Cómo entrar en personajes y actrices

1. Introducción: Hola, me llamo Justin pal. Soy actor y actor de voz basado en Los Ángeles. Y esta clase está diseñada para enseñarte a contestar la pregunta amorfa, ¿Cómo me meto en el personaje? Ahora hace un par de años, yo era miembro de una compañía de teatro y el director de mi Compañía de Teatro me preguntó cómo me meto en el personaje. Me di cuenta en ese momento, no sé contestar esta pregunta. Es decir, entendí lo básico de ello. Tienes que entender tus líneas a través y a través. Tienes que conocer las motivaciones del personaje de tratar de conectarlas a tu propia vida interior. Pero realmente no pude describirlo, o al menos describirlo en un proceso repetible. Por lo que decidí crear esta clase para compartir una técnica que cualquier actor pudiera usar para entrar en el personaje. Ahora por supuesto, cada actor es diferente. En ocasiones los actores son más capaces de encontrar al personaje trabajando en la fisicalidad. Algunos actores realmente necesitan ahondar en la psicología del personaje para poder entenderlos. Entonces yo diría que prueba cada una de las herramientas que pongo y luego ve qué funciona para ti. Ve a cuáles te gustaría priorizar cuando vayas a crear personaje. Y a cuáles crees que puedes llegar hacia el final de la cola del proceso de ensayo sin más preámbulos, empecemos a crear un personaje. 2. Leer el guion: Por lo que has estado en caché en este increíble rol, el rol con el que siempre has soñado. Pero antes de que puedas subir a ese escenario o pisar frente a esa cámara y dar el rendimiento de toda la vida. Había algo muy importante que debemos hacer primero, tenemos que leer el guión. No sólo vamos a leer el guión una vez sin embargo. Vamos a leer el guión tres veces espalda con espalda si es posible. El primero leído. Nuestro objetivo aquí es abrazar la historia simplemente como fan de la narración, como miembro del público, entonces queremos ver qué elementos de la historia resuenan dentro de nosotros. Hágase la pregunta, ¿qué partes de la historia me golpearon emocionalmente? ¿ Qué personajes me gustan más? ¿ Cuáles son los temas de esta historia? ¿ Cuál es la trama de la historia? ¿ Cuáles son las subtramas de la historia? El segundo leído. La segunda lectura es todo sobre ti. Vas a leer la historia todo desde la perspectiva de tu personaje. Entonces toma las cosas personalmente, deleitarse con el ambiente de la historia. En escenas donde tu personaje no está en la habitación, imagínate que son una mosca en la pared escuchando esta conversación. ¿ Qué pensamientos o sentimientos podrían surgir para ellos al escuchar esto? Las tomas que obtienes al leer el guión así no son algo que deba colocarse en piedra como un rasgo definitivo o sentimiento del personaje. Pero son señales únicas que te guían hacia donde tu instinto quiere explorar, donde tu curiosidad yace con el personaje. El tercero leyó. Para la tercera lectura, queremos anotar cualquier hecho que descubramos sobre el mundo de la historia, así como hechos relacionados con nuestro personaje. Entonces averigúlate qué hora del día es, qué año es. A lo mejor hay una línea en el diálogo que describa el tipo de ropa que todos usan. No saltes a conclusiones sin embargo. Asegúrate de que haya una línea real que dicte el hecho de que anotes. El, por ejemplo, si un personaje dice ropa bonita y tú tomas eso para significar que todo el mundo está usando trajes? Bueno, eso es todo un salto en la lógica. Entonces queremos asegurarnos de que haya evidencia textual para el hecho de que escribamos en lo que respecta a tu personaje justo abajo cualquier cosa que se diga de ellos. En Sueño de Noche de Verano. En Sueño de la Noche de Verano, Helena dice de Crimea aunque sea poco. Ella es feroz. Ese es el tipo de línea que querrías escribir sobre tu personaje. No significa necesariamente que el personaje se vea a sí mismo como feroz, pero es importante saber cómo los perciben otras personas en el mundo. Después de que hayas terminado de leer el guión tres veces, siéntete libre de tomar un descanso de él. Pero estaremos regresando al guión a lo largo del proceso de ensayo, es importante leer el guión tanto como puedas sumergirte en el mundo del guión. Se dice que Anthony Hopkins lee sus guiones unas 100 veces. En realidad no memoriza las líneas. Memoriza todo el guión. A veces volver a visitar el guión después de un tiempo de trabajar en el personaje puede llevar a nuevas perspectivas con el personaje también. Por lo que para resumir, durante tu primera lectura, léala como miembro del público. Durante tu segunda lectura, léala desde la perspectiva de tu personaje. Durante tu tercera avaricia a través. Anote todos y cada uno de los hechos relativos al mundo y a su carácter. Ahora vamos a pasar a las preguntas de seis actores que necesitamos para meternos en el personaje. 3. ¿Quién soy?: ¿ Quién soy yo? Ahora bien, esta no es una pregunta filosófica profunda diseñada para romperte. Está diseñado para nuestros personajes para que podamos dejar de lado cualquier miedo existencial por ahora y simplemente enfocarnos en el personaje antes de empezar a ahondar en esta enorme pregunta de ¿quién soy? Y lo importante a recordar es que siempre queremos relacionarnos de nuevo con el guión. Recuerda actuar como parte de una forma de arte colaborativo. Todos los que están trabajando en la obra o en la película tienen también una voz artística que les gustaría prestar a la historia. Por lo que siempre tenemos que asegurarnos de que nuestras elecciones respondan veracidad a las necesidades e intenciones del guión. Para tomar ese tipo de decisiones, tenemos que entender cómo encaja nuestro personaje en la historia. Entonces trata de entender cuál es la trama de la historia. ¿ Cuáles son las subparcelas? ¿ Quiénes son los protagonistas, quiénes son los antagonistas? Trató de descifrar el papel de tus personajes en la historia. ¿ Son el héroe de esta cola o son el villano? Yo, David olfateando cobarde que vende a sus amigos? ¿ O son ellos el poderoso guerrero luchando contra el statu quo? Entonces intenta entender a tus personajes arco a lo largo de la historia. Un arco de carácter es cuando un personaje comienza en un solo lugar en el inicio de la historia, pero al final de la historia se transforma ya sea emocional, psicológicamente, o físicamente, o los tres. Un buen ejemplo de esto viene de la película, Las oportunidades de Padrino. Y Michael Corleone empieza a filmar fuera sin querer tener nada que ver con el negocio mafioso de su familia. Pero al final de la película, vemos que se ha convertido en el nuevo amanecer, el jefe de la familia criminal. Entonces en lo que respecta a tu propio personaje, se preguntó cuándo, cómo y por qué cambia mi personaje? ¿ Comienzan como una persona generalmente buena y se convierten en malvados hacia el final del guión. En un principio, ¿son alguien que es más de un lobo solitario? Pero al final de la historia, se dieron cuenta que sí necesitan una