Clase magistral de orquestación, parte 1: las cuerdas y los vientos | Jason Allen | Skillshare
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Clase magistral de orquestación, parte 1: las cuerdas y los vientos

teacher avatar Jason Allen, PhD, Ableton Certified Trainer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      3:07

    • 2.

      ¿Qué es la orquestación?

      3:44

    • 3.

      ¿Qué es la instrumentación?

      4:29

    • 4.

      ¿Qué es la Synthestration?

      3:56

    • 5.

      Rangos y Synthestration

      2:32

    • 6.

      Textos sugeridos

      5:50

    • 7.

      El formato de esta clase

      2:24

    • 8.

      Música de mi orquesta

      5:11

    • 9.

      Grandes paisajes

      5:35

    • 10.

      Transposición

      8:53

    • 11.

      Orden de instrumentos

      3:31

    • 12.

      Letras y números de ensayo

      3:53

    • 13.

      Consejos para leer notas

      2:48

    • 14.

      Partes compartidas, y "escritorios"

      7:26

    • 15.

      Giros de páginas

      4:48

    • 16.

      Cues

      3:15

    • 17.

      ¿Qué es la transposición?

      8:41

    • 18.

      ¿Por qué hacemos eso?

      7:07

    • 19.

      Instrumentos de teclas uti

      1:56

    • 20.

      Algunos trucos Sneaky alrededor de la transposición

      3:23

    • 21.

      Instrumentos en la sección "cuerdas orquestales"

      5:15

    • 22.

      Bowings

      4:39

    • 23.

      Pizzicato

      5:03

    • 24.

      Fatiga

      5:07

    • 25.

      Paradas múltiples

      7:35

    • 26.

      El violín: alcance y sonido

      7:59

    • 27.

      La Viola: alcance y sonido

      5:43

    • 28.

      El Cello: rango y sonido

      6:09

    • 29.

      El bajo (contrabass): alcance y sonido

      7:56

    • 30.

      La sección de cuerdas

      2:43

    • 31.

      Efectos de cuerda

      3:05

    • 32.

      Armonías

      6:29

    • 33.

      Mutes

      5:28

    • 34.

      Legno

      4:16

    • 35.

      Ponticello

      3:24

    • 36.

      Glissando

      5:46

    • 37.

      Vibrato

      1:49

    • 38.

      Scordatura

      3:10

    • 39.

      Cómo funcionan

      6:44

    • 40.

      Notas sostenidas y respiración

      5:55

    • 41.

      Lenguaje y ritmo

      2:12

    • 42.

      ¡Transposiciones!

      3:04

    • 43.

      Los tipos de flautas

      5:04

    • 44.

      Las flautas: alcance y sonido

      4:36

    • 45.

      Los tipos de Oboes

      3:51

    • 46.

      El Oboe: rango y sonido

      4:43

    • 47.

      Los tipos de clarinetes

      5:10

    • 48.

      El Clarinete: rango y sonido

      8:33

    • 49.

      ¡El descanso!

      4:54

    • 50.

      Los tipos de bajos

      6:07

    • 51.

      El Bassoon: alcance y sonido

      4:16

    • 52.

      Tipos de saxofones

      7:28

    • 53.

      El saxófono alto: alcance y sonido

      2:27

    • 54.

      El saxófono tenor: alcance y sonido

      4:22

    • 55.

      El saxófono de barítono: alcance y sonido

      3:39

    • 56.

      El saxofón de Soprano: alcance y sonido

      1:45

    • 57.

      Efectos especiales

      1:12

    • 58.

      Clics clave y aire y ranuras

      5:13

    • 59.

      Multiphonics

      6:06

    • 60.

      ¿Qué viene después?

      2:09

    • 61.

      Cierre

      0:36

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

663

Estudiantes

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Proyectos

Acerca de esta clase

100% tasa de respuesta! Cada pregunta publicada en esta clase es respondida dentro de 24 horas.

¿Eres un creador de música, intérprete, compositor o aspirante a compositor que busca para arriba en tu juego? Este es el lugar para empezar.

Es hora de aprender orquestación para darle a tu música el poder, la pasión y la prodigiousness que se merece.

La orquestación es el estudio de cada instrumento en la orquesta, cómo funcionan, cómo escribir para ellos y cómo cada instrumento choca con los otros para hacer nuevos sonidos. Piensa en ello como pintura: la orquesta es tu paleta de colores. Pero no quieres simplemente mezclarlos todos juntos. Necesitas entender algunos principios para mezclar esos colores antes de poner tu pincel sobre lienzo.

En esta serie de clases vamos a trabajar en tres cosas:

  • Instrumentación: saber cómo funcionan todos los instrumentos en la orquesta y cómo escribirlos de una manera idiomática.

  • Composición: usar la orquesta para escribir música poderosa. Cómo combinar los diferentes sonidos de la orquesta para crear un sonido nuevo, único y único.

  • Sintetización: uso de software de producción común (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools, Cubase, etc.) para crear un sonido realista con bibliotecas de muestra.

En esta primera clase, "Parte 1: las cuerdas y los vientos" vamos a centrarnos completamente en la instrumentación: aprender a escribir para las cuerdas (violín, violá, class, contrabajo/contrabajo) y los vientos (flauta, oboe, clarinete, bassoon y saxofón).

Si no me conoces, he publicado muchas clases aquí. Esas clases han sido muy exitosas (¡de hecho, los mejores vendedores!), y esta ha sido una de las clases más solicitadas por mis estudiantes (más de 1.000.000 de ellos). Estoy muy emocionado de poder finalmente traer esto a usted.


Aquí puedes ver una lista de algunos de los temas que abordamos:

  • Transposición
  • Orden de puntuación
  • Consejos para leer notas
  • Preparación de piezas para jugadores
  • Vueltas y pasos de páginas
  • Inclinación
  • Pizzicato
  • Dobles cuerdas
  • El violín
  • La viola
  • El Cello
  • El bajo
  • Efectos de cuerda
  • Armonías
  • Legno
  • Ponticello
  • Glissando
  • Vibrato
  • Scordatura
  • Los vientos
  • Tonos sostenidos y respiración
  • Lenguaje y ritmo
  • Tipos de flautas
  • Tipos de Oboes
  • Tipos de clarinetes
  • La ruptura en el clarinete
  • Tipos de vasos
  • Tipos de saxofones
  • Saxófono alto, saxófono tenor, saxófono de Bari y saxófono de Soprano
  • Efectos de viento madera
  • Multiphonics
  • ¡Y Mucho, Mucho Más!

Mi promesa para ti:

Soy un compositor y educador de música a tiempo completo. Si tienes alguna pregunta, por favor escríbales en la clase o envíeme un mensaje directo. Responderé dentro de 24 horas.

¿Qué me hace estar calificada para enseñarte?

Además de ser compositor y educador, también tengo un doctorado en música, soy profesor de música universitaria y tengo una larga lista de premios para enseñar.

Pero más importante: uso esto todos los días. Escribo música profesionalmente, soy un guitarrista activo y estoy al tanto de las técnicas de producción, flujos de trabajo y estilos. Como verás en esta clase, me encantan estas cosas. Y me encanta enseñarlo.

¡Empecemos!

Nos vemos en la lección 1.

Todo lo mejor,

Jason (pero llámame Jay...)

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Jason Allen

PhD, Ableton Certified Trainer

Profesor(a)

J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of “glove” controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he’s not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation’s Music Educator of the Year.

