Cómo crear una pintura realista de retratos al óleo: guía paso a paso

1. ¡Bienvenidos a mi clase!: Hola, soy Kate, y bienvenido a mi clase de pintura de retrato al óleo. En esta clase, voy a guiarte a través mi proceso completo para calificar un retrato realista con pintura al óleo. Ya sea que quieras entender mejor la estructura, pintar con más confianza o simplemente disfrutar de la sensación de pintar un retrato, estás en el lugar correcto A lo largo de este curso, te llevaré paso a paso desde el principio hasta el final. Empezamos con la preparación de materiales, la pintura, las trituraciones, el medio y la superficie que personalmente uso y recomiendo También te paso a través algunos fundamentos esenciales en la mezcla de colores, bocetos, algunos consejos que te ayudan a crecer más para que puedas crear retratos por tu cuenta después de este curso Después de eso, te mostraré cómo construir tu subpintura, cómo bloquear en la forma y los valores grandes, y cómo desarrollar lentamente el retrato capa por capa Te paso por cada etapa en tiempo real compartiendo mis consejos y escucho en pintar retratos. Al final de esta clase, tienes tus propios retratos realistas. Mi objetivo es que entiendas cómo puedes aplicarlo a cualquier retrato que quieras pintar en el futuro. Esta clase es para todos, pero la recomiendo encarecidamente si ya tienes alguna base básica como entender la proporción facial simple, mezcla básica de colores, o puedes pintar tres objetos básicos en D. No tienes que ser perfecto en ninguno de estos. Incluso un poco de experiencia hará que sea mucho más fácil seguir y disfrutar más del proceso. Pero si eres nuevo, aún eres bienvenido a unirte. Solo tómalo con calma y diviértete. Esa es la parte más importante. 2. Pinceles y superficies: herramientas y materiales: Entonces antes de empezar a pintar, te guiaré a través de los pinceles y la superficie que uso más a menudo. Entiende que tus herramientas hacen una gran diferencia, no sólo en cómo se ve tu pintura, sino en cómo se siente cuando estás pintando. Entonces antes que nada, tamaños de pincel, aquí te mostraré de grande a detalle. Es importante tener una gama de tamaños de pincel. Pinceles tan grandes para bloquear y gran forma, pinceles medianos para formas de construcción y pinceles de pequeños detalles para los ojos, hojas, bordes y acabados holandeses. Ahora te mostramos dos principales tipo latón que actualmente estoy usando latón Bristo y sabras Bristobas que es rígido para mayor textura. Sostengo la pintura y la libero muy bien. Es muy excelente para construir la estructura y también es muy bueno a la hora de construir sobre la pintura y algunas primeras capas. Pero los autos aa no son ideales para mezclar y pueden dejar marca visible si quieres un acabado liso. Aquí hay cepillos suaves. Ellos sable suave sintético o forma de fibra suave. Lo uso principalmente para mezclar, refinar bordes, crear una transición más suave, desarrollar una textura realista de la piel. Es muy perfecto para el gradiente de sollozo, ayudé a crear un acabado pulido y un gran control en áreas más apretadas Pero los contras es que no aguanta también el dolor intenso y no es ideal si quieres crear un trazo sexual visible en tu pintura. Entonces, en mi experiencia, a menudo uso Bristobs usándolos para bloquear la forma y sentar las bases También cuando quiero textura intencional en el look final, vuelvo a Bistbs nuevamente porque dejan hermoso muelle de cepillo F sub brr, a menudo cambio a pinceles sollozos intuitivamente cuando quiero mezcla suave o una transición más suave en retrato, especialmente alrededor de la mejilla, el párpado, crear sombras sutiles Me ayudan a darle la pintura ese acabado realista y luminoso. Entonces aquí te voy a mostrar algo del pincel que uso muy, muy a menudo. La mayoría de mis pinceles son de hobne de Japón, una marca en la que confío porque su calidad de pincel es muy consistente y de larga duración. Esto es muy importante para la pintura al óleo. Si usas los mismos bros tanto para área clara como oscura, los mezclarás sin querer y tu pintura se volverá fangosa muy rápidamente Por eso personalmente compro dos de los mismos bros. Si utilizo ese tamaño, ese tipo de bros muy a menudo, compraré dos de los mismos bros, así podré usar uno para luz y otro para zona oscura. Entonces el consejo me ayuda a mantener el color limpio y fresco y vibrante. También recomiendo usar sujetadores de marcas acreditadas. En mi experiencia, sujetadores de alta calidad, quiero decir, no demasiado caros, claro, dependiendo de cómo te lo puedas permitir, pero te recomiendo usar sujetadores de marca de buena reputación porque aguantan mejor el dolor Sueltan el dolor de manera más uniforme y las buenas herramientas no te hacen convertirte en un mejor artista de la noche a la mañana, pero claro, harán que el proceso mucho más suave y alegre, más fácil para ti Son algún tipo de superficie que puedes usar para pintar al óleo. En primer lugar, es papel de pintura al óleo. Son muy geniales para la práctica. Son muy asequibles. Son muy perfectos para estudio rápido, práctica de valores o probar nueva técnica. Vacío a bordo. Esta también es una opción muy asequible, pero necesita estar preparada. Primero, debes sellar la superficie con una o dos capas de pegamento y luego aplicar aproximadamente de cuatro a cinco capas de gil. Después de enviar es estado de ánimo tendrás una superficie limpia y uniforme que lista para pintar. Y por último, es lienzo. Puedes comprar lona estirada con moretones en la mayoría de las tiendas de arte. Lona de algodón como esta es muy asequible y genial para principiantes. Todavía recomiendo agregar algunas capas extra de justo así antes de pintar para obtener un poco de resultado final. Y esta es la superficie que más me gusta, y esta es también la que usaré para esta demostración de retratos en esta clase. Se trata de lona de lino. Este es mi favorito personal porque encuentro que sostiene la pintura maravillosamente, y por eso mantiene el color vibrante y fresco. Es un poco más caro en comparación con la lona de algodón. Por supuesto, dependiendo del tipo de ropa que compres. Pero en general, me parece que es más caro que el de algodón, pero merece mucho la pena. Encuentro que Lenin es muy ideal para la pintura de retratos porque tiene una textura especial que agrupa muy bien la pintura y agrega un carácter sutil al retrato. 3. Pinturas al óleo y medios: qué utilizo y por qué: Entonces aquí te voy a presentar la pintura al óleo y medio que uso. No necesitas una colección enorme para comenzar, un conjunto sólido de colores centrales y uno o dos simples medianos. El objetivo es entender tus materiales para que puedan apoyarte en el proceso, no abrumarte Para la mayor parte de mi pintura, uso regularmente esta pintura al óleo. Esto te da todo lo necesario para mis tonos de piel. Al lado de toda la pintura al óleo básica, también tengo algunos otros colores que a veces uso para hacer mi pintura más colorida y vibrante. Estos no son necesarios para principiantes, pero son una buena adición cuando se quiere una temperatura específica o intensificarse. No necesitas pintura cara para comenzar. Permítanme compartir algunas marcas que uso y lo recomiendo desde el grado de estudiante hasta el grado de artista. Para grado de estudiante, utilizo Van Gogh y Winton. Empecé a pintar al óleo con esto, y aún así los recomiendo. La calidad es sólida y los colores son bastante confiables y además el precio es muy accesible. Son perfectos si recién estás comenzando o practicando retrato básico. Y ademas de buena calidad y pigmento asequible que encuentro mas tarde, utilizo clase magistral y color de juego. Tienen buena carga de pigmento, pero siguen siendo muy asequibles. Para grado profesional, contienen alto pigmento y muy vibrantes. Yo uso Michael Harding y combino. Estos son mis favoritos. Los colores son extremadamente vibrantes, ricos y llenos de pigmento porque la carga de pigmento es muy alta, por lo que a menudo necesitas menos dolor para lograr una saturación hermosa en comparación con el grado de estudiante cuando necesitas más dolor para lograr la carga final que deseas, para grado profesional, a veces solo necesitas muy poco dolor. El medio puede ser muy confuso al principio. Pero en este video, simplemente simplificaré algunos muy pocos medios que uso. Y para ser honestos, no uso mucho el medio en mi pintura, pero te voy a mostrar lo que es maravilla para que puedas elegir lo que se ajuste a tu estilo. En primer lugar, esta todavía arriba y corbata, usa la pintura fina, limpia los pinceles, pero tiene un olor fuerte y puede ser irritante En realidad ya no uso top y corbata porque no soporto el olor, y mi espacio para pintar es muy pequeño. Entonces, si lo usas para cantar tu pintura, limpia pinceles, por favor trabaja en un área bien ventilada. Aceite de lavanda Spike. Esto es natural, menos duro que la trementina, menos tóxico que la trementina, pero sigue siendo un solvente, úsalo Es bueno para adelgazar el dolor y también para limpiar el cepillo, es genial para tonificar el lienzo A menudo lo uso para tonificar el lienzo y lo uso en la etapa inicial de mi pintura. Así espesar el aceite de linaza. Este medio de pintura al óleo es perfecto para acristalar. Como brillo y flujo, ayuda a que la pintura se nivele suavemente. Utilizo una pequeña cantidad en mis capas finales cuando quiero una transición luminosa suave. trementina veneciana, este es un medio acristalado tradicional Es grueso, como resina. Cuando se mezcla con aceite de linaza, crea hermosos esmaltes brillantes, pero lo uso muy raramente solo cuando quiero un efecto de acristalamiento muy específico Aquí te estoy mostrando todo el medio que tengo. Pero en mi proceso de pintura real, no uso esto muy a menudo. Especialmente en esta lección, solo uso aceite de lavanda despecho para diluir la pintura y para tonificar el lienzo Actualmente estoy usando aceite de bebé para limpiar mi pincel. Ayuda a quitar muy bien la pintura de los sujetadores porque mi espacio de pintura es muy pequeño. Intento evitar usar solvente y no puedo acceder a solventes no tóxicos en mi país. Así que el aceite para bebés es una buena alternativa. Pero una advertencia importante al usar aceite para bebés es que no dejes que el aceite de bebé se ponga en tu lienzo durante el proceso de pintura porque puede arruinar la pintura o hacer que la superficie permanezca húmeda y pegajosa. Así que siempre limpia tu br a fondo y asegúrate de que esté seca antes de continuar. También uso el jabón para eliminar el aceite