Colibrí de acuarela: colores vibrantes y capas

1. INTRODUCCIÓN: Hola y bienvenidos al tutorial donde te mostraré cómo pintar el impresionante colibrí rubby throated acercándose a impresionante colibrí rubby throated una Este es un proyecto muy agradable con hermosos colores y un buen equilibrio entre áreas sueltas y partes más detalladas. En este proyecto, decidí usar un estilo de pintura un poco más suelto, pero el resultado final aún se ve bastante detallado Verás que la pinté de una manera mucho más relajada porque quería lograr ese aspecto agradable, transparente y aireado de acuarelas Gracias a trabajar con capas transparentes, lograremos una intensidad de colores y detalles que capturarán maravillosamente esta vibrante escena. Únete a mí en la pintura de este increíble pájaro, y vamos a divertirnos un poco con los colores. Si estás listo para comenzar y ya te sientes inspirado, comencemos. 2. Proyecto y recursos: He preparado una selección de recursos útiles para su proyecto disponibles en la sección de proyectos y recursos. Encontrarás un archivo PDF con la lista de suministros que utilicé para esta pintura, junto con una foto de referencia y una imagen de mi obra terminada para orientación. dibujos de líneas en varios tamaños También se proporcionan dibujos de líneas en varios tamaños para que pueda imprimirlos y transferirlos a su papel de acuarela en el tamaño que mejor se ajuste a sus necesidades. Adicionalmente, hay fotos de progreso de trabajo para ayudarte a seguir el proceso y enfocarte en áreas específicas. Siéntase libre de explorar estos materiales y utilizarlos para crear su propia pintura única y hermosa. Por favor, comparta su pintura final en la sección de proyectos y recursos. También te animo a que te tomes el tiempo para ver trabajo de cada uno en la galería de proyectos estudiantiles. Siempre es inspirador ver lo que otros crean, y el apoyo de tus compañeros de puede ser increíblemente reconfortante. No olvides dar me gusta y comentar el trabajo del otro. Por último, recomiendo encarecidamente ver cada lección antes de comenzar a pintar. Esto te dará una comprensión clara de qué esperar en cada etapa del tutorial. Si encuentras útil esta clase, agradecería mucho que te agradecería mucho que dejaras una crítica honesta. Sus comentarios me ayudarán a mejorar mi contenido y ayudar a otros estudiantes a decidir si unirse a esta clase. Gracias de antemano. 3. Plan de pintura: Como siempre, dividiré el proceso de pintura en pasos más manejables Nos enfocaremos en un área o una tarea a vez para que podamos movernos sin problemas a través de este proyecto. Comenzaremos enmascarando las formas principales y pintando primero el fondo. Una vez que el fondo se seque, agregaremos algunas flores y formas de hojas muy delicadas y transparentes en el fondo para rellenar el área inferior derecha y crear una composición más completa A continuación, retiraremos el líquido enmascarante y ablandaremos algunos de los bordes, especialmente los bordes de las flores de fondo Entonces nos centraremos en las flores. pintaremos en tres pasos principales, comenzando con una capa inicial, y luego construyendo gradualmente la profundidad del color y la textura. Una vez terminadas las flores, pasaremos a pintar el pájaro. Comenzaremos mapeando primero los colores principales, luego los profundizaremos. En el tercer paso, nos enfocaremos en partes específicas del ave, acabándolas paso a paso. Primero, completaremos las alas, luego nos centraremos en las principales plumas verdes y azuladas del cuerpo Después de eso, pintaremos la cola y las áreas más oscuras de la cabeza. A continuación, agregaremos más detalles a las plumas en la garganta. Terminaremos la pintura agregando las patas diminutas, pintando el ojo y agregando toques finales con una brocha fregadora Ese será nuestro proceso. Si tiene sus suministros listos, pasemos a aplicar líquido de enmascaramiento. 4. Aplicación del líquido enmascarar: Para enmascarar, estaré usando el líquido de enmascaramiento Windsor Newton, que tiene un tinte amarillo. En lugar de trabajar directamente desde la batalla, vierto una pequeña cantidad en una taza de un recipiente viejo. Justo lo suficiente para lo que necesito. También guardo un pequeño trozo de jabón cerca, lo cual es muy importante a la hora aplicar líquido enmascarante con un cepillo. Para este paso, siempre uso un cepillo económico. líquido de enmascaramiento puede ser bastante duro en las cerdas, así que suelo mantener algunos cepillos sintéticos baratos solo para este propósito También use un pequeño recipiente separado de agua para enjuagar el cepillo. Nunca uso el agua de mi pintura principal. Empiezo vertiendo una pequeña cantidad de líquido enmascarante en la taza y luego cierro inmediatamente la botella. Esto ayuda a evitar que se seque y lo mantiene utilizable por más tiempo. También evito sumergir mi cepillo directamente en la botella ya que es menos conveniente y además expone el fluido al aire por demasiado tiempo. Antes de recoger el líquido de la piel, sumerjo mi cepillo en agua limpia y lo froto sobre el jabón. Esto crea una capa protectora en las cerdas y ayuda a evitar que se peguen entre sí No te preocupes, el jabón no afectará tu papel o pintura más adelante. Ahora puedo sumergir el pincel en el líquido enmascarador y comenzar a aplicarlo. Tómate tu tiempo aquí y trata de quedarte dentro de las líneas de lápiz. Aplica el líquido de enmascaramiento a lo largo de los bordes de las alas y las flores. Esto nos permitirá pintar el fondo libremente sin preocuparnos repasar el tema principal. No aplico enmascaramiento a las piernas porque son negras, así que simplemente pintaremos sobre esta zona más tarde con un color más oscuro. Tampoco estoy aplicando enmascaramiento a los dos cogollos de fondo. Mi plan es pintarlos como parte del fondo en un estilo muy suelto, así que no hay necesidad de enmascararlos. En los materiales de la clase, encontrarás una ilustración que muestra exactamente dónde apliqué el enmascaramiento. Esto debería ayudarte a guiarte a través del proceso. Una vez que hayas terminado, enjuaga bien tu cepillo con agua y límpialo nuevamente con jabón. Esto mantendrá las cerdas en buen estado. Sin jabón, el líquido enmascarante se secaría y los pegaría. Ahora deja que el líquido de enmascaramiento se seque por completo. Una vez que esté seco, pasaremos a pintar el fondo. 