estar usando color marrón para eso. Para el anterior que agregará más color grisáceo apagado. Sólo voy a seguir adelante carga mi pincel con alguna siena quemada. Usando este color de siena quemada, voy a asegurarme de que la consistencia de mi pintura sea gruesa. Recuerde, el agua controlada. Debe ser grueso para que no se propague como loco. Tu nube debe conservar su sombra. Deberían parecer nubes en lugar de extenderse por todo el lugar, y por eso importa el grosor de la pintura. Asegúrate de que no esté muy suelto y no tenga mucha agua. Entonces aquí, solo estoy tocando desde el movimiento izquierdo y derecho. No te preocupes realmente no estás haciendo nada extraordinario, solo estás tocando la pintura de izquierda y derecha y liberando, levantando tu pincel y obtendrás estas nubes. Ahora el agua va a hacer la mayor parte de su trabajo aquí, va a esparcir la pintura y darle una buena mezcla. Todo lo que tienes que hacer y enfocarte es poner y tocar tu pintura. Ahora por el color gris, solo estoy mezclando amarillo con el color índigo con un poquito de marrón. Tengo mi índigo, es decir, el color azul que tenía índigo y azul ultramar. Estoy mezclando eso con un poco de marrón y amarillo y obtengo este color gris apagado. Ese es el color que quiero usar para las nubes que están en la sección azul. Usando este color gris, voy a seguir adelante y volver a agregar las nubes en ese movimiento izquierdo y derecho, movimiento zigzag, y simplemente moverlo alrededor. Mezcle ligeramente algunas de las nubes con las marrones también. Cuando hagas esto, de nuevo, asegúrate de que la consistencia sea mucho más gruesa en comparación con tu consistencia de pintura para la capa de fondo. Cuando hagas esto, el agua va a hacer su trabajo. Se va a mezclar los colores hacia fuera para ti, se extenderá en el cielo y tendrás estas hermosas nubes. Creo que esta es una de las formas más fáciles en que puedes trabajar y crear tus efectos en la nube. Nuevamente, esta es una de mis formas favoritas en las que hago lo que hago. Yo hago y aplico este método y casi todas mis pinturas de acuarela, y así es como lo hago. Eso ha funcionado perfectamente bien para mí. Se trata de cómo controlas el agua. Como dije, y es muy similar al segundo paso. En el segundo paso, todo lo que hicimos fue trabajar con un solo color y en el sexto, trabajamos con muchos colores diferentes. Esa es la única diferencia. Las formas en que se agregan las nubes siguen siendo las mismas de izquierda y derecha y solo estás liberando cuando llegas al medio, y así es como se hace y es así como se agrega las nubes. Como se puede ver en la parte inferior izquierda, mi nube no ha salido bien. Déjame decirte por qué sucede eso. Eso pasa porque dondequiera que aplique las nubes en la esquina izquierda, el papel allí estaba seco, estaba ligeramente seco. Debido a eso casi se convirtió en un método húmedo sobre seco y por eso, solo tenía estos bordes duros que no queríamos. Solo estoy tratando de arreglarlo humedeciendo ligeramente los bordes y mezclándolo con el amarillo, para que no se vea tan incómodo como lo hacía antes simplemente parado ahí como si no signiera nada. Eso es todo. Terminamos con los seis tipos diferentes de cielos. Como se puede ver, practicamos casi seis importantes. El cielo degradado, ahí agregamos algunos colores más oscuros con un solo color, levantamos algunas pinturas para crear nubes, hicimos el método wet on dry. Creamos dos mezclas diferentes en el cielo, una sin nubes y otra con nubes, y las seis son muy bonitas. Puedes usar cualquiera de estos que quieras en tus cuadros. Entendamos nuestros elementos de primer plano en la próxima lección. 6. Elemento de primer plano: ramas y hojas: Impresionante. Ahora que hemos cubierto nuestros cielos, es hora de que pintemos las cosas que vemos en primer plano. Para esta lección he decidido que el elemento de primer plano sean los árboles y las ramas. A menudo consigo preguntas sobre cómo hago mis árboles y mis hojas, y las ramas se ven tan realistas. En esta lección, quiero compartir mi pequeño secreto contigo. Empecemos. Lo primero que quiero mostrarles son algunos de los ejemplos de mis elementos de primer plano. Aquí están algunas de las pinturas que he hecho en el pasado. Se puede ver que acabo haciendo estos árboles y ramas y hojas de diferentes tipos y solo trato de experimentar. A veces hago estas flores silvestres, por lo que en su mayoría son sólo re-creación de lo que veo en la imagen de referencia. Cualquiera que sea la estructura del elemento de primer plano está en mis cuadros de referencia. Estos son solo algunos de los ejemplos. La categoría de mi elemento de primer plano acaba de seguir y seguir. Puedes encontrar más al respecto en mi Instagram. Pero en estas pinturas, una cosa que sigue siendo común o importante es el control del pincel. Es muy importante conocer tus pinceles. Es importante conocer las capacidades de tus pinceles y de qué son capaces. Yo uso los pinceles de terciopelo negro plateado en talla ocho, cuatro y dos. Solo te voy a mostrar algunas de las técnicas de control de pinceles que me gusta seguir antes de seguir adelante y hacer cualquier pintura, y esto te ayudará a entender mucho mejor tus pinceles. Es importante conocer tus pinceles. Es importante, como dije, conocer sus capacidades. Quieres seleccionar un pincel que llegue a un consejo realmente fino. Esa es una de las cosas más importantes a buscar en un pincel. Si no llega a una punta fina, no podrás obtener trazos delgados con un pincel de tamaño normal, como un pincel de talla cuatro. No serías capaz de conseguir un golpe delgado. Eso está completamente bien. No está mal. Está bien. Pero la única diferencia vendría que tendrás que cambiar entre tus pinceles. Te voy a mostrar dos cepillos redondos diferentes. El negro va a llegar a una punta realmente fina, y la marrón no es tan puntiaguda en la punta. Es mucho más redondo al final tal como se puede ver, mientras que el negro llega a un consejo realmente fino. Solo te voy a mostrar cómo funcionan ambos cuando intentas trabajar con el control de pinceles, otra vez. Si no eres capaz de obtener una punta fina, puedes cambiar tu pincel, puedes cambiar tu pincel y usar un pincel talla cero en su lugar. La idea aquí es simplemente practicar cómo controlar tu pincel. Una cosa a tener en cuenta es cómo sujetas tu pincel. Sostén tu pincel justo en el [inaudible] que te dará un buen agarre en el cepillo y asegúrate de que también estás descansando el brazo sobre el papel. Como se puede ver, cuando aplico más presión sobre el pincel, obtengo líneas realmente gruesas y a medida que disminuyo la presión sobre mi pincel, me da un trazo medio y a medida que lo disminuyo aún más, obtengo una muy ligera accidente cerebrovascular. Me encanta probar diferentes pinceles y ver de qué son capaces. Ahora, el primero que probamos con un pincel talla cuatro, y ahora vamos a probar un pincel de la misma talla cuatro, pero esta vez no es un consejo fino. Como pueden ver, más presión aplico obtengo una línea gruesa, ya que disminuyo la presión, sigo obteniendo una línea que es gruesa. Por supuesto, es más delgado que la presión máxima que aplico sobre el pincel, pero no es tan delgada como la que hicimos con antes. Esto es lo que sucede cuando seleccionas un pincel. Ahora, el negro llega a un consejo fino, y eso nos ayudó a obtener trazos realmente delgados. Generalmente, solo uso el mismo tamaño cuatro pincel para conseguir mis ramas más gruesas, ramas más delgadas, hojas y todo eso, para que no tenga que seguir cambiando entre el pincel. Pero si tienes un pincel que no te dé líneas delgadas no te preocupes, solo puedes usar un pincel talla cero. Recoge un pincel de talla cero y estás listo para ir. Adelante, prueba diferentes pinceles, mira qué pincel en tu set te dará el trazo perfecto donde obtienes líneas más gruesas y líneas más delgadas. Probemos un pincel más. Este pincel de terciopelo negro que he tomado, cargarlo con algún color sepia en el pincel y esta es la presión máxima que aplico. Si aplico presión máxima en mi pincel, obtengo una línea realmente gruesa. Ahora como se puede ver, ya que mi pintura estaba más seca, me estaba consiguiendo esta técnica de pincel seco, pero añada un poco de agua para que sea agradable y suelta para que consigas buenas líneas. Esa es la línea más gruesa y a medida que disminuyo la presión, ya que sigo disminuyendo la presión, las líneas se vuelven mucho más delgadas. Soy capaz de conseguir estos trazos realmente delgados con un pincel tamaño ocho en sí. Adelante, trabaja