de bebé y también el pigmento sobrante, pero lo uso en algún momento no Si pintas en un área de espacios bien ventilados y además tienes acceso a solventes no tóxicos en tu país, honestamente recomiendo usar solventes no tóxicos porque son más fáciles y seguros usar durante el proceso de pintura. Pero el aceite para bebés también es una alternativa viable si tienes cuidado Durante el proceso de pintura, principalmente uso un pañuelo limpio para limpiar el exceso de pintura de mis pinceles. Esto mantiene limpio el color y evita que mi pintura se vuelva fangosa 4. Preparación del lienzo: estiramiento y preparación: Para esta clase, estaré trabajando con lino, un marco, una pistola estable y un par de alicates para camilla Paso uno, masle y corte, coloque su lino en la superficie, y luego ponga el marco encima Corta la tela para que tengas un margen generoso alrededor los cuatro lados lo suficiente como para doblarlo cómodamente sobre el marco. Este espacio extra te permite estirar el lino de manera uniforme sin quedar corto en ningún borde. Comience colocando una grapa inicial en el centro de un lado del marco. Wh ancla el fabricante y evita que se mueva. Luego, con unos alicates para camilla, tire de la ropa firmemente en el lado opuesto y coloque una grapa directamente frente a la primera El frapri debe sentirse apretado pero no demasiado tenso. Repita este proceso en los dos lados restantes, tire luego estable, pol luego grapa. Trabajar siempre desde el centro hacia afuera para mantener la tensión uniforme. Cuando termine, su ropa de cama debe sentirse apretada y suave sin sacos ni arrugas Si el lienzo se siente suelto o ligeramente holgado, simplemente retire las ventas en esa área, tire del favorito más apretado y luego grapa nuevamente Es completamente normal ajustar una o dos veces. Para esta clase, estoy usando liquitex acrílico gesso. En lugar de un cepillo, prefiero usar un aplicador de bunge plano Ayuda a extender el gesso de manera uniforme sin dejar marcas visibles de pincel en la ropa Esto crea una superficie más limpia y lisa para la pintura de retratos. Aplicando el gesso, normalmente, aplico de cuatro a cinco capas, aplico la primera capa de manera uniforme por toda la superficie y dejo que se seque por completo Y luego aplicas la segunda capa en una dirección ligeramente diferente y luego repites hasta tener de cuatro a cinco capas delgadas. Después de que la cuarta capa esté completamente seca, lijo suavemente la superficie con un papel de lija de grano fino, enviando salud, igualando la textura, y creo un terreno de pintura suave 5. Fundamentos de la mezcla de colores para la pintura de retratos: No voy a profundizar demasiado principio de mezcla de colores en esta clase. Te animo a explorar alguna lección, enfocarte en la mezcla de colores, trabajar con una paleta de colores limitada y experimentar para crear tantas variaciones de color como sea posible Comprender la rueda de colores y teoría básica del color hará que el proceso de pintura sea mucho más fácil. Para que esta lección sea simple y no demasiado abrumadora, solo presento algunos puntos clave que son especialmente importantes para la pintura de retratos. Entonces cada color se inclina ya sea cálido o frío, colores cálidos como rojo, naranja , uno amarillo, otro marrón y colores fríos como azul, amarillo frío, verde frío, violeta. Al pintar tonos de piel, enviamos constantemente temperatura. Zona más cálida como nariz de mejilla, hojas alrededor de los ojos, y áreas más frías a menudo en la línea de la mandíbula, el cuello, de las sombras de las mejillas, si algo mira a menudo porque la temperatura es incorrecta, no el tono Recuerda prestar atención al valor a la hora de pintar. Valor significa qué tan claro y oscuro es un color en la pintura de retratos. El valor controla la espuma. Un valor correcto con un color ligeramente incorrecto todavía se ve creíble, pero un valor incorrecto incluso con el color perfecto todavía se ve cepa Cuando falte el color, recuerda verificar primero el valor, luego ajustar la temperatura y luego ajustar la saturación. Esto mantendrá tu mezcla limpia e intencional. Los colores complementarios son un color que se asienta uno frente al otro en la rueda de colores, como rojo, verde, azul, naranja, amarillo, morado. Agregar una pequeña cantidad de color complementario ayudará a reducir la saturación, te ayudará a crear neutrales naturales y hacer que el tono de la piel se vea más realista Por ejemplo, demasiado caliente en tu mezcla, agrega un toque de verde o azul ultramarino, o si tu mezcla está demasiado fría, agrega un poquito de naranja o rojo cálido Ahora te voy a caminar a través mi mezcla de color inicial para preparar antes de empezar a pintar. No voy a remezclar cada color en detalle. En cambio, preparo algunas mezclas clave que cubren el rango desde el valor más oscuro hasta el tono medio y para iluminar el tono Esta mezcla me dará una variación de colores que puedo ajustar fácilmente durante el proceso de pintura. Para la mezcla más oscura, utilizo buntmw y También agrego una pequeña cantidad de bollo sienna para crear el flujo y aflojar la textura porque los buntew de star glass tienden a ser un poco secos Esto crea un color de sombra natural profundo. Para un perro más cálido, echo de menos bollo Siena, azul ultramarino, y un poco carmesí Azaren Si quiero empujarla más oscura, a veces agrego un toque de temperamento de moño Esta mezcla es útil para la parte más cálida de las áreas de sombra, especialmente alrededor de la cara donde la temperatura cambia sutilmente Para el tono medio oscuro, mis tres colores primarios, un carmesí laserizado, ocre amarillo, azul ultramarino y un poco de blanco titanio Cuando estos se mezclan, obtienes una hermosa naturalmdtne Dependiendo del retrato, puedes ajustar esta mezcla en el camino. Por ejemplo, agrega más rojo o naranja para calentarlo o agrega más azul ultramarino o azul cerúleo para Esta mezcla forma la base para la mayoría de las sombras naturales de la piel. Esta mezcla se inclina caliente y se utilizará para el tono medio más claro del rostro. Empiezo con una buena cantidad de titanio blanco, luego mis en una laserin carmesí, naranja cadmio, y un poco No limpio mi paleta en esta etapa, así que para mantener un poco de las mezclas de notrmture, esto ayuda a que el color permanezca natural, no Para equilibrar el calor, agrego una pequeña cantidad de azul ultramarino para neutralizarlo ligeramente Si solo agregas colores cálidos, la mezcla se vuelve demasiado roja o antinatural, esta pequeña cantidad de azul mantendrá devolverla a un tono de piel natural Para el tono claro, mezclo blanco titanio con rosa coral y luego agrego un poco de amarillo cadmio para que la mezcla sea más brillante Después agrego un toque de azul ultramarino para neutralizar el calor para que se sienta más como piel natural en lugar de rosa puro Por último, la mezcla más ligera, tomo una pequeña cantidad del tono claro anterior y agrego mucho más blanco titanio para crear una variación de luz También agrego una pequeña cantidad de amarillo cadmum para mantener el resaltado vibrante y animado 6. Boceto del retrato: proporción: Antes de comenzar a pintar, dediquemos un tiempo a hablar del boceto porque un retrato se vuelve mucho más fácil cuando la base es fuerte. Un buen dibujo es lo que mantiene unida toda la pintura. El color, el trabajo mamario y los detalles dependen si la estructura debajo es precisa. Por eso creo que desarrollar una fuerte habilidad para dibujar es esencial Apoyará tu proceso de pintura en cualquier medio, no solo al óleo, cada uno tiene su propia forma de practicar y su propio método de bosquejo, pero voy a compartir dos enfoques que personalmente me parecieron muy útiles para que también los pudieras probar para practicar en casa La cabeza Lumis es un gran método para practicar porque te enseña la estructura subyacente de la cabeza, la esfera, la simetría, el plano, proporción, la colocación de la característica Cuando empecé, este enfoque hizo que el pase de dibujo se sintiera mucho más sencillo. Con una práctica consistente, creo que puede mejorar significativamente tu habilidad para dibujar También pasé mucho tiempo copiando dibujos del viejo maestro. Me ayuda a entender cómo simplificar la forma y diseñar las sombras. Al estudiar y copiar su trabajo, puedo ver por qué toman cierta decisión y ha mejorado mucho tanto mis ojos para el detalle como mi trabajo de línea. Ahora hablemos de cómo me hojeo para pintar. Puedes sket sobre papel primero y luego transferir tu dibujo usando papel de arriostramiento o papel de transferencia graphi Este método es genial. Si no tienes mucha confianza para patinar directamente sobre Canvas, quieres enfocarte en la pintura en lugar de preocuparte por la precisión del dibujo El retrato tiene proporción compleja. Este es el método más fácil para principiantes y asegúrate de que la estructura básica sea correcta antes de comenzar a pintar. Primero, empiezo por tonificar la lona Como mencioné anteriormente, utilizo aceite de lavanda blanco para diluir la pintura al óleo y creo un lavado muy fino de burn sana. Yo uso un caldo grande para extender este lavado de manera uniforme por todo el lienzo. En esta etapa, uso más solvente, por lo que la pintura se queda muy delgada y fluida. Esto permite que el color fluya fácilmente, cubra la superficie rápidamente, se seque más rápido y cree una base perfecta para dibujar en la parte superior Después limpio suavemente el área del retrato con una toalla de papel. Esto crea un tono cálido en el que me siento más cómodo para pintar en lugar de un lienzo blanco, que fácilmente distrae mis ojos Un lienzo puro es bastante difícil de valorar, por lo que la tonificación ayuda mucho Primero, comparo la altura de la cara con el marco. En esta referencia, la distancia desde la parte superior de la cabeza hasta el mentón es aproximadamente la misma que la distancia desde la barbilla hasta el pecho. Empiezo marcando la parte superior de la cabeza, luego mezle hacia abajo para que la distancia de la cabeza a la barbilla coincida con la distancia desde la barbilla hasta el pecho El punto medio entre estas dos marcas se convierte en el mentón que me ayuda a anclar el rostro correctamente dentro de la composición Una vez que tengo establecidas la parte superior e inferior de la cara, empiezo a marcar la división facial principal, desde la frente hasta las cejas, desde las cejas hasta la base de la nariz, y desde la nariz hasta la barbilla. En este retrato, la distancia desde la frente hasta las cejas