5. Fondo: Antes de comenzar, permítame disculparme por comenzar en este punto. Como pueden ver, mis colores ya están preparados y ya tengo una capa de agua en el papel. No me di cuenta de que mi cámara no estaba grabando, así que me perdí esta etapa inicial, pero voy a explicar exactamente lo que hice. Estar pintando el fondo usando la técnica wet on wet. Para eso, primero necesitamos aplicar una capa de agua limpia. A menudo sucede que esta capa se seca bastante rápido. Entonces en este caso, decidí usar el método de cebado. Es muy sencillo. Es solo una capa adicional de agua. Apliqué agua sobre todo el fondo y la dejé hundir. Mientras estaba empapando en las fibras del papel, preparé mis colores. Mezclé amarillo transparente con rojo quinacridona en el lado izquierdo de mi paleta y en el lado derecho, tengo amarillo transparente con tono verde azul Windsor Creé degradados en mi paleta para poder elegir fácilmente cualquier tono entre los dos colores que forman cada degradado Estas son las mezclas principales que voy a utilizar para el fondo. Ahora, la primera capa de agua ya se ha empapado en el papel, se puede ver que la superficie tiene un pecado de estera, y esto significa que la superficie está húmeda pero no demasiado mojada. En esta etapa, aplico una segunda capa de agua. Se puede pensar en la primera capa como asentada dentro de las fibras del papel. Como aún no se ha evaporado, la segunda capa no se absorberá tan rápido. Simplemente es menos espacio para ello. Es así como extendemos el tiempo de trabajo y mantenemos el papel húmedo por más tiempo. Este método es especialmente útil en condiciones cálidas o en días calurosos. La clave es dejar que la primera capa se empape y aplicar la segunda capa cuando la superficie esté apenas húmeda. Estoy usando un pincel plano de 1 "para aplicar el agua, y para pintar, estaré usando un pincel redondo tamaño 12. Estoy empezando con un verde más amarillento cambiando entre el tono deslizante y un verde más oscuro de mi mezcla Apliqué la pintura en áreas más grandes, dejando algunos huecos entre los parches para variar, ya sea para caer en tonos más oscuros o para mantener ciertas áreas más claras. En la foto de referencia, hay un efecto bouque con suaves formas circulares Consideré crear eso, pero decidí mantener el fondo más simple. Me centraré en los colores principales y más tarde en la textura salpicando agua y pintura Para oscurecer el verde, agrego pinturas grises a mi mezcla Debido a la doble capa de agua, la superficie permanece húmeda por más tiempo, lo que me da mucho tiempo para aplicar y ajustar los colores. Un paso muy importante durante esta etapa es inclinar la pintura en diferentes direcciones Esto ayuda a distribuir el pigmento de manera uniforme y crea transiciones más suaves entre los colores. Sigo inclinando la pintura siempre y cuando la pintura siga moviéndose También consideré hacer que el fondo sea más claro en tono. El mío no es muy oscuro y creo que tiene un buen equilibrio, pero un fondo más claro también podría funcionar maravillosamente ya que el pájaro en sí es bastante oscuro. Ese contraste podría hacer que el tema destaque aún más. Es posible que desee experimentar ajustar los colores, agregar más azul, rojo o naranja para sugerir flores adicionales. Ya que es solo un trasfondo, aquí hay mucha libertad creativa. En el lado derecho, estoy agregando una mezcla naranja de amarillo transparente y rojo quinacudón No estoy pintando flores directamente, pero este color sugiere su presencia en la distancia. Repetir el color del sujeto principal también crea una agradable armonía entre el primer plano y el fondo Una vez que he aplicado todos los colores, vuelvo a inclinar la pintura para que se mezclen sin problemas. Lo peor en esta etapa sería dejar el cuadro plano. La pintura y el agua se asentarían en los valles naturales del papel y podrían crear rayas no deseadas a medida que se seca La inclinación asegura un resultado más uniforme y natural. Ahora, sigo inclinándome y observando la superficie a medida que poco a poco pierde su shen Estoy esperando el momento adecuado para salpicar gotas de agua Esto es bastante complicado. El tiempo lo es todo. Si lo hago demasiado tarde, cuando la superficie esté demasiado seca, las manchas serán duras y bien definidas. Si lo hago demasiado pronto, las gotitas se esparcirán demasiado y crearán flores más grandes de lo previsto Siempre es un poco de una apuesta. Me cambio a un cepillo seis de tamaño más pequeño cargado con agua limpia y salpica gotitas sobre la superficie Un pincel más pequeño ayuda a crear gotas más pequeñas que aún se expandirán una vez que golpeen el papel. Siento que este es el momento adecuado, así que salpica el agua, aunque como suele suceder, aunque como suele suceder, las floraciones se extienden más de lo que idealmente me gustaría Esa es una señal de que podría haber esperado solo un poco más. Se puede notar la diferencia entre estas marcas en esta etapa cuando la superficie aún está ligeramente húmeda y cómo se ven en la pintura terminada. En el lado derecho, también salpicé algo de pintura verde y un poco de amarillo y naranja cerca del fondo Mi idea era agregar un movimiento sutil alrededor las alas usando estas texturas complementando el movimiento del ave No quería un fondo completamente liso, pero si prefieres ese look, puedes saltarte las salpicaduras por completo y dejar que el lavado se seque Un fondo suave también haría que el ave se destacara maravillosamente. Personalmente, al trabajar con áreas de fondo más grandes como esta, me gusta introducir algo de textura para que la pintura sea más dinámica e interesante. Ahora podemos dejar que el fondo se seque por completo. Una vez que esté seco, agregaremos algunas formas transparentes en el área inferior derecha. 