Clase magistral de orquestación, parte 2: latón, voz y guitarra | Jason Allen | Skillshare
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Clase magistral de orquestación, parte 2: latón, voz y guitarra

teacher avatar Jason Allen, PhD, Ableton Certified Trainer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:39

    • 2.

      El formato de esta clase

      1:57

    • 3.

      ¡Anteriormente en orquestación!

      1:14

    • 4.

      Cómo funcionan

      6:22

    • 5.

      Dinámica en latón

      3:39

    • 6.

      Notas largas y respiración

      1:47

    • 7.

      Articulaciones

      2:54

    • 8.

      ¡Transposición!

      1:55

    • 9.

      Los cuernos: alcance y sonido

      7:22

    • 10.

      Una nota sobre los cuernos

      3:33

    • 11.

      Los tipos de trompetas

      3:38

    • 12.

      La trompeta: alcance y sonido

      3:03

    • 13.

      Tipos de trombones

      5:13

    • 14.

      El trombón: alcance y sonido

      5:38

    • 15.

      Tipos de tubos

      2:45

    • 16.

      La Tuba: rango y sonido

      2:51

    • 17.

      Mutes

      7:09

    • 18.

      Multiphonics

      1:08

    • 19.

      "Fuerza" en una orquesta

      4:00

    • 20.

      Pitched y no Pitched

      4:19

    • 21.

      Timpani y fuerzas

      4:18

    • 22.

      Rollos y golpes

      3:47

    • 23.

      Mallas

      5:37

    • 24.

      Inclinación

      7:45

    • 25.

      notación

      6:18

    • 26.

      Kit de batería

      2:05

    • 27.

      Cómo funciona la voz

      4:45

    • 28.

      Tessitura y rango

      3:40

    • 29.

      Notación y símbolos

      7:01

    • 30.

      Respiración

      3:57

    • 31.

      El Soprano: rango y sonido

      5:49

    • 32.

      El alto: rango y sonido

      2:40

    • 33.

      Los tenores: alcance y sonido

      3:55

    • 34.

      Los bajos

      2:40

    • 35.

      Contratenores

      5:22

    • 36.

      Todo lo demás

      1:14

    • 37.

      Instrumentos de piano y teclado

      11:47

    • 38.

      El arpa

      10:22

    • 39.

      Órgano

      4:23

    • 40.

      La guitarra

      7:18

    • 41.

      Tablatura

      3:21

    • 42.

      Dinámica de guitarra

      2:18

    • 43.

      Acordeón

      2:41

    • 44.

      Todo el resto

      2:14

    • 45.

      ¿Qué viene después?

      2:24

    • 46.

      Cierre

      0:36

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  • Todos los niveles

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Estudiantes

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Proyectos

Acerca de esta clase

100% tasa de respuesta! Cada pregunta publicada en esta clase es respondida dentro de 24 horas.

¿Eres un creador de música, intérprete, compositor o aspirante a compositor que busca para arriba en tu juego? Este es el lugar para empezar.

Es hora de aprender orquestación para darle a tu música el poder, la pasión y la prodigiousness que se merece.

La orquestación es el estudio de cada instrumento en la orquesta, cómo funcionan, cómo escribir para ellos y cómo cada instrumento choca con los otros para hacer nuevos sonidos. Piensa en ello como pintura: la orquesta es tu paleta de colores. Pero no quieres simplemente mezclarlos todos juntos. Necesitas entender algunos principios para mezclar esos colores antes de poner tu pincel sobre lienzo.

En esta serie de clases vamos a trabajar en tres cosas:

  • Instrumentación: saber cómo funcionan todos los instrumentos en la orquesta y cómo escribirlos de una manera idiomática.

  • Composición: usar la orquesta para escribir música poderosa. Cómo combinar los diferentes sonidos de la orquesta para crear un sonido nuevo, único y único.

  • Sintetización: uso de software de producción común (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools, Cubase, etc.) para crear un sonido realista con bibliotecas de muestra.

En esta clase "Parte 2: latón, voz y guitarra" vamos a centrarnos completamente en la instrumentación - aprender a escribir para el latón (trompeta, trombón, cuernos franceses y tuba) la voz (soprano, mezzo-soprano, alto, contra-tenor, tenor, barítono, bajo), percusión, guitarra y otros instrumentos con brazo, piano, acordeón, y

más. Esas clases han sido muy exitosas (¡de hecho, los mejores vendedores!), y esta ha sido una de las clases más solicitadas por mis estudiantes (más de 1.000.000 de ellos). Estoy muy emocionado de poder finalmente traer esto a usted.


Aquí puedes ver una lista de algunos de los temas que abordamos:

  • Cómo sonan los instrumentos de latón
  • Dinámica en latón
  • Respiración
  • articulaciones de latón
  • Tipos de trompetas
  • Tipos de trombones
  • Tipos de tubas
  • Tipos de cuernos (o horns franceses)
  • mutes de latón
  • Fuerzas de latón
  • Percusión pitched
  • Rollos y trazos
  • Percusión en reverso
  • Cuestiones de notación de percusión
  • Kit de batería
  • Tessitura y rango de voz
  • La gama de soprano
  • El rango alto y color
  • La gama y color de mezzo-soprano
  • El rango y color de counter-tenor
  • Color de la gama de tenores
  • La gama y color de barítono
  • El rango de voz y color
  • Escritura para piano
  • Escritura para el harpsichord, piano de juguetes y otros instrumentos de teclado
  • Escritura para el arpa
  • Escritura para el órgano
  • Escritura para la guitarra
  • Escritura para otros instrumentos
  • Problemas dinámicos con la guitarra
  • Guitarra y tablatura
  • Escritura para acordeón
  • ¡Y Mucho, Mucho Más!

Mi promesa para ti:

Soy un compositor y educador de música a tiempo completo. Si tienes alguna pregunta, por favor escríbelas en la clase. Responderé dentro de 24 horas.

¿Qué me hace estar calificada para enseñarte?

Además de ser compositor y educador, también tengo un doctorado en música, soy profesor de música universitaria y tengo una larga lista de premios para enseñar.

Pero más importante: uso esto todos los días. Escribo música profesionalmente, soy un guitarrista activo y estoy al tanto de las técnicas de producción, flujos de trabajo y estilos. Como verás en esta clase, me encantan estas cosas. Y me encanta enseñarlo.

¡Empecemos!

Nos vemos en la lección 1.

Todo lo mejor,

Jason (pero llámame Jay...)

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Jason Allen

PhD, Ableton Certified Trainer

Profesor(a)

J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of “glove” controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he’s not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation’s Music Educator of the Year.