es aproximadamente igual a la distancia de la ceja a la nariz, mientras que la distancia desde la nariz hasta la barbilla es ligeramente más corta. Después de marcar este punto, vuelvo a sarampión para verificar doble la proporción Después de marcar los puntos principales, los conecto ligeramente dibujando la línea de ojos, la línea de la nariz y la línea de la barbilla siguiendo el diente de la cabeza Por perspectiva, estas líneas no son paralelas. Conversan sutilmente hacia un solo punto de fuga. A continuación, dibujo la línea central de la cara para indicar la dirección de la nariz y dividir la cara en dos mitades. Marco el ancho del ojo izquierdo, anotándolo punto inicial y final. Entonces comparo la relación entre los dos ojos sobre la imagen de referencia para entender su diferencia proporcional. Debido al principio de inclinación de la cabeza y perspectiva, el ojo derecho aparece ligeramente más estrecho que el izquierdo Con base en esta comparación, estimo el espaciado y marco la posición del ojo derecho en el lienzo. Entonces rechazo esta medida contra la foto para asegurarme de que todo se sienta exacto. Una vez marcado el punto visual facial principal, empiezo a bosquejar la cara conectando este hito y refinando el dibujo general Yo uso en Bonsiena que hacen que la línea sea más fácil de ajustar y corregir en el camino En esta etapa, también empiezo a indicar las principales áreas de sombra como los pómulos, la cuenca del ojo, el costado de la nariz Esto me ayudó a visualizar el rostro como una forma tridimensional y crear una base sólida para aplicar color en el siguiente paso. También marco la boca, la esquina izquierda de la boca alineada aproximadamente con la cuenca del ojo izquierdo, y la esquina derecha de la boca alineada con el borde exterior de la muñeca del ojo derecho. Marco este punto en la lona y los comparo contra la referencia para confirmar la exactitud. Este estado de medición es bastante flexible. Puedes comparar cualquier relación que te sienta cómoda, como el ancho del ojo en comparación con la longitud de la nariz, la distancia entre las cejas, en comparación con el ancho del ojo o cualquier otra relación proporcional que notes en la cara. El objetivo es entender cómo las diferentes fisuras faciales se relacionan entre sí en tamaño y posición Cuanto más cuidadosamente midas, más precisa será tu falda. En esta etapa, todo sigue siendo muy ligero y ajustable. Este boceto es simplemente una guía, una base sólida que hará que el proceso de pintura sea mucho más fácil y seguro. A lo largo del proceso de boceto y pintura, todo se puede ajustar Constantemente estoy midiendo la proporción y haciendo pequeñas correcciones en el camino. Incluso si comienzas transfiriendo el punto clave o contorno de la imagen de referencia al lienzo, aún necesitas volver a visitarlo y volver a medir mientras pintas porque a medida que se aplica dolor, les envían naturalmente y los bordes Revisar su proporción una y otra vez es una parte importante del proceso. Te recomiendo que aprendas sobre la medición comparativa, lo que significa comparar una distancia con otra en lugar de depender de la medición fija. Este método te ayuda mucho a la hora de pintar retratos. Por ejemplo, podrías preguntar ¿ el ancho de la cabeza es mayor o menor que la altura? ¿La distancia de los ojos a la nariz es la misma que la distancia de la nariz a la barbilla? ¿Dónde se alinea verticalmente la comisura de los ojos con la boca? Utiliza tu latón o lápiz como herramienta de medición, sujetándolo a la longitud del brazo, comparando ángulos y longitudes, y marcando esas relaciones en el lienzo. Este enfoque construye precisión sin hacer que el dibujo se sienta rígido. Debido a que bunsena se diluye, es muy fácil de ajustar en la etapa de boceto. Si algo se cae, simplemente puedo usar una toalla para limpiarlo y volver a dibujar Al tratarse de un boceto a mano libre, no hay necesidad de sentirse estresado o apuntar a la perfección de inmediato. Trabajo principalmente por observación, bosquejo, ajuste y remedición de la proporción una y otra vez Sigo refinando hasta que la falda se sienta equilibrada y los rasgos faciales estén en la proporción adecuada. Este proceso de ida y vuelta es una parte normal e importante de la construcción de un retrato preciso. A medida que voy, también empiezo a reforzar las áreas de sombra y también la zona de valor más oscura aplicando un poco más de pintura Esto me ayudó a establecer un sentido temprano de valor y volumen, permitiendo que el rostro leyera más claramente como una forma tridimensional antes de pasar al color. En esta etapa, me enfoco principalmente en la cara y solo indico ligeramente el cuello. Dedico la mayor parte de mi tiempo a refinar la forma facial general y el ángulo de la cabeza en lugar de enfocarme en la representación detallada de rasgos individuales, evitando detalles excesivos en este punto, ayúdame a prevenir la sobrecarga visual y me permite establecer una estructura precisa, proporción y gesto antes progresar a etapas más refinadas de la pintura 7. Capa1 parte 1: Para la primera capa, siempre trabajo desde el valor más oscuro hacia los más ligeros. Esto me ayudó a establecer la profundidad de la estructura en una clara jerarquía de valores al principio de la pintura. Empiezo con los ojos usando mi mezcla más oscura para definir la estructura principal del ojo, la línea de las pestañas superior e inferior, el párpado y la grasa del párpado, el conducto lagrimal y la esquina externa del El color alrededor de los ojos naturalmente se inclina más cálido y más rojo. Esto se debe a que la piel en esta zona es delgada y rica en vasos sanguíneos, así que agrego una pequeña cantidad de laserin carmesí a mi Esto ayuda a que la sombra se sienta más realista en lugar de neutra o plana Estoy definiendo ligeramente los contornos exteriores de los ojos en lugar de enfocarme en los detalles de inmediato, priorizo establecer la forma general y la ubicación Ahora voy a trabajar poco a poco construyendo la forma con líneas de control de sonido ya que esta sigue siendo la parodia inicial, así que mantengo la marca ligera y flexible para que pueda ajustar fácilmente la proporción si es necesario Para la zona que rodea a la irlandesa, sigo usando la mezcla de oscuros, pero agrego un toque de azul cerúleo, ya que el color de sus ojos es azul, por lo que este sutil ajuste ayuda a sugerir la frescura de la irlandesa manteniendo el valor La mezcla base ya contiene umber bottob azul ultramarino, por lo que la adición de cerúleo dio forma la Ahora me muevo en la OSI, siguiendo el mismo enfoque. Empiezo definiendo los controles de salida para establecer su forma general y colocación mientras trabajo, lo estoy comparando constantemente con el primer ojo en lugar tratarlo como un elemento separado. Esto ayuda a mantener la consistencia en forma, tamaño y proporción. Una cosa importante a tener en cuenta es que ambos ojos deben sentarse a lo largo de la misma línea horizontal, a menudo conocida como la línea del ojo. A medida que dibujo, frecuentemente paso atrás y compruebo si este segundo ojo se alinea correctamente con el primero Es muy fácil que el segundo ojo desplace ligeramente más alto o más bajo, esta etapa requiere una cuidadosa observación y ajuste. A menudo voy de un lado a otro refinando ambos ojos juntos en lugar de terminar uno completamente antes que el otro. También estoy prestando atención al espaciamiento entre los ojos así como al ángulo y la inclinación asegurándome que sigan el mismo flujo direccional de la cabeza. Una vez establecidas las líneas principales de los ojos, paso a las sombras de la cuenca del ojo. Utilizo un dacton medio modificado con una pequeña cantidad de ocre amarillo, ocre amarillo calientan ligeramente la mezcla y bajan la Croma que es especialmente útil para las especialmente útil para Después ajusto la temperatura según sea necesario con bollo Ciena a calentar o azul ultramarino En este retrato, la cuenca del ojo izquierdo y la esquina exterior del ojo izquierdo son las más oscuras porque están parcialmente en sombra proyectada por el cabello Destaco estas áreas un poco más para reforzar la profundidad y la dirección de la iluminación. Anatómicamente, la cuenca del ojo es el área de receso más profunda, por lo que naturalmente contiene la sombra más oscura El área que produ ligeramente en el medio, como la mejilla superior o el hueso de la ceja capta más luz o luz reflejada En este caso, observo que su piel tiene un matiz cálido, rojizo, sobre todo alrededor de los ojos Para las zonas más claras que rodean el ojo, introduzco violeta sutil, creo gris al faltar tono medio con rojo y azul azul ultramarino El violeta es muy efectivo en la pintura de retratos porque ayuda a la transición entre el tono de piel cálido y el área de sombra de color. Para los glends más ligeros utilizo una mezcla dominada por la tonelada roja, equilibrada con azul ultramarino y suavizar con mi Esto crea un color de piel luminoso natural sin llegar a saturarse demasiado. Luego paso a otras áreas de la cara que contienen el valor más oscuro, huecos de las mejillas y el área debajo del mentón Los huecos de las mejillas de ambos lados, especialmente de la izquierda aparecen significativamente más oscuros debido a la sombra proyectada creada por el cabello A partir de esta zona de receso, el valor pasa gradualmente más ligero a medida que se mueven hacia afuera hacia la mejilla en la imagen de referencia, la mejilla muestra una notable temperatura de color cálido inclina fuertemente hacia el rojo Para reflejar esto, empiezo pintando la parte más profunda de los huecos de las mejillas y extendiendo estas sombras hacia el costado del mentón usando una mezcla cálida y oscura A medida que trabajo, poco a poco introduzco más isarin carmesí para mejorar el cálido y describir mejor el tono de piel subyacente rico en sangre Para la transición de tono medio en la mejilla, el área entre el agujero de la mejilla y la mejilla más completa se mezcla, observo una fuerte calidad de naranja rojo para lograr esto, me perdí un color dominado por el rojo combinado con naranja cadmio y una También utilizo el valor más oscuro para definir el borde superior de la frente, ayudando a enmarcar el rostro, y luego aplicar la misma mezcla oscura para establecer la fosa nasal Usando el tono medio, pinto las sombras a lo largo de ambos lados de la nariz, ajustando la mezcla con rojo y naranja adicionales y kded o alguna vez ocre amarillo Al trabajar con este tono medio, sigo desarrollando los valores medios de la