6. Formas de fondo: Una vez que el fondo esté completamente seco, opcionalmente podemos agregar algunas formas adicionales. Voy a usar las mismas naranjas y verdes para pintar siluetas muy simples de flores y algunas Estas son formas transparentes a la luz que ayudan a llenar el espacio y crear un aspecto un poco más completo en esa área Formas como estas se llaman formas positivas. Al menos así es como los llamo en contraposición a las formas negativas. En la pintura negativa, creamos una forma pintando a su alrededor. Con formas positivas, las creamos directamente pintando su forma. Entonces, ¿en qué se diferencian estas de las flores principales en primer plano, que también pintamos directamente La diferencia radica en cómo se pintan. Se trata de siluetas muy simples creadas con una sola capa transparente No tienen ningún detalle, y no los construiremos con capas adicionales. Son simplemente sugerencias mínimas suaves de los objetos que queremos incluir. Una vez que estas formas se sequen, podemos pasar al siguiente paso. 7. Eliminación del enmascaramiento y suavizado de bordes: El fondo está terminado, por lo que ahora podemos pasar a pintar las flores principales y el pájaro. Primero, retiremos el líquido de enmascaramiento. Utilizo una herramienta de pastilla de enmascaramiento de goma. Si el líquido de enmascaramiento es fresco y se aplica correctamente, debería aparecer en trozos más grandes como este. Asegúrate de verificar que lo has quitado todo. Me gusta pasar suavemente la parte posterior de mi dedo meñique sobre el papel para sentir si quedan manchas enmascaradas Lo hice aquí, pero aún me faltó un pequeño punto en el ala. Lo notarás más tarde. Antes de comenzar a pintar, este es el mejor momento para alisar cualquier borde si es necesario. Para ello, utilizo mi galeria tamaño cuatro brocha plana de Windsor Newton, originalmente pensada para pintura acrílica Lo sumerjo en agua limpia y envuelvo suavemente a lo largo del borde de la flor. Normalmente, hago esto muy a la ligera lo suficiente como para activar un poco de pintura a lo largo del borde. Pero en este caso, quiero crear bordes borrosos muy suaves para empujar estas flores más al fondo Entonces estoy aplicando un poco más de presión de lo habitual para crear una transición más amplia y suave. No me preocupa arrastrar el verde a la flor. Estos colores se mezclarán forma natural y potenciarán ese efecto suave. Repito el mismo proceso en la harina de fondo, suavizando los bordes tanto como sea posible. Quito la pintura levantada usando una toalla de papel que sostengo en la otra mano. También noté que a lo largo del borde del ala, algún pigmento verde más oscuro se asentó y creaba algún pigmento verde más oscuro se asentó un contorno ligeramente áspero. Yo también quiero suavizar eso, pero esta vez, soy más gentil Sólo estoy levantando el exceso de pigmento sin molestar demasiado a esta zona. También suavizaremos los bordes de las alas más adelante en una etapa posterior, lo que ayudará a sugerir movimiento y mejorar el efecto de pata trasera Ahora estamos listos para comenzar a pintar las flores. 8. Flores: capa inicial: La primera capa sobre las flores será un lavado inicial. Queremos crear una hoja de ruta general de colores y colocarlos más o menos donde queremos que estén Esto nos dará una base sólida para construir tonos y texturas más profundos posteriormente. También hay un beneficio adicional en este enfoque, uno psicológico. Mirar una forma blanca puede resultar intimidante. Pero una vez que aplicamos esta capa inicial, la pintura comienza a sentirse más alcanzable y ganamos una sensación de progreso Seguiré usando los mismos colores, una mezcla de amarillo transparente con rojo quinacridon, y una mezcla verde de amarillo transparente y sombra verde azul Windsor Estoy aplicando una capa de agua limpia sobre las flores en la parte superior derecha. Quiero usar la técnica wet on wet para que los colores puedan mezclarse suavemente. Estoy usando una brocha de tamaño 12 más grande. Un pincel más grande es útil aquí porque simplemente estamos rellenando formas con color. Si usas un pincel más pequeño, puedes sentirte tentado a enfocarte demasiado en los detalles, pero este no es el escenario para eso Dejé que los colores se extendieran y se mezclaran naturalmente en el papel. También pinto sobre las líneas de lápiz sobre las flores de fondo donde previamente ablandé los bordes El color rojo anaranjado fluye hacia el verde y a veces crea un borde un poco más duro, pero eso está bien. Yo lo acepto. La acuarela tiene su propia imprevisibilidad y no podemos controlarlo todo Repito el mismo proceso para la harina y los cogollos en la parte inferior derecha. Primero, aplico una capa de agua sobre toda la forma, y luego dejo caer los colores. Utilizo más amarillo en las áreas de color amarillo anaranjado más claro y más rojo quinacridona en las partes rojizas más profundas En los murciélagos, también agrego toques de verde. En la pintura final, notarás que algunas áreas de las flores permanecen más claras. A medida que construimos capas y profundizamos los colores, esta primera capa se convertirá en nuestro tono más claro. Posteriormente, pintaremos alrededor ciertas áreas para preservar esos reflejos. Al final, también levantaremos algo de color usando una brocha fregadora, que agregará un hermoso toque final y realzará tanto las flores como el ave Ahora deja que esta capa inicial se seque completamente, y una vez que esté seca, pasaremos a profundizar los colores 9. Flores: valores medios: En esta parte, aún no estaremos agregando detalles, pero comenzaremos a formar formas y profundizando los colores La capa inicial ahora está completamente seca, y como puedes ver, se ve bastante pálida. Entonces ahora necesitamos desarrollar esos valores. Me gusta pensar en el proceso de pintura en tres capas. La primera capa crea los tonos claros, la segunda construye los tonos medios y la tercera agrega los valores y detalles más oscuros Por supuesto, esta no es una regla estricta. A veces se necesitan menos o más capas. Pero tres a menudo se siente como un buen equilibrio. Primero, prepararé más pintura. Nuevamente, utilizaré una mezcla de amarillo transparente y rojo quinacradón Pero esta vez, también necesito un rojo más oscuro. En la parte inferior de mi área de mezcla, usaré la misma mezcla amarilla roja y agregaré azul ultramarino para oscurecerla Podría preguntarse por qué estoy usando azul ultramarino en lugar de dolores grises Bueno, el azul ultramarino es un azul cálido que se inclina ligeramente hacia el rojo, mientras que el gris de Pain es más fresco y neutro Quiero mantener esta mezcla en el lado más cálido. No va a ser tan oscuro como si usara dolores grises, pero es suficiente para profundizar el color Además, dado que el naranja y el azul son colores complementarios, funcionan muy bien juntos y crean ricas sombras naturales. Ahora voy a estar pintando usando la técnica de mojado sobre seco. Esto es importante porque quiero crear algunos bordes más afilados para definir las formas Si pintara mojado sobre mojado, todo se difuminaría demasiado. En esta etapa, estoy buscando áreas que sean más oscuras que la primera capa. La primera capa ahora representa los tonos más claros. Entonces con la segunda capa, estoy profundizando áreas seleccionadas mientras dejo algunas partes intactas Esas áreas sin pintar conservarán los tonos más claros y actuarán como reflejos También estoy usando mezclas