en la presión que aplicas en tu pincel porque realmente te ayudará a conseguir buenas hojas y ramas. Una vez que descubras cómo trabajar con diferentes presiones, podrás pasar de una presión más gruesa a una presión más delgada. Ahora aprendamos nuestras ramas y los árboles y los elementos que estamos aquí para aprender. Ahora, cuando empiezo a pintar una rama, participo desde cualquiera de los lados. Puedes empezar desde cualquier lado. Se empieza a ser grueso y luego se vuelve más delgado, y luego tienes estas mini-ramas saliendo de ella y todas son más delgadas. Nuevamente, presta atención que cuando una rama va hacia arriba, entonces las subramas irán hacia arriba. Si una rama va hacia abajo, subramas irán hacia abajo. Por supuesto estarán en ángulo, pero aún enfrentarán la dirección en la que se supone que van. Por aquí, empiezo con un trazo grueso y luego disminuyo lentamente la presión que estoy aplicando sobre mi pincel. Cuando eso sucede, creo esta transición entre el trazo grueso al trazo delgado, y parece una rama que se adelgaza y tiene estas ramas más pequeñas saliendo, por lo que es realmente importante. Nuevamente, como dije, las ramas sólo se moverán en la misma dirección que va la rama principal, no irá en el lado opuesto o es más preferible tenerlo en la misma dirección en mi opinión, y me gusta trabajarla así. Como se puede ver, estarán en ángulo, pero todos van hacia abajo, así que trabaja en la presión que estás aplicando. Empiezas con la presión gruesa o más presión y luego disminuyes ligeramente la presión. Aquí, te voy a mostrar uno, que va hacia arriba. Empiezo con una presión espesa, luego disminuir lentamente la presión y sacar estas pequeñas ramas en diferentes lados. Como se puede ver, todos van a ser mucho más delgados en comparación con la rama principal de la que están saliendo. Puedes probar esto un par de veces. Ahora, lo siguiente de lo que quiero hablar es agregar hojas. Hay muchos tipos diferentes de hojas que puedes agregar en tu rama. Acabo de seguir adelante rápidamente e hice una rama, y el primer tipo de hoja que te voy a mostrar es este punto que me gusta hacer. Es como hojas punteadas. Simplemente creando un racimo de puntos de diferentes tamaños juntos, y juntos formarán la ilusión de hojas. No estás aplicando tanta presión, solo estoy haciendo puntos de diferentes tamaños. Algunos de ellos que estoy aplicando son sólo digamos tocar ligeramente mi papel con, y algunos de ellos solo estoy aplicando un poco de presión. Eso es. Sólo vas a seguir adelante y hacer eso y obtienes estas hermosas hojas agrupadas juntas. Probemos con otro. Rápidamente voy a hacer sólo una rama principal y unas sub-ramas, y en este tipo de hoja, realidad estoy haciendo estas líneas. En lugar de hacer puntos, estoy haciendo estas líneas, y estoy tratando de hacerlas de una manera que, digamos, es un tallo y tiene hojas a su alrededor. Esa es la idea básica. Como se puede ver, las ramas que hice primero, sólo voy a sumar en estas líneas lugar de puntos como las hojas. Esto se convierte en otro tipo de hoja que puedes agregar en tus ramas. Creo que éste es tan bonito. Recientemente descubrí cómo hacer esto. Me he estado volviendo loco por este tipo de hojas porque son mucho más fáciles y solo están haciendo líneas. Se ve tan bonito, agrega tanto detalle a tu árbol o a tu rama con esfuerzos muy mínimos, lo cual es simplemente genial. Ahora, probemos otro. Rápidamente solo esboza una rama hacia fuera, puedes hacerlo en cualquier dirección, y por aquí, lo que estoy tratando de mostrarte es el tamaño de los puntos que haces. Si quieres mostrar una vista más cercana de las hojas, tus puntos van a ser más grandes. Si el árbol está mucho más a la distancia, tendrás que disminuir ligeramente el tamaño de los puntos que haces para que los hagas aún más pequeños. Estoy usando mi pincel talla 4, puedes usar un pincel talla 0 también puedes usar un pincel talla 0si no obtienes líneas delgadas con un pincel talla 4. Recuerda, es importante enfocarte más en el tipo de puntos que estás obteniendo con un pincel más que en el tamaño del pincel. No es importante tener un pincel de talla 0 en sí o algo así. Es importante tener un pincel que te dé los puntos que necesitas. Ahora, déjame mostrarte otro ejemplo donde las hojas están mucho más cerca del observador. Aquí, estoy haciendo puntos aún más grandes. Es casi como esparcir los puntos. Este muestra un árbol más lleno, sobre todo en forma de silueta. Muestra un árbol más lleno, más denso y más denso, y solo vas a seguir adelante y rellenar estos puntos así. Después arrastra tu pincel y luego haz algunos puntos a su alrededor, y esto nos da una ilusión de que estamos muy cerca del árbol y el árbol es bonito y verde y lleno. Ahora, puedes seguir adelante y añadir unas ramas extra y hacer estas ramas entre ellas para que no se vea tan desprendido del árbol, solo para darle un bonito look general completo. Ahora, el siguiente tipo de árbol del que quiero hablarles chicos es un árbol más parecido al que usan o muestran durante la temporada invernal o cuando no hay muchas hojas en su árbol. Tienes estas ramas extremadamente parecidas a ramitas, no son muy gruesas, no son muy grandes. Son estructura muy parecida a ramitas. Cuando haces estas subramas ligeras de eso, solo estás agregando un par de puntos alrededor del árbol para darle el aspecto o la ilusión de hojas, así que solo una pareja. No lo vas a agregar por todas partes, solo vas a sumar algunas de ellas en las sucursales. Ahora, esto se puede ver es un arbusto. No es exactamente un árbol, es un arbusto. Es sólo una estructura, aún no ha florecido. No es verde, no es intenso. Apenas unos puntitos, entonces te daré la ilusión. Estoy seguro que eres capaz de aprender muchos tipos diferentes de trazos con los que puedes jugar. El siguiente que quiero mostrarte es una hoja. Es muy similar a la que está en el medio, donde agregamos líneas, esas líneas trazos. Pero aquí, vamos a estar usando mi pincel con un punto no muy agudo. Quiero usar un pincel con un punto no muy afilado porque me dará los trazos con bordes muy redondeados. Como se puede ver, sea cual sea lo que estemos recibiendo, son más redondos al borde. No son afilados y puntiagudos. Si quieres ir por un árbol que tenga hojas que son muy circulares, puedes usar un pincel que te ayude a lograr ese look. Aquí no hay pincel perfecto, cada pincel se puede utilizar de su propia manera única y hermosa. Aquí, uso el pincel redondo para obtener hojas más redondeadas, y eso es más o menos todo. Estas son las formas en que creo mis diferentes elementos arbóreos del primer plano. Obviamente puedes seguir adelante jugar un poco más con tus pinceles, probar diferentes hojas, probar diferentes estructuras, practicar las ramas, practicar el control del pincel. No es que este paso no sea crucial. Este paso es crucial porque realmente te ayuda a entender tus pinceles. Una vez que entiendes tus suministros de arte, tus materiales, siento que sabes exactamente qué hacer con ellos y cómo hacer una pintura con ellos. Ya hemos terminado con él. Espero que hayan disfrutado esta lección, y sigamos adelante y pintemos las reflexiones sobre el agua en la próxima lección. 7. Reflexión sobre el movimiento del cuerpo de agua: [ MÚSICA] Hemos cubierto cielos, hemos cubierto elementos del primer plano, y para esta clase, necesitamos saber pintar reflejos. estamos pintando un paisaje de lago Después de todoestamos pintando un paisaje de lagopara nuestro proyecto de clase. En esta lección, quiero hablarles dos tipos diferentes de reflexiones. El primero es la reflexión sobre un cuerpo de agua en movimiento y el segundo es reflexión sobre un cuerpo de agua todavía. Ambas reflexiones tienen dos tipos diferentes de técnicas y pasos involucrados. En esta lección, voy a cepillar sobre todos y cada uno de los pasos que necesites saber. Después del final de esta lección, podrás identificar fácilmente estos dos tipos diferentes de reflexiones en tus diferentes estructuras. Vámonos. El primer tipo de reflexión que vamos a pintar es la reflexión sobre un cuerpo de agua en movimiento, lo que significa, digamos, tienes un lago o un río en el que el agua tiene algunos movimientos, lo que significa que tiene algunas ondulaciones y eso es exactamente lo que vamos a aprender a pintar hoy con pasos muy fáciles. Lo primero que debes hacer es dividir tu papel en dos mitades. El de arriba va a ser la porción del cielo y la de abajo que va a ser lo que se refleje en el agua, así que básicamente, su sección de agua. Usando