Cómo escribir melodías más potentes: lecciones con árboles, humo, músculos y olas (composición musical)

1. Introducción a la clase: Oye, mi nombre es Jonathan Hitle. Esta clase va a ser todo sobre formas en que puedes escribir melodías más fuertes. Empecemos con una pregunta. ¿ Por qué exactamente algunas canciones y algunas melodías resuenan tan profundamente con nosotros? Cuando me senté un poco con esta pregunta, esto es lo que me llegó. La mayoría de las veces cuando algo resuena realmente profundamente con nosotros, es porque imita o similar al mundo natural que nos rodea, a la naturaleza. Por ejemplo, en todo el mundo, en cada cultura, la gente se siente atraída por la música con un ritmo constante. ¿ En qué se asemeja esto a la naturaleza? Bueno, dentro de nuestros mismos cuerpos, tenemos un corazón que está latiendo a un pulso constante, y de eso dependemos para nuestra propia supervivencia. Por supuesto, resonamos con cosas que tienen un ritmo constante. El ritmo literalmente nos mantiene vivos. Para esta clase, mientras nos sumergimos en formas en las que puedes escribir melodías más fuertes, voy a usar ejemplos de la naturaleza como marco y camino hacia el material. Vamos a ver qué tienen los árboles, el humo, los músculos y las olas para enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes. Si esto te suena intrigante, inscríbete en esta clase y profundizará en la anatomía de una melodía, que es solo una fantasía y encuentra nuestra forma de decir teoría musical. 2. Árboles: ¿ Qué tienen que enseñarnos los árboles sobre escribir melodías más fuertes? Como ya mencioné, resonamos con cosas que son similares al mundo natural que nos rodea. Cuando miras un árbol, una de las características más distintivas es el patrón en las ramas. No es de extrañar que se pueda encontrar el mismo patrón en nuestros cuerpos. Esta es una imagen de las venas pulmonares, los vasos sanguíneos que están en nuestros pulmones. Con ambas ramas arbóreas en tus venas, quiero llamar tu atención sobre algo específico. Tienen una serie de patrones más pequeños que son muy similares entre sí, y se combinan para hacer una forma más grande. y esta es exactamente la misma estructura que una melodía. Las melodías también tienen una serie de patrones más pequeños que se combinan en una forma más grande. En una teoría de la música, estos tienen nombres específicos. El patrón más pequeño se llama motivo, y se combinan estos juntos para hacer una frase. Arnold Schoenberg, famoso compositor definió un motivo como una unidad que contiene una o más características de intervalo y ritmo cuya presencia se mantiene a lo largo de la pieza. Ahora bien, esa es una definición extremadamente académica de un motivo. Voy a tratar de darle una versión más sencilla. Un motivo es el bloque de construcción a partir del cual se hace una melodía. Similar a h ow Legos tienen estas formas muy básicas y lisas. Pero a partir de ellos, puedes crear una asombrosa variedad de cosas. Un motivo esencialmente tiene dos elementos para ello, un ritmo distintivo y un intervalo de nota. Para entender realmente esto, escuchemos cuál es probablemente el motivo más famoso de todos los tiempos. La Quinta Sinfonía de Beethoven es también un gran ejemplo porque pone el motivo justo en el principio, y es tan llano y tan sencillo, realmente se puede ver la magia que crea lo que esta pieza. Si miramos más de cerca este motivo, se pueden ver los dos elementos. Tenemos el ritmo y tenemos el intervalo. Ahora, escuchemos cómo toma este motivo y lo convierte en una frase, y ahí mismo, ya ha hecho algo significativo con este motivo. Lo ha repetido, pero lo ha movido a una nota diferente, y eso cambió el intervalo aquí del tercio mayor a aquí un tercio menor, y esta es la esencia del desarrollo melódico. Estás tomando un motivo y lo estás cambiando de maneras sutiles. Ahora con eso en mente, escuchemos de nuevo esto. En esta siguiente sección, mantiene consistente la parte rítmica del motivo. Pero realmente empieza a jugar con la variación en los intervalos de nota. Tenemos un tercio mayor, un segundo menor, un tercio menor, un cuarto perfecto, y realmente no lo puedes ver aquí, pero es otro segundo menor. Escuchemos cómo suena eso. Tomemos algo de inspiración de Beethoven, y construiremos nuestra propia melodía, pero que sea un poco más contemporánea. De manera intencional voy a crear una melodía que sea muy sencilla y básica, principalmente porque quiero que puedas ver el motivo y el desarrollo muy claramente. Creé una melodía básica con la que podemos trabajar. Hagamos una escucha primero y luego te lo voy a descomponer. A modo de recordatorio, no estamos tratando de crear la mejor melodía de todos los tiempos. No te distraigas sobre si te gustó o no esta melodía. Lo estamos usando como ilustración para entender el proceso sobre el desarrollo melódico, algo que puedes hacer a cualquier idea melódica. En esta melodía, es posible que hayas notado que hay dos motivos primarios. Ahí está esta idea, que se repite otras dos veces, y ahí está esta idea. Podrían incluso argumentar que el segundo motivo realmente no es un motivo nuevo en absoluto. En realidad es solo un desarrollo del primero usando este intervalo aquí, una y otra vez. Empecemos nuestro desarrollo trabajando en el primer motivo, y te voy a llevar por el mismo proceso que paso cuando estoy trabajando en melodías y desarrollando ideas. Tomo esta idea melódica inicial, el motivo y lo giro alrededor de un juicio. Cosas diferentes. A veces se siente un poco como un juego de Tetris. Empecemos con el primer motivo. Dale otra escucha. Una de las primeras cosas que podría hacer es darle la vuelta y jugarla al revés. No es un verdadero retroceso donde realmente estoy volteando el ritmo también. En este ejemplo, mantengo el ritmo igual. Sólo estoy cambiando las notas, y entonces podría ponerlo al revés. Nuevamente, no estamos cambiando el ritmo, solo estamos cambiando el arreglo de notas. Podríamos intentar moverlo para empezar con una nota diferente, y lo que estoy haciendo aquí es sólo tratar de ver si hay diferente forma de torcer este motivo que me gusta más. Tan similar a editar una frase que podría estar escribiendo. Por ejemplo, si te esfuerzas demasiado, puede contrapartida. Se puede contradisparar, si lo intentas demasiado. No lo intentes tanto. Cuando reescribes frases así, intentas ver si hay una forma más directa de decir lo que intentas decir, y lo mismo es cierto con la música cuando trabajabas para reescribir tus motivos o tus frases. Ahora, hagamos lo mismo con el segundo motivo. Oíd que es otra vez, y podemos darle la vuelta al revés. O pruébalo con una nota diferente. Ahora, que hemos tomado estos dos motivos y jugamos con ellos como Tetris le dio la vuelta, combinemos algunos de ellos juntos para hacer algunas variaciones en toda esta melodía. Tomaremos el primer motivo, que giramos hacia atrás, y lo combinaremos con el segundo motivo sin cambios. También me gusta podemos dar la vuelta al primer motivo al revés, y lo combinaremos con el segundo motivo movido a una nota diferente. Ahora bien, ¿qué tal cuando trasladamos el primer motivo a una nota diferente y combinamos eso con el segundo motivo mover a una nota diferente también? Ahora también podemos empezar a cambiarlo aún más. Toma el segundo motivo, lo pondremos al principio, lo repetiremos, y luego agregaremos el primer motivo volteado al revés. Como podría estar empezando a ver, podríamos hacer esto por un tiempo más, y esta es sólo una melodía muy simple con dos motivos. A veces te das una idea y la melodía al salir de la caja es genial. No es necesario desarrollarlo aún más. Pero si eres alguien que realmente quiere escribir melodías más fuertes, esta práctica es cómo llegas a tu mejor trabajo creando muchas variaciones en tu idea y luego escogiendo la más fuerte. Al inicio de este capítulo, miramos qué tienen los árboles para enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes, y la esencia de eso es sobre el patrón, y los motivos son los patrones que puedes usar para construir melodías. En este próximo capítulo, vamos a ver qué tiene el humo para enseñarnos sobre la utilización del elemento sorpresa. 