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Level: All Levels

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Transcripciones

1. Introducción: Hola a todos, bienvenidos a la orquestación. Puede que me conozcas por mis muchas, muchas clases de teoría musical disponibles aquí, y por cerca de un 100 otras clases disponibles aquí. Una de las cosas que me han pedido literalmente miles de estudiantes como curso de orquestación extranjera, y he posponído literalmente miles de estudiantes como curso de orquestación extranjera, hacerlo hasta ahora porque es un tema muy denso, es un muy profundo tema. Y no había diseñado un plan de estudios que me sentía realmente bueno por sumergirme profundamente en la orquestación. Pero creo que estoy ahí, así que lo encontraste. En primer lugar, aquí hay un par de piezas mías de orquesta. He ganado un montón de premios por escribir música orquesta, y estoy bastante orgulloso de la música orquesta que he escrito. En esta clase. Lo que vamos a hacer es vamos a empezar de la manera en que la mayoría de las clases universitarias imparten orquestación, que es con el tema de instrumentación. Esta es como la forma en que me gusta explicar instrumentación es cuando alguien se acerca a ti como compositor y te dice, eres compositor, ¿ tocas todos los instrumentos? Simplemente puedes decir que sí, tienes mi permiso para hacer eso. Pero la respuesta real es no, no toco todos los instrumentos, pero sé cómo funcionan todos. Eso es lo que es la instrumentación. Tenemos que aprender cómo funciona cada instrumento. Y luego vamos a profundizar en la orquestación. En esta sección, nos vamos a centrar en las cuerdas y los vientos. Vamos a aprender sobre cada instrumento en esos dos grupos, cómo funcionan, cuáles son sus gamas, qué se puede escribir para ellos que suene bien y para qué se puede meter en problemas con la escritura para ellos. También vamos a hablar en esta clase sobre escribir para la orquesta en experiencias generales que he tenido de trabajar con orquestas y cómo se preparan partes, cómo piensas en los giros de página, todo el nitty- cosas arenosas que tienes que saber. Incluso si no estás planeando trabajar con una verdadera orquesta. Todo esto es algo realmente valioso si estás planeando incorporar como una sección de cuerdas en pistas electrónicas o algo así. Voy a hablar mucho de cómo funciona eso a medida que se desarrollan las secciones de este curso. Y dedicaremos un montón de tiempo solo a hablar de cómo hacer que tu orquesta sintética, las orquestas muestreadas suenan muy reales. Así que únete a mí en la aventura en la que estamos buceando ahora mismo con algunas cosas básicas sobre cómo funciona la orquesta. Y luego vamos a golpear el suelo corriendo con las cuerdas. Entonces hagámoslo. 2. ¿Qué es la Orchestration?: De acuerdo, así que mucha gente me ha estado pidiendo una clase de orquestación y he hecho un poco hurgando para averiguar cuáles son exactamente tus pensamientos sobre la orquestación y qué estás buscando aprender. Y lo he reducido a dos cosas que creo que mayoría de la gente está buscando en tu clase de ilustración. Una es la capacidad de escribir música para la orquesta principalmente con el propósito de anotar películas o algo así. Eso es genial. Lo segundo es hacer su música orquesta suene bien a través del, a través de cualquier puerta que estén usando. Así que conseguir que la biblioteca de muestras y una buena biblioteca de muestras de orquesta suene realmente bien. Nosotros también podemos hacerlo. Por lo que tradicionalmente, la forma en que se enseña la orquestación en la universidad es una especie de dos partes. Es una clase llamada instrumentación y orquestación. La primera parte es la instrumentación. Y eso es lo que primero vamos a cubrir primero. Y la segunda parte es la orquestación, una instrumentación. Aprenderás cuáles son todos los instrumentos y cómo funcionan. Hablaremos más de eso en tan solo un segundo. En orquestación, aprendes a crear todos esos sonidos en, mezclarlo en una pintura. Cómo tomar todos esos colores diferentes, cada instrumento te da un color diferente. Cómo tomar todos esos colores y pintar con ellos. Es un poco diferente a escribir la música. Mucha gente escribe música al igual que dos pentagramas, solo en un piano. Gran personal. Después lo orquestan, lo que significa que lo escriben para la orquesta completa, o lo escriben para alguna otra combinación de instrumentos. No siempre tienes que estar trabajando con una orquesta completa. La orquestación puede significar que voy a escribir esto para cuarteto de cuerdas o quinteto de viento o algo así. Es una especie de simplemente básicamente significa reescribirlo para más instrumentos. Lo que vamos a ver es, en orquestación es cómo se combinan los diferentes sonidos. Mirando lo que tenemos aquí, tenemos Brahms, sinfonía número uno aquí. Entonces puedes ver aquí que tiene los cuernos en esta nota baja y luego otros dos cuernos entrando en esta melodía. ¿ Por qué es eso En los cuernos inferiores en lugar de los cuernos superiores? Cuando esto es sonicamente más alto pitched. ¿ Por qué harías eso? En realidad hay realmente buena lógica para eso. Eso es algo que podemos hablar de una orquestación. Tenemos aquí, las flautas y oboes en esta bonita armonía, moviéndose en unísono rítmico. Y las cuerdas en las dos violencia y octavas, ¿Qué tipo de sonido crea eso? Y cuando se combina con esos fluidos en el mismo rango, ¿qué tipo de sonido crea eso, esa orquestación? De eso se trata, es cómo todos estos sonidos trabajan juntos para hacer una paleta única de colores. Supongo que eso es lo que ilustración. Pero vamos a empezar con instrumentación. Entonces vamos a un nuevo video y hablemos de lo que queremos decir cuando hablamos de instrumentación. 3. ¿Qué es la instrumentación?: Mucha de las veces estaré en alguna parte. Y alguien dice: ¿Qué haces para ganarte la vida? Y tengo muchas maneras diferentes. Yo respondí eso y eso es que es una conversación para otro día. Pero a veces voy a decir, soy compositor. E inevitablemente, Cuando le dices eso a alguien, hay dos respuestas que es probable que obtengas. Uno te va a contar cómo tocaron clarinete y cuarto grado y blah-blah-bla. Y eso siempre me vuelve loco. Pero la otra respuesta es, Oh, debes tocar todos los instrumentos, entonces. Puedes responder a eso como quieras. A veces solo digo que sí. Por lo general digo Sí, Todos ellos mal y algunos de ellos buenos. Pero la respuesta real es no, yo no toco todos los instrumentos. Muy pocas personas tocarán todos los instrumentos. Pero sé cómo funcionan todos. Y de eso se trata la instrumentación. Lo que tenemos que hacer en instrumentación es que vamos a aprender todos los instrumentos. Vamos a aprender cómo funcionan. Cualquier cosa única en la que tengamos que pensar cuando estamos escribiendo para ellos. Y sus gamas y su tessitura general. Y ahora esta es una palabra con la que vamos a tratar un poco en esta clase. La tessitura de un instrumento generalmente significa que es rango cómodo. También lo usamos para hablar un poco sobre el sonido en ese rango y a veces incluso el volumen. Por ejemplo. Veamos aquí. Una flauta. Es la puntuación de felicidad. Si estuviera hablando de la gira de prueba de un fluido, hablaría de no sus extremos, como si pudiera ir un poco realmente, realmente gran intérprete puede llegar bastante alto por encima del registrador aceptado, regístrese. Tal vez incluso por debajo usando algunas técnicas raras. Pero estamos hablando del rango normal. En ese rango, hay una curva dinámica a la misma. Se pone, cuando están en esas notas realmente, realmente altas, tienen que soplar realmente duro para conseguir esas notas altas para que sean ruidosas. No pueden jugar una nota muy alta, realmente tranquila a través de algunos trucos como un verdadero intérprete virtuoso puede, pero es bastante difícil. Lo contrario también es cierto. Si escribes algo realmente bajo para flauta, va a estar realmente tranquilo. Entonces hay que pensar en eso cuando estás escribiendo. Si realmente quieres que se escuche y se toque en la flauta, no puedes escribirla muy baja. Estas son todas las cosas en el rango de instrumentación. Cosas en las que pensar. Las pruebas que dura del instrumento. Y a veces pienso en ello como la palabra pátina a veces pero no realmente. No es que sea la gama y las cualidades únicas del instrumento, ni siquiera únicas, las cualidades del instrumento dentro de ese rango. Entonces en eso nos estamos enfocando con instrumentación. Ahora no vamos a pasar por todos los instrumentos conocidos por la humanidad. En esta clase. Nos vamos a centrar principalmente en los instrumentos de la orquesta y un par de rarezas. Al igual que hay un par de instrumentos de los que tendemos a hablar, una instrumentación que no son miembros tradicionales de la orquesta, pero se han utilizado en la orquesta como la guitarra, saxofones. Hablaremos de esos. No están en la orquesta tradicional, pero vale la pena hablar de un par de otras también. Entonces vamos a pasar por todos esos instrumentos, cómo funcionan, qué hacen, rarezas de ellos, algo así? Así es realmente una especie de cómo respondes a esa pregunta. ¿ Tocas todos los instrumentos? Como no necesitan saber esto, pero no, no necesitas aprender a tocar todos los instrumentos, pero necesitas saber cómo funcionan todos. Si vas a escribir para ellos. Eso es instrumentación. 4. ¿Qué es la Synthestration?: Ahora hay algo nuevo que viene alrededor en la última década o dos. Eso no es parte de la forma en que esto, este material tradicionalmente enseñaba normalmente es instrumentación y orquestación. Así es como enseñas estas cosas. Pero hay una tercera cosa que tocaré a lo largo de este curso. Podría, aún no me he comprometido plenamente con ello, pero podría hacer un tercer curso en la serie totalmente dedicado a esta cosa. Y eso es lo que llamamos duración de la sintasa. ración sintasa es un término un poco de lengua y mejilla, pero es un término real usado principalmente en el mundo del cine y la televisión. Ya que ilustrador es alguien que toma la música del compositor y la pone en un DAW, le asigna muestras, y consigue que suene súper real y realmente genial. Hay muchos de los mejores compositores mundo del cine que no saben nada de computadoras. Pero cuando necesitan hacer un renderizado informático que muchos de ellos hacen, aunque estén usando una orquesta real. Muchos de ellos necesitan hacer un renderizado informático para obtener aprobación antes de contratar a la orquesta. envían a lo que se llama traidor sintasa al trabajo real. Pero aparte de un trabajo real, que existen algunas técnicas realmente útiles para aprendamos solo para que nuestra pista suene mejor. Algunas técnicas para hacer nuestra puerta tocar nuestra música de la manera más precisa. O a veces usar nuestros datos para engañar y romper algunas de las reglas de orquestación. Hablaremos de eso en el futuro. Bueno, hablemos de eso un poco ahora. El ejemplo que acabo de dar la flauta muy baja. En una verdadera orquesta. Si tu línea de flauta era realmente baja, y luego había como una gran cosa de bronce pasando sobre ella. Nunca escucharías esa línea de flauta. Sería borrado. Pero en el mundo más directo de la sintasa, puedo girar, solo puedo bajar el volumen del latón y el volumen arriba de la flauta y hacerlo para que línea baja fluida salga adelante y la escuches. Esto nunca funcionaría en el mundo acústico. Ninguna cantidad de balanceo va a hacer que funcione. Pero en un sintético donde puedo mundo. Entonces una cosa que es realmente complicada de la ración sintasa es que tienes que hacerlo, tienes que tener en cuenta. Si haces algo así, tienes que saber que eso es lo que estás haciendo. Y si solo decides imprimir la partitura y contratar una orquesta, no va a funcionar. Se pueden hacer cosas en el ámbito digital que no funcionarán con una orquesta real. Se puede romper todo tipo de reglas. Entonces se la das a una orquesta de verdad y va a sonar como barro. Creo que es importante separar estas cosas, separar hablar de escritura para la orquesta acústica y escribir para la orquesta sintetizada. Son muy dos, son dos bestias muy diferentes para escribir. Primeramente en esta clase, me voy a centrar en la orquesta acústica. Cuando sí hablo de algo en el mundo sintético, lo diré explícitamente. Entonces si lo soy, si siento la necesidad al final, haré una tercera clase totalmente dedicada a esa idea de duración sintasa. Pero por ahora, sigamos adelante. 5. Rangos y síntesis: Tengo otra cosa que quiero decir al respecto, sobre esa idea separar orquesta y sintetizador. Redacción. Los rangos son así. Rangos, el rango de un instrumento es más o menos finito. En la mayoría de los ajustes. Veamos un violín. Las cuerdas bajas en un violín es G. La nota G, ese G bajo, eso es tan bajo como van, no pueden bajar. Podrías retocar el violín, pero hablaremos de eso cuando lleguemos a la violencia y por qué no debes hacer eso, pero podrías, pero en casi todas las circunstancias eso es un tono bajo finito, tú no puede conseguir nada más bajo que eso. fija la nota inferior de un violín. En un sintetizador. No tiene por qué serlo. Se puede hacer un ir más bajo. Pero si le das eso a un jugador de verdad, se van a reír de ti. Van a decir, Wow, no sabes cuál es la nota más baja de un violín. Entonces otra cosa de la que tienes que hacer un seguimiento. La nota superior sobre un violín sí tiene un poco de flexibilidad. Porque una vez que se ponen muy altos, algunos jugadores pueden chirriar unas notas extra. Algunos de ellos pueden usar su uña para conseguir que el tipo de un armónico en la cuerda pase el diapasón. Hay un poquito de flexibilidad en lo que es la nota más alta. En el violín. Hay muchos instrumentos así. Incluso como el clarinete tiene una nota más baja bastante finita. Pero la nota más alta hay algunas técnicas virtuosas que te dejarán chirriar un nodo más o dos notas más. De todos modos, el punto es que cuando estás en el mundo sintético, puedes dejar que ese violín baje un poco por debajo de G. Porque es sintético. Puedes hacer lo que quieras. Pero en el mundo acústico, no se puede hacer eso. No sólo es imposible, también es como un gran pas de imitación. Hay mucha política en el mundo de la orquesta, por lo que no quieres crear un gran pas de imitación porque no te van a tocar a ti mismo. Si lo haces. Trataré de dejar fuera la política de la orquesta de la mayor parte de esta clase, pero probablemente se vaya a colar aquí y allá. De acuerdo, sigamos adelante. 6. Textos sugeridos: De acuerdo, entonces en algunas de mis clases de teoría musical, noté que muchos de ustedes me han hecho en las preguntas para un libro de texto que podías usar para seguir junto con algunas de mis cosas de teoría aquí y allá dieron algunos sugerencias, pero hay muchos libros de texto diferentes de teoría musical en instrumentación y orquestación. Hay, ahí, quiero decir, hay muchos libros de texto de orquestación diferentes, pero hay algunos que son realmente una especie de los libros estándar de orquestación go-to. Quería señalar tres de ellos, dos de ellos, y luego una especie de bola extraña que acabo de gustar, no necesitas comprar estos libros para usar esta clase. Pero si quieres que un libro use como referencia más adelante, eso puede ser realmente útil. No es raro que la gente tenga que mirar hacia arriba cuál es el rango del cuerno inglés. El Internet funciona bien para eso, pero si quieres reservar el primero, voy a recomendar, en realidad el primero que voy a recomendar es uno que no tengo actualmente porque presté a alguien. Pero es que simplemente lo llamamos el Adler. Déjame buscar cuál es su nombre exacto. Por Samuel Adler. El estudio de orquestación de Samuel Adler. Simular a otro gran compositor enseñado orquestación, creo en Juilliard por como siempre. Y este libro es algo así como el texto de orquestación estándar. Si vas a, si tomas una clase de orquestación universitaria, es muy probable que vayas a usar el libro Adler. Es tradicional en el sentido de que no va a hablar de sintetizadores ni nada por el estilo. Esto es composición acústica y orquestación, debo decir. Otro libro es el que en realidad aprendí y aún me ha gustado. No es tan popular como el Adler, pero esta es la vejiga BLAT TER. Se llama instrumentación y orquestación. Es un buen libro. Se presenta realmente muy bien para referencias. Simplemente puedes realmente tipo de mirar hacia arriba todas las cualidades únicas de, voy a dar la vuelta abierta al azar a las tubas. Aquí hay una foto de un montón de codos diferentes. También es un buen libro. Ambos son geniales. Una bola extraña. Este fue un libro que un maestro me recomendó hace para siempre. Y lo leí y a mí, me gustó mucho. esto se le llama la anatomía de la orquesta por Norman Del Mar. Esto no es un textos de orquestación estándar. Pero lo que me gusta es que es un texto de orquestación que tiene casi como un comentario ingenioso sobre la política y el temperamento del jugador. Habrá secciones que dicen, Aquí hay un pasaje para Trompeta. Entonces mostrará un pasaje de música. Y te diré si escribes esto, el trompeta probablemente te golpeará en la cara porque los trompetas suelen querer pelear y se enojarán de que lo hicieras de esta manera en su lugar de esa manera. Y sólo hay este raro, como el narcisismo británico incorporado en él. Es como algo entretenido. En algún lugar de aquí había un pasaje que resalté que no puedo encontrarlo por el momento, pero es como un extracto de Beethoven. Y luego dice observó este extracto de Beethoven y luego nos muestra la música de Beethoven. Y luego dice, si Beethoven hubiera sabido lo que estaba haciendo, lo habría escrito así. Y solo piensas que son algunas, eso son algunas afirmaciones audaces ahí. Pero me pareció algo entretenido y también útil obtener algunas de estas ideas sobre orquestación. Entonces lo he disfrutado. Lo he usado como referencia a lo largo de los años. puede ver que es un libro blanco. Entonces puedes ver que se ha hecho mucho uso porque es como girar colores y es como orejas de perro. Tres libros de texto. Todos ellos, pero sobre todo el Adler y la vejiga serán útiles si quieres un libro te ayude a través de esta clase. No voy a enseñar específicamente ninguno de esos libros. Voy a seguir mi propio camino aquí. Pero si consigues uno de esos libros, estarás bien utilizarlo como referencia con esta clase, te guiaré a través de cómo me gusta enseñar orquestación, pero podrás seguir con realmente cualquier libro de texto estándar. Simplemente bien. Ok. Por lo que de nuevo, no se requiere libro de texto. No es necesario salir a comprar este libro de texto. Pero si eres alguien que le gustan los libros de texto, ahí tienes. 7. El formato de esta clase: Un poco rápido sobre el formato de esta clase. Lo que vamos a hacer es primero que vamos a pasar por algunas cosas básicas que necesitas saber, puntajes, partes, transposiciones, ese tipo de cosas. Y luego una vez que pasemos por eso, vamos a entrar en cada instrumento individual, siempre lo haremos igual. En primer lugar, hablaremos de la familia de instrumentos. Por lo que hay una serie de familias de instrumentos. Las familias serían como cuerdas, triunfos, latón, percusión, cosas así. Hablaremos primero de la familia, y luego entraremos en cada instrumento individual de la familia. Y hablaremos del rango y la dinámica sonora dentro de ese instrumento. Entonces hablaremos de efectos especiales y rarezas. Efectos especiales serían como cualquier cosa rara que puedan hacer que les pida que hagan en una pieza para un efecto especial, entonces las rarezas serían cualquier cosa que sea particularmente para ese instrumento de hacer. Al igual que, bueno, cosas como la tuba, dándoles notas realmente largas sostenidas. No se puede hacer eso porque necesitan respirar. Y se necesita mucho aire para empujar hacia fuera estos grandes nodos bajos todo el camino a través de una tuba. No se les puede dar notas realmente largas para sostener. Eso es una especie de cosa especial sobre los dos por dos. De hecho, una gran cantidad de instrumentos de latón. Una cosa que encontrarás es que si no tuviéramos que respirar, la orquestación sería mucho más fácil por todos lados. Pero ay, no tenemos orquestas robot completas. Probablemente haya, en realidad ahora que digo que, todos modos, ese es el tipo de formato que vamos a seguir. Lo configuré de esta manera para que puedas usar, puedes hacer referencia a esto más adelante. Puedes volver a esta clase y tipo de zip a través y ver como oboe. Aquí están los videos de oboe y luego vuelve a ver los si es necesario. Una cosa más. Y luego estamos golpeando golpeando el terreno corriendo. 8. Mi música en la orquestra: Vale, entonces supongo que vale la pena señalar que he escrito una buena cantidad de música orquesta. He escrito mucho para, he escrito mucho para cuerdas, latón, la, todas las combinaciones. Tengo muchos cuartetos de cuerda. Tú has, en algunas de mis otras clases, me has oído hablar de esto, pero en mis otras clases nunca he hablado realmente mi música orquesta que ha sido interpretada por grandes, acústicos humanos reales orquesta. Tengo algunas piezas con las que he hecho bastante bien. Pensé en mostrarte uno de ellos aquí. Este llamado niveles de flechas, ha recibido un puñado de actuaciones de algunas orquestas diferentes. Había algunas personas han escrito trabajos al respecto Hacia una nueva práctica común. Cosas muy académicas, lo cual tal vez sea interesante para ti. Sólo echemos un vistazo rápido a ella. No quiero detenerme demasiado, pero en una partitura, la primera página siempre lista la instrumentación. Todos los instrumentos, la percusión que necesitas. Cualquier nota o algo por el estilo. Aquí está el marcador. Esto va a pasar por zip. Voy a jugar sólo un poquito de ella. Para darte una idea de ello. Esta es una grabación en vivo obviamente. Aquí hay algunos aros bastante largos. Aquí está ese gesto. De acuerdo, así que esa fue la intro. A lo mejor voy a poner todo esto a tu disposición si quieres escuchar todo el asunto. Tiene como 15 minutos de largo, pero continúa y se pone un poco caótico y luego algo romántico y bonito y luego un poco caótico de nuevo. Hay muchas notas en ella. Así que te estoy mostrando todo esto sólo para decir, sí, he escrito música orquesta, así que he trabajado con grandes orquestas. Quiero un montón de premios para mi música orquesta. Creo que sé de lo que estoy hablando. Creo que vamos a bucear. 9. Grandes escenas hermosas: De acuerdo, así que antes de meternos en cada instrumento individual, quiero hablar de la partitura. Las partituras de orquesta y las grandes puntuaciones en general tienen un par de cosas únicas para ellos que vale la pena señalar. En este primer video. Sólo quería hablar de lo mucho que me encanta mirar estos grandes puntajes. Déjame mostrarte. Tengo algunos de los míos. Aquí está la pieza que solo estábamos mirando. Esto es, la mayoría de las puntuaciones se imprimen en este papel grande de 11 por 17 o más grande. El largo camino. Para que esa esperanza se pueda ver esto. Déjame probar esto para que realmente puedas ver la orquesta completa en cada página. Eso hace que quepa a todos en una página, incluso en este gran papel hace que cada instrumento sea realmente pequeño. Tienes que entrecerrar realmente para leer estos. Y es por eso que la mayoría de los conductores usan gafas. Porque están acostumbrados a leer estas pequeñas notas. Pero un conjunto completo, una orquesta completa se estrelló en una página, incluso cosas de papel realmente grandes. Aquí hay otra pieza de orquesta por mí desde que se llama sunder. Este es interesante porque lo verás en un par de páginas, déjame simplemente encontrar una al azar. Verás algo de escritura y lectura. Lo que está pasando ahí es, esta es una copia de la que utilicé en ensayo. Tan a menudo en ensayos con una orquesta, tú como compositor te sentarás en el público tipo de cerca del conductor, pero no, pero todavía lo suficientemente atrás como para escuchar todo realmente bien. Entonces garabatearás algunas notas. Y luego después de que lo superen, subirás al conductor y dirás, Ok, aquí con la nota dice que no hay mudo. Eso significa que en esa sección, quiero que sacen el mudo. Puedes, puedes decirle al conductor cosas que son diferentes a las que están en el marcador. Pero la mayoría de las veces estábamos apenas una especie de aclarando lo que hay en el marcador. Realmente no quieres estar haciendo cambios. Pero a veces hay preguntas que surgen y cosas así. A menudo cuando haces eso, es como cosas dinámicas. Me di cuenta de algunos de ellos aquí. Uno aquí, volé en círculos igual que dos notas. Y escribí demasiado. Es decir, dile al conductor que le diga a ese jugador, Ese es el jugador de marimba. Para retroceder un poco ahí. Sólo aclarando las cosas. Suficiente sobre mí. Déjame mostrarte mi partitura favorita que tengo. Liquidy Requiem. Esta es una puntuación de monstruos. Es realmente grande. Compré esto cuando viajaba. Yo estaba en París. Acabo de tener una mochila grande y compré esto y luego dejé atrás algunos cerca solo para que pudiera encajar esto en mi mochila. Lo que hace que esto sea tan grande es que hay mucho DVC aquí. Significa como normalmente, cuando escribimos como el violonchelo, por ejemplo, el violonchelo podría tener diez o más personas tocando, pero escribimos una plantilla y dice violonchelo. Y los diez de esos jugadores de cuerdas juegan esa misma cosa. En esta pieza. Cada persona individual obtiene su propia parte. Hay diez pentagramas para violonchelo, diez pentagramas para el primer violín. Probablemente sean más de diez de Steve por un segundo. Mielín, probablemente más. Y no todas las páginas están incluso mostrando cada instrumento. Es tan pequeño en su mano escrita a, por cierto. Es tan pequeño y precioso de leer. Guy amaba como escuchar música y seguir a lo largo de la partitura. Aquí hay notas de liquidy donde ha escrito algunas cosas y el francés en realidad podría ser traducido, sabe, es francés, alemán, en Alemania. Pero también es una pieza hermosa. De todos modos. Me encantan las grandes puntuaciones hermosas. Podría simplemente pasar a través de grandes puntajes todo el día. No tienes que hacerlo. Así que permítanme pasar de esto. Hay un par de cosas que esperamos ver en puntuaciones que quiero señalar en el próximo par de videos. Y luego también hablaremos de algunos consejos sobre cómo leer partituras, seguir junto con una partitura mientras miras la música o escuchar la música es difícil y se necesita algo de práctica, pero tengo algunos consejos sobre cómo hacerlo. En primer lugar, vamos a entrar en esta idea de transposición. 