Masterclass de orquesta, parte 4: escritura para cuerdas | Jason Allen | Skillshare
Menú
Buscar

Velocidad de reproducción


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Masterclass de orquesta, parte 4: escritura para cuerdas

teacher avatar Jason Allen, PhD, Ableton Certified Trainer

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:34

    • 2.

      El formato de esta clase

      3:54

    • 3.

      Anteriormente sobre la orquestación

      3:03

    • 4.

      Herramientas que estoy usando

      2:53

    • 5.

      Cómo Elegir Una Tune

      3:59

    • 6.

      Lo que podemos decir sobre esta canción

      3:24

    • 7.

      Primer plano, plano medio y fondo

      3:35

    • 8.

      Proceso de orquestación de primera plana

      3:21

    • 9.

      Cómo usar violín

      6:45

    • 10.

      Cómo usar la segunda violina

      3:23

    • 11.

      Cómo usar Viola

      5:11

    • 12.

      Cómo usar Cello como Melodía

      5:15

    • 13.

      Cómo usar el bajo como Melodía

      5:08

    • 14.

      Considerar el fondo

      7:21

    • 15.

      Fondo sobre el primer plano

      3:08

    • 16.

      Color como la separación

      3:06

    • 17.

      Textura como separación

      1:26

    • 18.

      Análisis de Beethoven, parte 1

      3:50

    • 19.

      Análisis de Beethoven, parte 2

      2:42

    • 20.

      Considerando Middleground

      3:44

    • 21.

      Técnicas de Middleground

      6:26

    • 22.

      Ejemplo de Beethoven: Middleground

      6:04

    • 23.

      Textura Y Ritmo

      4:53

    • 24.

      Variación rítmica

      2:36

    • 25.

      Más sutil

      3:05

    • 26.

      Escritura homofónica

      2:00

    • 27.

      Nota Espaciar

      3:36

    • 28.

      EJEMPLO

      8:15

    • 29.

      Escritura polifónica

      3:01

    • 30.

      Greensleeves Polyphonic

      2:25

    • 31.

      Cómo Conectar Los Puntos

      6:22

    • 32.

      Un poco de nueces

      4:39

    • 33.

      Desdibuja las líneas

      5:45

    • 34.

      Suspensiones

      3:21

    • 35.

      El Monty completo

      3:32

    • 36.

      Escritura monofónica

      4:54

    • 37.

      Escritura sobre "Monorhythmic"

      6:27

    • 38.

      Ejemplo de la escritura Monorhythmic

      2:56

    • 39.

      Las cuerdas son versátiles

      4:28

    • 40.

      No tienes que usar todas las cuerdas todo el tiempo

      3:23

    • 41.

      Las cuerdas pueden surtir

      2:40

    • 42.

      Ejemplos de String Groove

      1:43

    • 43.

      Ejemplo: Yo: Cuarteto de cuerda No.3

      5:31

    • 44.

      Ejemplo: Yo: Historia del hielo

      6:21

    • 45.

      ¿Qué viene después?

      1:19

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

102

Estudiantes

--

Proyectos

Acerca de esta clase

Este curso está certificado por la Asociación Internacional de Educadores e Instituciones de Música Online.

100% tasa de respuesta! Cada pregunta publicada en esta clase es contestada en 24 horas.

¿Eres un creador de música, intérprete, compositor o aspirante a compositor que busca subir tu partido? Este es el lugar para empezar.

Es hora de aprender orquestación para darle a tu música el poder y la pasión que merece.

La orquestación es el estudio de cada instrumento de la orquesta, cómo funcionan, cómo escribir para ellos y cómo cada instrumento colisiona con los otros para hacer nuevos sonidos. Piensa en ello como pintura: La orquesta es tu paleta de colores. Pero no quieres simplemente mezclarlos todos juntos. Necesitas entender algunos principios de mezclar esos colores antes de poner tu pincel sobre lienzo.

En esta serie de clases vamos a trabajar en tres cosas:

  • Instrumentación: saber cómo funcionan todos los instrumentos de la orquesta y cómo escribir para ellos de una manera idiomática.

  • Composición: Usar la orquesta para escribir música poderosa. Aprender a mezclar los diferentes sonidos de la orquesta para crear un nuevo sonido, único.

  • Sintetización: uso de software de producción común (Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Pro Tools, Cubase, etc.) para crear un sonido de orquesta realista con bibliotecas de muestras.

En esta clase, "Parte 4: Escribir para cadenas" vamos a centrarnos en las cadenas como una sección de primer plano, mitad de class, y fondo. Exploraremos el uso de las cuerdas para la melodía, la armonía y la textura, mientras exploraremos las técnicas que Beethoven usó en su escritura de cuerdas.

Si no me conoces, he publicado muchas clases aquí. Esas clases han tenido mucho éxito (¡de hecho, los mejores vendedores!), y esta ha sido una de las clases más solicitadas que mis estudiantes (más de 1.000.000 de ellos) han solicitado. Estoy muy emocionada de poder finalmente traer esto a ti.


Aquí puedes ver una lista de algunos de los temas que vamos a cubrir:

  • Escritura de primera plana

  • Poniendo la melodía en el violín, viola, violonchelo o bajo

  • Mantenerse alejado de la melodía en términos de rango

  • Cómo poner el fondo sobre el primer plano

  • El color como separación de primer plano y middleground

  • Textura como separación de primer plano y middleground

  • Escritura y Técnicas de Middleground

  • Textura y ritmo

  • Variación rítmica

  • Escritura de fondo

  • Escritura homofónica

  • Escritura polifónica

  • Escritura monofónica

  • Escritura Monorhythmic

  • Mirando a los amos: Beethoven, Symphony No. 1

  • Y Mucho, ¡mucho, Más!

Mi promesa para ti:

Soy un compositor y educador de música a tiempo completo. Si tienes alguna pregunta, por favor publícalas en la clase o envíame un mensaje directo. Te responderé dentro de 24 horas.

¿Qué me hace estar calificada para enseñarte?

Además de ser compositora y educadora, también tengo un doctorado en música, soy profesor de música universitaria y tengo una larga lista de premios por enseñar.

Pero lo más importante: uso estas cosas todos los días. Escribo música profesionalmente, soy un guitarrista activo, y mantente al tanto de las últimas técnicas, flujos de trabajo y estilos. Como verás en esta clase, me encantan estas cosas. Y me encanta enseñarlo.

¡Empecemos!

Nos vemos en la lección 1.

Todo lo mejor,

Jason (pero llámame Jay...)

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Jason Allen

PhD, Ableton Certified Trainer

Profesor(a)

J. Anthony Allen has worn the hats of composer, producer, songwriter, engineer, sound designer, DJ, remix artist, multi-media artist, performer, inventor, and entrepreneur. Allen is a versatile creator whose diverse project experience ranges from works written for the Minnesota Orchestra to pieces developed for film, TV, and radio. An innovator in the field of electronic performance, Allen performs on a set of “glove” controllers, which he has designed, built, and programmed by himself. When he’s not working as a solo artist, Allen is a serial collaborator. His primary collaborative vehicle is the group Ballet Mech, for which Allen is one of three producers.

In 2014, Allen was a semi-finalist for the Grammy Foundation’s Music Educator of the Year.

... Ver perfil completo

Level: Intermediate

Valoración de la clase

¿Se cumplieron las expectativas?
    ¡Superadas!
  • 0%
  • 0%
  • Un poco
  • 0%
  • No realmente
  • 0%

¿Por qué unirse a Skillshare?

Mira las galardonadas Skillshare Originals

Cada clase tiene lecciones cortas y proyectos prácticos

Tu membresía apoya a los profesores de Skillshare

Aprende desde cualquier lugar

Ve clases sobre la marcha con la aplicación de Skillshare. Progresa en línea o descarga las clases para verlas en el avión, el metro o donde sea que aprendas mejor.