mi pincel plano, solo voy a aplicar una capa clara de agua en toda la zona. No importa que sea el área por encima de la línea del horizonte o por debajo de la línea del horizonte, solo vas a aplicar agua en toda la superficie de tu área de pintura. Asegúrate de haber aplicado uniformemente el agua. Asegúrate de no tener charcos de agua en diferentes lugares, quieres que se extienda uniformemente. Ahora usando mi color amarillo cadmio, voy a seguir adelante y aplicar el color amarillo en este movimiento izquierdo y derecho. Es muy similar al quinto tipo de cielo que pintamos. Eso es exactamente lo que vamos a hacer. Ahora después del amarillo, vas a seguir adelante y sumar la naranja desde el lado izquierdo y derecho. Estoy usando la sombra llamada pico dorado. En la parte superior, tengo una mezcla de índigo y azul ultramarino. También puedes usar tu color azul persa. Sea lo que sea que tengas contigo, solo usa eso y mézclalo. Cuando lo derribas asegúrate de que estás haciendo muy ligero el valor total del azul para que no forme ningún verde. Hemos aprendido todos los pasos, solo estamos aplicando ese paso en una pintura real ahora. Nuevamente, ahora que tengo mis colores en su lugar, puedo seguir adelante y sumar los tonos vibrantes del mismo color. Primero tengo el amarillo, luego tengo la naranja. Traeré la naranja del lado izquierdo y derecho. Quiero que la porción central sea más amarilla y los lados sean anaranjados, y esa es la idea y la mirada que voy a buscar. Entonces tengo el azul en la parte superior mezclándose con la naranja sin crear ningún verde en el cielo. Asegúrate de que eso sea lo único que tienes que tener cuidado. Aparte de eso, solo sigue adelante y juega con tus colores. No es un problema. Ahora, una vez que hayas terminado con el cielo tienes que hacer el reflejo del cielo en tu área de agua. Ahora en caso de que estés viviendo en un lugar muy cálido, si las temperaturas son altas tu papel se va a secar, pero no te preocupes. Simplemente puedes aplicar agua de manera uniforme en el área del agua o en el medio inferior también. Entonces, cualesquiera que sean los pasos que hicisteis por el cielo, solo lo vas a repetir solo en la forma invertida. Tienes el amarillo, entonces tienes la naranja, luego tienes el azul. Lo que sea que hicieras en el cielo, solo vas a hacer eso para reflexionar sobre el agua. Sea cual sea el color del cielo, el agua se ve exactamente así. Refleja los colores del cielo y eso es exactamente lo que estamos haciendo. Añadimos azul. Ahora azul va a ser el fondo, [inaudible]. Va a ser invertida. Entendes mi idea. El amarillo estará tocando el amarillo y naranja estarán tocando la parte naranja en el cielo. Sólo va a ser invertida. Vas a pintar el cielo de la misma manera que lo hiciste. Vas a pintar el agua en realidad de la misma manera que pintaste el cielo y tratar de conseguir los colores en su lugar. Está bien si no se ve perfecto. Está bien. Solo queremos que los colores del cielo se vean en el agua, principalmente. Ahí es donde va a estar el foco. Ahora en este tipo de reflexión, solo voy a enfocarme en mi capa de fondo y en una capa media borrosa. Mi capa media va a ser borrosa, no va a ser realmente afilada. Ahora sólo voy a añadir la capa media. La capa de fondo era para el agua y el cielo y la capa media va a ser para las montañas y las ondulaciones que veo en el cielo. Sólo estoy mezclando mi color de umber quemado por aquí. Usando una consistencia más gruesa del umber quemado, solo estoy tocando esta forma de una montaña o un arbusto, digamos, como quieras llamarlo. Sólo estás haciendo la forma de estos árboles o montañas, como quieras llamarlo de nuevo. Estás haciendo esa forma y estás aplicando una capa de umber quemado. Ahora una vez que hayas terminado con eso, solo vas a tomar tu color sepia y volver a aplicarlo. Ahora, estamos usando los dos colores juntos porque quiero mostrar un resplandor en esto, lo que sea que esté en la línea del horizonte, digamos, un racimo de árboles o un bosque, lo que quieras ver. Están muy cerca el uno del otro. Quiero crear ese resplandor que muestre también las partes más claras de los árboles, que es el umbre quemado, y las partes más oscuras que se muestran por el color sepia. Ahora de nuevo, lo que esté por encima de la línea del horizonte se refleja por debajo de la línea del horizonte. Nuevamente, usando una consistencia espesa del color umber quemado, vas a seguir adelante y simplemente hacer los mismos trazos que lo hiciste por encima de la línea del horizonte para crear el reflejo. Eso es lo único. Ahora, ¿puedes ver que es una inversión de la misma estructura que hice? De nuevo, vas a seguir adelante y tomar tu color sepia y añadir en tu color sepia solo para crear las partes más oscuras del reflejo. Nuevamente, su pigmento necesita ser controlado. Tu control del agua que aprendimos al inicio de esta clase juega un papel muy importante. Si agregas demasiada agua a tu mezcla de pintura, se va a esparcir por todas partes y no se va a controlar y no vas a obtener la misma forma. Pero si usas una consistencia espesa, usas una versión más controlada, entonces obtendrás fácilmente la estructura que estoy haciendo aquí mismo. Ahora quiero crear la separación entre la línea del horizonte y el agua. Para eso estoy secando mi pincel y levantando la pintura mientras todavía está mojada para crear esta línea. Cuando hago eso, simplemente crea muy bien una separación. Ahora, lo siguiente que estoy haciendo es solo hacer estos trazos horizontales en la pintura que ya tenía. Mi pincel está limpio. Sólo estoy moviendo la pintura que ya está en el papel y voy a crear esta ondulación, que demuestra que es un cuerpo de agua en movimiento. Por eso es desigual. Se está moviendo. Para hacer las ondulaciones en el agua, acabo de mezclar el azul y los marrones y tengo este color apagado. Estoy haciendo estas líneas en esta forma curva, y estoy aplicando más presión aquí. Nuevamente, el control del pincel juega un papel importante cuando se sabe cuánta presión aplicar. Dado que esta zona está más cerca del observador, las ondulaciones que ve el observador van a ser mucho más grandes en comparación con la que nos movemos hacia la línea del horizonte. Ahora a medida que me acerco a la línea del horizonte, estoy desacelerando yendo a disminuir la presión. Voy a disminuir la presión sobre mi pincel y conseguir líneas más delgadas. Aquí estoy usando mi tono marrón, que era el umber quemado mezclado con un poco de color sepia. Usando ese color, estoy creando las ondulaciones. Como se puede ver, son mucho más delgadas, son mucho más pequeñas en comparación con las que hice en la zona azul que estaba más cerca del observador. Ahora, estaremos usando el mismo concepto en nuestro proyecto de clase. Esto realmente forma un ejercicio realmente divertido para que hagas antes de seguir adelante y hacer o pintar tu proyecto de clase. Simplemente adelante, agrega un poco de dibujos más oscuros en tus ondulaciones, haz más ondulaciones alrededor de las principales que dispones primero para que añadas en más estructura a estas ondulaciones. Nuevamente, el control sobre la mezcla de pintura es importante, asegúrate de que no tenga mucha agua. De lo contrario, sólo va a extenderse por todas partes y no obtendrás las ondulaciones deseadas que realmente estás buscando. Recuerda, el control sobre tu mezcla de pintura es muy importante y crucial a la hora de pintar ondulaciones. El dimensionamiento de las ondulaciones también juega un papel muy importante. Va a ser más grande cuando esté más cerca, va a ser más pequeño cuando esté lejos del observador y va a ser más controlado y ligero. Eso es más o menos para las ondulaciones. Esta es una de las formas más fáciles en las que vamos a estar agregando ondulaciones en nuestro proyecto de clase. No es difícil, es un método muy simple en el que hacemos eso. Aquí, estábamos tratando de mostrar o lograr un cuerpo en movimiento de agua o un cuerpo que tenga ondulaciones y tratar de hacer la reflexión a partir de eso. En la siguiente lección, te voy a mostrar cómo hacer una reflexión sobre un cuerpo de agua quieta. 