mejilla En este retrato, la piel aparece en general bastante cálida con un fuerte sesgo rojo, naranja. Esta puede estar influenciada por la luz reflejada de su cabello rojo debido a que mi mezcla inicial es relativamente neutra, por lo que constantemente introduzco más rojo y naranja durante aplicación para capturar con precisión la temperatura y vivacidad de su piel 8. Capa1 parte2: A continuación, paso a pintar la sombra debajo de la nariz. Esta área se asienta en un valor medio oscuro, y a medida que la sombra pasa hacia abajo hacia la boca, el color gradualmente se vuelve cálido con más nudos anaranjados. Después de bloquear las áreas oscuras, continúo estableciendo los valores de luz media. Camino desde los ojos hacia abajo hasta la mejilla, moviéndome desde el hueco de la mejilla hacia afuera hacia el centro de la cara A partir de ahí, paso gradualmente a través del tono de luz medio hacia el área más clara, graduando una progresión de valor suave a través del plano facial Al trabajar en los tonos más claros del rostro, preparo varias variaciones de mi mezcla de tonos claros. Introduzco más cantidad de azul erlein, que es un azul frío para abastecer cierta zona de luz fresca Esto es importante porque no todos los reflejos son cálidos en áreas como alrededor de la boca y debajo de la nariz, observo una luz más fría, por lo que ajusto la mezcla consecuencia con un toque de azul erlein En la primera etapa de trabajo, es muy importante no sobredetallar El objetivo principal en esta etapa es establecer las principales relaciones de valor y color, no definir pequeñas características, Odetallar demasiado pronto puede llegar a ser fácilmente abrumador y a menudo debilita la estructura general de la pintura Al mismo tiempo, es igualmente importante no bloquear en afeitados que sean demasiado grandes y uniformes Si se aplica un solo valor o color sobre un área demasiado grande, se vuelve muy difícil leer la forma subyacente lugar de bloquear solo en el valor más oscuro y el más ligero, preste mucha atención al tono de transición entre Por ejemplo, evite pintar toda la mejilla con un tono de pin plano o usar solo el valor más ligero en el plano frontal de la cara Si bien aún no necesitamos detenernos al refinamiento, aún debemos describir suficiente radiación para sugerir la forma Al final de la etapa de bloqueo, el retrato ya debería leerse como tridimensional. El valor y la transición de color deben indicar claramente el giro de la lente en el espacio incluso sin detalles. Para apoyar esto, la dirección de brebaje es muy importante. Recomiendo imaginar la cabeza como una colección de formas tridimensionales simples como esfera, cilindro y plano El rostro, especialmente la mejilla y la frente, se pueden visualizar como parte de una Sigo esta forma de imagen con mi trazo de pincel permitiendo que la dirección del trazo se envuelva alrededor la forma en lugar de moverse aleatoriamente. Este enfoque refuerza el volumen y ayuda a que la pintura se sienta sólida. Como puedes ver, el puente de la nariz, que es un hueso nasal capta la luz más directa, pero no debe pintarse como un solo resalte plano. El puente gira sutilmente a medida que se mueve hacia abajo, por lo que el valor y el color se envían gradualmente en lugar de permanecer en uniforme Bloqueo en la zona más ligera y observo donde la luz realmente golpea en lugar de cubrir todo el puente con una tonelada brillante A lo largo de ambos lados del puente se encuentran los planos laterales de la nariz, que reciben un poco menos de luz que el centro del puente. El color y el valor deben pasar del punto más claro en el centro y poco a poco volverse más oscuros a medida que se mueve hacia afuera Es importante evitar delinear la nariz con un solo color uniforme Esto hará que la forma parezca plana o como caricatura. Presto mucha atención a la zona donde la frente transita hacia el inicio del puente nasal. Esta zona de conexión suele aparecer un poco más oscura que tanto la frente que sobresale el puente de la nariz. El motivo es que la frente y el puente nasal son planos más orientados hacia adelante que captan la luz directa mientras que el área entre ellos se aleja sutilmente de la luz y caen en una sombra suave proyectada por la frente A continuación, paso a la frente. Aunque la frente generalmente recibe la mayor cantidad de luz, es importante no bloquear en toda el área con el valor más ligero Hacerlo aplanaría la forma. En cambio, observo los cambios de valor y construyo el área gradualmente trabajando desde valores más oscuros hacia uno más claro. En el lado derecho de la frente, hay una sutil sombra proyectada desde el cabello, que introduce una influencia naranja rojiza ligeramente más cálida Reflejo esto calentando la mezcla suavemente en esa zona. Yo uso una mezcla de tonelada ligera ajustada con rojo y una pequeña cantidad de cerulen azul para pintar las victorias nasales Los vientos nasales reciben menos luz directa. Por lo que es importante evitar usar el mismo valor de luz para estas áreas que para el puente de la nariz porque recibe menos luz directa y por lo tanto debe permanecer un poco más oscuro que el puente. Mantener esta diferencia de valor es muy esencial para reservar la estructura tridimensional y la forma de la nariz Dejo las hojas para bloquear lotes después de establecer el tono de piel circundante. Sus hojas no son de color rojo intenso, sino que se inclinan hacia un naranja rojo cálido. Extraño rojo con naranja cadmio como color base para el labio inferior, agrego una pequeña cantidad de blanco para reflejar su forma más completa y mayor exposición a la luz Para las áreas de labio superior y sombra, incorporo más alizarina carmesí y también en algún momento agrego un toque de azul ultramarino a lo largo de los bordes más oscuros para profundizar el valor Al pintar las hojas, sigo la dirección natural de los planos de salto en lugar de delinearlos con una sola línea Este enfoque ayuda a crear un efecto tridimensional más convincente También estoy prestando atención a la estructura de las hojas. Las hojas no son planas. Tienen volumen con sutiles blanes que atrapan de manera diferente El área central a menudo aparece más llena mientras que los bordes se suavizan y mezclan más en la piel circundante En lugar de delinear las hojas con una línea dura, permito que los bordes se ablanden gradualmente, especialmente a lo largo de los contornos exteriores Esto ayuda a que los labios se sientan integrados en el rostro en lugar de aparecer recortados y graficados. Varié el color ligeramente introduciendo tonos más cálidos hacia el centro y tonos ligeramente más fríos y neutros a medida que me muevo hacia arriba para reflejar la variación natural en la piel y la superficie foliar. 9. Capa1, parte3: Después de establecer los tonos faciales, paso a bloquear el cuello, nuevamente trabajando desde el valor más oscuro hacia los más claros. Empiezo con la sombra más profunda debajo del mentón. Esta zona recibió muy poca luz directa y suele ser la parte más oscura del cuello debido a la sombra proyectada de la cabeza Utilizo una miura oscura cálida ajustando con caída ósea y sienna ósea y además introduzco una pequeña cantidad de rojo para reflejar el calor natural y el flujo sanguíneo en esta zona A medida que la forma se mueve hacia abajo y se aleja del mentón, los valores gradualmente se vuelven más claros. Yo hago la transición a mito ducton suavizando los bordes para evitar una separación áspera entre la cara y el cuello El lado del cuello permanece más oscuro que el centro ayudando a describir la forma cilíndrica del cuello. El evito empujar el cuello hacia el valor más ligero en esta etapa, manteniendo el cuello un poco más oscuro que el rostro, ayudar a mantener el enfoque en el retrato y refuerza una jerarquía natural de la luz y la En esta etapa de bloqueo, mi objetivo no es el detalle, sino claras relaciones de valor, variación de temperatura y un sólido sentido de la forma que apoyará el refinamiento en capas posteriores Después de bloquear en la cara y el cuello, paso al cabello. En esta etapa, utilizo unos hermanos grandes, lo cual es sumamente importante hora de empezar a pintar el cabello. Al pintar el cabello, siempre comience con unos hermanos grandes y concéntrese primero en encerrar las principales masas claras y oscuras. Evite el error común de sentirse abrumado por la complejidad del cabello y tratar de definir fuerza individual demasiado pronto con unos hermanos pequeños, comenzando con unos hermanos pequeños a menudo conducen a rigidez y pérdida de estructura La prioridad en esta etapa es el valor y la masa no el detalle. Al pintar el cabello, continúo evaluando el espacio circundante usándolo como una oportunidad para corregir y refinar la forma general del rostro. En esta fase de bloqueo, me concentro únicamente en establecer el patrón de luz y sombra del cabello. No describo si el cabello es liso o c todavía, ese nivel de detalle se abordará en etapas posteriores una vez que la estructura general sea sólida. Para los músculos capilares del doctor, utilizo la mezcla de mi perro e introduzco más siena quemada para mantener la sombra cálida y rica Para los tonos medios, confío principalmente en la siena quemada y para las zonas más claras, introduzco más rojo y naranja cadmio reflejando el tono rojo de su cabello En alguna zona resaltada, también agrego una pequeña cantidad de ocre amarillo para aumentar el brillo mientras mantengo el color abarrotado Me estoy enfocando principalmente en el valor, cuán clara u oscura es cada sección en lugar de pequeños detalles o textura como ves, mantengo el broo amplio y sencillo permitiéndome ajustarme fácilmente a medida que avanzo Si algo se siente mal, siempre puedo refinarlo más adelante en las siguientes etapas. El objetivo aquí es crear una base sólida que describa la forma general y el flujo del cabello para que en las etapas posteriores, agregar detalles se vuelva mucho más fácil y más control, no te preocupes por hacerlo perfecto, enfocándote en bloquear las principales relaciones de luz y oscuridad. 