3. Humo: Ahora, qué tiene que enseñarnos el humo sobre escribir melodías más fuertes. Una vez más, voy a proponer que resuenemos con un arte que es similar a la naturaleza. Cuando miras el humo, creo que la característica más definitoria es la turbulencia, que se puede encontrar no sólo en el humo, sino en el fuego, y en el agua. Creo que lo que nos hace tan atractivo turbulento es que hay un elemento de sorpresa, es visualmente impredecible. Ahí está este equilibrio entre orden y caos, entre patrón y sorpresa. Cuando miras el flujo de humo, hay dos partes principales en él. Ahí está el laminar y ahí está la turbulencia. Hay una serie de factores influyentes que determinan cuánto tiempo va a durar este laminar antes de que se desprenda hacia turbulencia y cuán intensa va a ser esa turbulencia. Ahora bien, ¿cómo se relaciona esto con la escritura de melodías? Las melodías también tienen un flujo laminar y turbulencia. El flujo laminar es cuánta repetición vas a usar con respecto a tus motivos. El turbulencia es cuánto cambio y sorpresa que se va a introducir en la frase. Porque cuando estás escribiendo música, siempre estás tratando de equilibrar orden y caos, patrón y sorpresa. Escuchemos algunos ejemplos para que puedas escuchar cuando estoy hablando, y esto no sólo se convierte en alguna ilustración abstracta. Te mostraré unos de lo que consideraría estar en los extremos lejanos entre tener mucha turbulencia en la melodía o muy poco. Creo que un gran ejemplo de una línea de melodía de baja turbulencia sería giro y grito por los beatles. [ inaudible] La canción esencialmente se reduce a dos motivos simples con un poco de embellecimiento. Incluso se podría decir que es sólo un motivo que se volteó boca abajo y se repite al desarrollo del que hablamos en el último capítulo. Creo que un gran ejemplo de una línea de melodía de alta turbulencia sería cualquier cosa de Arnold Schoenberg. La mayoría de las piezas que escribió, eran atonales, lo que significa que no existen en una clave particular. Observe cómo esta línea de melodía va por todo el lugar, y realmente nunca se repite en absoluto. Ahora, a pesar de que estos dos ejemplos son de géneros completamente diferentes, y que la música pop sí tiende a tener mucha más repetición y sencillez en las líneas de la melodía que la música clásica. El equilibrio que elegirás encontrar en tus propias líneas de melodía entre orden y caos y cuánta turbulencia quieres introducir, va a ser batch tu propio gusto y preferencia. Volvamos a la línea de melodía que utilicé en el último capítulo para ilustrar cómo desarrollar un motivo. A pesar de que esta es una línea de melodía realmente básica y sencilla, creo que puedes ayudar a mostrar cómo puedes jugar con turbulencia para desarrollar aún más tu melodía. A modo de refresco, escuchemos de nuevo esta frase melódica. Teníamos dos motivos. Aquí está la primera, y aquí la segunda. Ahora si fuéramos a analizar esta melodía en la escala entre alta y baja turbulencia, definitivamente pondría esto en el extremo bajo. Aquí hay una tremenda cantidad de repetición. Ese primer motivo se repite tres veces seguidas. Ahora experimentemos con agregar algo más de turbulencia a esta línea de melodía. Si solo quisieras agregar un poco, esto es lo que podrías hacer. Podrías repetir el primer motivo un par de veces y luego simplemente cambiar el tercero moviéndolo a una nueva nota. Digamos que queríamos llevar esto aún más allá y añadir más turbulencia. Una forma de hacerlo es hacer mayores cambios en el motivo. Podríamos hacer eso estirando este primer intervalo cuando lo repetimos, lo que lo haría menos predecible. Entonces cambia aquí este intervalo de un segundo a tercero para un poco de sorpresa. Ahora bien, a pesar de que agregamos alguna turbulencia al intervalo, esta parte del motivo se mantuvo bastante consistente y predecible. Ahora si quieres agregar aún más turbulencias a esta línea de melodía, vamos a necesitar estirar las cosas aún más y reducir la cantidad de repetición que está sucediendo para que podamos hacerlo más impredecible. Una forma de hacerlo sería construir sobre el último ejemplo, donde tomamos este intervalo inicial y lo estiramos. Podríamos incluso intentar truncarlo o acortar todo este motivo dejando fuera una de las notas. Definitivamente hemos hecho esto mucho más complejo, hemos eliminado parte de la repetición, hemos añadido turbulencia. Me pregunto si podríamos llevarlo aún más lejos. Para ello, probablemente vamos a tener que sacudir las cosas aún más. Juguemos con este motivo, lo haremos aún más corto, apenas hasta dos notas y estirar el ritmo. Después toma estas dos notas y repítalas, lo que crea casi un tercer motivo. Como mencioné antes, esta es una línea de melodía bastante básica que creé solo para los fines de esta ilustración. Podrían empezar a darse cuenta de que podríamos incluso haber ido mucho más allá, sólo trabajamos con el primer motivo y ni siquiera tocamos el segundo. Podrías haber escuchado una versión ahí que te hubiera gustado más, y realmente se reduce a la preferencia. Lo que es más importante y lo que espero que te quites de esto es que aprendas algunas técnicas para tomar tus ideas melódicas, sin importar en qué estilo y en qué género escribas, y luego ver si hay una forma de que podrías desarrollarlo aún más. Después buscando formas en las que puedes o bien reducir la cantidad de turbulencia o aumentarla al gusto. Ahora, pasemos al siguiente capítulo sobre músculos. 4. Músculos: parte 1: Ahora bien, ¿qué tienen los músculos que enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes? Una vez más, voy a sugerir que respondamos a cosas que son similares al mundo natural que nos rodea. Obviamente, los músculos juegan un papel muy importante en cada movimiento y acción que llevamos a cabo. Los fundamentos de cómo funciona un músculo es todo sobre tensión y relajación. Te digo que creas movimiento y equilibrio, la tensión y la relajación también es la clave para escribir música. Pero a diferencia de un músculo, que sólo realmente tiene una forma de construir tensión, que es a través de la contracción, se puede construir tensión en la música de varias maneras diferentes. El principal es la disonancia de uso, que puede venir en forma de disonancia armónica o rítmica. La repetición y el tono son otras formas en que puedes construir tensión y una línea de melodía. Veamos primero la disonancia, pero antes de hacerlo, creo que es importante notar que la disonancia es bastante relativa. Lo que se consideraría disonancia en la época de Bach es muy diferente para lo que se considera disonante en la música pop, o incluso la música clásica contemporánea. Y mucho menos si decidimos meternos en la disonancia en la época medieval o en diferentes culturas como en música india porque la estructura armónica en esos tiempos o en esas culturas es tan diferente de la música occidental. Para los propósitos de esta clase, nos vamos a centrar en la música occidental en la teoría de la música tradicional. Realmente no puedes empezar a entender la disonancia hasta que entiendas las consonantes. consonantes en la música occidental, se basa en lo fundamental de un acorde. En caso de que no sepas lo que es un acorde o necesites un refresco rápido, tardaré 20 segundos aquí en definirlo. Un acorde se compone de tres notas y dos intervalos; el intervalo de una quinta y luego de una tercera. Si es un acorde mayor, va a tener un tercio mayor en el medio, que suena así y si es un acorde menor, va a tener un tercio menor en el medio, lo que suena así. En la mayoría de la música occidental, la melodía está puesta en contra de la progresión del acorde. Cuando las notas de tu melodía caigan perfectamente en línea con el acorde que se establece debajo de ella, vas a tener más de un sonido consonante. Por ejemplo, si este es un acorde que estás usando en tu canción, este es un acorde C mayor con C, E, y G. Si tu línea de melodía cae sobre cualquiera de esas tres notas, va a sonar consonante. Si las notas de tu melodía caen fuera de esas tres notas en tu acorde, va a sonar disonante. Al igual que discutimos en el último capítulo, tu línea de melodía puede caer en el espectro entre la disonancia alta y la baja. Un buen ejemplo para una canción que tiene baja disonancia armónica es de nuevo, Twist and Shout. Ahora, antes de que escuchemos, déjame explicarle lo que estamos viendo aquí. Las notas azules son la línea de la melodía y las notas naranjas son los acordes. Cuando las notas azules y las notas naranjas se superponen aquí, esos son los momentos que te vas a sentir más relajado o consonante. Cuando no se superponen, va a crear disonancia armónica o tensión. En la canción, podrías notar que en realidad sólo es esta nota la que no se alinea con los acordes, sino que contrarresta la escasa es el hecho de que empiezan con esta nota y se apoya en ella a través de toda la frase. Al volver a escuchar esto, quiero que se den cuenta de cómo se siente esta nota en comparación con las demás. Al igual que con tus músculos, la tensión nunca es sustentable. Siempre va a haber un tirón para pasar de la tensión a la relajación y lo mismo es cierto con la música. Cualquier tipo de disonancia siempre