10. Transposición: Me he levantado aquí. Esta es una página de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte anotan de Hans Zimmer. No es demasiado difícil leer un montón de notas sostenidas. Rápidamente florece corazon, pequeño solo y trompetas. Nada loco. Quiero señalar una cosa. Echemos un vistazo a la firma clave. No hay firma de clave aquí. Genial, pero una firma clave aquí están los clarinetes. Eso significa clarinetes. Aquí están los clarinetes tocando en una llave diferente, y los saxofones tocando en una clave aún diferente, pero el tenor y su propia clave. Y luego los cuernos y otra llave. Entonces todo lo demás en la clave de C. Esto nos diría que tenemos estos jugando en la clave de C o una menor. Estos tocando en los clarinetes, tocando en la clave del clarinete bajo D y la clave del saxo D. Alto es la clave de un tenor en la clave de D, actos de bayas, y la clave de una trompeta en la clave de D, cuernos en el clave de G, y todos los demás, y C o un menor. No, eso no es lo que está pasando. Lo que hemos tropezado aquí es algo llamado transposición. Y esto es algo que no hablamos de esto en absoluto y de todas mis clases de teoría musical. Y hay una razón para eso. El motivo de eso es porque lo odio. Lo odio tanto y no soy bueno en ello. Lo arruinaba cada vez. Aquí hay un pequeño secreto divertido sobre mí mismo. Soy bastante disléxico. Cuando se trata de dislexia en la música. Creo que en realidad tengo muchas ventajas. Hay muchas cosas que mi cerebro estar atado de una manera diferente me ayuda a hacer mucho pensamiento creativo, muchas formas únicas de resolver problemas y pensar en cosas que la mayoría de la gente no piensa. Esto es muy útil para que un músico tenga. No obstante, hay dos cosas que son como mi talón de Aquiles con él. Uno está mirando el número romano cuatro y luego el número romano seis cuando estamos haciendo análisis, siempre me equivocan. Pero eso no tiene nada que ver con esto. El otro es la transposición. Aquí es donde está la transposición. Vamos a hablar mucho de transposición en esta clase. Lo vamos a ver por todos los instrumentos. Vamos a hablar de lo que su transpuesto. La mayoría de los instrumentos. Si toco en un piano y estoy tocando con un clarinete, digo tocar medio C. Y toco medio C en el piano, y tocan medio ahí, medio C. No vamos a ser tocando la misma nota. Ni siquiera separados por una octava. Clarinetes están en B flat, por lo que van a estar tocando un piso B cuando toco un C. Dos notas totalmente diferentes. Es por eso que si alguna vez has oído decir a alguien, todos tocan, ven concierto o tocan esto en tono de concierto. Pitch de concierto significa que todos vamos a tocar igual. Mira, si estás tocando un clarinete, vas a jugar una D para que coincida con mi C. Creo que eso acaba de hacer eso al revés. Puede que acabo de hacer eso al revés. Cuando nos metamos más en transposición, que haremos en breve, te mostraré algunos trucos sobre cómo asegurarte de que tienes razón porque he descubierto algunos trucos. Pero es una cosas realmente molestas. Entonces lo que estamos viendo aquí es que todos estamos jugando con la misma llave. Es sólo que esta puntuación no es una puntuación transpuesta. Entonces estamos mostrando los clarinetes exactamente en la música que obtendrían su tocando. Este un, que, whoops. Esto a nos va a sonar como un G. creo. Va a estar al unísono con esa flauta G. Eso tiene sentido. No todas las notas son iguales en todos los instrumentos. Hay una especie de razón histórica por la que así es. Esto te va a volver loco por la orquestación. Todo lo que puedo decirte es que estoy contigo y que no hay nada que puedas hacer al respecto. Es la forma en que es. Vientos, transponer saxos, transponer, latón transpone. Cuernos transponen. Las cuerdas tienden a no transponer. Cuerdas. La percusión son instrumentos que no transponen. Los vientos superiores tienden a ser instrumentos no transposición, lo que significa que están en la clave de C. Es principalmente cuando estamos lidiando con los vientos y el bronce que tenemos que lidiar con la transposición. Pero en una orquesta son una especie de capa importante para ello. Cuando miras una partitura, hay que saber si estás mirando una partitura transponer o no una partitura transponer, la firma clave no siempre te va a decir porque en la música cromática más moderna, no hay firmas clave en nada. La forma de contar suele ser mirar la portada. Por lo general, la portada o la página interior dirá algo como esto. Aquí está mi pedazo sunder. El interior de la página donde dice Instrumentación. Justo debajo de instrumentación dice score en C. Eso significa que todo lo que se está mostrando en esta partitura se transpone. Para que las notas, estamos mirando, las notas que vamos a escuchar. Se han escrito los clarinetes para estar en la clave de C en esta partitura. Ahora eso significa que no puedo simplemente sacar la parte del marcador, dárselos porque entonces todas las notas van a estar equivocadas. Tengo que transponerlo para conseguirlos por la parte. Se ocupará de las piezas en un minuto. Pero todas mis puntuaciones son puntuaciones y veo que las transpongo para poder mirar las notas y saber cuáles son las notas sin tener que transponer en mi cabeza. Porque yo lo chupo. Más sobre transponer pronto. Pero es un elemento importante de una puntuación saber si estás mirando una puntuación de transponer o no una puntuación de transponer. Si estás mirando algo y dice anotar y ver entonces sabes que las notas que estás viendo son las notas que vas a escuchar. Si no dice partitura y ve, entonces tienes que hacer la transposición en tu cabeza cuando lo leas. Una última cosa de esto, cuando se trata de puntuaciones, una cosa que he encontrado es que la mayoría de los conductores, especialmente la mayoría de los conductores en EU, están muy contentos de tener puntuación en C. Ellos, cualquier conductor vale su peso, puede lidiar con una puntuación de transponer simplemente bien, o una puntuación N transpuesta. Pero los directores estadounidenses son muy, estoy feliz de tener una puntuación y ver que no es un tema. Encuentro que los conductores europeos tienden a ser un poco más tradicionales. Y realmente no quieren una puntuación en C. Están acostumbrados a ver todo y transponer. Y está correctamente escrito pitch y haciéndolo en la cabeza. Esa es una generalización realmente amplia, pero esa ha sido mi experiencia con ella. Lo que vas a más sobre transposición pronto. Pasemos y hablemos sobre el diseño de la partitura. 11. Orden de instrumentos: Hablemos de orden de puntuación. Esto es importante en muy estandarizado, ese es el orden de los instrumentos en la página. Realmente no ha cambiado mucho en los años y no lo es, puede que no sea exactamente lo que piensas. ella hay un par de rarezas. Se podría pensar que las cosas más altas están en la parte superior y las cosas bajas están en la parte inferior. Y eso es cierto de una manera, pero no es cierto de otra manera. La cosa a recordar, panorama general, Windsor en la parte superior. Y luego dentro de los vientos, sí vas de más alto a más bajo, en general. Piccolo, flauta, oboe, clarinete, eso es fagot. De alto a bajo, más o menos. Entonces tenemos latón. Y de nuevo, nos acercamos más o menos las trompetas altas a bajas. Déjame hacer uno en inglés. Bueno, déjame mostrarte en uno que conozco. La página de instrumentación generalmente enumera todo en orden. Así que vamos a ir vientos. Entonces piccolo, flautas, oboes, clarinetes, clarinete bajo, fagot. Y si hay un contra fagot, fagot muy bajo, latón, cuernos, trompetas, base de trombones, tuba. Creo. He visto cuernos ir en la parte superior del latón, y he visto cuernos ir en la parte inferior del latón allí, una especie de instrumento de latón raro. Supongo que eso es flexible. Entonces tenemos arpa y piano. Están como en su propia familia de alguna manera. Puedes dejar cualquiera de estos fuera. Por cierto, no necesitas usar todos los instrumentos de la orquesta cada vez. Entonces bajo eso tenemos percusión. Tympani. Primero se obtiene lo propio. Tympani siempre se trata como su propia línea de percusión. Hablaremos más de eso cuando hablemos de percusión, pero es un concepto importante. Después de eso. Las fuerzas de percusión, decimos, hay tres estados para la percusión que he decidido usar. No necesitas usar tres tympani y luego tus pentagramas de percusión. Y luego en la parte inferior, fortalezas VIA. Siempre violín, violín, viola, violonchelo, bajo, o contrabajo, como quieras llamarlo. Ese es el orden tradicional. Es importante mantener ese orden porque recuerda cuando estás leyendo la partitura, posible que estés siguiendo una línea y luego voltea la página. Necesitas seguir esa línea. Ahora a veces sí tenemos puntuaciones donde dejamos fuera de instrumentos que no juegan en esa página. Eso se llama un marcador de corte. Creo que eso es una especie de caída de moda. Nos gustaría mostrar las pentagramas vacías solo porque es más fácil de seguir. Pero sí ves algunas puntuaciones así. Son más difíciles de seguir. Sí, eso es todo. Vientos, latón. Harbin, piano. Percusión, fortalezas. Orden de puntuación. 12. Letras y números de ensayo:: Ok, A continuación, cartas de ensayo y números de ensayo. Hay algunas filosofías diferentes en esto y no hay algo estándar que debas hacer. Básicamente, se quiere un ensayo, una cola, algún tipo de carta o un número en cualquier tipo de momento significativo en la pieza. Barras dobles, definitivamente cualquier cosa que sea una barra doble. La mayoría de las veces si hay un cambio de tempo, um, o a veces si hay un cambio de metro, esos son todos buenos puntos para poner una barra doble o para poner una carta de ensayo. Pero también una especie de punto significativo, tal vez un punto complicado, un lugar que el conductor podría querer ensayar varias veces, darles una carta allí. Es sólo para hacer que los ensayos sean más fluidos. Ahora, puedes usar letras o números. Prefiero las cartas de ensayo. El motivo es que no se confunden con los números de barras. No quieres, bueno, cuando se trata de una partitura y trabajar con una orquesta humana de verdad, lo peor que puedes hacer es perder el tiempo porque es realmente caro tener esa orquesta sentado en el escenario. Así que cualquier cosa que hagas tiene que ser realmente, realmente claro. Si dice el director, todos van a 45, entonces la mitad de la orquesta levanta la mano y dice: ¿Te refieres al ensayo número 45 o mide 45? Acabas de perder el tiempo. Así que no hagas eso. Por eso prefiero decir ir a la letra D. Entonces todos saben qué es la letra D de ensayo. Y no es la medida 45. Lo que hice esta pieza en particular y algo que mi maestro en su momento me animó a hacer. Y creo que es una práctica realmente buena y lo he hecho en muchas piezas sentido está al principio de cada página, pongo el número de medida de esa página y gran círculo que está en cada página. Midieron números justo ahí. También hay un número de medida. Supongo que eso es todo. Supongo que es el único lugar que pongo los números de medida. Números medidos en la esquina superior cada página y números realmente grandes solo para que el conductor, quien esté leyendo la partitura, pueda verlos agradables y claramente. Y luego también puse cartas de ensayo en un cuadrado. Para que puedas ver D ahí. El número de ensayo. Esa es la forma en que me gusta hacerlo. Nuevamente. No hay nada estándar en eso. Solo asegúrate y pon algunos ahí y hazlo para que no sea confuso. Otra forma de hacerlo que he visto hacer mucha gente es usar números para el ensayo, pero hacer que sean números medidos. Entonces si esto se mide 42, eso es 4243. letra D está en la medida 44. Entonces en lugar de poner una D, podría hacer un número realmente grande, 44 ahí. Y entonces podrían decir, y luego el conductor puede decir, ir a 44. No habría duda porque es tanto el número de medida como el número de ensayo lo que puede funcionar. Me gusta separarlos. Dondequiera que tengas que hacer funciona bien. Aquí no hay nada estándar, pero solo asegúrate de poner algunos ahí para que cuando estén ensayando, podamos acelerar las cosas y no perder el tiempo. 13. Consejos para leer notas: Consejos para leer puntajes. Esto es difícil, es difícil leer las puntuaciones. Se necesita mucha práctica. Pero aquí hay algunos secretos. Volvemos a esa página de Zimmer, Hans Zimmer, Harry Potter. Si estuviera escuchando esto jugado y tratando de seguir junto con el marcador. Una cosa que podría hacer es mirar hacia adelante. Siempre estar mirando hacia adelante unos bares para entradas. ¿ Alguna entrada significativa? Aquí, hay un solo de trompeta. Cuando gire la página y vi venir esta página, si me perdiera, me iría. En tanto que la siguiente entrada podría ver estas entrada de cuerno. Pero este solo, este solo de trompeta va a ser un poco más obvio. Yo estaría como, está bien, y luego seguiría eso. Entonces podría, podría bajar a este riff de arpa y escuchar eso. Podría incluso agarrar este riff triángulo. Así que estás un poco en zigzagging a través. No intentes mirar toda la página e ingerir toda la armonía y todo. Hay algunas personas que pueden hacer eso, pero no puedo hacer eso. Simplemente deja ir el ojo a donde necesita ir. Entonces sigue esta línea, tal vez saltó hacia abajo y ve esta entrada triángulo. Ir a este arpa y tendencias. Cuanto más hagas eso, más empezarás a ver esta línea. Qué está pasando en los saxos y los cuernos, como todo lo que lo rodea. Y luego aquí verás lo que también está pasando en el eufonio y el triángulo. Empezarás a conseguir cada vez más y más. Pero a medida que empieces a leer estos, solo intenta buscar entradas y seguir una entrada. Incluso como esta flauta nota alta, eso va a resaltar realmente y podrás escuchar eso. Entra, entra. Y entonces eso te dará algo a lo que agarrar. Siempre estar rastreando entradas de instrumentos. Eso es lo que hago y así aprendí a leer una partitura. Cuanto más hagas eso, más desarrollarás la habilidad para aquí. ¿ Qué hay alrededor de esas cosas? Y tipo de enfocarse y sacar más del panorama general. Se trata de rastrear las entradas mientras comienzas. 14. Partes compartidas, y "Desks": Vale, hablemos de partes. Ahora. Sé que eres como, vamos a meternos en la carne y las patatas y aprendamos sobre los instrumentos. Lo que vamos a llegar allí. Sólo quiero cubrir esto porque no hay otro buen lugar para cubrir esto. Y es importante saber si vas a trabajar con una orquesta de verdad. Un montón de cosas sobre partes. Puntaje. En realidad me dejó usar esta puntuación. A veces se pueden combinar varias partes en un solo pentagrama. Por ejemplo. vemos, sé que no se puede ver esto, pero los cuernos, tengo dos pentagramas para cuatro cuernos. Hay dos cuernos en un bastón. No obstante, en partes, sólo se puede tener un instrumento en un pentagrama. Todo instrumento necesita tener su propia parte. Si fuera a hacer las partes de bocina para esa pieza, tendría que tomar la parte del cuerno y separarla en dos partes diferentes. Es una especie de dolor, pero así es como tiene que funcionar. La excepción son las cuerdas, obviamente, como la sección de violín. Necesitan tener ahí. Si estás dividiendo los primeros violines, por ejemplo, y diciendo como la mitad de la sección hace esto, mitad de esta sección hace eso. Entonces puedes tener una parte que se divide en dos pentagramas, pero tienen que tener su propio personal. Así que hablemos un poco más de cuerdas muy rápido. Por lo que la mayoría de los instrumentos de la orquesta tienen su propio stand. Significa que si tienes tres trompetas, vas a tener tres partes de trompeta. Cada uno tiene físicamente un stand y aparte en ese stand, las cuerdas funcionan un poco diferentes. Las cuerdas suelen ser dos personas por stand. Eso se llama escritorio. Un escritorio significa dos personas mirando un puesto. Habrá jugando fuera de la misma parte. Por lo general, cómo funciona eso es cuanto más una persona de mayor rango o mayor estará en el exterior. Y la persona clasificada arrendador, sin embargo , esa orquesta sí, estará en el interior del escritorio. Entonces la persona menor será responsable de cualquier giro de página que tenga que pasar. Stands en escritorios son un término importante. Son términos importantes. La percusión funciona un poco diferente donde la percusión, es necesario tener. Normalmente lo que tienes es una parte para cada jugador, no para cada instrumento de percusión. El timpani se desmorona. Y luego si hay tres percusionistas, entonces haces tres partes. También puedes hacer lo que se llama puntaje de percusión, que muestra toda la precaución de una parte con múltiples pentagramas. Podría tener tres o cuatro pentagramas mostrando toda la percusión a la vez. He conocido en algunas de las orquestas más grandes con las que he trabajado, han, al director le ha gustado el principio es el jugador mejor clasificado en la sección. Entonces al principio del percusionista le ha gustado tener esa puntuación que puedan analizarse quién está haciendo qué. La lógica que hay, que van a ser mejores al descubrir que entonces lo eres. Y he estado más que feliz de dejar que se den cuenta de eso. Lo que hago es hacer aparte para cada percusionista y una partitura. Entonces les doy eso todo y básicamente digo aquí hay más información de lo que necesitas, pero reparte lo que quieras para que funcione. Una cosa más que quiero decir sobre partes. Aquí, tengo un par de partes que estas han regresado de una actuación. Por lo que estos fueron utilizados por última vez en la actuación con la Orquesta de Minnesota. Están marcados un poco. Se pueden ver las marcas de los jugadores por todas partes. Déjame hacer eso. Notarás que este es un tamaño extraño de papel. A lo mejor no se puede decir eso, pero es de tamaño extraño. El motivo es que las gradas pueden estar bastante lejos, sobre todo por las cuerdas donde están compartiendo un stand. Se ha vuelto estándar usar este papel de tamaño en forma realmente funky. Al menos es funky para Estados Unidos. Creo que son diez por 13, si recuerdo bien. Son diez por diez por 13. La forma en que lo haces es que no solo imprimes tu música en papel diez por 13. No es así como lo haces. Lo imprime en estándar en el tamaño carta estadounidense. Eso es 8.5 por 11. Y luego lo vuelas hasta diez por 13. Que todo es más grande de lo que esperarías, eso hace que sea más fácil de leer cuando está más lejos. He encontrado que esto es una práctica muy estándar, diez por 13 papel cuatro partes. Si estás trabajando con una orquesta, esa es una orquesta significativa, una orquesta mayor, probablemente tendrán un bibliotecario de tiempo completo. Y ese bibliotecario tal vez dispuesto a ayudarte con esto. A veces puedes simplemente enviarles tus 8.5 por 11 partes y las van a volar en lado derecho del papel y hacer la encuadernación. Utilizan una encuadernación de cinta especial porque es silenciosa. En ocasiones van a esperar que hagas eso por ellos, pero a veces lo harán por ti, y a veces incluso prefieren hacerlo solo para asegurarse de que se haga bien. En este caso, acabo de enviarles un montón de PDFs del 8.5 por 11 y me imprimieron las partes, lo cual fue genial y las ató y luego me las devolvieron. Lo cual era super cool, tan extraño tamaño de papel. Pero hay que volarlos un poco porque a veces están un poco más lejos. Ok. Hablemos de giros de página. 15. Vueltos de página: De acuerdo, los giros de página son algo muy importante y hay que pensar en ellos cuando estás haciendo partes. Y puede ser un gran dolor de cabeza. Tengo aquí dos partes. Notarás que esta es la segunda parte del violín, y esta es la parte del violonchelo. Notarás que la segunda parte del violín como portada y la parte de violonchelo no. ¿ Por qué? ¿ Empieza la página? No tiene que tener una portada. Pero en la segunda parte del violín, no tuve forma de poner un giro de página al final justo ahí mismo. Como si estuvieran jugando. Tuve que hacer una portada para que el primer turno de página terminara justo en ese resto. Necesitas darles quieres alinear tu página aparece con arresto, ya sea arresto justo antes del turno de página o un restaurante después del término de la página. Idealmente antes. Hay un par de trucos a su alrededor. Por ejemplo, te voy a dar, hay una, una notación que puedes usar, un VCS, se ve así. Esa pequeña cursiva V, S justo ahí. El tipo de letra es importante. Es un símbolo. Es sinónimo de algo en italiano o latino. No recuerden lo que significa, pero básicamente significa cabezas arriba. Este es un giro rápido a la página. Significa que estás jugando justo después del término de la página. Aquí hay un descanso de una barra. Este no es un tempo muy rápido, así que hay un bar de descanso. Y luego hay un giro de página allí justo atrás en ese VS solo significa un giro rápido de página. Déjame mirar en la parte de violonchelo. Aquí hay un buen VS. Aquí sólo tienen tres latidos. Tocan una nota. Y luego hay tres latidos VS, lo que significa que están jugando de inmediato en la siguiente página. De inmediato en la siguiente página, tienen dos latidos más y luego están jugando. Si absolutamente no puedes alinear una página, gira con cualquier descanso. Digamos que alguien está jugando por lo que va a ser tres páginas seguidas. Puedes hacer doblar páginas para que tengas un turno de página y luego una página que se abra dentro, para que se abra en tres páginas. Quieres evitar eso tanto como sea posible porque va a, hay algún sonido asociado con volantes todas esas páginas. Se tarda un minuto en hacerlo, entonces tienes que desplegarlo para dar vuelta a la página. Una vez que se acabe. Es una especie de peor de los casos que hacer. Pero se puede hacer. En todas las partes. Tienes que pensar en los giros de página, descubriendo los mejores spots. Y a veces significa abarrotar algunas medidas juntas realmente con fuerza para que se alinee para que haya un descanso. Y a veces significa dejar enormes cantidades de espacio. Acabo de ver esa que miramos como aquí mismo. Podía encajar unos sistemas más en la parte inferior aquí, pero no lo hice porque esa era mi mejor opción para un giro de página todo lo demás se puso raro desde ahí. Por lo que a veces dejas espacio vacío en una página o incluso a veces páginas completas en blanco, para que puedas facilitar una buena bebida Paige. Porque recuerda que sólo es necesario que la página gire todas las demás páginas. Así que a veces solo dejas una página en blanco para que tengas una página. Enciende la página anterior, dale la vuelta, y luego tienes dos páginas de música sólida. Lote a negociar. Es mucho en lo que pensar, pero es algo con lo que todos tenemos que lidiar. Algunos de los software más nuevos, software de notación te ayudará con esto y tipo de forzar un turno de página para alinearse en el lugar correcto. Pero realmente todavía toma un vistazo de cerca para asegurarse de que todo sea factible. Giros de página. 16. Cues: Recuerda lo que dije hace un par de videos donde dije uno de los objetivos de un ensayo de orquesta es no perder el tiempo. Es súper importante que todo sea realmente eficiente y nadie esté confundido sobre lo que está pasando. A tal fin. Una de las cosas que vas a querer poner en tus partes son, porque tengo una aquí en la parte de violonchelo. Ojalá puedas ver esto, pero mira el pentagrama inferior. Lo que estás viendo ahí es esta es la música que toca el violonchelo. Y luego hay tres barras de descanso. Y luego aquí, mira estas pequeñas cabezas de notas. Es música, está anotada correctamente, pero con pequeñas cabezas de notas, diminutas cabezas de notas. Y dice TBT por encima de él. Eso es un taco. Se supone que no deben jugar eso. Lo que eso significa es lo que está planeando la trompeta, eso es el TPMT. Por lo que tienen tres barras de descanso y luego oyen este riff de trompeta que se supone que les ayude en caso de que se pierdan en esas tres barras de descanso o algo así. Cuanto más acuse, mejor, más de los que se puede poner. Quiero decir, hay que no los quieres por todo el lugar. Pero si tienes una parte que tiene alguna cantidad significativa de descansos, tres barras, diez barras, 20 barras. Después, antes de que vuelvan a entrar , darles una cola, darles algo que escuchar. Y no es porque no puedan contar. Al igual que estos son músicos profesionales, pueden contar. Pero es sólo para confirmar que hay razón y evitar que alguien arruine. Quieres poner cues dondequiera que tengan descansos significativos. O a veces si hay algo realmente obvio, póngalos de todos modos. Si hay como una gran, enorme luna de percusión y no están tocando en ese momento. Pon ese boom ahí como un cubo. Asegúrate de que quede claro que es una cola. Usas cabezas de nota pequeñísimas, luego algún texto por encima de él solo para decir qué es esto. Y solo confirmará que están en el lugar correcto. Es realmente útil y ahorra un tonelada de tiempo en el ensayo. Intérpretes, creo que realmente espero verlo. Entonces hazlo. Cuz son buenos. Nuevamente, algunos de ellos eran software actualizado. El software de notación solo puede poner colas automáticamente en sus partes. Se necesita una mirada para asegurarse de que tengan razón. Pero es que he visto algunos de ellos hacerlo muy bien y algunos de ellos lo hacen muy mal. Así que sólo tienes que mirarlo y asegurarte de que sea correcto. 17. ¿Qué es la transposición?: Hola a todos, soy yo del futuro. He filmado este video. Entonces. Vuelvo a jugar por ti. Pero luego terminé con toda la clase y salté atrás. Porque necesito aclarar algo. Voy a hablar de esto más en el siguiente video. Pero a medida que nos metemos en hablar de transposición, hay un concepto que necesito asegurarme sea absolutamente súper claro. Es decir, que la transposición que estamos hablando de que cada instrumento tiene que ver, no tiene nada que ver con la clave de la música. No pienses que como tenemos cuernos y F, pero en una melodía diferente, ¿quién podría tener cuernos en B flat? Así es como funciona. El bocina es un instrumento que está afinado y diseñado alrededor de F. Puede tocar cromáticamente, pero está diseñado en torno a F. Por eso lo llamamos el cuerno en F, No tiene nada que ver con el música que está tocando. Siempre transpone de esa manera. Cuando hablamos de la clave de un instrumento, estamos hablando de las propiedades físicas de la forma en que se diseña ese instrumento, no tener nada que ver con la música misma. Hablaremos más de esto en un minuto, pero yo solo, literalmente no pude dormir anoche y asegurándome de que te transmitiera este concepto lo suficientemente temprano. Estoy volviendo a saltar para asegurarme de que lo consigas. Ok. Ahora, en este video, hace un millón de años, cuando estaba en la secundaria, escribí un musical. Fue el primero, mi primer intento de escribir algo no solo para guitarra, bajo y batería. Y fue alto y realmente no sabía que lo que estaba haciendo era malo antes de que pensaras, Oh, él debe ser un genio. Escribiste un musical en la secundaria. Fue realmente malo. Pero recuerdo la primera vez que ensayamos la música. Estaba tocando la guitarra y lideraba la banda. Y la banda era como, básicamente eran mis amigos todos empedrados juntos. Entonces fue guitarra, bajo y batería, y luego unos saxofones, Algunos sujetadores. Tal vez un par de victorias. Escribí todo a mano, y escribí todas las partes a mano. Fue muy tedioso. Recuerdo que me quedé despierto toda la noche haciendo esto. Estaba muy emocionado. Tengo todo escrito después de clases, honesto. En un día. Hice que estas personas se queden y jueguen a través de él. Supongo que quería escuchar cómo sonaba con real con cualquier instrumento. No tenía una computadora en ese momento. Nuevamente, hace millones de años. Recuerdo contarlo. Déjame, aquí vamos. Y lo primero fue algún gran acorde o algo así. Y todos tocaron su nota y simplemente sonaba horrible. Horrible. Entonces seguimos yendo y llegamos a esta melodía que se supone que es esta gran cosa al unísono entre algunos vientos de bronce y yo en la guitarra. Y sólo sonaba horrible. No fue unísono y fue súper disonante y desagradable. Entonces me detuve y dije, arruiné algo. Déjame resolver esto. Vamos a intentar esto de nuevo. Mañana. Fui al director de mi banda y le dije: ¿Qué hice mal? ¿ Por qué no sonó bien? Dijo transposición. Sé que ya hablamos un poco de transposición, pero vamos a hablar más de ello porque es increíblemente esencial. Déjame mostrarte un ejemplo de cómo funciona esto. Tengo aquí en nueva partitura, solo su plantilla estándar de orquesta clásica. Um, ya verás por defecto, estoy obteniendo una firma de clave diferente en los clarinetes. También notarás que dice clarinete en piso B. A veces enumeramos los clarinetes como clarinetes en B flat porque están en B flat, esa es la transposición que usan. Verás otros instrumentos enumerados de esa manera. Trompeta en B-flat o cosas así. Hablaré más de por qué eso es en tan solo un minuto. Pero hagamos un pequeño experimento. Vamos a escribir un par de notas. Aquí. Ver. F. Escribimos lo mismo para el codo. Ahora vamos a escucharlos. Deberían estar al unísono. Eso definitivamente no es unísono. Eso es un desastre. Ahí. Sin embargo, las mismas notas. Pero no son las mismas notas porque esto está en B-flat, consiguió una firma clave diferente, todo. Entonces hagamos esto. Vayamos a las propiedades del personal. Y aquí abajo, aquí es donde nos está diciendo nuestra transposición de personal. Instrumento, clarinete B-plano. El nombre de la parte, cómo está escrito. Rango de pitch utilizable, transposición profesional. Esto es lo que estamos buscando. A un segundo mayor hacia abajo es lo que estamos haciendo. Digamos que Sin transposición, lo que sería un unísono perfecto. Ahora, va a mover todas mis notas hacia abajo porque lo está transponiendo. Pero si los muevo de nuevo hacia arriba, sólo ellos, Italia, allá vamos. Ahora he apagado la transposición de ese instrumento. Ahora vamos a escucharlo al unísono. Bueno. Hablaré más de esto en un minuto, pero un truco para si no eres bueno en las transposiciones, como yo, qué puedes hacer, ir en tu partitura, apagar todas las transposiciones, o