Transcripciones

1. Introducción: Oigan a todos, bienvenidos a la parte de orquestación. Entonces en esta clase vamos a sumergirnos en profundidad y enfocarnos en las cuerdas. Esto es probablemente lo que más me preguntó la gente. Porque si eres uno, mucha gente piensa en orquesta. Aquí están pensando en cuerdas. Cuando están pensando en hacer esas grandes exuberantes partituras cinematográficas, están pensando en cuerdas. Entonces en esta clase realmente nos vamos a centrar en lo que hace que suene esa gran y exuberante partitura de película, o simplemente ese sonido de orquesta realmente agradable. No se trata sólo de tener buenas muestras. Esa es una gran parte de ello. Y eso lo vamos a cubrir muy pronto. Pero en esta clase, vamos a hablar de lo que se necesita para escribir para las cuerdas que harán que suene bien. ¿ De acuerdo? Entonces necesitamos aprovechar al máximo las cosas que pueden hacer las cuerdas. Esa es básicamente la esencia de ello. Entonces vamos a hablar cosas tradicionales como primer plano, medio, escritura de fondo, voces de acordes y armonías y melodías. Trabajando con textura, vamos a sumergirnos en un poco de Beethoven para ver cómo lo hizo. Al final, mira algo de mi música y escoge eso un poco aparte. Y hablar de algunas de las cosas que me gusta hacer en las cuerdas, que es mucho porque realmente me gustó escribir para cuerdas. Ahora una cosa que noté y filmando esta clase es que mientras nos enfocamos en las cuerdas, y lo diré de nuevo en tan solo unos cuantos videos. Pero la mayoría de las cosas de las que hablamos se aplican a todos los instrumentos aquí, son solo ellos enfocándose en las cuerdas, pero muchas de estas cosas se pueden aplicar a todos los instrumentos. Entonces aunque no estés tan interesado en las cuerdas, hay clase es realmente importante. De acuerdo, Dicho eso, vamos a sumergirnos. 2. El formato de esta clase: Todo bien. Vamos a sumergirnos. Conseguí una cámara nueva. ¿ Qué opinas? ¿ Es mejor? Corrige parte de la luz de mi ventana, que pude resolver un poco también. En fin, no te importa mi cámara. Se quiere hablar de escribir para cuerdas. Entonces el formato de esta clase va a ser un poco similar al de la última clase. No vamos a usar un coral de Bach, pensé sólo para dar jazz a las cosas, por así decirlo, juego de palabras pretendido. Nosotros, usaríamos igual que un estándar de jazz. Todavía no sé cuál. Eso lo resolveremos en el siguiente segmento. Pero vamos a tomar una melodía y vamos a mostrar un 100 cosas diferentes que podemos hacer con ella, para orquestarla. Para simplemente usar cadenas para llenarlo de un montón de maneras diferentes. Podemos hacer que suene exuberante y romántico. Podemos hacer que suene el ranurado y la conducción. Podemos hacer que suene disonante y áspero. Toneladas de cosas diferentes que podemos hacer con solo usar las técnicas de cuerdas que ya conocemos. Simplemente nos vamos a centrar realmente en los de esta clase. Otra razón por la que quería centrarme en solo cuerdas ya que eso parece ser lo que la mayoría de la gente piensa cuando piensa en la orquesta. Pensar en cuerdas y conseguir ese gran sonido exuberante que escuchamos en las películas. Se oye en algunos juegos que aquí e incluso en sólo canciones pop con una gran orquestación a ellos. Eso es genial. Definitivamentevamos a hacer eso. No voy a gastar un montón de tiempo en hacer las cosas disonantes, vanguardistas reales , pero sí me gustan esas cosas. Así que solo quiero enfocar esta sección de la clase en solo las cuerdas y realmente solo conseguir ese sonido de cuerda realmente bueno. Podrías estar pensando, bueno, conseguir ese sonido de cuerda es realmente fácil, ¿verdad? Todo lo que tengo que hacer es conseguir una buena biblioteca de cuerdas. Eso es parte de ello. Pero también necesitas saber escribir para las cuerdas. Tienes que estar al tanto de los voicings de tus acordes, cómo funciona todo eso para que suenen como, suenen bien, suenen como buenas cuerdas. Entonces tienes que saber escribir para ellos. También necesitas buenos samples si realmente quieres que suenen grandes y ricos, pero también necesitas saber qué va a sonar bien. Si solo apilas un montón de notas juntas, no va a sonar bien buenas que sean tus samples. De acuerdo, así que hagamos una pequeña reseña súper rápida de lo que hemos hablado en las otras tres secciones. En caso de que haya pasado un tiempo. Entonces voy a hablar de las herramientas que vamos a usar y luego vamos a zambullirnos justo en nuestro primer proyecto. Oigan a todos. Ah, una cosa más, una pequeña actualización. Entonces estoy saltando hacia atrás ahora terminé de filmar toda la clase. Ahora solo quería saltar hacia atrás y agregar una cosa a esto. Podrías estar pensando, no te creo, que terminaste la clase y saltas hacia atrás porque llevas exactamente la misma camiseta. Simplemente demuestra que tengo un guardarropa muy limitado. Pasando adelante. Quería señalar que al terminar esta clase, me di cuenta de que sí, me di cuenta de que sí, nos enfocamos en las cuerdas y en toda esta clase. Pero la mayor parte de la gran mayoría de lo que estamos hablando en esta clase se puede aplicar a todos los instrumentos se enfocaban en cuerdas. Porque de nuevo, yo, yo, creo que eso es lo que mucha gente quiere estudiar. Pero ten en cuenta que mucho de lo que vamos a hacer con esta clase se puede hacer con cualquiera de las familias de instrumentos o incluso a través de las familias de instrumentos. Por lo que la mayor parte no es exclusiva de las cuerdas. Yo sólo quería señalarlo antes de seguir adelante. 3. Anteriormente sobre orquestación: Anteriormente en orquestación. Entonces nuestras dos primeras clases de orquestación fueron solo sobre instrumentación, cómo funcionan los instrumentos, ¿no? El primero es donde realmente nos adentramos en las cuerdas. Entonces sólo para recordarte un par de cosas sobre las cuerdas. Hablamos de Boeing y diferentes cosas en las que tenemos que pensar con Boeing. Ya sea que escribamos o no Boeing o no escribamos Boeing, yo estoy a favor del lado de no escribir en Boeing's. Puedes, si eso es información nueva, puedes revisar eso. También hablamos de técnicas apenas un poco no Boeing como pizzicato, haciendo paradas múltiples, paradas dobles, paradas triples en una ocasión rara, pero paradas dobles en su mayoría. Eso sólo significa violencia o cualquiera de los instrumentos de cuerda tocando dos notas a la vez. Hablamos del rango y el sonido de los diferentes instrumentos de cuerda. Y sólo para revisar nuestros cinco instrumentos de cuerda, tenemos cinco de ellos. Pero en realidad sólo para, en la orquesta tradicional estándar es violín un violín, viola, violonchelo , y doble base. Esos son nuestros cinco. Ahora lo dije un poco sólo cuatro porque Viola, violín uno y violín dos obviamente son ambos violencia. Pero escribimos para ellos como si fueran dos instrumentos distintos. Básicamente son como un coro de cinco voces en cierto modo. Pero técnicamente son los mismos instrumentos, sólo secciones diferentes. Más sobre eso cuando nos metemos en ello. Armónicos, silencios, col legno, eso significa jugar con la espalda, la madera del arco. Es una buena manera de hacer enemigos con violinistas. Sandy vibrato anota a Ciara. Eso significa que es una forma elegante de decir retocar el violín. Otra buena manera de hacer enemigos con violinistas. De acuerdo, entonces eso fue todo tipo de en primera clase. Segunda clase fue la instrumentación, el latón y la percusión, voz y las cosas son de tercera clase. Hablamos mayormente de líneas y doblamientos. Ese es el que probablemente acaba de tomar. A lo mejor todo esto será una gran información de cara al futuro. Vamos a construir sobre eso en esta clase, aunque sólo nos vamos a centrar en las cuerdas, esa idea de seguir una línea y crear una línea y duplicar esa línea para soporte para densidad. Todo va a jugar un papel importante en esta clase también. Para que eso nos ponga al día. Vamos muy rápido solo hablemos de las herramientas que estoy usando. Son lo mismo que lo que estaba usando en el último video. Entonces si quieres, puedes saltarte esta siguiente. Pero para cualquiera que acaba de unirse a nosotros ahora quiero asegurarme que entiendas lo que estoy usando aquí. Entonces entremos a un nuevo video sobre eso. 4. Herramientas que estoy usando: De acuerdo, entonces las principales herramientas que estamos usando, en realidad creo que las únicas herramientas que vamos a estar usando en este es mi programa de notación. Estoy usando Dory co. Ese es el más nuevo en el mercado de software de notación. Realmente puedes usar lo que quieras. Musescore puede funcionar. De acuerdo, decidí por estas dos, estas clases se actualicen a una herramienta más profesional, que es Dora CO. También está Finale o Sibelius. Esas son las tres de esas herramientas profesionales. Por lo que los programas de notación profesional en el mercado en estos momentos. Nuestro Dory co Finale y Sibelius MuseScore no te llevan del todo ahí en términos de una herramienta profesional, pero es bastante bueno. Así que he visto algunas cosas realmente bastante geniales hechas con MUSeScore. Entonces no hay nada de malo en usar MUSeScore. El motivo principal por el que me he actualizado a Doric row para estas clases es que quiero poder importar las muestras, cuales voy a hablar en tan solo un segundo. Y no sé que se pueda importar este tipo de muestras a MUSeScore. A lo mejor se puede, pero yo sólo quería usar un programa más sólido para eso. Entonces sobre eso, la biblioteca de muestras que estoy usando aquí va a ser la Orquesta Sinfónica de la BBC. Cree que esto se llama la adición del núcleo. Déjame ver. Pro. Se trata de la pro edición BBC Symphony Orchestra Pro. También tienen una adición de núcleo que es gratuita. Y tienen esta versión de descubrimiento. A lo mejor esta versión de portada es la que es gratuita. Uno de ellos es gratuito y es genial. Yo estoy usando el pro, que no creo que sea gratis, pero por solo cuerdas, tú eres, vas a estar bastante cerca con cualquiera de las versiones. Por lo que en la Orquesta Sinfónica de la BBC es bastante