comunidad. Nuevamente, les recordaré que todo personaje debe servir la historia. Entonces si tu personaje empieza como un buen tipo que luego se vuelve violento, malvado al final de la historia. Bueno, tienes que jugar con esa mentalidad de chico malo. En ocasiones los actores juzgan a sus personajes. Si un personaje hace algo malo, los miran como una mala persona. Pero una persona malvada rara vez piensa que son malvados. Tienen sus razones. Creen que lo están haciendo bien. Es nuestro trabajo como actores empatizar con ellos y ver cómo podemos entender lógicamente e incluso estar a bordo sólo en la obra con sus acciones. Ahora haciéndose la pregunta, ¿quién soy yo? Va a ser un proceso. Empezamos el primer día, y vamos a seguir explorándolo a lo largo del proceso de creación de personajes, lo largo del proceso de ensayo. Una forma en la que podemos ayudar a identificarnos con la vida interior del personaje. Es un truco sencillo, pero es bueno, es empezar a referirse al personaje con el pronombre personal. Entonces, por ejemplo, si yo estaba jugando a Macbeth y me hice la pregunta, ¿por qué Macbeth mataría al rey? En lugar de frasearlo así, lo que pone cierta distancia entre yo y el personaje. Yo lo expresaría así. ¿ Por qué mataría al rey usando el pronombre personal yo, se vuelve más personal para mí. Soy mejor capaz de engancharme a la vida interior del personaje. O. en resumen, siempre apegarse al guión. Entiende el papel de tus personajes en la historia. Averigua la trama y subtramas de la historia. Averigua el arco de tu personaje y empieza a usar el pronombre personal I. En el siguiente video, discutiremos cómo la ubicación juega un papel importante en la creación de tu personaje también. 4. ¿Dónde estoy yo?: ¿ Dónde estoy? La siguiente pregunta que tenemos que hacernos es, ¿dónde estoy? Todos nos comportamos de manera diferente en función de la ubicación en la que nos encontramos. Por ejemplo, no actuarías de la misma manera en una iglesia como lo harías en un partido de futbol. Todos interactuamos con nuestro entorno y nuestro física y emocionalmente movido por él. Nuestro entorno influye en nuestras acciones. Imagina salir de la ducha en tu propia habitación. Ahora imagina salir de la ducha y de alguna manera te han teletransportado a mitad de la ciudad de Nueva York, te vas a comportar de manera diferente. No es sólo la ubicación física con la que tenemos que preocuparnos. También tenemos que considerar el entorno en el que nos encontramos, particularmente los detalles sensoriales que pueden estar afectándonos en ese momento. Entonces con cada ubicación en la que está tu personaje, pregúntate, ¿qué hace aquí mi personaje? ¿ A qué huelen? ¿ Qué sintieron? Una nota rápida sobre nuestras habilidades sensoriales. Eso es algo en lo que como actores deberíamos estar trabajando constantemente para desarrollarnos. Muchas veces la irrealidad del escenario o del plató cinematográfico en el que estamos puede ser abrumadora. Y ahora muchas veces los actores tienen que trabajar en una pantalla verde donde no tienen ningún objeto físico a su alrededor para conectarse. Incluso hay una historia sobre e y Macallan rompiéndose en el set del hábito. Ahora por set, quiero decir, en la pantalla verde del Hobbit, empezó a llorar y a decir que no es por eso que me metí en actuar para actuar sin nada a mi alrededor y mira, estoy contigo siria, Eso es difícil, sumergiéndonos en los detalles sensoriales del entorno que se supone que el carácter está en buena ayuda nos base en nuestra actuación. Pero otra cosa a considerar es dónde estás en términos de sociedad y en términos de cultura, quieres averiguar en qué tipo de sociedad vive tu personaje. ¿ Son alguien que es respetable y sociedad? O miraron hacia abajo, son un forastero o están acostumbrados a este mundo al trabajar en la ubicación, también tenemos que considerar el momento antes de entrar a una escena y el momento en que salimos de una escena. Entonces considera lo que tu personaje pudo haber estado haciendo antes de que llegaran a la escena. Si están saliendo de la escena, trate de considerar a dónde podrían estar yendo y qué van a hacer. Entonces, para resumir, descifrar la ubicación física en la que se encuentra tu personaje. ¿ Cuáles son los detalles sensoriales del entorno en que se encuentran tus personajes? ¿ Cómo es la sociedad? ¿ Cómo es la cultura? Por lo que hemos visto algunos de los matices que la ubicación puede aportar a nuestros personajes. Ahora tenemos que hacernos una pregunta muy importante para citar al Dr. espacio-tiempo de comunidad. La pregunta no es dónde, sino cuándo. 5. ¿Cuándo soy yo?: ¿ Cuándo estoy cuando hacemos la pregunta, cuándo estoy? No se refiere sólo a la hora del día o de la noche que son personajes en. También se refiere a dónde se encuentran en la línea de tiempo. ¿ La historia tiene lugar en el pasado, el presente, o en el futuro? Si tu historia se desarrolla en el pasado, felicitaciones, porque él, acabas de desbloquear un tesoro de recursos para la inspiración. Cuando estás interpretando a un personaje que estaba en el pasado, puedes buscar documentales, puedes mirar fotografías antiguas. Se pueden encontrar libros escritos en ese tiempo, o libros que analicen ese tiempo. Incluso puedes encontrar música de ese momento para escuchar. El objetivo de esta investigación es comprender mejor las normas sociales, las texturas que podrías sentir durante ese tiempo, los olores, podrías oler. Cualquier cosa que pueda ayudarte a entender la era en la que estás. No obstante, una de las trampas que tenemos que tener cuidado cuando estamos trabajando con un personaje que está en el pasado, es que nos puede llevar a una actuación cliché. Por ejemplo, si estás interpretando a un vaquero, bueno, todos hemos visto películas de vaqueros. Todos hemos jugado juegos de vaqueros. Entonces todos tenemos una concepción general de lo que es un Vaquero. Se aferran a su cinturón. Dicen compañero aullido, y así sucesivamente y así sucesivamente. Si solo decides actuar como la generalización de un vaquero, entonces va a ser más difícil conectarte con la vida interior de tu personaje. Al promulgar nunca queremos ser generales, queremos ser específicos. Un gran ejemplo de especificidad proviene de El Padrino. Cuando Marlon Brando interpretó a Don Corleone, creó la voz icónica que todos reconocemos con el padrino. Decidió que el Padrino había recibido un disparo en el cuello, razón por la cual habló con esa voz raspa. Ahora su elección fue específica. Pero hemos visto en muchas otras imágenes mafiosas, gente trató de emular esa misma voz para sus personajes, y siempre le falta un poco. Carecen de la especificidad que tenía Marlon Brando, entre otras cualidades sorprendentes. Ahora cuando se trabaja en la cuestión de cuándo soy yo, queremos considerar el tiempo, más específicamente, queremos considerar los eventos que llevaron al inicio de la historia. Entonces, ¿qué pasó en los días previos a esta historia? ¿ Qué pasó en los