ponerlas al unísono. Entonces escribe tu música. Después vuelve atrás y vuelve a encenderlos. Digamos que quiero que este clarinete esté en tercios por encima de ese oboe. Hagamos E, F natural. Ahora vamos a escuchar, ver una E, F, D y F, E y G. F y una como una melodía muy bonita en tercios. Encantadora. Pero cuando hago esta parte, necesito volver a encender esa transposición. Así que voy a volver aquí. Veamos, hago clic derecho. Propiedades del personal. Ve aquí. Transposición, segundo mayor, allá abajo. Ahora eso se ve todo raro, así parece un cuarto. Pero suena bien. Es extraño. Pero hay que ponerte bien haciendo esto. Vale, entonces hablemos un poco más. Hablemos de por qué esto funciona de la manera que lo hace. 18. ¿Por qué lo hacemos eso?: Recuerdo de algunas de las clases de teoría musical, muchos de ustedes diciendo, ¿Por qué lo hacemos de esta manera? Como por qué, ¿por qué el piano no es sólo todos los pasos y pasos enteros como por qué? Mucho de las veces la explicación solo fue Esa es la forma en que se hace. La forma en que se hace hace como un 1000 años. Estoy anticipando a muchos de ustedes diciendo, ¿Por qué lo hacemos de esta manera? Esto es una locura. Y apoyo total. Estoy a bordo con esa rabia. Si lees en línea, puedes encontrar muchas explicaciones diferentes de por qué hemos terminado con este sistema loco. El permítanme señalar tres, especie de las tres más prominentes en mi opinión, hay otras razones por las que las cosas funcionan de esta manera. Pero aquí están los tres más destacados. Yo creo. El primero, lo siento decir, es tradición y repertorio. Sólo hay un montón de música que se ha escrito de esta manera. Por bastante cerca de 1000 años. Definitivamente por cinco o 600 años. Quiero decir, se remonta a Mozart. Incluso mucho antes de eso, teníamos algunos instrumentos de transposición y esa es la forma en que era. Entonces tenemos toda esta música que está escrita de esta manera. Sería difícil cambiar los instrumentos para hacerlos no transponer, rediseñar todos los instrumentos y sería difícil reescribir toda la música. Entonces funciona de esa manera porque así es como siempre ha funcionado, lo cual es una respuesta horrible, horrible. Pero es una respuesta muy lógica. Número a evolución. Evolución de los instrumentos. Hubo un momento en que los instrumentos, no se esperaría que la mayoría de los instrumentos tocaran en todas las teclas. Tendrías un instrumento que podría tocar en una sola tecla. El piano estuvo de esta manera durante mucho tiempo. Antes teníamos llaves negras, acabábamos de tener llaves blancas. Y teníamos diferentes pianos sintonizados en diferentes llaves. Eran instrumentos que ahora llamaríamos templados, lo que significaba que estaban afinados a una clave específica. Eventualmente descubrimos un sistema llamado temperamento igual donde matemáticamente descubrimos cómo afinar algunas cosas para que fuera bastante bueno en todas las claves, pero no perfecto en ninguna clave . Esa es una discusión para otro día. Pero digamos que tienes una trompeta y está diseñada para tocar realmente en sintonía en algunas teclas. Pero si agregas esta pequeña válvula extra o esta pequeña pieza extra de tubo y este modificador. Ahora puedes jugar cromáticamente y todas las teclas pero para siempre. Pero la forma en que lo harías es cambiando todo hacia arriba y cambiando todo hacia arriba y hacia abajo para no tener que volver a aprender todos los dedos para todas las diferentes llaves. Acabamos de agregar una transposición. Es un poco raro, pero sólo tiene que ver con la evolución natural de la misma. Eso es grande. El tercero es la versatilidad del jugador. Digamos algo así como clarinete y saxofón, digamos específicamente saxofón alto. Clarinete esta en B flat, saxofón alto esta en E-flat. Están en llaves totalmente diferentes. A pesar de que ambos pueden jugar totalmente cromáticamente, pueden jugar en cualquier tecla, pero están en esa clave. El motivo, una de las razones por las que funciona de esa manera es que a menudo vemos, muchas veces esperamos que los clarinetes y los saxofones se dupliquen, es decir, un jugador que puede tocar ambos instrumentos. Y si los ponemos en esas llaves diferentes, podemos mantener los dedos de todos modos. Todas las mismas notas para todos los mismos dedos, suenan diferentes. denotes van a sonar diferentes, pero sus dedos no tienen que volver a aprender cada nota para cada instrumento. Los jugadores pueden ser más versátiles porque solo están cambiando a un instrumento en una clave diferente, pero todos sus dedos aún funcionan. Esa es una gran razón para, nuevo, hay otras razones. Esos son probablemente los más comunes. El cuerno o el cuerno francés es probablemente el mayor delincuente porque puede cambiar. Se puede hacer algo para que sea en dos claves diferentes. Y luego tienes que hacer un seguimiento de dos transposiciones diferentes. Dije algo hace un segundo y quiero aclarar que antes de seguir adelante. Cuando hablamos de la clave del instrumento, esto no tiene absolutamente nada ver con la música que están tocando. Este es el, esto tiene más que ver con las propiedades físicas del instrumento. Clarinete en D flat. Eso no significa que la música que estamos planeando sea en B flat ni nada por el estilo. Simplemente significa que estamos transponiendo este clarinete por un segundo. Porque si lo fuera, porque el oboe justo arriba está en C, si no dice nada, está en C. De nuevo, no teniendo nada que ver con la música que estamos tocando. Eso sólo significa que si escribo una C, voy a escuchar una C. Si está en B flat, escribo una, C. Voy a escuchar un D. Es raro. Así que no te confundas la transposición de instrumentos con la música de la página. Tenemos que escribir la música un poco diferente para transponer instrumentos para que suene correcto. Pero no estamos hablando la clave de la música ni nada por el estilo. 19. Instrumentos Muti-key: Vale la pena señalar que existen algunos instrumentos en múltiples claves. trompeta es un buen ejemplo de eso. El estándar es B trompeta plana. No obstante, también hay una trompeta C. Eso sería una trompeta que no requiere ninguna transposición. De hecho, conozco a algunos jugadores que prefieren el sonido de la trompeta marina. Suena diferente. Es muy diferente. Es una diferencia muy sutil. Porque la trompeta está diseñada un poco diferente. Tiene un poco más de tubería o un poco menos de tubería o algo así. Tiene un tono diferente. Es sutil, pero es un tono diferente. Por lo que es muy común ver a un trompeta llevando alrededor de múltiples trompetas, una y b plana y otra. Y ver, conozco a muchos jugadores que se desmoronarán escrito en B flat y lo transpondrán en la cabeza para que puedan tocarlo en una trompeta C. Las personas que tocan instrumentos transposición profesionalmente se ponen realmente buenos en transponer en la cabeza. Clarinete es similar. Clarinete y B flat es el estándar. No obstante, hay un clarinete en una que es muy común, y un clarinete diferente de tono diferente a un clarinete B-flat. Y en una orquesta estándar, Es bastante común. Ambos son bastante comunes. Entonces B flat es el tipo de tradicional, pero puedes especificar un clarinete si ese es el sonido que deseas. Sonido un poco diferente. Sutil, pero lo mismo con las trompetas C. Prefiero escribir para las gotitas C porque odio transponer. Pero ahí vas. Hay un par de otros instrumentos como ese también que tienen múltiples versiones, pero esos son los bonos más grandes. 20. Algunos trucos desordenados en la transformación: Ya mencioné antes, dije que te voy a dar algunos trucos para moverte y transposición si eres malo en eso como soy, la mejor manera es lo que ya te mostré. Entra en algo, usa un editor de notación y transponga la música. Después escribe tu música, y luego regresa y transpónala. Ahora lo que tienes que tener cuidado cuando haces esto es que sacas tu instrumento fuera de alcance. El muy, muy fácil de hacer porque no estás escribiendo las notas que van a ver. Tienes que asegurarte de que una vez que se transpone. Y algunos instrumentos como E-flat, que pueden subir un sexto. Si escribes algo donde los estás teniendo sube a una nota alta, eso puede estar bien. Pero entonces una vez que se transpone, están en una nota muy alta y es demasiado alto. Tienes que hacerlo. Entonces lo que hago es que escribo la música. Desactivo la transposición. Escribo la música. Entonces enciendo la transposición cuando haya terminado. Y luego pasa por cada parte se transponga y asegúrate de que nada esté fuera de alcance. Y hay que hacer una capa de doble comprobación en eso para asegurarte de que no hagas eso. Esa es una forma de asegurarte de que lo hagas bien. Simplemente deja que la computadora lo haga por ti. Si estás tomando una clase de orquestación en la universidad o cualquier tipo de clase de instrumentación, tienes que hacer un examen donde estés transponiendo cosas. Esto no te ayudará. Solo tienes que aprender a hacerlo, pero tal vez puedas hacerlo correctamente. Simplemente siempre lo hago al revés. Puedo hacerlo como un 100 veces y ser como, Ok, este instrumento, una vez que su transponga, sube un segundo mayor, estoy seguro de ello. 100% va. Este nodo es ahora esa nota. Y luego haré que la computadora lo haga y salió por el camino equivocado. El 100% de las veces lo haré y luego pensaré, vale, estoy 100% seguro de que va a subir. Así que voy a derribarlo porque sé que siempre hago esto al revés. Y luego le diré a la computadora que lo haga y se suponía que iba a subir. Simplemente no puedo cuando dejé que la computadora me ayudó a asegurarme de que lo hago bien. Es hacer trampa. No me importa. Suponiendo que todo esto se diga, vamos a pasar a las cuerdas. Ahora bien, si en algún momento de esta clase estoy hablando de transposiciones. Y digo, aquí está la transposición para este instrumento y lo digo al revés. Lo siento, probablemente no lo haré, porque tiendo a evitar decir cosas así. Y tengo el poder de la edición de video. Probablemente revisaré dos veces si digo algo así, pero se me ha sabido que me equivocan esos, llámame al respecto en los comentarios y entraré y lo editaré y lo arreglaré. Vamos a meternos en algo de música. Hablemos de las cuerdas. 21. Instrumentos en la sección de las cadenas de la sección de "cuerda orquestal": Vale, hablemos de la sección de cuerdas. Instrumentos en la sección de cuerdas. Así que básicamente en este gran trozo de videos, lo que vamos a hacer es que vamos a hablar del tipo de familia de cuerdas. Entonces vamos a entrar en instrumentos individuales. Y luego hablaremos de algunas técnicas especiales. Entonces primero la familia de cuerdas. En la orquesta, sección cuerdas. Consideramos que eso significa para diferentes instrumentos y cinco pentagramas. Aferrarse a eso por un segundo. Entonces el primer instrumento es el violín. Probablemente sepan lo que es un violín. Generalmente es el más alto de los instrumentos en la sección de cuerdas. El segundo instrumento es la viola. Este es probablemente el que si no estás familiarizado con alguno de ellos, probablemente sea éste. viola es un poco más baja que un violín. Es un poco más grande. Sí, es más bajo, tiene un poco tipo de cremoso o sonido, supongo que se podría decir. A continuación está el violonchelo. Es otra vez más baja que la viola. Entonces último es el contrabajo. Esto tiene algunos nombres diferentes. Puedes llamarlo contrabajo, puedes llamarlo el, solo puedes llamarlo base. Se puede abreviar dB para contrabajo. O a veces verás algo como el bajo de violonchelo, o cosas extrañas como esa. En partituras modernas, lo llamamos ya sea el contrabajo o la base. Vale, pero dije que hay cinco pentagramas. Es porque la sección de violencia se divide por la mitad. En cualquier música de orquesta, tienes violín uno, violín dos, y luego viola, violonchelo, y bajo. Por lo que básicamente tienes el doble de la cantidad de violencia como lo haces para todos los demás instrumentos. Podrías tener una orquesta típica. Podrías tener, digamos, diez personas tocando violín, 110 personas tocando violín a diez personas tocando viola, diez personas tocando violonchelo, y diez personas tocando el bajo. En realidad no más como probablemente cinco personas tocando el bajo, en ese caso. Las secciones base un poco más pequeñas que el resto. Y la sección de violencia, hay un 12. Ahora no significa que tengas que escribir un violín uno y una violenta de dos partes. Es muy común y más común hacer eso. Pero si quieres escribirlas al unísono, tocando lo mismo, no puedes hacer eso, pero hay que tener violín uno y violento también, en dos estados diferentes. Esos son los instrumentos de la sección de cuerdas. Ahora es importante saber que hay otras cuerdas en la orquesta. Pero cuando hablamos de las cuerdas de la orquesta, son esos cinco instrumentos. Las otras cuerdas podrían considerarse como arpa. Pero el arpa no está en la familia de cuerdas. Eso es diferente, es su propia familia. El piano a veces se considera un instrumento de cuerda porque ese es el medio para hacer sonido, es vibrar cuerdas. estás golpeando con diminutos martillos. Pero no forma parte de la sección de cuerdas. Hay algunos instrumentos raros o de percusión que tienen algunas cuerdas. Y luego hay instrumentos orquestales no estándar, guitarras. guitarras, incluso cuando se usan guitarras en una orquesta, no son consideradas parte de la familia de cuerdas. Van en una familia diferente. Tendría que mirar hacia arriba donde se sientan en la partitura, pero creo que probablemente se agrupa con o cerca del arpa y el piano. Entonces cualquier otra cosa como banjo, mandolina. Podría ir en ukelele. Si se usan esos, no se consideran parte de la cadena. La familia de cuerdas orquestales. Orquestas familia de cuerdas. Son sólo esos cuatro instrumentos. Violín, violonchelo, viola, orden equivocado, y base. Genial. De acuerdo, Ahora hablemos un par de temas no son temas, sino un par de cosas que hay que considerar al escribir para la familia de cuerdas. Eso es cierto de todos ellos. Y luego entraremos en algunas cosas únicas. 22. Bocas: Una de las cosas más grandes que encontramos cuando estamos escribiendo para cuerdas orquestales es la de Boeing. Este es un tema que he escuchado. Diferentes personas dicen cosas diferentes al respecto. Y esto es un poco de una cuestión de opinión, en realidad. Bueno, sí, es un poco de una cuestión de opinión, así que te voy a dar mi opinión sobre este tema. Y el tema en sí es, ¿escribes Boeing o dejas que el jugador escriba sus propios bocadillos? Esto es lo que quiero decir. Si los Boeings para un instrumento son la forma en que suben y bajan. Y si alguna vez ves la actuación de una orquesta, sabrás, notarás que la mayoría de las veces, como todos en la sección de cuerdas, todos en la sección de violencia, sus arcos van arriba y abajo al mismo tiempo es adentro como cuando uno sube, el otro, todos suben y cuando uno baja, todos bajan. Es muy raro tenerlos haciendo diferentes altibajos. Ahora, también, donde cambiaron dirección puede importar como si le dices a un tenedor de cuerdas, a un violín, que sostenga una nota por diez barras, tienen que en algún momento cambiar de dirección y que hace un sonido. Puedes pedirles que escalonen eso, decir que todos lo hacen en diferentes momentos que no escuchamos eso. Pero muchas veces van a querer hacerlo todo al mismo tiempo. Entonces, cuando eso sucede, ¿ dónde hacen eso? Todas estas son preguntas de Boeing. Preguntas sobre Boeing. Para que puedas escribir en Boeing y mucha gente sí escribe Boeing en su. Hay ciertas convenciones de notación para escribir Boeing en tu partitura. En mi opinión, si estás trabajando con una orquesta profesional, debes anotar, ¿verdad? Boeing, hay gente a la que le gusta leer tus Boeings y hay gente que echará fuera de tu Boeing por completo porque quieren hacerlos ellos mismos. Y eso está bien porque probablemente son mejores en ello. A menos que seas un jugador de cuerdas. No escribas Boeing. Si tocas esos instrumentos realmente bien y realmente entiendes lo que se necesita, entonces podrías escribir los Boeings. Pero déjame mostrarte aquí esta pieza orquestal de nuevo. Puedes ver aquí, ver todas estas marcas de lápiz en él. Todas estas cosas, esas son de Boeing porque dejé fuera de Boeing en su mayor parte. No hay arco. Wow, hay unos pocos. Escribí unos cuantos donde era realmente importante lo que quería. Pero en su mayor parte, lo que pasa es que obtienen la parte sin Boeing en ella. El líder de sección, la persona encargada de toda la sección. El mejor jugador generalmente se sienta y escribe todos los Boeings en y decide lo que van a ser. Eso no es algo de lo que tengas que preocuparte de verdad. Puedes omitir la escritura de Boeing si quieres. O puedes escribirlos en y luego puedes preguntarle al jugador, ¿quieres que mis Boeing no sean quieren mi Boeing's. La mayoría de las veces no van a querer tu Boeing. Tal vez si estás trabajando con la universidad o con una orquesta amateur, tal vez los quieran porque no tienen tiempo de escribir en todos sus propios bolos. Pero con grupos profesionales, he oído, no escriban Boeing, dejen que escriban sus propios bocadillos. De acuerdo, Así que eso es bueno porque entonces ya sabes, eso es una cosa menos de notación de la que debes preocuparte y aprender cómo funciona eso. Pero todos estos instrumentos, los cuatro de estos instrumentos, usan un arco. A menos que estén usando pizzicato, que hablaremos a continuación. Pero cuando son Boeing, necesitan tener alguna indicación de cuándo van a subir y cuándo van a bajar. Y eso es lo que hace un sonido unificado. Que ellos lo averigan. No te preocupes por escribir Boeing es mi opinión, pero ha sido bastante universalmente cierto. Yo creo. 23. Pizzicato: Pizzicato. Puedes en cualquier momento pedirles que jueguen pizzicato, simplemente escribes periodo P IZZ. O puedes escribir toda la palabra si quieres ser elegante. Pon eso en cursiva. Y eso significa pizzicato. Pizzicato significa que ponen su inclinada y juegan así. Si no has visto ninguna de mis otras clases, no lo sabes, pero yo no soy violín. Cuando toco raro de dos notas. Por eso resulta que tengo un violín y puedo hacer un par de cosas en él, pero lo uso con fines de grabación. Yo no soy proficiente ninguna manera, pero sé cómo sostenerlo. Tipo de. Pizzicato significa que juegan con el dedo, en realidad el lado de su dedo. Y te dan estos hoyos hundidos, notas. Perfectamente genial también, ¿verdad? Hay un par de cosas a considerar cuando lo escribes. Primero. Muy importante. Siempre que enciendas pizzicato. pizzicato es una de esas cosas que lo enciendas escribiendo hoyos. Eso significa que van a cambiar a hoyos. También hay que apagarlo. Así que pasa por tus puntuaciones y siempre tienes que asegurarte de que si le dijiste que hiciera algo diferente, tienes que deshacer eso. En algún momento. Apaga el pizzicato diciendo, vuelve a usar tu bot. Y la forma en que lo hacemos es con la palabra arco. Arco. Arco significa volver a tu barco. Si prendes fosas diciendo hoyos, tienes que apagarlo diciendo arco. Ahora, otra cosa importante es que ir entre Arco y Pitts no está en cosa instantánea. No pueden estar jugando así. Entonces al instante sean fosas. Necesitan un latido o dos para ir de. Pueden ir hacer un par de notas yendo así. No como una nota 16 alternando entre Arco y fosas. Simplemente no puedes hacer eso. No pueden negociar el bot. Si van a hacer una larga sección de hoyos, más de un par de notas que van a querer poner su arco en su regazo. Fuera, baja su arco, sube. Tienes que darles dos o tres segundos para hacer eso. Siempre que estés cambiando entre hoyos y arco, siempre trata de darles dos o tres latidos para manejar su arco. Cuando lo apaga con Arco, también necesitas darles unos latidos para recoger su respaldo de arco, obtener su posición lista, y luego golpearla. Si les pides que lo hagan muy rápido, es probable que eso, lo intentarán. Pero puede que no haya en la mejor posición, tal vez no se sientan cómodos. Podrían golpear el nodo fuera de sintonía. Es sólo pedir mucho. Dales siempre unos latidos para cambiar entre los dos. Lo último en pizzicato, típicamente solo usan un dedo para pizzicato. Esto no es como tocar guitarra estilo dedo donde vas como tio, estás usando tres o a veces cuatro dedos en las diferentes cuerdas y puedes hacer cosas como trémolo. No es así como funciona esto. Normalmente es un dedo y va de lado. Es así. Veamos qué tan rápido puedo hacer eso. Eso es lo más rápido que puedo ir. No soy un jugador profesional, pero hay algo de física involucrada en esto. Así que no puedes ir mucho más rápido que eso. Tienes que, no puedes escribir enormes tramos de notas 16 va a ir TTT, TTT, TTT, o peor aún al no repetir notas haciendo escalas y cosas. Puedes escribir escalas y cosas en pizzicato, pero no puede ser increíblemente rápido. Ahí. Solo usan un dedo. Así que no lo pienses como guitarra estilo dedo. Piensa en ello como hacer esto. Dicho eso. Otra cosa que viene con esto es que no pueden hacer esto para siempre. Entonces sí tenemos que pensar en la fatiga. Entonces hablemos de fatiga. 24. Fatiga: Ahora cuando lleguemos a hablar de vientos, vamos a terminar hablando mucho de aliento. Cuando estás tocando un instrumento de viento, debes pensar en dónde van a respirar. Porque si no les das a ningún lado para respirar, morirán. Y generalmente está mal visto en el mundo de la orquesta matar a los vientos o al bronce. Realmente no quieres hacer eso. Jugadores de cuerda. Por otro lado, puedes matar todo el día. No, sólo voy a, los jugadores de cuerdas no necesitan respirar mientras lo hacen, pero pueden respirar mientras juegan. No tienes que negociar cómo respiran por ellos. Su boca y nariz es libre de respirar como quieran. No obstante, algo similar a la respiración que tenemos que lidiar con las cuerdas es la fatiga. Sí hay que pensar en esto. Volviendo a pizzicato. Esto como si fuera a hacer esto, digamos que lo estaba haciendo más rápido. Y escribí 100 barras de hacer eso. Eso no está bien. Van a morir. No morir. Realmente necesito sacar las referencias de muerte de esta clase. Ponerse un poco de oscuridad. No más hablar de matar a nadie. Van a estar enojados. Y con dolor. En términos generales, si los intérpretes están enojados o con dolor, no van a querer tocar mucho tu música. Dales oportunidades para descansar si vas a tenerlos haciendo, haciendo algo durante mucho tiempo, tienes que pensar solo en la fatiga del jugador. Trémolo es otra cosa que esto viene con mucho. Me han gritado por esto unas cuantas veces donde he escrito una gran sección de trémolo. Entonces el trémolo es, es algo así como un papel en un tambor. Pero el trémolo sería como, mira mi brazo, mira mi brazo derecho. Eso se pone agotador. Eso se pone realmente agotador. Entonces si escribes una sección donde van a hacer eso para un 100 bares, lo que probablemente va a pasar es que van a descubrir cómo escalonar. Significa que algunos van a descansar por unos bares mientras algunos tocan teclas, y luego esos van a descansar. Y se van a apagar, lo que significa que vas a perder algo de sonido. Puedes hacer eso. Puedes lidiar con perder algo de ese sonido. Um, pero sería mejor tratar de escribir tu camino alrededor de eso. Si puedes escribir en algunos descansos, Eso es mejor. Hay que pensar las cosas repetidas hechas durante mucho tiempo. Sobre todo el trémolo y Pitts se pone realmente duro allí están pensando en su mayoría en el brazo derecho. Ahí es donde realmente entra en juego la fatiga. Ahí, mano izquierda corriendo alrededor en el diapasón. Están acostumbrados a hacer eso toda la noche. Eso no es algo en lo que tengamos que pensar. Se trata más de cosas repetitivas en la mano derecha durante mucho tiempo. Eso es fatiga. Ahora una cosa interesante de la fatiga es que si no estás escribiendo para personas humanas acústicas, y solo estás escribiendo para orquesta sintética. La fatiga es algo que puedes muy cómodamente no pensar en ello en absoluto. Pero es una de esas cosas que es problemática donde si escribes enteramente para cuerdas acústicas o sintéticas muestreadas y luego decides, hey, esto resultó realmente genial. Voy a moverla. Voy a hacer las piezas y contratar una orquesta o algo así y hacer una grabación acústica de esto. Eso realmente puede meterte en problemas porque esa es una de esas cosas. Es tan fácil de hacer en una computadora que una sección de cuerdas humanas tiene un momento realmente difícil con. Estos son los tipos de cosas en las que tenemos que pensar. Hablemos de dobles paradas. 