bueno. En una futura clase, vamos a ver algunas otras bibliotecas de muestra que nos acercarán aún más a sonar profesionales. Pero en esta sólo vamos a usar la Orquesta Sinfónica de la BBC. Si necesitas información sobre cómo descargar eso, cómo encontrarlo, y cómo instalarlo en tu software. Regresa a la clase anterior. Yo hice todo un video solo en instalar y configurar eso. Y eso es todo. Entonces Doric row y BBC Symphony Orchestra, esas son las herramientas que vamos a estar usando. Y sólo vamos a escribir. Fresco. De acuerdo, así que escojamos una melodía que podamos arreglar y reorganizar y reorganizar un poco más. Y ojalá uno que no lo vuelva loco. Y vamos a ir de ahí. 5. Cómo elegir una melodía: De acuerdo, entonces empecemos por escoger una melodía la última vez. En la última clase usamos chorales de bach. Esos son geniales. Es decir, supongo que acabamos de usar uno y hay como cientos más para elegir. Pero pensé que hagamos algo un poco con una melodía un poco más definida. Esta vez. Yo quería usar un estándar de jazz y saqué mi verdadero libro y lo cavé y pasé horas cavando a través de él. Pero una cosa que me di cuenta después haber escogido algunas melodías y luego investigar un poco sobre ellas, es que prácticamente no hay estándares de jazz de dominio público. Y realmente quiero usar un Tune de dominio público para que esto no se quite y no tenga que lidiar con todos los temas de derechos de autor asociados a él. Entonces vamos a mantenernos alejados del jazz. Y en cambio, lo que decidí fue ir con sólo una melodía medieval muy antigua que es bastante familiar para la mayoría de nosotros. Y eso es Greensleeves. Entonces si no conoces a Greensleeves, es una, es una melodía menor en N6 o en tres. Podrías escribirlo en ambos sentidos. Lo tengo financiado, una cosa de tono de liderazgo en ella que nos dará un poco de cosas raras para masticar. Y ha tenido letras diferentes a lo largo de las edades. A veces decimos llegar en Navidad y usamos la letra x ¿Qué niño es este? Pero es sólo una buena melodía medieval antigua. Suena así. Vale, y luego básicamente repite, repite la primera parte otra vez, y luego ese es el final. Parece que he encontrado algunas partituras aquí y vamos, te voy a dar esta partitura porque solo a un archivo JPEG. Alguien escribió esto en clave de Mi menor. Normalmente estoy acostumbrado a ver esto en un menor, pero eso podría ser sólo porque soy guitarrista y así es como nos gustaría tocarlo. Cae en nuestras manos y A-Minor realmente fácilmente. E-minor también es genial, así que trabajemos en una E menor. Eso está bien. Entonces la letra aquí, dice, ay, mi amor me haces mal para echarme fuera cortésmente porque te he amado bien en mucho tiempo deleitándome en tu compañía. Greensleeves fue toda mi alegría. Greensleeves fue mi deleite. Greensleeves, mi corazón de oro. ¿ Y quién compró a mi señora Greensleeves? No tengo ni idea de lo que es Greensleeves en este contexto. A lo mejor alguien en los comentarios aquí pueda dar lecciones como sus Greensleeves, el nombre de la mujer, el nombre del tipo. ¿ Es literal como si estuviera usando mangas que eran de color verde. Y entonces no lo sé, de todos modos, no importa. Para nuestros fines. Enrealidad no vamos a trabajar con letras aquí de todos modos. Nosotros sólo vamos a arreglar esto. Entonces vamos a un nuevo video. No quiero hablar de por qué elegí este en lo que específicamente estaba buscando porque tiene algunas cosas que vale la pena indagar. Entonces vamos a entrar en eso. 6. Lo que podemos decir sobre esta canción: De acuerdo, entonces hay un par de cosas que estoy buscando cuando estoy decidiendo qué afinado hacer aquí. Y esto va a ser diferente para ti porque la mayoría de las veces, asumo que muchos de ustedes van a estar principalmente orquestando su propia música. Um, pero esto vale la pena señalarlo para que entiendas tipo de lo que soy, lo que estoy pensando aquí. En primer lugar, quiero una pieza armónicamente interesante. Quiero algo con una progresión de acordes que tenga cable en movimiento regularmente. Entonces eso me va a dejar explorar intersecciones de esos acordes y cómo puedo atar notas juntas y hacer una textura agradable fuera de ella. Entonces esto tiene, esta es una pieza muy diatónica. Todo está muy en clave. Tiene esta nota de tono principal justo aquí. Pero si decimos que es en menor armónico o melódico, eso está totalmente dentro de la pieza, así que todo eso es simplemente divertido. Pero tiene un acorde diferente. Cada bar, más o menos. Ahí está el B7, que es lo que esperaríamos en un menor armónico, que nos lleve de vuelta a la E menor. Como que cambia a G aquí, podríamos argumentar que se trata de un cambio a un mayor relativo. Aquí vamos, G, D, D menor, E menor, C, B7. En realidad no nos ponemos como un D7, así que en realidad no es una modulación, pero sin duda se siente como uno por un minuto. Nada de esto realmente importa. Lo que soy. Lo que importa es que tenemos una pieza armónica bastante rica. No siempre necesita ser una pieza armónica rica para orquestar. Es justo lo que estoy buscando porque realmente quiero centrarme en cómo podemos construir esa armonía. Otra cosa que estoy buscando es una pieza con la que realmente podamos jugar mucho. Porque lo que quiero hacer es trabajar con esta melodía tanto como básicamente quiero poner la melodía y todas las cuerdas diferentes. Quiero poner el acompañamiento y todas las diferentes cuerdas. Quería experimentar con diferentes tipos de acompañamiento. Quiero intentar que suene realmente agresivo, que suene realmente sereno, y todo lo intermedio. Entonces vamos a hacer algún tipo de versiones raras de Greensleeves. Pero esta notación, lo que tenemos en la partitura tipo de lo dice todo. Todo lo que tenemos es la melodía y los acordes. Eso es todo lo que quiero, ¿verdad? No quiero el acompañamiento que tocaba el pianista que acabamos de ver porque quería hacer mi propio acompañamiento. A lo mejor haremos algo parecido a lo que hicieron con las cuerdas. Pero vamos a hacer un montón de diferentes tipos de acompañamiento, creo. Entonces. Dicho todo eso, quiero presentarles uno de nuestros grandes conceptos en esta parte de la clase. Y eso es primer plano, término medio, y fondo. Entonces vayamos al nuevo video y hablemos de eso y de cómo vamos a trabajar con eso en el contexto de Greensleeves. 7. Primer plano, plano medio y fondo: De acuerdo, entonces cuando pensamos en orquestación, y esto no es solo una cosa de cuerda, esto es cierto para toda la orquesta, pero realmente quiero sumergirme en ello aquí en las cuerdas porque es más fácil para tratar en esta categoría más pequeña de sólo las cuerdas. Una de las grandes cosas en las que nos enfocamos son estas tres capas: primer plano, medio, tierra y fondo. La idea aquí es que primer plano es básicamente tu melodía, tu melodía o cosas melódicas. Tu principal, lo principal, lo que quieres, que la gente se vaya, silbando, en lo que realmente quieres que se centren, ¿verdad? Es el foco de la pieza. El término medio es cualquier tipo de contra-melodía o cualquier material que realmente soporte la melodía. Por lo que podría ser acompañar material mental, pero en su mayoría son cosas las que están apoyando la melodía principal, como una contra-melodía, la armonía. Cualquier cosa que sea como un contrapunto a la melodía, eso va a ser término medio. Básicamente, cosas que son importantes para ayudar a sacar adelante la melodía, pero no las cosas a las que quieres que la gente realmente se aferre. Si hay una melodía de contador, no quieres que la gente se vaya cantando la melodía del contador, ¿verdad? Quieres que canten la melodía. Y entonces el material de fondo es el acompañamiento. Entonces cualquier cosa que sea como arpegios o cosas rítmicas, o simplemente cuerdas, solo armonías. Las líneas de base suelen estar en lo de fondo, aunque pueden estar en las otras dos, dependiendo de qué tipo de línea base estés haciendo y eso lo veremos más adelante. Pero cualquier cosa que se pueda considerar solo acompañamiento. Ahora, las tres capas son importantes. No es que uno sea más importante que el otro. Y también malentendido común, no se alinean con registro. No es cierto que tu melodía esté siempre en los violines y tus violines o el primer plano. Y tu violonchelo es, y las bases son siempre el fondo. Y tus violas y los dos de violín son el término medio. Eso no es cierto. Una cosa que quiero meterte en la cabeza, probablemente lo más importante toda esta sección es que cualquiera de esas cinco partes de la sección de cuerdas puede ser el primer plano, medio tierra, o fondo. No es cierto que la violencia siempre consiga la melodía. Dada la melodía al violonchelo. A veces es increíble. Dale la melodía a la base a veces, y deja que los violines sean el acompañamiento. Eso se puede hacer. Y vamos a ver las formas de hacerlo. Entonces para ver esta idea en primer plano, término medio, fondo, siempre queremos estar pensando eso cuando estamos trabajando con orquestación en términos de estas capas. Entonces tenlo en cuenta. Entonces primero, nuestro primer gran tema, porque quiero centrarme en el primer plano. ¿ Cómo podemos conseguir que algo realmente brille en primer plano? Así que esa es nuestra próxima gran materia de chunk. Así que vamos a sumergirnos. 