meses anteriores? ¿ Qué pasó en los años anteriores? ¿ En qué edificó tu personaje? Cuando entendemos el pasado, puede fundir nuestra actuación y puede ayudarnos a comprender las necesidades y deseos del personaje en el presente. Si estás trabajando en el presente, siguen siendo investigación que puedes hacer. Por ejemplo, si tu personaje es un activista por los derechos de los animales, entonces empieza a profundizar en la investigación sobre los derechos de los animales. Trata de entender cómo es ese estilo de vida como tus personajes en el futuro. Esa es probablemente una conversación que vas a querer tener con el director o el escritor de la película. Cuando las personas hacen nuevos mundos, a veces tienen reglas diferentes que se promulgan en todo el mundo. Esas reglas pueden impactar a tu personaje. Entonces, en resumen, averigüe dónde en la línea de tiempo se encuentra, el pasado, el presente, o el futuro. Evita los clichés. Ve con especificidad. Entender los hechos previos previos previos al primer momento de la historia. Ahora que ya se ha cubierto el tiempo, es hora de pasar a nuestra siguiente pregunta. 6. ¿Qué sí?: ¿ Qué quiero? Como seres humanos? Todos estamos impulsados por deseos y necesidades. Estos deseos y necesidades se manifiestan en nuestras acciones y nuestras palabras. Entonces discutamos objetivos para decirlo de manera clara, y objetivo es lo que quiere tu personaje. A algunos actores les gusta considerar un súper objetivo para su personaje. El Super objetivo es una necesidad que gobierna los personajes toda la vida en Tennessee Williams, un gato sobre un techo de hojalata caliente. Podemos ver cómo el personaje de Maggie se rige por el Super objetivo de ser económicamente estable. la primera escena que discute cómo siempre fue la familia broker y vemos cómo este súper objetivo guía sus acciones y sus palabras a lo largo de la historia. Para algunos actores, saber que son súper objetivos es increíblemente útil. Encuentran que fundamenta esa actuación y les permite saber hacia qué deben estar trabajando siempre sus personajes. No obstante, algunos actores prefieren simplemente centrarse en los objetivos encontrados en la historia. Eso es algo que todos debemos hacer. Así que pasa por la historia y descubre tus mayores necesidades y deseos en cada escena en la que se encuentra tu personaje. Estos objetivos deben vincularse a los acontecimientos y preferencia hacer avanzar la acción dramática. Una buena manera de encontrar estos objetivos es preguntándose, si yo estaba en la situación del personaje, ¿qué querría? ¿ Haciéndose esa pregunta? Si yo estuviera en este escenario se refiere como la magia. Si se trata de una herramienta que fue creada por Constantine Stanislavski, puedes utilizarla siempre que estés trabajando en el personaje. La idea es preguntarte, si yo estaba en esta posición, si tuviera este tipo de padres, si yo fuera el príncipe de Dinamarca, ¿Cómo me comportaría? Eso nos ayuda a conectar nuestras emociones, nuestra vida interior, con los personajes de su vida. Ahora bien, los objetivos no son algo para haber puesto en piedra después del primer ensayo. Se quiere experimentar con objetivos. Entonces, por ejemplo, podrías tomar un objetivo para ensayar, probarlo en la escena y luego probar otro al día siguiente. De esa manera podrás ver cómo cambia tu desempeño con diferentes objetivos. Por lo que los objetivos no son fijarse en piedra. Hay herramientas para ayudarnos a explorar el personaje. Otro consejo con objetivos es tratar siempre de escribirlos de forma positiva. Por ejemplo, podrías escribir, quiero que se quede en contraposición a que no quiero que me rechacen. Cuando usamos un objetivo positivo, nos da algo para perseguir activamente en la escena, lo que hace que nuestra actuación sea más activa y más atractiva. Ahora a veces en medio de una escena están los objetivos pueden cambiar. Esto es lo que se conoce como un latido. Por ejemplo, si mi personaje llegaba a casa para romperse con su novia, abre la puerta, enciende las luces y de repente todos sus amigos salen por detrás de los muebles y gritan sorpresa. Su objetivo de ruptura con su novia va a cambiar. Es algo a buscar en nuestro guión. Pregúntate, ¿cuándo cambian mis personajes objetivos en la escena? Entonces en resumen, los objetivos son lo que quiere el personaje. Un súper objetivo es la sola necesidad que gobierna la vida del personaje. Descubre lo que el personaje quiere en cada escena. Encuentra los ritmos en las escenas. No pongas objetivos y piedra. Entonces claro que todos queremos cosas. El problema es que siempre hay algo que se está interponiendo. De eso hablaremos a continuación. 7. ¿Qué es mi obstáculo?: ¿ Cuál es mi obstáculo? Imagina ahora una historia donde un personaje deseaba desesperadamente un Twinkie. Ella caminó hasta el refrigerador, lo abrió. Ella agarró al Twinkie y lo sombreó. El final. O imaginado en Señor de los Anillos, si Gandalf le dio a Frodo El Anillo, pero luego dijo, no te preocupes pequeño hobbit, puedo crear un círculo de teletransportación, pero nos llevará derecho al Monte Doom. Deberíamos terminar con esto en unos dos minutos plano. Bueno, eso destruiría mi infancia. Y también sería una historia menos convincente. Ves que nuestros personajes tienen estos deseos, estas cosas que tratan de lograr. Pero la historia sólo es interesante porque las cosas se interponen en el camino. Los obstáculos son las cosas que impiden que nuestros personajes obtengan lo que quieren, o al menos intentan evitar que nuestros personajes obtengan lo que quieren. Ahora, los obstáculos no tienen que ser sólo objetos y personas. Pueden venir de tus circunstancias pasadas y presentes. Pueden venir de tu propia psique, los objetivos conflictivos de otros personajes, tus relaciones, e incluso de tu entorno. Sin obstáculos, no hay conflicto. Y sin conflicto, no hay drama. Entonces, como actores, lo que tenemos que hacer es pasar por el guión y hacernos la pregunta, quién y qué me impide conseguir lo que quiero? Otro consejo para los obstáculos es asegurarse de que sean inmediatos o urgentes. El personaje tiene un examen masivo por venir, pero faltan dos meses, entonces la presión para estudiar no va a ser tan grande. No obstante, si el examen es en cuatro horas, entonces vamos a ver una historia más interesante. Entonces en conclusión, los obstáculos son las cosas que interponen o se oponen a que los personajes obtengan lo que quieren. Los objetivos no siempre son tangibles. También pueden ser intangibles sin obstáculos, no hay conflicto y por lo tanto no hay drama. Y los obstáculos siempre son mejores cuando su inmediata y urgente. A continuación, hablaremos sobre cómo responde tu personaje a los obstáculos, cómo consiguen lo que quieren. 