Cómo crear una ilustración de vegetación exuberante en Procreate

1. Avance de la clase: Bienvenido a mi primera clase de Skillshare. Hola allá, soy Francesca, artista e ilustradora con sede en Milán. Mi trabajo está inspirado en la naturaleza, la fuerza, y la belleza. Yo creo que la naturaleza es una artista misma. En esta clase, me seguirás en mi proceso creativo. Aprenderás a crear una hermosa ilustración de follaje lusciosa. Al adquirir las habilidades básicas, debes empezar a trabajar con Procreate. Discutiremos juntos la importancia de crear y participar en la ilustración y cómo lograrlo. La teoría y la práctica irán de la mano. El curso está abierto a todos los niveles. Estaré trabajando en un iPad en el Procreate pero si eso no está disponible para ti, puedes usar cualquier otro software de pintura digital. Nos vemos en la clase y no te olvides de divertirte. 2. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO: Tu tarea es ilustrar tu jardín favorito. Puede ser un bosque tropical, tu parque de la ciudad, tu patio trasero, un jardín imaginario. No importa. Simplemente hazlo interesante, alegre, suntuoso, usando las habilidades que acabas de ganar en esta clase. To-do, al final de la clase, subirás tu ilustración en la sección de proyectos y recursos en JPEG o PNG. Además, me encantará ver cómo cobrará vida tu trabajo, así que publica tus fotos de referencia, tus bocetos, y también el video de proceso si quieres. Dar retroalimentación a los proyectos de otros estudiantes. Recuerda que Skillshare se trata de aprender juntos, así que eres bienvenido a comentar el trabajo de otros estudiantes. Además, recuerda publicar la ilustración terminada en redes sociales y etiquetarme. Estoy en Francesca_inArt en Instagram. No puedo esperar a ver tu trabajo. En la sección de recursos, encontrarás mis fotos de referencia, mi boceto final, y mi paleta. Si tienes alguna pregunta, siéntete libre de hacerlos en la sección de discusión. Haré lo mejor que pueda para responderlas. 3. Procreate básico: Como dije, esta clase está abierta a todos los niveles. He introducido esta sección sobre Procreate básico solo para principiantes. Si ya estás familiarizado con Procreate, siéntete libre de saltar al siguiente video. Voy a hacerlo corto y cubrir sólo lo básico porque no quiero abrumarte con la información innecesaria. Si te interesa más clases sobre Procreate para empezar, consulta los enlaces en la sección de recursos. Para crear un nuevo Canvas, pulsa el icono más. Esta es una selección de preajustes y lienzos anteriores que he usado, pero vamos a crear un nuevo Canvas juntos. Puede establecer la dimensión en píxeles, pulgadas, centímetros o milímetros. Voy a elegir milímetros. Asegúrate de que estás creando un Canvas tan grande como quieras que sea tu pieza final, independientemente de si se va a reproducir en un formato digital o se imprimirá. Por ejemplo, si creas tu ilustración en tamaño A4, y luego la necesitas en un tamaño A3, que es más grande, perderás calidad en el proceso. Si bien si es al revés, no perderás ninguna calidad en absoluto. Crearé un Lienzo tamaño A3, que es 420 de ancho y 297 de altura. Trescientos es un buen DPI. Incluso puedes ir más alto, como 600 DPI, pero verás que si pongo 600, Procreate dice que el archivo es demasiado grande, así que lo mantendré en 300. El número máximo de capas disponibles depende de la dimensión y del DPI en el Canvas. Entonces vamos a establecer el perfil de color. Si tu ilustración se reproducirá solo digitalmente, puedes configurarla como modo RGB. Porque quiero imprimir mi ilustración, estableceré como un perfil CMYK. Imprimo en casa, y he tenido el mejor resultado cuando mi ilustración está en un perfil CMYK. Voy a titular mi nuevo proyecto como Clase SkillShare. Vamos a darle a “Crear”. Este es nuestro nuevo Lienzo. Abre la sección de capas tocando este icono en la esquina superior derecha. Por supuesto, si vas a presionar el botón “Plus”, vas a crear una nueva capa. Se puede desmarcar la capa para ocultarla. Si desliza el dedo hacia la izquierda, puede bloquear la capa para que no pueda cambiarla hasta que esté desbloqueada. Se puede duplicar y eliminar la capa. Se puede cambiar la opacidad de la capa. Déjame mostrarte. Toca con dos dedos en la capa, y