8. Reflexión sobre el cuerpo muerto de agua: [ MÚSICA] Pintemos nuestra reflexión sobre un cuerpo inmóvil de agua. Siempre que no hay movimiento en los cuerpos de agua, el reflejo es muy nítido. Está un poco borrosa pero sigue siendo muy agradable y crujiente. Por lo que no hay movimiento en la reflexión, por lo que lo que está por encima del agua, por encima del suelo se va a reflejar como está en el agua. Empecemos a pintar eso. Sólo voy a seguir adelante hacer las técnicas mojadas sobre mojadas, así que estoy mojando todo mi papel. Al igual que el o simplemente como los pasos que hicimos por pintar el cielo y el agua en el anterior vamos a hacer eso antes de las ondulaciones. Primero he agregado el amarillo, y luego voy a añadir el naranja a su alrededor y luego pasar al azul, por lo que los colores van a seguir siendo los mismos, tan amarillo, naranja, y luego en la parte superior vamos a tener la mezcla de índigo y azul ultramarino o simplemente puedes tomar el azul prusiano también. Entonces usando eso, esa va a ser la parte azul de mi cielo. Voy a aplicar eso desde arriba, derribarlo. Ten cuidado cuando estés mezclando el naranja y el azul porque no queremos crear los colores fangosos en el cielo, así que con cuidado solo mezclando estos dos colores. Ahora que los colores están en su lugar, vamos a seguir adelante y hacer que nuestras pinturas sean más vibrantes. Esto se puede hacer de dos maneras, es lo que estoy tratando de decir. A veces a la gente le gusta ir con el tono más oscuro del color en el propio principio. Para mí me gusta ir primero con los colores más claros y luego agregar en los más oscuros una vez que tenga las cosas en su lugar, porque eso me da más idea sobre qué colores van a verse, cómo van a mirar juntos o cómo debería trabajar en la mezcla, y sólo hace que sea un poco más fácil para mí entender y eso es todo. Me gusta hacerlo en dos pasos y se puede optar por poner la pintura vibrante en primera ir en sí misma, eso es totalmente una preferencia personal. Ahora, una vez que haya terminado con el cielo, he combinado el naranja y el azul juntos para conseguir una linda mezcla en el cielo, voy a repetir el mismo paso en la parte inferior ahora. Ya que hicimos azul antes, si no limpias tu pincel muy bien como lo hice aquí, si no lo limpias bien, podrías obtener un pequeño toque de azul y la pintura se volverá ligeramente verde porque tiene azul. Solo asegúrate de que estás limpiando completamente tu cepillo antes de que vayas a seguir adelante y trabajar entre amarillos y azules. Voy a repetir el mismo paso que hice para que el cielo haga el agua. Sólo voy a tratar de hacer que mis mezclas se vean iguales para que no se vea raro y no parezca que el cielo no coincida con el reflejo del agua. Simplemente intenta emparejar estas dos cosas juntas. Usa los métodos en los que mezclas de la misma manera que lo hiciste para el cielo. Intenta conseguir los mismos golpes en, eso es lo que estoy tratando de decir. Intenta hacer que tu agua se vea igual a la que se ve el cielo. [ MÚSICA] Para conseguir sombras más nítidas y claras, lo que voy a hacer por esta sección, o este tipo de reflexión se descompone aunque composición en fondo, tierra media, y primer plano. No vamos a hacer la parte de primer plano porque la parte de primer plano va a ser sobre sumar los detalles de las hojas y ramas y cosas así, pero por aquí solo quiero mostrarte cómo la parte de tierra media para obtener reflejos nítidos y claros sobre el cuerpo de acero o la foto. Como se puede ver aquí, no he agregado ningún tipo porque no hay movimiento en el agua y está reflejando el cielo como está. Ahora, vamos a esperar a que nuestro papel se seque por completo antes de seguir adelante y pasar al siguiente paso. Ahora que mi papel está completamente seco, voy a seguir adelante y crear mi parte de tierra media, que está sumando los detalles de este pequeño cerro con árboles en él, digamos, y sólo voy a seguir adelante y sólo añadir en estas pequeñas líneas y hacer los detalles. Como puedes ver aquí, te darás cuenta porque es un método húmedo sobre seco, los detalles son los crujientes, son claros. Se puede ver exactamente lo que estoy haciendo en la línea del horizonte comparación con la anterior que hicimos, donde nuestra tierra media estaba más borrosa fuera, fuera de foco, y por aquí está más en foco. Sólo voy a seguir adelante y conocer este pequeño cerro desde el lado izquierdo, y por el lado derecho voy a hacer una rama y sumar unos pequeños detalles de las hojas, así que sólo una rama y luego sumando estos pequeños trazos, porque quiero mostrarte cómo se ve la reflexión de la naturaleza muerta. Básicamente lo que hice aquí es hacer un elemento del primer plano también, y solo quiero mostrarte cómo se ve todo cuando los pones juntos e intentes que se reflejen en un cuerpo inmóvil de foto. Adelante y agrega estos pequeños detalles en la línea del horizonte. [ MÚSICA] Una vez que haya terminado de agregar los detalles en la línea del horizonte, es hora de que pintemos el reflejo. Para esto, voy a usar mi pincel plano. Asegúrate de que estás usando un cepillo más grande por aquí porque se aplicará fácilmente agua en un área más grande. Por aquí sólo voy a hacer cuidadosamente un golpe, y Justo en la parte inferior voy a hacer otro golpe. Asegúrate de que no vas a ir en zigzag, escucha y ahí. Porque estamos pintando con acuarelas se reactivará y se moverá. Sólo tenemos que tratar de aplicar agua de una sola vez, y eso es todo. Eso es lo único que tenemos que hacer. Debido a que la reflexión va a estar en el agua, será borrosa pero no tanto. Deberías poder ver la estructura. Como se puede ver aquí cuando estoy haciendo las líneas, la consistencia de mi pintura es gruesa, y por esto, la pintura no se mueve tanto. Todavía se puede ver la reflexión muy, muy claramente. Sólo voy a tratar conseguir que la deflexión sea exactamente similar a las que están por encima del suelo o por encima de la línea del horizonte. Ahora, ya que aplicamos solo un golpe de agua, hay posibilidades de que el agua se seque rápido, pero no tienes que preocuparte por ello. Ve con pequeñas secciones. Si se seca puedes hacer una swoop o volver a aplicar una capa de agua sobre ella. De cualquier manera hay que trabajar y se puede seguir adelante y hacer lo mismo. Ahora como se puede ver, he tratado de encajar la reflexión para lucir exactamente igual a la de arriba de la línea del horizonte, dejando el pequeño espacio en blanco que forma la separación entre donde está la línea del horizonte, sólo forma una separación. Ahora, si te das cuenta, seguí adelante y añadí un poco de agua en el lado izquierdo porque sentí que estaba seco y si seguía adelante y sumaba el trazo, estaría muy crujiente y claro, y no quiero que sea muy nítido y claro. Quiero que el reflejo tenga la forma, pero quiero que se levante ligeramente, solo un poquito. Puedes agregar una capa bastante delgada de agua, muy poca agua, y podrás lograr este tipo de trazo. Como pueden ver, seguí adelante y terminé esos pequeños cerros y esos árboles, los árboles lejanos, y a continuación te voy a mostrar cómo se agregan también los detalles de la rama. Una vez que terminemos con esto, vamos a seguir adelante y sumar los detalles de la sucursal. Ahora por aquí, tenemos que tener un poco en cuenta en cuanto a cómo hiciste la sucursal. Fui por uno simple que generalmente termino haciendo, así que no fue tan difícil para mí hacer. Pero en caso de que haya posibilidades de que puedas olvidar cómo eran tus ramas y cómo las hiciste, será más fácil si solo las sacas una vez, tanto arriba como hacia abajo para que no lo hagas se pierda la estructura de su sucursal. Nuevamente, si te das cuenta aquí, la consistencia de mi pintura es gruesa por la cual sea cual sea cual sea la forma que esté haciendo, es capaz de retener la forma. Es capaz de estar en ese mismo trazo, pero es sólo un poco desdibujando. Como se puede ver, esta es una forma más controlada de hacer la reflexión sobre un cuerpo de agua todavía. Siempre que tengas cuerpo de agua que aún no estás viendo muchas ondulaciones en el agua, puedes optar por este método de hacer las reflexiones sobre el agua, que creo que es realmente cool. Ambos son realmente simplemente hermosos a su manera. El primero está más suelto y es más fluido y es justo, no hay cuidado en el mundo con él. El otro está bien controlado, nítido, y se pueden ver todos los detalles. Cada uno de estos tienen como una belleza propia y puedes optar por cualquiera de las reflexiones dependiendo de la imagen de referencia que veas. [ MÚSICA] Ambas pinturas ahora están secas y se puede ver claramente la diferencia entre las dos. El izquierdo es más fluido. Tiene strippers y es más calmante, es más como borrosa fuera y fuera de foco imagen e imagen y hemos sido capaces de realmente captar eso. El segundo está más enfocado, pueden ver los elementos por encima y por debajo de la línea del horizonte. El reflejo es muy nítido, podemos ver