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Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Introducción: Muy bien todos, bienvenidos a la orquestación parte dos. En esta clase vamos a recoger donde lo dejamos. El de primera clase. Trabajamos en leer partituras, tratar con partituras, partes, trabajo general con una orquesta, y luego hacemos un profundo en cuerdas y luego profundamente en vientos. En esta clase, vamos a empezar metiéndonos profundamente en sujetadores. Vamos a hablar de cómo funcionan los instrumentos de latón. Y luego vamos a entrar en cada instrumento de la familia del latón. Vamos a empezar con los cuernos o los cuernos franceses, trompetas, trombones, tubas. Y luego vamos a trabajar en técnicas especiales de todos ellos, mudos. Pareja otras cosas raras que puedan hacer. Si quieres que lo hagan. Entonces vamos a entrar en percusión. Vamos a hablar de percusión pitched in y pitched. El extraño caso de los trazos timbales de timbales, mazo, boeing. Sí, puedes ir a cosas de percusión y notación extrañas y eventualmente trabajar con un kit de batería dentro de una orquesta. Entonces hablaremos de la voz. Hablaremos de la voz tanto en relación con trabajar en una orquesta como de trabajar en adquisición. Notación, símbolos, letras, respiración. Y entonces también hablaremos cada instrumento individual, por así decirlo. Entonces la soprano, alto, tenor, bajo, y todos los rangos que están entre esos. Entonces la categoría de todo lo demás. Vamos a hablar. Guitarras, otros instrumentos trastes, el arpa, para el cual es muy difícil escribir. El piano, el acordeón. Algunas reflexiones generales sobre cómo escribir para cualquier cosa funciona. Vamos a terminar la porción de instrumentación en este trozo. Así que vamos a pasar por todos los instrumentos de la orquesta más un par más. Esto despejará el camino para que saltemos pesados a la orquestación en la tercera parte. Así que vamos a sumergirnos y aprendamos cómo funcionan todos estos instrumentos. 2. El formato de esta clase: Muy bien, entonces el formato de esta clase va a ser básicamente el mismo que el primero si tomaste eso. Pero lo que vamos a hacer es que realmente nos vamos a centrar en la instrumentación en esta clase, que es una manera elegante de decir todos los instrumentos de la orquesta y algunos instrumentos que normalmente no están en el orquesta. Entonces vamos a empezar con el latón. Y lo que vamos a hacer es básicamente dividir esto en tres partes. Vamos a hablar cosas únicas en las que pensar con el latón. Cosas como cómo funcionan los instrumentos de latón , temas dinámicos , respiración, algunas articulaciones, cosas así. Y luego vamos a entrar en cada instrumento de latón y hablar de la gama y de cualquier cosa peculiar de esos instrumentos. Entonces la tercera parte de la sección de latón son técnicas especiales usando mudos o algo así. Todas las diferentes secciones básicamente van a seguir esas tres cosas. Vamos a hacer, instrumentos de percusión y voz y crédito y cosas por el estilo. El motivo por el que lo he configurado de esta manera es para que puedas usar esto como referencia más adelante. Puedes volver y decir, Ok, vale, ¿de qué necesito saber? ¿ Sobre el trombón? Y puedes ir solo al trombón uno, o puedes ver las cosas de bronce al principio o las cosas de bronce al final. Si quieres hacer algo raro con el trombón, ojalá esto tenga buen sentido lógico y puedas volver a él y utilizarlo como referencia en el futuro. Pero sugiero encarecidamente verlo todo el camino comenzando a terminar. En primer lugar, sólo para familiarizarse con cómo funciona todo y el tipo de panorama general. Genial. Está bien, genial. 3. ¡Anteriormente en la Orchestration!: Veo demasiada ley y orden, por lo que me hace realmente emocionado poder ir. Anteriormente en orquestación. Solo quería recordarnos en dónde estamos en el primer trozo, que espero que hayas visto. Pero en la primera clase lo hicimos, hablamos de las puntuaciones, haciendo partituras partes instrumentales, transposición y cómo también me encanta la transposición. No te gusta la transposición. Vamos a lidiar con más transposición aquí en esta clase. Entonces hablamos de las cuerdas. Todo lo que necesitamos saber sobre las cuerdas está allá atrás en primera clase. Y los vientos de madera y todos los diferentes vientos de madera. Eso fue todo en primera clase. Entonces si estás buscando hacer referencia a cosas más antiguas, salta de nuevo a esas. Pero vamos a bucear ahora mismo y llegar al bronce. Genial. Aquí vamos. 4. Cómo estos trabajos: Ok, los instrumentos de latón, principalmente de lo que estamos hablando aquí es trombón, trompeta, tuba, cuerno, o cuerno francés, a veces eufonio. Estos otros en esta imagen son menos comunes corneta, fluido, cuerno de voluntad, trompeta natural. Eso sí lo ves en algún tipo de música clásica más antigua. Pero principalmente trompetas, trombones, cuernos y tuba son nuestros principales instrumentos. Entonces hablemos de cómo estos hacen su sonido. Entonces todos estos tienen una boquilla. No tengo no tengo ningún instrumento de latón, al parecer. No puedo demostrar esto. Voy a demostrar la boquilla en un rollo de cinta. La boquilla, la parte en la que soplan. Diferente para todos los instrumentos. Para los instrumentos superiores, es más pequeño y para los más grandes, es más grande. El agujero, y esto probablemente sea relacionable con una tuba. Probablemente sea, es demasiado grande, pero está en ese estadio. Entonces la forma en que estos realmente hacen que no suene, podría no ser la forma en que piensas. El jugador no se limita a poner la boquilla en la boca y soplar. No es así como funciona. En realidad tienen que zumbido. Por lo que tipo de zumban como con los labios juntos, así como algo así. Eso produce una cantidad justa del tono. Y el propio instrumento amplifica el tono. Eso es lo que hace mucho de la tubería. También ayuda a dar forma al tono del tono. El instrumento aporta mucho del tono también, pero parte de ella proviene directamente de la armadura. Esa es la forma madura significa la forma tus labios se conectan con la boquilla que produce algo del tono. Ahora una cosa que es especialmente complicada los instrumentos de latón puede haber notado que si miras como una trompeta , veamos, veamos si podemos acercar un poco a esta trompeta aquí. Tres válvulas. ¿ Eso significa que sólo puede tocar tres notas? No. Puede jugar varias octavas. Si las notas pueden tocar cromáticas, tocarás todas las notas en esas octavas. Entonces, ¿cómo logramos eso con solo tres válvulas? Bueno, un par de maneras. Primero, si piensas en todas las combinaciones posibles de esas tres válvulas, incluyendo las tres abajo en las tres hacia arriba. Ahí hay más opciones. Otra cosa es que hay una especie de trompetas más modernas, es una especie de una cuarta válvula oculta. Y es este anillo justo aquí. Agarran la trompeta así. Están tocando los dedos así. Y entonces su meñique está en ese pequeño anillo y pueden sobresalir eso. Y eso extiende poco el tubo. Y ese tipo de abre una nueva nueva serie de combinaciones de notas para cuando eso está abierto, que puedan conseguir más. No obstante, eso aún no es suficiente. El resto del tiempo, lo que tienen que hacer. Y esto es cierto para todos los instrumentos de latón. Tienen que usar su propio folleto, la forma en que sus labios están empujando el aire a través de su boquilla. Para encontrar delicadamente el sobretono correcto. Si piensas, piensa en la serie de sobretono, recuerda, si has mirado la serie de sobretono antes, me va un poco, hay un patrón a ella. Va la nota fundamental. Y luego la siguiente sube la serie de sobretono como octava. Y luego el siguiente paso que es un quinto, luego sigue y sigue y sigue de ahí. Digamos que estoy en trompeta y quería tocar la nota G. Podría tocar la nota G, eso está bien. O podría dedo la nota C y luego ajustar mis labios para tocar el segundo parcial, o lo siento, el tercer parcial de eso porque eso sería una octava y una quinta por encima de ella, por lo que sería un G. mucho mayor Los jugadores de latón tienen que maniobrar esto. Y yo razono que lo menciono es porque a veces si les das una nota alta, el otoño en ninguna parte, y simplemente dices, Aquí hay un alto B plano en una trompeta, es razonablemente alta nota en una trompeta. Sin contexto, solo bam, clavo. Puede ser un poco peligroso. Pero si les das una escala subiendo a ese piso B, mucho, mucho menos peligroso. Por lo que tiene sentido porque son aficionados, pueden ajustarse para obtener esa nota. Pero cuando solo tienen que sacar una nota alta de la nada, puede ser difícil. Ahí es donde obtienes lo que llamamos notas fracked. Donde usted aquí tal vez un nodo y luego la nota correcta. Que es un problema en los instrumentos de latón. Los jugadores profesionales pueden hacerlo con seguridad, pero vale la pena entender esa idea de usar sus labios para encontrar delicadamente esos parciales superiores. Porque eso es realmente difícil. Nunca toqué realmente un instrumento de latón. Me he metido en una trompeta y luego trombón antes, pero no haber estudiado alguna vez realmente una. Me parece increíble casi que puedan hacer eso. Ellos pueden encontrar esos. Pero sí pueden. Ese es el mecanismo de fabricación de sonido del latón. 5. Dinámica en cobre: Hablemos un poco de dinámica con el latón. latón es fuerte. Pueden ponerse muy ruidosos. Eso puede ser cosa más ruidosa en la orquesta muy fácilmente. Pueden hacer algunas cosas tranquilas. Pero piensa en su dinámica como ser, pensar en su ruidoso rango como ser más fuerte que el resto de la orquesta. Si escribes algo donde la violencia y los clarinetes, las trompetas están tocando la misma nota. Todos están marcados fortissimo. Vamos a escuchar las trompetas. No vamos a escuchar esos clarinetes en absoluto. Y probablemente escuche algo del timbre de las cuerdas, pero no mucho. Por lo que estos pueden ser realmente ruidosos. Ahora puedes escribir un delicado solo tranquilo para el cuerno, o la trompeta, o el trombón, o incluso la tuba. Esos están todos bien. Pero solo debes saber que si escribes mezzo-forte, toda la sección de latón, pensando que esto se va a fundir en un cordón. Van a ser más ruidosos que todo lo demás. Probablemente un buen conductor, ¿qué tipo de trabajo equilibrar eso? Pero los sujetadores se ponen fuertes. Otra cosa del latón es que pueden hacer cosas tranquilas, delicadas, pero no demasiado tranquilas. Simplemente se necesita una cierta cantidad de aire para hacer un sonido en estas cosas. Si retienen el aire y realmente piensan en lo poco de aire que puedes empujar por la boca y aún así hacer que tus labios zumben. Al igual que se necesita una cierta cantidad de aire para que buzz. No se puede escribir como una de las cosas que me gusta escribir para todos los instrumentos, si puedo, es un crescendo Neandertal. Escribo esto por todo el lugar. De hecho, cierro la pieza en la que actualmente estoy trabajando, pero la sacaré más tarde. El crescendo antiguo es cuando escribes n minúsculas en una nota o un 0, a veces hay un par de formas diferentes de anotar esto. No es una forma realmente estándar de notar esto. Entonces un crescendo hasta como digamos mezzo forte. Lo que eso significa es comenzar en nada y crescendo en la nota. Así que acaba de arrancar de la nada. Me encanta ese sonido. Lo escribo todo el tiempo. Puedes escribir eso para cadenas. Puedes escribir eso para la mayoría de las victorias. Las lecturas dobles son menos buenas en ello. No se puede escribir eso para latón, simplemente no funciona. Escucharás su entrada porque tienen que tener cierta cantidad de aire. Por lo que tipo de tienes que arrancarlas como un pianissimo, al menos para que estén produciendo sonido. De lo contrario vas a escuchar ese tipo de sonido de clic en él algún punto aleatorio. No es bueno. No pueden ponerse súper delicadamente tranquilos. Necesitan cierta cantidad de aire. 6. Notas largas y respirar: El RAS necesita respirar más que los vientos. Solo recuerda, se necesita más aire. Cuanto más grande es el instrumento, más aire se necesita. Se puede pedir a una trompeta que sostenga una nota más de lo que puede pedir a una tuba que sostenga una nota. La tuba va a necesitar más aire. Va a necesitar apenas cantidades más masivas de aire saliendo de ese humano para hacer ese sonido. Se van a quedar sin aire. Ahora eso no significa que no puedan tocar notas largas. Pueden tocar a lo largo de las notas. Pero dependiendo del tempo, un bar, dos barras, tres barras. No quieres que las tubas sostengan una nota para 32 bares. No va a trabajar. Vas a matarlo. Las trompetas no pueden sostener una nota tan larga tampoco sin respirar, pero pueden hacerla un poco más larga. Dependiendo de la nota. Si es una nota muy alta, no pueden. Notas altas, respira más. Las notas bajas, sólo tienen que empujar más aire a través para conseguir que esas notas altas salgan. Así que ten en cuenta que con latón para mí cuando esté en duda, les doy descansos . Si no tengo algo importante para ellos, les dejo descansar porque quiero poder usarlos también. Quiero que tengan un conjunto completo de pulmones cuando los necesite. Creo que eso es todo. Solo recuerda que necesitan respirar más que los vientos. 7. Articulaciones: Entonces cuando estás pensando en ritmos para el latón, puedes pensar en intentar hacer las sílabas, diciendo las sílabas. Objetivo, blanco, Takata, así. Eso es lo que su lengua tiene que hacer para producir ritmos más rápidos. Lo que tu lengua está haciendo para ir ta gotta, tengo que meter una etiqueta. Lo tomé a Takeda objetivo. Así es como esa es una de las formas en que producen ritmos más rápidos. Es muy parecido a lo que hablamos y vientos, usan su lengua para tipo de detener la válvula, detuvieron el flujo de aire y producen ritmos. Realmente no necesitas pensar en esto con latón. Tampoco mucho con los vientos. Son buenos haciendo ritmos rápidos y complicados. El latón más alto más que el latón inferior. Cosas como las trompetas. Están realmente acostumbrados a hacer como daga, daga, daga, daga, daga, daga, daga, daga. Estas cosas rápidas. Eso es como cosas de repertorio estándar. El eufonio, la tuba. No tanto, pero no por la razón que se podría pensar. No tiendo a escribir ritmos rápidos, complicados para esos instrumentos de bajo latón. Pero no es porque no pudieran hacerlo con la boca. Quiero decir, el mecanismo ahí es más o menos lo mismo. Son las válvulas. Válvulas de trompeta, vas así. Válvulas Tuba. Toma todo el dedo. Si tienes notas de cambio en eso, eso es difícil. Son grandes válvulas grandes y puede ser ruidoso para realmente se pueden escuchar llamadas cliente concurrente a veces. Pero si es una nota constante, si es sólo la misma nota ir a indagar en los datos, entonces puedes hacerlo en una tuba. Trombones, lo mismo que tienen esta diapositiva con la que tienen que lidiar. Entonces, si se están moviendo muy rápido, tal vez tengan que ir de aquí a aquí, van a tener una convulsión. Pero si están en la misma nota para entrar, pueden manejar eso. De acuerdo, entonces realmente no tienes que pensar demasiado en los ritmos. A menos que estés haciendo algo donde tienen que correr, como hacer alguna línea cromática a través de algunos ritmos complicados realmente rápidos. Yo evitaría eso. Pero de lo contrario, pueden manejar el ritmo, complejidad rítmica con bastante facilidad. 8. ¡Transposición de transposición!: Transposición, mi cosa favorita. La buena noticia es que, bueno, la mala noticia es que todos los instrumentos de latón están transponiendo instrumentos. La buena noticia es que es un poco más fácil. Todos están en b flat, con la excepción del cuerno francés o el cuerno, que es una F, y a veces G, cambia. Una de las muchas cosas que me gustan de la bocina. De todos modos, más sobre eso después. Pero trombones, trompeta, tuba, estos son todos en F, lo siento, en B flat. Creo que la trompeta natural podría estar en C porque es algo irrelevante. La trompeta natural es algo que no verás muy a menudo. Es básicamente, es una trompeta sin válvulas. Y así consiguen todas las notas pasando por esas series de connotaciones. Como corneta, el bugle es básicamente una trompeta natural. Sólo realmente los usarías por una cosa muy específica de periodos. Tú quieres. El sonido de una trompeta natural porque estás emulando los 1600 o algo así. No lo sé. Una trompeta natural, estamos de moda. Pero si estuvieras haciendo algo que tuviera un componente visual que estuviera escuchando a los militares o algo así. Podrías usar una trompeta natural o simplemente un corneta recta, que creo que es un poco más pequeña. Pero en general, no uses trompeta natural. Seguir adelante. 