más fuertes, más ricas en pigmentos. Para muchas áreas, esto ya estará cerca del valor final, aunque tengo en cuenta que todavía tengo una capa más para agregar detalles y posiblemente profundizar aún más ciertas áreas Esta capa no solo construye tonos medios, sino que también aumenta la saturación del color. Para la flor en la esquina superior derecha, también estoy agregando algo de rosa permanente para desplazar ligeramente el tono y hacer que el rojo sea más vibrante. Ten en cuenta que la acuarela siempre se ve más intensa cuando está mojada. Una vez que se seque, los colores aparecerán menos vibrantes. Dejaré esta flor por ahora y pasaré a la de abajo. Aquí primero aplico una capa de agua limpia dentro de la forma de trompeta Trato de dejar un pequeño hueco entre esta zona y el pétalo la derecha porque estaré pintando ese pétalo en un minuto y no quiero los colores se mezclen sin querer La capa de agua ayuda a que la pintura fluya más fácilmente y se mezcle suavemente. Si aparecen algunos bordes duros, está bien. Solo quiero un poco más de control sobre las transiciones. A continuación empiezo con la mezcla más oscura, añadiendo un toque de rosa permanente y aplico a las zonas más oscuras que puedo ver Mantengo la parte interior de la trompeta más clara mientras coloco los tonos más oscuros donde se dobla el pétalo Después recojo de nuevo la mezcla más oscura y pinto la sombra en el pétalo a la derecha. Aquí quiero un filo afilado así que no aplique agua primero. Es por ello que antes dejé esa pequeña brecha. Si hubiera habido agua ahí, la pintura habría fluido hacia el área de trompeta Sigo pintando el área sombreada sobre el pétalo rizado, dejando huecos más claros La capa anterior ahora actúa como resaltado. A continuación, paso a lo malo. Empiezo con tonos anaranjados en la punta y poco a poco paso al verde a medida que me muevo hacia el tallo. También dejo pequeños huecos en la punta para sugerir reflejos. Es En este punto, necesito dejar que todo se seque antes de continuar. Si me muevo hacia abajo inmediatamente, la pintura fresca comenzaría a mezclarse con las siguientes áreas, y perdería el control sobre los bordes. Entonces primero seco esta sección y luego continúo. Vuelvo a la forma de trompeta inferior usando una mezcla de naranja amarillo, agrego sombras simples transitando gradualmente a un tono más oscuro a medida que me muevo hacia Nuevamente, dejo áreas más claras de la capa anterior para que sirvan como resaltes. Más cerca del bate, les presento un poco de verde. Cuando el verde se mezcla con el naranja y los rojos, crea tonos más neutros, ligeramente parduscos Ahora podemos pasar a la flor principal, y aquí divido el proceso en pasos más pequeños. Primero, aplico una capa de agua a los pétalos del lado izquierdo. Usando una fuerte mezcla de quinaquadón rojo, aplico los colores comenzando desde el centro de la trompeta Pinto cuidadosamente alrededor de los pequeños estambres. Luego les agregaré amarillo. Cerca del borde, empiezo a sugerir la forma del pétalo usando pinceladas direccionales. Se puede ver que mis trazos siguen la forma del pétalo apuntando hacia afuera hacia los bordes. A continuación, me enfoco en el área bajo el pico. Aplico una capa de agua y luego introduzco tonos amarillos anaranjados, junto con un toque de lisarina permanente carmesí en las Nuevamente, pinto alrededor del estambre. No puedo pintar todos los pétalos a la vez, así que me salto algunas áreas por ahora y paso al cuerpo principal de la trompeta Aquí simplemente aplico color a través de la forma, dejando un hueco más claro a lo largo del borde superior para crear un resaltado. Y con eso, podemos terminar esta etapa. En la siguiente parte, agregaremos detalles y completaremos las flores. 10. Flores: detalles: Después de la etapa anterior, las flores ya se ven mucho mejor. Los colores son más ricos y vibrantes, pero son los detalles los que realmente los darán vida En esta parte, agregaremos sombras, venas y pliegues más pequeños para aumentar el realismo y el interés visual Estoy rociando mis pinturas con agua ya que todo se ha secado, y comenzaré preparando mis colores. Definitivamente necesitaremos un rojo más oscuro para las sombras, así que estoy mezclando rojo quinacrodón con carmesí de lizarina permanente debajo de eso, me quedo la mezcla pardusca más neutra que usé antes, una combinación de amarillo transparente, rojo quinacrodon y En la parte superior de mi paleta, también mantengo el amarillo transparente y el rojo quinacrodon Comenzaré con la flor en la esquina superior derecha usando un pincel de tamaño ocho más pequeño. Hay dos objetivos principales en esta etapa. Primero, queremos profundizar las sombras donde sea necesario. La primera capa estableció los tonos claros, la segunda construye los tonos medios, y ahora estamos agregando los valores más oscuros Y segundo, queremos introducir textura. Y por ello, su mayoría trabajo húmedo y seco, lo que me permite mantener bordes más afilados Mis trazos de pincel crearán marcas más oscuras con bordes definidos que sugieren textura, así como pequeñas hendiduras y pliegues en Si es necesario, siempre puedo suavizar los bordes, pero comenzar con mojado sobre seco me da más control Si aquí usara mojado sobre mojado, todo se difuminaría demasiado. Estas pinceladas alargadas crean una textura visual que realza el realismo de la harina. En los pétalos rizados, es importante seguir su forma natural Me gusta imaginar que estoy pintando directamente sobre una flor real, moviendo mi pincel en la dirección que sigue su estructura. En los pétalos de la izquierda, imagino las pinceladas que irradian desde el centro de la trompeta hacia afuera hacia los bordes Se curvan ligeramente siguiendo la forma de los pétalos. Ahora paso a los pétalos de la derecha. Puedo pintarlos con seguridad porque sus bordes izquierdos son más tarde en tono, así que no hay riesgo de la pintura fresca se mezcle en las áreas en las que acabo de trabajar. Aplico naranjas y rojos más cerca los bordes exteriores en el lado derecho, nuevamente, dejando pequeños huecos que ahora actúan como reflejos A continuación, aplico otra capa fuerte de amarillo transparente y rojo quinacrodón, que intensifica la saturación Los rojos se vuelven muy vibrantes en esta etapa. También agrego un poco de azarin carmesí permanente debajo de los pétalos y cerca del borde inferior de la trompeta usando trazos ligeramente alargados Ahora, dejé que esta flor se secara completamente. Una vez que está seco, cambio a una brocha liner tamaño cero, similar a una