8. ¿Cómo puedo obtener lo que quiero?: ¿ Cómo consigo lo que quiero? Entonces ahora entendemos lo que quiere nuestro personaje. Entendemos los obstáculos que se les están oponiendo. Ahora tenemos que determinar cómo va nuestro personaje para conseguir lo que quiere. Es posible que haya escuchado la expresión, actuar es tratar. Esencialmente lo que eso significa es que el carácter se revela a través de acciones, no sólo a través de palabras. Nos referimos a las cosas que hacen nuestros personajes para perseguir sus objetivos como tácticas. Las tácticas pueden ser físicas o psicológicas. Muchos actores estaban justo abajo en su cuaderno o en su guión, a veces justo al lado de la línea. Sus tácticas para conseguir lo que quieren en una escena. Por ejemplo, si estás en una escena donde tu personaje quiere, saca información de alguien, podrías apuntar tácticas como suplir, ser amigo, mostrar respeto. Cosas que podrían conseguir que el otro personaje te dé lo que quieres. Las tácticas son similares a los objetivos y que no queremos ponerlos en piedra. Queremos experimentar con ellos durante todo el proceso de ensayo. Ahora, una nota rápida sobre tácticas. En realidad no escribo mis tácticas. Ese maestro, no siempre he sido así solía escribir mis tácticas, pero encontré que cuando hice eso, tenía la noción preconcebida de cómo se suponía que iba a ir la escena. En mi mente, desarrollo la manera correcta de ir la escena, lo cual no es cierto. No existe el camino correcto para una escena. Ahí hay veracidad y hay falsedad. Por lo que encontré que cuando escribí mis tácticas, estaba constantemente pensando en esa responsabilidad que tenía con la escena lugar de estar en el momento y involucrarme activamente con mi compañero de escena. El otro motivo por el que ya no los uso es que pienso en la vida, realmente no consideramos nuestras tácticas. Simplemente nos adaptamos de acuerdo a la conversación. Como humanos, todos somos muy adaptables. Por ejemplo, si tú y yo nos encontráramos en una fiesta y empezamos a tener una divertida conversación educada. Tus tácticas podrían ser en su mayoría positivas al inicio de la conversación. Entonces a mitad de camino, imaginemos que dije algo horriblemente, horriblemente ofensivo. Bueno, tus tácticas cambiarían naturalmente. No tendrías que tomarte tiempo para considerar cómo cambiar tus tácticas. Al instante comenzarías a cambiarlos justo a través de tu adaptabilidad. Ahora antes de que decidas nunca volver a usar tácticas, recuerda, he probado ambos métodos una y otra vez durante muchos años. Utilizo tácticas y luego decidí pasar a esta nueva forma de trabajar. Entonces yo diría que probarlos ambos, experimentar con cómo estás actuando cambia cuando usas tácticas. Y luego intenta simplemente estar en el momento, enfocándonos en lo que quieres y adaptándote a cómo te responde el personaje, aunque, en resumen, las tácticas son las cosas que hacemos para perseguir nuestros objetivos. Pueden ser físicos o psicológicos. Podrás apuntar tácticas líneas del próximo año, o simplemente enfocarte en lo que tu personaje quiere y adaptarte en consecuencia. Entonces esas son las preguntas de los seis actores. Ahora vamos a discutir algunas herramientas extra que podemos usar para dar vida a nuestro personaje. 9. Herramientas adicionales: Ahora vamos a discutir algunas herramientas que los actores pueden usar para profundizar en el carácter. El primer instrumento que vamos a discutir es la sustitución. La sustitución implica reemplazar objetos y personas en la historia por objetos y personas de tu propia vida. Esto puede ayudarnos a identificarnos con aspectos del personaje que pueden no relacionarnos con nosotros en nuestra propia vida. Por ejemplo, si estuvieras a punto de hacer de asesino, no podrías volver a caer en una experiencia que tienes de matar a alguien, ¿verdad? No obstante, tal vez hubo un tiempo en el que sentías que podrías matar a alguien o tal vez alguna vez te metiste en una pelea que se salió de las manos, en lugar de tratar de generar la emoción y la fisicalidad de un asesino desde cero, puedes volver a caer sobre esos recuerdos que son similares al personaje. Generalmente hay dos escuelas de pensamiento sobre la sustitución. Una es usar tus propios recuerdos y situaciones de tu vida para conectarte con el personaje. Esta técnica fue popularizada por Constantino Stanislavski. Udl Hogan aclara la idea cuando dice, debemos hacer esta transferencia. Debemos hacer esta transferencia, este hallazgo de los personajes dentro nosotros mismos a través de una serie continua y superpuesta de sustituciones a partir de nuestras propias experiencias y recuerdos y ponerlos en el lugar de la ficción en la obra. Entonces digamos que tu personaje tenía una carta que los estaba chantajeando. Podrías sustituir el contenido de esa carta por algo que tú, ya que tu propia persona querría mantener en secreto. La segunda técnica a utilizar para la sustitución, fue popularizada por Stella Adler. Ella en realidad dijo que tuvo una conversación con Stanislavski antes de que él pasara donde descontó la idea de usar solo tus recuerdos. En cambio, estuvo de acuerdo con ella pensó que deberíamos usar nuestra imaginación. Como dijo ella, No utilices tu pasado consciente. Usa tu imaginación creativa para crear un pasado que pertenece a tu personaje. No quiero que estés atascado con tu propia vida. Es muy poco. He usado ambas técnicas y lo que encuentro funciona para mí en realidad es crear un híbrido de ambas. Lo que me gusta hacer es usar mi imaginación pero reemplazar personajes por gente que conozco en mi propia vida. Por ejemplo, si la historia implica que traicione a mi mejor amigo, entonces me imaginaré a mi mejor amigo real en ese papel y las emociones que vendrían si los traicionara. Otra herramienta a considerar a la hora de trabajar en nuestros personajes es la herramienta de dotación. Esta herramienta es similar a la sustitución en que ambas se utilizan para estimular la imaginación. No obstante, esta técnica se trata de dotar a los objetos físicos que utilizas y al rendimiento de las mismas cualidades físicas que tienen en la vida real. Por ejemplo, digamos en la historia que tu personaje tiene que recoger una maleta llena de rocas pesadas. Ahora el departamento de utilería no va a llenar realmente la maleta con rocas pesadas. Es decir, eso sería problemático para todos los involucrados. Entonces es tu trabajo como actor entender las cualidades físicas que tendría la maleta si tuviera rocas pesadas dentro de ella. Para algunos actores, esto puede parecer una cosa pequeña de la que tener que preocuparse. O sea, ¿realmente va a importarle al público si recojo esa maleta como si no pesara nada? Bueno, la respuesta corta es sí. En Bryan Cranston, es autobiografía, habla de las pequeñas cosas que componen las actuaciones. Dice que si se producen suficientes pequeños descansos de la realidad, el público no va a comprar. No sólo eso sin embargo, dotas objetos físicos de lo que esos objetos se sentirán más reales para ti también. Eso molido que estás actuando y lo hará más creíble para ti y por lo tanto para tu público. Cuando estamos dotando a estos objetos, intenta usar todos tus sentidos para que el