9. Los hornos: rango y sonido: Vale, porque he estado bromeando desde hace un tiempo. Empecemos con los cuernos. En primer lugar, hablemos de los nombres de estas cosas. El cuerno francés. Podría decirse que no hay nada francés al respecto. No recuerdo de dónde viene el término francés. Pero en la jerga orquestal moderna, tendemos a llamarlos el cuerno. Por eso sigo diciendo cuerno y después corrigiéndome al decirme cuerno francés. Y no sé si esto es preciso. Pero a mí, cuando alguien dice el cuerno francés, pienso en un jugador estudiante. Pienso en como intérprete de secundaria, estudiante de secundaria. Cuando escucho la palabra cuerno, pienso en este mismo instrumento, pero un jugador profesional, no sé por qué es eso. Creo que eso es sólo mi esnobismo arraigado saliendo. Pero puedes llamar a estos cuerno francés o puedes llamarlos bocina. Eso está bien. Creo que el término más profesional es Horn. No obstante, la broma en el biz es la pronunciación real de este instrumento es tu chiste que tenemos. Pero a menudo así es como me suenan. Esa cosa de sobretono donde intentan golpear una nota y luego no lo consiguen del todo. Entonces es como una nota alta y se cae a nota fracked. Antes de entrar en mi desdén por el cuerno, hablemos de las cosas normales de las que deberíamos hablar. El cuerno es un F. Tienen un pequeño interruptor en algún lugar que los mueve a estar en G a veces. Realmente no entiendo cómo funciona eso, pero no es nada en lo que tengas que pensar. Si hacen eso, transponen por su cuenta en la cabeza. No tienes que transponer otra cosa que f. rango escrito, f hasta ver. Están acostumbrados a leer la clef de bajo y clef agudos porque tienen una amplia gama. Voy a decir más sobre eso más tarde. Sonando todo el camino hasta este piso B y hasta este concierto F. Aquí hay otro diagrama. Pero están diciendo que es el rango seguro. Es esta f, que es una octava más alta que la f que vimos en el diagrama anterior. Hasta este G. Eso es lo que este gráfico considera que es el rango seguro. Este rango que es una octava abajo de aquí, es el rango completo. Hasta esto, ver, toda la gama profesional del instrumento. El cuerno le tiene un sonido muy apretado. Tiene el sonido de que es casi como si se estuviera estrangulando constantemente. Escuchemos algo realmente bastante hermoso sonido ahí. Este jugador de cuernos, acabamos de escuchar. Jugador de cuernos para cualquier orquesta. Este es uno de los mejores jugadores de trompa del mundo. Probablemente suena realmente hermoso. Pero tiene el tono que estoy tratando de explicar es que se siente como decir que es un tono estrangulado es la mejor manera que puedo describirlo. Mucha gente se siente realmente atraída el cuerno porque oyen el cuerno en estos grandes momentos de bronce usados en partituras de películas. Esos son geniales. Esos realmente tipo de nos conectan con Holst. De verdad creo que es de donde acreditamos ese sonido que viene. Y había un montón de cosas geniales sucediendo en ese momento. Sólo hay mejores formas de hacerlo ahora. Lo siento. Necesito dejar de arrastrar tanto el cuerno. Voy a dedicar un video entero va a ser el siguiente video. Y sólo voy a hablar por qué el cuerno me molesta tanto. Si no quieres oírme despotricar por la bocina, salta el siguiente video. ¿ Qué tal eso? Vamos a entrar en eso. 10. Una nota sobre los cuernos: De acuerdo, así que aquí está la cosa. El cuerno, con todo respeto. El cuerno es un instrumento extremadamente difícil de tocar. Es tan delicado. Lo que tienes que ver con tu boca en el aficionado, es muy complicado. El tubo es una locura. Sólo creo que no es un instrumento que fue diseñado muy bien. Como yo lo hago. Esta no es una opinión popular y por favor no tome esto fuera de esta clase. Es sólo entre tú y yo. No suena Gorgeous. Sí, lo hace. Cuando lo escuchamos en el contexto de lo mejor, uno de los mejores jugadores del mundo jugándolo. Sí. Pero por sí solo, simplemente no es un extremadamente, no es un gran sonido para mí. Si pones toda una sección de cuernos, puedes conseguir un bonito acorde grueso. Pero no es confiable. Como tantas veces. He escrito piezas de orquesta donde hay este gran momento y luego entra el cuerno y sólo se va. Y golpea el gran sonido climáctico. Y en lugar de ese gran momento con esa espalda, lo que consigo es el gran momento y luego lo arruina. Eso no es porque tuviera un mal jugador, es porque la cosa es tan difícil. Es tan difícil jugar de manera confiable. He perdido mi confianza en ello. Entonces cuando vamos a este rango, lo que llaman un rango seguro aquí, esta F a G. La razón por la que tipo de risa un poco cuando estaba explicando que, porque a mí, a mí, a mí, el rango seguro de la cuerno es este fondo D del pentagrama de agudos a sobre esto, ser como menos de una octava. Sé que eso es terrible, pero ahí es realmente donde me siento bastante cómodo escribiendo para que el cuerno haga cosas en ese rango porque no son probabilidad de ellos igual que fracking la nota es realmente baja, pero siguen siendo totalmente posibles. Escribo para cuernos con un rango extremadamente conservador, um, y nos encantaría escribir para teléfonos de impuestos de tenis en su lugar. Básicamente. Nuevamente, esto no es jerga de orquestación normal. Esto es puro editorial de opinión. Voy a parar ahora y decir cosas bonitas sobre los cuernos para el resto de esta clase, para todos los que salten este video, este será nuestro pequeño secreto. He conocido a algunos grandes jugadores de cuernos en mi vida. Son buenas personas. Practican duro porque tocan un instrumento imposible. Lo siento, cuernos, no eres mi favorito. 11. Los tipos de Trumpetas: De acuerdo, pasemos a la trompeta, donde no tenía más que cosas bonitas que decir. Para arrancar los diferentes tipos de trompetas. El más estándar es la trompeta plana B. Si sólo dices trompeta, vas a conseguir esta. El B trompeta plana. También se está volviendo bastante estándar es la trompeta C. Tiene campana un poco más larga, tiene un tono un poco diferente. Es bastante sutil. Es un poco como un sonido más brillante un poco . Pero está escrito en C. Simplemente genial para gente como yo. Es esta cosa llamada trompeta de bolsillo, que es una especie de trompeta apurada. Bocina frugal. Aquellos de ustedes que estén a más cierta edad recordarán a un tipo llamado Chuck Mangione. Hizo famosa la gripe cuerno. Es como una gran trompeta. Es realmente un sonido cremoso a ella. En realidad es muy agradable. Es un poco más bajo Sonido tipo de llena lo mismo, un rango similar a los cuernos, cuernos franceses, si se quiere. No estándar en una orquesta. Pero los he visto en orquestas antes. Este P Java, no sé qué dice esto. Esto parece un juguete. Esta es una trompeta de plástico. Tal vez. He visto un par de estos instrumentos de latón plástico saliendo últimamente. Son un poco cool porque son baratos y son geniales para principiantes sin la gran inversión. En realidad les mencioné ahora que lo pienso a un buen amigo mío que es trompeta. ¿ Qué opinas de estos instrumentos plásticos? Y dijo, The Great, No vas a salir al escenario y a una orquesta con ellos, sino para la gente aprendiendo a tocar a un precio asequible. Bastante bien. De todos modos, no vamos a lidiar con esos. Hay una trompeta D, trompeta en la llave de D. Poco más brillante todavía. Ahí está la trompeta piccolo. Esto realmente alto. Se oye esto en ferias de fans y cosas así. Trompeta pitched muy alta. Hay un corneta del que hablamos. Sin válvulas. En orquesta. Orquesta estándar. Probablemente vas a escribir para la trompeta plana B. Puedes escribir para la trompeta C si quieres. La mayoría de los trompetas profesionales tienen una bolsita especial que llevan alrededor que tiene tanto una trompeta B plana como una trompeta C. Puedes escribir para cualquiera de los dos simplemente bien. Y lo más probable es que tengan ambos a mano. De hecho, la próxima vez que vayas al concierto de orquesta y orquesta, encuentra las trompetas. Búscalos. Es posible que veas justo al lado del trompeta un poco de pie con otra trompeta. Eso es o habrá plano o C, dependiendo de cuál estén jugando actualmente. A menudo lo tienen justo al lado de ellos en un pequeño stand. Por lo que tienen ambos a la lista todo el tiempo. Esos son diferentes tipos de trompetas. Se pueden esperar estos a cualquiera de los otros tipos. Vas a tener que hacer algo especial y pedir y solicitar que se utilicen. 12. La trompeta: rango y sonido: De acuerdo, entonces el rango de la trompeta, baja F afilada hasta esta escena. Esta escena es una especie de famosa nota en la trompeta. El alto C. Esto es algo así como si te imaginas en tu cabeza, el sonido de una trompeta tocando una nota alta, al igual que un cribador, igual que tú aquí al final de la intro de Saturday Night Live . Eso es probablemente un C. alto Eso es como estas notas gritando. Ahora un jugador profesional puede chirriar un par de notas más. Pero no son confiables. Este alto C es para todos los fines prácticos, la gama superior en la que se quiere pensar. Y también quieres pensar esa nota como no ser fácil de conseguir. Entonces, si les vas a dar esa nota, acércate a ella por una escala, eso les ayudará a obtener esa nota. Y esperar que esa nota esté gritando voz alta. No importa qué. No escribas una C alta en pianissimo. Eso no es posible. Esta es nuestra gama escrita, también, el rango de la trompeta marina. Entonces aquí está el rango sonando de la trompeta plana B. Este va a ser el rango escrito de los tres, la c, B flat, y D. Pero este va a ser el rango sonando del plano B y el rango de sonido de la trompeta D, tan ligeramente diferente. El trompeta D, creo que dije en el último video, la trompeta D no es tan estándar como la trompeta marina. Se puede esperar ser aplanado C, no creo que se pueda esperar que un jugador solo tenga un triunfo de asiento, o una trompeta D por ahí. Es un poco más raro. Dinámica. Como dije, la gama superior, gritando en voz alta, sólo pueden obtener esa nota por gritar en ella. El rango bajo, un poco tembloroso. Tratando de imaginar. Si les estás dando notas camino por aquí abajo. Estoy pensando que las notas sostenidas más largas pueden estar bien, no demasiado largas, por lo que necesitas respirar. Pero si les estás dando pasajes más rápidos y esas cosas, me mantendría alejado del extremo de gama baja. Los mantengo en torno a C a G por encima del personal. Una vez que te pones por encima de eso, realmente tienes que ramparlos ahí arriba o darles mucho volumen. Pero de lo contrario, las trompetas pueden ser bastante versátiles. No creo que haya nada fuera de lo común o especial que necesites pensar con estos. Genial, vamos a seguir adelante. 13. Los tipos de trombones: Hablemos del trombón. trombón en realidad funciona mucho como los otros instrumentos de latón. Tiene un mecanismo de aspecto muy diferente. Pero el principio sigue siendo el mismo. En algo así como una trompeta. El tamaño de la tubería cambia dependiendo de qué válvulas tengas abajo. Vamos a pasar aire diferente a través de diferentes tubos. Y eso efectivamente alarga el tubo porque si tienes todas las válvulas cerradas, entonces el sonido sale por un camino. Pero si los tienes abiertos en ciertas combinaciones, va alrededor de otro camino. Se tarda más tubos y así te ayuda a producir el tono que estás buscando. En un trombón. Ese concepto es simplemente mucho más visual. La longitud de la tubería se mueve con el brazo. Lo tocas así haciendo que el tubo sea más largo y más corto. Ahora, esa idea de encontrar los parciales con tus labios sigue siendo cierta. De hecho, probablemente hayas visto que esto suceda. Podrías haber visto a alguien en un trombón jugar a, tocar una nota baja tirando de su brazo hasta el final. Entonces tirando de él todo el camino entrando y yendo. Y tocando una nota aún más baja. Eso es por la posición en la que tienen que estar. Y combinado con la emboscada o la forma en que están posicionando su boca es lo que realmente produce una nota. A veces la nota más baja no siempre es toda la salida. Diferentes tipos de trombones, hay dos trombones comunes que encontramos en la orquesta. Ahí está el trombón tenor y el trombón tenor es el más común. Y si acabas de decir trombón, lo que estás obteniendo es el trombón tenor. Ahora podría estar acostumbrado a uno que se vea así. Si viste un trombón en una banda de conciertos o en tu preparatoria o donde sea. Este es el tipo de Trombón al que podrías estar acostumbrado a ver. Creo que más común para un músico profesional es aquel que se ve así. Aquí tiene un poco más de tubos. Esto sigue siendo un trombón tenor. Es el mismo instrumento. Sólo tiene un gatillo extra. Básicamente lo llaman gatillo F. Está justo ahí, lo usas. Así que si lo tocas así, va a estar en el pulgar el que está sosteniendo el instrumento. Entonces está justo ahí. Y básicamente es sólo una cosa que puedes sostener que va a redirigir el aire a través de este tubo extra y te permite obtener un par de notas extra, más bajas. Te deja bajar a F. Por eso lo llamamos gatillo F. Te mostraré que cuando hablemos del rango en tan solo un segundo. Ahora con cualquier manera, cuando estás escribiendo, simplemente escribirías para trombón. Y si el jugador quiere jugarlo en este trombón sin gatillo F o este trombón, esa no es realmente tu preocupación. Si escribes a F, entonces van a necesitar usar este tipo de trombón, bastante seguro de hacer en una orquesta profesional. El tercer tipo de trombón es un trombón bajo. Esto tiene dos disparadores, y gatillo F y un gatillo G. Por lo que sólo un poco más opciones para que tengan. Y creo que es una octava más baja. Vamos a ver el alcance de diseminar. Puede especificar bajo, trombón u orquesta. No es estándar. Pero no es tan raro. Yo creo. Puede ser una duplicación común. Tendría que mirar esa para arriba con seguridad. Si puedes pedirle a un trombón que contraiga trombón bajo. Normalmente no lo hago. Escribiría para las fuerzas de dos trombones. Bueno, veamos una puntuación. Sí, ahora que la memoria me está volviendo. Esta pieza, esta es una de mis piezas que escribí para tres trombones, y creo que el tercer trombón. Es común que también contraigan trombón bajo. Puedes pedirle a tu tercer jugador que toque trombón bajo. Sonido similar y todo y el trombón de bajo es apenas más bajo. Mira los rangos en un segundo. Esos son los diferentes tipos de trombones. Hay más, por supuesto, como todos los instrumentos, hay un montón de variaciones en ellos. Hay un alto, trombón y algunos otros, pero no son estándar. Y el rep de orquesta. 14. El trombón: rango y sonido: De acuerdo, así que antes de hablar del rango, hablemos muy rápidamente la transposición del trombón porque en realidad es un poco complicado, más complicado que la mayoría de las transposiciones. Es la misma cantidad de complicada que otras transposiciones. Pero tal vez haya mal hablado antes cuando dije que es un instrumento plano B como todos los demás latón. Porque solo estaba mirando eso porque eso se sentía poco raro decir que es un instrumento plano B porque muchos instrumentos de clave de bajo son C, y siempre está escrito en clave de bajo . Lo miré hacia arriba y resulta que en alguna música, particularmente, leí algo sobre British Concert Band y alguna otra música de Concert Band. Pero creo que podría ser una tradición británica escribirlo como instrumento transposición en B-flat. Mucha literatura también se acaba de escribir para ello en el tono de concierto C. Por lo que puedo reunir, es el tono fundamental es un plano B, y así mucha gente lo trata como un instrumento plano B. Pero en mucha música moderna, lo escribimos en C. Esto es muy confuso para mí. Me tiene preguntándome, ¿debería escribirlo como instrumento transposición o escribirlo en C? Mi inclinación va a ser escribirla y ver, porque preferiría escribir todo en tono de concierto porque soy malo en transponer, pero también quiero hacerlo bien. Por lo que puedo decir. En la música moderna, estamos escribiendo para trombón en tono de concierto en C. Así que veamos la gama. El rango, y esto es pitch de concierto. El rango normal aquí. E hasta este piso B, jugador profesional, chirriar un par de notas. Y luego los jugadores con este gatillo pueden bajar al mar o bajar a este F. El rango de pedales creo que es algo de elevación. Es una forma diferente de jugar. Pero el gatillo F, combinado con hacer algunos cambios maduros, puede bajarte a este F. Si estás trabajando con alguien que tenga el gatillo F, que es seguro asumir que lo eres. Puedes bajar a este F. Ahora vas a escribir en clave de bajo, creo que trombones. Puedes entrar en clef alto. Yo creo. Si ibas a permanecer al día en este rango por un periodo prolongado de tiempo, podrías cambiar a la clave de alto para evitar un montón de líneas de libro mayor. Pero no creo que la clave agudos. Yo, de nuevo, podría querer volver a revisar eso con la orquesta, ver lo que prefieren. Pero, um, parece recordar haber gritado por un trombón por entrar en clave de agudos cuando en duda, se adhieren al trombón de la clave de bajo. El rango del trombón bajo es más o menos el mismo que si tuvieras el gatillo F. No lo haces, no ganas mucho rango al cambiar al trombón de bajo, pero obtienes mucha más confianza en esta zona de pedales bajos. tanto que aquí, con estos rangos charcos, tienes notas que suenan bastante delgadas. No tienes el oomph de ello. Con un trombón de bajo, obtienes un sonido realmente sólido en ese rango. Así trombón tenor, con los disparadores aproximadamente el mismo rango, al menos en el extremo bajo que el trombón bajo. Pero el trombón bajo, si vas a hacer muchas cosas ahí abajo, quieres que el trombón bajo realmente le dé el poder. Oigamos algo. Se trata de un trombones alto. ¿ Qué va a ser un poco más alto? Mismo tono de un trombón. Tiene ese tipo de fuzziness que conocemos de todos nuestros instrumentos de latón. Es muy similar en realidad al sonido de la bocina, excepto tal vez más confiable. No lo sé, no debería decir eso. Pero está arriba en el rango más alto de los trombones, muy similar a la bocina. Pero los huesos de electrones, son divertidos trabajar con ellos. Un relativamente sólido, de nuevo, un instrumento difícil de tocar, no fácil pero bueno trombón puede ser, puede ser un sonido realmente increíble. 15. Los tipos de Tubas: Vale, hablemos tuba. La parte más baja de la sección de latón. Hay un montón de diferentes tipos de tubas. Ahí está la tuba base, contrabajo, tuba, el eufonio, cuerno frugal, Wagner, tuba, o super cool. El Helicon tuba. Marchando tubas. Esto es tal vez lo que podrías imaginar cuando piensas en una tuba, bocina de barítono, y un par de otros raros. Vale, así que esto es lo que necesitas saber. El sousaphone, este tipo de tuba, o el sousaphone tuba marchante. Creo que esos son lo mismo. Esos no van a ver realmente en una orquesta. Podrías ver esas bandas, definitivamente las verás en banda de marcha, pero esas no se encuentran típicamente en orquestas. Si ves este tipo de campana grande sobresalendo así, podrías estar mirando una tuba de Wagner. tubas Wagner sobresalen un poco porque tenían el cuerno que sube hacia arriba. Estas son muy específicas. No quieres escribir para las tubas de Wagner. Estos fueron escritos por mucho Bye Wagner. Fueron populares por un minuto y su tiempo, hay muchas orquestas tienen un conjunto de tubas de Wagner y son más o menos sacadas para tocar algunas de las grandes sinfonías de Wagner. No son algo para lo que puedas escribir. El tipo de sonido como un cruce entre un cuerno y una tuba. Como un cuerno realmente bajo. Ahí. Genial. Tienen algo de poder, les tienen algo de arena. Son un poco de aspecto fresco. Pero no quieres escribir para esos. Normalmente, si estás escribiendo para orquesta, tuba, estás escribiendo para una base, tuba. Base, las tubas son grandes que las tubas, se sientan en tu regazo. Garrapatas, típicamente tienen cuatro válvulas y pesan como de 30 a 40 libras. Lo siento, bastante pesado. No son los instrumentos más diestros del mundo. Entonces toman, porque como dije antes, porque tienen estas válvulas realmente grandes. Incluso un jugador profesional, Es así. Veremos a un jugador profesional negociar esos en tan solo un segundo. Base. Tuba es con lo que estás trabajando cuando escribes tuba. En un marcador. 