verás que puedes deslizarte para ajustar la opacidad todo el camino hacia abajo. Te muestro cómo fusionar capas juntas. Pellizcas las capas, así como así. Puedes mover las capas, por supuesto, seleccionarlo y mantenerlo, y podrás moverlo. Si lo sueltas encima de otra capa, crearás un grupo. Puedes mantenerla abierta, y podrás ver todas estas capas, o bien puedes cerrarla. También puedes ocultar todo el grupo. Para abrir el menú Capa, seleccione la capa. Hay muchas opciones. Puedes renombrarlo, seleccionarlo, copiarlo, borrarlo, pero creo que el que quiero mostrarte es el Alpha Lock. Es una característica muy cool, y te mostraré cómo funciona. Alpha Lock te da la capacidad de dibujar dentro de la forma y los límites de la capa. Para acceder rápidamente a Alpha Lock, toma dos dedos y desliza hacia la derecha hacia una capa específica. Alpha Lock es extremadamente útil para cambiar rápidamente las capas, rellenar los colores, y puedes decir que está habilitado porque la miniatura de la capa tendrá un fondo a cuadros. En la barra de menú superior, se ve esta flecha, está el botón Transformar. Al tocarlo, seleccionará la capa de color y traerá una barra de herramientas de transformación. Es una herramienta muy útil que uso mucho. Se puede utilizar un método de transformación diferente, como el uniforme, que preserva la ración de la imagen, o la forma libre, que se estira y aplasta sin mantener la relación original, luego distorsionarlos. warp son probablemente mis favoritas, y verás cómo las utilizo más adelante en la clase. Crean formas muy interesantes. Entonces el icono junto a la flecha es la herramienta de elipse, que permite seleccionar una parte de la capa y moverla por sí sola sin cambiar la capa. También puedes copiar la selección y pegarla en otra capa. Hablemos de las paletas de colores. Si golpeas el icono de color, abrirás tu recolector de colores. Puedes elegir el que prefieras, el disco o el clásico. No voy a hablar de la armonía y el valor hoy. Entonces tienes tu biblioteca de paletas. Procreate viene con muchas paletas listas para usar, pero puedes crear las tuyas propias desde cámara, archivo o fotos. El que elijas como predeterminado aparecerá debajo de los selectores de color y el historial. El iPad te permite dividir la pantalla y usar dos apps al mismo tiempo. Abre primero una app, en este caso es la app Foto, y luego deja caer la segunda app a un lado. En este caso, Procreate. Selecciona y mantén presionada la imagen que has elegido y arrástrala y suéltala en la biblioteca. Procreate te dará todas las muestras de esa imagen. Te mostraré dos atajos rápidos. Si quieres llenar un área con color, puedes tocar el círculo de color en la parte superior derecha y arrastrarlo y soltarlo donde quieras agregar o cambiar el color. Asegúrate de que la forma que quieres rellenar esté cerrada, porque si está abierta, coloreará toda la capa. Además, puede cambiar entre el color actual y el color anterior tocando y sosteniendo el círculo de color. Hablemos de los pinceles. En la esquina superior derecha, encontrarás la mezcla de pinceles y los nuevos iconos de borrado. Verás que cuando los golpees, abrirá la misma biblioteca de pinceles porque puedes hacer todas estas tres cosas con el mismo pincel, lo cual es realmente útil cuando quieres borrar tu mezcla y mantener la misma textura que has utilizado para pintar. Si mantienes pulsado el icono de borrar, se borrará usando el pincel actual. Como puedes ver aquí, puedo borrar manteniendo la textura del pincel gesso. A la izquierda, hay dos deslizadores. El de la parte inferior controla la opacidad de tu pincel. Bajemos la opacidad. Ver esto es, por supuesto, tan opaco. Entonces volvamos a llevarla de nuevo a 100 opacidad, mientras que la del tamaño superior del pincel. Entonces juguemos con el tamaño. Esto es realmente pequeño. Entonces aquí, el tamaño más grande. Procreate viene con muchos juegos de pinceles listos. Pero siempre puedes comprar y descargar muchos más o crear los tuyos también. Te sugeriré jugar y probarlos para que encuentres a los que más te gusten. Mis dos favoritos y los que más uso son estos Marcador Copico, que es muy suave y me permite jugar con opacidad y capas, y el Lápiz Narinder, que forma parte del conjunto de bocetos. A mí me