brocha rigor. Entonces, si tienes un pincel de rigor, funcionará perfectamente bien. Sus cerdas más largas son perfectas para pintar líneas finas y detalles Con este pincel, agrego líneas más largas a lo largo las formas de trompeta y sutiles venas en los pétalos Estoy usando los mismos colores solo un poco más oscuros, asegurándome de que las líneas sean visibles pero no demasiado dominantes. En los pétalos, sigo siguiendo su forma. Las líneas se curvan suavemente y ramifican hacia afuera hacia los bordes. Si comparas mi pintura con la foto de referencia, notarás que no la estoy copiando exactamente. Lo uso como guía. Observo dónde caen las sombras y donde deben estar las áreas más claras, pero me permito algo de libertad artística. El objetivo es crear un resultado creíble y visualmente agradable, no una réplica perfecta También puedes notar que con cada capa adicional, la superficie de los pétalos aparece un poco más suave. Las capas interactúan y ayudan a crear transiciones más suaves entre las áreas claras y oscuras. Volviendo al pincel tamaño ocho, utilizo permanente Alizarin carmesí para profundizar algunas de las áreas más oscuras con pinceladas con También agrego amarillo transparente a los estambres. A continuación, me muevo a la flor botón, nuevo, profundizando las sombras Sigo siguiendo la forma de los pétalos con mis pinceladas, simplificando las formas donde sea necesario Caliento el centro de la flor agregando más amarillo y luego introduzco más rojo quinacrodon Es un color extremadamente vibrante, especialmente cuando está mojado. Y aunque la cámara podría no capturarlo completamente, se verá más equilibrada una vez seca. También trabajo en lo malo, profundizando el rojo en la punta, agregando más verde hacia el tallo, y llenando el medio de amarillo Yo uso una mezcla roja más oscura con ultra en azul para intensificar la sombra en la punta. Una vez que todo está seco, agrego algunas venas sutiles aquí y allá con el pincel delineador y profundizo las sombras en la trompeta, incluso introduciendo un toque de verde cerca de la base Como toque final, cuando todo está completamente seco, preparo una mezcla muy diluida de amarillo transparente. Usando como envío pincel, aplico este glaseado en algunas áreas para calentar suavemente los colores El amarillo transparente funciona maravillosamente para esto. Es ligero, transparente y añade un suave efecto brillante. Esta técnica se llama acristalamiento, aplicando una fina capa transparente de color para unificar la pintura y ajustar su tono general Y con eso, las flores están completas. Ahora podemos pasar a pintar el colibrí. 11. Colibrí: capa inicial: En esta parte, aplicaremos la capa inicial al ave. Desafortunadamente, no puedo mostrarte mi paleta en esta etapa porque mi segunda cámara dejó de grabar, y no me di cuenta. Pero no estoy usando ningún nuevo color. He preparado una ilustración útil muestra aproximadamente qué colores usé. Voy a pintar usando la técnica de mojado sobre seco, pero aún así queremos lograr transiciones de color suaves. Para ello, necesitamos usar una consistencia de pintura muy acuosa Asegúrate de usar un pincel más grande para que puedas aplicar la pintura rápidamente sin entrar en detalles. Un cepillo más grande también contiene más agua, lo cual es muy útil en esta etapa. Empiezo con una versión diluida muy ligera de siena quemada, ligeramente apagada con una pequeña adición de azul ultramarino Observe lo pálida y acuosa que es la pintura. Estoy aplicando este color a partir de la parte superior del ala principal. En el ala trasera, también estoy agregando algo de verde, una mezcla de amarillo transparente y azul windsor. Sugiero una zona más grisácea en el ala usando una mezcla de siena quemada y azul ultramarino nuevamente, pero esta vez con más azul ultramarino Después vuelvo a cambiar a la mezcla verde y noto que estoy dejando el borde del ala sin pintar Usando esta mezcla verde, continúo aplicando color a las plumas principales. En la parte posterior, utilizo más sombra verde azul Windsor para crear una transición suave entre el verde y el azul. También suavizo el borde donde el verde se encuentra con el tono más neutro del vientre, donde estoy usando una mezcla de sienna quemada y azul ultramarino Aplico tonos marrones al ala, luego paso a la cabeza, comenzando con verdes en la parte superior y haciendo la transición a marrones y gris oscuro La garganta se pintará con rojo quinacrodon. Me gustaría llamar su atención dos áreas luminosas importantes, una al lado del ojo y otra en el cuello. Trate de mantener estas áreas sin pintar. Se puede ver en la pintura final que siguen siendo los reflejos más brillantes Además, recuerda dejar un pequeño resalte blanco en el pico Si los colores se mezclan entre sí, no te preocupes. Esta es solo la base de la capa inicial. Posteriormente, definiremos más claramente las formas y colores. Entonces Ahora, deja que esta primera capa se seque completamente. Una vez que esté seco, pasaremos al siguiente paso. 12. Colibrí: profundización de los colores: En esta parte, nos centraremos más en las alas a la vez que profundizaremos los colores que aplicamos anteriormente Continuaremos construyendo capas transparentes para aumentar gradualmente la intensidad del color, los valores de túnel y la definición. Ahora puedes echar un vistazo a mi paleta. En el lado izquierdo, tengo un gran pálido de una mezcla marrón neutra hecha de siena quemada y azul ultramarino En el lado derecho en la parte inferior, también tengo azul ultramarino, que se mezcla ligeramente con siena quemada, así que no es un azul puro, pero eso está perfectamente bien ya que queremos algunos Estoy usando una brocha talla diez y trabajo húmedo sobre seco. Recojo la mezcla marrón y empiezo a trabajar en las largas plumas de las alas. Aplico el marrón a lo largo del lado izquierdo y derecho de cada pluma, dejando el medio más claro. Esto crea una transición suave oscura en los bordes y más clara en el centro. Repito esto en la siguiente pluma, dejando un pequeño hueco entre ellas para que los colores no se mezclen. Tengo que admitir que estas alas eran bastante complicadas y realmente confusas. Entonces los simplifico en lugar de seguir exactamente la referencia. Pero el resultado, creo, sigue pareciendo muy convincente. Continúo con este proceso en las primeras cinco plumas. Para las inferiores, solo sugiero las separaciones entre plumas con líneas simples El ala izquierda está más atrás y está en la sombra, así que quiero asegurarme de que esté lo suficientemente