16. El Tuba: rango y sonido: Ahora el rango de los dos, pero para la transposición de la tuba, una especie de trato similar querido como los trombones. Se puede ver aquí nota que aunque el eufonio y la tuba base están inclinado en B flat, se notan y C en el terreno de juego deseado. Entonces los escribimos en contra-pitch. Están diciendo que son básicamente instrumentos B-flat, pero los notamos en el tono de concierto. Contour pitch, range, básicamente esto todo el camino hasta esto mostrándome una D, pero dice aquí, típicamente sólo les referimos una clef de bajo. Pero si realmente necesitas gritar por un largo periodo de tiempo, puedes cambiar a clef tenor. Escuchemos a alguien ahora. Este es un concerto para tuba base. Un concierto de tuba de Ralph sobre William Vaughan Williams. Ten en cuenta que lo que vas a escuchar aquí es un jugador virtuoso. Si puedes escuchar eso, pesar de que la tuba tenga su gran, fuerte gama baja y para eso lo sabemos. Tiene un sonido realmente hermoso arriba en el rango medio, superior, más alto del instrumento. Ahí hay unas notas realmente bonitas. También se puede escuchar como encendido, incluso en los pasajes de la nota 16 en este extracto, casi se puede escuchar una cepa para conseguir que el instrumento vaya tan rápido. Ni siquiera es el jugador, son las válvulas. Se puede escuchar este bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop, bop. Este es probablemente uno de los mejores jugadores del mundo que estamos escuchando. Entonces esos pasajes rápidos son engorrosos. Pero estas líneas melódicas como esta realmente agradable. Dale, dale al jugador un poco de amor en tu música y tendrás un amigo de por vida. 17. Mutos: Vale, hablemos de los mudos. Hablamos de mutes de cuerda, cómo tenían trozo pequeño de goma que pueden poner en la cuerda para algo que la humedezca. Hablamos de cómo los vientos rara vez usan mudos porque el sonido sale de todas las direcciones del instrumento. Entonces poner un mudo y el final del mismo o en la campana, tiende a no hacer mucho. Instrumentos de latón. Casi todo el sonido sale de la campana, por lo que silencia muy eficaz y muy común. Es posible que hayas visto, como en el jazz a la gente usando un mudo émbolo, que es literalmente un émbolo. Hay muchos tipos diferentes de mudos y trabajan en todos los instrumentos de latón. Sí. Hay un montón de cosas diferentes. Podemos poner una, una trompeta, la tuba, a menudo verás que el tubo estaba metiendo en un mudo agarrando esta cosa grande, enorme y poniéndola encima para meterte en la cima de la tuba. Tienen algunos tipos diferentes de mudos. Los cuernos sí tienen mudos, pero funcionan un poco diferente por la forma en que sostienen el instrumento. Su mano ya está en la campana. Entonces sí tienen algunas cosas. Pueden un poco las cosas arriba en la campana, o pueden hacer algunas cosas con la mano para tipo de detener el sonido para crear un mudo. Sus opciones mudas son ligeramente diferentes, pero sí tienen algunos trombones tienen mudos que pueden poner al final. Así que pensé en mostrarte un par de esos sonidos diferentes para los mudos. De la forma en que llamarías para esto y las partituras, solo escribes el nombre del mudo, dirías con mudo y decir el tipo de mudo si puedes. Entonces por supuesto hay que darles un poquito para poner un mudo, un poco de tiempo para poner el mudo adentro y sacarlo. trompetas pueden poner y sacar un mudo bastante rápido. Como un bar. Jugadores de trombón, toma un poco más de tiempo, así que llegué a recogerlo del piso. Es más grande. Tenían que llegar. Tengo que asegurarme de que esté ahí dentro seguro para que no se vaya volando. Eso puede llevar un par de bares. Tuba toma una cantidad significativa de tiempo para recoger esta cosa, ponerla, y luego la sacan. Así que hay que darles tiempo para poner un mudo y sacarlo. Tenemos un mudo recto. Eso es como tal vez eso es lo que imaginas cuando piensas en un mudo para una trompeta. Tiene este corcho y assai. Casi todos tienen eso, eso sólo ayuda a que se adhiera. Y un poco solo canaliza el sonido en un sonido Bezier mucho más delgado. Taza, mudo. Casi te imaginas que está poniendo una, una taza como una taza de café sobre toda la campana, como salen los bordes. Un mudo Harmon tiene un pedacito en su interior que lo hace un poco de bullicioso extra. Piensas en estos, cuando piensas en el jazz, un poco más, el émbolo mudo, es literalmente un émbolo. Gracias, genial. Así es como obtienes ese efecto wah-wah. Cubo mudo. Es como un cubo realmente amortiguó el sonido. Y un silencio de práctica que probablemente no quieras usar, aunque podrías, esto no mata por completo el sonido, pero lo hace realmente, realmente tranquilo. Así que realmente no puedes oírlo. Esto es para si quieres practicar tu trompeta y tienes compañeros de cuarto. Así que sentí este video que pasa por tocar una melodía con un montón de necesidades diferentes solo para que podamos escuchar cómo suenan. Entonces veamos un poco de esto. Hola . De acuerdo, para que puedas ver que hay muchos tonos diferentes que puedes conseguir. Creo que la principal comida para llevar aquí es pensar cuando usas un mudo. Si decides silenciar, usa un mudo. No lo pienses como un efecto dinámico, como algo que sólo va a afectar el volumen. Pero piénsalo como un efecto de madera, algo que va a afectar a la madera de la manera en que suena el instrumento. Muchos de ellos también afectarán volumen, pero son más grandes. impacto para mí es en la madera. Se puede ajustar para el volumen. Puedes decirle a alguien que juegue más fuerte o más tranquilo. El mudo, la fuerza del mutante está en el ajuste al timbre. 18. Multiphonics: Bien, multiplex en instrumentos de latón. No hagas multifonética en instrumentos de latón. Dieta siguiente video. Diré un par de otras cosas. ¿Es posible hacer multifamiliares algunos instrumentos de latón? Probablemente. En realidad nunca lo ves. Lo que sí se ve en la música no en una orquesta, sino en solitario, como cosas virtuosas. En ocasiones se ven estas técnicas extrañas donde tocan una nota y luego tararean una nota diferente. Así que va a ser realmente, muy tranquilo porque hay zumbido, pero hay cosas así que he visto hacer muy raras. Nunca. No debería decir nunca pero casi nunca usado en una orquesta. La forma en que miramos a los actos multifamiliares sobre el saxofón. Eso no sucedió realmente para los instrumentos de latón. En un entorno de orquesta. Definitivamente multi fonética e instrumentos de latón hacia fuera. No hagas eso. Ni siquiera lo intentes. 19. "Fuerzas fuerzas" en una orquesta: Realmente no hemos hablado las fuerzas en una sección de bronce de una orquesta. Como cuántas trompetas, ¿cuántos trombones? Sólo quería abordar así de rápido. Esto puede variar. Se pueden tener fuerzas grandes o pequeñas fuerzas y latón, igual que los vientos, pero este es el más común. Para cuernos. Volveré a eso en un segundo. Tres trompetas, tal vez dos trompetas a trombones. Un trombón bajo, o tres trombones, 310 o trombones. Tuba. Cosa interesante sobre la forma en que se presentan los cuernos en una sección de bronce de orquesta. Entonces para algo así como las trompetas, podrías tener, digamos que tenemos tres trompetas. Podrías tener trompeta 123, donde la trompeta uno va a ser tu trompeta superior. quieres, ¿verdad? Si va a haber alguna cosa real alta, algo particularmente excepcionalmente difícil, le das eso a la primera trompeta porque van a ser presumiblemente tu trompeta superior. 23 van a ser muy buenos trompetas. Pero lo más difícil que vas a poner para trompeta uno justo ahí, la primera silla para los cuernos, haces algo un poco diferente. Definitivamente la materia más virtuosa va a la bocina, número uno. Pero típicamente escribimos cuatro cuernos en dos pentagramas. Escribimos dos cuernos el primer día de en la partitura, no en la parte y la parte. Todo el mundo obtiene su propio personal, pero todo el mundo obtiene su propia parte en realidad. Pero en la partitura, lo lees en dos pentagramas. Se puede hacer esto de dos maneras. Se puede escribir cuerno 12 en la duela superior y 34 en la duela inferior. O puedes escribir cuernos, 13 en la duela superior y 24 en la duela inferior. Esa es una forma común de hacerlo. El motivo por el que haces eso es uno de cada tres a menudo se consideran tus mejores jugadores. Lo cual es raro, no 1213. Puedes pensar en ellos como dos grupos de dos, donde tienes el Jugador Uno y dos. jugador uno es mejor, luego jugador 34, el jugador tres es mejor. Esa es más o menos la forma en que va. Ahora teniendo en cuenta que eso es bastante arbitrario porque los cuatro jugadores van a ser muy buenos jugadores si están tocando en una orquesta profesional. Pero lo más difícil va para los jugadores 13. Por lo general. Si escribes las partes 13 en un solo pentagrama, entonces ese es básicamente tu personal material más difícil. Y luego 24, ese es su personal de materiales menos duros. O puedes escribir 12 donde tu top-line es tus cosas más difíciles y tu resultado final es que eres menos difícil. Y luego 34 son donde tu top-line es lo duro y su segunda línea es la materia menos dura. De cualquier manera está bien. Solo tienes que asegurarte de etiquetarlos cuál estás haciendo. Sólo estoy mirando este marcador. Y escribí 1231234, lo cual me sorprende. Normalmente escribo 1324. Pero lo que sea de cualquier manera está bien. Pero es sólo algo en lo que pensar. La forma en que escribimos bocina. Las fuerzas son típicamente cuatro cuernos, dos o tres trompetas, trombones, un trombón bajo, o tres trombones, y una tuba. 20. Pitchy no pitched y no pitched: Muy bien, pasemos a la percusión. Entonces la sección de percusión es prácticamente imposible de definir porque sólo hay tanto que puede ser percusionistas, los percusionistas profesionales están entrenados con el, el arte de la adaptabilidad. Es, sí, son muy buenos tocando los instrumentos de percusión estándar, pero también es muy común en una música orquesta decir, quiero que alguien pueda golpear peces vivos con un martillo. No hagas eso. Eso es asqueroso. Pero si quisieras hacer eso, se lo daría a un percusionista. Si llamas por algo extraño en el marcador. El apartado de precauciones probablemente esté abierto a ella. Siempre y cuando no se va a lastimar a sí mismos ni a sus instrumentos ni a las personas que los rodean. Suelen estar abajo por un reto. Podemos dividir todos los instrumentos que tocan los percusionistas. Los instrumentos comunes que tocan los percusionistas, más o menos a lo largo de las líneas de pitched y no pitched. Entonces pitched serían cosas con un tono definido. Xilófonos, marimba tiene Glaucon, espiel, algunas campanas, algunos gongs. Hay, hay más. Pero esas son cosas donde tú, donde notas un tono definido, entonces hay cosas no pitched como símbolos, triángulos, tom-toms, trinquetes, snare, drum, bass, drum, drum, cosas así, otros tambores. Pero luego hay cosas con tono relativo. Cosas que son una especie de pitched pero no definitivamente inclinado, cosas como Toms. Si miras estos toms en esta imagen aquí, son de diferentes tamaños. Eso significa que los más pequeños van a ser un tono más alto que los inferiores. Estos notarías con un tono relativo. Más sobre notación en breve. Pero aún más o menos clasificaríamos estos como sin parches. No es eso, eso importa mucho. Es sólo una forma de pensar en la percusión. Ahora cuando estás lidiando con la percusión, hay mucho en qué pensar. Porque no sólo tenemos que pensar en lo que están golpeando, sino que también tenemos que pensar en lo que lo están golpeando con el mazo. Tenemos que pensar en cuántas cosas pueden hacer a la vez. Puedes pedirle a un percusionista que haga dos cosas a la vez. Pero también es posible que tengas que pensar en cómo llegan desde el xilófono, que es por aquí en el escenario hasta la marimba, que está muy por aquí en el escenario. En una octava nota, hay una cierta cantidad de coreografía en la que hay que pensar. Puede ser un poco complicado lidiar con todo esto. Así que vamos a entrar en algunos de los conceptos básicos ahora. Advertencia justa, no voy a cubrir todo sobre cada instrumento de percusión. Vamos a hablar en términos amplios sobre cómo lidiar con la percusión. Este es un caso en el que podría ayudarte tener un libro de orquestación que realmente enumera todos los instrumentos de percusión posibles pero muchos y cómo los notas. Porque hay cientos, realidad, hay cientos de cosas diferentes que podrías hacer. Pero hablemos en grandes términos sobre cómo lidiar con la percusión. 21. Timpani y Fuerzas: Vale, hablemos de fuerzas. Normalmente vas a tener dos o tres percusionistas. Ahora eso no significa dos o tres instrumentos de percusión. Los percusionistas pueden duplicar. El término duplicación no se aplica aquí porque podemos pedirle a un percusionista que tocara un 100 cosas diferentes en una pieza, siempre y cuando podamos establecer una manera para que ellos hagan eso físicamente, se muevan entre los diferentes instrumentos. Pero cuando ves una actuación de orquesta, no es raro ver al percusionista caminando, veces corriendo por ahí para llegar a los diferentes lugares. Pero tendrás dos jugadores diferentes, a veces tres jugadores diferentes, personas. Y normalmente establecerán lo que necesitan en un semicírculo a su alrededor. En ocasiones compartirán instrumentos si tienen que negociar el movimiento entre ellos. Ahora, el timpani es un caso especial. Seguramente tendrás un timbanista que el timpani no duplique a ningún otro percusionista. Instrumentos de percusión. No puedes tener un timbano y decir por esta sección, no has jugado en un 100 medidas. Por lo que quiero que le pegues a este OneNote en un triángulo. No se puede hacer eso. A lo mejor se puede en una orquesta amateur, pero en una orquesta profesional, el timbanista toca el timpani y nada más. Si ves una, un marcador que tienes para percusionista, pero uno de ellos es el timbano. Tienes tres percusionistas. Tiene sentido. Esto es como una regla sindical. No se puede pedir al timbano que haga otra cosa que no sea jugar los timbales. Es raro. Aunque toquen una nota en toda la pieza, no se les puede pedir que hagan otra cosa que OneNote. Por lo que el timpani es un caso especial. Cuando estás escribiendo para tympani. Normalmente tienes cuatro o cinco tambores diferentes. Están lanzados y se pueden volver a tocar en una pieza. Si tienes cinco notas diferentes, puedes usar esas cinco notas. Pero entonces si tienen alguna medida de descansos como mucho, pueden volver a unir uno de los timbales o múltiplo de los timbales a una nota diferente. Son bastante buenos en esto. Podrías tener una nota que es g y el timpani, y luego tienen 20 barras de descanso. Y ahora necesitas ese tambor para que ahora sea un a que sea factible. Pueden sintonizar eso. Pueden elevar el tono de eso hasta una a. está en un pedal. Así es como los retocan. Ahora el rango que pueden leerles y retune es bastante limitado. No puedo recordar exactamente, pero es sólo como una octava por batería. Por lo que hay que mirar el tamaño de los tambores y el rango de esos saltos. Te animo a que busques el rango de afinación de los diferentes timbales. No le pidas a un jugador de Tiffany que juegue los lados de los timbales. Si lo haces, van a sacar un viejo tímpano y hacer algo raro con él. He visto que eso suceda y provoca bastante revuelo en la orquesta. Las conchas del tímpano son muy frágiles. No les gusta golpear los costados de ellos. Pero lo más importante, no se puede pedir al jugador timpani que haga otra cosa que jugar el timpani. Todo el resto del percusionista puede correr por ahí como pollos con la cabeza cortada, haciendo 100 cosas diferentes. 22. Rodillos y accidentes en Rodillos: Quiero hacer mención de roles de notación. En particular, los diferentes tipos de trazos. En su mayor parte, no tienes que pensar cómo alguien va a pegar algo. Significa que si dices tocar este ritmo en un tambor de caja, van a tocar ese ritmo en el tambor de la caja y lo van a hacer como necesiten hacerlo. Pero ¿piensas si le pides a alguien que rolle, qué tipo de rol quieres, esto es importante porque suena muy diferente. Típicamente cuando pensamos en un papel, lo somos. Si te imaginas en tu cabeza como un rollo de tambor de snare, probablemente estés imaginando una nota con tres líneas cruzando la parte superior de ella. Déjame mostrarte. Este es un rollo abierto. Esas son las tres líneas de las que estoy hablando. Ese va a ser ese sonido de un papel. Este es esencialmente un papel escrito con el pegado de derecha e izquierda. Si quieres el sonido de un papel, no hagas esto. Esto sonará más como notas distintas. Una cosa que he encontrado de la sección de percusión de una orquesta es que van a ir a longitudes locas para tocar exactamente lo que has anotado. Se enorgullecen de, aunque sea realmente extraño, conseguirlo exactamente como lo has anotado, asegúrate de que tu notación sea exactamente lo que quieres. Puedo contar una historia loca sobre hacer esto y tal vez lo haga al final de esta sección. Pero por ahora, vamos a seguir adelante. Esta es una notación para un rol de zumbido que es más como empujar tus palos en la cabeza. Es un tono más alto. Es un tipo diferente de papel. Encuentra a un percusionista y pídeles que jueguen un papel de zumbido para ti. Aquí hay otro papel de zumbido, pero algo más anotado. Es más un sonido de zumbido que un que tiene sentido. Zumbido de un solo paso, papel, aplastado Buzz. Esos son todos tipos diferentes de zumbido. Estos, estos no son únicos de la percusión. Se puede escribir este tipo de notación en cualquier instrumento, pero como está en la pantalla, tal vez voy a hablar de ello. esto llamamos viriles emplumados. Cualquier programa de notación puede hacerlo. Es un poco complicado, pero puedes conseguir un programa de notación para hacer eso. Lo que eso significa es ir con éste es, es jugar, empezar muy rápido y luego disminuir la velocidad. Como, déjame hacerlo aquí en mi escritorio. Entonces eso es lo que eso está diciendo hacer. Este bar va rápido y luego se ralentiza y luego rápido, así que va Eso es algo de lo que eso dice hacer. No puede ser un efecto fresco en el contexto correcto. Aunque puedes escribir eso para cualquier instrumento. El papel de Crescendo es solo abrir rollo con un crescendo en él y luego se romperá al final y un rol de zumbido que se desvanece con un piano sforzando en él. Para que puedas escribir roles con dos guiones en ellos e incluso solo un guión sobre ellos. Pero esos van a tener un sonido diferente. Si quieres ese sonido de rol, quieres estas tres líneas que digan como un gran papel abierto. 