25. Toques múltiples en varias paradas: De acuerdo, las paradas dobles son el término que usamos para cuando string reproduce múltiples notas al mismo tiempo. Así. Acabo de tocar para abrir cuerdas al mismo tiempo. Genial. Un par de cosas que saber sobre las paradas dobles. No son la norma. Entonces cuando estás escribiendo para violín, no quieres escribir dobles paradas todo el tiempo. Nuevamente, el violín, toda esta sección de cuerdas, estas no son guitarras. Las guitarras pueden hacer bastante con múltiples cuerdas al mismo tiempo. Estos no pueden, aunque pueden hacer un par de cosas. Pueden tocar dos notas a la vez aquí y allá, y eso es genial. Pero úsalo escasamente. También. Hablemos de más de paradas dobles porque vale la pena mencionar esto. Puedes tocar dos notas a la vez, pero tres nodos a la vez es posible, pero muy raro en la música orquesta. Es muy raro en la música solista para las cuerdas también. Pero una música orquesta muy, muy, muy rara. No hagas esto. Básicamente. Se puede ver que el violín y todos los instrumentos de cuerda en la familia orquesta, no es un diapasón plano como lo está en una guitarra. Es redondeado. Si vas a tocar dos notas a la vez, en realidad puedes agarrar dos notas a la vez. Eso no es imposible. Pero si vas a agarrar tres notas a la vez, lo que tienes que hacer por el arco del diapasón. Tienes que ir al medio de la cuerda que está en el medio. Tienes que empujarlo lo suficiente como para agarrar las dos cuerdas en los otros lados de la misma. Veamos si puedo hacerlo. Yo puedo hacerlo. Un par de cosas sobre eso. Nuevamente, súper raro, no hagas esto. Si sí tienes que hacerlo por cualquier motivo loco, tienes que hacerlo en voz alta, así, porque tienes que empujarte tanto. No se puede escribir esto tranquilo. Esto no es algo que se pueda hacer en silencio. Tiene que ser ruidoso. Si vas a escribir eso. Para notas a la vez, sólo tenemos cuatro cuerdas, por lo que cuatro es el máximo. Si escribes para notas a la vez, lo van a rodar. Eso significa esto. Si tuviera que escribir, para tocar las cuatro cuerdas abiertas, realmente no puedo, no puedo empujar lo suficiente en mi medio dos cuerdas para conseguir las cuatro. Como si no puedo. Lo que vas a escuchar es esto. Vas a oírlo rodar así. Si escribes para notas, se va a enrollar. No hagas eso. A continuación quiero paradas dobles. Tienes que pensar en los dedos. Esto es muy, muy importante. Volvamos a sólo dos notas a la vez. Lo que dos notas haces son muy importantes porque podría ser algo que es muy fácil y podría ser algo que es muy difícil. Recuerda que las cuerdas están sintonizadas aquí en quintas, no se aplican como están en la guitarra. Entonces si piensas, oh, esto es algo que es fácil de hacer en la guitarra. Por lo que debería ser fácil de hacer con mielina, eso no necesariamente es cierto. Así que probar tus dedos en una guitarra no siempre va a funcionar. Algo común que he visto hacer a la gente. Y en realidad hay dos razones para eso. Una es que las cuerdas están sintonizadas manera diferente como acabo de mencionar. Pero hay otra razón para hacerlo. En una guitarra, estamos planeando así, como ver la posición que está haciendo mi muñeca, va hacia arriba. Y entonces tengo como máximo movimiento aquí. Y el violín, estamos haciendo esto. Mi mano está haciendo eso. Es un ángulo muy diferente. Algo así como un tercio mayor en una guitarra es, es esta forma. Es muy fácil de hacer. Pero en un violín, una vez que llego el ángulo ahí, eso es loco, incómodo, eso es súper doloroso y raro. Pero ¿adivina qué? No es un tercio menor. La Tierra está en un tercio mayor de todos modos, porque estamos sintonizados diferentes, pero esa forma realmente no funciona. ¿ Cómo sabes qué paradas dobles puedes hacer? ¿ Cómo puedes tocar dos notas a la vez? La mejor manera de saber con certeza que he encontrado a lo largo de los años es encontrar un violinista. Sólo di, oye, si escribo estas dos notas a vez en este tipo de ritmo, ¿puedes hacer eso? Y te dispararán de nuevo. Yep. Eso es fácil. Son sí. Yo puedo hacer eso, pero eso es duro o no puedo hacer eso. Esa es la mejor manera de saberlo, es solo pedirle a un reproductor de cuerdas. El segundo mejor modo es simplemente una especie de descifrarlo. Dibuja un cuello de violín y pon tus dedos sobre él, sostenlo así. Y luego ver si puedes negociar esas notas. Se pueden encontrar gráficos de dónde están las notas en el diapasón, o no un traste en el diapasón. Y puedes encontrar esas notas y ver lo difícil que va a ser. Pero de nuevo, para la música orquesta, muy a menudo no hay necesidad de escribir dobles paradas. Generalmente se puede dividir esta sección. Puedes usar tus primeros violines de segundo y darle una nota 211 nodo al otro, y luego tienes un sonido mucho mejor porque pueden golpear esa nota con mayor precisión y no tienen que encontrar la doble parada. La mayoría de las veces. Casi todo el tiempo. Las cuerdas de la orquesta están tocando una nota a la vez. Todas las reglas para dobles paradas que acabo de decir se aplican a todos los instrumentos de cuerda excepto las bases, que estoy pensando ahora, no creo que haya visto realmente dobles paradas escritas en la base. Muy, muy raro escribir cualquier doble parada para la base. No creo que suenen muy bien. Pienso a través de él. Paradas dobles. Topes triples, paradas múltiples. Ahí vas. 26. El violín: rango y sonido: Vale, hablemos del violín. Específicamente. Por cada una de estas secciones sobre los cuatro instrumentos. Realmente quiero hablar de su rango y sólo algunas cosas generales sobre su sonido. Hablaremos más de algunas técnicas raras. Al término de esta sección. Con todos los instrumentos, vamos a hablar su rango desde la nota más baja que pueden tocar hasta la nota más alta que puedan tocar. Pero con los instrumentos de cuerda, sobre todo es importante pensar en el rango de cada cuerda un poco. Por eso quiero mostrarte este gráfico aquí. Este es un gráfico que verás para cualquier instrumento de cuerda, verás estas gráficas por todo el lugar. Este es bastante conservador. Las cuerdas abiertas son G, D, a, E de la violencia. Eso es g2, G3, lo siento, G2, D3, A3, y E4. Entonces la nota más baja es G. Eso es finito a menos que vayas a hacer un raro como pedirles que retune, hablaremos más de eso en breve. La respuesta corta es no hacer eso, sino posible. Todas las cosas siendo iguales, que comenzó nota más baja y eso es finito. Esa es la nota más baja. Eso es lo más bajo que pueden plantar. Las notas superiores son menos finitas. Este rango es bastante conservador. G hasta G. Entonces la razón por la que digo que es conservador es que es como ir así. Pero hay un poco más de notas se acercan realmente juntas ahí arriba. Entonces para jugar ahí arriba requiere un poco mejor jugador. Ir todo el camino hasta eso, caramba, yo diría que si estás tratando con una orquesta profesional, eso está totalmente bien. Y probablemente puedas levantarte hasta tal vez incluso un quinto más alto. Probablemente puedas llegar todo el camino hasta esta d, solo chirriando estos nodos camino en la parte superior aquí. Pero si estás trabajando con una orquesta más amateur o una tal vez una orquesta universitaria o incluso una orquesta de secundaria, o una orquesta de secundaria. Apégate a ese rango y estarás a salvo. puedes chirriar unas cuantas Aunquepuedes chirriar unas cuantasnotas más por encima de eso. Y eso es cierto para todas las cuerdas. Por eso lo fui aquí. Cuando miramos el rango superior absoluto del violín, es un poco frondoso. Esta E aquí es conservadora. Eso está chirriando aquí. Pero puedes chirriar todo el camino hasta ese nodo. ¿ Qué es eso? E, F, G, a, B, B. Incluso podrías ir un par de notas más altas si estás trabajando con un grupo profesional. El alcance del instrumento es este G, todo el camino hasta ser ish? Pero ten en cuenta si estás escribiendo pasajes rápidos, si eres como rasgar notas muy rápido, hazlo azul. No quieres subir a esas zonas virtuósicas realmente porque va a ser imposible que lo golpeen, ¿verdad? Por lo que también depende de lo que estés haciendo. Aquí hay otro ejemplo. Si realmente quieres conseguir que sea segura manera hacerlo sería caminar hasta ella por una escala. Si solo estás caminando DDD hacer 22222, entonces mucha gente puede golpearlo. Pero si vas de camino por aquí abajo, y luego dices, ahora quiero que agarres esto sea Así es como aquí. Y es un salto para conseguirlo. va a ser muy difícil Lesva a ser muy difícilaterrizar en esa nota con precisión. Entonces, cómo te acercas a ella importa. Ahora hablemos del sonido de las cuerdas. Las cuerdas se ponen más brillantes a medida que subes. La cuerda G tiene un sonido un poco más oscuro, y la cuerda E es la cuerda más brillante. Entonces la D es un poco más brillante que g. la a es un poco más brillante que D, y la E es más brillante que a. ahora por qué eso es importante es porque notarás que hay un poco de superposición en las notas. Digamos que escribiste una melodía que solo estaba alternando de B a C, justo en el personal de aquí. Entonces, si quisieras que tuviera un sonido más oscuro, puedes especificar que se reproduciría en la cadena D en lugar de en la cadena a. Hay una notación para hacer eso. Podrías escribir único SQL Soul De, como en la D, o podrías escribir d en un círculo, diría jugar esto en la cadena D si recuerdo bien. Podrías, si quisieras que fuera un poco raro, especificar que jugamos eso en la cuerda G. Eso va a tener que jugar aquí arriba en hacer esto. Pero si solo van de B a C alternando así, se puede hacer muy fácilmente, se hace relativamente fácilmente. En realidad va a ser muy arriba aquí. Podría, la entonación encendida, podría no ser genial si les estás pidiendo que lo hagan en la cuerda G porque es tan alta. Pero va a tener un sonido más oscuro. Esa entonación, entonación significa que podría estar un poco fuera de sintonía. Pero si ese es el tipo de sonido espeluznante que quieres, ese podría ser un buen efecto. Pidiéndoles que toquen eso en la cuerda G. Puedes especificar qué cadena jugar. Cada nota sobre. ¿ Haces eso? No. No debe especificar en qué notas tocar las cuerdas. Sólo hazlo. En los casos en que se desea un sonido muy específico. Como un caso así donde tienes dos notas. Podría tocarse en muchas cuerdas, prácticamente todas las notas a excepción de la más baja y la más alta podrían ser tocadas en, en múltiples lugares en un instrumento de cuerda. Entonces si quieres un sonido muy específico, puedes especificar en qué cadena reproducirla y solo recuerda, cuanto menor sea la cuerda, más oscura es este sonido. Sí. Creo que eso es todo lo que quería cubrir en éste. Sólo tipo de la gama y que las diferencias en el sonido de cuerda. Pasemos por el resto de los instrumentos y hablemos también de ellos. 27. El viola: rango y sonido: Vale, La viola, se parece mucho al violín. Es sólo un poco más grande, violento. Un par de cosas importantes con la viola. Probablemente lo más complicado de, bueno, no lo más complicado de escribir para Viola. Una de las cosas engorrosas de escribir para viola es que usa alto clef. Ese es este símbolo. La mayoría de los instrumentos orquestales usan problemas o clef de bajo. Este es el raro o uno. ¿ Hay otros que usen clef alto? Hay algunos que pueden sumergirse en la clef alto. Pero este es el único que generalmente prefiere la clef alto. Siempre debes escribir viola en clef alto. A menos que vayas muy alto y te quedes muy alto por un tiempo por un poco de tiempo. Al menos como tres o cuatro bares. En cuyo caso se puede cambiar a la clef agudos temporalmente. Pero es por defecto es alto clef. Si no recuerdas alto clef, la forma en que leemos clef alto, el tipo de cosa fácil de recordar es este pequeño garabato aquí tipo de abrazos la línea, ese es el tono C. Esto, el medio línea ahora es C más una extraña, pero no es sólo un medio paso. Está abajo un medio paso en una octava. Entonces esta nota es C, y este nodo que parece B, si estuviéramos en clef agudos es una C ahora, más una octava más baja de lo que parece. Es un poco complicado. Esto es C2, esto es C4. Dicho esto, así es como se afina la viola, C, G, D. Así que de nuevo, es más lento que un violín. Lo mismo aplica en las cuerdas, por lo que tenemos una superposición. Esto es otra vez, un poco conservador. Este rango, diría yo, es un gran rango para tu orquesta universitaria promedio. Si estás escribiendo para una orquesta profesional, podrías subir otro tercio. Cuarto. Sigue siendo bastante seguro. Ahí están sus cuerdas. De nuevo, se puede ver que saltamos a la clef agudos aquí solo a la razón por la que podríamos hacer eso es porque si no haces eso, vas a estar leyendo un montón de líneas de contabilidad durante mucho tiempo. Y a las violas no les encanta hacer eso. Preferirían que cambiaras a clef agudos si vas a estar arriba en las líneas del libro mayor por un tiempo, pueden ir todo el camino hasta el mar. Es una gama profesional, es una, es la gama más conservadora. Esto, he, he visto violas subir un poco más alto, pero, pero ese es el, ese es un buen rango ahí. No estoy exactamente seguro de lo que significa esta tensión en este gráfico. Creo que solo significa que el tono se va a poner un poco, un poco más de un sonido estrangulado. Va a tener más atención a ella. Es un tono un poco menos deseable medida que te subes aquí en esas cuerdas. Pero de nuevo, lo que dijimos antes sobre el violín también es cierto. Las cuerdas inferiores tienen un tono más oscuro para ellos. Tamber más oscuro, podríamos decir. Puedes usar la misma notación como el alma G y decirles que jueguen en la cadena G. Algo que se podría jugar múltiples spots. Puedes especificar qué plan de fuerza si quieres. Creo que eso es todo lo que necesito decir de la viola. El tono general de la viola, porque es más bajo que el violín, es un poco más oscuro que el violín. Cuando estés escribiendo para Viola, considera algo que podría escribirse en el violín o la viola si quieres un sonido más oscuro, considera dárselo a las violas por dos razones. Uno, te da ese sonido un poco más oscuro. Y dos, y esto es algo que estoy tratando de evitar hacer, pero tocar apenas brevemente la psicología del jugador, las violas y la orquesta. No consigo mucho amor. No consiguen esos enormes solos románticos que reciben los violines. Así que dales un enorme solo romántico. vez en cuando. Les encantará tocar tu música. Solo algo a considerar. Pasemos a lo poco profundo. 28. El cello: rango y sonido: Vale, hablemos del Cielo. Cielo es como el violín, pero más grande aún. Ahora una cosa interesante del violonchelo es que todo el posicionamiento de la mano es diferente. En violín y viola, tocas así, que significa que tienes esa cosa donde tu mano está doblada de lado así, lo que limita un poco tu rango. En un violonchelo, lo tocas así. Y así tu mano tiene un poco más de libertad para moverte. Eso hace que algunos intervalos más grandes sean posibles. Diferentes paradas dobles, algo así a considerar. No quiero meterme en eso demasiado ahora mismo. Echemos un vistazo a la gama. No pude encontrar el mismo gráfico de todas las cadenas, pero esto básicamente muestra las mismas cosas. Entonces Cielo fue escrito en clave de bajo. La nota más baja es C. C por debajo del staff de la clave de bajo. Se puede pensar en el rango de la primera cuerda de forma conservadora siendo dos octavas. Hasta esto, ver que es bastante conservador. Soy rango profesional. Voy todo el camino hasta este G en la primera cuerda. No es eso, eso es algo en lo que realmente hay que pensar es el rango de cada cadena. A menos que desee especificar algo se reproduzca en una cadena específica. De lo contrario, solo puedes pensar que la nota más baja es C. El nodo más alto es algo así como el rango a B aquí arriba. Pero tener en cuenta cuáles son las cuerdas abiertas es importante. Entonces C es nuestra primera cadena abierta. Nuestra segunda cadena abierta es esta G. Siguiente cadena abierta es d. Esta d. Nuestra siguiente cadena abierta. Es esto un justo aquí. Nuevamente, para el rango, piense dos octavas arriba la, arriba la cuerda es bastante conservadora. 2.5, empujando en 3.52 es un buen rango ish profesional para cada cuerda. Al igual que todos los instrumentos de cuerda, la nota más alta es discutible porque el jugador profesional puede chillar unas cuantas notas más que eso un jugador aficionado. Pero en ese alto una cuerda, aquí tenemos E, F, eso es, eso es bastante alto. Definitivamente podrías tener un par de notas más, pero esa gama E F es bastante alta. Ahora nota que nos cambiamos a clave de agudos aquí, así que estamos, estamos muy altos. Como esto es bastante alto gritando. Hablando de clase, notarás que cambiamos dos veces. Aquí. Cambiamos a lo que parece alto clef, pero no es porque sean dos líneas aquí, son dos notas más altas, ¿verdad? Esto es, llamaríamos a esta clef tenor. Nuevamente, solo recuerda que la cosita del gancho medio aquí convierte esa línea en C. Ahora, ¿qué era un? D es ahora una C con esta clave. Si esto es D, El siguiente espacio es E. Y luego, uy, lo siento, si este nodo es C, El siguiente espacio es d. Y entonces esta nota es una E, E, F, G, a, B. Y luego estamos cambiando a clef agudos. A ver estos, esta nota es un medio paso bajo esta nota. Cambio de hendidura. Ahora, no necesitas usar yo no lo hago. Tal vez esto sea discutible. No creo que necesites usar clef tenor para violonchelo con tanta frecuencia. Se puede escribir la clave de bajo. Si justo aquí te cambiaras a clave de agudos, se vería como un salto de octava, pero eso es un poco lo que hago. Creo que la mayoría de las veces escribo para la clave de bajo. Y luego si nos ponemos muy altos durante mucho tiempo, cambiaré a clave de agudos. Si la parte termina estando en un montón de líneas de libro mayor y clave de graves por un periodo de tiempo prolongado. Voy a cambiar a clave de agudos, pero creo que evite la clave tenor, tal vez eso no es apropiado, pero eso es lo que hago. violonchelistas pueden leer la clave de bajo y la clave agudos simplemente bien. Probablemente puedan leer la clave tenor simplemente bien también. Pero puedo leer clef tenor menos bueno de lo que puedo leer clef agudos. Estoy mucho más en Brian inclinado a simplemente cambiar la clave de agudos. Cuerdas. Todavía se mantiene cierto si algo está en una cuerda inferior es más oscuro que si está en una cuerda más alta. Haré una nota especial con el violonchelo sobre la gama superior del violonchelo. Justo aquí en este rango es realmente una especie de punto dulce para escribir cualquier tipo de cosas solistas. En realidad, todo este tipo de clave tenor poco aquí mismo. Esto sólo es realmente lírico y sólo me encanta escribir ahí arriba para violonchelo. No quieres hacerlo todo el día porque entonces te estás perdiendo el también realmente hermoso sonido de gama baja del violonchelo. Pero, pero si estoy escribiendo un solo Eso es para cualquiera de las cuerdas, esa es una especie de mi primer go-to es ¿ puedo escribirlo en el rango superior del violonchelo? Porque es sólo lírica y preciosa, muy recomendable. De acuerdo, pasemos a la base. 29. El bajo: rango y sonido: Vale, hablemos de la base. La base tiene un par de cosas que funcionan un poco diferente. En cuanto a esa cosa de la posición de la mano. Hablamos de violines como este. violonchelo va así. Base, algo así, excepto que la base es tan alta como una persona. Estás de pie junto a ella. Y tú haces esto. Las notas están mucho más separadas. Las cuerdas son mucho más pesadas. Se necesita más poder para inclinarse. Entonces es un poco menos diestro que un violín. No obstante, un jugador profesional puede hacer algunas cosas realmente increíbles. El afinación de la base es un poco diferente a las otras cuerdas que hemos mirado. Las otras cuerdas han sido afinadas en quintas. Violencia G, D, a, E. Cada nota de quinta aparte. La base está sintonizada en cuartas partes. En otras palabras, la base está sintonizada de la misma manera que se afina un bajo. Hacer cumplir. La nota más baja es E. Esa es nuestra cadena más baja. Abrir es la siguiente nota, D es la siguiente nota es la tercera cuerda, y g es la tira más alta. Tan pronto hacer cumplir. Un poco diferente a los otros instrumentos de cuerda. Nada de qué preocuparse demasiado de cada cuerda. Si crees que dos octavas o así de un rango que sigue siendo cierto puede ser un poco más que eso. Son nota superior. Probablemente va a ser D o una E, tal vez una F por encima del personal de la clave de bajo. Esa primera línea del libro mayor en E serían dos líneas de contabilidad por encima del personal de la clave de graves. Ese rango general, eso es bastante alto gritando. Y para ser honesto, no es un gran tono si vas a escribir algo en ese rango dado al violonchelo, sonará genial. Si quieres que la base esté ahí arriba. Está bien, pero no es un gran tono. El poder real a la base es que es de rango medio y bajo. Ahí es donde sacamos el, la base. Ahora, hay una ligera cantidad de flexibilidad en el extremo bajo a la base. Esto es único a la base no es algo que haga ninguna de las otras cuerdas de orquesta. En una orquesta profesional, es común en este punto tener a un número de las personas en la sección de bajo, al menos probablemente la mitad de los bajistas para tener una adaptación especial en su base, como literalmente un mecanismo que les deja ir todo el camino hasta un C. Si te imaginas que, donde esa e está, esa E es la primera línea de contabilidad bajo el staff de la clave de bajo. Podemos bajar a una C, que es la segunda línea de contabilidad bajo el staff de la clave de bajo. Ese pequeño mecanismo se llama extensión C. Se ve así. Ok. La próxima vez que estés viendo tocar una orquesta, mira las bases y mira si ves este tipo de sondeo sobresaliendo por la parte superior de algunas de las bases, no todas las tendrán. Pero lo que esto hace es simplemente, es sólo literalmente, es como un poste que extiende la longitud de la cuerda que la deja ir todo el camino hasta, eh, ver. Lo que hacen estas pequeñas palancas es dejar que toquen notas muy allá abajo. Si tienen todos estos arriba, eso es un C. Pueden poner el dedo aquí abajo y conseguir un C-agudo aquí. Pueden conseguir una D aquí, pueden conseguir un D-agudo, y aquí pueden conseguir su ie. Son de cuerda baja E. Cada uno. Puedes escribir para una base abajo a una C. Ahora si estás escribiendo para una orquesta universitaria no bajaría a un C. Probablemente es poco probable que suficientes personas tengan una extensión C o tal vez incluso cualquiera de ellos tenga a Extensión C. Esto es realmente una cosa de orquesta profesional. Si estás escribiendo para una orquesta de secundaria o amateur, no contaría con tener una extensión C. Pero si estás escribiendo para una orquesta profesional, puedes razonablemente escribir notas a C. Pero ten en cuenta que no todos los jugadores podrán golpearla. Así que no planeas que sea como tu gran momento bajo. Se puede contar en un extra profesional en aproximadamente la mitad de los jugadores que tengan una extensión C. La forma en que escribimos para eso a menudo sería, correcto, un C bajo, a la derecha, esa C baja por debajo del staff de la clef de bajo. Y luego puedes poner una nota, una octava por encima de ella, C, y luego poner esa nota entre paréntesis. Pero la cabeza de la nota puso paréntesis alrededor de la cabeza de la nota. Y eso básicamente significará golpear ese bajo. A ver si lo tienes, si no lo tienes, juega la siguiente octava arriba. Creo que eso es todo para la base, puedes especificar la cadena si quieres. Es menos común en base porque realmente solo queremos ese sonido bajo. La diferencia de timbre entre las cuerdas es, esto es probablemente opinionado pero es menos sutil, o es más sutil para mí que en algunos de los otros instrumentos. Creo que es, en otras palabras, creo que es más raro especificar lo que quieres. Juego de cuerdas. Las entidades de bajo para los otros instrumentos, solo porque todas las cuerdas tienen apenas una especie de baja potencia para ellos. Doble paradas y cosas así para la base. En general, yo diría que no hagas eso. No porque sea imposible, sino porque simplemente no suena muy bien. El rango que la base está en ese rango bajo es si pones alguna armonías ahí abajo, es sólo una especie de fangoso. Sólo vas a crear mucho lodo muy rápido. Debo mencionar otra cosa sobre la transposición. Te hablé antes lo mucho que odio transponer a La base en realidad es un instrumento de transposición. Si escribimos es decir, la más baja, la primera línea de contabilidad bajo el staff de la clave de bajo. Esa es nuestra cuerda E baja. Ahí es donde lo escribimos. Pero lo que en realidad escuchamos es una octava bajo eso. No lo pensamos con frecuencia porque es una octava, pero la base es técnicamente un instrumento transposición porque la nota que estamos escuchando es diferente a la nota que escribimos. Realmente no tienes que pensar en eso como este tipo de hecho divertido. Creo que eso es todo. Creo que eso es todo lo que realmente necesitamos pensar con la base por ahora. 30. La sección de cuerda: Otra cosa sobre la base, siempre escribirla en clave de bajo. realidad nunca hay necesidad cambiar las claves para la base. De todos modos. Quería decir una cosa sobre la sección de cuerdas aquí. Este es un comentario puramente editorial. Aquí. Recuerdo la primera vez que escribía una pieza para orquesta. Yo estaba en la universidad y fui con mi maestra. Y le dije: Está bien, estoy escribiendo una pieza de orquesta. Estaba mirando un pedazo grande de papel en blanco. Y pensé, ¿Cómo hago esto? ¿ Cómo escribo para las cuerdas? Sólo hay tanto que puedo hacer. Puedo hacer cualquier cosa. Tengo todos los colores, tengo todos los sonidos disponibles en la orquesta. Supongo que esto no se trata sólo de cuerdas, se trata de toda la orquesta. ¿ Soy profesor? Quien era persona muy sabia, dijo: Vale, puedes. Dijo: Vale, esto es lo que hay que pensar. La orquesta ha evolucionado a lo largo de los siglos para ser un conjunto casi perfecto. Lo que eso significa es que si tomas cada instrumento de la orquesta y nuevo derecho, medio C en mezzo-forte. Simplemente dales una nota entera. Y luego juegan eso. Será hermoso. Al igual que lo harán estas cuerdas, los vientos, el latón, la forma en que todo está configurado. Si solo los escribes todos el mismo nodo y dices jugar esa nota. Va a ser precioso porque el conjunto es simplemente precioso. Entonces tu trabajo es básicamente no arruinarte eso. Eso suena mucho más trivial que cuando lo dijo. Pero sigo pensando que es verdad y es especialmente cierto con las cuerdas. Cuando pienso en escribir para cuerdas, realmente pienso en cómo podría escribir muchas cosas y va a sonar bastante bien por las cuerdas solo suenan bien ahí, solo este conjunto rico y exuberante. Y es casi difícil escribir algo que suene realmente terrible para ellos. Así que ten en cuenta cuando estés escribiendo para cuerdas. Déjalos en paz y van a ser hermosos. Simplemente no arruinen eso. 31. Efectos de cadena: Vale, hablemos de cadena afecta cosas que puedes pedirles que hagan. Eso son cosas que no sean solo tocar notas con el bot. Ahora, en una orquesta, se puede pedir a los jugadores que hagan prácticamente cualquier cosa. Si lo piensas, una puntuación es solo una lista elaborada de instrucciones. Por lo que puedes decir, aplasta tu violín sobre la cabeza del jugador de bronce más cercano. Se puede decir eso. No obstante, eso limitará severamente la cantidad de actuaciones que obtienes porque las orquestas profesionales quieren hacer exactamente lo que has escrito en la página. Y si no pueden hacerlo, es poco probable que lo jueguen. No van a querer comprometerse y hacer otra cosa. Entonces si escribes algo así , van a decir así, bueno, mi violín cuesta medio millón de dólares. El pleito que vendría del jugador de bronce costará un par de millones de dólares. Entonces esto no es realmente factible de hacer. Y entonces simplemente no tocarán la pieza. Siempre que le pidieras que hiciera algo extraño. Piensa en lo probable que tienen de hacerlo. ¿ Es perjudicial para su instrumento? ¿ Es perjudicial para su bot? Eso es otra cosa a considerar porque los arcos no son baratos. Estos pueden ser muchos miles, decenas de miles de dólares por una buena jugada de arco que usará un jugador profesional. Su arco es extremadamente caro. Entonces si les pides que hagan algo donde estén como raspar en su arco. Tal vez no lo hagan, pero podrían. Hay una técnica que hablaremos en un minuto donde haces algo que potencialmente es dañino para el bot. Y muchos jugadores tienen un bot de respaldo que usan cuando se les pide que hagan eso lucir un poco barato, uno como el mío. Es posible hacer cosas así. Algunas de estas cosas de las que vamos a hablar, algunas de ellas son cosas muy estándar y normales como los armónicos. Algunas de ellas son un poco raras o no vamos a meternos en ninguna de las cosas súper raras. Pero solo recuerda que puedes pedir lo que quieras. Pero es poco probable que hagan cosas que son realmente raras, que dañen su instrumento o a sí mismas, a la gente que los rodea. O francamente eso son simplemente innecesarios. Si puedes encontrar una forma estándar de hacer algo, por favor hazlo de esa manera. Vas a conseguir mucho más rendimiento es que vas a hacer que el jugador sea mucho más feliz. Dicho esto, vamos a sumergirnos y hablemos primero de armónicos. 32. Armonías: Con todas estas técnicas, realmente hay dos cosas que debes entender sobre la técnica. número uno es ¿cómo suena? Y el número dos es ¿ cómo lo notamos? armónicos son algo difíciles de notar. A veces. Ya has escuchado armónicos antes. Un armónico es cuando un jugador, armónicos trabajan en todos los instrumentos de cuerda. Y es donde tipo de tocas ligeramente la cuerda y obtienes una, luego lo inclinas y obtienes un tono diferente. A veces es como una octava más alta, a veces es incluso más alta que eso. Y solo usa la física natural de la cuerda. Es un sonido muy puro. Es casi como un silbato. Déjame ver si puedo conseguir uno con mi mala técnica. Ahí vamos. Eso es un armónico. Ahora hay dos tipos diferentes de armónicos. Hay armónicos naturales y armónicos artificiales. Armónicos naturales es cuando solo pones el dedo hacia abajo en la cuerda, o lo siento, tocas la cuerda en un punto específico, y eso producirá este tono diferente. Se puede ver un gráfico de los que aquí. Tenemos aquí es, aquí está nuestra cuerda G. Vamos a notar el pitch G. A pesar de que ese no es el terreno de juego que vamos a escuchar. Y luego con una cabeza de diamante, vamos a notar dónde poner el dedo. Y esto se está moviendo por la posición del cuello para decirnos dónde poner el dedo. Entonces un paréntesis. Vas a ver la nota que se va a producir. Tenemos la cuerda abierta. No vamos a tocar la cuerda abierta, pero esta es solo nuestra forma de decirles que queremos esa cuerda abierta. Queremos que nuestro dedo ahí nos muestre el armónico que queremos conseguir. Entonces quieres mostrar el pitch que resulta de él. No todos estos son tan fáciles de conseguir como otros. Permítanme decir eso mejor. Algunos de estos son más difíciles de jugar que otros. Cosas que son octavas y quintas, o unisones como esta. Muy fácil de conseguir. Cosas que tienen, que saltan un montón como este. Y esto, estos son los más difíciles que quiere conseguir. Tienes que encontrar este tipo de punto dulce justo ahí dentro y conseguirlo. Así que no les pidan que solo salten a eso. En una nota 16. No va a funcionar. armónicos también son muy tranquilos. No podemos tocar armónicos súper ruidosos. Así que ten en cuenta eso. Aquí está la cadena D, la cadena a y la cadena E. Puedes ver si haces eso, estás recibiendo algunas notas realmente altas. Una mirada justa a esa. Alcance alto. Todos estos son armónicos naturales. Ahora hay otra forma de hacer armónicos. Y ahí es cuando no usas una cadena abierta. En realidad bajaste el dedo en alguna parte. Y luego tu dedo, pones otro dedo delante de ese en otro lugar. Y luego te inclinas esa cuerda y eso produce armónica. Demostramos, si voy a poner mi dedo aquí abajo, consíguelo para que puedan ver. Entonces voy a usar mi tercer dedo aquí y voy a encontrar un armónico. No estoy empujando hacia abajo con esta cuerda, solo estoy tocando la cuerda ligeramente. Yo consigo ese pitch super alto. Eso es armónicos artificiales. Ahora con armónicos artificiales, puedes obtener un armónico de prácticamente cualquier nota. No puedes conseguir armónico antinatural de ninguna nota que quieras. Necesitas buscar qué notas puedes obtener con armónicos naturales. Pero básicamente puedes escribir un armónico para cualquier nodo que quieras. Porque no tienes que distinguir. Hay que decir que esto es un natural y esto es un artificial. Solo tienes que escribirte para notarlo correctamente. Nota, creo que dije esto, pero déjame asegurarme de que lo diga bien. Para anotar un armónico artificial, solo pondrías esta nota inferior, la cabeza de nota real en la nota que quieres que bajen el dedo hacia abajo en su dedo trasero en su el dedo delantero serían los cabezales de notas de diamante. Ahí es donde quieren que detengas la cuerda. Y luego la cabeza de nodo pequeño, la cabeza de mini nota. Va a ser la nota que en realidad escuchamos. La gente no siempre escribe eso, esa cosa superior. La nota que en realidad vamos a escuchar, me gusta escribirla. Me gusta verlo en partituras. Pero no tienes que tener eso en tu notación. Pero es agradable tener. Porque entonces el jugador puede decir, bueno esa es la nota que quieren. Quieren que haga este raro armónico. Puedo hacer un armónico más fácil y obtener esa misma nota. Dejen que hagan eso. Así que dile que tenga en cuenta que quieres escuchar siempre es agradable. Recuerda con armónicos, no son ruidosos. Son muy especie de susurro o un silbato suena muy puro. Levantar el seno, ondulado. Trabaja en casi cualquier cuerda. No escribas pasajes rápidos de armónicos, no puedo hacer eso. Necesitan sentarse y respirar para salir de verdad. 