exactamente la deflexión de los elementos en la línea del horizonte, el árbol y las montañas y todo eso y está muy claro. Puedes usar cualquiera de estos dependiendo de lo que veas en tu imagen de referencia. Ambos son simplemente hermosos a su propia manera dulce. Ahora, hemos aprendido todo lo que necesitamos saber, así que juntemos y recojamos todas estas piezas. Vamos a recogerlos juntos y aplicarlos para pintar un hermoso proyecto de clase en la siguiente lección. [ MÚSICA] 9. Proyecto 1: analizar la imagen y la paleta de colores Ref: [ MUSICA] Impresionante. Hemos cubierto todo lo que necesitamos saber sobre pintar lagos. Ahora vamos a sumergirnos rápidamente en nuestro proyecto de clase. Voy a leer el proyecto de clase en tres partes diferentes. Esta o esta lección va a ser sobre entender la composición de nuestra pintura, decidir la paleta de colores y esbozar nuestros elementos hacia fuera. La siguiente lección o la segunda parte va a ser sobre, pintar el fondo. Estaremos pintando el cielo, estaremos pintando el agua, agregando reflejos y todo eso. La lección después de eso, esa es la tercera parte va a ser sobre pintar los elementos de primer plano. Sin perder más tiempo, comencemos. Lo primero que me gusta hacer cada vez estoy empezando una nueva pintura es pegar mi papel en mi portapapeles los cuatro lados usando mi cinta adhesiva. He tomado todos mis otros insumos así como los que discutimos en las lecciones de materiales. Lo he trazado todo para que esté todo cerca de mí y no tengo que correr por ahí encontrando cosas. El cuadro de la que nos estamos inspirando es esta hermosa puesta de sol. Tienes el hermoso sol amarillo ahí mismo. Entonces tienes los bits anaranjados y lentamente transita hacia el azul. Entonces también tienes las nubes en el cielo. El reflejo exacto está en el agua con estas hermosas ondulaciones que vienen del lado derecho y cada vez más pequeñas en la izquierda y también más ligeras donde está sucediendo la puesta de sol. Entonces tienes estos elementos de primer plano exactamente como los que discutimos en la lección de árboles y elementos. Todo lo que vamos a hacer en esta pintura ya se discutió antes. Ahora, solo vamos a juntar todas las piezas de nuestro rompecabezas y practicar este paisaje final del lago. Lo que voy a hacer es, primero hacer un boceto básico de mi imagen. Lo primero que hay que hacer es tener en su lugar todos sus temas. Como se puede ver, hay una línea de horizonte que separa mi cielo del agua. Eso es exactamente lo que voy a hacer. Voy a usar mi escala y voy a dibujar una línea de horizonte. Ahora, puedes hacer esto a la mitad exacta del papel. Puedes hacer esto dando a tu cielo un poco más de espacio en comparación con el agua, pero sigue siendo casi la mitad. Justo en algún lugar alrededor que puedes usar tu escala y simplemente dibujar una línea muy, muy ligera. No necesita ser oscuro. Apenas se puede ver esa línea que acabo de dibujar. Eso es porque cuando estás pintando con acuarelas, si tus líneas se oscurecen, no podrás borrarlas, lo primero y segundo solo se muestra y no queremos que se muestre. Intenta ser lo más ligero posible. Ahora vamos a esbozar nuestros elementos. Veo estas series de arbusto o árboles en el horizonte. Solo estoy dibujando esta forma irregular de montaña en realidad y estoy haciendo la reflexión exacta sobre el área debajo de la línea del horizonte. El modo en que dibujé el tema sobre el punto se va a reflejar de la misma manera en el agua. Ahora eso es lo único que tiene la broca de reflexión sobre nuestra agua, todo lo demás que ves no es reflexionar sobre el agua y no necesitamos demostrarlo. De nuevo, no tienes que preocuparte mucho por ello. Sólo estoy haciendo este terreno basado en la izquierda y moviéndome hacia la derecha, disminuyendo el tamaño. Entonces sólo voy a hacer en algunas líneas que me mostrarán a dónde va mi rama, mis elementos de primer plano van. No tienes que esbozar todos y todo. Esto es sólo por tu conocimiento personal, solo para entender que cualesquiera elementos van en primer plano, adónde van. Una vez que hayas terminado con el boceto, eso es más o menos. Puedes optar por omitir este paso de agregar estos elementos en primer plano también. No es un problema. A algunas personas les gusta sacar sus ramas, para que puedas hacer eso. Puedes sacar tus ramas si eso es más fácil para ti, pero no es un paso muy obligatorio. Puedes seguir adelante y simplemente hacer un ligero boceto de todo lo que ves en la imagen. Una vez que terminemos con eso, estamos bien para ir y pasar al siguiente paso. El siguiente paso va a ser decidir los colores que debes escoger para el proyecto de clase. Aquí hay una pieza de práctica rápida que hice antes de filmar el proyecto de clase final solo para entender los colores y tenerlo todo en su lugar y ver si en realidad está resultando la forma que quiero. Como se puede ver, para lo más poco, pude agarrar y obtener los colores exactos que veo en la imagen de referencia, tratar de conseguir los elementos y se ven de la manera exacta que veo. Ahora no siempre tiene que verse exactamente igual que su imagen de referencia. Siempre puedes jugar por ahí. Siempre puedes divertirte. Pero me gusta simplemente quedarme por ahí, al menos para que los elementos de primer plano queden con lo que veo. Ahora, hablemos de los colores. Creo que es muy importante tener tus colores escogidos antes de seguir adelante y empezar a pintar. Ahora, ¿qué ves en la foto? Ves que la parte del sol o la parte brillante de la imagen tiene amarillo en ella. Voy a ir por amarillo cadmio. Rápidamente te voy a mostrar una muestra del color amarillo cadmio. Como pueden ver, este es el amarillo que estoy usando. Ahora si no tienes amarillo cadmio, puedes usar cualquier amarillo que sea un poco más cálido. Necesitas un amarillo que no sea demasiado fresco como el amarillo limón. Necesitas un amarillo que sea un poco más cálido. El siguiente tono que veo el cielo es la naranja y estoy usando dorado profundo por White Nights aquí. Ahora de nuevo, puedes ir por tu tono naranja cadmio también. Pero acabo de ir con mi profundo dorado, que creo que es un hermoso color naranja que absolutamente amo y adoro y lo uso en todas mis pinturas. Ahora quiero hablar de las nubes. Para las nubes, voy a usar un color umber quemado. Ahora, la mayoría de las veces usas color umber quemado para hacer las partes más oscuras en primer plano o hacer tierra. Siempre asumirías que ese es el color que eliges, pero también me gusta usar umber quemado en las nubes. Ahora, lo siguiente de lo que quiero hablar es el azul. Para el azul, voy a mezclar mi azul ultramarino y mi tono índigo para conseguir este bonito color azul prusiano. Puedes usar tu color azul prusiano directamente también. Simplemente tonifícalo ligeramente cuando lo estés usando en el cielo, pero también puedes usar tu azul prusiano, o simplemente puedes mezclar azul ultramarino e índigo para conseguir este hermoso tono azul que voy a usar hoy. Hemos descubierto el amarillo, la naranja, las nubes. Entonces descubrimos la parte azul del cielo. Ahora también se ven estas nubes que son de color más neutros, y lo logro simplemente mezclando el marrón y el azul juntos. Simplemente puedo mezclar el marrón y el azul o el naranja y el azul y el amarillo juntos. Al igual que mezclar estos colores juntos en el lado opuesto de las ruedas de color que me dan como una versión silenciada del color. Ese es el color que usaré para las nubes. Me encanta usar este color gris apagado en mis nubes y va muy bien con el color umber quemado, sobre todo cuando estoy haciendo pintura al atardecer. Ese es el color que voy a usar también para esta clase. Ahora, una vez que terminemos con decidir los colores en el cielo, lo siguiente de lo que quiero hablar es el color para el elemento de primer plano. Ahora, muchas veces la gente va directamente por usar el negro en la pintura porque ves que la silueta es de color negro u oscuro y mucho tiempo la opción más fácil es usar el negro. Pero personalmente me gusta usar una versión más oscura de los colores que veo en mi pintura. Si es una foto de puesta del sol, es más cálida. Tiene más sentido si estás usando un color marrón oscuro que hace que la silueta forme parte de tu pintura. De esa manera el negro simplemente no se destaca y no se ve incómodo. Ahora hemos descubierto todos los colores que necesitamos para el cielo. Tenemos el amarillo, naranja, marrón, el azul, el color apagado, y el color sepia marrón. Ahora estaremos usando este color en sí para pintar nuestro