8. Proceso de orquestación de primer plano: Vamos a empezar por el primer plano, que es el lugar obvio para empezar. No es el lugar donde siempre hay que empezar. De hecho, mi proceso, cuando estoy escribiendo música, sólo música original, es en realidad enfocarme en el fondo. En primer lugar, me gustaría realmente afinar en la textura y conseguir que realmente marcado. Y luego deja que la melodía te encuentres. He hablado de esto un montón en mis clases de composición. Pero aquí estamos haciendo más de un arreglo. Ya tenemos a Tune. Entonces, lo que tenemos que hacer y estamos empezando en el, encendido, trabajando con el primer plano es en realidad bastante simple. Obviamente es la más sencilla de las tres capas. Tenemos una melodía ya escrita. Ese es nuestro primer plano, ¿verdad? Tenemos que considerar algunas cosas. Tenemos que considerar. El rango y esa clase de tessitura del instrumento en el que queremos ponerlo. Entonces por ejemplo, si lo vamos a poner en el violonchelo, hay que pensar, ¿lo queremos en el extremo inferior del violonchelo donde tiene esta sala real. ¿ Y cómo se asienta eso en la melodía? O lo queremos en la gama alta del violonchelo donde realmente se tiene esa capacidad de cantar, cantable, movilidad individual. Creo que esa es la palabra que busco en ese rango superior. Si lo pongo en los violines, ese rango superior no tiene mucha potencia, pero es muy, puede ser muy dulce. Entonces hay que pensar en eso. Y por esa razón, quiero un poco pasar por esta melodía para Greensleeves y ver si podemos ponerla en todos los diferentes instrumentos y examinar los diferentes lugares en los que cae. Y la forma en que pensaría sobre esto si fuera a orquestar totalmente. Entonces vamos a enfocar los próximos cinco videos más o menos en juntar el material de primer plano de cinco maneras diferentes. Una vez en el primer violín, segundo violín, viola, violonchelo y bajo. Yo también sólo diré: Bueno, aquí estamos. Si yo estaba arreglando esto y quería que fuera a mi propio estilo y fuera mi propio tipo de trabajo. Mi primera reacción visceral no sería poner la melodía en los violines. Yo no querría hacer eso. El motivo por el que no querría hacer eso es sólo porque eso es lo más esperado. Podría sonar genial y la violencia. Pero siempre busco la manera de poner una melodía realmente genial en las violas o en las aguas poco profundas. Probablemente intentaría hacer eso primero. Si descubrí que simplemente no podía hacerlo funcionar, podría ir a la violencia, pero mi reacción visceral suele no poner la melodía en la violencia, solo porque la mayoría de las melodías suelen estar en la violencia. No hay nada de malo en poner la melodía y la violencia. Hazlo. Es genial. Pero las cosas de Alex Stuart están arriba. De acuerdo, pues vamos a zambullirnos y hablemos de usar la melodía en la primera violencia. 9. Cómo usar violín: De acuerdo, así que he puesto nuestra melodía en Doric o aquí. Solo escuchémoslo una vez para que todos sepamos lo que somos lo que te estamos escuchando aquí. Aquí vamos. ¿ De acuerdo? Entonces, ¿qué debemos considerar mientras pensamos en el primer plano aquí? Entonces el primer plano realmente es sólo la melodía. No tenemos ningún tipo de contrapunto, ningún tipo de acompañamiento, ¿ nada más? Entonces tenemos el cielo es el límite de lo que podemos hacer. Podemos hacer cualquier cosa. Pero sí quiero señalar un par de cosas. Hay cosas en que pensar. Aquí hay un par de consideraciones que tenemos. Y por eso quise pasar esto con cada instrumento para que realmente entiendas un poco la forma en que pensaría sobre esto. Puede parecer obvio, pero no te preocupes, vamos a construir sobre esto a medida que construimos un arreglo para esta melodía. Entonces lo primero en lo que voy a pensar, aquí estamos viendo violines, violín uno. Y lo primero que realmente voy a mirar es el rango de esta melodía. Y esta es una especie de melodía extraña y que su alcance es más grande que una octava. La mayoría de las melodías tradicionales cantables están dentro de una octava. Eso no quiere decir que los que son más grandes que una octava o malos o algo por el estilo. Si estás trabajando en una melodía propia y es más grande que una octava. No te preocupes, Eso es genial, Eso es genial. Sólo digo que como la mayoría de las veces, está dentro de una octava. Significa que la nota más baja de la melodía y la nota más alta de la melodía, o una octava o menos. Esta, en realidad es una décima. Si nos fijamos en nuestra nota más baja, que es natural, sucede algunas veces, ver que hay un C-sharp, Hay una B de nuevo. Y C-sharp nos pusimos bien, así que sí, esa es nuestra nota más baja. De acuerdo, así que ya lo hemos confirmado. Ahora busquemos nuestra nota más alta. Pasa por aquí. Hay que ser una octava más alta, pero aquí hay una C en mayor que eso. Entonces si vamos a la sección B aquí, obtenemos esto. D es nuestro punto más alto, nuestra nota más alta. Y en realidad vuelve a suceder. B a D, ¿verdad? Entonces eso es una propina que es más de una octava. Lo que eso me dice es que podría estar un poco limitado en el rango porque es un rango grande. Entonces no puedo mover todo esto hacia arriba o hacia abajo una octava. A lo mejor. De acuerdo, vamos a explorar eso un poco más. ¿ Puedo bajarlo una octava? No puedo. Voy a salir del rango del violín. Si lo muevo una octava hacia abajo, eso no tiene nada que ver con ese rango del, el 10 de la melodía que sólo tiene que ver con el violín. Vamos a llegar por debajo de nuestra nota más baja, que es una G en la violeta. Si bajamos. Ahora, si subimos una octava con todo, probémoslo. Ahora. Hemos hecho algo un poco extraño, porque lo que está pasando ahora es que estamos caballo entre dos tessitura diferentes, escribimos dos rangos diferentes. Este tipo de rango en el pentagrama, justo por encima del pentagrama, es una buena gama para el violín. Tiene algo, tiene algo de emoción. Tiene algo de poder, supongo. Pero a medida que lleguemos a eso, D, vamos a estar bastante altos, justo ahí arriba. Ahora si arreglo fue sólo una octava va a estar abajo en esto como B aquí mismo. Entonces un poco más apetecible. Pero como tenemos una gama tan amplia, no me encanta esta octava. No me encanta estar aquí arriba porque tenemos algunas notas que están muy abajo en el personal cómodo y algunas que sí, que son significativamente más altas. Eso va a hacer un rango dinámico extraño. Va a ser un poco extraño. Entonces prefiero mantenerlo abajo una octava donde estábamos. Entonces volvamos allá abajo. Ahí estamos. Entonces creo que este es el mejor lugar para ello. Ahora bien, lo que realmente me encantaría hacer es cambiar la clave de todo esto y bajar esta B a una G, ¿verdad? Porque eso haría que, esa nota baja golpeara nuestra cuerda abierta. Y creo que resonaría muy bien por este tipo de darle un bonito tono oscuro, que es lo que quiero en este tipo de melodía medieval menor que suena. Pero no voy a hacer eso porque no quiero cambiar la llave ahora mismo, pero si tuviera la opción de cambiar la llave, lo haría. En qué Q nos pondría eso si esto fuera una G, Básicamente vamos bajando un tercio mayor cuando la llave de E menor ahora, así que si tomamos una E y bajamos un tercio mayor, , b, y c, nos movemos al clave de C menor. Entonces sería un poco más complicado, pero está bien. Entonces, vale, así que sigamos adelante y miremos poner la melodía en el segundo violín. Y si hay alguna diferencia que surja, ahí. 10. Cómo usar la segunda violín: Hablemos de violín también. Entonces si te estás preguntando, oye, ¿te resfriaste? Y entre los dos últimos videos? Sí, lo hice. Las alegrías de vivir con un niño pequeño. Oh, oye violín, dos años pensando como debería ser lo mismo, porque es el mismo instrumento. Simplemente tiene su propio personal. Y tienes razón. Aquí no hay nada monstruosamente diferente, pero sí quiero aprovechar para hablar de dejar espacio para el término medio y el fondo. Entonces con esta melodía siendo tan grande en cuanto a rango, si es aquí y el violín dos. Nosotros no, queremos pensar un poco lo que vamos a hacer con nuestro término medio y fondo, ¿verdad? Porque supongamos que el violín uno va a ser material que es más alto que violento también. No tiene por qué ser. Pero para los propósitos de un solo tipo de pensamiento a través de esto, supongamos que lo es. Entonces en ese caso, tenemos que pensar en lo que queremos que haga uno violento que va a ser mayor. Y mantente fuera del camino del violín dos. Pero aún así dejar que el violín brille como la melodía. Esto en realidad es algo realmente complicado. Si queremos que el violín dos se escuche como lo principal, lo de primer plano. Y queremos que algo esté por encima. En cuanto a notas. Eso es complicado, sobre todo porque esto va todo el camino de B hacia abajo, todo el camino hasta ese d, ¿no? Entonces, si queremos mantenernos alejados de esto, tenemos que ser probablemente al menos un tercio más altos. Por lo que F son el personal para nuestro primer archivo va a ser nuestra nota más baja si queremos estar por encima de ella. Entonces vamos a tener que hacer probablemente algo rítmicamente muy diferente si queremos que eso funcione y todavía tenemos violento para ser escuchados como primer plano. La forma más fácil de hacer que algo suene como el primer plano es ponerlo en la voz más alta, ¿verdad? Al igual que sólo ir a cualquier coro. Si quieres que algo suene como la melodía, dáselo a los Soprano, lo que sea que esté en la parte superior. Por lo general lo escuchamos. Ahora. No quiere decir que tenga que ser así. Esa es sólo un poco la forma más fácil de hacerlo. Pero no vamos a ir con la forma más fácil. Vamos a ir con la forma más musicalmente interesante. Ahora vamos a la misma hora que todo eso. Queremos dejar la raíz, dejar espacio debajo de ella para nuestro terreno medio y material de fondo, ¿verdad? Por lo que tenemos mucho espacio debajo. Pero estas serán cosas en las que pensemos a medida que bajemos, lo que vamos a hacer en el próximo par de videos. Todo el camino hasta las bases. Y pensando en cómo hacemos acompañamiento cuando la melodía está en el bajo. Entonces una F en eso. Sigamos adelante y hablemos de la viola. 