10. Capa1, parte4: Por último, bloqueo en la zona del pecho y también continúo refinando la conexión entre el cuello y el pecho. Ajustar el cuello también es una parte que lleva mucho tiempo, ya que ayuda a sugerir claramente la inclinación y la orientación de su cabeza. También realzo los valores más oscuros y afino los colores de transición. Asegurar la transición entre el cuello y el pecho se siente natural y cohesivo Reevalúo la estructura de valores y refuerzo algunas de las sombras más oscuras Durante el proceso de pintura, es posible que ciertas áreas de sombra aún no sean lo suficientemente oscuras, por lo que siempre podemos verificar y avanzar ajustando y profundizando sombra según sea necesario para fortalecer contraste y restaurar una clara sensación de profundidad y forma Al pintar, también cambio pinceles para mantener el color limpio. Incluso tengo tres pinceles separados para el lado que usé con más frecuencia, uno dedicado a la mezcla Doc y otro para los tonos medios y otro para el tono claro. Para otros pinceles, como muy lista, es importante usar pinceles separados para áreas oscuras y claras. Si usas el mismo cepillo sin limpiarlo adecuadamente, pigmento oscuro puede contaminar mezcla más clara haciendo que los colores se vuelvan fangosos De igual manera, la pintura ligera llevada al área oscura puede debilitar el valor de sombra, reduciendo el contraste y aplanando la profundidad general de la Si solo tiene un cepillo para un lado, asegúrese de limpiarlo a fondo con un coágulo o pañuelo limpio o enjuáguelo brevemente con disolvente antes de recoger un nuevo rango de valor, mantener sus pinceles limpios y organizados ayuda mucho a resolver la claridad, pureza del color y la fuerte separación de valores durante todo el proceso de pintura Para completar la etapa de bloqueo, regresé al hielo y llenando las áreas restantes, incluyendo el párpado y el irlandés al pintar el iris, es importante no llenarlo de un solo color plano oscuro El valor y el color del iris varían dependiendo de la luz. En este retrato, el iris aparece más claro alrededor del borde exterior y más oscuro hacia el centro donde se encuentra la pupila Utilizo más azul ultramarino en la zona central más oscura del iris para crear profundidad manteniendo las áreas circundantes ligeramente más claras y transparentes Esta variación ayuda a que el ojo se sienta vivo y tridimensional en lugar de plano. Estoy pasando al segundo ojo y sigo el mismo proceso. Aplico el mismo enfoque en términos de valor, color y estructura. En esta etapa, también comparo constantemente los dos ojos mientras trabajo, asegurándome de que se sientan consistentes en tamaño, alineación e intensidad. Es importante que ambos ojos pertenezcan a la misma fase y compartan la misma condición de rayo. Puedo ir y venir entre los dos ajustando según sea necesario. En esta etapa, todavía me estoy enfocando en la estructura general y el valor aún no refinando demasiado los pequeños detalles. Para el blanco de los ojos, evito usar blanco puro. En realidad, la esclerótica es un sub gris más que blanco. Extraño un sutil neutro usando azul rojo, moño sienna y blanco ajustando la balanza para mantenerlo discreto 11. Layer2 copy: La segunda capa se enfoca en construir y mejorar el rasgo facial y refinar la estructura general de la cara. En esta etapa, profundizo las sombras e introduzco más valor transicional y variación de color para crear un tono de piel más suave y una característica más claramente definida Si bien el objetivo aún no es el detalle extremo, esta capa aporta mayor claridad, contraste y cohesión al retrato. Empiezo esta capa volviendo a los ojos. Profundizo las sombras y defino aún más el párpado, debajo del área de los ojos y la piel circundante ya que se conecta con la nariz y la mejilla superior Observando la referencia, noto que la piel alrededor de los ojos se inclina hacia la tonelada violeta roja más fría, mientras que la mejilla se inclinó hacia tonos rojos, anaranjados más cálidos Para reflejar esto, también introduzco más azul a la mezcla alrededor de los ojos y ajustando la cantidad en función del valor de cada área. También refino detalles dentro de los irlandeses y del pueblo. También presto atención a la asimetría entre los dos ojos El ojo izquierdo recibió menos luz en la referencia, por lo que es sombra o más profundo y más pronunciado. Al pintar el párpado inferior, es importante recordar que no es solo una línea sino una forma sub redondeada El párpado inferior se asienta ligeramente hacia adelante desde el globo ocular y capta la luz de manera diferente a lo largo de su superficie El borde del párpado inferior suele ser más claro que la cuenca del ojo debajo de él, pero más oscuro que el resaltado en el párpado superior. Evierto delinearlo bruscamente y en cambio sugiero que se formó a través sutil valor y color barco el párpado inferior a menudo refleja la luz de la mejilla de abajo, que puede introducir un tono ligeramente más cálido o más claro a lo largo En esta etapa, empiezo a usar pinceles más pequeños y finos para definir controles oculares y detalles anatómicos con mayor precisión mientras sigo manteniendo la subtransición Skin una estática. Constantemente cambio en valor, color, temperatura y saturación a través de la superficie. Cuanto más sutiles y controlen estos transitorios, más realista y animado se vuelve el retrato. Este es el propósito principal de las capas posteriores. Por el contrario, confiar solo en el valor oscuro, medio y ligero y luego mezclarlos excesivamente a menudo conduce a un color fangoso, forma aplanada y un resultado infalible. Un error común a la hora de pintar es que pintar la sombra como un bloque sólido lo que hace que la forma parezca plana. Incluso dentro de la sombra, siempre hay variación de luz y oscuridad. Las sombras no son uniformes. Contienen estructura, luz reflejada y transición sutil que describen la forma. Entonces, al construir capas en áreas de sombra como alrededor de la cuenca del ojo o a lo largo del costado de la nariz, observo cuidadosamente la referencia para identificar el valor conformado dentro de la familia de sombras. Por ejemplo, la sombra más profunda a menudo aparecen nuevos cambios de plano o superposición de forma de onda, mientras que las áreas más cercanas a la luz pueden contener un tono de sombra más suave y ligeramente más claro debido a la luz reflejada. Al introducir esta variación, la sombra permanece dimensional en lugar de pesada o agrupada También evito mezclar todo demasiado, que puede aplanar la forma En cambio, utilizo la transición de control para sugerir cómo la forma gira en el espacio, permitiendo que la sombra soporte la estructura tridimensional general de la cara. En esta etapa, comencé a usar pinceles más suaves para construir capas que ayudan a crear una transición más suave a través la superficie de la piel al mezclar colores durante el proceso de pintura, evito mezclar gran cantidad de pintura a la vez. En cambio, echo de menos pequeña variación a la vez, luego pruebo el color directamente en el lienzo. Si no se siente bien, ajusto la mezcla poco a poco. Este enfoque, mantener el proceso flexible, reduce el desperdicio de dolor, y además ayuda a evitar que el color se vuelva fangoso porque sobretrabajar una sola mezcla con demasiados pigmentos a menudo hace el color y reduce la pregrancia para mí, mezcla de color es un proceso de Por supuesto, esto se guía por la teoría del color y el principio fundamental, no por la mezcla aleatoria, pero es importante entender que un color en la paleta realmente se ve igual una vez aplicado en el lienzo, la paleta en contexto aislado neutro, mientras que el lienzo presenta color en relación con los valores y matices circundantes Debido a esto, un color que aparece correcto en la paleta puede cambiar de valor, matiz o croma una vez que juega dentro de la pintura Esto es especialmente importante cuando se trabaja con luz y sombra, un color puede aparecer muy oscuro en la imagen de referencia, pero una vez pintado, puede resultar demasiado oscuro. A menudo esto sucedía porque el área está rodeada de luz a valores, haciéndola parecer más oscura por contraste. También, lo mismo se aplica a la luz reflejada dentro de una sombra. Puede parecer brillante en la referencia, pero si se pinta demasiado claro, puede romper la lógica de la forma. El valor más claro dentro de la familia de sombras siempre es más oscuro que el valor más oscuro dentro de la familia de luces En esta etapa, empiezo a refinar y definir los ojos con más detalle. Cambio entre brochas más pequeñas y de detalle fino para obtener un mejor control sobre las líneas y una transición sutil Esta es una etapa en la que es útil reducir la velocidad y trabajar con más cuidado ya que los ojos son el punto local de la cara y un pequeño ajuste puede marcar una gran diferencia. Mientras pinto, estoy constantemente observando la referencia y haciendo ajustes en el camino. En lugar de depender de una sola medida, retoco continuamente el color, ajustando el valor, la temperatura y la intensidad según sea necesario No espero obtener el color perfecto de inmediato. En cambio, aplico una pequeña cantidad, observo cómo se encuentra dentro del contexto de la pintura, y luego la afino aún más si es necesario. También voy y vengo entre ambos ojos, comparándolos para mantener la consistencia en forma, dirección y valor. Entonces, en esta etapa, el objetivo es ir acumulando gradualmente claridad y definición sin dejar de mantener la transición resuelta y natural. Como pueden ver, constantemente estoy redefiniendo los contornos a medida que avanzo Así que siéntete libre de hacer ajustes en el camino. Esta etapa es muy flexible. Así que no dudes en corregir y mejorar el eje a medida que trabajas. A veces cuando aplico un color, puede parecer demasiado claro o ligeramente apagado en comparación con lo que observo en la referencia. En esos casos, simplemente lo ajusto directamente sobre el lienzo. Este es en realidad uno de los aspectos que realmente disfruto de trabajar con pintura al óleo. La pintura al óleo te da la ventaja del tiempo. No estás obligado a hacer todo bien de inmediato. Puede continuar modificando capa y refinando la pintura mientras aún es viable En lugar de tratar de lograr la mezcla perfecta desde el principio, trato el proceso como una serie de ajustes. Aplico una pequeña cantidad de pintura, observo cómo interactúa con los colores circundantes, y luego la afino si es necesario Esto permite un flujo de trabajo más intuitivo y receptivo donde poco a poco puedo acercarme al valor y color correctos. Así que no te sientas presionado para conseguir todo perfecto en un solo paso Aprovecha la flexibilidad del medio y date tiempo para ajustarte y refinar directamente sobre el lienzo. 