23. Mallets: Vale, hablemos de mazos. Puedes, pero no tienes que especificar qué tipo de Mazo quieres usar para los instrumentos de percusión, cualquier cosa que se vaya a golpear. Ahora veo que no tienes que no tienes que precisar qué tipo de mazo. Si no lo haces, usarán su mejor juicio. Pero puede haber un sonido bastante diferente dependiendo del malato que se esté utilizando. En términos generales, cuando describimos un mazo, describimos dos cosas posibles. Uno es lo duro o suave que es, y dos es de lo que está hecho. Se podría decir mazo de hilo, que sería uno de estos. Y eso va a ser bastante suave. Entonces un malato de hilo es bastante suave. Aquí tenemos mazas de goma. Aquí tenemos mazas de madera, mazas de plástico, y mazas de latón. Y estos van a ir, bajando la lista como acabo de hacer. Esos se están volviendo más y más duros y más duros. Cuanto más difícil es algo, más duro será el sonido. Esa es una forma rara de decirlo, pero creo que es precisa. Te golpeas algo con un mazo suave, va a ser un sonido boom. Golpeaste algo con un malato realmente duro. Va a ser un sonido de clic. Va a estar muy enfocado. Ahora eso también depende del instrumento. Entonces algo así como una marimba es un sonido muy suave, y una marimba está hecha de madera. Si les dices que toquen una marimba con mazas de latón, probablemente no lo vayan a hacer porque va a dañar la marimba. Pero recuerda, casi siempre se juega con mazo de hilo. No obstante, puede especificar utilizar un mazo duro o blando. Todavía va a ser un mazo de hilo. Pero estos, puedes ver aquí, estos son más duros, estos incluso son duros y estos son blandos. Entonces hay un grado variable de hilo. Malate. xilófono, que está hecho de madera, típicamente se va a tocar con mazas de plástico. Quizás serían mazas, aunque creo que el plástico es más común. Tratando de recordar, no típicamente mazos de hilo en un xilófono porque no lo harán, no será tan fuerte, no hablará tan bien. Pero sin duda puedes pedir mazas de hilo en su teléfono de párpados si quieres que tenga un sonido humedecido, esa sería una forma de hacerlo. Lo que tiendo a hacer es si tengo en mente una idea muy específica, podría decir malato duro, mazas blandas. En realidad sólo quería esos dos. Entonces voy a dejar, dejar que el intérprete haga lo que piense que va a sonar mejor desde ahí. Pero eso básicamente les dirá el sonido que estoy buscando. Si digo que quiero una marimba con una boleta dura, ellos saben de lo que estoy hablando. Saben que quiero una muy especie de sonido puntiagudo fuera de la marimba tanto como sea posible, tanto como sea posible desde el arco iris. Lo mismo va con cualquier instrumento, realmente hasta los timbales, se puede decir mazo más duro o más suave en el tímpano. No hay mucha flexibilidad que tympani tenga en el equilibrio que puedan usar. Pero pueden hacer ciertas cosas. Tambor de caja, que cualquier tipo de tambor se va a tocar típicamente con palos de madera. Pero si quieres que se juegue con un mazo suave, sin duda puedes pedir eso y eso está bien. Me gusta no especificar el material, aunque en cambio se puede decir simplemente duro o suave. De esa manera. Como que saben lo que quieres y no los pone en posición de pedirles que hagan algo que no estén dispuestos a hacer. Si digo tocar el tambor de la caja con cuchillos, no lo van a hacer porque va a arrancar el tambor de la caja. Pero si digo jugar la habitación estándar con un MATLAB de latón, con un mazo duro. Entonces van a decir, vale, bueno, él quiere una cosa diferente, muy específica. Veamos qué podemos hacer. Pero es muy común que de hecho, casi universal, que los percusionistas lleven por ahí esta enorme bolsa llena de toneladas de mazas diferentes. Al igual que un jugador profesional de marimba no camina con una marimba. Esperan que haya una marimba cuando lleguen allí, pero sí caminan con su monstruosamente gran bolsa de mazas. Todos los percusionistas profesionales tienen acceso a cientos de mazas diferentes que pueden utilizar. Así que no seas tímido de pedir un tipo específico de mazo si quieres uno. 24. Inclinación: Quiero hablar de Boeing porque esto es algo que mucha gente, cuando acaba de empezar con percusiones, muy popular que hacer, como debería ser, porque es un sonido realmente genial. He escrito para percusión inclinada. Es un sonido realmente genial. Deberías saberlo. Cuando hablamos de percusión inclinada, lo que estamos hablando de hacer es usar literalmente un arco de violonchelo. En realidad, creo que usan un bot base la mayor parte del tiempo. Lo mismo que usamos para tocar el bajo con el cabello y todo en instrumentos de percusión. Entonces, en lugar de golpearlos, tirando un arco a través de ellos para conseguir que resuenen. Es un sonido muy etéreo. Hace que suenen. No es como un hit, Es un lento crecimiento del sonido. Una gran cantidad de tonos, armónicos, sonido muy puro. Podemos ir muchos instrumentos diferentes. Podemos incline las vibraciones, podemos incline la marimba. Boeing, el xilófono es menos confiable. Podemos incline símbolos. Hay muchas cosas diferentes a las que puedes ir. Cosas a tener en cuenta de Boeing es que por la forma en que tienen que hacerlo, es algo así. No se pueden hacer ritmos rápidos con Boeing. Se tarda un tiempo para que tengan que inclinarlo por un par de segundos antes de que el instrumento incluso comience a producir resonancia antes de que empiece a hacer sonido. No puedes hacerlo rápido. Es algo lento, etéreo. Les toma un minuto ponerse a punto con el bot. Y les toma un minuto bajar el arco. Entonces hay que pensar en todas esas cosas. Encontré este bonito video donde con esta persona explicando cómo funciona y haciendo algunas demostraciones. Entonces vamos a escuchar. Me parece interesante cuando empiezo a jugar con Boeing después de los años, no es algo muy complicado, pero es agradable tener algunas ideas sobre lo que estamos haciendo. Lo primero es, veamos, tenemos símbolos. Muy fácil. Tienes un símbolo y vas a través de esto. Pero sobre todo cuando te gusta esto tampoco tienes un problema. Tu armado fijo tan caliente que ya lo arrojaste un poco. Nada saldrá. Por lo que necesitas una contraparte tu otra mano para fijar el símbolo. En este caso, lo que veo muy a menudo es que la gente usa el medio de lo fijo y el lugar, que está funcionando. Está bien. Me gusta usar solo uno de mis dedos y ponerlo un poco cerca del borde. Así. Porque desde que voy subiendo, necesito sólo este pedacito de dedo para dar la energía para sostener el símbolo donuts y no mucho más incluso en una velocidad aérea saber en percusión, los estándares mundiales de mariscal de campo, que son un poco musulmanes. Puedo usar esto y fino y siempre punto de liberación y un punto de contacto muy agradable. Ahora la cosa para esto es un amigo mío me mostró por jugar continuo. A veces se utiliza como este agarre. Cuando subes tu toque el símbolo superior, el lado superior. Entonces baja. Vas a tocar el lado de la ciencia, que lo ha hecho funciona en nosotros porque no somos así y yo bajaré y pierdo un poco. Entonces a veces es bueno. Lados abajo. Por supuesto, en el medio. Prefiero tener los dedos de justicia aquí. Para mí, es lo mejor, el más color y la gama más amplia. Esto es para símbolo. Cuando tienes vibráfono, muchas veces le digo al compositor, por favor usa solo un hueso, no a ambos, porque cuando tenemos que jugar con ambos símbolos, cuartil tiene y la riboflavina. A veces es muy complicado porque tenemos no tenemos contacto con el instrumento. Es posible que tengas que arreglar muy precisamente el símbolo. Tienes que arreglar el GoTalk. Pero sigue siendo para mí. Me pareció un poco difícil hacer y conseguir un buen resultado. Cuando usas un arco en un vibráfono. También. Hemos visto lo mismo. Sólo tienes que contactar con uno. A veces uso este dedo aquí cuando estoy aquí, sobre todo en Osama cuando toco se llevó a cabo, estoy aquí. Arreglé un fijo con la otra mano un poco el pitch, entonces puedo mirar a su alrededor. Considero conductor, no puedo ver a alguien más e ir a apuñalarlo. Si me gusta esto, es un poco puede ser el no asegurado, sobre todo cuando sus notas o más altas en las barras son más pequeñas. Entonces lo arreglarás como aquí. El punto para esto siempre lo que hice también en el símbolo la mitad de este tipo de grado, 9090 grados. Me gusta ser realmente no hagas así. Estaba en el vibráfono. No vayas por esto. No funciona. Siempre tienes que ser perpendicular a los instrumentos que estás tocando. Sandbox catalase. Aquí. Si el corte es por sí solo, incluso este estándar no es del todo fijo, por lo que es bastante difícil hacer lo que necesito. Necesito arreglar el CO2. Entonces empujo mis dedos en la mitad del cuarto. Por eso soy mano izquierda. Voy a tratar de hacer esto e ir aquí a la junta directiva. Un poco de fijación en medio de los cuartiles. Si estoy en un contexto de jugar, un amigo mío me mostró algo muy bonito. Pones el arco al cuartal y haces lo toca el cortisol que está además de no saber si puedes verlo. Es sólo esta área. Esto sería que mucha gente hace así. Y entonces qué pasa? Tu fracaso muy fácilmente aquí. Ve aquí y contacta con los otros cuartiles y tienes un punto de contacto. Lentamente estás liberando el otro cuarto de milla, así que eres libre de jugar al que no es nada. Ese es un buen punto para arreglar. Entonces incluso sin mirar, sé dónde M y creo que eso es algo muy bonito que ver con Boeing. Ese instrumento que estaba tocando al final ahí se llama catalase es la forma en que lo pronunciamos en inglés. Catalase. Pequeños discos metálicos. 25. notación: Vale, hablemos un poco más sobre la notación. Entonces la parte más complicado sobre la notación para percusionistas para especificar qué instrumento se utiliza. Y lo que se ha convertido en la forma estándar es simplemente escribir el nombre de la misma en inglés o cualquiera que sea su idioma. Hubo en 1 sistema de símbolos universal propuesto armado. No recuerdo el nombre de la misma ni quién lo hizo. En realidad ya no puedo encontrar rastros de ella en línea. Eso es lo impopular que fue. Pero aún lo encontrarás en los libros de orquestación. Por ejemplo. Esto, este tipo de formas triangulares es un remanente de ella. Estos realmente ya no se usan. Mucho más común simplemente escribir el nombre del instrumento. Así que si los ves en un libro, solo ten en cuenta que estas formas y símbolos son simplemente realmente, simplemente no fueron realmente adoptados. En cambio tenemos algo como esto. Dedicas un lugar al personal, usas esta clave. Esta clave básicamente dice que estoy de percusión pitched. Para la percusión de tono, se utiliza la clave apropiada. Y dices, está bien, esta nota va a ser mi bombo. Este nodo es Tom tres. Este es mi dibujo estándar, este como Tom dos y este es Tom uno. Así es como voy a notar sombrero alto. Así es como voy a notar montar y voy a notar choque. Este sistema es bastante común, pero se puede decir que Tom tres va a ser una nota diferente y eso está bien. Sólo tienes que definirlo al principio y luego ser consistente en tu pieza. Simplemente escribes el nombre del instrumento que quieras. Ahora no tienes que escribir el nombre del instrumento en cada golpe. Si vas a usar. Ahora que hemos configurado este tipo de leyenda, solo podemos escribir las notas y el jugador sabrá hacer referencia a la leyenda, para saber en qué instrumentos se supone jugar. Pero en caso de duda, vuelva a escribir el nombre del instrumento. Porque ¿por qué no? Una cosa que he encontrado para ser útil que me dijeron los conductores es realmente una gran cosa que hacer e hizo mucho de ellos realmente feliz fue tomar esta convención. Lo que he hecho, no podrás verlo aquí, pero estos son mis tres duelas de percusión. Y lo que he hecho es al principio de cada página, escribí en una caja, escribí el nombre del instrumento que el percusionista va a tocar. Siguiente. Se puede ver en esta página, el percusionista no hace nada. Y sin embargo todavía he anotado cuál es su instrumento. Esto dice TAM, tam, bajo, tambor, y vibráfono. Eso significa que su siguiente nota va a estar en las de cada página. Subimos a otra página aleatoria. Hay notas en una caja. Dice, esto es lo que viene. Y luego cuando empiezan a jugar, lo vuelvo a dar. Y digo, este es el instrumento que se pretende ahí. Sólo para que no haya ambigüedad. Al principio de cualquier página. El conductor solo puede mirar y ver qué percusión estamos esperando escuchar a continuación. Eso no está obligado a hacer, pero ha sido algo que he tomado para hacer y ha sido apreciado. Entonces haz eso. Harás amigos. De lo contrario, solo usa el lenguaje para decir el nombre del instrumento que quieres tocar. Definir cómo lo vas a anotar al principio de la pieza. O en una nota ante la pieza, sólo una nota en la partitura. Y luego puedes seguir desde ahí. También debes tener una página en tu puntuación o en la parte o probablemente ambas. Tipo de definir lo que está pasando, lo que se va a necesitar para cada parte. Por ejemplo, aquí está la portada de esta pieza. El parte de percusión para, por lo que esto cuenta con cuatro percusionistas. Esta es la cuarta parte de percusión, y estos son los instrumentos que esta parte va a necesitar. Ahora. Y así es como van a notarlas. Esto es muy limpio, muy fácil. Ahora también te lo dije, pienso muy atrás en el inicio de esta clase, te hablé de crear una partitura de percusión. Eso es solo todas las partes de percusión juntas en una gran parte con múltiples pentagramas. Eso también puede ser muy práctico, porque entonces la percusión, la persona encargada de la sección de percusión, la primera percusión suele ser la principal. Los percusionistas pueden repartir las partes si ven una mejor manera de hacerlo. Eso en realidad me pasó donde cuando trabajaba con una orquesta o el principio de percusionistas, cortaba mi partitura de percusión y creaba nuevas partes de percusión. Lo cortó y pegó las partes de percusión de una manera que divviese la obra. Entonces todas las notas se tocaron. Pero algo que pude haber dado percusión tres que le dio a la percusión uno, porque encontraste una forma más fácil negociar la coreografía. Eso es todo genial. Dejen que hagan eso. Si quieren hacer eso, dejen que hagan eso, pero definitivamente darles un punto de partida al separarse. 26. Kit de batería: Conjunto de tambores, kit de batería, sin embargo lo que quieras llamarlo, no es exactamente lo estándar en la configuración de percusión de una orquesta. No obstante, no es tan raro. Si pides un kit de batería, puedes conseguir uno. Eso está bien. Serán capaces de hacerlo. Pero la mayoría de las secciones de percusión de orquesta no tienen solo un kit de batería en el escenario de todos modos. Está un poco fuera de lo común, pero no mucho. Notación para kit de batería es que usarás este sistema estándar. Luego hay un sistema de kit de batería estandarizado. Es exactamente esto lo que estamos viendo en la pantalla. Pones tu snare, patadas símbolos, hi-hat. Te querrás anotar todo lo que posiblemente puedas para el kit de batería. No quieres escribir. Al igual que las palabras. Encuentra una ranura. Eso realmente no funciona muy bien. Recuerda que estos son por lo demás músicos clásicos y solo decir encontrar el groove realmente los saca de su zona de confort. Sería mejor notar plenamente lo que quieres. Y entonces tal vez ponga ahí una nota que diga, escuche las trompetas y cierre con ese surco o algo así. Puedes darles consejos pero notar tanto como sea posible. Porque si solo dices como hacer algo genial, van a volver a ti y probablemente te pidan más detalles. Recuerda, estos son músicos clásicos que quieren tocar lo que hay en la página. Si no les das nada, sólo se van a sentir raros. Nota tanto como sea posible para kit de batería. 27. Cómo funciona la voz: Vale, hablemos de la voz. No iba a añadir la voz a esto, pero pensé que valía la pena tocar un poco. Yo sí quiero pasar por las gamas vocales comunes y un poco sobre trabajar con cantantes. primer lugar estoy aquí hablando, supongo que trabajar con personas mayores en un contexto coral y no sólo agregar cantantes a una orquesta, que es algo que sucede a menudo. Hay muchas sinfonías que exigen la adquisición. Apenas se incorpora un montón de otras piezas que coro como incorporado o solista. O hay como la ópera. Pero también hay solo escribir para coro, que solo voces. No quiero pasar un montón de tiempo en solo escribir para adquirir. Pero sí quiero hablar de algunos de los conceptos básicos sobre trabajar con la voz. Empezaré con esta pequeña anécdota. Recuerdo haber sido licenciatura, estudiar con este compositor. Quien fue un compositor muy fino. Tenía mucho respeto por él. Todavía estaba tiene bastante buena reputación en Estados Unidos. Hace mucho trabajo genial. Realmente buen compositor. Fui muy afortunado de estar empezando por él. Entré a su oficina, acabo de terminar una pieza. Quería ir a su oficina para mi lección. Y él dijo: Vale, ¿en qué quieres trabajar a continuación? Y dije: Ya sabes, estoy pensando en escribir una pieza para coro. Y él dijo, de acuerdo, ¿cómo debería hablarte de hacer eso? Entonces procedió a hablarme de hacer eso. Y las razones por las que quería convencerme de hacerlo no fueron ninguna orquestación o razón y fue yo creo que tenía un poco de hueso para recoger con cantantes. Trabajar con cantantes puede ser difícil a veces si estamos estereotipando, trabajar con cualquier instrumentista puede ser difícil. A veces. Tienen algunas cosas únicas. Hablemos un poco de algo de la singularidad. Primero, hablemos de cómo los cantantes hacen sonido. Bastante simple. En realidad se puede pensar en ello como partes de un instrumento de viento y partes de un instrumento de cuerda juntas de una manera. Entonces tenemos cuerdas vocales. Imagina esas como cuerdas, no lo son, pero son como cuerdas. Y todos los tenemos en la garganta, creo. Pero entonces tenemos viento. Y el viento sobrepasa esos acordes y los hace vibrar y genera un instrumento de viento. Lo que es diferente cualquier otro instrumento es lo que sucede después de eso. Podemos hacer que nuestras cuerdas vocales resuenen y produzcan un sonido, un tono, un tono. Pero entonces tiene que pasar por nuestra garganta y saber. Mucho puede pasar en esos lugares. Podemos dar forma a ese sonido usando nuestra boca en palabras. Podemos dar forma. Podríamos hacer mucho con nuestra garganta y nuestra boca para cambiar el timbre del sonido. Por la forma en que alguien tiene garganta y boca e incluso como paso nasal, no soy fisiólogo. Solo estoy adivinando algo de esto, pero básicamente es hecho que las formas en que la forma de la anatomía de alguien tiene algo ver con cómo suenan. Entonces es un mecanismo muy complicado. Hablemos de algunos de los conceptos básicos torno a trabajar o escribir música para la voz. Así que hablemos de gran rango de imágenes y tessitura, algunas cosas de notación y cosas de respiración. Saquemos eso del camino y luego pasaremos por cada una de las gamas vocales más conocidas de las más comunes. 28. Tessitura y rango: Hablemos de tessitura y rango. Ya hemos mencionado tessitura antes, muy atrás al principio. Y se vuelve más importante en los cantantes, sobre todo cuando se trata de fatiga. La diferencia entre tessitura y rango. Abordemos eso primero. Hablaremos de este tema de fatiga. Entonces digamos que escribí una pieza. Había una línea en solitario y fue, usó una F en el pentagrama de la clave de agudos como su nota más baja y una F en la parte superior del pentagrama de la clave de agudos ya que es alto, no es. Su rango es una octava. Está bien, genial. Tenemos esa pieza está usando un rango de una octava. Tan fácil. Cualquier cantante podría recoger esa partitura y decir, ¿esta pieza está dentro de mi rango? Al mirar la F a la F y luego decir, Sí, eso está en mi rango. Puedo cantar esa nota baja. Puedo cantar esa nota alta. Puedo cantar esta pieza. Tiene sentido. No obstante. Ahora digamos que echamos un poco más de cerca a esa misma pieza, mismo rango, f a f. Sin embargo, la mayoría de la pieza existe arriba en la parte superior del pentagrama de clave agudos entre D, E, y La gran mayoría de la pieza está arriba en esas tres notas. Ahora tenemos un problema un poco diferente. Alguien mira esa pieza y dicen que la nota baja es F, la nota alta es F. ¿Puedo cantar esta pieza? Sí, puedes. No obstante, la tessitura de la pieza es muy alta, lo que significa que es, la mayoría de la pieza está sentada alta durante mucho tiempo. Y eso va a ser más difícil que si estuviera sentado en medio. Eso tiene sentido. Esa es la tessitura. Nos fijamos en la tessitura como el rango de la mayoría de la pieza, mientras que la mayor parte de las cosas aterrizando, si está distribuida por igual lo largo de la octava, eso está bien. Eso es totalmente genial. Pero si es una tessitura muy alta, lo que significa que vamos a estar sentados en ese rango alto por mucho. Eso es mucho más extenuante en la voz. Entonces en el rango medio, el rango bajo puede ser muy extenuante en la voz también. Simplemente depende del cantante en particular. Cuando alguien mira una pieza, debe estar mirando no sólo el rango, sino también la tessitura. Porque tiene que ver con fatiga y resistencia. Cuando los conductores miran una pieza que es algo que buscan. Buscan asegurarse de que sea un buen ajuste para su coro porque quieren piezas que no sólo se ajusten a la gama de su grupo, sino que también se ajusten a la tessitura de sus intérpretes y cosas así. Eso es algo a considerar. No es algo de lo que tengas que preocuparte como tus escritos, necesariamente. Porque debes escribir, denota que quieres escribir. Pero es sólo algo de lo que tener en cuenta. Hablemos de algunas cosas de notación. 