11. Cómo usar Viola como melodía: De acuerdo, pasemos a la viola. Entonces si sólo lo pegamos justo en la viola, terminamos aquí. Entonces esta va a ser la misma octava. Y esto podría ser bastante bonito. Es la viola, así que en general va a ser un poco más oscura. Es, va a ser esta gama y la viola está, está bastante arriba en la viola. No es mi gama favorita, sobre todo para como una melodía menor que queríamos echar un vistazo al sonido más oscuro, que es esto. Entonces voy a ver bajar esto una octava y ver si podemos hacerlo. Entonces sólo probémoslo. Entonces tomémonos todo el asunto. Ahí estamos. Entonces ahora echemos un vistazo a nuestra gama. De acuerdo, Esas son casi nuestras notas más bajas. ¿Qué? Esta B está fuera de rango. Esta es una nota a nuestra nota más baja es una C. Hay un medio paso demasiado bajo. Entonces a menos que estemos dispuestos a pedirle a nuestro violín o viola que se reintine o algo así. Esto no va a funcionar. Es sólo esa nota más baja. Aquí volvimos a tener la misma nota. Para un medio paso. Esta melodía, creo, sería hermosa en este rango. Muy baja, la viola, va a hacer un sonido muy oscuro, espeluznante. No sé si estas muestras le van a hacer justicia, pero probémoslo. Sigamos subiendo todo el camino hasta la nota alta aquí. Sí, Esta creo que es mi opción favorita hasta ahora. Creo que es precioso justo en esa melodía. Ahora ten en cuenta pensar que voy por aquí es este tipo de melodía más oscura. Entonces, si no quieres este tono oscuro, esto no va a ser perfecto para ti. Pero por esta melodía, me gusta mucho aquí. Entonces, ¿qué puedo hacer al respecto? ¿ A? Tricky, perdón que esta a sea B, mezclándola por claves. Podría hacer algo como esto. Podría poner eso en el violonchelo o algo donde podamos hacer esto. Porque eso arriba, Hay un par de términos diferentes para eso. Hablaremos de más sobre hacer esto más adelante, sobre una especie de cambio. Podríamos llamar a este tipo de puntillismo cosa, aunque no es una. Podríamos llamarlo así, este extraño término llamado colodión Clang Farben, que es una palabra muy divertida de decir. Pero esto tampoco es eso en realidad. Esto es realmente más solo una especie de cubrir esa nota que es demasiado baja. Estoy haciendo trampa. Llamémoslo engaño. Podríamos hacer algo como esto. Como vamos, escuchémoslo desde aquí. ¿ Cómo lo hago? Ahí vamos. Entonces como que funciona, pero también hace que sea un poco difícil para tu oído seguir esa nota, sobre todo si se tocara en vivo, la escucharías. No se puede cambiar de instrumentos. Y dependiendo de lo que hagan nuestros acompañamientos, podríamos realmente perder la melodía ahí. Tendríamos que tener mucho cuidado con nuestro término medio y fondo si quisiéramos tratar de sacar esto adelante. Pero podemos hacer eso. Podemos ser realmente cuidadosos con esas cosas y sacar esto hacia arriba. Por lo que podría ser mi opción favorita hasta ahora porque me gustó mucho aquí abajo. Y es cash man, es sólo ese medio paso. Nuevamente, si pudiéramos cambiar la llave, levantamos la llave un medio paso, en este caso, a B-bemol menor. Sería diez veces mejor que hacer esto, pero podemos hacer que funcione. Aunque me gusta mucho en este rango. Entonces podríamos volver a eso, jugar con esta idea si realmente quisiéramos. Pero mientras tanto, sigamos adelante y hablemos lo que pasa cuando lo metemos en el violonchelo. 12. Cómo usar el Cello como melodía: De acuerdo, Hablemos del violonchelo. Ahora. Si sólo lo movemos justo adentro del pitch original que lo puse en los violines. Lo sacamos muy alto, ¿ verdad? Y la jello. Y sabes que me encanta el rango superior del violonchelo. Ya he hablado de esto algunas veces. Esto no está técnicamente fuera de rango, pero es bastante gritando así. Nerón va a ser duro para conseguir un aún más difícil ponerse en sintonía. Entonces vamos a bajarlo una octava. Y entonces vamos a ver si podemos bajarlo otra octava más. ¿ De acuerdo? Entonces echemos un vistazo a esto. Esto nos pone realmente poco justo en medio del violonchelo, al menos en esta página. Si vamos por aquí, aquí, nos estamos subiendo a ese lindo tipo de timbre lírico del violonchelo que a mí, que me gusta mucho. Lo estamos dejando bastante rápido. Esto va a hacer que suene mucho más pesado. De acuerdo, entonces esto va a ser como un sonido más pesado, no por encima, pesado. Todavía puede ser relativamente lírico. Esto es bonito. Creo que esto funciona bien. No es tan oscuro de una madera me gusta en la viola, aunque la viola, la viola en esta gama solo tiene un Tambora un poco más oscura que me gusta un poco más que esta. Pero no está mal. Vamos a probarlo. A ver si podemos bajar otra octava. De acuerdo, entonces ¿seguimos en rango? No. Mismo problema con la viola. Perdemos esa. Tenga en cuenta que b es sólo un medio paso por debajo de nuestra baja. Ver esta melodía es realmente bastante molesta para las cuerdas en realidad. Entonces vamos a tener ese mismo problema aquí. Y francamente, esto está bien. Sé que no me va a gustar la melodía aquí abajo porque va a ser poco gorda rodeando al violonchelo abajo en este rango. Va a ser grande y voluminoso. voluminoso que sea, vamos a encontrar la base para ser, pero va a ser demasiado voluminosa para lo que quiero en esta melodía en particular. Sí, hasta eso es como ir hasta eso. Ese D es realmente un poco sin incidentes. Y este registro, es igual, pero no es como poderoso o cantable o lírico realmente. Es sólo una especie de ahí. Este no es un verdadero registro emocional para el violonchelo. Espero que se den cuenta de que todo lo que estoy diciendo aquí es súper obstinado. Eres bienvenido a no estar de acuerdo conmigo en ello. Lo que estoy haciendo ahora es solo un poco juguetear con esta melodía y ver dónde puedo conseguir que encaje de una manera que me gusta. También teniendo en cuenta que por el registro o el rango de esta melodía, ser más grande que una octava, causa algunos problemas únicos. De acuerdo, entonces podrías estar pensando, podría yo hacer ese mismo truco aquí? Y poner esa nota en base? Podría sin embargo, oops, no quiero quedarme con eso. Podría hacer esto. Noobstante, Tupperley, la base es un poco diferente al violonchelo. La base es tan grande y gorda que creo que esto realmente va a salir. Es como si la base solo tuviera tanta presencia, mientras que el violonchelo tiene mucho menos. Entonces solo se siente como que un nodo es repentinamente bro, y no es solo se siente raro hacer eso. Entonces el otro caso donde usamos el violonchelo para cubrir para la viola funcionó mucho mejor. Este caso. no creo que vayas a hacer ese sonido realmente suave. Simplemente no va a funcionar muy bien. Entonces lo que yo haría aquí es probablemente tampoco, no usaría esta melodía en esta gama para el violonchelo. Mi opción favorita hasta ahora sigue siendo ese registro inferior o la viola, con tapar ese OneNote en el violonchelo. Llévatelo de nuevo. En octava. Nosotros vamos. De acuerdo, echemos un vistazo a la base. 13. Cómo usar el bajo como melodía: Por lo que la base nos da algunos problemas únicos. Si vamos a poner la melodía en el bajo. Ahora bien, ten en cuenta, creo totalmente que deberías hacer esto. Pon la melodía en el bajo de vez en cuando, dale a los bajistas algo divertido para masticar. Entonces no sólo les van a dar una melodía bonita, hermosa. Haré un amigo para siempre. No obstante, hay una buena razón por la que no tenemos toneladas de melodías y la base. realidad hay algunos de ellos. Entonces comencemos con solo nuestras cosas de registro que ya hemos estado hablando. Entonces aquí estamos. Registro de violonchelo. Yasólo estamos gritando alto. Estamos realmente fuera de rango aquí. Ya sabes, realmente no podemos conseguir estas notas. Entonces vamos a bajarlo una octava. ¿ De acuerdo? Entonces ahora tenemos una Octava razonable para la base. Yo estoy, nada está fuera de rango. Es bastante bueno. Fresco. Escuchemos parte de ello. ¿ De acuerdo? Entonces es un poco soso aquí. Contrabajo, aquí no lírico real. Si quieres que esto realmente cante, es un gran lugar para contrabajo. Piensa en el contrabajo como un gigante. Escribe el gigante de como Jack y las habichuelas o algo así. Cuando el gigante se mueve, es, no es agraciado, no es hacer ballet. Se necesita energía para moverse. Entonces cuando el, el uso más efectivo del gigante es tenerlo caminando en estos grandes pasos. Problema. Boom, ¿verdad? No hacer ballet. Algo así. Yo era una analogía un poco rara, pero tal vez lo consigues. Entonces una melodía que funcionará bien para los contrabajos es una que quizá no sea tan lírica, pero que tenga ese tipo de grandes movimientos en ella. A lo mejor nos toparemos con uno y puedo señalarlo, pero esto simplemente realmente no funciona tan bien. Está demasiado gordo, es demasiado grande y no está realmente oscuro. Está oscuro, pero es casi como si fuera tan oscuro de una madera que ya no está oscuro. No lo sé. Es difícil de explicar. ¿ Puedo bajarlo otra octava? Tipo de dudarlo. Nuestra nota más baja en base a la E. No hay, no tenemos espacio para bajar otra octava. Además, otro problema que tendríamos aquí es, ¿qué vamos a hacer para el acompañamiento? En realidad hay mucho que podemos hacer para el acompañamiento. Si la melodía está en el bajo, podríamos hacer cosas rítmicas como imaginar callos pizzicato pasando en las otras cuerdas. Eso funcionaría muy bien. Mantendríala base separada porque será lo único que es arco. Si bien todo lo demás es pizzicato, hacerlo bastante bien en realidad. Pero, ¿sonaría genial? En realidad no conozco mi, mi gusto, pero son bienvenidos a probarlo. Entonces hay muchas cosas interesantes que podemos hacer con el acompañamiento cuando la melodía está en el bajo. Y echaremos un vistazo a algunos de esos una vez que hablemos de término medio y fondo. Pero hay algunas cosas especiales que tendrás que pensar para mantenerte fuera del camino de la base. De acuerdo. Creo que eso es todo lo que tengo que decir. Básicamente lo que quiero que te metas en la cabeza es, ¿ puedes darle la melodía a la base? Sí. ¿ Debería usted? Sí, deberías intentarlo. ¿ Siempre funciona? No. No siempre funciona. Pero es realmente genial lo que hace. 14. Considerar el fondo: De acuerdo, entonces un par de cosas sobre la escritura en primer plano. Realmente necesitamos nuestra melodía o lo que sea nuestro primer plano. Voy a decir melodía por ahora, pero solo hay que tener en cuenta que la melodía no es lo único que puede estar en primer plano. Podría ser una textura que quieres dar a conocer. Podría ser sólo algún tipo de gesto. Pero la mayoría de las veces estamos hablando de una melodía aquí. Entonces, ¿cómo podemos hacer que esa melodía sea lo más adelante? Ahora para explicar algunas técnicas para que sea lo más adelante, hay que hablar de los antecedentes. Porque el, lo más grande que va a hacer que el primer plano esté en primer plano es mantener el fondo