proyecto de clase. La mayoría de las pinturas al atardecer tienen un tipo similar de combinación de colores, especialmente las cálidas. Tiene un tipo de paleta de colores muy similar. Pero esta es la que vamos a utilizar hoy en nuestro proyecto de clase. Hemos terminado con la primera parte de nuestro proyecto de clase. En la siguiente lección, vamos a estar pintando el cielo, el agua, y las ondulaciones en el agua. 10. Proyecto 2: pintar el fondo: Empecemos a pintar nuestros antecedentes. Estaré usando mi pincel plano de 2 pulgadas de tamaño, mi tamaño 2, 4, 8, y 12 cepillos redondos para el proyecto de clase. Ahora, el primer paso va a ser mojar nuestro papel y preparar nuestro papel para la técnica húmeda sobre húmeda. Voy a tomar mi pincel de 2 pulgadas de tamaño, sumergirlo en agua, y cuidadosamente solo capa todo el papel con agua. Asegúrate de que lo estás extendiendo uniformemente por todas partes y no estás teniendo charcos de agua en tu papel. Si tu papel está uniformemente mojado, tus resultados van a ser mucho mejores, tu técnica húmeda sobre húmeda va a ser mejor por lo que es muy importante que apliques una capa de agua limpia y clara. Funciona mejor cuando tienes un pincel plano de mayor tamaño porque cubrirá un área más grande con solo unos trazos. La clave aquí es ir en la misma dirección. Puedes ir vertical u horizontalmente, eso depende de ti pero asegúrate de que vas en la misma dirección para extender uniformemente tu papel. Ahora usando mi pincel talla 8, voy a iniciar el proceso de pintura. El primer color en el que quiero pintar es amarillo. Justo en el medio, tengo mi vibrante color amarillo. Usando mi tono amarillo cadmio, lo voy a mezclar en mi paleta, y me estoy asegurando de que mi pintura sea agradable y suelta en consistencia. No quiero que sea gruesa porque esta es la capa de fondo y debe ser fluida. Lo estoy cargando con mi pincel talla 8 y aplicándolo justo en el medio donde el sol es muy intenso o poniéndose. Ahora, ¿cuáles son los otros colores que ves? Ves naranja. En la imagen de referencia, vimos naranja. Usando mi tono dorado profundo, lo estaré mezclando en mi paleta y luego aplicarla desde los lados. Quiero aplicarlo desde los costados porque quiero que la porción media sea amarilla y quiero que sea vibrante. Voy de izquierda a derecha y paro a mitad de camino donde está el amarillo, para que todo esté en su lugar y luego despacio solo mueva hacia arriba. Entonces limpio mi pincel, borro el exceso, y luego me muevo lentamente hacia arriba, no todo el camino. Simplemente detente justo en la mitad del periódico. Ahora lo siguiente que queremos poner en el papel es el color azul. Sólo voy a cargar en algún azul ultramarino, mezclarlo con un poco de índigo y obtendré este bonito color azul que necesito, y voy a empezar a moverlo de arriba a abajo. Cuando pare a mitad de camino donde creo que soy bueno para mezclarme con la naranja, solo dejaré ese espacio en blanco, limpiaré mi pincel, y luego mezclarlo hacia abajo. Cuando estás usando agua limpia para mezclar, no se forma el verde en el cielo, como lo discutimos así que es por eso que estamos siendo muy extra cuidadosos justo en la mezcla de lo naranja y el azul. Ahora que tengo los colores básicos trazados, es hora de que agreguemos en colores más intensos. Vamos a seguir el mismo proceso pero solo intensificamos un poco más el color empezando con el amarillo en el medio, luego tendremos la naranja en este lado, y luego pasaremos al azul. Estoy muy contento con cómo el cielo se ha mezclado aquí mismo. Ahora este siguiente paso va a ser sumar las nubes que vemos. Como discutimos temprano, estaremos usando dos colores para las nubes que se queman umber, y el siguiente es ese color marrón [inaudible] que estamos usando. Primero, estoy mezclando mi color de umber quemado. Como se puede ver, la consistencia del umbre quemado es mucho más gruesa, y de esta manera la pintura se controla más como lo comentamos anteriormente. Ahora solo estamos poniendo en todos los puzles para pintar nuestro proyecto de clase. Ahora voy de este movimiento de izquierda y derecha y haciendo unos pequeños golpes como este, asegúrate de que estás dejando tu porción central donde el sol está un poco vacío porque tendrás que el color de las nubes si lo traes al sol. Pero aparte de eso, solo puedes usar tu color umber quemado. Solo estás haciendo estos pequeños trazos en diagonal, algunos de ellos son más gruesos, algunos de ellos son más delgados. Entonces una vez que hayas terminado con este color, pasaremos a nuestro tono mutante. Es decir mezclando umber quemado y un color azul juntos. Ahora me he sentido como si el sol se estuviera volviendo un poco más ligero. Acabo de poner un poco más amarillo para que se mantenga agradable y vibrante. Ahora, mezclando mi color azul y mi color umber quemado juntos, estaré obteniendo este bonito color apagado que necesito para las nubes, que están más hacia el lado azul de mi cielo. Nuevamente, usando el mismo proceso de tocando en las nubes diagonalmente, estaré haciendo estas nubes en la parte superior y las mezclaré ligeramente con el marrón también para que no luce incómodo de pie en dos colores diferentes y están más mezclados. Sí, adelante y agrega en las nubes. Ahora ya sabes exactamente lo que necesitas hacer porque ya has cubierto esto antes, puedes dejar las nubes como quieras. Si vuelves a mirar la imagen de referencia, es muy importante que estemos pintando lo que vemos. Mira la imagen de referencia y mira cómo se ven las nubes. Puedes cambiar las cosas aquí y allá, he cambiado la estructura de mis nubes porque generalmente termino haciendo que mis nubes se vean así y es más atractivo para mí de esta manera, así puedes seguir adelante y simplemente hacerlo esta manera o hacerlo como ves en la imagen de referencia. Ahora que estoy feliz con mi parte del cielo, voy a seguir adelante y hacer ese arbusto cerca de la línea del horizonte. Cargue su pincel con algún color de umber quemado y luego aplíquelo en la línea del horizonte. Asegúrate de que tu papel aún esté mojado en este momento. Si crees que tu papel se ha secado, entonces solo puedes esperar a que el papel se seque por completo y luego volver a mojar la superficie y luego agregar en tus arbustos cerca del horizonte. Es muy importante que tu papel permanezca húmedo para este proceso. En primer lugar, he puesto el color ámbar quemado y solo estoy haciendo la forma irregular que he visto en la imagen de referencia. Entonces una vez que lo ponga, estaré agregando el color Sepia para formar las partes más oscuras de los objetos cerca de mi línea del horizonte. Al igual que como aprendimos en la parte de reflexión de la clase, el proceso que seguimos va a ser exactamente así, la reflexión sobre el cuerpo en movimiento de las fotos. Ese es el mismo tipo de pasos que estamos solicitando para nuestro proyecto de clase. Adelante y haz en este pequeño arbusto cerca de la línea del horizonte. Ahora, una vez que estés contento con eso, vamos a movernos a nuestro pedacito de agua. Para este momento, lo más probable es que el área de agua que mojáramos antes se hubiera secado. Pero eso está bien, puedes seguir adelante y volver a mojar la superficie usando tu pincel plano. Ten un poco cuidado alrededor de tu línea del horizonte. Está bien si tus pinturas se mezclan , eso está completamente bien. No te preocupes por eso, pero solo sigue adelante y moja toda tu superficie con agua. Ahora lo que vamos a hacer es solo replicar lo que vemos por encima línea del horizonte en el área por debajo de la línea del horizonte también. Usando mi pincel talla 8, voy a seguir adelante y replicar lo que vea arriba en la parte inferior. Empezaremos con el amarillo, y luego siguiendo los mismos pasos que hicimos para nuestra parte del cielo, así que tendremos amarillo, luego tendremos naranja en los lados. Tendremos el azul como está. Ahora, por aquí ya que vamos a estar haciendo ondulaciones, realmente no necesitamos mostrar la estructura exacta de la nube. Está bien si solo obtienes los colores que vemos en el cielo en el agua también. Ahora, una vez que estoy contento con cómo se ven los colores de mi agua, vamos a seguir adelante y replicar el tema de la línea del horizonte. Usando tu umber quemado y pincel talla 8, intenta obtener esa misma forma irregular que ves en la zona que está por encima de tu línea del horizonte. Ahora, que esto sea tan solo como está, agregaremos los tonos más oscuros una vez que agreguemos las ondulaciones en el agua. Ahora, usando mi pincel talla 4, voy a usar la técnica