gusta porque parece un lápiz de color muy suave, y crea un bonito contraste con el pincel Marker Colic más suave. Puedes usar dos pinceles en sus costados, y creará diferente tipo de marca, como si estuvieras sombreando. Tienes control completo en tus pinceles característicos. Puedes agregar una configuración dentro de un pincel individual en el Estudio de pinceles. Selecciona “Pincel” y vuelve a hacer clic en él, y se abrirá el Brush Studio. No te voy a mostrar todo aquí. Pero por ejemplo, aquí se puede cambiar la trayectoria del trazo y sus propiedades, como el espaciado y la racionalización. Más racionalización significa más estabilización de trazos, y fluirá más porque reduce cualquier oscilación que ocurra. Te animo a intentarlo. Es bastante útil cuando se hace caligrafía o se procede al dibujo. Si quieres hacer cambios, es un buen hábito crear un duplicado primero como copia de seguridad, y luego cambias el duplicado. Entonces el control de presión es otra gran herramienta. La curva de presión controla a la forma en que tu lápiz Apple responde a la presión. Encontrarás que con algunos pinceles, los trazos se harán más grandes en tamaño cuanto más presión apliques, u otros pinceles se volverán más opacos con la presión. último pero no menos importante en este apartado, los gestos rápidos. Son muy útiles cuando se trabaja en Procreate. Son muchos de ellos, y hacen que tu proceso sea mucho más rápido. Te mostraré algunos de ellos. Para deshacer, tocas con dos dedos. Después rehaces, tocando con tres dedos. Si fregas con tres dedos, despejarás la capa. Te pellizcas y te tuerces para rotar. Entonces, si haces un pellizco rápido, ajusta a la pantalla, y un toque de cuatro dedos abrirá la pantalla completa. Toca de cuatro dedos para revertir. 4. Lluvia de cerebro: ¿ Qué significa deliciosas para ti? Para mí, es algo rico, lujoso, alegre, excesivamente adornada. En mi mente, es ilustración de página completa rica en colores, texturas, formas, y detalles. Algo que me haga querer ser transportado en él. Ya sabes, como en la película de Mary Poppins, cuando saltan a las pinturas del pavimento, eso es exactamente lo que quiero lograr. Te mostraré uno de mis libros favoritos que poseo, que es Pintar El Jardín Moderno: Monet a Matisse. Miraremos a través de muchos de mis otros libros, y te mostraré el trabajo de mi artista favorito, y te explicaré qué podemos aprender de ellos y por qué. Te animo a buscar inspiración y encontrar el tema de tu ilustración conmigo mientras busco el mío. Tienes un jardín botánico o un parque de la ciudad cerca, solo tienes que salir y hacerles una visita o simplemente mirar de cerca a las plantas de tu casa. Yo hago eso todo el tiempo. Este libro fue publicado por primera vez con motivo de la exposición Pintura El jardín moderno: Monet a Matisse. Es bien sabido que dentro de Europa, los impresionistas fueron los primeros en retratar jardines de la vida. Se enfocan en sus colores y forma en lugar de usarlos sólo como fondos. Jardines tenían una gran importancia estética para estos artistas. Bueno, podemos decir que los jardines y la naturaleza han sido fuente de inspiración creativa durante siglos. Los jardines suelen ser sujetos muy ocupados para pintar e ilustrar por su naturaleza. Están llenos de vida, colores, formas, detalles, por lo que simplificar el tema y crear una composición atractiva puede ayudar mucho. Quiero mostrarte rápidamente cómo pintores como Monet, Renoir, y Nolde tienen acercamiento a pintar un jardín. Aquí, en Mujer en un Jardín de Renoir, la composición sigue la regla estándar de tercios. El imagen se divide en tercero, tanto horizontal como verticalmente. Después se coloca el punto focal, la señora, en la intersección de estas líneas divisorias. Después está este camino que lleva nuestra visión hacia ella y estas dos líneas de árboles están reforzando la composición. Puedo decir que aquí tenemos una composición muy fuerte, también bastante una composición estándar también. En tanto que en el jardín del artista al tercero, Monet nos da un arreglo muy diferente. El primer plano está vacío y nos guía hacia el centro de la pintura y hasta el fondo en las escaleras, y estos chicos están en medio de la pintura y por supuesto son, el punto focal de la obra de