33. Mutos: Hablemos de usar un mudo. Podría conocer el término Ute de trompetas. Trompeta, es muy común tocar con unmute o se pegan algo que se ve como un émbolo en la campana de su instrumento. Es posible que sepas silenciar. Si eres guitarrista, tal vez lo sepas, a veces hacemos algo llamado Paul muting, que es donde pones un poco tu palma sobre las cuerdas solo para conseguir la parte grasa de tu palma en las cuerdas solo un poco apagada. Los instrumentos de cuerda de orquesta también pueden silenciar. Utilizan una técnica un poco diferente. La forma en que notas es muy simple. Simplemente lo escribes normal. Pero al principio de donde quieres el mudo, acabas de escribir con mudo o silenciado. O si quieres ser elegante, puedes escribir con espada, que es abreviatura de concertina, que es la italiana para con mudo. Por cierto. Permítanme decir algo sobre términos. Eres perfectamente bienvenido a usar cualquier término, sea cual sea el idioma que quieras. Si eres hablante nativo de inglés, no escribas todas tus instrucciones de puntuación en italiano, como si no necesites hacer eso. Esa es la vieja escuela. Simplemente puedes escribir en inglés. Pero si eres italiano, siéntete libre de escribir un italiano, pero no hay beneficio real ser elegante y escribir cosas en italiano. Si no lo haces, si no hablas ese idioma, solo tienes que escribir instrucciones de puntuación en un inglés con la excepción, supongo, de cosas como realmente, realmente comunes como Allegro y forte, cosas así. Pero si vas a escribir con mutes, y si eres hablante de inglés, ¿verdad? Con mute, si estás a tiempo de estar aquí, orador ocho cuenta para la cena. Eso está bien. Pero solo escribe en tu lengua materna. Eso está bien. Si alguien no sabe lo que significa algo que está tratando tocar tu música, la buscarán. Eso es lo que la guerra de Google. Silenciar. La forma en que funcionan los mutes de cuerda ya que en realidad no tengo uno, pero es un trozo de goma. Y en realidad se sienta aquí mismo, justo en el puente. A veces lo mantienen aquí atrás y donde no está haciendo nada. Y luego lo sacan y simplemente se lo engancharon. Es más bien como una especie de aprieta. Hace lo que esperarías. Silencia un poco las cuerdas. Así que imagina como un trozo de goma tocando suavemente las cuerdas. Por lo que les da un sonido un poco más oscuro. hace un poco más tranquilos. No es lo más dramático del mundo. Se puede tener algo con mutes encendido y luego no he tocado un montón de notas realmente altas y no va a sonar muy silenciado. No afecta mucho al registro alto. Por el registro medio y bajo. Puede suavizar un poco el sonido, sacar parte de la gama alta fuera de él. Lo importante de los mudos. Necesitan un par de latidos para ponerlo y bajar. Entonces si te imaginas que tienen que hacer, entonces, están sosteniendo un arco ahí jugando, y entonces van a tener que hacer esto. Van a tener que ir a esto, esto, asegurarse de que está ahí justo. Y luego recuperen la posición de la mano de nuevo a la derecha e ir cuatro o cinco segundos, al menos. Lo mismo cuando les dices que se quiten el mudo, van a necesitar hacer esto, este clip lo de atrás ahí atrás, conseguir la posición de la mano lista y salir. Necesitan un par de latidos para ponerse en silencio y bajar. Si les dices que usen un mudo, si dices con mudo, no te olvides. En algún momento hay que decirle que no mudo o que retire el mudo. No mudo. Arena, espada, arenas o Dina, sea cual sea el idioma que quieras usar. Eso es todo. No tienes que hacer nada especial notacional, notacionalmente con ello. Simplemente diles que se lo pongan y luego les diga que se lo quiten. Solo recuerda que va a ser un poco más tranquilo, un sonido un poco más oscuro. Todos los instrumentos de cuerda para tener mudos y más o menos trabajan de la misma manera. Bases usan mute. No puedo decir que alguna vez haya visto un puente base mudo así. Muy poco común. En las bases. Las bases son tan bajas en sonido oscuro, no sé que tendría realmente mucho efecto. Probablemente no. Algo en la base que su común, tal vez me equivoque en eso. Pero en todo el resto de las cuerdas, incluido el violonchelo, muy común usar mutes. Nada extraño en eso en absoluto. 34. Col Legno: Col legno. Este es uno que te va a hacer no muy popular entre los jugadores de cuerdas. Déjame decir eso justo al lado del murciélago. No obstante, veo a muchos compositores jóvenes que derecho, grandes secciones de col legno. No es algo que les guste a los jugadores escritos. Bueno. Tal vez algunos lo hagan, no debería decir todo esto. No obstante, es una de estas cosas que puede dañar al bot. Entonces si vas a pedir alguna sección para hacer col legno, debes darles un poco de tiempo extra antes de esa sección. Por lo que hay que darles un par de barras de descanso. Y entonces se puede decir col legno, porque en ese tiempo, si estás trabajando con orquesta profesional, van a bajar la reverencia. Van a recoger su arco de pechura. Y van a usar eso para col legno. Col legno significa con la madera en nuestro PBO. Tenemos pelo de este lado. Tenemos madera en este lado. Se supone que no debemos usar la madera. La cuchilla, las cuerdas. Madera muy cara. Y es muy delicado. Se supone que debe usar el cabello para jugar las fortalezas. Pero col legno significa usar la madera. Se puede hacer esto de dos maneras diferentes. En realidad se puede ir con la madera, que suena así. Es un tipo de sonido muy vacío. No hay mucho sonido que se produzca con él. Es, simplemente no es un sonido muy agradable. Pero si quieres hacer algo un poco espeluznante, eso puede ser un sonido, déjame ponerme real en mi cuidado. Pero es súper tranquilo. Lo más común que hacemos con col legno son las cosas percusivas. Podrías tener, como se escriben un ritmo y luego decir col legno. Entonces lo que van a hacer entonces es una especie de rebote con la madera. Así que se van a ir. Se les puede dar fotos sobre eso también. Es algo genial porque le da mucho más de un sonido de percusión porque solo están golpeando la cuerda con una, básicamente con un martillo. No obstante, es difícil ser real. Soy precisa rítmicamente. Quiero decir, no puedes ser realmente preciso rítmicamente, pero esto, sostener un arco como este, y hacer cosas percusivas no es lo mismo que sostener un palo como este. Es un poco más difícil hacerlo bien. No me encanta. puede producir algunos sonidos frescos y si quieres hacerlo, debes hacerlo. Pero solo recuerda que no es lo favorito de los intérpretes que hacer. Si quieres hacerlo de la manera que notas que es. Simplemente escribes las cosas con normalidad y luego solo pones la instrucción de puntuación de la cancha con la madera o col legno. Ese podría ser uno en el que usaría col legno a pesar de que soy hablante nativo de inglés porque es solo una especie de estándar. Entonces para apagarlo, típicamente solo usarías, creo que solo usarías la notación o ORD, lo que significa como tocar normal y normal. Ahora, no más col legno. No hay notación especial, solo una instrucción. 35. Ponticello: Ah, y dije, mencionado col legno se puede hacer por cualquiera de las cuerdas. Y en realidad es un efecto fresco en base porque son tan grandes que se derriban. De todos modos. Avanzando. Ponto jello, Monte cello es una de mis técnicas favoritas. Si quieres escribir algo y quieres que suene espeluznante ya que todos salen. Monte cello es lo que quieres. Sobre el violonchelo significa de vuelta por el puente. Entonces este es el puente. Si toco una nota, déjame tocar aquí una cuerda abierta. Esto es normal. Voy a ir justo en esta zona, poco más cerca del inicio del diapasón aquí arriba. Ahí es donde consigo un buen tono, ¿verdad? Pero si vuelvo por el puente, se va a poner chillando. Y te salen todos estos armónicos raros. Permítanme hacer una nota larga. Hay mucha racha, hay un montón de simplemente un poco raro espeluznante. Me han conocido en partituras cuando quiero algo que suene espeluznante, para escribir múltiples jello de Ponto, como mucho, como llegar justo encima del puente con una nota alta. Es que, es como si hubiera un psicópata a la vuelta de la esquina. Todo el mundo sabe eso. Eso se llama Monte cello. Simplemente significa que en el puente apagarlo, encenderlo y notarlo. Acabas de escribir Monte cello o planta P0 y T. Eso es, supongo otro donde acabaría de escribir peón. Yo no escribiría en el puente en inglés. Porque es sólo un término tan común. Para apagarlo, solo puedes escribir 4D o RD para ordinario. También se puede ser un estanque de almas es algo que vemos mucho para, para encenderlo. No necesitas hacer nada más raro con la notación y simplemente escribirla normal. Pero estanque solar, es muy tranquilo. Funciona mejor en pasajes más lentos. Funciona muy bien con trémolo. Las plantas de Tremolo serían serían agradables y espeluznantes. Sí, todas las cuerdas pueden hacerlo. Es bueno. Sonido espeluznante. Me encanta usarlo. 36. Glissando: Muy bien, glissando. Puede que sepas lo que esto significa ya. Eso significa que sólo va a deslizarse por una cuerda como esta. Está bien, genial. Ahora, cuando escribes estas, pueden ser un poco más complicadas de escribir de lo que piensas. No se puede escribir solo en una nota alta y decir glifos entre los dos. Aquí es donde realmente importa pensar en el rango de cada cadena. Porque si quieres un sonido suave de nota baja a una nota alta, eso solo va. Entonces no puedes dejar que crucen cuerdas entre sí. Por ejemplo, digamos que quería pasar de esta nota, esta nota, hasta este nodo en la siguiente cadena. Lo que tendría que hacer es ir. Entonces tendría que cambiar cadenas entre sí. No quiero cambiar columpios y cuerdas entre sí porque simplemente no hay forma de que eso sea un vidrio liso hasta el final. Entonces si realmente quiero que sea suave, necesito encontrar la nota más alta y la nota más baja en la misma cadena. Entonces puedo llegar hasta allá arriba. Cuando escribas un glissando, si quieres esa cosa suave e intacta, busca eso. Intenta encontrar un lugar a las notas que puedes conseguir en la misma cuerda. La forma en que lo escribes son sólo dos notas. Tú, la nota inicial, tienes razón con la duración de los glifos. La nota final puede tener el ritmo que quieras. Entonces una línea que los conecta. Permítanme realmente mostrar eso. Eso podría ser un poco complicado. Si quiero 12 Últimos dos latidos, podría hacer esto. Podría decir ir de C a este G. Ahora lo que eso va a hacer, déjame conectarlos. Lo que esto me va a decir que haga es empezar en esta nota y usar dos latidos para glifos hasta esta nota. Y luego cuando llegue a esta nota, quédate en esta nota por el resto de la medida. Entonces este es un glifos de dos latidos. Aquí. Este es un error muy común que la gente comete. Si quieres que tomen toda la medida para levantarse a esta nota de lo que realmente quieres. Para deshacerse de eso. Haz de esto una nota completa, y luego pon su nota de destino en cualquier ritmo que quieras que sea. Así. Y luego los glifos, solo dibujas una línea entre las dos notas. Puedes escribir glifos. No es necesario escribir glifos. Se supone más o menos que si hay dos notas en línea recta entre ellas, los glifos. Puedes escribir notas a lo largo del camino. Eso es un poco más trípido, pero básicamente se puede decir como, digamos que quería que esto y bajara y subiera y bajara. Podrías hacer esto. Entonces conecta todos estos con un glicerol. Va a estar reluciendo por todo el lugar, arriba y abajo y arriba y abajo. Va a dar la vuelta a la habitación. Y Linda G, puedes hacer esto totalmente. Una cosa que podrías considerar hacer aquí es deshacerte de la cabeza de la nota. Esto es, no estoy exactamente seguro de cómo hacer esto en MuseScore. Yo podría hacer esto, creo. Veamos. Tal vez cambiarlo a eso. Un triángulo, cabeza de diamante. Cualquier cosa que sea una cabeza de nota de aspecto diferente. Lo que eso me va a decir que haga. En realidad, x sería mejor ¿Tengo un cabezal de nota X? Pero esto también funciona. Bueno. Esto me va a decir es que realmente no me importa este pitch g Esto significa subir a alrededor ese rango y luego sobre abajo a ese rango, en aproximadamente hasta ese rango, y luego aterrizar en que G. Vas a escuchar, esto va a sonar como que va a ser disonante ya que todos salen. Porque si escribes esto para la sección de violencia, porque no todos van a ir al mismo lugar al mismo tiempo. Vas a tener este tipo de caos y va a ser algo genial. Pero así es como escribes un egoless. Ahora realmente no pensé en conseguir todos estos en la misma cuerda, lo que realmente no se puede hacer. Pero yo querría repensar eso. Creo que eso es todo para los glifos. 37. Vibrato: De acuerdo, solo real brevemente, vibrato. Vibrato es ese sonido que todos ustedes conocen de grandes cuerdas exuberantes. Vibrato es el valor predeterminado para las cadenas. Eso significa que si escribes una línea grande y hermosa o simplemente como una nota que se está reteniendo por un tiempo. Vas a ponerle un poco de vibrato, ¿verdad? Entonces es, el terreno de juego se va a mover un poco. Eso es justo lo que suena bien en las cuerdas. Eso se remonta a esa cosa de me gusta, si sólo le dices a las cuerdas que toquen el medio C, va a sonar genial. Van a sumar un poco de vibrato. Va a ser hermoso. Ahora lo mencioné por rhabdo porque puedes jugar un poco con él. Si quieres que algo sea igual que realmente puro y aun así como el vidrio, puedes decir que no vibrato. No se puede decir simplemente sostenga esa nota. Podría hacer eso si estuviera escribiendo un gran acorde que era como, realmente como chelo golpeado, y quería simplemente ser oscuro y espeluznante. Podría escribir también no vibrato. También puedes decirles vibrato múltiple si querías sonar locos, simplemente correr alrededor, alrededor, alrededor, alrededor de la rampa r1. Usa una tonelada de erato en esto. O si quieres volver a la normalidad simplemente dirías 4D o la palabra vibrato. Por lo que solo recuerda que vibrato se puede utilizar como un efecto fresco. Se puede decir que no vibrato, molto vibrato. Sólo vibrato normal. Y sobre todo cuando se combina con algunos otros efectos como el violonchelo punteado puede ser genial. Dime que piense. 38. Scordatura: Vale, Por último pero no menos importante, anotó en Europa. Ahora digo por último pero no menos importante, hay toneladas más efectos que se pueden hacer. Aquí es donde tal vez tener un libro de texto de orquestación para referencia sería útil. No voy a pasar por todas las cosas. Apenas pasando por algunas de las cosas más comunes que creo. Pero hay toneladas y toneladas más. Puedes hablar con cualquier reproductor de cuerdas. Y realmente no hay reglas sobre esto. Puedes pedirle a alguien que haga lo que quieras. Como dije, es sólo cuestión de lo que van a hacer. ¿ De acuerdo? Anotado en Europa. No hagas esto en una orquesta. No hagas esto en una orquesta. Todavía no lo harás. Puedo decir que con casi un 100% de certeza anotada, un jurado es una manera elegante de decir, pidiendo al jugador de cuerdas que vuelva a sintonizar su instrumento a una nota diferente. Mi nota más baja es que G, la cuerda baja abierta sobre un violín. Como tal vez quería conseguir una F debajo de eso. Podría decir, bueno, solo afina tu G a una F. Esto es mayormente problemático. En primer lugar, va a requerir detenerse ante tu pieza y volver a tocar. Eso lleva tiempo. Todos tienen que sintonizar juntos. Las cuerdas tienen que sintonizar, y luego tienen que sintonizar con el resto de la orquesta. Se necesita tiempo. En segundo lugar, recordemos que estos violines y cellos y violas y bases son, algunos de ellos son instrumentos de 1 millón de dólares. Gente que juega en grandes orquestas. Tienen instrumentos que valen más de un millón de dólares. Son piezas de maquinaria muy delicadas. Esa pieza muy delicada de maquinaria está diseñada para tener tensión en las cuerdas sea de cierta manera. Y es tan delicado que si lo sintonizas con algo diferente, puede meterse con el instrumento. Si les pides que se retoquen con algo diferente, en el mejor de los casos, en el mejor de los casos, vas a conseguir que saquen su violín modelo estudiantil y usen eso, lo que significa que no va a tener el mismo tono. No va a sonar muy bien comparado con su instrumento real. Simplemente no va a pasar. Ahora, si estás escribiendo una pieza solista para violín o cualquier instrumento de cuerda, y tienes un jugador que dice, sí, realmente me gusta volver a tocar cosas. Tengo este viejo violonchelo y me gusta volver a ponerlo. Entonces por todos los medios se puede hacer eso. Se puede hacer eso totalmente. Pero en una orquesta, no podía recomendar lo suficiente para no hacer esto. No les pidan que se retoquen, simplemente no lo harán. Creo que eso es todo lo que necesito decir sobre esa puntuación a Ciara. 39. Cómo estos trabajos: Vale, es hora de pasar a los vientos de madera. Woodwind es un grupo grande y contiene muchos instrumentos diferentes. Ahora su huella dentro de la orquesta es en realidad más pequeña que las cuerdas. Porque típicamente con vientos de madera, sólo tenemos 12 aparte, o sólo tenemos 12 aparte, periodo. Entonces, si tienes una línea de flauta en la partitura de orquesta, eso suele significar que solo una persona está tocando esa línea. Es diferente a las cuerdas donde podría tener diez personas tocando violín. Uno. Si quieres tener dos flautas, lo cual es muy común, tienes fluido uno y fluido dos en la partitura. Cada uno obtiene su propio personal en el marcador. Podrías tener tres fluidos. más común es tener lo que se llama vientos y 2s donde básicamente tienes que hacerlo, básicamente tienes todos los instrumentos de viento, dos partes para todos los instrumentos de viento. Así que tienes dos flautas a jugadores oboe, a cualquier clarinete jugadores a futbolistas de fagot. Dicho esto, los instrumentos de esta familia incluyen flautas, oboes, clarinetes, fagotes. Esos son los principales. Voy a incluir saxofones en esta sección dos, no es común tener saxofones en una orquesta. saxofones no forman parte de la orquesta. ¿ Por qué? ¿ Por qué es eso? ¿ Por qué los saxofones no están en nuestra orquesta? En realidad me gustó mucho el sonido de los saxofones en una orquesta. Podría hablar de eso más tarde porque tengo algunas filosofías en ello. Pero la razón por la que creo que los saxofones no son una parte regular de la orquesta es porque los saxofones o saxofones nuevos son en realidad sólo como una edad de 100 años. Entonces Adolf Sax fue el inventor del saxofón. No sé exactamente cuándo lo hizo, pero no es hace tanto tiempo. Te sorprendería. La orquesta como conjunto, la orquesta moderna incluso ha existido mucho más tiempo de lo que tiene el saxofón. No son saxofones dao comunes en una orquesta. No obstante, puedes ponerlos en una orquesta. Puedes pedirles que estén en la orquesta. Hay muchas piezas que ustedes saxofones en la orquesta. No es inaudito poner saxofones en tu orquesta, pero no es estándar. Pero vamos a hablar de saxofones todos modos, porque me gustan los saxofones. Ok. Entonces, ¿cómo funcionan los vientos? El uso de los vientos de madera, cada instrumento utiliza una de tres técnicas diferentes. Existen tres técnicas diferentes que se utilizan para producir el sonido. La primera forma que diríamos es soplar aire sobre un todo. Así funciona una flauta. El fluido tiene un pequeño agujero en él y soplas aire no en el agujero sino sobre el conjunto. Y que la mayor parte del aire pasa toda la suma del aire entra en el agujero, y eso crea una vibración que hace que el sonido suceda. El segundo camino es soplar aire sobre una lectura. Como el clarinete. En el clarinete. Este clarinete no tiene una lectura en él. Esto no es un clarinete adecuado para la planificación. Esto básicamente se sienta en una pared. Pero lo agarré sólo con fines de demostración. Normalmente iría aquí y se puede ver que hay un agujero aquí. Entonces la lectura lo repasará y vamos a soplar de esta manera. Y algo del aire lo pasaría por encima y parte del aire entraría debajo de él y entraría en ese hoyo. Y que Reid vibraría desde las diferentes cantidades de aire a cada lado del mismo, y eso crearía el sonido. Por lo general, esta es una declaración muy amplia, pero típicamente, los instrumentos donde soplas sonido sobre un todo crean un sonido sinusoidal muy puro como la flauta. Instrumentos donde sonan sobre una lectura como los clarinetes. Los saxofones también funcionan de la misma manera. Crea un tipo más de squawks o sonido *****. Pueden ser realmente hermosos, pero es, si comparas todos uno lado a lado, dirías que es un poco conseguido un poco más de una sentadilla a ella. Entonces la tercera forma es con un par de lecturas donde hay dos lecturas tipo de intercaladas entre sí y soplas en ambas lecturas y empiezan a revolotear empiezan a revolotear por el error en medio de las dos. Y eso produce el sonido. Porque, o fagotes y oboes, llamamos a esos instrumentos de doble caña. Esos tienen un poco más como un sonido nasal para ellos. Nuevamente, eso es, eso suena peor de lo que es. Oboes y fagotes pueden ser instrumentos realmente hermosos para decir que hay sonido nasalmente no es exactamente justo. No obstante, en comparación con los tres, son algo sonando nasal debido a ese mecanismo de doble caña. En realidad me encantó el fagot ellos tan pronto como uno de mis instrumentos favoritos en la orquesta. Simplemente tiene unos sonidos hermosos, muy difíciles de tocar, pero porque ese mecanismo de doble caña es simplemente un poco complicado. Pero un buen fagot jugadores pueden simplemente ser absolutamente magníficos. Entonces esos son los instrumentos de los que vamos a hablar en esta sección, los vientos de madera. Ahora puede preguntarse, por qué se les llama los vientos de madera, pero no todos están hechos de madera. Al igual que el fagot está hecho de madera. oboes tienen algunos de madera ellos. Clarinete a veces están hechos de madera. Las flautas no tienen madera en ellas en absoluto. Están hechos de metal u otras cosas. No sé por qué es eso. Los llamamos los vientos de madera. A veces solo les llamamos los vientos. A menudo sólo digo vientos. Pero su nombre completo son los vientos de madera. Que tengan madera en ellos o no. Es justo como es. Hablemos de un par de cosas peculiares sobre los vientos de madera. 40. Notas y respiración sostenible: Vale, entonces una de las cosas más grandes que es diferente entre los vientos de madera en las cuerdas es respirar. Los vientos de madera necesitan usar aire que sale de su boca para hacer el sonido, lo que significa que necesitan respirar. Entonces es un poco como el tema de fatiga en la mano derecha de las cuerdas donde dijimos que no puedes hacer como trémolo es todo el día porque su brazo se pondrá realmente, realmente cansado y se caerá. Es un poco así, pero es aún más. Instrumentos de viento. Los jugadores tienen que respirar. Es sólo muy común. Los jugadores tienen que respirar. Y el tema de la fatiga en realidad no desaparece. Se fatigan si les dices que hagan lo mismo por una cantidad de tiempo realmente larga, incluso si les das respiraciones. No va a funcionar muy bien. Pero lo más complicado es que si quieres escribir esta larga hermosa cosa lírica para un clarinete, puedes hacer eso, pero tienes que darles manchas donde puedan respirar. De lo contrario simplemente no van a poder jugarlo. Ahora hay un par de maneras alrededor de eso. Primero, pueden respirar bastante rápido. Si estás jugando y te quedas sin aire. Mira qué tan rápido puedes recargar tus pulmones. Como ver esto. Simplemente fingiré que estoy jugando. Lo puedes hacer en probablemente una octava nota dependiendo de tu tempo. No necesitan medidas a la vez para respirar. Sólo necesitaban una octava nota aquí y allá. Puede pasar bastante rápido, pero necesitan ese descanso. Si no les das uno, van a tomar uno. Es mejor para ti orquestar donde quieres que respiren dándoles un descanso de vez en cuando. De lo contrario, solo van a encontrar un lugar donde puedan tomar un respiro, lo que significa cortar una nota corta, generalmente, a veces llegando tarde en una nota, generalmente cortando una nota afilada. Ahora una cosa me preguntan todo el tiempo y no sé por qué es eso, por qué es esto, pero me preguntan todo el tiempo sobre la respiración circular. La respiración circular es esta técnica que los jugadores de viento pueden usar donde básicamente pueden sostener una nota para siempre. Pueden. La forma en que funciona es que explotan usando sus pulmones. Exhale de sus pulmones, y luego respiran por nariz al mismo tiempo y llenan la boca de aire y luego usan sus mejillas para empujar ese aire hacia fuera. Y entonces básicamente siempre están chupando aire por la nariz, llenando sus mejillas, y luego empujándolo hacia fuera. Y eso lo hace para que puedan respirar como en un círculo y nunca detenerse. Siempre pueden ir porque constantemente están empujando aire por la boca y dentro por la nariz. Es genial. Es un truco genial. No se puede esperar que un jugador de orquesta pueda respirar circular. Si les pides que respiren circular , simplemente no va a suceder. Eso no es algo estándar. Si deciden respirar circular usando tu pieza, eso es genial. Pueden hacer eso. Pero no se puede contar con que puedan hacer eso. Y esperar que en una orquesta no es bueno. Eso es una cosa solista. Eso es lo que creo que Kenny G hizo famoso por. Tocó como una sola nota durante tres horas, lo cual no es difícil. Al igual que si puedes respirar circular, podrías tocar una nota durante cuatro horas solo cuestión de aburrirte. Estás literalmente como una especie de pie ahí haciéndolo. No para platicar en Kenny G, Pero de todos modos, saca la respiración circular de tu cabeza por escribir para orquesta, no algo que sea común, no algo que puedas esperar. Si bien puede ser común que los jugadores puedan hacerlo, muchos jugadores pueden hacerlo, pero no se les puede pedir que lo hagan en una orquesta. Y ya sabes lo que la respiración circular es extrañamente ruidosa. Porque tienen que hacer esto. Tienen que soplar. Y luego si miras un video de alguien que respira circular, tienen que inhalar por la nariz al mismo tiempo que soplar por la boca. Y este proceso de pasar por la nariz. Es realmente bastante ruidoso. Van así. Todavía están jugando y tienen esta cosa enorme por la nariz. No es algo agradable. No lo hagas. Dale a tu gente, dale a tus jugadores manchas para respirar. Es algo que hay que pensar la forma en que hago esto y hablaremos más esto cuando entremos en la porción de orquestación de esta clase. Pero una de las cosas que hago es que no pienso mucho en las respiraciones. Cuando estoy escribiendo una pieza, acabo de escribir. Pero después de terminar con el primer borrador de la pieza, volveré a través y seguiré la línea de flauta todo el camino y pensar en respiraciones, luego modificar las cosas de una manera que lo haga. Entonces si hay algún lugar donde no puedan respirar fácilmente, tienen la oportunidad de hacerlo. Hago eso por todos los vientos y el latón a brasses tiene el mismo problema. Ok. Eso es eso. Vamos a seguir adelante. 