29. Notación y símbolos: Vale, hablemos de algunas cosas de notación que tenemos en la música coral en realidad están ingiriendo música vocal en general. En primer lugar, la música vocal más antigua, verás esta convención de usar banderas para cada nota y no conectarlas como aquí tenemos un cuarto de nota y luego 416 notas. ¿ Por qué estos no están conectados? ¿ Visionados juntos como notas 416? Esto fue una convención. Creo que se utilizó principalmente para ayudarnos a encajar en el texto. Pero ya no tienes que hacer eso. En realidad es bastante difícil de leer. Si nos fijamos en una partitura más moderna, verás que las cosas se transmiten juntas como normales. Para que no tengas que separar todo. No obstante, cuando lo veas en una partitura, solo debes saber que probablemente sea una puntuación más antigua o al menos una puntuación de estilo anticuada. El texto va en la parte inferior, debajo de las notas. Una sílaba de texto por nota. Si algo va a tener una sola nota va a tener una sola palabra va a tener múltiples notas. Eso se llama melisma. Lo mostrarías con una corbata como esta. Aquí la palabra Señor se va a bajar con fuerza. Va a tener que hacerlo, lo vas a estirar sobre el sonido vocal hasta el siguiente. Y esta mitad va a tener dos notas. Están conectados así. Déjame ver si puedo encontrar otro ejemplo de eso. Aquí hay uno. Aquí en los niños. Esto va a ser niños. Muy bien, así que el frío va a conseguir dos notas. Llamémosles melisma. Cuando haces eso, esta es una pieza para que parezca piano y voz. Creo que esto es en realidad un pequeño extracto de la ópera Puccini. Bastante complicado. Aquí hay un puntaje coral. Acabo de agarrar algunos ejemplos aleatorios de cosas que miran. Se trata de una partitura coral escrita como soprano, alto, tenor, bajo. Común ver las cosas escritas de esta manera. Puedes tener el lugar ocasional como aquí mismo donde se divide la nota. Veamos aquí mismo. Eso me parece raro. Pero veamos aquí mismo. Entonces en este caso, le dirías a la sección que se separara. Eso está bien. Significa como la mitad de la sección ir a la nota baja, media sección ir a la nota alta. Aquí están los aspectos más destacados de coral de una película de Disney. Entonces Piano intro. Y luego tenemos dos voces y un solista. Entonces tres voces aquí. Entonces una parte de piano. Yo agarré éste es mostrar que los ritmos conectados. ocasiones vemos partituras de coral escritas en dos pentagramas en lugar de cuatro, donde este es el soprano, alto y este es el bajo tenor. Realmente sólo una especie de cómo estamos acostumbrados a ver si has mirado el contrapunto o cualquiera para cosas de voz. Quires puede rendir esto. A pesar de que es un poco más complicado, pero sucede. Estrofas, debo mencionar estrofas como esta. Si no estás acostumbrado a ver este tipo de notación, esto es lo que esto significa. Esta es una especie de melodía de estribillo repetidor. Entonces tenemos wade en el agua, Wade en el agua. Wade en el agua. Dios va a molestar el agua. Ahora llegamos hasta aquí y ¿qué? El motivo por el que hay cuatro líneas aquí. Si no lo has visto antes. Esto significa que la primera vez que cantamos esto, vamos a cantar. Todos van a cantar la primera línea. Mira ese anfitrión todo vestido de blanco. Y entonces todos van a cantar. Dios va a molestar el agua. Y entonces todos van a cantar. El líder parece que Israel es real, ¿verdad? Dios va a molestar el agua. Entonces la próxima vez que creo que si seguimos adelante, podríamos llegar a algo repetido o tal vez acabamos de empezar de nuevo. Eso no está muy claro en esto. Pero en cualquier caso, la segunda vez que lleguemos a ella, el segundo verso que vamos a cantar, ver que prohibió todo vestido de rojo. Y entonces Dios va a molestar el agua. Y luego se parece a la banda que Moisés llevó un poco de agua. Tercera vez. Vamos a cantar este tercer verso. Mira por allá, ¿qué veo? Etc. Entonces así es como funcionan las repetidas estrofas. En material solista, normalmente no se ve eso. ¿ De acuerdo? Creo que eso es todo. De lo contrario nos acercamos más o menos al mismo. Puedes. Por lo general funciona mejor para poner dinámicas y crescendos, crescendos de día y cosas por encima del personal, que normalmente no es como lo hacemos. Pero si no lo pones por encima del personal así, se interpone en el camino del texto. Por lo general tenemos muchas de nuestras marcas dinámicas, veces están por encima del personal y vemos si vemos eso en cualquier otro lugar. Sí. Como aquí mismo, sé un ECMO. Ecmo. Normalmente ponemos eso por debajo del pentagrama o entre dos pentagramas. Nada ahí. Nada ahí. Aún así. Aquí está. Eso es un forte por encima del personal. Este tipo de notación donde tenemos un cabezal de nota y luego el vástago yendo en ambos sentidos. Eso solo significa que las señales soprano y alto apuntan al unísono. Aquí ambos van a cantar una C, pero la línea soprano la va a aguantar un poco más, todo el camino hasta allí. La línea alta va a bajar. Esto es en realidad un unísono, pero lo hacemos de esa manera porque estamos mostrando dos ritmos diferentes. Vale, creo que eso es todo para la notación. 30. Respiración: Las señales de respiración llegaron a respirar. Tienen que respirar a veces incluso más que instrumentos de viento porque solo están dejando salir sus pulmones enteros. No tienen como una lectura o una boquilla, como ralentizarlos. Pocas cosas que puedas hacer. Uno justo con eso en mente, ¿verdad? Que tengan que respirar. Intenta escribir en descansos. Pueden respirar muy rápido. También puedes, si no puedes escribir en un lugar para que respiren, puedes hacer esta nota, esta cosa de la notación de aliento. Eso es como esta pequeña coma aquí. Lo que esto significa para un cantante es que significa cantar esta nota, diciendo todas estas notas normalmente en esta nota, cantarla todo el tiempo que puedas. Me refiero a hasta un cuarto de nota, pero afeitarse un par de milisegundos del final para respirar y luego tratar de conseguir esa nota. Significa cortar esta nota en corto tanto como tengas que hacer con el fin de colarse en un respiro ahí mismo. Si no tienes un buen lugar para ponerlo en un respiro, siempre puedes ponerlo en estas comas y básicamente decir, hacer lo que puedas, conseguir un respiro. Ahora en la escritura coral, es un poco más complicada porque quieres que sus respiraciones estén en B coordinadas. Pueden escalonar su respiración. Para que puedas tener una línea muy larga donde acabas de decir escalonar la respiración, solo escribe eso. En cuyo caso las diferentes personas del coro tomarán respiraciones en diferentes momentos para que puedas mantener tu sonido. Pero si hay parada, queremos asegurarnos de que el final de la sílaba se alinea. Digamos que el sonido que están viendo es como una T. Así que están cantando la palabra termina en una tostada. Están cantando a eso. Eso es lo que están diciendo. Pero entonces van a terminar con una nota y tomar un respiro. Tenemos que hacerlo. Entonces en lo que el conductor va a trabajar es donde aterriza el st de tostadas porque van a ir a la siguiente nota que puedan tomar un respiro ahí, pero tenemos que averiguar exactamente dónde aterriza ese St. Deberías anotar eso en. Deberías notar, oye, a dónde va ese st. Yo pondría lo probablemente haría en ese caso es escribir una nota entera o lo que sea en la palabra brindis en TO. Y luego atar eso a una octava nota y poner el st y luego un octavo brindis de descanso. Después en la siguiente nota que un empuje es su aliento. Piensa en respiraciones y cómo todo esto se une. Mucho de esa afinación fina de los fines de las palabras y esas cosas. No tienes que lidiar siempre porque eso es una cosa con la que tratará un conductor. Pero por mucho que puedas meterlo ahí, deberías averiguarlos. No me di cuenta de dónde van a aterrizar tus notas. Estoy hablando al revés. Vale, tan larga historia corta. No mates a tus cantantes. Tienen que respirar. Déjalos respirar. 31. El Soprano: rango y sonido: Hablemos de los diferentes tipos de voces que encontramos en el coro. Ahora hay cuatro. Tenemos soprano, alto, tenor, bajo, pero hay un par de otros. Hay un par de otros que puedes usar que no lo hacen, que no son tan populares, supongo. Pero siguen siendo bastante bien conocidos. Mezzo soprano es uno. Existe entre un alto y soprano, tiene su propio tipo de término. Hay algunos otros, hablaremos de esos en un minuto, pero quiero pasar por las cuatro principales. Entonces empecemos con soprano. Pinto es el más alto. sopranos suelen ser mujeres. Sopranos o los más altos. Ellos, hay algunos tipos diferentes de sopranos aunque. Ahí está, ahí está tu tipo de cantante soprano operático. Podríamos llamar a eso, si quieres un término elegante para eso, podríamos llamar a eso una soprano lírica, o incluso una soprano de coloratura, significa que están muy cómodos en las gamas más altas. También hay algo llamado soprano coro. En cualquiera de estos tener un coro soprano adquirir alto, tenor. Eso significa generalmente no entrenado, no un solista. No es un término muy común. En realidad. Niño Soprano es aunque sí nos encontramos con sopranos infantiles, chicos sopranos. Estos son básicamente una soprano, alguien que canta en el rango de un piano. Niños pequeños, en su mayoría niños jóvenes, su voz aún no ha cambiado. Si nos fijamos en los coros infantiles, como algunos coros infantiles realmente superiores, que hay y existen. Los sopranos de los chicos tienen este sonido realmente angélico. Los escuchas mucho en los coros de la iglesia donde los niños más pequeños son criados en el coro. Supongo que hay algunos famosos, algunos coros de jóvenes famosos, donde se encuentran sopranos de niño. No es porque existan mayormente en coros de iglesia. No es lo más común poder escribir para los sopranos de niño y esos niños, esas voces realmente jóvenes. No contaría con tener acceso a eso. Gama Soprano. Cualquiera de los rangos de voz es muy lavable. No es como con nuestros otros instrumentos. Cuando miramos los rangos, dijimos, bueno, tenemos una nota más baja definida y un poco de flexibilidad en la nota más alta. Con voces, tenemos flexibilidad en ambos extremos. Tenemos bajo ya que una persona puede ir. En realidad se trata sólo de fisiología y entrenamiento. Por lo que podría ser un montón de cosas diferentes y lo mismo con el extremo más alto. Con soprano. Nosotros generalmente, con todos estos, generalmente pensamos en dos octavas es normal para un cantante profesional. Este gráfico muestra un tres hasta C6. Creo que eso es un poco generoso. Este se muestra sobre el medio C hasta C6. Generalmente en el personal. C2c va a ser bueno para una soprano, pero sepan que estas notas altas son gritos. Van a tener que cinturarlos realmente para sacar los que están realmente altos. Estas notas bajas van a estar bastante tranquilas. Sí, bastante tranquilo. El dinero real está justo en ese rango medio donde vamos a obtener el mejor sonido, la mayor comodidad, y la mejor resistencia más larga de cualquiera de los cantantes. Pero particularmente en este caso los sopranos. Hablamos un poco de tipo de cantantes sopranos y de la invención de la diva. Estoy tratando de recordar dónde estaba leyendo sobre eso. Creo que fue en las clases de historia que hice aquí. Ellos, hice un montón de investigaciones sobre esto. Y el tipo de idea de la estrella del rock moderno proviene de la diva de la ópera. Y hay como un linaje. Son realmente algo bastante fascinante que leí, hablé de ello en las clases de historia. Puedes ir a revisar eso si quieres. No quiero entrar en la mentalidad de la cantante diva, pero en este contexto, alerta de spoiler, traficante significa no es despectiva de ninguna manera. Significa como básicamente cantante rockstar. De todos modos. Vamos a hablar de los altos. 32. El Alto: rango y sonido: A continuación llegamos a los altos. Esa es nuestra segunda cosa. Nuevamente, los altos suelen ser, por lo general los altos son mujeres en la mayoría en un coro típico, sopranos y altos suelen ser mujeres en bajo tenor generalmente se significan. Sí tenemos uno en el medio, soprano y alto, y se puede ver en este gráfico. Y es mezzo soprano. Se puede pensar en eso como casi soprano. Son un poco más bajos que soprano y un poco más altos que Alto. Este gráfico llama Alto contralto. Y lo que es raro, simplemente llamaríamos a esto Alto. Soprano Alto. Mezzo soprano existe en el medio, por lo que te encontrarás con una gran cantidad de sopranos que se consideran realmente sopranos mezzo. Altos que se consideran realmente sopranos mezzo, porque es una cosa intermedia, depende de donde estén cómodos el rango. Pero en el coro generalmente lo simplificamos hasta cuatro grupos. Si alguien tiene una soprano mezzo y está en una adquisición más tradicional, probablemente van a decidir si son un alto o una soprano, o el director va a decidir que el rango, nuevo, aproximadamente dos octavas, entregándonos a G. Veamos lo que éste nos da para Alto, aproximadamente E, E3 hasta F, llamemos a eso E5, E3 a E5. Mira aquí, ya sabes, eso es bastante bajo. Siempre escribiría Alto en clase de problemas. Yo no lo escribiría y clase base, sino abajo a esa e, que va a ser realmente tranquila y realmente difícil para ellos golpear. Así que no cuentes con eso. Entonces lo más alto del personal de la clef agudos, con esta E siendo probablemente su nota más alta, que para ellos va a ser bastante gritando. No te sientas ahí todo el tiempo. Creo que eso es todo lo que necesito decir sobre Alto. Entonces vamos a pasar a los tenores. 33. Los tenores: rango y sonido: Tenores. Esto es lo que yo era cuando estaba en adquirir. Aunque probablemente sea realmente un barítono. Pero me pusieron en la sección tenor. Sí tenemos uno en el medio, alto y tenor. Se llama el contratenor. Es un tenor muy alto. Voy a hablar más de contratenor porque hay una historia fascinante sobre contratenores. Voy a, voy a guardar eso para después de que podamos decir con una base, voy a dar un círculo de vuelta y hablar de contratenor. Pero solo sepan que contratenor está entre alto y tenor. Es muy alto tenor. De todos modos. Tenor arreglado, ver más o menos , digamos S3, hasta probablemente un C5. C3 a C5. Sí. Nuevamente, escribiríamos tenor sobre el pentagrama de la clave de agudos. A menudo lo escribimos transposición. Déjame mostrarte cómo hacemos eso. Verás esto en partituras de coral. Bastante a menudo para tenores y bajos. Hay una clave que usamos. Si miramos nuestras hendiduras aquí, esta clase, es muy sutilmente diferente a una clave de agudos. Se trata de una clave de agudos con un pequeño ocho debajo de la cosita aquí. Esto significa que estamos transponiendo por una octava. Normalmente no vemos este y otros instrumentos que están transponiendo por una octava. Esto es realmente algo reservado para uso vocal, pero básicamente significa que vamos a escribir las notas sobre el pentagrama de la clave de agudos, una octava demasiado alta. Entonces lo que vamos a escuchar sus notas y octava más baja. Entonces eso nos deja escribir para tenor en la clave de agudos. Casi siempre lo hacemos. Vamos a usar la clave de agudos con los ocho debajo de ella. Para tenores, para bases, vamos a usar la clave de bajo, pero para tenores usamos esto. Echemos un vistazo a nuestro otro gráfico. Dice tenores hasta S5. Rango un poco más grande en este gráfico. Recuerda que el extremo bajo va a ser duro y que de gama alta, va a ser duro. Es bastante alto gritando. Pero puedes empezar a ver cómo todos los rangos se superponen como mucho. Entonces si necesitas escribir este C, por ejemplo, este S5, puedes escribirlo para los tenores y hacerlos simplemente gritar realmente. Va a ser ruidoso y difícil para ellos ponerse. Um, va a tener una madera muy específica porque van a estar esforzándose por conseguirla, que puede ser genial y eso puede ser útil. Pero si quieres esa nota sin esa cepa, puedes dársela fácilmente a los altos. Encaja justo en ese rango, o los Sopranos si está justo ahí. Por lo que se puede tipo de utilizar esa tensión creada por el rango de los nodos a, para efecto. Vamos a entrar en la base. 34. Las bajas: rango y sonido: Muy bien, hablemos de la base. Nuevamente. Tenemos uno en el medio, tenor y bajo, y ese es el barítono. Barítono funciona realmente similar al mezzo soprano. Que tengas muchos barítonos, cantantes que, al poner en adquirir su considerado, ¿ eres una base o eres un tenor? Porque no típicamente tenemos un barítono en adquisición. Permítanme reformular eso. No es que barítonos no sean útiles en la adquisición. Mucho lo son. Pero cuando tenemos cuatro tramos de adquisición, llegamos a encontrar un lugar para poner los barítonos. Y dependiendo de su sonido y de lo que piense el director, pueden ponerlos ya sea en el grupo base o en el grupo tenor. Algunas partes, algunas piezas sí tienen secciones específicas de barítono, como seguro. Pero mucho tiempo, el contratenor barítono y el mezzo-soprano se utilizan más para material en solitario. Podrías tener una pieza para mezzo, soprano y piano. Tengo una pieza para mezzo soprano, piano. En realidad. Es muy específico a eso, al rango del mezzo soprano. Utilizamos estos otros en material más y solo que en un contexto de coro. No obstante, no puedes usarlos. Adquirir contextos. Base abajo a, parece que puede haber diciendo s2 hasta cuatro más o menos. Base. Les escribimos clef bajo, nada de fantasía ahí. Base, sí, aquí está nuestro nos ha dado. E2 hasta D. Sólo un cabello por encima del medio C. Estas notas son bastante delgadas. Estas notas bajas y la base como justo en este rango. Estos no necesariamente son tranquilos. Estos son bastante poderosos. Estas son notas de Baylor. Para un buen cantante de bajo. Realmente puedes construir estas notas bajas, por lo que es un poco diferente a algunas de las otras gamas. Creo que eso es todo por base, nada realmente fuera de lo común. Vamos a seguir adelante. Yo sí quiero saltar atrás y hablar de contratenor por tan solo un minuto. 