arte. Entonces a veces no hay ningún punto focal, como en este cuadro, Grandes amapolas de un Emil Nolde. Cuando el espectador está mirando este cuadro, sus ojos pueden vagar por ahí sin que nada atraiga su atención. Este tipo de composición es una opción que quizá quieras considerar para tu ilustración. Es un poco más difícil de componer, tal vez, pero lo que te puede ayudar si sigues esta opción es una buena paleta de colores, y recuerda crear un área con menos detalles si tu trabajo puede descansar sus ojos. Si quieres mirar de cerca algunas de estas obras maestras pero no tienes libros de arte a tu disposición, o no puedes ir al museo, te sugeriría mirar Google Arts & Culture. También puedes acercar mucho a las pinturas. Bueno, ni siquiera en la vida real se te permite estar así de cerca de un cuadro. Libros sobre plantas de interior y jardinería son perfectos para encontrar referencias. Te perderás en el increíble mundo de las plantas. Es difícil no inspirarse mientras mira estos hermosos follaje. Puedes buscar imágenes sobre jardín para que puedas copiar el arreglo, pero luego puedes dibujar plantas completamente diferentes, como las que te han llamado la atención por sus formas y patrones. Mira estos, sólo me recuerda a un cuadro de Monet o a un de Renoir que acabamos de ver. No estoy tratando de crear una ilustración que sea botánicamente creíble, así que probablemente, juntaré especies que no pertenecen al mismo hábitat o florecen en una temporada diferente, pero en realidad no me importa eso. Realmente me gustan los cactus y las hojas tropicales, y estoy adivinando que mi ilustración final será algún tipo de jardín tropical o incluso un atisbo de un bosque tropical. Unsplash es otra gran herramienta en tus manos. Se trata de una página web donde se pueden encontrar imágenes utilizables gratuitas. Crearé una colección llamada clase Skillshare, y la vincularé en la sección de recursos para que puedas encontrar fácilmente mis fotos de referencia. 5. Crear una ilustración atractiva: Al crear tu ilustración, quieres fascinarte e involucrarte con los espectadores. Se quiere agarrar y mantener su atención. Estoy aquí para darte las herramientas para mejorar tu composición artística. Te ayudaré a usarlos con atención. ¿ Cuáles son el aspecto más importante que hay que tener en cuenta a la hora de crear una obra de arte? Para mí es la composición, colores, valores, y texturas. Estos se pueden aplicar a cualquier medio y estilo. Cada uno de estos temas será discutido a fondo en el siguiente apartado, cuando estaremos dibujando y pintando juntos. Entonces esa teoría y práctica irán de la mano, y será más fácil para ti entender, y para mí explicarlo. De todos modos te daré una visión rápida, para que sepas lo que tienes que tener en cuenta, al ver las próximas lecciones. Líneas, puntos focales, bordes, contraste, y equilibrio, son los elementos de la composición. Dentro de ellos, el contraste es el que más me importa. El contraste da energía a una obra de arte, y hace que una composición sea más atractiva. Si bien los colores cuentan una historia. Qué hora del día es. ¿Hace frío? ¿ Está caliente? Provoca sentimientos en el espectador. Buena paleta de colores, puede hacer maravillas para lograr un gran resultado. Los valores son tan importantes como los colores porque crean profundidad y perspectiva. Las texturas hacen que la ilustración sea más tangible, viva, general, más interesante. Bueno, nos vemos en la siguiente lección, y empezaremos a bosquejar. 6. Dibujo y composición: Este es el boceto final, pero ¿cómo llegué aquí? En primer lugar, quiero recordarles que todo lo que verán es un lapso de tiempo. No dibujo esto rápidamente. En realidad, soy muy lento. Me tomo mi tiempo para pensar y no puedo mostrar todo el proceso, lo contrario, esta clase será extremadamente larga. mí me gusta empezar con un boceto muy áspero porque al principio, me interesa sobre todo crear la base de mi composición y no los detalles. Como les he dicho, los jardines listos, los bosques son temas muy ocupados y tener una base fuerte es importante para ilustrarlos con éxito. Pero primero, un poco de teoría. Veamos cuál es la definición de un punto focal. Se refieren a las áreas que exigen la atención del espectador y que convergen