alejado de él, ¿verdad? Entonces hablemos un poco del fondo en lo que se refiere a hacer del primer plano el más presente que pueda estar. Entonces he escrito aquí, el fondo más aburrido del mundo, vale, acabo de poner los acordes en K, Así que muy simple armonía tríada contra la melodía. Entonces solo escuchemos lo que hice y solo hice estos primeros cinco compases. Vamos a entrar en mucho más detalle acerca de las texturas de fondo en breve. Por ahora, esto es sólo una especie de demostrar un punto. Sóloescuchémoslo. Sólo eso, ¿verdad? Ahora. Hay algunas maneras diferentes en que puedo hacer que esta melodía destaquen más de lo que ya es. este momento, en realidad no se pega mucho, ¿verdad? En realidad está algo enterrado ahí dentro. Ahora lo obvio sería la dinámica, ¿no? Al igual que puedo hacer la melodía más fuerte, más fuerte que todo lo demás. Sí, esa es una forma. Pero hay mejores maneras. El primer problema que tenemos aquí es que la melodía, el rango, el rango de la melodía está justo ahí con la armonía. Ahora bien, esto, no debería llamar a esto un problema porque esto no siempre es malo. Hay momentos en los que quieres que esto suceda y puede ser un sonido cool. Pero si realmente estás tratando separar el primer plano del fondo y hablaremos del término medio. No me he olvidado de nuestro amigo, el término medio después, pero eso es una especie de animal diferente. Si de verdad quieres que esos estén separados. El rango es una gran manera de hacerlo. ¿ De acuerdo? Y este es un ejemplo de no hacerlo muy bien. Entonces miras la primera nota, mientras que la segunda nota, nuestro segundo violín y la armonía tiene la misma nota. Y entonces tenemos razón, estamos justo ahí arriba. Un tercio de distancia, un tercio de distancia. Otra vez la misma nota. Entonces si pudiéramos hacer algo para separar nuestro, el rango de nuestra melodía de nuestro fondo. Va a sonar mucho mejor. Entonces hagámoslo. Vamos. Llevemos el violín uno arriba en octava. Suficientemente simple. Aquí vamos. Escuchémoslo ahora. Definitivamente destaca mucho más, ¿verdad? De igual manera, sin embargo, podríamos tomar, podríamos decir, nos gustó mucho la melodía en ese rango. Entonces, ¿cómo podemos mantenernos alejados de ella? Podríamos reorganizar nuestra armonía aquí para mantenernos fuera de su camino. Déjame hacer eso realmente rápido. Vamos a deshacernos del violín. Dos, todavía están muy cerca. A ver si puedo simplemente poner la viola en una nota diferente en las armonías. Entonces aquí tenemos una E menor. Así que vamos a bajar a, llévate hasta aquí estamos en un acorde de G, acorde de Sol mayor. Así que bajemos a B. Ahora sé que estoy creando algunas octavas y no la mejor voz que lleva, pero sólo aguanta conmigo un segundo. Aquí vamos a la D mayor. Entonces bajemos a un menor de A y D aquí. Entonces bajemos a B, supongo, y una E menor. Entonces vamos a bajar a, vale, entonces ahora lo que hemos hecho, y veo que hemos duplicado la línea de violonchelo. Entonces un montón de octavas paralelas, pero en realidad no nos importan octavas paralelas en este momento. Sólo escuchémoslo en términos de, ¿nos hemos mantenido fuera del camino de la melodía en cuanto al rango? Vamos a escuchar. Sí, un poco mejor. No es perfecto. Y la armonía es aburrida porque estas son las mismas. Pero hemos sacado un poco más esa melodía, un poco más con solo crear algún espacio entre el primer violín o lo que sea lo de primer plano y todo lo demás. No se trata de conseguir la melodía agradable y alta. Ese no es el punto. Se trata de crear espacio entre la melodía y el acompañamiento, o el primer plano y el fondo. Ahora bien, podrías hacer lo inverso de estos dos, ¿verdad? De hecho, hagámoslo. Vamos a un nuevo video y volvamos a poner la melodía en la base la melodía en la basey poner el o incluso el violonchelo. Pongámoslo en el violonchelo y pongamos el acompañamiento encima. 15. antecedentes sobre el primer: Por lo contrario. Entonces aquí está la melodía en violonchelo, y he escrito la armonía arriba de ella. Ahora, recuerden que el nombre del juego aquí no es alto y bajo. El nombre del juego es distancia. Crea un poco de espacio para que nuestra oreja se engancha a cuatro, esa melodía. Entonces escribí el violonchelo, escribí la melodía y el violonchelo y lo escribí agradable y bajo. Realmente en el fondo del violonchelo. Si seguimos adelante con la melodía, vas a ver que nos salimos de rango porque es demasiado baja. Pero para esta primera línea, está bien. Entonces dejémoslo ahí por el bien de la experimentación. Entonces una reescritura en el fondo del violonchelo. Y tengo la, la armonía, agradable y alta, ¿verdad? No está gritando alto en los violines, um, pero es, es alto. Y vamos a escucharlo. Bastante agradable. Y entonces Melody realmente destaca. No hay duda de cuál es la melodía aquí, ¿verdad? No estás escuchando esta nota superior como la melodía, ¿verdad? Es porque tenemos espacio. Tenemos espacio entre lo que está pasando. Eso es lo más importante. Nuestra oreja naturalmente querrá engancharse a, lo más alto. Entonces si quieres que la melodía sea más baja, realmente necesitas hacerla distintiva. Y una de las buenas maneras de hacerlo, crear algún espacio entre la melodía y la armonía. Ahora te darás cuenta que no usé el contrabajo. Usar el contrabajo sería realmente difícil aquí. No puedo conseguir el contrabajo lo suficientemente alto como para estar, para sentir que es parte de esta armonía. Y no lo puedo conseguir lo suficientemente bajo como para crear suficiente espacio para que se quede fuera del camino del violonchelo. Entonces decidí que lo mejor que hay que hacer aquí es no usar la base aquí mismo. Posiblemente podría hacer un primer plano, una cosa de término medio, tal vez un pizzicato para enfatizar algunas de las notas. Esa podría ser una opción aquí. O incluso un pizzicato, algo o armónico probablemente podría hacer. Un armónico puede conseguir que sea parte de la armonía. Pero ahora que lo pienso, no va a pasar por mucho. Hablaremos más de eso más adelante. Pero lo obvio que hay que hacer aquí fue simplemente dejar fuera el contrabajo porque es, se va a poner en el camino de esa melodía de violonchelo. A menos que no haya duplicado la melodía, que en realidad no sentí la necesidad de hacer aquí. Genial. De acuerdo, Pasemos a un par de cosas más sobre este mismo tema. 16. El color como la separación: De acuerdo, así que hemos hablado el rango es algo que realmente puede hacer el fondo y el primer plano se mantengan alejados el uno del otro a más cosas que quiero mencionar aparte de rango que puede lograr el mismo efecto. El primero es hace apenas unos minutos cuando estábamos viendo poner la melodía y los diferentes instrumentos, hablamos del diferente carácter de la tessitura. Cada instrumento, que es un bocado. Permítanme decirlo otra vez de una manera menos rara. Sabemos que el rango superior del violín tiene cierto sonido. En medio del violín tiene cierto sonido, y el fondo del violín tiene cierto sonido, ¿no? Puedes usar esos para crear separación que traerá adelante esa melodía o traer de vuelta ese fondo. Por ejemplo, digamos el, digamos que el rango superior del violonchelo es cuando siempre hablo de ello. Y ya probablemente ya he hablado demasiado como este sonido lírico impresionante que me encanta súper, ¿verdad? Entonces ese rango y el rango más bajo de los violines, ¿de acuerdo? Esos son más o menos iguales. Esas son las mismas notas. El superior, como imaginemos un E. Vamos como esta nota. ¿ Verdad? Bueno, lo rebasé. De acuerdo. Esta nota y esta nota son la misma nota, ¿verdad? Pero muy diferente en términos de color, en términos de tessitura, ¿verdad? Esta va a ser una nota muy lírica, y esta en realidad es baja en el violín, Está un poco tranquila, está un poco oscura. Entonces usar eso en realidad puede ser algo que puede ayudarnos a separar estas dos partes. Si escribiera la melodía en el violonchelo para estar aquí arriba, y tuviera el acompañamiento para estar aquí abajo y el violín. No están separados por rango, sino que están separados en color, ¿verdad? Y si eso te resulta confuso, piensa en eso como literal por un minuto. Digamos que estás pintando un cuadro y tenías algo que estaba pintado todo de azul, y luego hiciste una pequeña línea naranja en él, ¿no? Aunque esa línea naranja se mezclara bien con todas las cosas azules, va a destacar porque es de un color diferente. Así que puedes usar este tipo de ideas de color para crear una separación entre el primer plano y el fondo. 17. La textura como separación: Entonces lo último que viene a la mente de inmediato en este sentido de todos modos, es la textura como una forma de separarse. Y eso está pasando un poco aquí. Si tengo esta melodía y el violonchelo, y está tocando en el ritmo en el que está tocando. Y luego tengo estos violines solo haciendo medias notas punteadas. Yo sólo estoy sosteniendo la armonía. Es de textura diferente. No es una textura radicalmente diferente, pero sería mejor como algo así como están tocando los violines. arpegios le van a hacer a los datos, a la identidad digital, digital. Identidad digital. Mientras va el violonchelo, bom, bom, bom, bom, bom, bom. Eso va a crear una textura muy diferente. Eso va a ayudar a separar a los dos. El primer plano y el fondo. Si están haciendo cosas salvajemente diferentes, Eso es textura. Y esa es una forma de mantenerlos separados. Y es algo que probablemente sea uno de los más comunes. Suena algo abstracto, pero veremos en algunas piezas cómo se usa la textura para separar el primer plano del fondo por todo el lugar. Así que hagámoslo en realidad ahora veamos algo de música. 