quiere encontrar una resolución. En Twist and Shout, esta nota disonante tira a la siguiente nota. En este patrón de tensión y relajación y este motivo es lo que creo es la característica definitoria de Twist and Shout. Pasando a darte un ejemplo de una pieza con alta disonancia armónica, fácilmente podríamos volver a esta pieza Schoenberg porque ni siquiera usa realmente las progresiones de acordes. Prácticamente cada nota va a ser tensa y disonante. Ahora, volvamos a la línea de melodía que escribí para esta clase y lo analizaremos en el contexto de la disonancia armónica. Si íbamos a poner esto en nuestro espectro desde la disonancia alta o baja, probablemente lo pondría en algún lugar en el medio. Aquí está la línea de melodía original, que está en azul, y los cordones están en naranja. Ahora bien, si fuéramos a definir un punto central para esta línea de melodía, creo que tendría que ser esta nota E y no sólo porque la repetimos más que cualquier otra nota, pesar de que lo escuchamos siete veces en esta frase, sino también porque nuestra frase gira constantemente en torno a esta nota, deriva por debajo o por encima de ella. Ya que esta nota forma nuestro centro de gravedad y se alinea la mayor parte del tiempo con los acordes por debajo de ella, excepto aquí, toda nuestra frase va a tener un tono general de ser muy consonante y en armonía con los acordes por debajo de ella. Con eso en mente, escuchemos de nuevo esto. Si estamos viendo cómo la tensión y la relajación juegan un papel en la forma en que se siente esta melodía, probablemente sea esta nota disonante aquí la que es la característica definitoria. ¿ Sientes esa tensión ahí mismo y la resolución? Dicho esto, la única razón por la que la nota es disonante es porque no se alinea con la progresión de acordes original que elegí para esta pieza. Si cambiara la progresión del acorde, cambiaría qué notas eran disonantes. Para ilustrar mi punto, juguemos un poco con esto y hagamos una versión donde eliminemos toda tensión armónica. Voy a usar la misma línea de melodía, pero sólo voy a cambiar la estructura de acordes que todas las notas de la línea de melodía, alineen con los acordes que están debajo de ellos. Aquí está nuestra línea de melodía. He cambiado los acordes para no crear disonancia armónica. Si miras estas notas verás que la melodía y los acordes se superponen a un 100 por ciento. Oigamos cómo suena eso. Después de escuchar eso, tal vez sientas que te gustaría que esa versión fuera la mejor. Lo cual es buena información para tener sobre tu propia preferencia. Que prefieras que haya mucha menos disonancia o tensión. Ahora hagamos otra versión que sea básicamente toda disonancia. Vamos a usar nuestra misma línea de melodía, pero voy a cambiar los acordes para aumentar la cantidad de tensión armónica. Aquí está nuestra línea de melodía de nuevo y aquí está la nueva progresión de acordes. Observe cuántas estas notas no se alinean con los acordes. Hay algunas notas que sí se superponen. Yo quería que nuestro ejemplo sonara al menos lo más musical posible. Intentar hacer que algo suene 100 por ciento disonante no es en realidad tan difícil de hacer. Podría simplemente escoger unos acordes al azar y tirarlos ahí pero de nuevo, quería proporcionarles un ejemplo más musical. Antes de escuchar esto, quiero llamar su atención sobre una cosa más. Ya hablamos de cómo esta nota E aquí es el centro de gravedad para esta frase. Con nuestra nueva progresión de acordes, ninguna de estas notas se alinea con el acorde debajo él que va a hacer que toda la frase se sienta más disonante. En tanto que esta nota de aquí mismo era la nota disonante en el original, con la nueva progresión de acordes, estas son ahora las notas disonantes. Con eso en mente, escuchemos cómo suena esto. Ahora que has escuchado esta versión, tal vez te sientas como ésta la mejor pero el punto que trato de hacer y que me vas a escuchar decir una y otra vez, es que la cantidad de tensión que usas baja al gusto. Aquí la clave es entender cómo la disonancia armónica sirve como herramienta para crear tensión. A continuación vamos a hablar de la disonancia rítmica. El término de teoría musical para eso es sincopación. Como mencioné cómo la música occidental es todo sobre una melodía puesta en contra de una progresión de acordes, también se centra rítmicamente en torno a un ritmo constante. disonancia rítmica o sincopación ocurre cuando se tiene una nota que se desplaza del ritmo. Para ilustrar esto, usemos esta línea de melodía muy sencilla. La primera iteración no va a tener ninguna sincopación. En este sencillo ejemplo, cada nota de la melodía se alinea perfectamente con el ritmo. Para que sea sincopado, simplemente necesitamos deslizar estas notas para que lleguen tarde o para que vengan temprano y así es como suenan esas. Podrías haberte dado cuenta de que esos son bastante similares entre sí. A mis oídos cuando saltas el ritmo o cuando llegas temprano, es un poco más agresivo, la sincopación es más pronunciada. Cuando vienes después del ritmo, siento que es un poco más relajado, cual tiene sentido porque no estás haciendo el cambio hasta después de los golpes del beat. Creo que también es importante señalar que disonancia rítmica y la disonancia armónica muchas veces van juntas. sincopación es una de las principales formas en que se crea la disonancia armónica. Volvamos a nuestra melodía para ilustrar esto y movamos nuestra línea melódica aún más allá, lo que hará que la disonancia armónica sea aún más notable en estos dos spots. Porque ahora estamos extendiendo estas notas aún más a un área donde no se alinean con los acordes. Escucha más de cerca cómo esto aumenta la disonancia y esas áreas. Sólo por diversión, vamos a extender esto aún más para enfatizar esto aún más. Como ya he dicho antes, mucho de esto se reduce al gusto. El propósito de estas ilustraciones es simplemente darte algunas ideas de cómo puedes usar la sincopación para crear énfasis rítmico y también disonancia armónica. Otra forma de construir tensión en la música es mediante repetición que puede ser repetición armónica o repetición rítmica. Por lo general es un poco de ambos. Siempre que repites algo, crea tensión. Siempre que repites algo, crea tensión. Porque los oyentes se preguntan cuándo vas a parar o cuándo algo va a cambiar. El anticipo es que va a haber algún tipo de pago. Creo que un gran ejemplo, esa es la canción de Katy Perry, que también tiene alguna sincopación realmente fuerte en ella. Escuchemos primero, luego discutamos. Te dije que tenía mucha repetición en ella, el motivo principal juega seis veces. Yo ahora hay que una vez en el medio donde cambia un poquito pero básicamente es el mismo motivo. La repetición en algunos aspectos es como una lámina a la turbulencia. Porque para conseguir más turbulencia, no se puede tener tanta repetición pero si se agrega más repetición, se va a reducir la turbulencia. Porque esta canción estaría definitivamente en el extremo bajo de escala turbulenta, pero eso no quiere decir que sea aburrida. Porque irónicamente, si repites algo lo suficiente, en realidad aumenta la anticipación de que algo va a cambiar. cual en esta canción viene en este momento justo aquí. Cuando termina la sincopación y empieza justo en el ritmo y la frase sube. Eso contrasta directamente con cómo se sincopó el motivo principal y bajó. Con todo esto en mente, escuchemos esto una vez más. Habrán notado que esta técnica, repitiendo un motivo una y otra vez que conduce a un gran cambio al final, es la misma que utilicé en esta línea de melodía original. Repetir este motivo varias veces antes de cambiarlo al final. El último modo de jugar con tensión y relajación en tus líneas de melodía es a través de cambiar el tono. Cuando un tono sube introduce tensión y cuando baja disminuye disminuye la tensión. Esto se ilustra más fácilmente en cualquier instrumento de cuerda incluyendo su voz que se trata de acordes vocales vibrantes. Para aumentar su tono, hay que aumentar la tensión de la cuerda y esto produce vibraciones más rápidas para que literalmente puedas escuchar el aumento de la tensión. Probablemente el ejemplo más cliche, este es el sonido de cuerda ascendente en las películas de terror. El punto aquí es que cada vez que suba el terreno, va a aumentar la tensión, ya sea que eso ocurra de manera más repentina o de manera más gradual. Para ilustrar esto repasemos algunas de las variaciones que hicimos a las líneas de melodía en el último capítulo sobre humo. Donde realmente empezamos a estirar el motivo más allá su forma original entonces tomamos este intervalo aquí, y lo aumentamos en estos dos puntos. Lo que hace que la repetición de este motivo sea más intensa a medida que vamos además de toda la frase subiendo hasta este punto aquí mismo. Escuchemos este apartado y de verdad quiero que presten atención a cómo el terreno de juego está afectando la tensión. Hemos mirado lo que tienen tus músculos los enseñanos sobre escribir melodías más fuertes y eso se trata de tensión y relajación. Hemos mirado cada una de estas formas en las que puedes aumentar la tensión en tu música, mediante el uso de la disonancia ya sea armónica o rítmica, mediante el uso de la repetición y también manipulando el tono. Pero hay una cosa más que los músculos tienen que enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes y hablaremos de eso en la Parte 2. 