todos los elementos. Se puede crear un punto focal fuerte o muchos suaves. Al crear muchos puntos focales suaves, el espectador puede mirar la pintura en su conjunto en lugar de sentirse atraído solo por un objeto. Múltiples puntos focales proporcionan el ritmo a la imagen. Sé que para mi ilustración final, uno puntos focales suaves diferentes que ayudarán al espectador a preguntarse en la obra. ¿ A qué me refiero con líneas? Las líneas conducen hacia algo y los ojos del espectador se dibujan a lo largo de ellas. Son obvios o implícitos y pueden ser curvos, diagonales, verticales u horizontales. Te daré algún ejemplo. Mira a mi señora en la selva. Claramente hay dos líneas diagonales que conducen hacia la dama, que está en el centro de la ilustración, y es un punto focal. O aquí, mi hosta azul. He decidido construir la ilustración sobre una espiral, y hay muchos puntos focales diferentes a lo largo de esta espiral. Voy a basar aserción en línea orgánica. Nada recto, así que tal vez algo curvo y redondo. Al trabajar en Procreate, mantengo mi imagen de referencia abierta en mi iPad o en la laptop si la tengo conmigo, e insertaré la imagen de referencia en la pantalla si no estoy usando la rueda dividida. Este boceto en bruto es una sola capa y no tiene que quedar muy bien en absoluto, tiene que haber un buen punto de partida para tu ilustración. Ahora estoy dibujando rápidamente algunas de las plantas que me llamaron la atención al buscar inspiración. Estoy tratando de delinear algo de composición, y como pueden ver estoy cambiando mucho mi opinión, borrando y moviendo cosas alrededor. Aquí tienes un boceto muy rudo. Antes de ir más lejos sin embargo, quiero hablar de los otros elementos de la composición y terminar nuestra pequeña explicación teórica. Los bordes en el arte son la transición entre dos formas de color. Pueden ser duros, o suaves, o perdidos. Bordes suaves y perdidos crean profundidad y sentido de distancia. También pueden hacer que un objeto sea menos significativo porque está fuera de foco. Si bien los bordes duros llamaron la atención, por lo general se colocan cerca de los puntos focales. Ya veremos lo importantes que son los bordes en la siguiente clase mientras pintas. contraste es la yuxtaposición de la diferencia. Se trata de organizar elementos opuestos y crea variedad y ritmo en una imagen. El contraste es poderoso. Se puede aplicar a todos los elementos y hacer tu obra de arte. Es un denominador común. Existen muchos tipos diferentes de contraste. Al componer y pintar tu ilustración, puedes crear contraste entre formas, pequeñas y grandes, redondas o afiladas. Valores, oscuro y claro. Colores, como gris y saturado, cálido o fresco, o textura, transparente y opaco, liso o rugoso, y como acabamos de ver entre bordes suaves y duros. Equilibrio se refiere a cómo los elementos de la pintura se relacionan entre sí en cuanto a la forma visual de crear equilibrio visual. Un lado no parece más pesado que otro. Un trabajo equilibrado es agradable a la vista, y el equilibrio puede comunicar mucho sobre una obra de arte y puede contribuir al efecto general. Trataré de lograr el equilibrio colocando los diferentes puntos focales con atención. Ahora que mi boceto en bruto está ahí, voy a dibujar el final. Bajaré la opacidad de esta capa y empezaré a dibujar en una nueva. Cuando creo el boceto final, cada elemento que dibujo está en una capa separada para poder moverlos. Los moveré mucho, probando todas las posibilidades diferentes. Este es uno de los beneficios de trabajar digitalmente con capas. Aquí puedes ver cómo estoy usando Distort y Warp para cambiar la forma de esta hoja para que se ajuste al vector espacial. Cambié de opinión y decidí que me gusta demasiado esta asignación para no ponerla en primer plano. Encontré esta foto en Unsplash, eso realmente me habla. Me encanta esta cascada y arroyo corriendo. Voy a usarlo y crear una línea curva a lo largo de la ilustración. También el estanque en primer plano puede ser esa zona con este detalle donde pueden descansar los ojos del espectador. Me gusta mucho la forma de los colores de estas palmas y creo que serán geniales en el fondo. Al esbozar este tipo de follaje, no es importante hacerlo perfecto, también, estarán lejos, por lo que tienen