18. Análisis de Beethoven, parte 1: De acuerdo, la Sinfonía número uno de Beethoven justo al principio, o sólo tal vez un par de minutos para esta pieza. Y está este gran momento que hace más o menos lo que acabamos de hablar. Ahora, estoy usando un clip de YouTube aquí por razones de copyright. Entonces echemos un vistazo a lo que está pasando aquí mismo. Escuchémoslo primero, pero este es el segmento al que quiero que te enganches y todos solo un pelo para meternos en él. Una buena cadencia grande justo antes de ella. Entonces tenemos la melodía en el bajo. Ni siquiera puedo decir si eso es una base o lo poco profundo. A ver. Ah, se duplicó. Entonces es base y violonchelo en esa parte inferior. Por lo que a 30. Vale, entonces tenemos la base y el violonchelo con la melodía. Y entonces tenemos esta armonía muy relativamente simple por encima de ella. ¿ Cuál es la cosa que los está separando para que nuestro oído tenga el espacio para engancharse a esa melodía? ¿ Es rango? ¿Un poquito? El rango es un factor aquí porque recuerda que la base va a sonar una octava más baja de lo que está escrito aquí. Entonces ahí, hay mucho bajo pasando aquí. Si es base y superficial, estamos escuchando boom, boom. El resto de las cuerdas son bastante bajas. En realidad. Es decir, no hay nada cerca de esa baja aunque hay espacio. Hay un poco de rango entre los dos. Pero también voy a decir textura. Porque mira el ritmo que está haciendo el resto de las cuerdas. Sólo que las notas de cuarto muy cortas, que en sí es bastante diferente a la melodía relativamente rápida que está tocando el bajo, pero también es corta. Versus el Doo, Doo, Doo, Doo, Doo Doo también, ¿verdad? Entonces es textura realmente muy diferente. Volvamos a escucharlo. Dejaré que juegue un poco más. También tenemos algunos de los triunfos y cosas que vienen a ayudar. Pero el verdadero foco principal aquí, al menos justo al principio, estos primeros pares de compases son las cuerdas con la melodía en la base. Creo que también hay un contraste dinámico y es algo mencionamos brevemente que está ayudando a separar estos, el primer plano del fondo. A pesar de que todo está marcado pianissimo, todas las cuerdas están marcadas pianissimo. El material bajo, los enfriadores y las bases claramente se están adelantando mucho más solo en términos de volumen. Pero creo que lo más grande aquí es la textura en realidad. 19. Análisis de Beethoven, parte 2: Aquí hay otro buen ejemplo que es tanto textura como registro. Todavía en la Sinfonía número uno de Beethoven, o unos 13 minutos. Y en este punto, no sé si estamos encendido, probablemente ya estemos en el segundo movimiento. Es difícil de decir en estos videos de YouTube. Pero si miras aquí, tenemos esto. Este es un buen ejemplo de que el primer plano no es necesariamente una melodía. Esto es algo que yo llamaría una textura. No es necesariamente una melodía, pero es como melodía, y definitivamente es el primer plano en este momento en particular. Entonces tenemos acompañamiento, ¿verdad? Definitivamente hay una diferencia textural aquí. Tenemos notas rápidas muy cortas en triplete. Y aquí tenemos también pantalones cortos, pero mucho espacio entre ellos, no tan cortos. Todos están marcados piano pianissimo. Pero el rango es probablemente lo más grande. Bueno, la textura es probablemente lo más grande, pero el rango también es un gran problema. Mucha distancia entre esto, incluso cuando baja baja, está cruzando por debajo, pero sólo momentáneamente la mayoría está bastante separada en términos de rango. Escuchemos esto. retroceder sólo un poquito para meterme en ello. De acuerdo, aquí vamos. ¿ Verdad? Por lo que definitivamente mucho rango, textura. No necesariamente una melodía ahí mismo, ¿verdad? Es mucho una cosa reluciente. A lo mejor podrías llamar a eso una melodía, tal vez no. Probablemente no lo haría. Pero eso es genial. No siempre tiene que ser una melodía. Pero suele haber algo en primer plano. No siempre tiene que haber un primer plano algo. Pero por lo general hay. 20. Considerar Middleground: De acuerdo, Hablemos un poco de las cosas del término medio. Mucho de lo que estamos hablando cuando estamos mirando el término medio es lo que normalmente llamamos contrapunto o contra-melodía, o melodía acompañante o algo así. Entonces para demostrar esto, he arreglado más completamente nuestra pequeña melodía aquí. Entonces aquí está nuestra melodía, ¿verdad? Entonces Greensleeves está ahí dentro. Pero he añadido una textura más completa aquí sólo para darnos la idea de ello. Vamos a escucharlo y luego vamos a hablar a través de él un rato. Aquí vamos. Vale, entonces acabo de hacer esta primera parte otra vez. Entonces lo primero que queremos hacer es investigar esto a partir de algunos de los temas de los que acabamos de hablar antes. ¿ Destaca suficientemente la melodía? Creo que sí. En primer lugar, valdría la pena señalar aquí que probablemente no me lanzaría a una pieza con este tipo de arreglo. Lo que yo haría al principio de la pieza es probablemente darle esta melodía en términos mucho más simples para que realmente les demos, le damos al público directamente la melodía con no mucho va a su alrededor. Queremos meterse en cabeza de una manera agradable y limpia para que realmente estemos seguros de que les llegue la melodía luego cuando la oigan más adelante en la pieza, o incluso justo como por segunda vez. Y tiene todas estas otras cosas dando vueltas por ahí , como lo hace aquí. Todavía les destacará la melodía porque les resulta familiar, mientras que los acompañamientos no les son familiares. Entonces supongo que incluso se podría decir eso, que familiar, familiaridad, familiaridad. Sí, esa es la palabra que estoy buscando, es otro de esos elementos que pueden separar el fondo del primer plano. Terreno medio. En realidad no estoy a término medio. Vamos a hablar de miligramo en apenas un segundo. En primer lugar, estamos hablando si hemos separado la melodía lo suficiente para que la melodía ya sea familiar. Ahora echemos un vistazo al rango. Entonces tenemos mucho que hacer aquí. El alcance es bastante bueno. Estamos bastante cerca aquí. Pero alejándose. Movimiento contrario, movimiento similar. Y estamos pensando en el movimiento en el que normalmente pensamos. Contrapunto un poco. Entonces nos estamos quedando bien. Lléname hasta un tercio aquí. Entonces el rango está bien. Pero lo más importante, tenemos un ritmo totalmente diferente sucediendo aquí. Esta es una nota de trimestre consistente. Entonces eso realmente va a hacer que destaque de la melodía, que no es una nota de trimestre consistente. Entonces las otras cosas que voy a llamar fondo es este pedacito, algunas lagunas en él. Entonces eso definitivamente va a destacar. También es mucho menor. 21. Técnicas de Middleground: De acuerdo, entonces hablemos del verdadero término medio aquí. Lo que estamos viendo es esta contra-melodía aquí en el violín dos. Entonces primero, vamos a jugar eso. Voy a silenciar todo menos el violín 12, vale, así que sólo vamos a escuchar la interacción entre el primer plano y el término medio. De acuerdo. Aquí vamos. De acuerdo, genial. Entonces hay un par de cosas que creo que funcionan esto para que sea un buen término medio. En primer lugar, es simple y es sencillo de muchas maneras diferentes. Tiene un ritmo sencillo. Tiene un registro sencillo. Y eso es importante porque notarás que el registro no es el tipo de registro superior o el violín que es muy lírico, o el registro bajo o el violín que es un poco más grueso y cálido. Pero está justo en ese registro medio. Eso no, no sobresale por ninguna razón en particular. Está relativamente cerca del primer violín, la melodía principal, el material principal de primer plano en términos de pitch, ¿verdad? No estamos en ninguna parte un tercio de distancia, más lejos, sino entre un 6 tercio de distancia. Entonces estamos un poco cerca. Y esto es realmente normal para la escritura de cuerdas, vale, tener este tipo de enredo de las dos líneas que la melodía y la contra-melodía. Es algo que me gusta mucho. Realmente me enganche a este sonido, así que siempre estoy feliz de hacerlo. Para que funcione. Tuvimos que quedarnos un poco cerca. Tenemos que tener un poco de disonancia ahí dentro. Por lo que algunos tonos no acordes. Pero no queremos estar demasiado cerca y, o dos disonantes, ¿verdad? O si no va a sonar como MC. Entonces lo que estoy haciendo aquí con la melodía del contador es realidad solo una especie de esbozar los acordes. Este es un acorde E menor, E, D, C. Así que esta E obviamente está en el acorde. Podríamos argumentar que D está tal vez en el cable si quisiéramos tratarlo como un acorde de séptima menor. El C es un tono no acorde. Aquí abajo. El acorde más grueso es G, G mayor. Entonces tenemos b, d, Esos dos están en el cordón. Y luego de nuevo, la C es el tono no acorde. Hace un agradable tipo de sonido crujiente contra eso. Sé un buen séptimo ahí. Entonces puedes ver que en realidad solo estoy esbozando acordes con un par de nodos de conexión ahí solo para llenarlo y hacer eso suave, rítmico, rítmico, suave. Y hacer esa sensación rítmica suave. Entonces esto es muy idiomático para las cuerdas, este tipo de contrapunto. Escuchemos por curiosidad. Vamos, vamos a escuchar el fondo y el término medio juntos. Creo que esto podría ser interesante. Entonces voy a silenciar el primer plano. De acuerdo, entonces no vamos a escuchar el primer violín aquí. Entonces escucha la forma en que los dos violentos y la viola y el violonchelo trabajan juntos. De acuerdo, aquí vamos. Es un bonito unísono de mantenerse fuera del camino como están, no se están pisando demasiado los dedos de los pies el uno al otro. Pero también están trabajando juntos. Es casi como caminar con una tercera pierna. Al igual que de alguna manera descubrieron la manera de caminar juntos con la tercera pierna como una analogía rara. Escuchemos una vez más. Y de nuevo, lo que estoy haciendo con la viola y violonchelo aquí es simplemente esbozar los acordes sin realmente tonos que no sean acordes en estas partes. Y si no te has dado cuenta de la viola y el violonchelo, o simplemente una octavas de la otra. Esa Octava los va a hacer realmente tipo de empuje hacia adelante. Eso va a hacer un sonido bastante fuerte. Pero debido a que es significativamente menor, su permanece separado del segundo violín y sobre todo del primer violín. Y también es una articulación diferente. Esun ritmo diferente. Por lo que se queda un poco fuera del camino. Lo que hice en la base aquí es realmente solo usarlo como una forma de enfatizar lo que están haciendo la viola y el violonchelo. Es, Sigue siendo parte del acompañamiento seguro. De acuerdo. Entonces echemos un vistazo a lo que algunos, cómo se ve algo de esto en una pieza más grande. Y probablemente volveremos a Beethoven porque hay mucho en las sinfonías de Beethoven para escoger. 