5. Músculos: parte 2: Hay un elemento más sobre los músculos que tiene algo único que enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes. Para descubrir esto, cavemos un poco más profundo en los músculos esqueléticos, los músculos que mueven nuestros huesos. Descubriremos que básicamente tienes dos tipos de fibras musculares, fibras contracción rápidas y fibras de contracción lenta. Las fibras de contracción rápidas son más poderosas, ahí para movimientos rápidos, pero se cansan fácilmente y son más para actividades como sprinting o levantamiento de pesas. Las fibras de contracción lenta, por el contrario, son menos poderosas para movimientos más estables, pero no se cansan tan rápido, y se usan más en actividades como caminar. ¿ Qué tiene que ver esto con escribir melodías? Bueno, así como estas fibras musculares no son iguales y usan tensión para diferentes propósitos, manera similar, cómo podrías usar la tensión en tus líneas de melodía tampoco es necesariamente igual. Por ejemplo, podrías usar la disonancia armónica de tal manera que sea realmente poderosa, pero como los músculos de contracción rápidos, si lo haces se va a cansar muy rápidamente. Esto es lo que quiero decir con eso, si volvemos a esta línea de melodía y miramos específicamente a esta nota disonante, [inaudible] ¿sientes esa tensión ahí mismo? [ inaudible] Si seguías yendo por esto, vas a cansar esto muy rápido. Por otro lado, si utilizaras la disonancia armónica que fuera un poco más suave y no tan severa, podrías seguirla por un periodo de tiempo más largo y su impacto sería más sutil. Para ilustrar que podemos volver a esta línea de melodía, y cambiamos la progresión del acorde para hacerlo más disonante. Esta fue nuestra principal nota disonante que tenía más peso. Ambientada contra esta progresión de acordes, la disonancia es mucho más leve. [ inaudible] Definitivamente es disonante, pero es una disonancia que podría seguir un poco más de tiempo, lo que hizo en esta versión. Escucha de nuevo cómo esta disonancia creó un tono general de disonancia sin volverse demasiado cansada. [ inaudible] Permítanme comparar estos una vez más para enfatizar el punto. Cuando estás usando una técnica para agregar más tensión, si usas una versión más suave de la misma, puedes usarla con más frecuencia para un efecto más sutil, y si estás usando más tensión, entonces es posible que quieras usarla con moderación porque podría cansarse bastante rápido de ella. Este concepto se aplica no sólo a la disonancia armónica, sino a cualquiera de estas formas en las que se puede crear tensión. Ahora creo que hay una perspicacia más que podemos sacar de las fibras musculares que nos ayudarán cuando estemos escribiendo líneas de melodía. Ese es este hecho interesante que estas fibras musculares de contracción rápida y las fibras musculares de contracción lenta no están separadas. Existen dentro del mismo músculo. Cómo esto se relaciona con escribir mejores melodías es que, estos dos tipos diferentes de tensión, uno que va a ser un poco más intenso pero se cansa rápidamente, el otro que es más sutil que puedes usar para efecto de luz, que ambas cosas pueden ocurrir dentro de la misma frase melódica. No necesitan ser ni una situación. Para ilustrar cómo estos pueden coexistir en la misma frase, veamos específicamente el pitch para un ejemplo. Hablamos de esto ya en la primera parte cómo estos intervalos aquí son un salto mayor, y eso agregó tensión, pero también cómo iba subiendo el movimiento de toda la frase, lo que estaba sumando tensión. Esto es realmente fácil de identificar cuando estamos mirando subir y bajar el terreno de juego como medio para sumar o restar tensión, porque se puede mover hacia arriba con un gran salto. [ inaudible]. O puedes hacerlo poco a poco. [ inaudible]. Saltos más grandes son como los músculos de contracción rápidos, van a tener un impacto más dramático, pero te vas a cansar de ello más rápido, mientras que subir y bajar el tono en toda la frase puede pasar por un salto, o también puede suceder si pasas de una nota a la siguiente de una manera muy sabia paso. Ir paso a paso va a ser mucho más sutil. Es como los músculos de contracción lentos. Simplemente estás caminando hacia arriba o caminando hacia abajo para un hecho. El clave es que ambas cosas pueden suceder al mismo tiempo, y eso significa que a veces pueden operar de forma independiente entre sí. Ahora en este primer ejemplo que miramos, los saltos y el movimiento general de la frase hacia arriba están trabajando en tándem para sumar tensión. En una de las otras variaciones melódicas que creamos en el último capítulo, la dirección de la frase salta muy rápidamente aquí mismo, asistida por este salto muy grande justo aquí, y luego básicamente se reduce en un paso muy a paso manera, excepción de que hay este gran salto aquí en el medio. Esto agrega un poco de giro o una sacudida a una frase que de otra manera sólo estaría serpenteando hacia abajo desde este pico de manera muy gradual hacia un estado más relajado. Al volver a tocar esto, quiero que escuchen la interacción de estos dos tipos de tensión, y cómo están trabajando, a veces juntos y a veces uno contra otro [inaudible ]. Ahora, hay un sinnúmero de ejemplos musicales más que podríamos utilizar para ilustrar esto, pero ojalá estés teniendo la idea de que hay otra capa a este concepto de tensión y relajación. No se trata sólo de aplicar estas técnicas que ya discutimos. El grado en el que los aplicas también importa mucho. Acabamos de pasar mucho tiempo hablando de lo que dos músculos tienen que enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes. Parte de eso es porque la tensión y la relajación es una parte tan vital de la música, porque al igual que en la vida, cómo los músculos están detrás de nuestros movimientos, tensión y la relajación son cómo obtenemos drama y movimiento en nuestra música. Pero vamos a pasar a nuestro último capítulo sobre las olas. 6. Ondas: parte 1: Ahora bien, ¿qué tienen que enseñarnos las olas sobre escribir melodías más fuertes? Bueno, ya me has oído decir esto antes, pero lo voy a volver a decir, que creo que resonamos con cosas que son similares al mundo natural que nos rodea. Si bien hay montones de diferentes tipos de ondas, el océano es lo que pienso primero, siempre que hablamos de olas. El océano está romantizado extensamente, y ciertamente hay muchas olas en el océano, particularmente en la línea costera, pero si hacemos la pregunta de por qué el océano está tan romanticizado, creo que deberíamos mirar más profundo que simplemente decir, “es hermoso”. Lo que creo que es distintivo sobre el patrón de las olas oceánicas en la línea costera, es el hecho de que constantemente se superponen entre sí. Uno está entrando, mientras que otro está saliendo, están girando alrededor, una ola se está estrellando contra otra, y ahí hay una complejidad que yo personalmente podría observar durante horas. Podrías estar pensando, eso es maravilloso, pero ¿qué tiene esto para enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes? Bueno, creo que el equivalente musical aquí es contrapunto. contrapunto se trata de solapar líneas de melodía, y si bien no se utiliza con frecuencia en la música pop moderna, se puede encontrar fácilmente en el teatro musical. Este hombre que seguramente conoce mi crimen seguramente vendrá por segunda vez, un día más. No dejé mundos lejos. Lo que hace tan fácil distinguir contrapunto en el teatro musical es que tienes diferentes personajes cantando estas partes. Un día más. Mañana estarás mundos de distancia. Está bien, espera un minuto. Lo que acabamos de escuchar, esta parte de aquí,. “ Mañana estarás mundos de distancia. Es la armonía, y esto no es lo mismo que el contrapunto. La armonía es cuando se tiene una línea melódica que es cantada o interpretada por dos personas y la forma y el ritmo es exactamente la misma, salvo que se está tocando varias notas aparte. Usemos nuestra línea de melodía original como ejemplo. Para crear