menos detalles. Los dibujaré directamente con el lápiz al colorear. Esta naranja brillante contra verde salvia fría media es preciosa. Aquí está el boceto final. Todavía no estoy seguro de qué voy a hacer con los antecedentes. Si quiero tener algún cielo mostrando a través de los árboles o no. El boceto del fondo es áspero, pero el primer plano y el suelo medio están bastante aseados. Me gustan mucho estas asignaciones, las plantas de ron, y esta planta a la derecha me encanta. Quiero colorearlo morado o lila por algún bonito pop de color entre todo el verde. Las cascadas y el arroyo crean una línea en forma de S a lo largo de la ilustración, y la línea básicamente está dividiendo la imagen en mitades que están bien equilibradas. Estas cuatro plantas son mis puntos focales y hay dos en cada uno de. 7. Pintura: color y texturas Pt One: Aquí está el pico de la ilustración final, pero como en la lección anterior, empecemos primero con alguna teoría. Ojalá hubiera tiempo y espacio para una lección completa sobre teoría del color, pero desafortunadamente no lo es. color es la calidad de un objeto con respecto a la vida reflejada por él. En el arte, el color es un poderoso elemento visual. Los términos de la teoría del color son tono, saturación, valor, y temperatura. Aquí está el nombre general del color, azul, verde, amarillo, etc. La saturación define la pureza de un color, un color menos saturado es mayor y menos intenso. Valor, qué tan claro u oscuro es un color. temperatura es la calidez o frescura relativa de un color. No puedo insistir lo suficiente en la importancia de una buena paleta de colores. Aquí, te mostraré la paleta de colores que estaremos utilizando, y la puedes encontrar en la sección de recursos como PDF descargable. Me gusta tener una paleta seleccionada organizada en lugar de elegir nuevos colores cada vez. Tener una paleta de colores seleccionada ayuda a crear una pieza cohesiva. Utilizo colores fríos y cálidos, colores grisáceos y saturados, recuerda que también quiero crear contraste entre colores. he organizado por matiz y valor. Por supuesto, hay muchos greens, pero encima de ellos quería introducir un morado y un toque de naranja y azul. textura es la calidad superficial percibida de una pieza de arte, todo tiene algún tipo de textura. Al pintar digitalmente, puedes crear textura usando diferentes pinceles. Como ya he mencionado antes, utilizo un pincel Copico suave y un pincel de lápiz de color como el lápiz Narinder. También haces texturas cuando mezclas capas transparentes con otras más opacas. Aplanaré el boceto en una sola capa, porque si recuerdas solo tengo un máximo de 34 capas con las que trabajar. Tengo el boceto en una capa y los elementos de color divididos por capas en otro grupo, para que de nuevo sea libre de moverlos. Conforme sigo adelante crearé muchas capas. Como puedes ver, estas plantas redondas están todas en diferentes capas sobre todo porque se superponen, por lo que puedo borrar parte de una capa sin borrar la que se superpone. Cuando golpee el número máximo de capas, fusionaré algunas juntas, las que ya no necesitan separarse. He bajado la opacidad del boceto debajo, y verás que a veces lo apagaré por completo para que no me distraiga, y es más fácil hacer que el elemento de color final funcione por sí mismo. No hago contornos por lo general, pero si te gustan puedes hacerlo. Recuerda estudiar la textura de las plantas, formas, y líneas en la foto de referencia al colorear, naturaleza es el artista del que nos inspiramos. Aquí, primero usé un cepillo Copico y luego entré con el Narinder para más detalles. El marcador Colic me permite construir la opacidad que realmente me gusta, y me da mucho control. Estoy pintando estas plantas con un verde fresco brillante. Primero creé una capa uniforme de color, y luego usé alternativamente un verde amarillo y un verde oscuro para hacer las rayas. Yo quería que esta Alocasia fuera de un verde oscuro, más cálido en comparación con el verde de las palmas redondas del fondo. Igual que antes, empecé con el pincel Colic y luego con el lápiz. En ocasiones usaría sólo el lápiz Narinder para colorear, utilizo este verde amarillo brillante y luego una versión ligeramente más oscura y menos saturada del mismo color para