objeto sea más real para ti. Recuerda también que los objetos pueden tener cualidades físicas así como cualidades emocionales. Por ejemplo, ¿si tu abuela te dio un collar que ella había guardado toda su vida? Bueno, que Nicholas va a tener algo de Ajahn. Ha existido desde hace mucho tiempo. También tiene un valor emocional para ti. Es personal. Por lo que queremos dotar al objeto de esas cualidades emocionales también. El último instrumento que queremos discutir es el cuarto muro. Entonces si estamos en el escenario, tenemos el telón de fondo detrás de nosotros. Tenemos nuestros dos lados, y luego frente a nosotros tenemos al público. O si estamos filmando, tenemos las pulgadas de cámara lejos de nosotros en algunos casos, ahora por supuesto, nuestros personajes no ven al público. No ven la cámara. Pero a veces puede ser duro como actores superar el hecho de que esas dos cosas están tan presentes. Entonces creamos este muro imaginario, el cuarto muro mientras completa la sala o extiende el horizonte si somos un área exterior, esa manera no estamos tan conscientes del público ni de la cámara a, para notar las distracciones del público o del cámara, nos enfocamos enteramente en lo que quiere nuestro personaje y creamos el cuarto muro para algunos actores, el cuarto muro siempre es detallado y específico cuando lo miran. Y si ese es el caso, eso es genial para ellos. Algunas personas son altamente visuales, pero recuerdan la cuarta pared y nunca tiene que ser nada más que una metáfora. único objetivo es proteger tu realidad de ser rota por el público o la cámara. Por lo que en conclusión, podemos usar la sustitución, ya sea de nuestros propios recuerdos o nuestra imaginación para reemplazar a personas y objetos en la obra. Y el viento hacia abajo se utiliza para dar objetos tangibles y están actuando las cualidades físicas precisas que tendrían en la vida. Usa la cuarta pared, la pared imaginaria, completando la habitación o área en la que te para proteger tu realidad del público o de la cámara. Entonces ahora que hemos discutido esas herramientas extra, vamos a sumergirnos un poco más en el proceso de creación de un personaje. 10. Investigación: Hemos pasado por las seis preguntas principales que te vas a hacer cuando trabajes en una parte. Ahora vamos a sumergirnos un poco más en la elaboración de nuestro personaje. Recuerda que el personaje se revela por la acción. Y ya sea que estés jugando a un Joe promedio o a un CEO, siempre quieres apuntar a ser un ser humano creíble. El texto es nuestro mayor recurso para fundir al personaje. Y siempre queremos volver al texto al responder la pregunta, ¿quién soy yo? El motivo por el que quien soy yo fue la primera pregunta fue que afecta a todas las demás preguntas que tenemos. Por ejemplo, no puedes determinar tus tácticas hasta que sepas cómo lo haría el personaje, hasta que sepas quién eres. Antes de ir más lejos, me gustaría discutir algo. Muchos actores creían que perderse en la parte es lo ideal. Escuchamos historias todo el tiempo de que los actores se elogian por lo profundo de carácter que fueron. Esto puede llevarnos como actores a esforzarnos mucho alma para perdernos en un papel que hacemos, sólo que perdemos nuestro yo. En realidad. Queremos usar el rollo para explorar aspectos de nosotros mismos también que nos conectarán más profundamente con el personaje y darán una actuación más veraz. Entonces, en lugar de alejarse de ti mismo, trata de encontrarte en el papel. Dice Ryan Gosling, todos mis personajes o yo, me relaciono con cada uno de estos personajes porque aspectos de su personalidad son como yo. Y acabo de subir las partes de mí que son ellas y bajar las partes que no lo son. Entonces recuerda que eres el mayor recurso para tu personaje. Hay una razón por la que tantos intérpretes diferentes vuelven al papel de Hamlet cada vez y otros actores entran en el papel de Hamlet, traen su propia humanidad única al personaje. Eso es lo que llegamos a ver, eso es lo que nos atrae, y por eso tenemos tantas actuaciones diferentes de Hamlet. Volvamos a la pregunta de ¿quién soy? Porque puede ser bastante desalentador pensar que no puedes contestar las otras preguntas hasta que descubras esa. Es decir, esa es una pregunta enorme. Entonces cuando estamos buscando la respuesta a quién soy yo recuerdo, no se encontrará al instante. Por eso tenemos el proceso de ensayo para tratar de averiguar esa respuesta. Ahí es donde podemos experimentar con nuestras tácticas, con nuestros diferentes objetivos, así como experimentar con cómo vemos las diferentes relaciones en una misma. No obstante, en cine y televisión, Es posible que no tengas la oportunidad de explorar el personaje con la misma cantidad de tiempo que lo harías en el teatro. En ese caso, tenemos que apoyarnos aún más en el texto. Una forma en que puedes hacerlo es pasando literalmente por el guión. Y después de cada línea habla tu personaje, preguntándote, ¿por qué diría eso mi personaje? Al ahondar en el tipo de cosas que dicen y cómo hablan y una conversación o cómo responden preguntas. Podemos acercarnos a entender la psicología del personaje, lo que nos ayudará a entender al personaje. Aquí te presentamos un par de las cosas que puedes mirar cuando estás leyendo a través del guión. Nuevamente, trate de entender todos los conflictos humanos que se están produciendo a lo largo del guión. A ver si puedes entender las necesidades opuestas de los diferentes personajes. Busca conexiones personales, imágenes, olores, sonidos y sentimientos. Relacionarse con los eventos en el guión. Anote las palabras y frases clave que informen y describan a su personaje. Al hacer estas cosas después de cada lectura, nuestra comprensión de la intención del autor debería quedar más clara. Recuerda que nuestros personajes siempre deben servir a la historia. Entonces entender a qué iba el dramaturgo o el guionista es una parte enorme para crear un personaje veraz para ayudar con la intención autoral, tratar de definir en una frase lo que el autor intentaba comunicar con esta obra. Cuando trabajamos desde la intención del autor de esta manera, nuestro personaje siempre servirá al texto en lugar de servir a nuestro propio ego. Constantemente pregúntate, ¿qué quiere la historia? Aparte de sumergirnos en el guión, también podemos enfocar nuestra energía en la investigación. El objetivo de nuestra investigación es tratar de averiguar cómo nuestro personaje llegó a ser la forma en que están física y emocionalmente. Antes del inicio de la historia. Algunos actores optan por hacer su investigación escribiendo historias enteras para sus personajes. Se dice que Viggo Mortensen escribe backstory desde el momento nace su personaje hasta el inicio de la historia que está contando. Tener ese tipo de pasado detallado te puede basar en tu desempeño. No obstante, hay que tener cuidado al escribir algo así también, porque es posible que el director pueda estar en desacuerdo con un elemento de tu pasado y quiera que interpretes