oscuro. Aplico marrones, grises y verdes a través del ala, dejando solo el borde más claro para sugerir luz reflejada A continuación, recojo un CNM quemado más intenso y lo aplico a la cola Entonces utilizo azul ultramarino, que al mezclarse con sienna quemada crea un tono gris más oscuro Yo uso esto para pintar las plumas más largas y oscuras. En esta etapa, todavía no estamos agregando detalles finos. Nos enfocamos en fortalecer los valores generales y colores establecidos en la primera capa. Utilizo la misma mezcla marrón grisácea para pintar el área del ala con plumas más pequeñas y además agrego otra capa de verde a la sección triangular del ala que se asienta en sombra Usando esa misma mezcla de grises, también pinto el grande. Ahora recojo quinacridona pura roja y la aplico a las plumas de la garganta También le agrego un toque de amarillo transparente para darle un brillo sutil. Esto también crea una bonita conexión de color entre el pájaro y las flores. Ahora, secemos esta capa completamente. Después de secar, deje que el papel se enfríe de nuevo a temperatura ambiente. Mientras esperamos, podemos preparar mezclas frescas verdes y azules. Mezcle amarillo transparente con tono verde azul Windsor para crear mi verde principal, ajustándolo entre un tono más amarillento y un tono azulado más profundo También mantengo una pequeña área de sombra verde azul windsor limpia en mi paleta. Ahora podemos continuar. Empiezo con la mezcla verde y aplico a la cabeza variando el matiz, más verde amarillo hacia la parte inferior y más verde azul cerca de la parte superior. Bien. Yo uso estos verdes para intensificar las plumas en las alas y el cuerpo. En el cuerpo, empiezo con un verde amarillo más claro, luego caer en un verde más oscuro, más saturado. En la parte posterior, uso más vientos o azul. La primera capa fue esencial para bloquear la blancura del papel Debido a que la acuarela es transparente, una sola capa suele aparecer demasiado clara. Ahora con la segunda capa, los colores se vuelven más ricos porque el blanco del papel ya no es completamente visible debajo En el vientre, agrego tonos grises suaves usando una mezcla de siena quemada y azul ultramarino Más cerca de la garganta, también introduzco un toque de rojo quinacredón Las plumas más claras reflejan los colores circundantes, por lo que esto ayuda a unificar al ave con la flor Finalmente, agrego una mezcla de siena quemada y amarillo transparente cerca de la cola para crear un efecto brillante de gusano La calidez sutil lo une muy bien con el resto de la paleta de colores. Ahora podemos dejar que esta capa se seque completamente. En la siguiente parte, terminaremos las alas. 13. Colibrí: terminando las alas: Pero en esta parte, nos centraremos completamente en las alas y casi las terminaremos. Digo casi porque volveremos a ellos en el paso final para ablandar algunos bordes Pero por ahora, queremos terminar su estructura y color. Empiezo rociando mis pinturas con agua limpia nuevo y hago que sea más fácil trabajar con ellas. Después preparo una mezcla marrón fresca usando sienna quemada y azul ultramarino También mantengo un poco de azul ultramarino a un lado, y mi mezcla verde de amarillo transparente y azul Windsor también será útil Cambié a un cepillo seis de tamaño más pequeño. La estructura del ala puede resultar un poco confusa, así que simplifico. Primero, me enfoco en pintar las líneas entre las plumas largas. Hago estas líneas más oscuras hacia el lado derecho. A la izquierda, utilizo Morburn CNM, y a la derecha, cambio hacia el color gris hecho con azul ultramarino Cerca del fondo, noto algunos tonos rojizos y violáceos, así que introduzco el rojo quinacradón, así que introduzco el rojo quinacradón, mezclándolo con azul ultramarino Ahora necesito un valor mucho más oscuro, así que traigo pinturas grises mezcladas con siena quemada Con este tono más profundo, extiendo las líneas que ya pinté. También utilizo un gris neutro para definir las separaciones entre plumas en el ala posterior Dos en este punto, lo seco todo por completo. Después de secar, dejo que el papel se enfríe por un momento. Ahora tenemos la estructura en su lugar, pero el ala aún carece de riqueza y variación de color A continuación, aplicaremos un esmalte unificador y realzaremos el color. Pelaje esto, cambio a un pincel de diez de mayor tamaño, lo que ayuda a trabajar más rápidamente sobre áreas más amplias. Comienzo con una mezcla cálida de color amarillo marrón, siena quemada con amarillo transparente, y poco a poco la transición a un verde cálido Me moví hacia abajo, aplicando estos colores a través de las plumas. Los centros de las plumas deben permanecer más ligeros, así que trato de conservarlo, pero no te preocupes si cubres demasiado. Podremos levantar algunos reflejos más adelante usando un cepillo de fregado En las plumas más pequeñas cerca del fondo, veo tonos más rojizos y violáceos, así que lo reflejo en Incluso puedo realzar o cambiar ligeramente los colores. No necesito seguir exactamente la referencia. Podrías notar un pequeño punto blanco en el ala que en realidad es un líquido enmascarador sobrante no atrapé No es un problema. Lo retiraré más tarde y volveré a pintar esa zona. Después de volver a secar, oscurecí ligeramente el ala trasera con un simple lavado de tonos marrones y verdes Ahora vuelvo a una mezcla más oscura de siena quemada y azul ultramarino, empiezo a marcar las formas más importantes en la zona triangular del ala Esta zona es bastante compleja, así que me enfoco en las formas más prominentes más oscuras que puedo ver en la referencia. Estos suelen corresponder a las sombras más profundas entre las plumas. Al mismo tiempo, evito delinear cada pluma por completo Eso parecería demasiado duro y antinatural. En cambio, sugiero la estructura colocando sombras selectivamente solo en algunos lugares. A continuación, cambio a un verde más oscuro y empiezo a definir plumas individuales. Pienso en este patrón casi como escamas de pescado, simplificando la estructura en formas repetitivas En cada una de estas formas, agrego líneas paralelas para sugerir textura de pluma. Los verdes y azules más oscuros crean profundidad y sombra mientras que el verde más claro de la capa anterior actúa como resaltado. A También mezclo rojo quinacrodon con azul ultramarino para pintar una fila de plumas más pequeñas y oscuras. También mezclo rojo quinacrodon con azul ultramarino para pintar una fila de plumas más pequeñas M Finalmente, afino algunas líneas más largas en el ala trasera usando un verde más oscuro. En este punto, las alas están terminadas. Tienen mayor variación de color de profundidad, y formas claramente definidas. Ahora podemos pasar a pintar las plumas verdes y azules en el cuerpo. 