hacer el contorno. Para hacer las sombras de la roca, he mantenido transparente la primera capa y luego marco las sombras con la segunda capa construyendo la opacidad. Decidí tener la cascada en el fondo lejana para dar la sensación de profundidad en la pieza. Como el espectador puede imaginar el arroyo corriendo por la ilustración para llegar a la palma en primer plano. ¿ Cómo me acerqué a pintar el agua? Decidí empezar pintando lo que hay detrás la cascada y después he pintado capas sobre capas. Blues y greens muy insaturados. Después he añadido algunas capas blanquecinas. El agua está en azul, es espejo donde todo lo que me rodea refleja. Es por ello que hay algunos verdes y marrones y azules en esta cascada. Al pintar, cada trazo se hacía siguiendo el agua fluida. Esto ayuda a dar movimiento a la cascada. Yo quería que esta planta destaque. Una forma y color tan interesantes. Si desea repetir un elemento, puede seleccionar y duplicar. Después con la herramienta de transformación, puedes modificarla y hacerla más pequeña, voltearla horizontal o verticalmente. Es un gran truco, sobre todo cuando se quiere crear repetición en una pieza. Pinté el estanque de la misma manera que se acercaba a la cascada. La dirección del trazo del pincel es realmente importante para dar movimiento a los elementos de la ilustración. 8. Pintura: color y texturas Pt Two: Después de pintar las grandes plantas en primer plano, es hora de llenar los vacíos, digamos, con plantas más pequeñas. Este proceso puede ser un poco complicado. Para pintar estos helechos, estoy usando sólo el lápiz y un movimiento de garabatos. Duplicaré el movimiento de estas capas. Estoy tratando de lograr un look completo, no quiero que ningún blanco del fondo se muestre a través. Los helechos del color más oscuro están en la 1ª capa, luego está la 2ª capa en la parte superior con el verde medio, y luego la última capa en el color más claro. Además, estos helechos se están haciendo cada vez más pequeños cuanto más lejos entro en la ilustración. Esta es probablemente mi forma favorita de colorear y funciona muy bien al pintar el plátano. Dibujo muchas líneas horizontales a lo largo de la hoja, solapándolas ligeramente para crear este patrón que es característico de esta planta. Me acerco a esta sección de la ilustración como lo hice con los helechos, construyendo capas de colores y textura de oscuro a claro. Al final, decidí ir por un cielo al atardecer, con un toque de lila y naranja pálido. Como toques finales, comprobé si faltaba algo. Perfilo el plátano porque parecía demasiado inacabado. Marqué los bordes de esas lejanas palmas. Entonces paso atrás y miro si los valores son correctos. Normalmente no lo son, así que creo una capa para los reflejos y una para las sombras encima de todas las demás capas. Porque fui por el cielo del atardecer, hice los reflejos en esa naranja pálida. La luz del sol está golpeando el agua en la cascada y esos árboles distantes, se refleja en la superficie del estanque. Para hacer estas sombras, uso un color azul oscuro a una opacidad menor. Para un resaltado muy intenso, uso el lápiz porque es opaco. Estoy encendiendo y apagando estas dos capas para que veas cómo estos toques finales afectan a la pintura. Aquí, un lapso de tiempo extra de todo el proceso de coloración. 9. Outro: Felicidades, estás al final de esta clase. No puedo creer que decidieras unirte a mí y lo hayas hecho tan lejos, así que desde el fondo de mi corazón, gracias. Espero que mi clase haya sido útil y que te divirtieras también. Recuerda publicar tu ilustración en la sección Proyecto y Recursos. En la sección Recursos, también encontrarás mis imágenes de referencia, mi paleta de colores, mi boceto final, y los enlaces a otras clases útiles en Skillshare. Si quieres, puedes publicar tu proyecto también en redes sociales y etiquetarme, soy @francesca_inart en Instagram. Sígueme aquí en Skillshare para mantenerme actualizado y ser notificado cuando voy a liberar una nueva clase. También muy importante, tus comentarios sobre esta clase más que bienvenidos por lo que sabrán lo que he hecho bien, lo que te gustó, y lo que puedo mejorar. Además, si tienes sugerencia para futuras clases que te gustaría ver de mí, solo avísame. Hasta la próxima vez, cuídate.