al personaje de una manera diferente. A veces necesitamos ser flexibles con nuestros directores. Nuevamente, la narración es colaborativa, por lo que queremos permitir que el director tenga también sus ideas sobre el personaje. Podrían ver algo con el personaje o con la historia general que no ves desde tu lente estrecha en el Personaje. Otra buena manera de saber más sobre el personaje es llenar un cuestionario de carácter. Puedes encontrarlas con solo buscar en línea y pueden proporcionar diferentes tipos de preguntas, cosas en las que tal vez no pienses que te ayudarán a entender más a tu personaje. Una última forma en que pudimos descubrir más sobre nuestro personaje es hacernos preguntas abstractas sobre el personaje. Algo así como, si tu personaje fuera una bebida, ¿qué bebida serían, o de qué color se parece más a tu personaje? Hacernos estas preguntas abstractas puede ayudarnos a involucrarnos con el personaje una manera que está un poco fuera de la caja y tal vez más creativamente inspiradora. En última instancia, lo que debemos hacer es hacernos preguntas a los personajes. Puedes anotarlas o simplemente pasar algún tiempo meditando en ellas. Yo diría que deja que tu imaginación se vuelva salvaje. Haz cualquier pregunta no importa lo grande o pequeña que pueda ser la pregunta, ¿Quién fue el único amor verdadero de mi vida? O puede ser algo así como, ¿qué he desayunado esta mañana? Todas estas son preguntas que son impulsadas por tu subconsciente, te muestra lo que te podría interesar como el personaje. Así que piensa en ellas, escríbalas si no las contestas, teniendo las preguntas en tu subconsciente percolando todo el día, o tal vez te lleve a algunas nuevas ideas. Para resumir, volver a visitar y sumergirse en el guión. Considerar la intención autoral. Investigar al personaje. Escribe una historia de fondo, rellena un cuestionario de personajes, o considera preguntas abstractas para ayudarte a entender cómo tu personaje llegó a ser la forma en que están al inicio de la historia. Ahora, vamos a hablar del lado físico de nuestros personajes. 11. Física de la física y de la física: Fisicidad, Sanford Mies ni una vez dijo una onza de comportamiento vale una libra de palabras. Por esto, quiere decir que nuestro personaje se revela a través de lo que hacen, no necesariamente lo que dicen. Básicamente, el público puede leer al personaje en base a cómo se sienta el personaje, cómo se paran, cómo beben una taza de té. Todas las acciones físicas del personaje hace, ayuda al público a crear la imagen de ese personaje. Un buen ejemplo de esto cita comportamientos locutores que valen una libra de palabras proviene del difunto gran actor John, porque l de la película cazador de ciervos, durante la escena de la fiesta de bodas, su personaje se supone que corre en un tarde alinean con el resto de los padrinos que se preparan para tomar una foto. Ahora, eso fue lo que estaba escrito en el guión porque el personaje de ALS entra, se alinea, se toman la foto, llegó tarde. Esto es lo que las pistas superaron. En cambio, entró rápidamente justo antes de que se tomara la foto. Miró hacia abajo, se dio cuenta de que su mosca estaba descerrada y la volvió a cerrar. Y sólo por esa pequeña improvisación, por esos pequeños amplificadores de comportamiento, tenemos una mejor comprensión de su carácter. Esencialmente hay dos formas en las que podemos ir para manifestar nuestra fisicalidad. Y también se relacionan con cómo vamos a crear un personaje. Podemos o trabajar desde adentro hacia afuera o desde afuera adentro. adentro hacia afuera significa que estás empezando desde la vida interior del personaje y usando los impulsos psicológicos y emocionales para manifestarte en la fisicalidad afuera en medios empezando por la fisicalidad, qué hace el personaje, cómo ellos moverse, y usando eso para informar la vida interior del personaje. Si decides trabajar desde adentro hacia afuera, trata de discernir lo que el personaje podría estar sintiendo en diferentes momentos a lo largo del guión. Entonces pregúntate, ¿cuándo he sentido algo así o algo parecido? Cuáles son los paralelos que puedo encontrar en mi propia vida, alguna vez tuve que interpretar a un personaje que tuvo una enorme pelea con su significativa otra. Ahora, he estado en situaciones de mi propia vida donde he estado en peleas con mi otro significativo. Tenía que preguntarme, ¿Cómo estaba durante esos momentos, qué era un sentimiento? ¿ Cómo estaba reaccionando físicamente? Sé que cuando me meto en peleas, no hago mucho contacto visual. También me paro muy rígido. Es así como me manejo en un altercado verbal con un otro significativo. Por lo que traje esos rasgos esa fisicalidad al personaje para trabajar desde afuera adentro, revertimos ese procedimiento. Empezamos a jugar con diferentes movimientos físicos. A lo mejor es rascarse una ceja, lo mejor está acariciando tu barba. A lo mejor es solo la forma en que sacudes la cabeza. Queremos probar diferente fisicalidad y ver cómo impacta nuestras emociones y nuestra psicología. Así que prueba diferentes formas de hablar, caminar e interactuar con el mundo que te rodea. Sin embargo, no sólo tenemos que enfocarnos en los grandes movimientos. También es interesante explorar la fisicalidad con cosas pequeñas también. Trata de averiguar cómo tu personaje se cepilla los dientes. ¿ Cómo hicieron café? ¿ Cómo se atan los zapatos? Cuando exploramos estas sutiles diferencias, lentamente podemos construir en carácter de una manera orgánica que podría parecernos más natural para nosotros. Otra buena idea, solo en general para actuar es mantener siempre un cuaderno contigo cuando salgas, o tal vez mantener una pestaña de Notas abierta en tu teléfono. Siempre que estés fuera, pasa algún tiempo viendo a la gente. Es decir, eso es lo que vamos a jugar, ¿verdad? Gente real. Entonces ver cómo se comporta la gente en el mundo. Lawrence Olivier guardaba un cuaderno que usaría cada vez que salía y que la gente miraba. Si vieras un comportamiento interesante, lo escribiría en su cuaderno. Para que tal vez lo pueda usar para un personaje o más tarde. No importa qué método elijas, recuerda, la fisicalidad que exploras debe relacionarse con el texto. No sólo eso, es importante no encerrar nuestra fisicalidad desde el principio como artistas, tenemos que prosperar en la incertidumbre del proceso creativo y tenemos que tomar decisiones que tal vez nos sientan aterradoras porque eso significa que hay un mayor riesgo, una mayor oportunidad de ser revelada. Si tomamos las decisiones seguras, eso nos da margen para escondernos, que no es lo que queremos hacer son actores. Una última cosa a recordar con la fisicalidad es que nuestra fisicalidad basal puede cambiar en base a la intención del momento. Por lo que de momento en momento, mientras nuestros objetivos de personajes cambian o cambia su intención, su fisicalidad también podría cambiar. Por ejemplo, si tu personaje está caminando por la calle para llegar a una fiesta de cumpleaños, eso se verá diferente a si tu personaje camina por la calle para llegar a un funeral. Entonces, para resumir, una onza de comportamiento vale una libra de palabras. Podemos encontrar la fisicalidad trabajando desde adentro hacia afuera o desde afuera hacia adentro. Si estás trabajando desde adentro hacia afuera, decide qué puede estar sintiendo el personaje y determina cómo te comportaste en tu vida cuando te sentiste de manera similar, trabajando desde afuera y prueba diferentes acciones físicas, ya sea grande o pequeño, y ve cómo impactan a tu personaje. Guarda un cuaderno y anota cualquier comportamiento interesante que veas en el mundo. fisicalidad del explorador como revela el texto, no te conformes con la fisicalidad desde el principio. Y la fisicalidad basal puede cambiar en función de la intención. A continuación, discutiremos la importancia de las relaciones y cómo afectan a nuestro personaje. 