41. Tonguing y ritmo: Vale, un par de pensamientos rápidos sobre el lenguaje y el ritmo. Entonces hay básicamente dos formas en que los jugadores de viento pueden jugar ritmos más. Y estoy hablando de ritmos más rápidos. Una es regular su respiración, ir, empujar la respiración en un ritmo. Esa es la forma obvia, pero otra forma es a través de tirones. Así que eso sería como si estuvieras tocando una flauta, tienes el agujero ahí, ¿verdad? Bueno, flautas. Sí, vamos a usar el azul. Con una flauta mientras podrías hacer es usar tu lengua para tipo de taponarte la boca. Constantemente estás empujando aire hacia fuera, pero con tu lengua, vas a hacer que el aire se detiene. Entonces cuando tu lengua está en la posición correcta, eso te puede conseguir ritmos un poco más rápidos. No necesitas pensar en esto tanto cuando estás escribiendo, excepto decir que puedes hacer ritmos bastante rápidos y complicados con los vientos. Porque si no solo pueden controlar sus pulmones en el ritmo correcto, pueden usar el lenguaje para obtener ritmos rápidos e intrincados. Es cierto en todos los instrumentos de viento en un clarinete, realidad podrías tocar tu lengua al lector para evitar que vibre y luego puedes ir y hacer cosas más rápidas. Incluso he visto a gente rodar la lengua para conseguir un ritmo realmente rápido. Nada de lo que tengas que preocuparte demasiado. Solo quiero señalar que puede haber una buena cantidad de complejidad rítmica en los vientos por eso, eso no significa que tengas que escribir de esa manera. Simplemente significa que eres libre de escribir como quieras. No hay mucho en lo que tengas que pensar. Para el ritmo. 42. ¡Transposiciones!: De acuerdo, con vientos, sí necesitamos empezar a pensar en la transposición. Esto consigue NA antes a medida que nos metemos en los diferentes subgrupos de los instrumentos. Por ejemplo, la flauta. La flauta está en C. No es un instrumento de transposición. Eso es genial. Pero ahí está el piccolo que transpone en una octava. Ahí está la flauta alta, que está en G, creo que sí Transpone una rara. Ahí está la flauta E-flat que transpone. Hay flauta de bajo que transpone, que está en C, pero transpone por una octava, creo. Y está escrito en clef agudos. Podría incluso, eso podría ser transposición de dos octava. Ahora piénsalo. Hay muchas variedades diferentes de cada uno de estos instrumentos. Clarinete tiene los clarinetes en B flat, pero también hay un clarinete E-flat y una a, un clarinete. Entonces un clarinete bajo. Hay muchos instrumentos diferentes en el cada uno. No siempre cada uno tiene una transposición diferente, pero a menudo lo hacen. Hay muchas transposiciones para hacer un seguimiento de aquí hablaremos de ellas a medida que suban. Pero solo sé que cuando, a menos que diga explícitamente que estoy hablando del tono transpuesto, estoy hablando del pitch del concierto. Eso significa que tenga en cuenta que vamos a escuchar. Porque así es como pienso. Porque de nuevo, nunca conseguir una transposición. Cuando escribo cosas, siempre estoy escribiendo en tono de concierto y después lo transpongo más tarde. A pesar de que eso me hace, no lo sé. Tal vez, tal vez eso me convierte en un mal compositor, pero creo que sólo me pone mal en la transposición y estoy perfectamente bien con eso. Ya sabes lo que hago también por transposición. No creo que haya dicho esto antes, pero también tengo a alguien refrenado por transposiciones. Como si cuando esté trabajando con una orquesta, lo escribiré todo y lo veré, la transpondré. Voy a pasar y me aseguraré no salí del rango de ningún instrumento. Y luego enviaré particiones a un amigo mío que es mucho mejor en transposición y diga: ¿ Puedes leer sobre estos y asegurarte de que todo se transpone correctamente? No me gustaba ir por el camino equivocado, pesar de que la computadora lo haga, tengo a alguien más lo revisó solo para asegurarme la computadora lo haga mal, lo que ha sucedido. Así que ten en cuenta eso. transposiciones están llegando con toda su fuerza. 43. Los tipos de flotas: Vale, hablemos de la flauta. Primero. Quiero hablar de los tipos de fluidos. Y para todos los instrumentos de viento de madera, existen múltiples tipos de ellos. Por cada instrumento. Una cosa en la que querrás pensar es duplicar. Hay, en una orquesta, hay ciertos instrumentos en los que puede pedir a alguien que se duplique. Flauta y piccolo es bastante común. Así que hablemos los diferentes tipos de fluidos entonces volveré a ese tema de duplicación Simplemente muy rápido. El piccolo. Piccolo, la flauta muy pequeña, Es extremadamente alta. Es como el instrumento de viento de madera más alto que tenemos . Es una flauta diminuta. Básicamente, es muy alto, es muy penetrante. Es sólo cortes. Tenemos el fluido alto, tipo de lo contrario a un piccolo. Esto es más bajo que una flauta normal. Es un sonido muy cremoso, es un sonido muy cálido. Es un sonido precioso, pero es notoriamente un poco tranquilo. fluidos Alto son buenos para como un buen pasaje en solitario en una pieza de orquesta. Pero tener todo un conjunto jugando. Y luego la flauta alta mezclada ahí, nunca la vas a escuchar. Es un instrumento bastante tranquilo, pero es un sonido realmente hermoso. Por una línea en solitario. La flauta baja de nuevo, una bastante poco común en una orquesta. Será un sonido muy tranquilo, realmente genial, pero difícil hacer uso de una música orquesta. Diversas flautas de madera. Yo realmente no llamaría a estas flautas, incluso estas no son algo que alguna vez lo encontrarás una orquesta, no debería decir nunca, pero muy raramente. Flauta soprano e-plana. Esta es una flauta transposición. Esto también es muy raro. No creo que lo encuentres en una orquesta ni esperes tener esa orquesta interior. Y de la forma normal. Entonces la flauta de concierto es el fluido normal. lo que llegamos a conocer como un fluido. Está en C, su fluido estándar. Todas las cosas siendo iguales si solo dice flauta, esta es la que estás escribiendo. Este sitio web dice fluido plástico. Yo llamaría a eso una grabadora. Creo que la mayoría de la gente llamaría a eso una grabadora. No se puede pedir grabadores. Regresar a lo de duplicar. Por lo que tienes un flautista en tu orquesta. Probablemente tengas que hacerlo. Esos jugadores de flauta, se puede esperar que duplique probablemente dos instrumentos. Por lo que puedes pedir al flautista en algún momento que cambie los instrumentos a una flauta alto o Piccolo. Ahora probablemente también tengas un jugador de piccolo dedicado. Si los quieres. No tienes que usarlos. Pero en vientos estándar, tienes piccolo y dos flautas. Por lo que técnicamente tres flautas. No querrías pedirle al jugador de piccolo que tocara flauta normal. Pero podrías pedirle a la flauta, una de las partes de la gripe, cambie a flauta alto si quisieras, tendrías que darles tiempo. Nuevamente. Tendrían que bajar su líquido y recoger otra flauta de bajo pickup. Pero ese es un medio de duplicación bastante estándar podemos pedirle a ese jugador que haga eso. Pero pedir al flauta que recoja un par de platillos de choque no es una duplicación estándar. Eso no es algo que puedas hacer. No van a hacer eso y hay reglas en contra de eso. Si alguna vez estás en duda , busca dobles estándar cuatro, y en el instrumento que estás buscando. Y podrás encontrar lo que puedes pedirles hagan con bastante facilidad. Aparte de su principal cosa. Pero también recuerda que lo principal es lo principal por una razón. Entonces si hay flauta, se aceptan especialmente bueno en flauta, no flauta alto. A pesar de que van a ser bastante buenos en última instancia. Hablemos un poco más de las flautas. 44. Las flotas: rango y sonido: De acuerdo, Así que este es el rango de tus chupas de concierto estándar. La nota más baja es C. El nodo más alto es que F. Y ese ocho VA significa una octava más alta, por lo que en realidad es una octava más alta. Camino arriba. Sus fluidos pueden llegar altos. Piccolo puede llegar aún más alto. Alto fluidos menos altos y fluidos base obviamente menos bajos. Ahora lo realmente interesante de la flauta es que tiene una curva dinámica muy prominente, lo que significa que abajo en su rango bajo, Es muy tranquilo. Entonces es de rango superior, es extremadamente ruidoso. Creo que sólo tiene que ver con la cantidad de aire que se necesita para hacer una nota. Si quieres hacer una de estas notas bajas, tienes que ser un poco delicado y justo como conseguir esas notas bajas. Y para conseguir esas notas altas, tienes que volarte las agallas para conseguir esas notas altas. Si escribes esta nota, este C, doble forte, todavía no va a ser muy ruidoso. Si escribes esta nota en pianissimo, Todavía va a estar gritando en voz alta. Las cosas se vuelven más fuertes a medida que se hacen más altas. Eso suele ser cierto para la mayoría de los instrumentos. Pero es especialmente cierto en los fluidos y esto es cierto para todos los fluidos. Una queja que escucharás de los jugadores de flauta todo el tiempo, que tuvieron algún paso difícil de jugar en una pieza. Estaba escrito muy bajo. Eso no significa que no suene genial. Y eso no significaba que no fuera divertido jugar porque les gustaba jugar ahí abajo y son de menor alcance. Pero sí significa que nadie va a escucharlo. Como si lo tienes, sin embargo, la flauta y es de menor alcance, haciendo algo realmente genial. Y se duplica con una trompeta. Incluso si le dices al fluido sea forte y la trompeta sea piano, aún no vas a escuchar ese fluido si está adentro, es de bajo alcance. Y así el flautista tocó esta cosa genial, pero nadie lo escuchó. Y eso los pone tristes. Básicamente. Nunca escribas música para un instrumento que no esté bien equilibrado para que la gente no lo oiga porque entonces solo estarán gruñones. Habrá como, ¿por qué me molesté en aplicarlo? Nadie va a poder escuchar esto. Esa es una gran queja de un rango bajo de la flauta. No obstante, permítanme decir también que el rango bajo de la flauta es realmente hermoso. Es un sonido realmente genial. Solo hay que tener mucho cuidado cuando escribes para ello que no hay mucho más pasando. Digamos que escribiste este genial solo para la flauta y estaba en su rango inferior. A lo mejor tenías las cuerdas sosteniendo un acorde, solo el resplandecimiento. Podrías, cuando todos eran pianissimo, todos estaban muy tranquilos. Y tenías esta flauta en solitario y es de bajo alcance, tal vez puedas escuchar eso. Eso podría ser un uso efectivo. O tal vez solo tienes los amarillos sosteniendo acuerdo. Eso puede ser un sonido fresco a eso es especie de una de las definiciones de orquestación es que está escribiendo cosas de una manera que la orquestal trabaja en conjunto realmente bien, no escribiendo un pasaje bombástico para los fluidos realmente bajos. Ahora esta también es una de esas cosas que es realmente interesante sobre la restricción del synth. Porque puedes hacer trampa. Puedes hacer que ese bajo fluido sea lo más ruidoso de la orquesta más fuerte que el latón. Sólo por mezclarlo. Se puede hacer eso con cosas de computadora, pero en una mezcla real, en una orquesta real, no se puede hacer eso. Nunca lo vas a escuchar. Entonces, algo que pensar con las flautas. Hablemos del oboe. 45. Los tipos de Oboes: Ok, el oboe es nuestros primeros instrumentos de doble caña. Entonces tiene que realmente tipo de tiene un poco más de un sonido nasal a él. Pero no te perturbes. Ese puede ser un sonido realmente hermoso en el contexto correcto. Hay algunos tipos de oboes, y en realidad hay muchos ellos que acabo de mirar hacia arriba como cosas de las que nunca había oído hablar. Porque la historia del oboe se remonta a la antigüedad. Pero lo principal, en realidad solo hay dos que nos preocupan con la orquesta moderna. Y ese es el oboe estándar o el oboe concierto. El cuerno inglés. El cuerno inglés suele obtener su propio jugador y su propia línea. Creo que es un doble, una duplicación estándar donde se puede pedir a un jugador oboe que juegue el cuerno inglés, pero podría equivocarme. Tal vez tenga que mirar hacia arriba. El cuerno inglés es un poco más grande. Tiene esta divertida campana en forma, y tiene un tono un poco apagado. Es menos nasalmente. Puede ser un sonido realmente genial. Normalmente en una orquesta, si quieres un cuerno inglés, escribes una parte de cuerno inglés. No duplicar el oboe, pero creo que puedes, como acabo de decir, el propio oboe. Vamos a una foto de un verdadero Oboe. Se parece mucho a un clarinete. Encuentra el oboe moderno aquí. Aquí vamos. Parece un clarinete. Por lo general es negro. Tiene muchas llaves y válvulas en él y luego tiene el mecanismo de doble caña. Aquí. Notarás una de las grandes diferencias es que en un clarinete, tienen esta boquilla que protege un poco la lectura. Pero en un oboe, tienen, las dos lecturas son una especie de sentadas intercaladas juntas y simplemente están al aire libre. Encontrarás jugador de Oboe gastando muchas veces chupando sus lecturas, no realmente chupando, sino para trabajar, correcto. Son los dos. Esas lecturas necesitan estar mojadas. Por lo que estarán haciendo esto por un tiempo antes de que jueguen. O a menudo, tendrán como un pequeño bote bajo el stand de música. A menudo los veo usando como un viejo como un bote de cine de la vieja escuela o algo con agua en ella y tendrán sus lecturas empapadas en eso. De todos modos. El inglés Warren trabaja de la misma manera. En cuanto a las lecturas. Es un instrumento de doble caña. Creo que eso es todo lo que tenía que decir sobre los diferentes tipos de oboes. Puedes encontrar todo tipo de diferentes. Pero los realmente los únicos que surgen normalmente en la orquesta moderna es el oboe, el concierto oboe que acabamos de llamar oboe, y el cuerno inglés. Hablemos de la gama y cómo suenan estos en realidad. 46. El obo: rango y sonido: De acuerdo, los oboes están en la clave de C, No están transponiendo instrumentos, aunque inglés advierte AR. Y rango VR es más o menos este B flat hasta G, veces a, decimos, esta es una de esas cosas que son pro player puede chirriar algunas notas extra en la parte superior allí. Pero el lado bajo es finito. Hay algunos trucos raros que un jugador profesional puede hacer para obtener una nota debajo de eso. Creo que eso es cierto en muchos instrumentos de viento, pero no son estándar y no debes escribirlos. Recuerda que tenemos claves para notas individuales, por lo que no hay llave inferior a esa plana B. Pero puedes inclinar tu cabeza hacia abajo y tipo de inclinarte un poco, pero creo que tal vez no en un oboe. De todos modos, B pisos o nota más baja. Vamos con eso. G es la nota más alta. Estas se ponen bastante altas, no casi tan altas como las flautas, pero se ponen bastante altas. El rango dinámico, como lo que estaba hablando con los fluidos no es tan pronunciado con YOLO. El oboe puede ser hermoso y es un registro tranquilo y porque es tan bullicioso, realmente puede atravesar incluso cuando está tranquilo. A diferencia de la flauta. E incluso cuando está en su registro inferior, puede cortar a través de tipo de, bueno, su rango superior no está gritando en voz alta. Nunca juegan gritando en voz alta. No creo que solo puedas soplar como fuerzas completas en un oboe. trompeta candidata afortunada, creo que leerás, sólo se dividirá antes de que consigas ese tipo de volumen. Por lo que no se ponen extremadamente ruidosos. Pero incluso en su registro superior, es casi como si sabes algo de música electrónica, siempre pienso en oboes es tener un compresor incorporado. Al igual que ellos, llegan a esas notas altas y hay algo que evita que realmente se ponga gritando fuerte como él. Es como un compresor autorregulador. Demasiado raro. Hasta ahora. Realmente no te he tocado sonidos de ninguno de estos instrumentos porque asumo que sabes cómo suena la violencia y el violonchelo de repente, pero tal vez no sabes cómo suena el oboe. Aquí tienes un pequeño video. Sólo voy a tocar un pelo de esto para darte un poco de sabor de ese sonido nasal del oboe por sí mismo. Comenzó la vida en la Edad Media como un muy buen empleado y algunas cosas. Pero está cerca y publicada. Se descompone en tres notas, empezando por nosotros y trajo dos. Y luego agregaré vibrato. En algunos países. 47. Los tipos de clarinets: Muy bien, hablemos del clarinete. Esas son estas cosas. Hay un montón de clarinetes diferentes. No obstante, solo 2.532, digamos, que son realmente comunes en la orquesta que encontrarás. El más común es éste. Este es el clarinete B-flat, vale, así que es un instrumento transposición y B flat. Típicamente se vería esto notado como solo clarinete o clarinete en clarinete B plano o B-flat. Es el clarinete estándar. El otro clarinete que es muy estándar, y la orquesta es el clarinete bajo. Eso se ve así. Es más grande. Es significativamente más grande de lo que esta pequeña bola se sienta en el suelo. Y esto va a la boca del jugador y se sientan mientras lo juegan. El doble de longitud, tal vez un poco más. Clarinete normal. El cliente base, ese es un sonido hermoso. Obviamente es mucho, mucho más bajo. Es como casi un sonido sensual. Lo pienso como el clarinete en sí es un sonido muy maleable. Se mezcla con todo lo demás realmente bien. No es como el oboe donde es como realmente brillante y le tiene ese sonido nasal. El clarinete es mucho más cremoso y se puede utilizar. Me gusta usarlo como una especie de pegamento y un acorde. Ya sabes, donde solo puede rellenar notas y no destacarse. Pero si quisieras destacar, puede destacarse. Más sobre eso en el siguiente video. El otro clarinete que es común, pero es posible que nunca escribas para ello, es el un clarinete. El, un clarinete se parece mucho a éste. De hecho, si estuvieran en una línea, probablemente no podría decir la diferencia con solo mirarla. El, un clarinete tiene un sonido un poco diferente. Está transpuesto diferente. Oh, debería decir que el clarinete bajo es B plana transposición también. El clarinete es obviamente una a. Es sólo un sonido un poco diferente. Se puede pedir un clarinete. Eso es una duplicación que se permitiría. Puedes pedirle a tus clarinetes B-flat que agarren un, un clarinete. Probablemente tengan uno en una orquesta estándar. No obstante, yo diría, no hagas eso a menos que estés buscando un sonido muy específico. En el 99% de las situaciones, el clarinete B-flat regular va a funcionar muy bien para ti. Entonces hay un montón de otros clarinetes. Hay un clarinete E-flat, hay un clarinete contra bajo, super bajo. Clarinete Contra alto. Hay un clarinete alto. Hay un piccolo, a, D, a C, clarinete bajo. El cuerno de canasta es una especie de clarinete. Ninguna de estas son cosas estándar. Así es como se ve el clarinete. Quieres seguir foto de ella. Ninguno de estos otros son estándar y yo no los pediría en una pieza de orquesta. Tiendo a mis cosas solo bien, para realmente para clarinete B-flat. Nunca he encontrado la necesidad de sacar un, un clarinete. Pero he usado bastante clarinete bajo. Entonces una orquesta muy, muy estándar y. Y si miras alguna partitura de orquesta, partitura de orquesta moderna, probablemente vayas a ver dos clarinetes en la partitura y luego un clarinete bajo. el intérprete se duplique en clarinete No es común queel intérprete se duplique en clarinete y clarinete bajo. Esa no es una duplicación común. Normalmente tienes un reproductor de clarinete bajo dedicado. Um, tal vez en una orquesta muy pequeña, tal vez puedas conseguir esa duplicación, pero no es una duplicación típica. Pero es típico esperar un clarinete bajo dedicado porque clarinetes bajos muy populares. Hablemos del alcance y el sonido de estos instrumentos. 48. El clarinet: rango y sonido: Gama del clarinete. Con los instrumentos transposición, nos gustaría mirar el rango de dos maneras. Nos gustaría mirar el rango escrito y este rango de sonido. El rango escrito baja a este e, hasta este Gs, sea lo que sea. E, F, G, a, B, C, D. Sin embargo, suena abajo a D, y hasta E, F, G, a, B, C. Eso es lo transposición. Lo escribimos aquí. Esto es lo que realmente vas a escuchar. Entonces si estás escribiendo una partitura de transponer y tu escribiendo lo que realmente estamos consiguiendo aquí. Estás usando esto como su alcance y luego una vez que lo transpongas, se va a quedar así. Por lo que esto se arregla como clarinete B-flat. En cuanto a dinámica y cosas. Es bastante versátil. Pueden estar tranquilos y pueden ser ruidosos. Nunca van a estar gritando fuerte. Nunca van a competir con los metales que son igual que ruidosos. Es un poco como el oboe de esa manera. Sí, creo que lo compararía dinámicamente con el oboe, aunque creo que puede ponerse un poco más fuerte que el oboe. En su mayoría sólo lo hacen siendo un solo instrumento de junco. Clarinete bajo. Este es un poco más raro en la categoría de transposición. También está en piso B. Se baja a esto, mira, creo que sí, C. Y hasta esto. No obstante, donde suena es B plano abajo o hasta este G. Ahora, esto es, hay algo sutil aquí que es importante y supongo que no es tan sutil. Pero esto es, el clarinete bajo está transpuesto por todo un paso debido a la cosa plana B, pero también una octava. Y escribimos el clarinete bajo en clave de agudos. Es un instrumento de bajo pero se usaron, pero es muy estándar escribirlo en clave de agudos. No le des a tu clarinete bajo aparte. En clave de bajo. Parece lo obvio que hay que hacer, pero tú no lo haces. Es sólo una de esas cosas raras. Les das clave agudos. Las notas que realmente vas a escribir se ven así. Lo que me gusta hacer a veces, a menudo escribo partes de clarinete bajo en clave de agudos, y acabo de escribir, las escribo en transpuesto pero en clave de agudos. Y luego cuando voy a transponerlos, transponerlo, y luego la muevo por una octava para que esté bien. Sería mejor escribirlo en clave de bajo, que a veces lo hago también en realidad escribiendo una pieza para clarinete bajo en este momento. Clarinete bajo y Marimba. ¿ Y lo estoy escribiendo en clave de bajo? Estoy escribiendo en clave de bajo. Lo estoy escribiendo en clave de bajo solo para que me den las notas correctas. Pero, um, puedo ver exactamente qué notas estoy escribiendo. Pero cuando lleguemos al producto final y lo transpongo, definitivamente va a cambiarlo a clave de agudos. Porque eso es justo lo que leen los reproductores de clarinete bajo. Una forma realmente rápida y fácil de hacerte parecer un aficionado es darle a un clarinete bajo aparte en clave de bajo. ¿ Recuerdas eso? Escuchemos un par de ejemplos. Aquí hay un concierto de Mozart. Rápidamente reenvié a través la intro y vamos a meternos en el solo. Entonces cuando comienza el solo por primera vez, estás llegando aquí acompañado de flautas. Entonces esto es en lo que vamos a meternos en más cuando nos metamos en la orquestación real. La forma en que se combinan instrumentos para hacer diferentes colores, pero trata de engancharse en solo el sonido del clarinete. Y sólo escuchemos un poco de esto para que puedas escuchar el tono de la misma actualmente tiene ese sonido muy cremoso. Es muy fácil de combinar con muchas cosas diferentes. Es muy versátil de esa manera. Aquí hay un poco de Mozart. Para que como se oye, es un sonido muy suave, casi como la flauta. Hablando de fluidos, supongo que me equivoqué cuando entró. No estaba acompañado de fluidos, se acompañó de violencia. De cualquier manera. Muy diestro. Realmente puedes escribir para clarinete solo un poco todo el día y básicamente pueden tocar lo que escribes para ellos. Hay una rareza sobre escribir para clarinete que quiero señalar a modo de escuchar esto, uno de los pasajes de clarinete más famosos para la orquesta de la historia. Está en la inauguración de Rhapsody in Blue de Gershwin. Si no estás familiarizado con esta pieza, es una pieza realmente fantástica. Gershwin escribió mucha música, y esta pieza realmente trata de incorporar jazz y blues, gospel de alguna manera al mundo de la orquesta. Ahí está este riff de clarinete de apertura que es extremadamente distintivo y extremadamente difícil. Pero tal vez no por la razón que usted piensa. Oigámoslo. Vuelve al principio. Lo que hace que sea muy virtuoso es que los glifos de apertura que ahora que se pueden hacer en el clarinete como escuchaste. Pero hay una cosa realmente extraña que encontraron cuando hacen eso y se llama la ruptura. Vamos a un nuevo video y déjame explicarle el descanso. 49. El rompio!: Esto es lo que necesitas saber sobre el descanso. A veces verás a la gente hacer un gran problema con el descanso. Entonces hay que pensar en el descanso y en el clarinete. Cuando el 99% de las veces no tienes que pensar en el descanso y en el clarinete. Un buen jugador sabe su camino a su alrededor. Y no es nada en lo que realmente tengas que pensar. Pero hay algunos casos en los que sí hay que pensar en la ruptura en el clarinete. Esos serían glissando. Si vas a la nota de glicerol, tienes que pensar en el descanso. Si solo estás escribiendo un pasaje realmente rápido, deberías pensar en el descanso. Esto es lo que es. Se piensa en las notas del clarinete como estar en diferentes registros. Ahí están las cosas bajas, las cosas intermedias en las cosas más altas. A medida que tocas notas arriba las cosas bajas, medida que subes más alto y más alto, estás haciendo ciertas cosas con los dedos para conseguir esas notas. Cuando llegas a la parte superior de las cosas bajas, tus dedos están en una posición determinada. Entonces se llega al fondo de la materia media. Sígueme. Con el fin de cambiar registros. Tienes que cambiar a una posición completamente nueva. Todos tus dedos tienen que moverse. Básicamente, esto lo está simplificando un poco. Pero no es como ir de C medio a C agudo, solo podría estar agregando un dedo hacia abajo. Pero ir desde la parte superior de ese registro inferior a la parte inferior del registro medio significa renegociar todos los dedos. Eso sucede aproximadamente alrededor de a estar en realidad es exactamente a a b en el personal de la clef de agudos. Estas notas, creo que esto suena pitch o no, esto será transponer pitch porque esto es lo que van al dedo. Entonces transponga el pitch a a B. Ahora hay una nota en el medio hay plano. Un recordatorio, no soy un clarinete. Sólo conozco este libro de texto sabio. Creo que el piso B podría jugarse en la parte superior del registro bajo o la parte inferior del registro medio. Ir entre el registro medio y el registro superior es menos un problema por alguna razón. Pero si estás escribiendo un glicerol y se repasa ese descanso, entonces se necesita un jugador realmente bueno para hacerlo sin problemas. Es una técnica muy virtuosa poder doblar una nota y después renegociar todos sus dedos y seguir doblándola sin que la escuches. Esa grabación que acabamos de escuchar en el último video. Eso fue un jugador muy bueno. Lo lograron sobre la ruptura con ese vaso y no lo oímos. Eso requiere mucha práctica para que sea solo ese solo lugar. El propio Glifos es algo difícil. Pero la glicerina, ese punto particular justo en el medio, es la más difícil. Si vas a escribir un glifo. Quieres evitar escribir esos glifos para repasar ese descanso. Si vas a escribir un pasaje realmente rápido, evita ese paso. Pasando el descanso, o tratar de hacer algo que les dé un poco de ayuda para superar el descanso. Si yo estaba escribiendo un gran pasaje cromático y luego continuó y se repasó ese descanso. Podría intentar crear un descanso de la nota 16 solo para darles un lugar tanto para respirar como renegociar sus dedos para superar el descanso. Si no estás haciendo glifos o escribiendo un pasaje rápido, realmente no necesitas preocuparte por ello. Lo averiguarán. Esto es algo que los clarinetes practican todo el día. Para que lo puedan hacer muy bien. Es sólo en esas cosas realmente tipo de especialmente difíciles que hay que pensar en el descanso. Eso es todo. 50. Los tipos de bocetos: Hablemos de uno de mis instrumentos favoritos absolutos en Nueva York, extra. El fagot. El fagot no recibe tanto amor como debería. Es un instrumento hermoso, es difícil de tocar. Es un instrumento de doble caña, tan poco como el oboe. Y tiene ese tipo de fuzziness y luego sonido nasal que tiene el oboe. Pero es casi como si tuviera un filtro encima para quitarle algo de la nasal y simplemente hacer un sonido realmente cremoso. Se mezcla en muy bien. Puede hacer algunas cosas percusivas realmente geniales. Más de eso en un segundo, Hablemos de los diferentes instrumentos. Hay dos tipos diferentes de fagotes que encontrarás. Y es bastante común que una orquesta tenga ambos. El primero es el que acabamos de llamar el fagot. Se ve así. Y el segundo es el contrabaszón. Es una octava más baja, poco más que una octava más baja, tal vez. Sonido similar, pero es más lento. Típicamente en una orquesta tienes dos futbolistas de fagot y tal vez un jugador de contrabassoon. No suele ser una duplicación que alguien cambiara a contrabaszón te contrabaszón, si tienes una parte de contrabaszón, típicamente tienes un jugador dedicado de contrabaszón. No lo es, el fagot no es transponer. El fagot está en C, que es otra razón que me gusta. Um, es rango. Déjame ver si puedo levantar su rango. Aquí está. Escrito en clave de bajo. Hacen estallar la clave tenor en alguna ocasión. Si estás escribiendo para ellos realmente alto por largo periodo de tiempo, puedes cambiar a eso. B piso hasta o. ¿Qué es esto? A, C, C, C, a, C, B flat a C. Bastante, rango bastante grande. El contrabaszón es el mismo rango, pero una octava menor. Y el contrabaszón sí transpone, pero sólo por una octava. que puedas escribir el mismo rango para el contrabaszón, pero lo vas a escuchar en octava menor. ¿ Eso tiene sentido? No hay otras variaciones del fagot. Orquesta estándar. Hay otros fagotes que gente ha hecho a lo largo de los años y hay muchos diferentes, pero en la orquesta estándar, solo tenemos esos dos que son cosas comunes. Yo sí quiero decir. Sólo por un minuto. Hay algo en el fagot que a menudo recibe risas de los jóvenes. Cuando miras una puntuación. Es común mirar la puntuación y la puntuación más antigua y ver el fagot por su nombre alemán o italiano, que era un nombre mucho más común para ello. Si miras partituras de prácticamente cualquier repertorio clásico, ese nombre era, lo deletrearé FEG, T, T o T, T o T TO, dependiendo de qué idioma y si es plural, pero FAD OTT, esa palabra tal como la entiendo, se traduce aproximadamente a un haz de palos. Y si nos fijamos en el fagot, se compone de varios tubos de madera. Es una especie de manojo de palos. Ahora que podría estar deduciendo algunas cosas aquí, pero mi comprensión sobre el uso moderno de esa palabra es que también se usa para significar un haz de palos. Y eso fue un manojo de palos para encender un fuego, para quemar gente, para quemar gente gay. Y es en inglés, lo llamamos fagot. En francés, lo llamamos fagot. No sé si en alemán, italiano y español todavía lo llaman así. O si han adoptado el fagot, pero ni una palabra que quiera decir, incluso en referencia a los fagot. Así que sólo voy a llamarlo fagot. Interesante pieza de historia. No hay conexión con tocar el fagot, el propio fagot. Y gay, lesbiana, transgénero, GLBT, QIAT, amigos, eso no es una cosa. Simplemente una especie de todo se remonta a la conexión de la definición de esa palabra siendo como un manojo de palos. cual es algo preciso para el término fagot y por lo que el instrumento es completamente terrible para el otro, por su uso en el otro sentido. Bien, basta con eso. Hablemos de cómo suena. 