armonía, simplemente tomaríamos todas estas notas y las moveríamos arriba para empezar con una nota diferente. Tendríamos que cambiar algunas notas para mantenerlo en la misma clave. Vamos a mover la A afilada hacia abajo a una A, y vamos a mover la F afilada hacia abajo a una F. Ahora todas las notas están en la clave de C. La melodía original es azul oscuro y la armonía es el azul claro. Ahora escuchemos cómo suena con la armonía. Nuevamente, esto no es contrapunto, esto es armonía. Volvamos a Les Miserables con esto en mente. Mañana estarás mundos de distancia. Entiendes la idea. Saltemos adelante a la parte en la que realmente patea el contrapunto. Probablemente se te ocurra la idea. Ahora bien, el teatro musical puede no ser necesariamente lo tuyo y puede que no te guste cómo suena esto. El motivo por el que elegí esto como ejemplo es porque de nuevo, es tan claramente articula lo que es el contrapunto. Que tengas líneas de melodía superpuestas y teatro musical porque está siendo cantado por diferentes personajes, te permite ver eso muy claramente. Ahora antes de ver algunos ejemplos modernos de contrapunto, creo que es útil entender de dónde vino. Para ello, vamos a tener que volver a la época medieval. Hasta este punto, la mayoría de la música ocurría en la iglesia o tú simplemente diciendo una línea de melodía la cual se llama música monofónica, pero alrededor de la época medieval, empezaron a sumar otras líneas melódicas. Cambiándolo de música monofónica a música polifónica, pero aunque empezaron a agregar nuevas líneas melódicas, realmente no estaban pensando en nada en armonía o acordes. Cada una de estas líneas melódicas tenía igual peso, lo cual es diferente a cómo normalmente pensamos en la melodía de hoy. Donde tenemos un patrón de acorde y luego una línea de melodía que está sobre la parte superior de eso. Eso no llegó hasta el periodo barroco, que es cuando Bach escribió estas piezas. Esto podría sonar un poco más familiar para ti, sobre todo si alguna vez has escuchado algún himno de iglesia, pero también porque esto tiene una progresión de acorde muy distintiva, que es lo que asociamos con la música pop moderna. 7. Ondas: parte 2: Ahora, antes de mirar más de cerca a este Chorale de Bach, volvamos a nuestra ilustración sobre las olas en la orilla del océano. Se puede ver aquí en este video cómo estas olas vienen unas a otras desde diferentes direcciones y una está entrando mientras otra sale. Aquí te explicamos cómo esto se relaciona con escribir melodías más fuertes, Bach está usando contrapunto en un patrón que es muy similar a lo que discutimos en estas ondas. Para agregar más complejidad y hacer que sus líneas de melodía sean más interesantes, la línea de melodía por sí misma es bastante simple. El contrapunto o cómo estas otras voces van a interactuar con la línea de la melodía sucederá de una de cuatro maneras. Se puede mover en movimiento paralelo, movimiento similar, movimiento contrario u movimiento oblicuo. movimiento paralelo es donde el contrapunto se mueve en la misma dirección y el mismo intervalo que la otra nota. En este ejemplo, ambas notas se están moviendo hacia arriba por un paso. Movimiento similar se trata de cómo suena y se mueve en la misma dirección, pero no es el mismo intervalo. Si las voces se mueven en movimiento contrario y van en direcciones diferentes, y realmente no importa cuál sea el intervalo. Movimiento oblicuo es donde tienes una nota permaneciendo la misma y la otra nota se mueve. La nota estacionaria puede repetirse o puede sostenerse. Entonces ahora veamos cómo Bach usa cada uno de estos cuatro tipos de contrapunto en su corral. Déjame darte una breve explicación de lo que estamos viendo aquí antes de cavar. corales de Bach tienen cuatro voces distintas, la soprano, alto, el tenor, y el bajo. El parte soprano, o la voz más alta es casi siempre la línea de melodía principal, y así es para la música más moderna también. Echemos un vistazo primero al contrapunto que está sucediendo entre la parte soprano y la base. Ahora recuerden, el objetivo de un contrapunto en estas líneas de apoyo es crear más complejidad e intereses. Entonces echemos un vistazo más de cerca a cómo Bach hace eso. El primer caso de contrapunto es un movimiento similar, tanto la parte soprano como la parte de bajo se están moviendo hacia arriba, pero solo intervalos diferentes. El siguiente movimiento es también movimiento similar, y luego tenemos movimiento oblicuo donde la parte soprano se queda en la misma nota y la parte bajo baja. Entonces tenemos movimiento contrario, donde la nota soprano va bajando y el bajo va subiendo, y luego tenemos otra vez movimiento contrario, donde la soprano va subiendo y bajando el bajo. En esta siguiente sección tenemos movimiento oblicuo primero, donde la nota bajo se mantiene igual y la parte soprano se mueve hacia arriba, y luego movimiento contrario, luego movimiento oblicuo nuevamente, donde la parte soprano permanece igual y la parte base se mueve hacia arriba. Movimiento contrario otra vez, entonces tenemos una nota estacionaria y luego similar Movimiento. Entonces, para recapitular, tenemos movimiento similar, movimiento más similar, movimiento oblicuo, movimiento contrario, movimiento más contrario, movimiento oblicuo, movimiento contrario, movimiento oblicuo, movimiento contrario. Las mismas notas y movimiento similar. Si eso parecía mucho que absorber, ese es en realidad el punto. El motivo por el que elegí a Bach como nuestro primer ejemplo es porque es una especie de rey del contrapunto. Todo el propósito del contrapunto es mantener las cosas interesantes y cambiarlas constantemente. Realmente la única parte donde el contrapunto no está sucediendo en este apartado es en el principio, el resto está lleno de contrapunto. Ahora la razón por la que me acabo de centrar en el contrapunto que está pasando entre la parte soprano y la parte base es porque esa es muchas veces la forma más fácil de introducir contrapunto en tu propia escritura. Para ilustrar esto, veamos algunos ejemplos contemporáneos. Seven Nation Army de The White Stripes, es un perfecto ejemplo de contrapunto entre la línea de la melodía y el bajo. El bajo está en azul y la línea de melodía está en lectura. Entonces, vamos a descomponer algo del contrapunto que está pasando aquí. Por sí misma, la línea de la melodía es en realidad muy simple. Si nos fijamos en esta sección aquí, realidad es sólo una nota. El bajo es muy simple demasiado dado que es un gancho muy pegadizo, pero también es realmente repetitivo. Simplemente se repite una y otra vez. El mágico de esta pieza es cómo interactúan las dos partes, que es el contrapunto. Aquí ocurre la primera instancia de contrapunto y es movimiento oblicuo, donde la nota bajo permanece igual y la línea de la melodía se mueve hacia abajo. El siguiente apartado es movimiento totalmente oblicuo con la línea de melodía permaneciendo en la misma nota por lo que todo el movimiento viene de la línea de base. En esta siguiente sección , repite el mismo patrón. Tenemos movimiento oblicuo al principio, la única diferencia es que el nodo superior o la línea de melodía sube un poco más alto esta vez, y luego esta siguiente sección es movimiento oblicuo otra vez, con la línea de bajo moviéndose alrededor y la parte soprano permaneciendo igual. En esta siguiente sección, finalmente sacude un poco más las cosas donde tenemos algún movimiento oblicuo, luego algún movimiento contrario, movimiento similar, y luego movimiento paralelo, luego rematarlo por movimiento similar. sección final del verso es otra vez el movimiento oblicuo, y entonces el curso también es movimiento oblicuo. Entonces, para recapitular, la fuerza de esta pieza realmente está en el contrapunto y la interacción entre la línea de melodía y esta línea de bajo, y está dominada por el movimiento oblicuo, excepción de esta sección de aquí mismo, y Creo que eso proporciona una ruptura realmente necesaria al introducir un movimiento similar y paralelo como contraste con todo este otro movimiento oblicuo. 