12. Capa2 parte 2: Ahora estoy reforzando las cejas agregando valores más oscuros y suavizando la transición en el área entre las cejas, por lo que se funde más naturalmente en la piel circundante Empiezo refinando la transición entre la cuenca del ojo y el puente de la nariz. En el bloqueo anterior, me enfoqué principalmente en separar la luz y la sombra. La transición como punto seguía siendo bastante simplificada. Ahora empiezo a suavizar esos bordes de sombra e introduzco la mayor parte de la variación de color Recuerda no mezclar directamente entre la luz y la oscuridad, sino construir la transición agregando colores intermedios. Esto ayuda a mantener la claridad y al mismo tiempo lograr un cambio de valor suave y natural. Estoy definiendo la globula la zona entre las cejas, donde empieza el puente de la nariz Esta zona es importante porque conecta la frente con la nariz y ayuda a describir la estructura general de la cara. Al ajustar cuidadosamente tanto el valor como el color en esta región, puedo describir mejor la forma tridimensional notará que los planos aquí son bastante sutiles. Cambian suavemente de luz a sombra en lugar de formar bordes duros. En general, esta etapa trata sobre refinar y conectar formas, pasando de un simple bloqueo de luz y sombra hacia una superficie más matizada y dimensional Al refinar la catálisis nasal, presto mucha atención tanto al valor como a la forma de la temperatura de color La porción superior de la catálisis más cerca de los ojos tiende a parecer más fría y oscura, ya que se más cerca de los ojos tiende a parecer más fría y asienta más profundamente dentro la sombra de la cuenca del ojo y recibe menos luz directa En esta zona, el color a menudo se inclina ligeramente hacia tono violeta frío A medida que la forma se mueve hacia abajo, el catallag se vuelve más expuesto a la luz reflejada de la piel circundante haciendo que el color se desplace más cálido, a menudo inclinándose hacia el naranja y el nódulo rojo cálido Reflejo este cambio gradual de temperatura en mi mezcla pasando de un tono más fresco oscuro arriba a un tono más cálido a continuación Me estoy enfocando principalmente en suavizar los bordes a lo largo del puente de la nariz para que la transición se sienta más natural y menos dura. Al mismo tiempo, empiezo a ver la forma de la piel alrededor de la nariz, especialmente la zona justo debajo de la nariz y alrededor del costado de las fosas nasales donde la carne se reduce ligeramente Para evitar que esta área se vea plana, utilizo trazo de pincel curvo que envolvió alrededor de la forma. Muevo mis sostenes en un movimiento sub redondeado para seguir la estructura natural de la cara. Esto ayuda a que la nariz se sienta más levantada y tridimensional donde la piel circundante se siente como si se estuviera envolviendo y conectando suavemente en la mejilla y hacia la boca Sigo pidiendo más cambio de valor y color para apoyar esta forma en lugar de confiar en líneas fuertes. En general, estoy pensando en estas áreas como una serie de formas suaves enrutadas que conectan entre sí en lugar de separar la forma plana Ahora estoy volviendo al hielo para refinar aún más los detalles y mejorar su claridad. La estratificación no solo se trata de refinar la transición de valor, sino también de mejorar gradualmente la saturación del color A medida que avanza la pintura, presto más atención a la saturación y croma en las capas posteriores Intencionalmente construyo la superficie con un color más saturado y vibrante mientras sigo manteniendo el control sobre el valor. Este aumento gradual en la saturación como riqueza de profundidad y una sensación de vitalidad a la piel, haciendo que el retrato se sienta más realista Cuando hablamos de la forma y la luz, hay algunas cosas simples a tener en cuenta. Las áreas de luz son parte que reciben luz directa y la sombra central muestra donde la forma comienza a alejarse de la luz. Esta suele ser la parte más oscura de la sombra en la forma misma, y la sombra de caché ocurre cuando una parte de la forma bloquea la luz y crea una sombra en otra superficie, y la luz reflejada es una luz que la inclina hacia el área de sombra desde superficies cercanas A pesar de que es más claro que el resto de la sombra, siempre debe permanecer más oscuro que el lado claro. Debido a esta relación, cuando no estoy seguro de un color, aplico un pequeño trazo de prueba a un área limitada y lo comparo cuidadosamente con la referencia Si no es correcto, ajusto la mitura antes de comprometerme más Evite aplicar demasiada pintura demasiado rápido y luego corrija directamente sobre el lienzo porque a menudo se lleva a color fangoso y su pintura perderá vitalidad y también conducirá a un esfuerzo innecesario Desde mi experiencia personal, impaciencia durante la mezcla de colores es uno de los errores más comunes Aplicar el color demasiado rápido sin una observación cuidadosa y comparar con la imagen puede resultar en múltiples errores de valor en todo el retrato, y requerirá una fuerte corrección más adelante. Tómese su tiempo, tenga paciencia con el proceso de mezcla y no dude en probar y ajustar varias veces solo un área pequeña en su pintura. Precisión de color desarrollada a través de la observación, comparación y moderación, no confiando solo en su primer instante. Ahora estoy pasando por las áreas restantes del rostro, suavizando los bordes y refinando la transición alrededor de la mejilla, el puente de la nariz, el mentón para crear un aspecto más cohesivo 13. Capa3 p1: En esta etapa, el enfoque se desplazó hacia el refinamiento de la pintura a través del control de la edad, detalles sutiles y fortalecimiento la relación general de sombra de luz a medida se aplican múltiples capas de pintura contornos y las líneas estructurales pueden suavizarse, moldearse o oscurecerse parcialmente de forma natural moldearse o oscurecerse parcialmente de forma Por esta razón, vuelvo continuamente a la característica para volver a aclarar la forma, reforzar la estructura y mejorar el contraste de valor donde sea necesario. Esta etapa construida directamente sobre la cimentación establecida en la primera capa. Entonces, en esta etapa, me concentro principalmente en ajustar las capas y enriquecerlas un color más vibrante, una transición más suave y una mayor claridad La superficie gradualmente se vuelve más refinada a medida que me enfoco en la variación sutil en el valor, temperatura del color y la saturación, en lugar de cambios dramáticos. Como estoy trabajando mojado sobre mojado, permite que mi pintura fresca interactúe con las capas existentes debajo. Este enfoque me permite crear bordes suaves y transición natural, pero también requiere control. En lugar de cepillar directamente el área clara y oscura que puede muñecar la superficie, continúo mezclando color de transición a medida que avanzo y colocarlos deliberadamente entre valores No voy a hablar tanto durante esta etapa porque gran parte del trabajo implica constante observación, comparación y ajuste en respuesta a la referencia. Sigo usando el mismo enfoque que comenté anteriormente, faltando pequeña cantidad, probando en la lona, y ajustando según sea necesario. Eres absolutamente libre de trabajar de manera más intuitiva o adaptar este proceso a tu propio estilo siempre y cuando permanezcas consciente de la estructura de valores y evites una mezcla excesiva en el lienzo Al ajustar el color, es importante tener en cuenta no solo el valor, sino también el Cromer y el matiz Por ejemplo, si un área necesita sentirse más brillante y más vibrante, puedo agregar una pequeña cantidad de amarillo cadmio Por favor, tenga cuidado al agregar blanco porque demasiado blanco reducirá la saturación. Lo uso principalmente para aumentar el valor en lugar de iluminar. Para corregir y equilibrar el color, a menudo pienso en términos de pares complementarios en la rueda de colores. Por ejemplo, cuando una mezcla se vuelve demasiado violeta, agrego una pequeña cantidad de amarillo para neutralizarla O si aparece un color sobre el rojo, lo equilibro con sutil adición de azul y amarillo. También ajusto el color en función de mirar el matiz. Por ejemplo, si un área veo que necesita más naranja, puedo agregar un poco de naranja cadmio a la mezcla o bollo sienna si quiero crear un tono cálido pero más oscuro Si un área necesita sentirse más fresca sin dejar de ser ligera, introduzco el azul cerúleo, que es un azul frío en la mezcla de luz Gran parte de este proceso está guiado por la experiencia y la intuición. Desarrollado a través de la práctica repetida, eres libre de explorar y ajustar hes creativamente siempre las relaciones de valor permanezcan correctas, la forma seguirá leyendo convincentemente Puedes exagerar suavemente temperatura del color para que se adapte a tus preferencias, ya sea que quieras un estado de ánimo rosa violeta más cálido o un más fresco de aton sin dejar de mantener el realismo y la estructura Un enfoque que encuentro especialmente útil para describir las alas de la nariz y la punta de la nariz es imaginar que la parte inferior de la nariz está construida a imaginar que la parte inferior de la nariz partir de tres formas esféricas simples, dos esferas más pequeñas que representan las alas nasales de cada lado y una esfera central que representa la punta de la nariz. Pensar de esta manera ofrece dos ventajas importantes. Primero, guía de forma natural la dirección del cepillo fomentando la parada para seguir la curvatura de la forma enrutada en lugar de moverse aleatoriamente En segundo lugar, te permite acercarte al sombreado de la nariz como lo harías con una esfera simple con un claro resaltado, sombra central y una sombra proyectada, que es la sombra debajo de la nariz Al simplificar los nodos en formas básicas, resulta mucho más fácil entender cómo se mueve la luz a través de su superficie Este método es mucho más efectivo que intentar copiar los nodos directamente de la referencia sin una estructura subyacente que pueda parecer complicada y abrumadora. Reducir la anatomía compleja en forma de símbolo proporciona una base clara, haciendo que el proceso de pintura sea más manejable y ayudando a que la forma se lea convincentemente en tres dimensiones Para la fosa nasal y la base de la nariz, tengo cuidado de no usar oscuridad pura Varío ligeramente los tonos oscuros para mantenerlos ricos y evitar que la zona se vea demasiado áspera o plana. Estoy constantemente refinando los contornos, pero en lugar de delinear la nariz, la defino a través de cambios de valor y sub bordes que mantienen la nariz luciendo natural en lugar de gráfica A lo largo de este proceso, continúo paso atrás observar y hacer más ajustes tanto al color como al valor para mantener el equilibrio dentro de la cara. Ahora estoy refinando continuamente la forma de la nariz, realzando el filtro y profundizando la sombra central debajo de las Como ves que solo estoy ajustando constantemente tanto el valor como el color en pequeña cantidad en lugar de hacer grandes cambios, esto ayuda a mantener un aspecto natural y mantiene la forma cohesiva A veces podría aplicar un color que resulta un poco demasiado oscuro o el matiz no coincide del todo con lo que estoy apuntando y eso completamente nada más. Cuando eso sucede, simplemente vuelvo, ajusto la mezcla en mi paleta, y luego aplico el color encima. Esta es también la razón por la que prefiero aplicar color en pequeña cantidad a la vez. En lugar de dejar una gran área de pintura toda a la vez, construyo poco a poco probando cada inglete para ver si se arregló antes de comprometer más Es casi como un proceso de constante comprobación y refinación en lugar de tratar conseguir todo perfecto de una sola vez. Es importante recordar que mezclar el color incorrecto es parte del proceso. Siempre puedes ajustarlo ya sea modificando tu mezcla o colocando capas sobre ella, no tengas miedo de experimentar Trabajar despacio y hacer pequeñas correcciones en el camino te dará mucho más control y un resultado más natural. 