51. El baño: rango y sonido: Ya hemos hablado un poco del rango y de la transposición del fagot. Quiero hablar brevemente sobre la curva dinámica, como hablábamos con algunos de los otros vientos de madera. Pero cómo se pone más fuerte a medida que te haces más alto y más alto, fagot es algo opuesto a eso. Su rango bajo tiene mucha más potencia que su alto rango. Es salvaje de alto rango, hermoso es difícil conseguir una gran cantidad de poder detrás de él para que no tengas las notas altas fuertes gritando. Obtienes estas realmente tipo de voladoras, hermosas notas melódicas allá arriba. Pero es poder real es su extremo bajo, es bajo y todavía no va a competir con instrumentos de latón, pero es bajo y es donde se pueden obtener estos sonidos, estos sonidos gritty realmente cool más fuerte y es de extremo bajo de lo que es en su extremo más alto, más alto. Quiero escuchar. Escuchar es un poco de sólo una pieza para un fagot y piano, sólo para darnos una idea del fagot en sí. Estamos en el rango medio a superior ahí. Y realmente hermoso sonido melódico. Es como un oboe, pero es más bajo y es menos nasalmente. Escuchemos uno de los pasajes más famosos para BSN. Ese es el comienzo de Rite of Spring de Stravinsky. Oigámoslo. El clarinete entra ahí. De acuerdo, así que eso es muy alto para el fagot, ese es su registro superior. El material percusivo de la que hablé antes, Eso es realmente ese low-end donde pueden abofetear un poco la lectura. No sé si eso es exactamente lo que están haciendo, pero eso es lo que me suena. Y consiguen esta cama, pero pueden hacer algunas cosas geniales. Ojalá tuviera un ejemplo de eso. Aquí hay una buena. Se oye ese extremo bajo, ese amplio Low-end es realmente poderoso. Pero pronto. 52. Los tipos de Saxophones: Vale, hablemos de saxofones. O como les gusta decir a los Simpson, homófono Sachs, homófono, lo siento, eso es broma súper fechada de mí. Hay toneladas de diferentes tipos de saxofones. Realmente quiero enfocarme en los cuatro estándar. Los otros que realmente no vas a encontrar en ningún tipo de orquesta o entorno de contrabando. No, probablemente no. Hay toneladas de ellas, pero hay cuatro que son como el estándar. Se puede ver aquí. ECMO separado, separado Nino. Estos son bastante raros. Rara vez se encuentran con estos. Los cuatro estándar , soprano, alto, tenor, y barítono. Soprano. En una orquesta es incluso bastante rara. Pero puedes hacerlo si quieres. Los cuatro que vamos a mirar son. Aquí está la soprano. Se ve bastante como un clarinete. Es como un clarinete de latón. Ahora podría estar pensando, espera, si estas están hechas de latón, ¿por qué no se consideran latón? Esa sería una buena pregunta. Se trata de instrumentos rehechos. Toman una lectura en el mismo mecanismo que un clarinete. Los clasificamos como vientos de madera. Los instrumentos de latón tienen una boquilla circular en la que soplan o zumba en que produce el sonido. Entonces a pesar de que estos están hechos de latón, se clasifican como vientos de madera, principalmente porque tienen una lectura. A pesar de que los fluidos no tienen una lectura. Así es como es. saxofones se clasifican como vientos de madera. Soprano, es alto. Es, puede tener un sonido muy exuberante. Muy especie de no como un clarinete porque sí le tiene un poco de fuzziness. Es un poco más abrasivo que un clarinete, pero aún puede ser muy, muy dulce sonando. El saxofón alto, Uno de los más comunes, relativamente alto, se puede pensar un saxofón alto rango sabio. Lo puedes comparar con un clarinete. Se puede ir, creo que puedes ir un poco más bajo que el clarinete. Veremos los rangos en tan solo un minuto. Pero similar a la soprano. Bonito sonido. Un poco más borroso que algunos de los otros instrumentos, pero no tan buzzy el uso como un oboe puede llenar ese papel. Tenor, inferior, quieto, poco más oscuro, tono más oscuro. Pero aún de la familia de los saxofones. Entonces barítono, no tenían una foto de, pero es como un tenor más grande, saxo barítono o Berry Sachs. Gran extremo bajo de grasa. Mucho como, quiero decir mucho como el fagot estaba en realidad un poco más cerca de como una tuba barítono o algo así. Tiene un extremo bajo grande, grande, voluminoso. Es realmente un gran sonido de gama baja. Ahora una de las cosas de escribir para saxofón que es bastante atractivo es que he encontrado que escribir para saxofón puede ser realmente placentero porque se puede escribir, y podría meterme en problemas por decir esto, pero básicamente puedes escribir para saxofón todo el día y siempre y cuando estés atento al alcance del instrumento, realmente no tienes que pensar en nada más. Creo que sí tienen que lidiar con algo así como el freno de los clarinetes, pero nunca es realmente una preocupación. Tienen formas de rodearlo. No tienes que pensar en el descanso. Realmente no tienes que pensar en nada que solo puedas escribir. Simplemente puedes escribir notas, notas, notas, notas, notas. Y podrán jugar con él. Es un instrumento muy fácil de escribir para el conjunto de un cuarteto de saxofón con cualquiera de esos cuatro, o a veces encontramos cuartetos de saxofón sin soprano y dos altos en su lugar. Entonces a alto, tenor y Barry es un conjunto realmente maravilloso, cuarteto realmente genial, escrito un montón de piezas para un cuarteto de saxofón y quinteto, donde ya sea en una soprano o le agregas un segundo tenor. Grandes instrumentos de sonido. Ahora, como dije antes, estos no son instrumentos típicos de orquesta. Eres, si vas a tu sinfonía local y ves a Beethoven interpretado. Hay como saxofones asombrados. Los sexuales fueron inventados del siglo XIX en realidad, creo que acabo de ver 1890 algo era la patente. Acabo de leer eso en esta página web en algún lugar aquí arriba. Pero creo que 1890 fue la patente sobre ellos. Por lo que son uno de los instrumentos más nuevos que se han convertido en un instrumento estándar. Muy raro encontrarlos en orquestas, pero en piezas modernas sí las encuentras a veces en la orquesta. Una cosa en la que pensar, si los vas a poner en la orquesta. Recuerda que es un poco de una tensión en la orquesta usarlas. Tienen que contratar jugadores de fuera de la orquesta y traerlos. Entonces es un gasto extra, que es una forma. Lo que digo aquí es que si eres un compositor establecido y la orquesta quiere tocar tu música, pagarán ese gasto extra para traerlos. Pero si acabas de empezar a escribir música para orquesta, no eres un nombre conocido en el mundo de la orquesta. Entonces agregar saxofones hace que sea un poco más difícil para ellos tocar tu música. Por lo que probablemente no deberías hacerlo. Quieres hacerlo lo más fácil posible. Por lo que se utiliza instrumentación muy estándar. Nada realmente raro en tu, en tu música. Para que sea fácil para las orquestas tocarla. Una vez que construyas una reputación, puedes pedir estos, este tipo de cosas diferentes como sección de saxofón para entrar. Pero a medida que estás empezando, no agregaría saxofones, pero sí puedes. Así que vamos a hablar de él. 53. El Saxophone: alto: rango y sonido: Vale, hablemos del saxofón alto. Guarda soprano para el cuarto, porque es más raro. Ve alto, tenor, Barry, para luego extenderte. De todos modos. El saxofón alto es un instrumento de transposición. Transpone el E-flat, por lo que es una especie de una, especie de una gran transposición. Cuando lo escribes, escribes B piso hasta este F. Sí. Es su gama. Nuevamente, hay algunas técnicas para chillar unas notas extra por encima de eso. Pero en realidad no para ir por debajo de B flat, hay cosas que pueden hacer llamadas sub tonos, donde pueden obtener un par de notas más bajas, pero es una técnica realmente extrema. No hagas eso. A menos que estés trabajando con un solista. Entonces tal vez podrías considerarlo escrito y luego sonar todo el camino hasta este piso D. Y luego después de esos A-flat, escrito en sonar bastante diferente porque transpone mucho. Nuevamente, el saxo alto tiene un poco de un sonido zumbido. Asociamos mucho el teléfono con el jazz. Entonces si quieres hacer algo jazz como en tu pieza usando los teléfonos saxo, realmente buena manera de hacerlo. Aunque podrían hacer mucho más que el jazz. Los saxofones pueden hacer muchas cosas realmente geniales. Aquí hay un poco de sabor del saxofón alto. Yo soy como, sí, eso fue un poco, eso fue una especie de jazz. Pero cuando pones juntos estos axones, un conjunto, pueden ser realmente grandes instrumentos de acordes. De hecho, hablaré más de eso con un tenor. Pasemos y hablemos de la nota tenor. 54. El Saxophone: rango y sonido: El saxofón tenor y otro tipo de paso más bajo, tipo de relacionable con la forma en que la violencia y las violas y el violonchelo es obra. El tenor es el rango de violonchelo. Tipo de. Ahora una cosa que quería mencionar sobre los tenores, cuando se trata de acordes. Voy a cambiar de marcha por un segundo rápido aquí y hablar sobre los cuernos o los cuernos franceses. Hablaremos de los cuernos franceses más tarde. Cuando hablamos del latón. En mi mundo ideal, reemplazaría si pudiera escribir, si pudiera rediseñar la orquesta. Esto es blasfemia. Lo que estoy a punto de decir, no, esto no es un libro de texto. Esta es mi opinión personal. Pero si pudiera rediseñar la orquesta, tengo que asegurarme de que nadie esté mirando. Cuando digo esto, me libraría de los cuernos. Voy a deshacerme de los cuernos y reemplazarlos con, típicamente hay cuatro cuernos, así que los reemplazaría por dos saxofones tenor y a los teléfonos saxo alto, o tal vez solo por tenores X-Files. Rango similar, instrumento de manera más confiable. Y la forma en que uso cuernos para llenar un acorde es funciona muy bien para saxofones tenor. Además, hablaremos más de cuernos después y de mi desdén por el horror. Soy un poco famoso en mi pequeño círculo de amigos porque, a pesar de usar cuernos, cuernos franceses, más sobre eso después, Hablemos de los tenores. Saxofón tenor, poco más bajo. El saxo tenor también transpone diferente transposición. Ahora, B plana, una transposición un poco más fácil de mirar. Lo escribimos en clave de agudos. Escribes todos los saxofones y la clave agudos. B-flat hasta F están sonando aunque, está abajo en clave de bajo, un piso, Hasta E-flat agudos clef. Para que puedas ver aquí por qué transponemos, como en saxofón alto, saxofón tenor, e incluso barreras de saxofón. El rango escrito es el mismo. Escribimos el rango de la misma. Eso significa que alguien podría cambiar entre estos jugadores porque cambiar entre estos relativamente fácilmente en términos de la notación. Pero los sonidos que salen van a ser diferentes. A-flat a E-flat menos una octava. Así B transposición plana más una octava. Escuchemos un poco del saxo tenor, y vamos al mismo tipo Loa en pitch esta vez al bemol B, saxofón tenor. Se trata de un instrumento icónico en la historia del jazz, blues, rock and roll, música contemporánea y pop. Bonito sonido cremoso. Tiene un poco de ese zumbido a ella. Pero muy buen sonido para la orquesta. Es una especie de desgraciado. No los tenemos más comúnmente en la orquesta, pero es lo que es. Hablemos de lo mismo 55. El Baritone baritone: rango y sonido: Barry Sachs, impresionante, de gama baja. Si nunca has visto una de las cosas más geniales a varios ejes, hay este tipo en YouTube o TikTok o así creo que en realidad son dos tipos donde tocan un sacos de bayas. Parece que están en metro probablemente en Nueva York. Y básicamente tienen este tipo de baile salvaje que hacen. Y es realmente percusivo, muy estilo sac. En ocasiones pegan un cono de tráfico en la campana de los sacos. Hacen estos videos y luego simplemente balanceándose en diversos actos. Cosas impresionantes, impresionantes. Ojalá supiera el nombre, sólo puedo decir lo que era, pero busca Barry Sachs, cono de tráfico, amigo. Y lo encontrarás. De todos modos. Barry sacs, otra vez escrito rango B plano a F, rango de sonido, clave de bajo, D plana a C, D, E, F, G, A-flat. Entonces este es un instrumento E-flat, por lo que transpone a E-flat más una octava abajo, tal vez dos octavas abajo, en realidad. Nuevamente escrito en clave agudos, pero sonando y clave de bajo. Escuchemos. Entonces. Ahora por fin llegamos al saxofón barítono plano E. Estos instrumentos muy grandes es el más bajo en la familia de saxofones comúnmente utilizada. Es una octava completa más baja que el saxo alto, a octavas completas más bajas que el Sapir y el sexo anal. Quiero decir otra cosa antes de salir del barítono. Hay un par de saxos más que verás ahí dentro. No se usan ampliamente. La pareja que baja, Ahí está el saxofón bajo, el saxofón contrabajo. Si miras hacia arriba el saxofón contrabajo, es tan grande. Creo que esa es la que requiere de dos personas para que lo jueguen. Vamos a buscarlo. Al igual que una persona tiene que pararse en una silla. Contrabajo, saxofón. La mayoría de la gente ni siquiera sabe que existen. Incluso he tenido gente diciéndome que no tienen sexo. Ahora esa no es la que estoy pensando. Eso es un saxofón bajo sin embargo. Hay uno que se ve flotando por internet cada dos años donde una persona que tiene que soplar, tiene que pararse en una silla y la otra persona, como los dedos o las notas bajas. Se necesitan dos personas. Es simplemente cómico. En realidad nunca verás esto en la práctica. Hablemos de soprano. 56. El Saxophone: de Soprano: rango y sonido: De acuerdo, y el saxo soprano, de nuevo, no los vemos mucho en ni siquiera en esas raras ocasiones que sí tenemos saxofones y la orquesta, no veo mucho sopranos. Creo que llenan un papel realmente similar al oboe. También podría usar un oboe en ese momento. Pero vale la pena señalar. El saxo soprano está en B flat. Se puede ver aquí es sonando pitch es un piso abajo a E flat mientras está escrito pitch, igual que todos los demás, B flat hasta F. Este es el tono sonando del saxofón soprano. Oigámoslo, así como un saxo soprano curvo. La versión de raya de ese instrumento es muy común. Se trata de un saxo soprano de rayas planas B. Se lanzó el juego igual que la trompeta y el clarinete. Pero me gustó esta ópera Nina, sexy, divertida. Este instrumento se reproduce frente a la playa de la misma manera que un clarinete, su difícil situación. Ese es el saxo soprano. 57. Efectos especiales de viento de madera: De acuerdo, así que volviendo al panorama general, todos los vientos de madera juntos, quiero hablar de un par de efectos, efectos especiales que se pueden hacer con estas todas estas cosas voy a señalar en los próximos dos videos, supongo que son bastante estándar es una palabra rara cuando estás hablando de efectos especiales. Hay cosas que no van a dar una pausa a nadie. No son como lo del col legno en el violín y donde en realidad es perjudicial para el instrumento que hacer. Pero hay cosas que muchos jugadores pueden hacer y harán, pero es posible que piensen detenidamente en hacerlas, en su mayoría por dinámicas. Las dos cosas en particular de las que estoy a punto de hablar, una de ellas es simplemente realmente tranquila. Por lo que sólo funciona en una situación muy rara. Y el otro sólo se puede hacer muy ruidoso y no es un sonido particularmente agradable. Supongo que es sólo hablar esas dos cosas y simplemente sumergirse en. 58. Clics clave y aire y mutes: Clics clave y aire. He oído estos usados en muchas piezas y se puede hacer muy bien. No puede ser realmente genial. Déjame mostrarte todos estos instrumentos de viento de madera. Todos ellos tienen muchas llaves. Y cada una de estas teclas, estas teclas hacen pequeños sonidos. Si piensas no soplar en el instrumento en absoluto y simplemente juguetear con llaves. Si piensas, bueno, eso es una especie de sonido tonto. ¿ Alguna vez has hecho esa cosa? Recuerdo cuando era niño pequeño, fui al campamento e hicimos esta cosa donde todos, como se frotan las manos en las piernas así. Probablemente no puedas oír eso, pero es algo así como el sonido. Como si fuera realmente tranquilo. Pero si consigues que 100 personas lo hagan, suena como lluvia. Es tan raro. Hay estos sonidos realmente silenciosos que cuando lo hacen unas 100 personas, pueden ser un efecto realmente cool. Los clics clave pueden ser que si obtienes todos los vientos de madera haciendo esto, puede resultar en una especie de sonido fresco. Ahora no se va a permitir, no importa lo que hagas, no se va a permitir el sonido. Así que hacer eso necesita ser orquestado y simplemente de una manera tan correcta donde casi no pasa nada para que realmente se corte y se escuche en absoluto. Pero puede ser un efecto genial y todo lo que realmente tienes que hacer, no tienes que escribir qué notas para tocar. Simplemente escribes llave en inglés o cualquiera que sea tu idioma. Clics clave y luego tal vez les den ritmo si quieres. O simplemente puedes decir notas rápidas al azar. Simplemente escribe eso en inglés y eso les dirá que se vayan. Así. Algo suena como una cascada si te dan un montón de gente haciéndolo. O un arroyo, algo, que puede ser un efecto fresco. Lo que va a ser realmente tranquilo. Otra cosa es solo aire. Básicamente. Se le puede decir a un jugador que simplemente sopla a través de su instrumento sin hacer nada, sin crear el tono, la vibración. Así que básicamente sólo va realmente va a sonar así porque no tengo una lectura, pero algo así. Básicamente es esto. Nuevamente. Si obtienes toda la sección de viento haciendo eso, puede ser una especie de sonido fresco. Neat, pero es muy, muy tranquilo. El latón también puede hacer eso a esa nota. Las cuerdas también pueden hacer eso a las cuerdas pueden simplemente sentarse ahí e irse. No hay nada que te impida hacer eso. Y he visto piezas que piden a todos en la orquesta solo que vayan a silbar o a hacer algo así. Eso está todo bien. Puedes pedirles que hagan eso. Pero también en contra de decir, Oh sí, no iba a hablar de esto, pero ese tipo de planteó potencialmente una pregunta que alguien podría tener y déjame responderla. Silenciados. Los mudos no son muy comunes en los instrumentos de viento de madera. No funcionan muy bien. Verás que la mayoría de los instrumentos de viento de madera, a excepción de la flauta, tienen una campana al final de ellos. El fluido ni siquiera tiene campana, es sólo un tubo y no sale a gustar un cono. Al igual que la mayoría de estos tienen el sonido, en realidad, la mayoría del sonido. Bueno, no debería decir que sale mucho del sonido. Los agujeros y cosas del instrumento de viento de madera. No todo sale por la campana. Entonces poner un mudo aquí en realidad no cambia el sonido un montón. Y esto es cierto para todos los vientos de madera. Existen mudos para los instrumentos de viento de madera, pero no son enormemente efectivos. No recomendaría hacerlo. Mu para ser algo como a veces los verás tomar un trozo de tela y pegarlo en su campana. Saxofones hacen eso. A veces, los clarinetes pueden hacer eso. No cambia tanto el tono. Las carnes son bastante raras para todos los vientos de madera. Ahora hablemos de hacer algo súper ruidoso. 59. Multiphonics: Esta es otra de la que me preguntan mucho. Porque en algún momento tal vez hayas oído que es posible que algunos instrumentos de viento toquen múltiples notas a la vez. Y tienes razón. Hay una manera de tocar múltiples notas a la vez en estos instrumentos. Se les llama multi-factor seis. Ahora, antes de que te emociones todo de que puedas escribir contrapunto de dos partes para un solo instrumento de viento. Permítanme explicarle cómo funcionan estos. La forma en que funcionan es que no puedes simplemente escoger dos notas. Hay ciertas combinaciones de notas que puedes hacer. La forma en que se hacen es que tienen dos dedos, el instrumento de tal manera. Y algunos de ellos incluyen como un dedo una especie de medio encendido, la mitad de una nota y hacer cosas extrañas. Y luego típicamente tienen que sobrevolar. Por lo que hay que soplar súper duro. Eso crea sonido que contiene múltiples notas. No pueden moverse por las notas dentro de eso. Es como bam, pueden pegarlo. Y es realmente difícil de hacer. Entonces no es algo que se pueda esperar que haga un poco profesional. Se necesita mucha investigación para escribir para estos porque hay que saber qué notas en ese sonido o en sintonía y cuáles no lo son, y cuáles se pueden hacer. Para que puedas encontrar gráficos sobre cómo hacerlos. Simplemente busqué rápidamente en Google y encontré esto. Normalmente cuando escribas estas, vas a escribir las notas que sonarán. Y entonces esto es como un pequeño gráfico de digitación que dice algo de lo que necesitan hacer para conseguir esto. Se incluye esto o algo similar a esto en el marcador que les dice cómo hacer eso. Antes te toco cómo suena esto. Estos son sonidos duros. son bonitas yo no, no puedo pensar en una partitura de orquesta en la que alguna vez los haya visto. Así que no hagas esto. Sólo se puede hacer muy fuerte. Es algo poco fiable también, porque a veces tienen que golpearlos y es algo tan delicado hacerlos bien, que estos están realmente reservados para un solista e incluso en ese bastante bueno. De acuerdo, Así que dicho eso, aquí hay un viejo pedazo mío, un pedazo mío muy viejo. Donde lo hice como es para saxofón solo. Y yo estaba trabajando con una especie de intérprete virtuoso aquí. Escribí un montón de Senado multifamiliar. Entonces este pequeño diagrama es para saxofón en este tipo de les explica lo que necesitan hacer para conseguir este sonido. Esa es una tabla de digitación. Este es el resultado. Va a ser un piso B, una B natural, creo, una F afilada. Ahora algunas de estas notas van a estar fuera de sintonía y es un sonido bastante gnarly. Creo que en esta sección hay unos pocos, sí. Aquí hay otra donde hay cuatro notas. Aquí hay otro donde solo hay dos nodos y F-Natural en un F-afilado. Mi objetivo para esta sección de esta pieza era solo hacer que esto suene lo más gnarly posible. Básicamente, esta es una buena manera de hacerlo. Esta pieza tiene, es para saxofón y computadora. Entonces el material de la computadora es sólo un sonido pregrabado. Déjame mostrarte cómo suena esto. Supongo. Ten en cuenta que este no es exactamente mi material de juego. De acuerdo, voy a ir a esta sección. Este es otro truco donde juegan la misma nota. Dos formas diferentes. Creo que esto sería clasificado como bis grande Leandro. Un trino entre tocar la misma nota, dos formas diferentes que los hace ligeramente fuera de tono unos de otros, crea una especie de sonido interesante. Déjame encontrar este lugar. Aquí estamos. Esta nota. Manojo entero de boca. Lo compraron. Eso no es lo que vuelve a pasar en la siguiente página. No es un sonido placentero, efectivo cuando solo quería hacer algo realmente gnarly. Pero cuando estés hablando de trabajar en una orquesta, no hagas esto. No hagas multifonética en una orquesta. No es lo mismo que las paradas dobles para un violento. 60. ¿Qué sigue adelante?: De acuerdo, llegamos al final de la primera parte. Ahora, como habrás notado, decidí dividirlo en múltiples clases porque creo que la gente va a usar estas como referencia para volver a. Y no quería hacer una sola clase gigante. Yo tenía un millón de cosas también. Tenerlos en picaduras más pequeñas como mejor en algunas plataformas, es sólo, es una cosa. Por lo que ha terminado la primera parte. Hemos abordado la instrumentación. Vamos a llamarlo instrumentación parte uno que vamos a hacer, la siguiente sección va a ser todo sobre instrumentación parte dos, vamos a empezar con los brasses, entrar en percusión, y entonces vamos a entrar en cosas sobre trabajar con la voz y los cantantes. Y por último, una categoría que estoy llamando a todo lo demás donde hablaremos de guitarras, órganos, arpas, otros instrumentos de teclado, acordeón, grabadoras. Otras cosas que puedes encontrar. Sé parte dos. Entonces vamos a ponernos pesados en lo real de orquestación. Cómo se combinan todos estos colores para hacer una pintura. No puedo decir con certeza todavía cuánto tiempo, cuántas partes serán. Esta es una de esas cosas que la gente obtiene doctorados en esto. Para que pudiera ir profundamente por el agujero del conejo y probablemente pueda seguir yendo más profundo y más profundo. No creo que llegue a un nivel de doctorado, pero va a ir algunas partes de profundizar en el análisis de puntuación. Primero tenemos que pasar por las cosas de instrumentación. Así que por favor busca esa próxima clase. Orquestación al latón, voz de percusión. Todo lo demás va a hacer eso y luego nos adentraremos en lo de orquestación. Nos vemos en la siguiente. 61. Cierre: Hey a todos, quiero aprender más sobre lo que estoy haciendo. Puedes inscribirte aquí a mi lista de correo electrónico. Y si haces eso, te avisaré cuándo se publiquen nuevos cursos y cuando haga adiciones o cambios a los cursos en los que ya estás inscrito. También checkout en este sitio. Yo publico un montón de cosas allí y me chequeo en ella todos los días. Así que por favor ven a pasar el rato conmigo. Y uno de esos dos lugares son o ambos? Y nos vemos ahí.