12. Relaciones: Habrá sangre es una de mis películas favoritas de todos los tiempos. Yo no la gente arroja alrededor de la palabra obra maestra mucho, pero mi bondad, es una obra maestra. Daniel Day Lewis, su actuación como Daniel Plainview, en mi mente es la mayor actuación actoral que he visto. Se dice que pierden es el mayor actor método vivo, si no, de todos los tiempos. No obstante, incluso el día que Lewis ha dicho, realmente no conoces al personaje hasta que comienzas a jugar con los otros actores, hasta que entiendes las relaciones. Tenemos que resolver las relaciones de tu personaje con todos los que ven u escuchan sobre nuestra relación con la persona y pueden comenzar incluso antes de conocerlos, construimos una imagen mental de quién es esta persona basada en cosas que podamos tener visto de ellos, o basado en cosas que otras personas han dicho. A veces incluso desarrollamos una conexión emocional con esta persona a pesar de nuevo, nunca haberlos conocido. Un buen ejemplo reciente de esto, dependiendo de cuando veas esto, es de la película Joker caminando al personaje de Phoenix, Arthur Fleck tiene una relación con Robert hizo el personaje de Nero Murray, quien es el anfitrión de un programa de televisión. A pesar de que Arthur nunca ha conocido a Murray, siente una conexión emocional con él tanto que esta relación impulsa un segmento de la película. Por lo que nuestro trabajo aquí es plasmar todas estas relaciones con detalles específicos que afectan tu vida interior y te afectan emocionalmente. Una forma en que podemos hacerlo es hablando con otros intérpretes sobre sus relaciones que ocurrirán en el escenario o en la película. En ocasiones tener una historia compartida con la persona, una en la que ambos estén de acuerdo puede ayudar a sentar a ambos en el momento. Otra cosa que puedes hacer con otros intérpretes se pregunta si puedes improvisar como se ve en el pasado de tu personaje juntos. A lo mejor una escena que ni siquiera está en el guión. Por ejemplo, si estás jugando a una pareja casada que pasó juntos durante 20 años, tal vez puedas mejorar cómo fue el primer estado. De esa manera tienes una memoria sensacional real. Puedes volver a caer cuando estás mirando a esta persona y pensando en tu relación. Ahora, a veces no se tiene la oportunidad de trabajar con los otros actores, o tal vez no les gusta la idea de historia improvisada o compartida. Sé que algunos actores solo quieren inventar su propia historia de fondo y eso está totalmente bien. Tenemos que trabajar dentro de los límites que tengamos. Entonces otra forma de empezar a trabajar en nuestras relaciones es comenzar definiendo las relaciones en el guión con un término general amplio. Entonces podríamos definir una relación con las palabras, me encantaron, o las odio, o me intimidan, o me animan ellas. Utilizamos una frase amplia para empezar y luego profundizamos en los detalles y averiguamos qué queremos que sienta el otro personaje. Para ahondar en los detalles. Nosotros nuevamente, nos enfocamos en el texto y nos enfocamos en el trabajo que hacemos en set. Otra cosa que puede ayudar a dar vida a nuestras relaciones es enfocarse en las carpas erguidas mayores y menores sobre la persona. A lo mejor decides que el otro personaje diga como demasiado. Y eso te molesta de esa manera. Cada vez que ese personaje dice como, Vas a tener una reacción. Por supuesto, cuando decidamos estos irritantes, recordar un tiene que tener sentido en el texto. Si estás jugando a Julieta y decides que todo lo que hace Romeo es molesto, no vas a estar sirviendo la historia. También queremos considerar el estatus en términos de nuestra relación. Por ejemplo, si estás jugando a un jefe hablando con el empleado, eso va a ser diferente a si estás jugando a un empleado hablando con su jefe. estatus puede definirse como lugar real o imaginado de cada persona en la jerarquía social respecto a todos los demás, las personas a menudo hacen juicios sobre su propia importancia comparación con los demás a su alrededor en base a esto, estatus y estatus pueden incluso formar nuestra fisicalidad. Por ejemplo, si tu personaje es Presidente de Estados Unidos, probablemente sientan mucha autoridad, mucho poder. Entonces tal vez se paran altos, tal vez se hinchan el pecho, tal vez hablan con voz muy presidencial. Por el contrario, si tu personaje se considera de clase baja no son importantes, que tal vez los traten de esconderse con su fisicalidad. A lo mejor se están sosteniendo constantemente, haciéndolos más pequeños. A lo mejor hablar un poco en silencio, nerviosamente a veces, si eso está bien. Otra cosa en la que enfocar es cómo tu personaje percibe su estatus en relación con todos los demás. Y una vez me dijo la maestra en funciones, cuando juegues al rey, busca al mendigo en ellos. Cuando juegues al mendigo, busca al rey. Creo que ese es un punto realmente interesante porque todos tenemos momentos en nuestras vidas donde nos sentimos fuertes. Sentimos que tenemos alguna autoridad. Sentimos que podemos hablar con un cofre y luego tenemos otros temas u otros momentos donde dudamos, no sabemos cómo saltar, preferiríamos ser invisibles. Por lo que en conclusión, saque las relaciones de carácter con todos los que conozcas o aquí alrededor. Una forma es comenzar definiendo el término de relación y en el extranjero para luego entrar en los detalles. Podrás trabajar con otros actores para desarrollar una historia compartida o momentos improvisados de tu historia para darte una memoria sensacional sobre la que volver a caer. Considerar los irritantes mayores y menores involucrados en la relación. Considera el estado de la relación y cómo ese estatus informa la voz, la fisicalidad y el comportamiento de tu personaje. Y a continuación, discutiremos la voz del personaje. 