14. Colibrí: plumas verdes y azules: En esta parte, seguiremos trabajando en las plumas. Nos centraremos en las plumas verdes y azules del cuerpo, comenzando desde la cabeza y bajando hacia la cola. Primero, prepararé algunos colores. Empiezo con una mezcla de amarillo transparente y azul Windsor, que da un verde fresco y cálido. Después agrego azul ultramarino en el lado derecho de esta mezcla, creando una gama de colores desde el amarillo hasta el verde medio hasta el verde azulado más profundo Debajo de eso, mezclo otro verde usando amarillo transparente y azul Windsor, pero esta vez con más azul. Esto me da un verde más oscuro, más rico, casi un turquesa profundo Empiezo a pintar con esta turquesa profunda usando un pincel de cuatro tamaños más pequeños. En esta etapa, nos estamos enfocando en los detalles, por lo que un pincel más pequeño funciona mejor. Proceso de pintar estas plumas puede parecer un poco aleatorio y caótico Aquí no hay una estructura estricta, pero voy a explicar mi enfoque. Miro la foto de referencia y primero identifico las manchas más oscuras que más destacan. Estas áreas me ayudan a construir una estructura general para las plumas. Y no sigo exactamente la referencia. Me imagino cada pluma como una forma pequeña, casi como una escama de pez. Empiezo sugiriendo estas formas, pero evito delinear cada pluma por completo, ya que eso se vería demasiado duro o artificial, un poco demasiado caricaturesco En cambio, indico la estructura colocando sombras aquí y allá. Entonces siento estas formas con pinceladas cortas y rectas que crean una textura plumosa A lo largo del borde de la cabeza, les presento algunos marrones y rojos Las plumas en la parte superior son más azuladas, así que uso más azul windsor, abajo más cerca del ojo, los tonos se vuelven más cálidos, así que cambio hacia una mezcla más verde con más amarillo Sigo llenando áreas más grandes con estos trazos cortos para construir la textura y variación. Repito este proceso a través de las plumas restantes en el cuerpo. Primero, sugiero las formas con un verde más claro, y luego las lleno de líneas. Yo varío los colores pasando de turquesa profundo a azul, verde, e incluso toques de amarillo. También agrego tonos más oscuros en las zonas más sombreadas, generalmente en las esquinas de estas formas Una vez rellenadas las formas, recojo amarillo transparente y lo aplico en algunas zonas para introducir más variación y sacar sutiles reflejos amarillos. Por las plumas de la espalda, cambio al azul Windsor. Primero sugiero las formas principales y luego agrego sombras sutiles dentro de cada una. A continuación, utilizo un verde más oscuro para pintar el área sombreada debajo del ala Esto ayuda a separar el ala del cuerpo y agrega una sensación de profundidad. Voy a profundizar más esta sombra más adelante. También agrego amarillo más transparente en la parte inferior de las plumas. A pesar de que la foto de referencia no muestra mucho amarillo ahí, siento que esta combinación de amarillo, verde y azul crea un efecto más vibrante y armonioso. Suavizo los bordes de este esmalte para que se mezcle suavemente sin líneas duras Apenas unos toques finales y estas plumas están completas. En la siguiente parte, nos centraremos en los elementos más oscuros y las plumas en el pecho. 15. Cola, acentos oscuros y plumas en el pecho: Esta parte nos acerca a la etapa final. Ahora introduciremos los valores más oscuros usando el negro, lo que agregará contraste y le dará más carácter al ave Dejaremos el ojo para después. Primero, necesitamos dos colores principales, siena quemada como nuestro marrón primario y una mezcla más oscura para el negro Y para el negro, mezclo siena quemada con gris Pains. Esta es una combinación que uso muy a menudo. Estoy usando un pincel talla cuatro y empezando por el negro. Pinto todos los elementos más oscuros en la cola. Algunas de estas líneas son bastante largas y se extienden hacia arriba hacia más o menos el nivel de las piernas. En cuanto a las piernas, las dejaremos para más adelante. Son negras, por lo que es más fácil pintarlas al final una vez que todo lo demás está terminado y seco. También utilizo esta mezcla oscura bajo el ala para profundizar la sombra A continuación, recojo la sienna quemada y siento las áreas entre las líneas oscuras en la cola La pintura negra sigue húmeda, pero eso está perfectamente bien. Cuando los colores se mezclan, crean transiciones más suaves y naturales. Entonces paso al pico. Yo uso la misma mezcla oscura para pintar el pico y el área triangular cerca del ojo Dejo una pequeña sección en el pico sin pintar por ahora. Voy a añadir más color azulado aquí. También me aseguro de conservar el resaltado blanco. Mezcle rojo quinacradón con azul ultramarino para crear un morado apagado y lo uso para pintar el área debajo Cerca del fondo de esa zona, agrego un toque de negro para profundizar la sombra Usando la sienna quemada, agrego unas pequeñas marcas sobre el ojo para sugerir una textura plumosa En este punto, lo seco todo. Una vez seco, vuelvo con la mezcla oscura a una sutil textura de pluma en el área de la mejilla debajo del ojo El último paso en esta parte es crear una textura de pluma suave en el vientre. Ya tenemos una capa base, así que ahora utilizo un tono gris muy claro para agregar muchas pinceladas delicadas cortas. No estoy delineando plumas individuales, solo construyendo textura a través de marcas repetidas A medida que me muevo hacia abajo, varío el color ligeramente introduciendo marrones más cálidos y sutiles tonos verdosos, pero mantengo todo bastante Cerca de la cola, aplico siena quemada y luego dejo caer un poco de la mezcla oscura para profundizar el valor También uso un gris neutro para oscurecer ligeramente el borde del vientre cerca de las piernas Por último, con un pincel más grande, en mi posición, aplico un esmalte rojizo muy claro cerca las plumas rojas y lo mezclo suavemente en la zona del vientre Ahora podemos secarlo todo, y en la siguiente parte, pintaremos la garganta roja. 16. Garganta rubí: En esta parte muy corta, nos centraremos en pintar las plumas rojas en la garganta. Para ello, usaremos algunos tonos rojos, rojo quinacrodón y carmesí Alyzarin permanente Empiezo marcando las formas generales de las plumas. Observe que las plumas se hacen más pequeñas a medida que se acercan al pico Si tu rojo parece