8. Ondas: parte 3: Ahora, antes de saltar al siguiente ejemplo de contrapunto, tengo curiosidad si nota algunos elementos del último par de capítulos aplicando a la pieza de Jack White. En primer lugar, que tenga un motivo muy fuerte aquí en esta parte basal. Se hace eco en la línea de la melodía y cómo salta arriba y abajo. También empleados repite para construir tensión, no sólo en la línea de base ya que esto se repite una y otra vez. El principal punto de alivio que viene cuando cambia aquí en el coro, pero también en la línea de la melodía que repite esta nota tantas veces para que cada vez que deja esa nota, es cuando se tiene la liberación de tensión, excepto en cualquier momento sí deja su salto hacia arriba. Aprendimos en nuestro capítulo sobre músculos que cuando te mueves a levantar el tono, eso aumenta la tensión. Entonces con todo esto en mente, escuchemos esto una vez más. Ahora bien, si volvemos un minuto al coro de Bach, lo que estábamos discutiendo antes, fue el contrapunto que estaba sucediendo entre la parte soprano y la parte base. Pero también hay mucho contrapunto que está sucediendo en medio. También hay mucho movimiento que está sucediendo en la parte alto y tenor para crear más interés en esta pieza. En ocasiones cuando la soprano o la línea base son más estacionaria, pone movimiento en estas partes medias. Esta es otra forma en la que puedes incluir contrapunto en tus piezas, que es definir una línea melódica que se asiente en algún lugar especie de en el medio de la mezcla entre la línea soprano y la línea de base, a diferencia del primer ejemplo que miró en la pieza de Jack White, donde realmente estaba entre la línea de melodía principal en la base donde sucedía ese contrapunto. Creo que un gran ejemplo contemporáneo de eso es esta pieza de Wilco, las notas rojas son la línea vocal principal, y las notas amarillas son la parte del violín. Pero quiero que escuchen es el contrapunto que está pasando entre estas dos partes. No voy a diseccionar cada instancia de contrapunto en la canción porque hay mucho y ya lo hicimos muy a fondo con las dos últimas piezas. Yo sí quiero llamar su atención sobre algunas formas generales que están sucediendo con respecto a esta relación contrapunto. Lo primero que quiero que se den cuenta es todo el movimiento contrario. Incluso puedes simplemente verlo aquí en las notas cuando una parte va hacia arriba, la otra parte va hacia abajo y viceversa. El movimiento contrario se sigue utilizando fuertemente a través de todo este apartado. Creo que es la característica definitoria, igual que el movimiento oblicuo fue a la pieza The White Stripes. Hay un momento diminuto, movimiento paralelo aquí al final, y debido a que hemos tenido tanto movimiento contrario previo a ello, tu año se retoma a pesar de que sólo sucede por dos notas. Con todo eso en mente, escuchemos esto una vez más. Hay un elemento más que vale la pena señalar en este contrapunto. Estas tres notas aquí son un motivo de tipo que surge varias veces, aunque con variación en el ritmo. Si tuviéramos que darle la vuelta a esto, mira lo similar que es a la línea que toca el violín. Tenemos un paso seguido de un salto de un tercio, y aunque el ritmo es un poco diferente, sigue siendo una variación de este motivo. Entonces para resumir lo que las olas tienen que enseñarnos sobre escribir melodías más fuertes, podemos ver el patrón de cómo las ondas superponen e interactúan entre sí en una orilla para darnos inspiración sobre cómo podemos crear diferentes melódicos líneas que interactúan y se superponen entre sí para crear más interés en tu música. 9. Proyecto de clase: Simplemente miramos muchas formas en las que podemos inspirarnos en la naturaleza en cómo ayudarnos a escribir líneas de melodía más fuertes. Miramos los árboles y lo que tenían que enseñarnos, un motivo y cómo puedes tomar este motivo y cambiarlo para crear una frase más grande, y miramos el humo y qué turbulencia tiene que enseñarnos sobre el elemento de sorpresa y cómo puedes trabaja eso en tu música, hablamos de los músculos y la importancia de la tensión y la relajación para crear movimiento en tus piezas y cómo puedes jugar con eso, y hablamos de formas de cómo puedes usar líneas melódicas superpuestas para crear más interés y complejidad. Si bien idealmente podrías usar todas estas ideas para crear melodías más fuertes para los propósitos de este proyecto de clase, quiero que solo escojas una y luego apliques algunas de estas técnicas a tu melodía. sea uno que hayas escrito antes o uno que vas a escribir específicamente para esta clase. Para ayudarte, he creado una hoja de trabajo para guiarte sobre cómo aplicar cada una de estas diferentes ideas a tu línea de melodía. Nuevamente, te animo a que solo escojas uno para empezar. Después de que desarrolles eso, adelante y aplica otra a la misma línea de melodía. Cuando termines, puedes subirlo a la sección de proyectos. Harás clic aquí para crear tu proyecto, y después asegúrate de añadir un título que incluya la descripción de qué técnica estás utilizando para desarrollar tu línea de melodía. Después haz una grabación, ya sea de audio o de video. Empieza por incluir tu idea original, y luego cada una de las variaciones que has desarrollado. Se puede hacer todo esto en una fila para que todo esté en el mismo video o en el mismo archivo de audio. Ten en cuenta que no puedes subir video o audio directamente a Skillshare, vas a necesitar alojarlo en otro lugar como YouTube o SoundCloud y luego pegar el enlace aquí. Por favor recuerda que este es un borrador rudo, no una pieza terminada, y el propósito de los ejercicios es solo para que pienses y pruebes muchas variaciones diferentes. Entonces, no seas tímido sobre publicar en lo que estás trabajando. Si sentiste que realmente aprendiste algo de esta clase, por favor publique una reseña o algunos comentarios y dime qué en particular te impactó realmente. 10. Critique: Student yash (parte 1): Para esta videolección, te voy a llevar a través de una crítica a una pieza enviada por un alumno para que veas cómo se aplican los conceptos para esta clase a algo que aún está en desarrollo. El pedazo que vamos a ver en este video es uno presentado por Josh y pude ponerlo al teléfono y tener una conversación con él sobre su pieza y cómo podríamos desarrollarla aún más. En este video, voy a cortar de ida y vuelta entre algún sedimento común que voy a hacer directamente a ti, al espectador, y también algunos extractos de mi conversación con Josh. Así es como se va a ver esto. Te voy a jugar mi conversación inicial con Josh. Entonces vamos a escuchar su pieza. Voy a proporcionar algunos pensamientos iniciales y observaciones basados en los conceptos de esta clase, y luego te voy a jugar un montón de extractos de cuando estaba trabajando con Josh sobre cómo podemos desarrollar esto más y finalmente, Te voy a tocar algunos extractos de nuestra conversación donde compartí algunos pensamientos finales con Josh. Josh, cuéntanos lo que te inspiró para crear esto y algunas de las ideas detrás de lo que trajiste aquí. Por supuesto. A mí me gusta jugar en la tecla G menor y sólo pensé en experimentar con la idea del motivo. Porque me parece que los motivos son realmente pegadizos, y son como una presencia única a una canción, como si acabas de escuchar el motivo y ya sabes qué canción es. Mi idea fue como, hey, puedo llegar a algún motivo usando lo que Jonathan ha enseñado en la clase y luego tratar de experimentar alrededor con él, tratar de hacerlo aún más interesante. A lo mejor intenta agregar algo de tensión, algunas notas altas, y luego simplemente jugar con ella. Entonces sólo se me ocurrió algo bastante básico. Ahora anteriormente, cuando has escrito música, ¿dónde te familiarizaste con este concepto de usar un motivo o esa fue una idea nueva después de tomar esta clase? Creo que lo sabía porque mayormente lo observaba, pero realmente no tenía nombre para ello. Eso no sabía ponerlo en palabras o tenía una estructura. Pero ya había escuchado esta canción tiene un riff o tiene esta intro que se repite en la canción. Pero no sabía que se llamara motivo, y esta clase me ayudó realmente a entender la teoría detrás de ella. Cuando escribiste música previamente, ¿escribirías muchas veces ganchos o riffs como los llamas? En realidad no he escrito ninguna música antes. Esta es una de las razones por las que tomé esta clase, es para entender realmente, oye, ¿cómo puedo ir a escribir melodías? su mayoría me he centrado en tratar de encontrar algunas progresiones de acordes interesantes, pero en realidad nunca llegué a adjuntarle una melodía. Te tengo. Está bien. Sí. Enfriar. Bueno, si nos sumergimos en tu pieza aquí, veo un motivo muy claro en estas primeras notas. ¿ Por qué no solo juego a través de esto aquí y le doy a todos la oportunidad de escucharlo. De acuerdo, entonces vamos a descomponer esto un poco. Al principio, tienes un motivo muy claro aquí mismo. Si recuerdas, un motivo tiene dos partes. Tiene un elemento rítmico y ciertos intervalos. El ritmo es muy claro. Es dun, dun, dun, dun, y los intervalos empiezan con un salto y luego un salto hacia abajo, y luego un paso arriba, y vemos que ese mismo patrón se repite otras dos veces. Los intervalos de nota son diferentes. Pero en general tenemos un salto, otro salto hacia abajo, y luego un paso hacia