35. Countertenors: Pequeña barra lateral, un poco fuera del tema. A lo mejor consideras este descanso un poco de descanso. Quería hablar de contratenor es porque hace apenas un par de días, cosa de promoción para mi libro de teoría, me pidieron que escribiera una cosita que probablemente puedas encontrar en línea ahora sobre mi libros favoritos, sobre música. Ya sea ficción o no ficción. Escribí esta cosa y creo que hablé de cinco libros diferentes que son, que han sido realmente útiles e influyentes en mí. Ambos. Y algunos de ellos son fijos y algunos de ellos son no ficción. Pero uno de los libros de ficción sobre los que escribí fue este libro, Cristo al cielo. Y se trata de contra-tenores. Tipo de. Acabo de recordar por escrito esto y lo grande de una influencia que era este libro. Puede que haya hablado de este libro en la historia del vidrio. No estoy seguro. Pero lo que yo era en la preparatoria cuando era un niño pequeño, realmente me gustaban los libros de vampiros de Anne Rice Entrevista con un Vampiro y toda la serie. Yo era como un niño godo problemático. Me gustó el, Los dólares del Vampiro. Todavía lo hago. Sigo pensando que son geniales. Estoy un poco a la mitad considerando volver a leer toda la serie. Ahora el n arroz ha fallecido recientemente. Por fin está hecho. Supongo. Tengo toneladas de ellas ahora que no he leído. Pero de todos modos, leí los primeros libros de vampiros y solo pensé que necesitaba leer todo y arroz ha escrito alguna vez. Cogí esto, sin darme cuenta de que no era un libro de vampiros. Decidí que esto es por n subida. Debe de ser bueno. No tiene nada que ver con los vampiros. Esto es ficción histórica, ficción histórica. Y se trata de una familia real que, creo en inglés, tal vez no estoy segura. Pero familia real. Y hay dos hermanos que van a heredar el trono cuando el padre muera. Y el, creo que el más joven de los dos hermanos es una especie de mal tipo. Realmente quiere heredar el trono. El mayor de los dos hermanos es un poco más desluciente en heredar el trono. Y realmente le gusta cantar. Niños pequeños. El hermano menor básicamente arregla tenerlo secuestrado y puesto en la iglesia y convertirse en cantante de castrato. Ahora esto es algo que realmente sucedió. Por eso estoy hablando esto en términos de esta clase. Esto sucedió de nuevo, esta es una práctica ilegal ahora. Pero esto sucedió. Había un tipo de cantante, menos un contratenor, es lo que ahora los llamaríamos. Pero lo que fue este cantante, lo que se llama cantante de castrato, y sería chicos jóvenes, sucede principalmente en la iglesia porque querían chicos sopranos. Querían ese sonido soprano de chicos realmente puros. Por lo que se llevarían a estos jóvenes y evitarían quirúrgicamente alcanzar la madurez vocal. Pongámoslo de esa manera. El nombre de los, fueron llamados los cantantes castrato. Por lo que probablemente puedas rellenar el espacio en blanco sobre lo que fue esa cirugía. Y conseguiría tuvieran ese chico soprano sonar para siempre. En realidad, tal vez fueron más altos que contratenor. Contratenor es, es lo más cercano que tenemos ahora sin embargo. Entonces en el libro, este es un gran problema porque después de este procedimiento, no se puede tener hijos, lo que significa que no se podría heredar el trono. De todos modos. Este libro es simplemente hermoso. Me encantó tanto este libro y no recibe amor, ni atención. De todos modos, la práctica del castrato Singer ha sido prohibida desde hace mucho tiempo. No obstante, hay un clip de YouTube de uno. Puedes encontrar uno en el último cantante de castrato. Hay un video muy granulado de ellos. Son audio, incluso de ellos cantando para que puedas escuchar cómo suena. Es fascinante. De todos modos. No se puede suponer que tendrá cantantes de castrato. No debes suponer eso. Pero es posible que tenga contra-tenores están en la escuela de postgrado. Había un contratenor con el que me encontraría en mi escuela donde fui a la escuela de posgrado. Y como hermoso, Es un sonido hermoso. Ahí vas. Lee este libro. Si buscas un libro de ficción, ficción histórica, Es un libro encantador. Triste, pero encantador. 36. El resto: A continuación nos vamos a pasar a esta categoría rara llamada todo lo demás. Todo lo demás categoría. Vamos a tener cosas que algo de ella siempre está en la orquesta. Algo de ella es muy raramente en la orquesta, pero todo necesita ser abordado. Supongo. Algunas de estas cosas voy a tener mucho que decir y algunas de estas cosas no tendré mucho que decir. Las dos primeras cosas. Vamos a hablar de ello en el piano y el arpa y tipo de instrumentos de teclado en general. Y con esas, son principalmente cosas notacionales en las que realmente necesitamos sumergirnos. Creo que en muchas de estas cosas en realidad es una especie de notación. Pero trataré de hablar también de dinámica y orquestación. Orquestación. Cosas de orquestación. Ese es el tipo de razón para este extraño encabezado de todo lo demás, cosas que puedes encontrar. Vamos a bucear con instrumentos de teclado. 37. Instrumentos de piano y teclado: De acuerdo, entonces instrumentos de teclado en general, Empecemos con el piano. Muy común tener un piano en la orquesta. El piano no es un instrumento particularmente ruidoso cuando está en la orquesta. Si de verdad quieres que salga adelante, necesitas hacer algo de espacio para ello, ¿verdad? Entonces necesitas, si tienes una sección de música donde tienes el latón a todo volumen y el piano haciendo algo, nunca vas a escuchar el piano. No obstante, si tienes algunas de las cuerdas tocando tranquilamente mientras hay algo de piano pasando, el piano puede atravesar. Me gusta pensar cuando se trata de música orquesta, realmente me gusta pensar en el piano como un instrumento de precaución, y sobre todo como un instrumento de percusión malate, como una marimba o xilófono. Cerca de una marimba, en realidad. Puedes conseguir cosas rítmicas con él. Puedes conseguir cosas armónicas con él. Pero dándole melodías y cosas, porque no se sostiene desde hace mucho tiempo. Realmente te va a dar ese sonido percusivo en una melodía. Podrías hacer algo así como tener una melodía que toca la flauta y se duplica en el piano. Lo que eso haría es hacer, oirías la flauta, pero entonces oirías este pequeño viraje al principio de cada nota del piano, ¿verdad? Y dale un poco de entrada percusiva desde lo que el piano le agrega. Hablaremos más de ese tipo de cosas en la parte de orquestación. Pero cuando escribes para piano, solo un par de cosas. Recuerda que toma dos manos. Puedes usar los cinco dedos. No obstante, en cada mano, no escribas nada más grande que una octava entre los dedos exteriores. Se puede tener algo que se estire un largo camino, pero en cada mano, no más de una octava. Ahora, algunos pianistas pueden conseguir más de una octava. Algunos pueden obtener una novena, décima, 11. Pero si quieres que sea accesible a todos los pianos, manténgalo dentro de una octava. Si estás trabajando con un verdadero virtuoso, virtuoso, entonces jugador, sí, puedes escribir un noveno con bastante facilidad. Pero si quieres mantenerlo a salvo, guárdalo a una octava. De acuerdo, lo siguiente. Hablemos de pétalos muy rápido. Los pétalos son, hay tres pétalos en un piano. No siempre funcionan igual, pero se puede suponer que un piano dentro de una orquesta es un buen piano, es un piano de cola. Tiene, y tiene los tres pétalos normalmente. Aquí está, aquí están nuestros pétalos. Ahora probablemente estés familiarizado con el pétalo correcto. Ese es el pedal del amortiguador. No lo sé. Lo siento. Sí. Llamemos al pedal del amortiguador. Cuando lo empujas hacia abajo, todo suena para siempre. Cuando lo dejas ir, un amortiguador baja y detiene las notas de lectura. Si quieres que las cosas se escurran más, dices, baja ese pedal, lactate ese solo con el bloc de palabras, así. Pedal. Esto significa bajar el pedal. Esta pequeña cosa flor significa levantar el pedal hacia arriba. Hay un par de formas diferentes en que puedes hacer eso. También puedes hacerlo con una línea donde dice pedalear hacia abajo y luego un poco de garrapata significa dejar subir el pedal y luego ponerlo de nuevo hacia abajo. Y él programa de notación hará eso. Pero puedes ver aquí pedal, pedal, pedal, pedal para arriba. También puedes simplemente escribir como algo así como pedalear liberalmente o usar tu mejor juicio sobre la venta ambulante. Esta pieza en particular, esta es una pieza de piano solista mía. Fui muy específico sobre el pedaleo. No tienes que ser así de específico. Pero había algo que estaba tratando de lograr aquí. Vamos a saltar al otro, los pétalos exteriores, el pétalo más a la izquierda, que a veces se llama el pedal suave. A veces se llama charco Una Corta. Lo que esto hace es si miras dentro de un piano, verás que para todas las notas de la gama media, cambia un poco en las notas más altas y las más bajas, pero todas las notas en la mayoría de el piano. Hay tres cuerdas. Por cada nota. El martillo golpea justo en el medio. El martillo va y golpea las tres cuerdas. Lo que hace este pedal es que desplaza un poco los martillos. Entonces en lugar de golpear las tres cuerdas como esta, ahora. Sólo está golpeando uno de los puntos fuertes. Eso lo hace un poco más tranquilo, un poco más suave. Es casi como ponerle un mudo. La variación en lo que hace en términos de volumen y en cuanto lo que podemos hacer con una orquesta completa. Éste no va a ser muy útil en una orquesta. Hace que todo sea un poco más tranquilo. Cambios El tono tamarindo poco. Pero no vemos que se usa muy a menudo en, En combinado con la música solista de orquesta lo hacemos. El pétalo medio es el pedal sostenido de Udot. Ahora, éste, no todos los pianos tienen, muchos de ellos tienen una, tienen tres pétalos. Pero si tienes como un piano vertical o un piano de cola no muy bueno, podrías tener algo diferente para el pedal sustain. Podría ser como básico. No puedo recordar lo que es. A veces el sostenuto pedal básicamente como un pedal amortiguador para apenas el extremo bajo del piano. Si lo empujas hacia abajo, se quita el amortiguador en las notas bajas del piano. Qué pedal sostenuto adecuado es, que puedes suponer que tienes en una orquesta porque ahí tienes un buen piano. Es este mecanismo funky que la gente no usa lo suficiente. Y me encanta usar, déjame mostrarte. Yo lo uso todo un montón en esta pieza. Esta es una B realmente larga. Segundo movimiento. Utilízalo. Sostener pedal Udot. Normalmente anotaste como SOS y luego alinea para donde quieres usarlo. utiliza lo que haces con este pedal sostenuto. Empujar hacia abajo algunas notas. Puedes empujarlos con fuerza hacia abajo para que los escuches o con mucha suavidad. Así que nadie te oye empujar hacia abajo esas notas. Entonces tú, mientras sostienes esas notas abajo, presionas el pedal sostenuto. Eso va a quitarle el amortiguador solo en esas notas. Ahora puedes dejar ir esas notas, pero mantén abajo el charco. Estas notas se mantienen abatidas. En el caso de esta música que ves aquí, lo que estás viendo es antes de que empiece la pieza, los intérpretes pidieron mantener presionadas estas notas y luego presionar el pedal de sustain. Entonces ve a hacer, hacer, hacer, hacer, hacer, hacer derivado. Sólo estos nodos van a sonar desde este pequeño riff rápido. Este piso alto B va a ser rápido y de paso, A-flat va a estar de paso este G porque estaba ahí. Esta G va a sonar. Esta f no lo es, pero esta E va a sonar. Por eso dice dejar que eso simplemente sostenga y se sienta en él durante unos tres segundos y luego deprima este otro acorde. Y entonces vamos a hacer el mismo tipo de cosas. Gran RIF, sólo esas notas van a sostener, etcétera. Aquí hay otro. Sos. Ese es el pedal sostenuto. Es realmente genial y es muy divertido hacer trucos con. No creo que la gente lo use lo suficiente. Ahí vas. Aquí dice SOS separados, Eso significa mantener el sostenuto pedal hacia abajo. La presa es como todavía, aún SOS, no les gusta pasar por todo este pasaje. Entonces justo aquí. Espere a que todo el sonido muera. Justo ahí. Entonces hazlo otra vez. Pedal sustentable, super cool. De acuerdo, entonces esos son los tres pétalos en el piano. Mucho más sobre el piano. Podría escribir toda una clase solo en escribir para piano. Tal vez algún día lo haga. Otros instrumentos de teclado que nos encontramos. Piano de juguete, Ese es uno con el que te encuentras con bastante frecuencia. Y eso es exactamente lo que suena. Es, te imaginas viejo caricatura de Peanuts donde Schroeder creo que está tocando, como sentado en el suelo tocando un pequeño piano. pianistas profesionales les encantó estas cosas. Todos tienen uno. Puede que no lo admitan, pero todos tienen uno. Es como un violonchelista, que es otro buen instrumento de teclado. Suena como campanas. No es super in-tune, pero da un efecto muy específico. Simplemente Google como el piano de juguete. Por lo general son quizás dos octavas. No es real, muy grande. Pero son bastante divertidos. violonchelista es otro que es como un montón de campanitas. Arpas, gancho es muy brillante. Clavecín. El clavecín es un poco como la guitarra. En eso es una especie de cuerda escogida. Imagina un piano donde en lugar de ser golpeado con un martillo suave por dentro, tenías a alguien con una púa de guitarra muy dura, yendo, yendo y recogiendo cada nota. Eso es literalmente lo que es un clavecín. Es muy, muy brillante. Destaca y tiene muy poco control dinámico. Es como si el nodo lo esté tocando o no se juega. Algún control dinámico, pero no mucho. Para todos los instrumentos de teclado, mira hacia arriba los pétalos, mira hacia arriba la notación que estás usando para ello. En primer lugar, te vas a quedar atascado con el piano. A menos que estés haciendo algo extraño, entonces podrías usar uno de esos otros. 38. El arp: El corazón. Nuevamente, toda la clase debe dedicarse a escribir para el corazón. El corazón es un instrumento muy difícil para escribir. Porque tiene algunas cosas peculiares, peculiares. He hecho una buena cantidad de trabajo escribiendo para el arpa, tanto como instrumento en solitario como como instrumento de orquesta. Quiero decir, lo que pienso aparte del gran tema que son los pétalos, que hablaré en un segundo. Aparte de eso, creo que lo sorprendente del arpa es que como lo fuerte que es, corazón puede ser bastante ruidoso. Puede competir con el piano. Creo que puede ser más fuerte que el piano a veces, sobre todo en el extremo bajo del mismo. Los Karp podrían ponerse ruidosos y pueden ponerse muy tranquilos. Pero de nuevo, me gusta pensar ellos como un instrumento percusivo, menos que el piano, pero aún así, no tienen mucho sustento en el volumen que necesitamos para que funcione con una orquesta. Por lo que son bastante como percusión, instrumento de percusión. De acuerdo, así que antes que nada, hay toneladas de diferentes tipos de daños. lo que estamos hablando aquí es de éste, tiene un montón de mecanismos en la parte superior. Esto es, creo que típicamente lo llamamos como arpa clásica. No es un arpa Caltech ni ninguno de los otros. Lo más grande que los distingue es que pueden jugar cromáticamente. Si nos fijamos en esta imagen, lo que estás viendo son básicamente las cuerdas rojas, creo r es ver el tono C, Así que pueden encontrar C rápidamente. Creo que los negros aquí son GI o F. Creo que es F. Si cuentas de C a C, no vas a conseguir 12 cuerdas, vas a conseguir ocho. Entonces básicamente todo es diatónico. Eso significa que las cuerdas son C, D, E, F, G, a, B, C, y luego otra activa en otra activa en otra roca. Eso no se ve muy cromático ahora, ¿verdad? No pueden tocar un C agudo. Estos pueden jugar completamente cromáticamente. Lo grande que los hace diferentes son los pétalos. Entonces si fueras a mirar la parte posterior de uno de estos, aquí es donde juega la persona. Cuando tocas un arpa, estás sentado así. Y si estoy jugando así, estos pétalos están justo a mis pies. Vale, entonces tu, tus piernas van a ambos lados de esto. Tenemos siete pétalos en la parte inferior. Mucha gente sí sabe que las arpas tienen pétalos. Lo hacen. Esto es lo complicado de arpa. Cada pétalo tiene tres posiciones. Cuando está en esta muesca media aquí. Es natural. Cuando se acabe. Es plano, creo. Y cuando está abajo, es agudo. Podría tener eso aplanado afilado hacia atrás. Creo que eso es correcto. ¿ Qué significa eso? Veamos el primero aquí. Entonces el primero es D, Este es el De pétalo. Si está todo el camino hacia arriba, entonces eso significa que todas las D, todas estas cuerdas son planas. Este pedal efectos, todos los d's. Por lo que todos estos ahora son D plana. Si llevo ese pedal a la posición natural, ese punto medio. Todos estos no son naturales. Si lo pongo abajo a la posición inferior, todos estos ahora están afilados. Genial. Entonces por esa lógica, digamos que quería hacer un montón de cosas en sol mayor. Todo lo que tengo que hacer es tomar mi pétalo f y ponerlo en la posición afilada. Al derribarlo. Entonces tengo G, a, B, C, D, E, F sharp, G. Así que ahora solo puedo ir así y jugar G grandes escalas todo el día. De acuerdo, genial, simple. Ahora aquí está el problema. ¿ Y si quiero tocar algo en la clave de G, Pero de vez en cuando quería F-Natural. Eso está fuera de la llave. Es genial, pasa. Ahora necesito una F natural y una F afilada. Ahora tienes un problema. Ahora es cuando las cosas se ponen funky. Podrías hacer dos cosas. Podrías escribir la música de tal manera que tengan una octava nota o algo donde puedan. Mueve el pedal. mover el pedal mientras juegan. No deben golpear ese F afilado por un segundo. Mueve el pedal hacia abajo a F natural. Golpea la F natural. Una vez que haya terminado de sonar o lo que sea, presione el pedal de nuevo hacia abajo y muévalo de nuevo a una F afilada. Pueden hacer eso. Pero digamos que si quisieras que alguien trillara entre una F natural y F afilada G, no puedes hacer eso. Puedes. Lo que puedes hacer es ir a tu E y moverlo a la posición afilada. Ahora tienes una E afilada. Y si escribes un trino entre E sharp y F-afilado, ahora tienes un trino entre F natural y F sharp. Loco, ¿verdad? Así que tenga en cuenta que tanto B como E y F pueden ir y ver todos pueden ir a la posición afilada y a la posición plana. Así que terminas con un montón de b sharps y pisos y cosas así. De la forma en que hacemos un seguimiento de esto, hay algunas formas diferentes en que hacemos un seguimiento de esto, pero se ve mucho este símbolo. Dice este símbolo, tipo de nos muestra las posiciones de nuestros pétalos, ¿verdad? Por lo que esto dice que la DEA está en la posición natural. C está en la posición afilada, B está en la natural, E está en la posición plana, F está en la posición afilada, G está en la posición afilada, a está en la posición plana. Esto es una especie de alucinante porque normalmente en una escala o una llave, no tendríamos tanto cortantes como pisos. Pero la forma en que el corazón tiene de negociarlo, cuerdas, están más acostumbrados a ver esto que el resto de nosotros. Tienen que lidiar con esto porque solo pueden tener una nota por cadena. Veamos si podemos traducir esto. Hagámoslo todo afilado. Entonces se llama así D-sharp. Y luego tenemos un D natural G-sharp, G-sharp, y un A-flat. Así que eso va a ser una armónicamente la misma nota. No creo que esto sea clave, creo que esto es sólo un ejemplo. Pero este es un buen ejemplo aquí tienes dos de la misma nota, que pueden hacer. Pueden hacerlo a propósito. Aquí está, en la práctica lo que podrías ver. Entonces si miramos hacia atrás a lo anterior, es DCB. Esto nos está diciendo D-agudo, B afilado, D agudo, C agudo, B natural, y luego todo lo demás afilado. Y luego haz esos grandes glifos. Ahora todo va a estar en esta llave. Aquí hay algo de música. Aquí está ese símbolo justo ahí. Parece todo lo natural. Excepto la a. Justo al final ahí. Corren por ese riff y luego hacen algún ajuste. Sacan este pétalo hacia arriba. Entonces a veces solo consigues estas pequeñas cosas aquí donde dice, mueve el pedal e natural a E-flat. E natural a E-flat, E natural a E-flat, natural a G-sharp. No sé cómo harías eso. Esa es una forma extraña de decir que debería ser natural a A-flat. Algo gracioso ahí. Pero luego hay un símbolo completamente nuevo de nuevo, tipo de reinicio. Y hay otro que tipo de te muestra cómo funcionan las cosas . Y ahí están nuestros pétalos. Dicho todo eso. Es un instrumento difícil de tocar. Pero los jugadores realmente buenos pueden hacer cosas realmente increíbles. Pueden hacer cosas muy intrincadas. Es un poco como la guitarra en cierto modo. Ellos, juegan así, que es así, y esto se trata de una octava. Tan mismas reglas que el piano. No se puede escribir más grande que una octava en una mano. Y hay que pensar si estos son los, Este es su mayor intervalo. Estos, estos dedos no pueden hacer una tonelada si estás golpeando una octava ahí dentro. Entonces tenemos que pensar en cómo harías eso. Lo mejor que hay que hacer es escribir la música que quieres escribir y luego trabajar con un reproductor de corazón para ponerla en una forma muy jugable. Y vas a tener que hacer algunos compromisos. El corazón, siempre lo haces. Pero ese es el corazón. 