13. Voz: El trabajo vocal, vocal es otro tema que honestamente puede tener una clase en sí mismo. Ha sido tremendo para mi propia actuación. Te ayuda a comprometerte con tu aliento, con tu voz. Y al hacerlo, eres capaz de ser propulsado por tu respiración hacia tus impulsos. Es un trabajo verdaderamente fascinante. Yo recomendaría leer algunos libros diferentes al respecto como Kristin Linklater liberando la voz, o Dudley escribe, hablando con habilidad, hay un montón de grandes recursos por ahí. Y si quieres un poco más, siéntete libre de avisarme en los comentarios, la voz puede decirnos mucho sobre el personaje. De alguna manera, nuestra voz es una suma de las experiencias que ha atravesado nuestro personaje a lo largo de sus vidas. Cuando pensamos en el desempeño tardío de los libros de contabilidad de brezo como el bromista, una de las cosas más icónicas que salieron de eso fue la voz de los bromistas. Daniel Day Lewis a menudo leerá, golpeará guión una y otra vez y no hablará las líneas hasta que crea que puede encontrar la voz del personaje en su cabeza. Meryl Streep ha dado innumerables actuaciones donde altera por completo su voz para ayudar a entregar un personaje completamente nuevo. Ahora, dicho eso, no siempre tenemos que cambiar fundamentalmente nuestra voz por el personaje. Hay cosas a considerar sin embargo. Por ejemplo, si tu personaje creció en Brooklyn y se quedó ahí toda su vida, probablemente tengan acento de Brooklyn. Eso es algo en lo que tendrías que trabajar para llevar al personaje. Como dije antes, nuestra voz es un resumen de nuestras experiencias. Entonces, ¿en qué se ha inclinado tu personaje en su vida y cómo pudo eso haber impactado su voz? Si estás interpretando a un personaje que es político, probablemente pasaron por cursos de habla pública. Por lo que quizá hablen en un asunto más refinado. Hablan con claridad, enuncian. ¿ Y si tu personaje fuera ridiculizado constantemente cuando era niño? En cualquier momento que hablaron, se les dijo que se callaran. Bueno, entonces tal vez tu personaje duda un poco más que esa voz. Hablan un poco más suave. Realmente no saben si ahora es el momento o el lugar para decir algo, pero tal vez deberían. O tal vez tu personaje creció en un barrio duro donde han conseguido muchas peleas. Entonces tal vez cada vez que tu personaje habla, casi parece la pelea con alguien, ya sabes, básicamente, queremos considerar el pasado de nuestro personaje y considerar cómo ese pasado impactó cómo habla nuestro personaje. Pregúntense, ¿por qué mis personajes hablan de la manera que lo hacen? Lo que los llevó a hablar de esa manera. Entonces, para resumir, no tienes que cambiar fundamentalmente tu voz por el personaje. Si tu personaje es de una zona diferente del mundo que tú, se considera trabajo de dialecto. Nuestra voz es una suma de nuestras experiencias. Considera el pasado de tu personaje y pregúntate, ¿cómo influyó ese pasado en la voz de mi personaje? A continuación, vamos a hablar de un tema que es un poco duro, pero es uno que es vital para los actores. 14. Vulnerabilidad: Vulnerabilidad. Grandes y veraces actores se revelan, no sólo emocionalmente, sino también psicológicamente. ¿ Qué significa ser vulnerable? Por nombre Brown es una de las autoridades líderes en materia de vulnerabilidad. Estudia vergüenza y tiene un montón de grandes charlas TED en línea. Tiene un especial de Netflix, tiene libros increíbles. Recomiendo encarecidamente a cualquiera los revisó. Su trabajo es muy transformador. Pero a partir de su definición, ser vulnerable significa tener un corazón abierto. Estar dispuestos a compartirnos plenamente, y no sólo a compartir, sino también a ser afectados plenamente. Vulnerabilidad no significa ser débil. Por el contrario, para ser vulnerable se necesita coraje y fuerza. Probablemente el punto más importante es que ustedes, como lo son hoy en día, son dignos de amor y pertenencia. Y esa es la totalidad de ustedes. Tú cuando estás en tu mejor momento y tú, cuando estás en tu peor, Eres digno. A veces la presión de ser algo mayor que nosotros mismos puede reducir nuestra capacidad de ser simplemente nosotros mismos. Muchos de nosotros pasamos años negando nuestra propia vulnerabilidad porque nos enseñan temprano que ser vulnerables es digno de vergüenza. Como actores, tenemos que saber que eso simplemente no es cierto. Ser vulnerable no es digno de avergonzar. Debemos reconocer el poder de la vulnerabilidad. El expresión de tu vulnerabilidad es lo que mueve a las personas a nivel emocional. Conecta a las personas con su propia humanidad. Para poner nuestra vulnerabilidad a usar, tenemos que determinar por qué pasan nuestros personajes en la historia y cómo responderíamos si estuviéramos en ese escenario, descubrir los sentimientos, las emociones, y la psicología detrás de ella, y también descifrar los movimientos físicos que se manifiestan a partir de esas cosas. Entonces tenemos que prestar esa honesta vulnerabilidad, la verdad de cómo nos enfrentaríamos a esas mismas circunstancias. El personaje. Eso es lo que puede hacerlo difícil. Te estás revelando emocional y psicológicamente, no sólo a otra persona, sino a cualquiera que esté mirando. Pero recuerda, esa persona que estás revelando es digna de amor. En última instancia, la vulnerabilidad es un viaje en el que constantemente tenemos que trabajar. Te sugiero hacer diario y meditar y si puedes permitirlo, ir a terapia y desempacar cualquier muro que hayas construido inconscientemente a lo largo de los años. Nuestro trabajo es nutrir nuestro cuerpo, mente y espíritu para que sean suaves y elásticos y puedan absorber y rebote. Se puede efectuar y afectar a los demás. El trabajo es encontrar compasión en ti mismo para que la puedas ver en otros, incluso aquellos que quizá no la vean en ti. Entonces tenemos que llenarnos de autocuidado, amor propio, y expresión artística para que podamos ser más honestos y vulnerables en el mundo. Entonces, para resumir, ser vulnerable significa tener un corazón abierto. Ustedes, como lo son hoy, son dignos de amor y pertenencia. Nuestra vulnerabilidad mueve a las personas y las conecta con su humanidad. Adjunte tus propias emociones y movimientos físicos a lo que sea que esté pasando el personaje. Debemos nutrir nuestro cuerpo, mente y espíritu para que podamos ser vulnerables mientras actuamos. 15. Conclusión: Aquí está el proceso o más de la lista de comprobación de punto r que hemos trazado. Las tres lecturas, los seis actores cuestionan, sustitución y dominante. Y el cuarto muro, la investigación, la fisicalidad, las relaciones, la voz, y la vulnerabilidad. La parte más difícil de escribir un proceso para entrar en el personaje es que cada rol es diferente. Todas estas herramientas que hemos discutido son de uso útil cuando se entra en carácter podría variar cada vez. En ocasiones centrarte en la fisicalidad te llevará al personaje. Otras veces podría estar ahondando en la investigación. El clave es seguir tu instinto, seguir tu curiosidad para llevarte al personaje. Y recuerda que pase lo que pase, serás suficiente. Espero que disfruten de esta clase. Y si tiene alguna pregunta, comentario, o inquietud, siéntase libre de contactarme y le responderé en cuanto pueda. Gracias.