arriba. Lo mismo aquí. Un salto hacia arriba, un salto hacia abajo, y luego un paso hacia arriba. Entonces tenemos un segundo motivo que entra, que es un montón de cinco notas descendentes medida que se mueven hacia abajo y luego empezamos de nuevo toda la frase. Ahora habrás notado, como lo hice cuando escuchaba esta línea de melodía, que es bastante similar a la que presenté en la clase en cuanto a tener un motivo que se repite tres veces y luego un segundo motivo en el fin, y quiero decir algo al respecto. Si eres un estudiante principiante como lo es Josh, que apenas está empezando a escribir melodías, lo mejor que puedes hacer es robar y copiar a otras personas. Si estás empezando, este no es el momento de estar tratando de crear algo nuevo. Ni siquiera pienso realmente que haya algo nuevo, de todos modos. Todo se trata de repetir y remezclar lo que ya hay ahí fuera. Pero de nuevo, al inicio de tus estudios, es increíblemente importante tomar lo que ya está funcionando ahí fuera y jugar con él para que te familiarices con lo que hace una línea de melodía fuerte. Ahora cuando analizamos esta melodía por sí misma, decir sin acordes debajo, es decir sin acordes debajo, sin duda nos resulta fácil mirar el motivo y analizar un par de elementos más, como en la disonancia rítmica que está sucediendo desde la sincopación. También, cómo la frase baja un poco aquí y luego llega a su punto, lo que creará una cierta cantidad de tensión que se libera al final de la frase. Sin ningún acorde, nos cuesta determinar si la pieza es generalmente consonante o la cantidad de disonancia. Josh suma acordes a la segunda parte aquí. De inmediato, diría que esta canción caería más en el tipo de categoría de música pop porque es bastante accesible para escuchar, significa que no hay muchas secciones que realmente desafían al oyente con un alto grado de disonancia o complejidad rítmica, y la mayoría de las notas se alinean con los acordes debajo de ellos, excepto este acorde aquí mismo. Tenía curiosidad por saber si esto era intencional, y así le pregunté a Josh al respecto. Sí. En realidad, ese es un buen punto. Yo sí traté de mantenerlo consonante, y luego me di cuenta de que necesito agregarle algo de disonancia. Entonces pensé, oye, ya sabes qué, bajaré la cooperación pero mantendré el motivo en el mismo lugar y eso sumó la disonancia. Entonces ese fue un esfuerzo consciente que hice. Está bien. Entonces un par de reflexiones sobre eso. nuevo, creo que es realmente encomiable para Josh, ya que apenas está empezando a probar todas estas técnicas en el contexto de escribir su propia línea de melodía, para no juzgar y sólo ver qué pasa. Porque cuanto más experimentes estas ideas, más fluidez vas a conseguir en usarlas y eventualmente perfeccionarás en cómo usarlas. Pero si no experimentas, terminarás estancándote y nunca creciendo. Entonces no tengas miedo de probarlos, aunque los resultados terminen siendo algo con lo que no estás contento. De acuerdo, de vuelta a su línea de melodía con los acordes debajo. Enseguida del bate, tengo un par de sugerencias. Creo que el primer acorde funciona bien. El segundo acorde definitivamente tiene bastante disonancia a ella que siento es un poco fuera de carácter con una pieza orientada al pop donde tiende a ser bastante consonante y no tener mucha disonancia. No obstante, podría ser solo ese elemento de especia lo que lo hace realmente único. Entonces tal vez lo dejaría. El voicing en el tercer acorde crea algunos retos por delante. Realmente no quiero entrar en demasiado detalle sobre eso, pero sugeriría cambiar estas notas por éstas en su lugar, así que suena así ahora. Principalmente porque ya ha establecido un patrón de que estas dos notas toquen un acorde, y se están moviendo hacia abajo, yo solo mantendría esa progresión en marcha. A medida que la línea de la melodía va subiendo, la línea de base va bajando. Esto necesita ser movido hacia abajo también. Ahora bien, este acorde, creo que es un verdadero problema. Usando este acorde, termina creando la impresión de que la frase está terminando. Podríamos simplemente terminar ahí y parar, pesar de que eso suena un poco incómodo. Creo que lo que funcionaría mejor es si volviéramos a un acorde F mayor. En este momento tenemos G menor, F mayor, E-flat mayor, se remonta a F, y luego G otra vez. Así suena esto después de haber cambiado los acordes. La otra cosa que podría sugerir es cambiar este acorde a un menor de C. Ahora escuchemos cómo suena eso. Estas son algunas sugerencias menores, pero están cambiando la progresión de acordes para estar un poco más en línea con el tipo de progresiones de acordes que podrías encontrar en la música pop. No es que esté tratando de convertir la pieza de Josh en una canción pop, pero como mencionó, esa ya es la dirección que iba. Por lo que estoy tratando de hacer sugerencias que estén en línea con el género al que está apuntando. 11. Critique: Student yash (parte 2): Para la última sección de este video, voy a incluir algunos extractos de uno que trabajé con Yash en formas en que podría desarrollar esto más. Consideramos que este material inicial es como un verso, y luego improvisé algunas ideas que podrían funcionar para el coro. [ MÚSICA] Tal vez podría ir a otra cosa diferente allí. Déjame hablarte un par de cosas que me vinieron a la mente cuando toqué ese coro. Si miras tu pieza inicial aquí, mira aquí, cada dos medidas estás cambiando un acorde. Hay dos medidas. Aquí hay otro cambio de acorde, excepción de esta pequeña sección aquí, tal vez cambie un poco más rápido. Pero en su mayor parte, se siente dibujado tu aterrizaje en este acorde y estás sentado en él, y lo que pensé es que si vamos a llegar al coro, cambiemos esa medida para cambiarla. Lo que eso va a hacer es que va a crear más movimiento. ¿ Da más turbulencia también? Sí, pero lo estamos moviendo hacia adelante. Hay más cambios que están ocurriendo. Se va a aumentar la cantidad de drama que viene en esa sección en particular. [ MÚSICA] Podría tomar el elemento rítmico de este segundo motivo y desarrollarlo en un coro, tal vez incorporando algunos de los saltos que hay ahí. Tocaré este coro y lo haré escrito aquí para que la gente pueda ver cómo se ve. [ MÚSICA] Realmente no me gustó cuando estaba tocando esa última parte al final. Esta vez que jugué a través de él es más similar y más derivado del segundo motivo versus el primero. Cuando probé esto la primera vez, hice el curso un poco más parecido al primer motivo. Escuchemos eso aquí. [ MÚSICA] Eso es un poco más parecido al primer motivo, y traté de reproducirlo otra vez por aquí. Esta vez, lo hice más parecido a la estructura rítmica al segundo motivo. [ MÚSICA] Simplemente depende del camino que quisieras ir, pero esas son dos opciones diferentes para ti. Dime en qué piensas. ¿ Cuál tal vez prefieres o tal vez no te guste en absoluto? Solo te estoy dando algunos ejemplos de dónde podrías construir a partir de la idea. Creo que me gusta el segundo más. No sé por qué, pero me gusta un poco más ese. También tiene una agradable alternancia entre lo que se juega con la mano izquierda y la derecha para que a todos los lados les guste más turbulencia. Agrega más emoción a la canción. Eso me gusta más. Sí, me gusta ese un poco mejor también. Lo que yo diría es parte de la razón de eso es cuando lo hice la primera vez que ya jugamos a través de este primer motivo varias veces. Ya lo has oído tres veces aquí. lo hemos escuchado tres veces otra vez, y luego llegamos al coro. Si estamos tocando de nuevo la misma idea rítmica, apenas está empezando a cansarse un poco en este punto. Lo que creo hace que la segunda versión que se me ocurrió aquí funcione un poco mejor es que tu segundo motivo; y la estructura rítmica de eso realmente sólo la hemos escuchado dos veces, y lleva justo al coro. Tomar este motivo aquí en esta estructura rítmica y simplemente continuarlo en algunas notas diferentes nos permite tener un poco más de variación a eso, y estamos construyendo sobre el segundo motivo. Es como los versos sobre el primer motivo con un pequeño indicio del segundo aquí, y luego llegamos al coro; y podría ser una gran idea dar la vuelta a eso y hacer el coro mayormente sobre el segundo motivo, y luego tal vez lanzar un poquito del primer elemento rítmico desde el primer motivo solo para atarlos juntos. Entonces cuando volvamos al verso de nuevo, vamos a estar listos para escuchar ese motivo porque ya hemos agotado un poco más el segundo. Ahora, este pico aquí definitivamente se siente como si le tuviera mucha energía porque es tan alto, y lo estamos repitiendo varias veces. Exactamente la misma frase. [ MÚSICA] Esa sería una forma de hacerlo es quizá hacer el