de elevación y levantar la pintura para crear esa separación del área por encima del agua hasta el área que está debajo del agua. Todo lo que tienes que hacer es limpiar tu pincel, asegurarte de que no tenga mucha agua en él y luego simplemente arrastra por la zona que quieras levantar. Entonces eso solo se sumergirá en el agua y eventualmente terminarás con esa línea, que tendrá menos pintura o sin pintura o probablemente solo mostrará el blanco del papel. Ahora, vamos a empezar con las ondulaciones. Para eso solo estoy mezclando mi sombra índigo con un poco de marrón y voy a seguir adelante y añadir en esta ondulación. Ahora, estas ondulaciones son muy similares a las que practicamos antes. Estás poniendo en el rompecabezas para las ondulaciones también. Estoy empezando con las ondulaciones que son mucho más grandes en la parte inferior. A medida que me acerco a la línea del horizonte, voy a hacerlas mucho más delgadas y más pequeñas. El área que está más cerca del observador, quieres asegurarte de que estás tocando un poco más en tu pincel. Después a la zona que está lejos del observador, asegúrate de que tienes una presión realmente ligera aplicada. Sólo vas a seguir adelante y sumar estas ondulaciones. Ahora, comenzarás con tus ondulaciones estando muy alejadas unas de otras, y a medida que te acerques al observador, las harás mucho más cerca unas otras porque son más compacto. Basta con seguir adelante y crear las ondulaciones como hemos hecho antes. Ahora, una vez que estés contento con las pocas onduladas que has añadido, vas a seguir adelante y sumar en cierta intensidad a las mismas ondulaciones y sumar algunas otras ondulaciones a su alrededor también. Los grandes también tendrán algunas pequeñas ondulaciones a su alrededor. Sólo voy a seguir adelante y repetir el proceso de sumar en las ondulaciones hasta que esté contento con cómo se ven las ondulaciones. El proceso es muy similar a los que aprendimos antes. Basta con seguir adelante y añadir en sus ondulaciones. Ahora, una vez que esté contento con cómo se ve todo, voy a seguir adelante y sumar la parte más oscura para mi reflexión. Usando mi pincel talla ocho y nuestro color Sepia, vamos a seguir adelante y sumar los colores más oscuros para el reflejo. Basta con seguir adelante y hacer el mismo tipo de reflexión que se ve por encima de la línea del horizonte en la parte inferior también. Después usando nuestro pincel, estaremos haciendo esas pequeñas manchas en los bordes para que muestren la forma irregular y las ondulaciones en la parte de reflexión también. Para que la parte de reflexión sea un poco más interesante, seguí adelante y añadí un poco del color umber quemado en la punta también. Dondequiera que esté haciendo esas líneas, estoy usando el color umber quemado y mezclando estos dos juntos, igual que cómo mezclamos los dos colores juntos por encima de las líneas del horizonte. Realmente ayuda a agregar en los colores más claros. Ya que el sol está ahí mismo, verás muchas partes claras del sujeto así como en comparación con las partes oscuras. Creo que sumar en el color del umber quemado solo cambia todo. Ahora, usando una mezcla del color umbre quemado y un poco de color sepia, vamos a añadir en las ondulaciones que son de color más claro. Es realmente, realmente diminutas, ondulaciones delgadas, pero cuanto más cálido en color comparado con el índigo y el marrón o la mezcla mutante que creamos antes. Vamos a seguir adelante y añadir las ondulaciones usando este color. A veces puede ser realmente, realmente fácil ir por la borda y ahí es cuando debes mirar la imagen de referencia para que entiendas dónde parar. Creo que he agregado suficientes ondulaciones y sólo voy a parar aquí mismo. Ahora que terminamos con esa capa de fondo, vamos a esperar a que esto se seque por completo antes seguir adelante y pintar un elemento de primer plano. En la siguiente lección, estaremos pintando nuestras ramas y las hojas. 11. Proyecto 3: pintar el primer plano: Ahora que nuestro papel está completamente seco y estoy tan contento con la forma en que se ve nuestro fondo, es hora de que agreguemos elementos de primer plano. Agregar estos elementos de primer plano va a hacer que nuestra pintura realmente se destaque y luzca hermosa. El color que voy a usar es Sepia para los elementos de primer plano, y estaremos usando el mismo tipo de elementos de árbol como ramas y las hojas como aprendimos en la lección de elemento de primer plano. Necesitas tener dos pinceles contigo. Necesitas mantener un pincel talla 4 o una talla 2. Esto es lo que estoy usando mayormente porque quiero un pincel de mayor tamaño para hacer las ramas más grandes y pincel de menor tamaño para hacer los detalles en las hojas. Empecemos justo con nuestros elementos. El primero que voy a hacer es la rama de esquina izquierda. He cargado y tomado mi pincel talla 4 cargado con algo de Sepia. Entonces voy a empezar por hacer primero la sucursal. Como lo hicimos antes de que recuerdes, pintamos primero la rama y luego agregamos las hojas. Esa es una de las formas más fáciles de hacer cualquier combinación de rama y hoja porque te da la estructura básica. Sólo voy a hacer un montón de ramas saliendo del lado izquierdo. Ahora, no tienes que replicar exactamente lo mismo. Solo te vas a inspirar de él, entender cómo se ve, y luego a medida que pintas, puedes hacer algunos cambios. Ahora que tengo mis ramas establecidas, voy a hacer las hojas. Te acuerdas de las hojas que aprendimos donde estábamos haciendo líneas, ese es el estilo que estoy usando para ésta, por lo que esto me da esta ilusión de hojas largas en las ramas. Solo adelante, haz un montón de líneas. Puedes usar un pincel de menor tamaño aquí si quieres. En caso de que sientas que tu pincel más grande no te está dando esas líneas finales, sigue adelante y usa el tamaño 0 o el tamaño uno pincel, donde sea que tu pincel esté básicamente. Aquí solo voy por un pincel talla 4, lo que me da una punta realmente fina, así que soy capaz de ser muchos detalles diferentes con el mismo pincel. Ahora que estableces las ramas principales en caso de que quieras hacer unas cuantas ramitas saliendo del lado izquierdo y derecho, que van a ser tus sub-ramas, puedes seguir adelante y hacer eso como bueno, y luego completa toda tu sección hacia fuera. He colocado el cuadro de práctica justo a mi lado para que te hagas una idea de lo que voy a buscar. Yo quería mantener la imagen principal de referencia también, pero no pude porque era demasiado grande para mi pantalla. Pero he puesto la práctica de la pintura para que solo te pongas una idea. Adelante, sígueme a lo largo o simplemente adelante y haz lo tuyo, agrega en estas ramas desde la esquina izquierda. En el lado de la esquina derecha del cuadro, ves que sólo tenemos una rama que está vacía la cual no tiene ninguna hoja en ella, por lo que vamos a esbozar eso y podemos sacar eso con un pincel. Después en la parte inferior, el área de abajo que tiene el mismo tipo de hojas que hicimos en la esquina izquierda, por lo que es el mismo proceso como hemos hecho antes en nuestra lección de elemento de árbol. Simplemente siguiendo los pasos y tratando de recrear lo que ves. Ahora, muchas veces a la gente le resulta más fácil hacer estos elementos una manera que este bosqueje primero las ramas principales y luego solo pasa por encima y pinta sobre ella. Pero esa es completamente una elección personal. Es una preferencia personal. Si crees que estás lo suficientemente seguro como para seguir adelante y ala toda la situación y hacer que todo se vea bonito al final, entonces puedes ir por ella. Si crees que estás un poco confundido y estás un poco asustado porque has trabajado tan duro en tu trasfondo y no querrías arruinar todo ese trabajo duro porque no pudiste hacer que el primer plano se vea bien, para que pueda seguir adelante y bosquejarlo y luego rastrear las ramas hacia fuera y trabajar en consecuencia. Nuevamente, elección personal. Personalmente sólo me gusta alarlo. Estoy como, solo intentaré recrear cosas que veo, así que no me estresé tanto en eso. Pero si quieres esbozarla, puedes seguir adelante y hacer eso y completar esta pequeña sección. Sólo voy a mantenerme callado para que realmente disfrutes el proceso de hacer esto. Si estás pintando junto a mí, sería muy divertido porque solo te dará el tiempo para seguirme y no he acelerado el proceso ni nada para que tengas tu tiempo, tómate tu tiempo y solo sigue y disfruta del proceso de pintura. Una vez terminados con la parte superior de nuestra pintura, es hora de