14. Capa3 parte2: Después de establecer la nariz hasta un punto donde se siente estable, empiezo a pasar a las áreas circundantes, centrándome en la transición más sutil alrededor de la mejilla inferior y la zona alrededor de la boca En esta etapa, no estoy haciendo ningún cambio dramático, sino refinando la transición para hacerlos más suaves y naturales. Alrededor de esta zona, noté que el color se desplaza ligeramente hacia un tono más fresco, más violeta para lograr esto. Introduzco una pequeña cantidad de rojo combinado con azul en mi mezcla, creando una sutil variación violáceo Esta transición de color ayuda a equilibrar los tonos más cálidos en la mejilla y las hojas y también refleja la variación natural de la piel, que nunca es un solo color uniforme al mismo tiempo, estoy usando estas naves de valor y color para definir mejor la forma tridimensional de la cara El área alrededor de la boca y la mejilla inferior tiene blanes suaves que se alejan de la luz, estos sutiles cambios ayudan a describir esa estructura con mayor claridad También presto atención a la dirección de mi golpe de sangre siguiendo la curvatura natural de la forma para reforzar la sensación de volumen. En general, esta etapa se trata de refinar y conectar formas, asegurando que las áreas transiten suavemente entre sí manteniendo una clara sensación de luz y estructura. Ahora estoy realzando la sombra alrededor de las zonas de los pómulos. Esta área naturalmente se asienta ligeramente empotrada, profundizar el valor aquí ayuda a definir la estructura de la cara y hace que el hueso de la mejilla se sienta más pronunciado También estoy tomando en cuenta la influencia del cabello. El cabello crea una sombra sub proyectada en el costado de la cara, especialmente a lo largo de las áreas externas de las mejillas En lugar de tratar esta sombra como solo una parte del tono de la piel, profundizo ligeramente y enfrío el valor para reflejar esa sombra que viene del cabello Aplico la pintura poco a poco construyendo la sombra en capas delgadas en lugar de agregar un perro pesado, todo a la vez, esto ayuda a mantener la transición suave y natural. Al mismo tiempo, suavizo los bordes a medida que la sombra se mueve hacia adentro hacia el centro de la cara, por lo que se funde suavemente en las áreas más claras de la mejilla Ahora me estoy enfocando en el área de sombra debajo del lado izquierdo del mentón. En esta área, es muy importante pensar detenidamente las relaciones de valor para que nuestros ojos no se engañen A pesar de que son variantes dentro de la sombra, algunas partes ligeramente más claras, otras más oscuras, toda la familia de sombras debe permanecer más oscura que cualquier cosa en el lado claro de la cara. Una manera útil de pensar sobre esto es que incluso la parte más clara dentro la sombra debería ser aún más oscura que la parte más oscura en el área clara A veces cuando miramos la pintura durante mucho tiempo, nuestros ojos pueden ser engañados y podríamos pintar accidentalmente la sombra a la luz, especialmente en los tonos medios Para evitar esto, comparo constantemente esta área de sombra con el área de luz cercana como la mejilla o la mandíbula que está captando la luz y me aseguro de que haya una clara separación en valor En cuanto al color, no solo agrego negro para oscurecerlo. En cambio, ajusto la mezcla silenciando ligeramente el color y cambiándolo más fresco sin dejar de mantenerla rica Empiezo a realzar el mentón y el cuello, centrándome principalmente en las zonas de sombra. Poco a poco construyo valores más oscuros encima del bloqueo inicial para aumentar el contraste general. Esto ayuda a fortalecer la forma y hace que la estructura se sienta más definida. En lugar de aplicar una capa de puntos pesados, toro ajustando progresivamente el valor paso a paso para que se integre naturalmente con la base existente. También presto mucha atención a la dirección de mis sostenes. Siguiendo el control de la línea de entrada y mandíbula. Esto es importante porque la generación juega un papel clave en la definición de la forma general del rostro. En lugar de dibujar un contorno nítido para definir la mandíbula, evito usar una sola línea de contorno caliente. Una línea fuerte puede hacer que la cara se vea plana o incluso como caricatura. En cambio, defino el borde a través transición gradual introduciendo formas sutiles en valor y color, por lo que la línea de la mandíbula se siente como una curva, forma tridimensional en lugar de una línea recta. Alrededor de la mandíbula y la barbilla, ablanda los bordes con cuidado, permitiendo que la forma se convierta naturalmente en el cuello Esto crea una apariencia más realista y orgánica. En general, estoy pensando menos en términos de líneas y más en términos de lente y transición usando valor y color para describir la estructura de la cara. Ahora empiezo a definir más claramente la hoja. Empiezo desde la parte interna de las hojas donde el color suele ser el más saturado y poco a poco trabajo mi camino hacia afuera hacia los bordes. El centro del salto tiende a tener un color más rico, más intenso, así que aquí utilizo una mezcla más saturada, luego ablandar y reducir la intensidad a medida que me muevo hacia el contorno exterior Pido atención a la diferencia entre el labio superior e inferior. El labio superior suele ser más oscuro y menos saturado porque lo mira hacia abajo y recibe menos luz directa. Como resultado, aparece poco más silenciado y más profundo en valor En contraste, el labio inferior capta más luz, por lo que a menudo aparece más claro, más saturado y un poco más cálido en color. Mantener este contraste entre las hojas superior e inferior ayuda a crear una sensación más realista de volumen e iluminación Luego profundizo la sombra entre las dos hojas, la línea con un met, esta zona es importante porque define la separación y agrega profundidad a la forma En lugar de dibujar una línea caliente, construyo la sombra cuidadosamente usando valores más oscuros, lo que permite que se sienta suave pero aún claramente definida. 15. Capa3 parte3: Ahora solo sigo ajustando los levantamientos revisando cuidadosamente la forma y la forma para asegurarme de que todo se vea equilibrado y azuro Ahora paso a refinar las áreas restantes de tono medio claro en la cara. Son las áreas que no están en el punto culminante más brillante, pero tampoco en la sombra, por lo que juegan un papel clave en la conexión de todo juntos Me enfoco en ajustar sutilmente tanto el valor como el color en estas regiones para crear una transición más suave entre la luz y la sombra Introduzco variaciones suaves, cambios de deslizamiento en calidez, frescor y saturación para que la piel se sienta más natural y viva. Se puede observar desde la referencia y también se puede jugar un poco con el color. Puedes enviar el tono ligeramente y ser creativo siempre que tus valores permanezcan correctos y aún así describan la forma. Aplico la pintura en capas delgadas usando trabajo sub plus para construir gradualmente la superficie sin sobrehilachar. Al mismo tiempo, sigo comparando estos tonos medios con las áreas de luz y sombra circundantes para mantener las relaciones de valor correctas. Este paso se trata menos un contraste fuerte y más de refinamiento sutil, precisión suavizante y unificación de la textura general de la piel Ahora, utilizo unas cejas finas y detalladas para ajustar y realzar cuidadosamente el área de la boca, refinando los bordes y pequeños detalles para llevarla a un estado más acabado A lo largo del proceso de pintura, no hay necesidad de apresurarse, tomarse su tiempo y permitir que el trabajo se desarrolle gradualmente. Un hábito muy importante es dar un paso atrás y ver tu pintura desde la distancia. Cuando trabajamos demasiado cerca del lienzo, se vuelve más difícil notar áreas que se cayeron, especialmente en términos de proporción, forma o alineación. Un consejo que personalmente encuentro muy útil es dejar la pintura en un lugar donde puedas verla fácilmente durante tus actividades diarias. Como no suelo terminar una pintura de una sola vez, a menudo dejo que se quede visible en mi espacio. Esta nueva perspectiva hace que sea mucho más fácil identificar temas que son difíciles de ver cuando se trabaja de cerca durante mucho tiempo. A veces incluso un pequeño cambio en las líneas o proporción puede ocurrir sin que nos demos cuenta mientras pintamos, retroceder regularmente te ayuda a atrapar y corregir esas sutiles imprecisiones A medida que me muevo y lo veo desde la distancia o ángulos diferentes, naturalmente puedo detectar áreas que no se sienten del todo bien. Es completamente normal ir y venir durante el proceso de pintura, no solo para mejorar el color y la forma, sino también para verificar y corregir constantemente los contornos, la alineación, la proporción y la forma general. Ahora vuelvo a los ojos otra vez. Mejoraré los ojos agregando un sutil resaltado a lo largo del párpado que ayudan a definir la forma y captar la luz con mayor claridad También aclaro ligeramente el blanco de los ojos, pero tengo cuidado de no usar el blanco puro excepto que ajuste el valor lo suficiente para que los ojos se sientan más vivos y luminosos mientras los mantengo naturales También agrego un pequeño resalte a la esquina interna de los ojos. Esto ayuda a traer una sensación de realismo. Estos detalles son bastante sutiles, pero marcan una diferencia