demasiado claro, puedes profundizarlo agregando lazarina más permanente Una vez que la estructura está en su lugar, podemos comenzar a rellenar las plumas usando líneas rectas cortas para crear textura. A continuación, mezcla el rojo con un toque de negro y usa este tono oscuro a lo largo los bordes y en la sección inferior para profundizar las sombras y una dimensión Y eso completa esta parte. En la siguiente, pintaremos las patas, el ojo, y agregaremos los toques finales para terminar la pintura. No 17. Patas, ojos y toques finales: Esta parte es especialmente satisfactoria porque finalmente daremos vida al colibrí pintando el ojo Siempre es un momento muy emocionante. También agregaremos más luz a la pintura elevando el color de las áreas seleccionadas. Voy a estar usando un pincel tamaño cuatro. Para los tonos oscuros, nuevo estoy usando una mezcla de siena quemada y pinturas grises También necesitaremos azul ultramarino limpio para el ojo. Empecemos por las piernas. Recoge la mezcla oscura y píntalas. En esta etapa, mis líneas de lápiz apenas son visibles. Si el tuyo ha desaparecido y no te sientes seguro pintando a mano alzada, puedes redibujarlos ligeramente Todavía puedo ver algunas líneas tenues, así que las seguiré Yo uso un solo tono oscuro aquí sin preocuparme por la variación. Posteriormente, levantaremos un poco de pintura de aquí para crear sutiles reflejos. Ahora es el momento de la parte más emocionante, el ojo. Comience aplicando azul ultramarino en el área de resaltado, pero deje una pequeña sección de papel blanco puro En un momento, agregaremos tonos más oscuros, y es importante mantener un espacio en blanco limpio entre el área azul y la más oscura. Ahora deja que el azul se seque completamente. No se apresure este paso. No queremos que los colores se mezclen. El ojo es una superficie brillante, y para crear ese efecto, necesitamos bordes nítidos y un fuerte contraste de valor de túnel. Una vez que el azul esté seco, comience con la mezcla de sienna quemada con un toque de la mezcla oscura Usa este marrón oscuro para pintar el iris, dando forma a la forma redonda del ojo. Recuerda dejar intacto ese resalte blanco entre el azul y el marrón Luego toma un negro profundo, tu mezcla oscura, y pinta la pupila fortaleciendo las zonas más oscuras Empezar con marrón en lugar de negro puro ayuda a evitar una apariencia plana y sin vida Incluso una calidez sutil hace que el ojo se sienta más natural y realza la profundidad del negro. Pintas el ojo, le agregas un anillo ligeramente irregular a su alrededor y refina las plumas circundantes si es necesario. Si el resaltado azul se siente demasiado ligero, puedes aplicar otra capa delgada una vez que todo esté completamente seco. El azul representa el reflejo del cielo. Consideré agregar una capa más azul, pero al final decidí que se veía bien, así que la dejé así. Hay un último paso para completar la pintura. Traeremos de vuelta más luz. Para ello, utilizo mi cepillo depurador, galeria talla cuatro. Lo sumerjo en agua, froto la s en una toalla de papel y luego levanto el color de las áreas seleccionadas Empiezo por ablandar los bordes de las alas. Después de fregar ligeramente, borro la zona con una toalla de papel, levantando el pigmento y revelando tonos más claros Estos bordes suaves no sólo sugieren luz, sino que también ayudan a transmitir el movimiento de las alas. Eran de acero, los bordes aparecerían más afilados. También levanto algo de pintura de las plumas azules en la espalda y de la cabeza para sugerir la luz reflejada. A continuación, suavizo ligeramente el resalte en el pico. Después me muevo a las flores, levantando color en algunos lugares para realzar los reflejos y suavizar cualquier borde que se sienta demasiado áspero En la flor inferior, ablanda un borde más oscuro para traer de vuelta más luz Finalmente, usando un cepillo de cuatro tamaños ligeramente húmedos, levanto suavemente pequeños reflejos en las piernas. W Y con eso, el cuadro está completo. Ahora puedes firmar tu trabajo, quitarte la cinta de enmascarar y tomarte un momento para disfrutar del resultado. Los colores son vibrantes y el efecto se ve realzado por el esquema de color complementario. Rojo y verde se sientan uno frente al otro en la rueda de colores, creando un contraste enérgico vivo. En la parte final, resumiremos brevemente lo que hemos aprendido en este tutorial. 18. Resumen: Enhorabuena por completar este cuadro de colibrí. Este fue un proyecto vibrante y dinámico, y espero que no solo hayan disfrutado del proceso, sino que también se sientan orgullosos de lo que han creado. Recapitulemos rápidamente las cosas más importantes que exploramos Comenzamos dividiendo la pintura en claros pasos manejables, comenzando por el fondo, luego las flores, y finalmente el ave, todo el proceso se sintió estructurado y más fácil de seguir En lugar de tratar de lograr colores fuertes de inmediato, gradualmente los construimos usando múltiples capas transparentes. Esto nos ayudó a crear profundidad, riqueza y efecto de acuarela luminosa Practicamos trabajar tanto con técnicas mojadas sobre mojadas como mojadas sobre secas, prestando mucha atención al tiempo. Comprender cómo se humedece el papel nos permite controlar las mezclas suaves, los bordes y las texturas de manera más efectiva. Usando lavados en capas, inclinando el papel y agregando texturas sutiles como salpicaduras de agua, creamos un fondo suave y aireado que soporta el tema principal sin Ya fueran las alas o la pluma, simplificamos formas complejas en formas y patrones manejables, centrándonos en las sombras y reflejos más importantes en lugar de cada pequeño detalle Desde delicadas venas en los pétalos hasta las texturas de plumas en capas, utilizamos trazos de pincel controlados para agregar detalles gradualmente, dando vida a la pintura sin sobretrabajarla Trabajamos con un esquema de color vibrante y complementario, rojos y verdes, que ayudan a crear energía e interés visual sin dejar mantener la pintura equilibrada. En la etapa final, potenciamos la pintura profundizando los valores más oscuros y levantando reflejos Pequeños detalles como el ojo, sutiles esmaltes y bordes suavizados marcaron una gran diferencia en el resultado final Muchas gracias por pintar junto a mí. Espero que este proyecto te haya ayudado a sentirte más seguro con el control de color por capas, y pintando temas más dinámicos como Bird Lleva lo que has aprendido aquí a tus futuras pinturas y lo más importante, disfruta del proceso. Feliz pintura y ojalá te vea la próxima vez por