que agreguemos las coronas y los detalles para. Para eso voy a usar una combinación del color Sepia y umber quemado. Nuevamente, voy a estar usando los mismos dos pinceles, talla 4 y talla 2. Ahora, justo aquí, lo que quiero hacer es cargar primero mi pincel con el color Sepia y hacer la forma del suelo. Carga tu pincel con un poco de Sepia y sigue adelante y haz esta forma de suelo irregular simplemente arrastrando tu pincel y agregando la pintura. No hay perfección, no hay bien ni mal. Puedes seguir adelante y hacerlo como quieras. No tiene que ser exactamente la forma en que lo estoy haciendo. Sólo voy por una curva y solo estoy haciendo un poco el aspecto desigual del suelo. Eso será todo. Una vez hecho eso, vamos a seguir adelante y sumar los detalles que están por encima de él. Empecemos con estos pequeños arbustos en forma de pinza en el fondo, y para eso voy a usar mi pincel talla 2. Voy a hacer una mezcla del color del umber quemado con un poquito de Sepia. Quiero que el color para éste sea un poco más claro en comparación con los que están en la parte inferior porque siento que el sol está cayendo directamente sobre él. Es por eso que obtiene pequeños colores cálidos en el cielo en comparación con los que están en la parte inferior. Solo vas a empezar a cargar tu pincel con algo de pintura. Vamos a hacer golpes muy delgados ahora de nuevo, ala toda la situación o esbozados si quieres. Sólo voy a seguir adelante y tratar simplemente replicar lo que veo. Puedo hacer algunos cambios que están totalmente en mí, y el proceso aquí de nuevo, es muy similar a los que hicimos antes. Te he enseñado todos estos elementos en las lecciones antes, y estamos justo, como dije, juntando los puzles para completar nuestra pintura final. Adelante y haz de este nuestro pequeño arbusto tipo ramita, así es como me gusta llamarlo, y completar toda la estructura, y luego vamos a seguir adelante y sumar los arbustos más grandes a el fondo una vez que terminemos con esto. Sé que se ve un poco incómodo en este momento porque el fondo se ve realmente vacío. Pero no te preocupes, una vez que agregamos esos arbustos en la parte inferior, se cubre y todo parece una pieza juntos. No se verá tan incómodo destacarse como lo hace en este momento. Basta con seguir adelante y sumar esas hojas. La forma en que haces esto es muy similar a lo que ves, o simplemente intentas observar tu imagen de referencia. Estás observando tu imagen de referencia y solo tratando de escoger las cosas que eres capaz de poner. Es muy importante buscar cosas que estés seguro de que vas a hacer, o que puedas hacer. Cuando escoges cosas así, te da más confianza para pintarlo. Muchas veces, si vas por imágenes de referencia extremadamente difíciles, y si no eres capaz de completarlo de la forma en que quieres hacerlo, entonces te decepciona y terminas por no hacerlo. Empieza siempre con cosas que crees que son simples y eres capaz de hacer, y de esta manera terminas impulsando tu confianza para seguir adelante y pintar más imágenes de referencia y luego eventualmente te enamorarás pintar paisajes como lo he hecho, y cada vez que ahora que miro fotos de paisajes me siento tan feliz y no puedo detenerme de pintar. Todavía hay muchos temas que me resulta muy difícil pintar, o necesitaría mucha práctica para, pero así es. El arte es algo que siempre estás aprendiendo y explorando. Adelante y haz estos arbustos por ahora, y luego pasaremos al siguiente paso. Una vez que terminemos con esto, vamos a seguir adelante y sumar los detalles en la parte inferior de mi suelo. Para eso, voy a usar mi mismo tamaño dos pincel, y voy a cargar mi pincel con un poco de sepia aquí mismo, no una mezcla de sepia y [inaudible] Pero sólo sepia. Entonces voy a hacer estos pequeños trazos o pequeñas líneas, y luego voy a simplemente arrastrarlo a lo largo y hacer los trazos un poco más grandes. Es muy similar a los trazos que hiciste en la esquina superior izquierda. Pero aquí solo estás aplicando más presión sobre tu pincel. Como dije, sostén bien tu pincel para conseguir un buen agarre sobre tu pincel. Cuando obtienes un buen agarre sobre tus pinceles, los trazos serán más claros. Podrás controlar la presión que aplicas sobre tu pincel. Eso juega un papel muy importante manera que tus golpes salgan bien. Simplemente sigue adelante y agrega los detalles a tus arbustos en la parte inferior. Es muy similar, como dije, a la de arriba a la izquierda. Justo aquí las hojas son más grandes y más gruesas y más llenas. Es muy similar. Ya hemos aprendido esto antes. Se trata de cómo aplicas la presión sobre tus hojas y el look que vas a buscar. Simplemente adelante y agréguelo en la parte inferior. Ya no voy a hablar para que disfrutes el proceso de sumar los elementos de primer plano. Sí, sí lleva mucho tiempo, pero definitivamente vale la pena. Hemos agregado todos los elementos. Ahora sólo voy a poner mi imagen de referencia justo al lado y hacer una comparación sobre las cosas que me gustaría cambiar, o agregar o si me he perdido algo. Como se puede ver, yo no diría que la pintura sea una réplica completa del cuadro de referencia. Pero está altamente inspirado en nuestras imágenes de referencia. Tratamos de conseguir bien los colores. Tratamos de conseguir los elementos de primer plano de la manera que queremos, y ahora es el momento de hacer cualquier cambio final que se desee. Cada vez que te gusta tener una comparación lado a lado, ahí es cuando te das cuenta en caso de que quieras agregar algo, o si has cometido un error que te gustaría rectificar ahora es tu momento antes de seguir adelante y despegar la cinta. Creo que me gustaría cambiar algunas cositas sobre mis ramas, hacerlas más largas, más llenas, sumar unas cuantas hojas extra. Voy a seguir adelante y hacer cualquiera de esas correcciones. Una vez que estés contento con cómo se ve toda la composición, ese es el final de tu pintura. Estoy muy contento con la forma en que todo se ve, y despacio despegaré la cinta. Oh, Dios mío. Consiguiendo estos claros bordes nítidos, este es el momento por el que vivo. Me encanta cuando pelo la cinta y ni siquiera se ha filmado ni una sola gota de pintura y tus bordes son realmente nítidos. Es sólo el sentimiento más hermoso del mundo. Ahora vamos a firmar nuestra pintura para que sea única nuestra. Simplemente pon tu letrero, y no te olvides de firmar siempre tus cuadros porque es realmente importante. Esta es nuestra pintura final. Me encanta la forma en que esto ha resultado. Me encantan los reflejos del agua, se ve tan realista. Las nubes y los elementos de primer plano, todo es sólo mi favorito. Aquí hay una rápida comparación lado a lado entre mi pintura de práctica y el proyecto de clase que hice. Me encanta cómo cada uno de estos son diferentes su manera en términos de color y elementos de primer plano, pero ambos son simplemente hermosos a su manera. 12. Reflexiones finales. ¡Nos vemos en la próxima clase!: Esto es todo, chicos. Hemos llegado al final de la clase. Estoy tan contento con la forma en que se ve nuestro proyecto de clase. Casi parece una foto, ¿no? He tratado de descomponer este proyecto de clase y también esta clase en diferentes bits para que no solo te sea más fácil pintar este proyecto de clase o conocer los pasos que implica pintar este proyecto de clase, pero también puedes usar el mismo concepto o idea para pintar a partir de tus propias imágenes de referencia que tienen lagos involucrados y reflexiones involucradas en ellas. He subido unas cuantas fotos más o imágenes de referencia en los recursos parte de la clase para que puedas seguir adelante y descargarlas. También se les puede dar una oportunidad. Todas las imágenes que allí se cargan, tendrán el mismo concepto que hemos aprendido hoy. Será una buena práctica para que te pongas las manos sobre cómo las pintas. Si las pintas o si pintas este proyecto de clase, por favor, súbalo bajo la sección de proyectos de esta clase. Me encanta navegar por esa sección y ver lo que ustedes crean. Me hace tan feliz cada vez que lo paso. Si te dan un poco de tiempo extra, no dejes un poco de opinión abajo para mí porque me hace muy feliz. Me motiva a hacer más clases, y realmente me empuja a salir por ahí. Una última cosa, si estás compartiendo estos proyectos de clase en Instagram, hazme etiqueta @thesimplyaesthetic, y me encantaría verlos también en Instagram, y me encantaría compartirlos con mis seguidores como bien. Eso es más o menos. Estoy realmente, muy feliz de que hayas decidido quedarte hasta el final. Te veré en la siguiente clase. Adiós.