significativa potenciar la claridad y la vivacidad de los ojos 16. Capa4 p1: En la etapa final, me enfoco en refinar los detalles restantes y unir la pintura como un afín cohesivo. Esto incluye definir el cabello con mayor claridad, ajustar el cuello y aplicar el fondo. A medida que trabajo, también reevalúo continuamente el rostro general, haciendo pequeños ajustes al rasgo facial donde necesitaba más detalle, ajuste la proporción si es necesario En esta etapa, realzo el contraste y la saturación para fortalecer la profundidad y el impacto visual a la vez que tengo cuidado de no sobretrabajar la superficie También agrego reflejos finales selectivamente para introducir una escena de resplandor y vitalidad, esperando que el retrato se sienta terminado y vivo. Estoy ajustando el cuello ya que parecía desalineado con la caja de la cabeza En la referencia, su cuello se inclina más notablemente. Refino la estructura de valor y agrego transición de color más detallada para definir claramente el cuello como una forma cilíndrica. Al mismo tiempo, suavizo la transición entre el cuello y el pecho, asegurando que la conexión se sienta natural y anatómicamente consistente Es útil tener una comprensión básica de la estructura del cuello al pintar el cuello para que el cuello se pueda simplificar como una forma cilíndrica. Entonces, cuando pintamos, queremos pensar en cómo la luz envuelve esa forma. En cuanto a la anatomía, hay algunos elementos clave para notar. La zona central está formada por la garganta y en ambos lados, tenemos el músculo cldomastoideo del esternón Esto corre desde detrás de la oreja hacia abajo hacia la clavícula. Este músculo crea carriles sutiles e influye en cómo aparecen la luz y la sombra en el cuello. A menudo se ve un área ligeramente más clara en el frente donde la luz golpea más directamente y áreas más oscuras a lo largo del lado donde la forma se aleja de la luz. Pero al pintar, no me concentro demasiado en dibujar la anatomía en detalle, sino que mantengo esta estructura en mente para guiar mis decisiones de valor y color. Pensar en términos de forma simple y estructura subyacente te ayudará a pintar el cuello más fácilmente y ayudar a que el cuello se sienta más sólido y tridimensional. Al refinar el cabello, trabajo encima del bloqueo establecido en la primera etapa. Aunque esta se considera la fase de detalle, sigo usando unos grandes bros en lugar de cambiarme a unos bros bien detallados. Yo uso la punta de los bros para sugerir hebra más pequeña cuando sea necesario. Encuentro este enfoque más fácil de controlar ya usar un pequeño bros puede hacer que el cabello parezca delgado, fragmentado o desordenado en lugar de lleno y Siempre pienso en el cabello como máscara y forma, no como mechones individuales. Me imagino que el cabello fluye en forma de onda grande definida por alternar áreas claras y oscuras. Especialmente al pintar el cabello rizado u ondulado, evito dibujar cada co por separado. En cambio, pinto áreas entrelazadas de valor oscuro, medio y claro, permitiendo que esta forma de valor sugiera movimiento y volumen de rizo Este enfoque ayuda a que el cabello se sienta grueso y tridimensional en lugar de plano o escaso Coloco mi primer trazo, sigo la dirección natural del cabello, reforzando su forma general y ritmo. Esto mantiene el cabello unificado y estructura. En esta capa, utilizo principalmente un carmesí de lazarina y naranja de cadmio para los tonos medios para mantener una alta Incremento el brillo en el resaltado principalmente al agregar amarillo cadmio en lugar de blanco Yo uso el blanco con mucha moderación, reservándolo sólo para el resaltado más brillante en la parte superior de la cabeza donde la luz El uso excesivo del blanco puede reducir rápidamente la saturación. Y hacer que el cabello en general se vea arreglado o estaba fuera. En la imagen de referencia, algunas de las mechas del cabello aparecen sobreexpuestas y por lo tanto leídas como blancas No obstante, para mantener la saturación y la vitalidad en el retrato, evito usar demasiado blanco para mi mitra de resaltado Para esta parte, aceleraré un poco el proceso. Al pintar el cabello, estoy constantemente yendo y viniendo entre las áreas de sombra y luz para construir la forma general del cabello. Recuerda tener siempre en cuenta que en lugar de enfocarte en la fuerza individual, pensar siempre en términos de mayor forma y volumen, el cabello se entiende mejor como una serie de formas no líneas separadas. A lo largo de este proceso, lo mantengo suelto y flexible, solo yendo y viniendo, ajustando y refinando hasta que se sienta bien. Intenta no abrumarte intentando pintar cada cepa exactamente como ves en la referencia a menos que esas sean tus intenciones Personalmente, prefiero capturar al personaje principal y el flujo del cabello en lugar de copiar cada detalle. H 17. Capa4 p2: Ahora estoy haciendo algunos ajustes finales para afinar el retrato. Esto incluye corregir sutilmente la forma facial y profundizar selectivamente ciertas áreas de sombra para fortalecer la ness y reforzar la Estoy usando un pequeño bros para inhalar la sombra en la mejilla derecha, la sombra, e incluso la luz reflejada en esta área está influenciada por el color del cabello Yo uso una mezcla más caliente inclinándose más hacia el naranja. Y. A lo largo de esta etapa, siempre puedes ir y venir, ajustando las características hasta que todo te sienta bien. No hay una regla estricta de por aquí. Personalmente, tiendo a seguir refinando con pequeños ajustes de detalle hasta que el resultado general se sienta equilibrado. Esta parte realmente depende tu propia preferencia artística y estética. No tienes que definir cada contorno bruscamente si prefieres más suave, más sangre se ve completamente bien para enfocarte en la forma y forma general en su lugar. Creo que lo más importante es capturar la característica principal del tema y asegurarse de que la forma, proporción y el valor funcionen correctamente. Así que trata de no caer en la trampa de los sobredetalles o sobre la mezcla. Demasiados detalles pueden hacer que la pintura se sienta rígida y demasiada mezcla puede hacer que se vea plana. Así que mantenlo equilibrado, refina donde sea necesario, pero también saber cuándo parar. Para lo más destacado, los separo en colores cálidos y fríos en esta etapa. Te presento Nico amarillo titanio, un amarillo brillante para enfatizar cierta área de resaltado en lugar de confiar únicamente en el blanco puro. Para resaltar más fresco, echo de menos erleen azul con blanco al igual que en zonas donde la luz aparece fresca También agrego un poco de nick amarillo titanio para aplicar en algunas zonas resaltadas que son un poco verdosas. En mi cálida mezcla de resaltado, agrego una pequeña cantidad de mi último tono de carne que ya me extrañaron antes. Esto ayuda a suavizar y calentar el resaltado ya que amarillo Nis cote tandum se inclina naturalmente ligeramente fresco con un sutil matiz verdoso Este enfoque para resaltar es bastante personal ya que disfruto exagerando ligeramente el contraste de temperatura de color para aportar más vitalidad y vida a la pintura, eres absolutamente libre de acercarte a resaltar creativamente y adaptarlos a tu Para asegurar que el resaltado integre naturalmente en la piel, utilizo un cepillo de riel limpio para suavizar suavemente los bordes, permitiendo que se asienten suavemente en la cara sin parecer áspero Después de agregar el resaltado y mezclarlos en las áreas circundantes, doy un paso atrás y reevalúo mezclarlos en las áreas circundantes, doy un paso atrás y los tonos medios claros cercanos A veces es fácil exagerar el resaltado, lo que puede hacer que la cara parezca demasiado plana o ligeramente sobreexpuesta Para corregir esto, vuelvo a las áreas circundantes de tono medio y ajusto suavemente los valores y colores ya sea suavizando el resaltado o reconstruyendo la transición a su alrededor como se puede ver, la piel no está hecha solo de luz y sombra es una transición continua de muchos colores sutiles de forma En lugar de confiar solo en un fuerte resalte, me concentro en restaurar esas delicadas variaciones tono y color para mantener la superficie con una sensación natural y dimensional. Este paso ayuda a mantener el equilibrio y evitar que la pintura se vea demasiado áspera o artificial. Al aplicar resaltado, a menudo uso pintura ligeramente más gruesa, especialmente en las áreas más brillantes pintura Ticker ayuda a que el resalte capte más luz físicamente, lo que los hace parecer más luminosos y dimensionales en la superficie. También permite que el resaltado se asiente encima de las capas subyacentes en lugar de mezclarlas demasiado. Después de colocar el resaltado, también planeo sutilmente los bordes para que se integre de forma natural en la piel circundante Sin embargo, durante este proceso, el brillo a veces puede reducirse. Debido a eso, suelo volver a entrar y volver a aplicar una pequeña cantidad de resaltado con pintura más gruesa para reforzar la intensidad en el punto más brillante Este enfoque de estratificación ayuda a mantener tanto la suavidad en la transición tensión en el propio resaltado La clave es mantener controlado el resaltado, juega solo en áreas selectivas, por lo que mejora la forma sin abrumar. Ahora me estoy moviendo hacia el ajuste final usando un pincel de detalle fino refinando las áreas más pequeñas, mejorando los reflejos donde no son lo suficientemente brillantes o también profundizando las sombras donde aún necesitan más profundidad También vuelvo a redefinir ciertos contornos que pueden haberse suavizado o desplazado durante el ajuste de color, trayendo de vuelta la claridad donde sea necesario 18. Reflexiones finales y proyecto de la clase: Ahora que la pintura está completa, eres absolutamente libre de refinarla aún más o mantenerla más floja dependiendo de tu estilo personal No necesitas empujar cada detalle a menos que quieras. Lo que más importa es que disfrutes del proceso y crees un retrato que refleje el carácter esencial y el espíritu de tu sujeto. Pintar retratos es el equilibrio entre la observación. Y también la intuición. Cuanto más practiques, más natural será tu decisión. Permítase experimentar, hacer ajustes e incluso cometer errores en el camino. Eso es todo parte del proceso de aprendizaje. Para tu proyecto de clase, crea un retrato realista al óleo. Puedes pintar junto a mí usando la misma referencia o elegir tu propia referencia que te inspire. Cuando termines, sube tu trabajo a la galería de proyectos. No puedo esperar a ver lo que creas.