curso un poco más largo y subir aquí, hacerlo aún más alto. Déjame tocar eso como un coro. [ MÚSICA] Voy a intentar eso otra vez, el coro. Supongo que depende del rango. Lo bonito del piano es que no tienes límite desde el punto de vista del canto. Melody line podría seguir subiendo y subiendo y subiendo. Pero tendemos a responder a la música pop o aunque sea con el piano, algo que se siente un poco cantable. O tal vez podrías ir así. A mí me gusta cuando sube a esta nota aquí, le da parejo, toma un coro que ya llena dramático y lo empuja hacia arriba aún más alto. Ahora bien, puede que esa no sea la dirección que quieres ir con tu pieza. Es posible que desee que sea un poco más tenue? Pero sólo estoy tratando de experimentar con. Llevémoslo aún más lejos, y siempre puedes tirarlo un poco atrás si estás como, “Meh”, tal vez eso fue un poco demasiado. Entonces por eso lo estoy empujando un poco más arriba en su rango y viendo como, podría incluso ir más alto la línea de la melodía. Para ver hasta dónde podría llegar. Entonces cuando escribes, lo que espero que estés ganando de esto es intentar empujarte aún más a veces, en términos del rango. Repitiendo el motivo más veces de las que piensas, entonces te podría gustar, y puedes oírlo. Entonces si empieza a cansarse de ti, tira de ella hacia atrás o cámbiala de alguna manera. Pero no tengas miedo de tomar tus motivos y volverte loco con ellos, empujando el rango mucho más alto, agregando algo más de turbulencia al ritmo, quitando turbulencias y quitando rango y viendo si eso funciona. La mayoría de las canciones pop tienen verso uno, coro, verso dos. Entonces estás volviendo a la misma línea de melodía en el segundo verso, pero estás usando palabras diferentes. Por lo que eso proporcionará cierta cantidad de variación al segundo verso. Si solo va a estar en el piano, entonces vas a volver al segundo verso, eso presenta mucho más reto para no cansarte por el hecho de que estás usando en esta repetición. Si le estás agregando tambores o cuerdas o algo más, eso puede ayudar a crear alguna variación. piezas de piano solo por sí mismas son muy difíciles, porque no tienes ninguna palabra que puedas usar para cambiarla. No tienes ningún otro instrumento que traer. Por lo que las formas de proporcionar variación estarían potencialmente en el acompañamiento, o cambiando la octava, como dije antes. Incluso sólo cambiarlo podría tomarlo muy alto. Eso ayuda a proporcionar parte de esa variación y a cambiarla. Eso a veces son dos cosas diferentes. su mayoría, lo que hemos estado viendo es la estructura básica de tu línea de melodía, no el arreglo, porque no tienes un arreglo, solo tienes la estructura básica. Entonces de alguna manera, esas son dos cosas diferentes cuando estás pensando en desarrollar tu pieza. ¿ Tienes alguna otra pregunta al respecto? Creo que una cosa que estaba pensando es como, ¿empiezo con como una progresión de acordes primero o como sacar esa primera idea me pareció la más desafiante. Porque una vez que tienes como una estructura básica, entonces puedes jugar con ella. Pero sacando esa primera cosa, me pareció un poco difícil y para mí, me ayudó a tener alguna regresión de acordes y luego construir melodía a su alrededor pero, eso es algo común que hacer? Definitivamente. Yo diría por mí mismo, probablemente estoy haciendo algunas de esas cosas más o menos al mismo tiempo porque lo he estado haciendo por un largo periodo de tiempo porque llevo haciendo esto por un tiempo. Entonces estoy oyendo muchas veces la progresión del acorde y la línea de la melodía ocurriendo simultáneamente. No obstante, hay muchas veces que me siento y tal vez sólo estoy tocando a través de unos acordes, podría cantar algo por encima de eso que sería diferente a las notas que estoy tocando en el piano. A veces hay una línea de melodía y luego estoy tratando de cambiar los acordes por ella. No hay una verdadera manera correcta o incorrecta de hacerlo. Yo te animaría a que te empujes para probar en ambos sentidos. Entonces crea algunas progresiones de acordes que te gusten, y luego ve si puedes desarrollar una línea de melodía encima de eso. Después, a veces, siéntate y trata de escribir una línea de melodía, luego agrega acordes a eso y ve si puedes averiguar algo único que apoye eso. Cuanto más pases tiempo haciendo ambas cosas, podrías encontrar que terminas haciéndolo simultáneamente porque las has hecho de manera aislada. Pero de nuevo, incluso yo diría que me balanceo a través de ese espectro completo. De verdad, cuando estás tratando de desarrollar tus habilidades de composición, no quieres hacerlo de una manera demasiado. Definitivamente te animaría a, de nuevo, empujarte a crear variaciones sobre lo que estás haciendo y probarlo de diferentes maneras, simplemente para fortalecer tu conjunto de habilidades. Cuando creé esta clase, y proporcioné algunos de estos ejemplos para mostrar cómo puedes tomar una línea de melodía y empujarla más allá entonces incluso lo que te pueda gustar. La versión que realmente le agregó mucha turbulencia, o realmente cambió el motivo, al final puedes decidir, “realmente no me gusta esa versión”. Pero cuanto más puedas extender frente a ti un montón de opciones diferentes, te ayudará a elegir la que más te guste. En mi crítica, estoy tratando de tomar el motivo que creaste y el estilo en el que estás tocando, luego expandirlo dentro de tu propia voz. Es difícil no incluir mis propias ideas en ese proceso pero, estoy tratando de ponerme en tus zapatos y decir: “Si este es el tipo de idea melódica y la sensación y la vibra que tienes a tu música, ¿qué podrías hacer para tomar eso y expandirlo y desarrollarlo?” Cuando escribes música, trata tanto de tu oído y aprender a afinar lo que te gusta y lo que no te gusta. Yo lo planteé todo un montón de veces en la clase que realmente ya no hay forma correcta o incorrecta de hacer las cosas? Había un periodo de tiempo en la historia de la música donde tenían reglas mucho más estrictas sobre cómo debían sonar las cosas. Principalmente como en una época de Bach, Beethoven o Mozart. La gente se enojó mucho cuando algunos compositores empezaron a salir fuera de esas reglas. No sé si estás familiarizado con un compositor llamado Stravinsky, pero escribió esta pieza que la primera vez que se tocaba, era su Rito de Ballet de Primavera. Creo que fue en 1911 cuando la gente lo escuchó, pensaban que era tan escandaloso y tan afrenta a las tradiciones musicales en su momento que tuvieron un motín y una pelea en el Ballet, porque la gente se sentía tan ofendida por esa música que él estaba creando. Parece un poco tonto ahora porque hay mucho mayor rango de música que hay ahí fuera. La gente es mucho más aceptando hoy en día. No obstante, a veces esa mayor aceptación puede llevar a que la gente diga: “Bueno, lo que sea, sólo depende de ti. No hay bien ni mal en la forma de hacerlo”. Estoy tratando de equilibrar eso diciendo que puede ser cierto, pero hay algún tipo de fundamentos musicales que si te apoyas en ellos, pueden ayudar a que tu escritura sea más fuerte. A pesar de que sigue bajando a tu oído, determinando cuánta disonancia quieres ahí dentro, cuánta turbulencia quieres incluir, cuánta repetición quieres escuchar para esta línea melódica. Philip Glass fue un compositor que utiliza una tremenda cantidad de repetición hasta el punto de que muchas personas apenas pueden soportar escuchar su música porque la repite una y otra vez y otra vez, para agregar náuseas para algunos personas. Entonces creo que lo más importante que hacer, es ponerte atención por ti mismo y hasta algunas de las ideas que tiré aquí. Observe lo que le agarra. Estás como, “Sí, me encanta cómo suena eso”, y luego intenta profundizar en eso un poco más para empujar en ese sonido y mirar lo que está haciendo ese sonido. ¿ Es la repetición? ¿ Está cambiando las progresiones de acordes? Dijiste que estabas notando algo en el coro que le estaba haciendo a los acordes, eso realmente resonaba contigo. A lo mejor toma lo que he creado aquí y mira eso un poco más de cerca y ve si puedes incluir más de eso en tu música, o cualquier otra cosa que escuches cuando escuchas algo y resuena contigo. Trata de descomponerlo con algunas de las ideas que presenté en esta clase. Esto me gusta porque la línea de la melodía no sube y baja mucho, prácticamente se queda en una gama muy pequeña. Genial. Bueno, a ver si puedes escribir piezas que la línea de la melodía se quede en un rango muy estrecho, tal vez escuchar piezas y tú estás como, “Dios, me encanta cómo van por todo el lugar, suben tan alto y tan bajo”, y luego prueban para escribir algunas piezas que estarían más en línea con eso. ¿Eso tiene sentido? Sí.