39. Órgano: Vale, hablemos del órgano. Sorprendentemente no es raro encontrar piezas para Oregon, una orquesta. Mucho del tiempo, si eres orquesta está actuando en una iglesia, ahí hay un órgano. Históricamente, la música para Oregon y orquesta ha sucedido desde hace mucho tiempo, sobre todo en forma de misa o algo así. Un par de cosas para hacer un seguimiento con el Oregon. En primer lugar, el Oregon puede ser lo más ruidoso de la habitación. Tipo de siempre. Incluso si tienes la sección de latón en plena explosión, si quieres que el Oregon gane. En cuanto a volumen, puede. El Oregon es masivo y enorme. Y puede apagar el más sonido si realmente lo quisieras. Pero también puede ser muy tranquilo y delicado. Su rango es increíble desde las notas más bajas que puedes imaginar hasta notas muy altas. Que todo depende del órgano en particular. Entonces si todas estas pipas que ves en un Oregon, nuestras notas, y a veces hay muchas pipas para cada nota individual, dependiendo de qué parada estés usando. Entonces es aquí donde la notación se pone un poco más difícil. Las paradas son todos estos pequeños botones aquí mismo. Déjame ver si tengo una mejor imagen. Aquí. Se pueden ver todos estos botoncitos. Entonces cada parada cambia el tono. Es realmente lo mismo, muy similar a un sintetizador. Marcar en un parche, excepto que es una especie de estilo analógico. A éstas se les llama paradas y sacan uno y eso deja pasar el aire por esa sección de tuberías. Para anotar qué se detiene desea usar. Esto se detiene tiene que ver con la madera y un poco la dinámica, pero mucho que ver con la madera. Aquí hay algo de música. Ya ves que han anotado las paradas. Como tal. No soy un experto en esto en absoluto. Entonces vas a querer, si estás escribiendo para orquesta o vas a querer buscar cómo etiquetas las paradas. Y probablemente trabajó con un organista para experimentar y asegurarse de obtener los sonidos que desea. Aparte de las paradas. La música de órgano está anotada en dos o tres pentagramas. El bastón inferior, clef bajo, estos son probablemente tus pétalos. Veamos. Se pueden ver los pétalos aquí abajo. Ahí están todos nuestros pétalos. Tienes unas dos octavas en los pétalos. Y esas son notas de bajo grandes y fuertes. Pétalos. Los pétalos no son como charcos de corazón o pedales de piano cuando cambiaron el sonido en absoluto. Estos son en realidad otro teclado. Eso es lo que hay ahí. En realidad estás tocando notas con los pétalos. Si ves como un buen organista jugar el Oregon, tu mente quedará volada. Al igual que, ni siquiera puedo entender cómo pueden hacer un seguimiento de todas las cosas de las que llevan un registro. Es una locura. Mira a un organistas profesionales, como jugar algo de Bach o algo así y lo serán, es raro. Es fenomenal. Esto es lo que es, pero es mucho de lo que hacer un seguimiento. Puedes ver aquí, quiero decir, hay cuatro teclados más los pétalos, más las paradas. Y aquí hay más paradas para hacer un seguimiento de. Y he visto órganos que son aún más grandes que esto. Es una locura. Así que de todos modos, si vas a escribir para Oregon, por favor trabaja dentro del jugador de Oregon para ayudarte a escribir la pieza porque hay mucho que averiguar. 40. La guitarra: Vale, hablemos de guitarras. Lo que estoy a punto de decir de las guitarras podría sorprenderte en realidad siendo un guitarrista yo mismo. Primero, pasemos por un par de las cosas más básicas que probablemente conozcas de la guitarra. Pero solo por el bien de la consistencia, guitarra estándar tiene seis cuerdas, se sintonizan en cuartas partes con una especie de rareza cerca de la parte superior. Las cuerdas son E, a, D, G, B y E. Así que hay una especie de tercio oculto ahí entre las fortalezas G y B. Con el resto de ellos están sintonizados vigentes. Hay algunas guitarras que tienen más de seis cuerdas así. Uno de ahí tiene diez cuerdas. No hay una forma realmente estándar de sintonizar. Cuando tienes más de seis cuerdas. Típicamente siete guitarras de cuerda tienen una nota más, una cuerda más inferior. De hecho, la mayoría de las guitarras que tienen más de seis cuerdas, van más bajas en lugar de ir más alto. Creo, creo que es verdad. La mayor diferencia entre una guitarra y como un violín o algo así es que las guitarras se preocupan. Todos los tipos de guitarras están trastes. Entonces cualquier cosa que podamos tipo de bucle en la categoría general de guitarra, incluso cosas como ukelele y banjo y cosas así son Fred. En lugar de poder moverse como un glissando todo el camino arriba y abajo. Vamos a conseguir esto así lo hizo, lo hizo por los amigos. Sólo una cosa diferente. Puedes tener guitarras infructuosas. existen, pero son más raros. Ahora aquí está lo complicado de la guitarra. Lo que voy a decir que probablemente te va a sorprender, es que muy, muy raramente escribo para guitarra. Odio escribir para guitarra. Escribir para guitarra es súper dura. Hay mucho en lo que hay que pensar. E incluso siendo guitarrista, escribir para una guitarra es realmente difícil. No hablar de como triturar riffs de roca. Estoy hablando como guitarra clásica. Me gusta poder jugar como Bach y cosas así. Ese estilo de tocar, este tipo de tocar que podrías ver más típicamente con una orquesta. Pese a que la guitarra eléctrica es muy común también con la orquesta cada vez más. Entonces. Es muy difícil de hacer. Escribir para guitarra es complicado. Realmente lo es. Debido a la cuestión particular de uno. Y es esto. Podemos tocar, somos uno de los pocos instrumentos que pueden tocar exactamente la misma nota, misma octava, múltiples lugares. Esto hace que las cosas sean un poco complicadas. Ahora realmente cualquier instrumento de cuerda puede hacer eso. Un violento puede hacerlo. Pero lo que nos hace diferentes es que a menudo se nos pide que seamos un instrumento polifónico. Se pide a las guitarras que toquen más de una nota a la vez, pero se nos pide. Pero cualquier nodo se puede encontrar múltiples lugares con muy pocas excepciones. Por ejemplo, si me dices que juegue C, voy a tocar el C. ¿O voy a tocarlo aquí? Mismas notas, misma octava. Si me dijiste que tocara esta nota, puedo tocarla aquí. Puedo tocarlo aquí, puedo tocarlo aquí. Al igual que Google Play aquí, ponlo aquí. O tal vez aquí. Con un armónico. Puedo jugar en seis lugares diferentes. Ahora, eso está bien. Si sólo me dices que toque notas solteras, solo puedo escoger una y averiguar dónde jugar con él. Pero si me estás pidiendo que toque múltiples notas al mismo tiempo, tengo que averiguar dónde voy a conseguir cada nota. Y teniendo en cuenta, solo puedo obtener una nota por cuerda. Entonces si quieres que toque una E y una F-afilada, esas están en la misma cuerda, así que ahora tengo que encontrar un lugar diferente para tocar mi E. voy a tocar esa E aquí arriba. En lugar de ahí. Ese F-afilado ahí. Ahora puedo hacerlo. Pero la lectura de la vista muy difícil y la escritura muy difícil. Si estás tratando de hacer cosas polifónicas. Todo lo que quiere decir que incluso como guitarrista, apenas muy raramente escribo para guitarra y realmente no me gusta escribir para su tiempo. He escrito algunas piezas de guitarra clásica, pero han sido realmente un poco simples. Justo como una cosa de acompañamiento para otra cosa. Y nunca he escrito realmente como una pieza de guitarra midi porque guitarra super dura. Si estás escribiendo para guitarra, no eres un guitarrista, entonces lo que debes hacer es más o menos correcto, donde vas a escribir, pero ten en cuenta que vas a tener que pasar por él y nota por nota con un guitarrista y escribir en los dedos para que sepan tocarlo. Um, y tú has, puedes hacer que lo descubran para ti. Si eres guitarrista y quieres escribir para guitarra, toca a través de ella mientras lo escribes. No te preocupes por poder jugarlo a la velocidad. Si vas a tener a alguien que tal vez sea mejor que tú jugando. Pero al menos necesitas saber que tus dedos pueden llegar físicamente a esos lugares. Esto es cierto en casi todas las guitarras y todos los instrumentos trastes en general. Entonces hay un truco alrededor de esto. Esta idea de conseguir múltiples nodos y múltiples o las mismas notas en múltiples lugares nos ha llevado a un sistema de notación diferente para algunas cosas llamadas tablature. Vamos a un nuevo video y hablando de tablatura muy rápido. 41. Tablatura: De acuerdo, entonces así es como se ve la tablatura ahora, antes que nada, déjame decir algo sobre la tablatura. Puede ser que haya sido transmitido a usted en algún momento que la tablatura es mala. Si eres guitarrista o un guitarrista de algún tipo, posible que tengas la impresión de que tablature está bien para aprender. Pero los músicos profesionales leen notas, no tablature. Eso es cierto, pero hay una muy buena razón para la tablatura. No hay nada malo en la tablatura. El motivo es este problema del que acabo de hablar y que es una podemos jugar las cosas mucho de lugares diferentes. Si solo estuviera dando estas notas, probablemente podría ver leerlo. Hasta aquí me retrasaría. Esta E y F me retrasaría porque tendría que averiguar realmente algo para eso. Pero esta tablatura podría citar leer por completo. Probablemente en el tempo. No es muy difícil. Entonces lo que nos dice tablatura no es exactamente qué notas tocar, sino exactamente dónde poner nuestros dedos y qué cuerdas golpear. Esto dice en esta fuerza. Entonces cada línea aquí es una cadena. Y dice en la cuerda B, pon tu dedo en el primer traste. En la cuerda E. Pon el dedo en el primer traste en la cuerda. Pon el dedo en el tercer traste. En la cuerda D, pon tu dedo en el tercer traste. Y estas son las notas que se producen al hacer eso. Esto dice lo mismo. Si lo tienes, si estás trabajando con un instrumento de cuerda de instrumento de cuerda trastada, puedes, puedes usar tablatura. No hay nada de malo en usar tablatura. Siempre utilízalo en combinación con notación tradicional, igual que esto es, no uses solo tablatura solo. Porque la tablatura sola por lo general no te muestra el ritmo. Hay formas de mostrar el entablatamiento del ritmo, pero ninguna de ellas está en grande. Por lo que combinar los dos juntos es bueno. Porque para mí alguien que tiene un fondo clásico lo haría, probablemente lo haría al mirar esta música, comenzaría a leer aquí. No miraba la tablatura y solo leía aquí, yo tocaría eso aquí. Probablemente dejaría que mi ojo se derribara aquí abajo. Y luego me quedaría aquí abajo por todo este riff. Porque este riff obviamente es realmente fácil cuando lo miras y tablatura. Pero es bastante difícil cuando lo miras en las notas. Yo zigzag entre ellos un poco. Pero no tengas miedo de la tablatura. Para los instrumentos de crédito, la tablatura está bien. Incluso los guitarristas profesionales tienen que usar tablatura. A veces no es hacer trampa. Es sólo la naturaleza de nuestro instrumento. En ocasiones necesitamos saber dónde bajar los dedos. 42. Dinámica de guitarra: Una cosa más sobre las guitarras. A menudo con una orquesta, vemos este tipo de guitarra, cuerda de nylon o guitarra clásica. Las guitarras son tranquilas. Las guitarras realmente son tranquilas. No lo piensas. A menudo pensamos que todas las guitarras grandes ruidosas porque tienen un AMP. Pero sólo guitarras como esta. Sus cositas meñiques, no tienen un sonido enorme. Puedes orquestar alrededor eso y puedes encontrar algunas piezas realmente hermosas que en realidad donde la guitarra encaja realmente en la orquesta, incluso siendo tan tranquila como es sin ninguna amplificación. Es difícil escribir de esa manera. Pero incluso para este tipo de guitarras, es perfectamente aceptable en este punto tener un amplificador en el escenario con el guitarrista. La gente lo hace en guitarra clásica así. Si están haciendo una pieza con toda la orquesta, pueden tener un amplificador. Ciertamente la gente tocando guitarra eléctrica tendrá un amplificador o cualquier tipo de guitarra. Pero con un AMP viene un montón de cosas extra. ¿ Quieres notar qué tipo de sonido quieres en ese AMP. Ya sea una distorsión limpia, retardo de reverberación, cualquier efecto. Puedes escribir todas esas cosas ahí dentro. Y si lo haces, debes asegurarte de ser lo más descriptivo posible. Básicamente, incluso como no traten de no decir distorsión, sino decir distorsión arenosa. O incluso he puntuaciones de estudiantes especifican un pedal de distorsión particular y ajustes particulares para ese pedal. Ahora el intérprete puede o no tener acceso a ese pétalo. Pero pueden buscarlo y pueden intentarlo, pueden entender qué sonido quieres e intentar hacer algo parecido. La mayoría de los casos si son profesionales, jugando con orquestas profesionales van a encontrar una manera de conseguir ese pétalo. Solo tienes que tener eso en cuenta. 43. Acordeón: De acuerdo, muy rápido. El acordeón. No tengo mucha experiencia escribiendo para acordeón. Pero lo que hay que recordar del acordeón es que es esencialmente un instrumento de caña, por lo que no es diferente de un oboe en su timbre. Hay lecturas en su interior, y cuando se tira y empuja el fuelle, ese es el tipo de cavidad de error en ella. Está soplando aire a través esas lecturas y así es como se obtiene ese sonido. Eso significa que va a tener un sonido muy brillante. Se va a cortar bastante bien. En realidad. Se puede poner bastante ruidoso. Te sorprenderías. No se ven acordeones con orquestas muy a menudo a menos que estén haciendo música tango o la música de p, Es Ola o alguien así. Nota al margen. Si nunca has escuchado música de Aster pizzaiolas. Como pausar este video ahora y bajar por un agujero de conejo de escuchar a Zola. Me encanta la pizza Ola. Estábamos, estábamos así de cerca de nombrar a nuestra piedra Aster en, debido a los asteroides Zola. Perdí la batalla en esa. Pero debido a que mi esposa pensó que la gente los llamaría ensayo, alguien que estaba bien. Pero toca un tipo muy específico de acordeón, es por lo pizzaiolas más conocido. Pero lo que hay que recordar del acordeón, dependiendo del tipo, tienen diferentes rangos. Quieres buscar con qué tipo estás trabajando. Si estás trabajando con uno. Debido a que se lee, se mezcla muy bien con los otros vientos. Um, puedes incluirlo en la sección de viento y tendrías un sonido realmente hermoso. Fagoones, fagotes mezclados con acordeones es un sonido hermoso. He oído eso usado en una pieza antes. Me encantó. Fue un sonido poderoso, increíble. Así que tal vez tenga eso en cuenta. Pero creo que eso es todo lo que tengo que decir de los acordeones. Realmente buenos instrumentos de mezcla. No se usan muy a menudo con orquesta. Pero sería genial si lo fueran, porque son realmente geniales. Y echa un vistazo a la música. Si se le pregunta repetida Zola. 44. Todo el resto: De acuerdo, Así que como probablemente sepas, hay miles de otros instrumentos. No puedo cubrirlos a todos aquí. Pero cuando alguna vez estás considerando usar un instrumento, las tres cosas en las que siempre debes pensar es, ¿cuál es su rango? ¿ Cómo son sus dinámicas? ¿ Y cómo es su madera? Por lo que su gama bastante fácil de mirar hacia arriba. ¿ Cómo son sus dinámicas? Eso significa que es ruidoso y es de gama alta o es silencioso y es de altas energías que ruidoso y es de extremo bajo o final silencioso y lento. ¿ Qué aspecto tiene esa curva? ¿ Con qué será capaz de mezclarse? En términos de dinámica? ¿ Es lo suficientemente fuerte como para mezclarse con el latón yendo a plena explosión? ¿ O es lo suficientemente ruidoso, o es un instrumento silencioso? Y queremos usarlo sólo cuando se combina con la violencia haciendo algo realmente delicado. La tercera cosa es el timbre. ¿ Realmente es 3D? ¿ Es realmente suave, como una flauta? Es. No tiene muchas características como un instrumento de percusión. ¿ Puedo cambiar sus características usando un mudo o haciendo alguna técnica extendida o algo así. Si puedo, ¿con qué se mezclará eso? Vamos a hablar mucho más de mezclar instrumentos y crear nuevos timbres. En la siguiente sección de la clase, una vez que nos metemos en lo real de orquestación mediática. Tan en espera para eso. Pero cada vez que estés mirando un nuevo instrumento, piensa en esas tres cosas. Rango, dinámica, madera. 45. ¿Qué sale de continuación?: Vale, eso es todo para instrumentación. Ahora conocemos todos los instrumentos más o menos. ¿ Qué viene a continuación? A continuación nos vamos a sumergir en combinar instrumentos para hacer sonidos poderosos y aprovechar al máximo la orquesta. Vamos a empezar por mirar líneas. Vamos a decir que tenemos una línea como una línea de melodía. Y es como si Mary tuviera una extremidad. Puedo poner eso en el violín. ¿ Cómo va a sonar eso? Podría poner eso en el oboe. ¿ Cómo va a sonar eso? Es genial. Pero si lo pongo en el violín y el oboe, ¿cómo va a sonar eso? Ahora, ¿y si pongo un espiel Glaucon, atacando todas las demás notas? En las notas off, agregó un violonchelo. Dime así. Eso va a crear una sensación muy diferente. Y en el contexto de una orquesta, podría ser un sonido poderoso. Podría ser lo que queremos, puede que no sea lo que queremos. Vamos a ver un montón de diferentes técnicas de combinar sonidos para aprovechar al máximo la orquesta. También vamos a mirar mucho trabajo de compositores conocidos y lo que han hecho en situaciones similares hará una buena cantidad de análisis de puntaje en esto también. Entonces después de líneas, nos meteremos en armonías y acordes y construyendo cosas así. Y eventualmente, nos pondremos en elaboración de todas estas cosas para que funcionen mejor en el sintetizador o en la orquesta muestreada. Pero en realidad todo de lo que vamos a hablar. En la siguiente clase, vamos a estar usando una orquesta muestreada para transmitirla, realidad entrará en eso probablemente de inmediato. Ojalá tuviera una orquesta completa a mi disposición para tocar cada ejemplo por ti, pero sí. Entonces vamos a tener que usar la orquesta muestreada. Pero sé que es una cosa en la que muchos de ustedes realmente quieren entrar en esta clase, estaremos sumergiéndonos en eso tan pronto como podamos. Así que por favor únete a mí en la siguiente clase, tercera parte. Te veré ahí. 46. Cierre: Hey a todos, quiero aprender más sobre lo que estoy haciendo. Puedes inscribirte aquí a mi lista de correo electrónico. Y si haces eso, te avisaré cuándo se publiquen nuevos cursos y cuando haga adiciones o cambios a los cursos en los que ya estás inscrito. También checkout en este sitio. Yo publico un montón de cosas allí y me chequeo en ella todos los días. Así que por favor ven a pasar el rato conmigo. Y uno de esos dos lugares son o ambos? Y nos vemos ahí.