22. Ejemplo de Beethoven: Middleground: De acuerdo, volvamos a la Sinfonía número uno de Beethoven. Estamos a unos 5.5 minutos en. Y hay este momento perfecto que hace esta cosa genial y es algo divertido que en realidad pensé en hacer en el arreglo de Greensleeves que acabo de hacer es ese par de bares . Pero decidí no hacerlo. Pero aquí tenemos a Beethoven haciéndolo. Por lo que es una gran manera de mostrar otra técnica para esta idea de término medio. Entonces lo que estoy viendo es esto de aquí mismo. De acuerdo, sólo escuchémoslo primero. Voy a retroceder sólo un poquito. Aquí vamos. Y después señalaré cuando lleguemos. De acuerdo. Entonces déjame llevarnos de vuelta ahí, vale, Así que compruébalo. Entonces tenemos justo el, las cuerdas yendo aquí. Violín uno, violín, viola, violonchelo y bajo combinados aquí abajo. Vale, entonces el violín uno claramente el primer plano, ¿verdad? Esa es como la idea melodía aquí es el violín uno, archivo en el término medio. Tiene cosa de acompañamiento al violín uno, y volveremos a eso en apenas un segundo. Viola y violonchelo, bajo. Acompañamiento, ¿verdad? Antecedentes, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum, bum. Sólo una puntuación. Entonces volvamos aquí arriba. Entonces lo que tenemos aquí son datos, datos, datos, datos que, cierto, Ese es el primero. Este símbolo, por cierto, si nunca has visto esto, esto básicamente significa corchetes. Es como una cosa taquigrafía. Entonces así significa notas 16. Entonces esto es deuda, deuda, deuda, deuda, y luego más corchetas, punto, punto, punto, punto datos datos datos datos, datos, datos, datos, datos, datos, datos, datos. Por lo que todo esto son corcheas. Entonces hay una melodía bastante activa que estamos escuchando. No tenemos melodía muy activa que estemos escuchando debajo de ella, ¿verdad? Boom papa, papa data. ¿ Verdad? Es muy similar. De hecho, es lo mismo, pero una octava abajo y una tardía. Entonces es una especie de cañoncito, ¿verdad? Es como un cañón es como remar, rema, rema tu bote, rema, rema tu bote. Y luego se superponen. Es un poco así. C, B plana, E plana, G, F, E plana, B plana. Se salta una octava, B-bemol, E plana, G, F, E bemol. Son las mismas notas pero retrasadas por una medida y hacia abajo una octava. Eso es genial. Eso lo convierte en una cosita de contrapunto realmente genial. A mí me encanta. Entonces esto realmente no va a saltar como hacerse cargo de la melodía. No lo vamos a escuchar. Seestá apoderando de la melodía. Es una octava abajo. Y si bien es el mismo material pero una octava abajo, Es un bar tarde. Entonces para cuando lo estamos escuchando, la melodía está tocando algo nuevo, ¿no? Está jugando esto ahora. Entonces nuestra oreja se va a enganchar a esta parte superior. Es mucho más alto y es lo focal. Empezó como lo focal y se va a quedar así. Entonces en realidad no nos arriesgamos a estorbarnos en el camino. Yo diría que lo primordial aquí es el rango porque somos mucho más bajos que él. Pero es un truco muy chulo. Es como una idea de cañón. Sólo tómalo, atrégalo por una barra, y déjalo caer una octava. Incluso a veces se puede escapar sin bajarla una octava en las circunstancias adecuadas. Por lo que siempre puedes intentar eso para hacer un contrapunto realmente rápido. Sólo haz un cañoncito. Y ahora lo estoy pensando. A ver si hubiera funcionado. Regresemos aquí. Entonces esto es lo que quiero decir. Si tomo nuestra melodía y me voy aquí, allá. Así que acabo de poner nuestra melodía, pero una octava después, o lo siento, un bar después. De acuerdo, entonces empieza aquí y entra ahí. Esto crea una pequeña y agradable melodía de contador. Vamos a escucharlo. Tengo mi primer solo de violín , sigue, ahí vamos. Vamos a intentarlo una vez más. De acuerdo, no funciona tan bien, un poco nos echa de encima la armonía. Podríamos bajarlo una octava. Eso podría ayudar. Vamos a probarlo abajo una octava. Todavía va a echar a perder nuestra armonía, pero probémoslo. No está mal. Podríamos ajustar un par de notas para que funcione. Es una gran técnica para crear un terreno medio realmente sólido, muy rápido. 23. Textura y ritmo: De acuerdo, pasemos a hablar un poco más sobre la escritura de fondo. Ahora lo que pasa con el fondo es que realmente se trata de enfocarse en una textura, lo que yo llamaría una textura. Entonces vamos a definir eso un poco. Piensa en una textura como una manta de sonido. Pero hay un millón de formas diferentes en las que podrías hacer esto. Quieres algo que sea el acompañamiento, ¿verdad? Es algo que va a cubrir como una manta. El espacio abierto, no todo el espacio abierto, sino parte del espacio abierto. Para crear la escena, si se quiere. Yendo con esa idea, pensémoslo. Jugar. La textura o el acompañamiento, en este caso, es como las piezas escenográficas en el escenario, ¿no? No son los actores. Es el set. Esaes la textura. Esa fue una analogía razonablemente buena. Ya sabes, algunas de mis analogías son, son bastante raras. Sepan lo que creo que fue bastante sólido de todos modos. Por lo que podrías hacer cualquiera de un millón de cosas diferentes para crear una textura que suene bien, sobre todo con las cuerdas. Las cuerdas son muy adeptas a tener haciendo este tipo de texturas o ideas de fondo o acompañamiento. Las tres palabras en este momento son algo así como que significan lo mismo. Entonces creo que iba a escribir algunos out para nuestro acompañamiento a nuestra melodía son Greensleeves melodía. Pero entonces pensé que solo había tantos millones de cosas diferentes que podría escribir. No hagamos eso. Y en cambio, sigamos con Beethoven y veamos un par de spots donde escribe un acompañamiento. Eso funciona muy bien. Entonces es un poco al azar saltó aquí, y estoy a los nueve minutos y 42. Tenemos este hermoso pequeño momento. Tenemos esta melodía y los primeros violines y un ollie, otras cuerdas. Tenemos estos datos, datos que algo un poco simplemente rítmico. No es enorme, no es grueso. Pero es sólo un pequeño y agradable movimiento rítmico que llena la textura. Vamos a escucharlo. Déjenme saltar hacia atrás sólo un poquito para meternos en ello. Eso es correcto. Muy, muy sutil. Las cosas no tienen que ser gruesas, no necesitan ser grandes. Pueden ser muy sutiles así. Pero en este caso, podrías estar pensando para ti mismo, bueno, cuál es el, cuál es el término medio aquí tenemos una melodía y luego como todo fondo. En este caso en particular aquí mismo. Sí, yo diría que eso es lo que está pasando. Tenemos melodía en primer plano y tenemos fondo. Aquí no hay término medio. Eso está bien. No hace falta que siempre haya necesidad de tener los tres. Y si hay un caso en el que no tienes uno, lo más común es el término medio. Entonces cuando estás pensando en esta idea de fondo, quiero que siempre tengas en tu ritmo de cabeza. Piensa en el ritmo. Mucha gente cuando recién están empezando con esta idea, sobre todo si te estás enfocando en la composición. Mucho de lo que podrías hacer es simplemente poner notas enteras en los acordes, ¿verdad? Y enfócate en la armonía. Y esa es una opción. Eso sin duda es una opción. Pero no dejes que tu pensamiento se detenga ahí. Intenta pensar en agregarle un ritmo, ¿no? Ahí es donde empezamos a conseguir realmente esa cuerda como sonido, ese sonido de acompañamiento haciendo algo rítmicamente a la vez que contribuimos a la armonía. Eso te va a decir qué notas usar, sea cual sea la armonía que tengas pasando ahí. Pero ten en cuenta, ritmo es algo importante para crear este tipo de fondo animado. Echemos un vistazo a un par de otros ejemplos de Beethoven. 24. Variación rítmica: De acuerdo, pues aquí está, encuentro un buen ejemplo de esa cosa de la que acabamos de hablar. Tú quieres, básicamente vas a usar notas enteras, pero solo quieres añadir ritmo a eso. Entonces aquí estamos en lo que hay en esta grabación a unos 21 minutos en. Y miren lo que está pasando aquí mismo. Tenemos esta melodía pasando de nuevo en los primeros violines. Apenas este cuarto de nota juega y baja. Ahora, ten en cuenta, este es un tempo realmente Holland. Entonces esto es punto, punto, punto, punto, punto. Vamos bastante rápido en estas notas negras. Ahora aquí sólo tenemos los acordes, ¿verdad? Pero recuerden esto para abanderar cosa en los nodos, eso significa notas 16. Estoy pensando que pueden porque van rápido. Pero lo único que están haciendo es agregar un ritmo a los nodos que están sosteniendo la cancha. Ahora, el ritmo que usas puede ser literalmente cualquier cosa. No hace falta que sea un ritmo recto como este. Sentido recto consistente a lo largo de todo el camino. Sólo las notas 16 rectas son cortas rectas o lo que sea. Eso es lo que pasa a ser esto. Pero se puede variar hacia arriba en descansos a diferentes valores rítmicos. Esta es solo una realmente recta hacia arriba que muestra la armonía con la que se juega al tener un ritmo más complicado. Entonces volvamos a saltar un poco atrás. Y vamos a escucharlo, cierto. Bastante genial. Oigámoslo una vez más sólo porque poco cruceros por rápido. Entonces solo esos cordones efectivamente solo sujetando acordes para toda la barra, dos barras en este caso. Pero pensar, pensar, pensar en subirse a esas notas, darle algo de vida extra, crear una textura cada vez mejor pero diferente para el fondo. 25. Más sutil: De acuerdo, sólo por un ejemplo de uno un poco más complicado. Aquí tenemos, estamos de vuelta alrededor de nueve minutos, 9.5 minutos. Vuelvo a saltar a la anterior. Si no dije que fue todo el camino cerca del final alrededor de 23 minutos. Antecedentes 9.5 minutos. Veamos aquí mismo lo que está pasando. Entonces tenemos lo que les voy a llamar melodía, los primeros violines. Entonces primer plano, fondo, perdón, término medio y los segundos violines. Entonces una armonía. Tan mismo ritmo todo el camino a través de Pfeffer al final. Tan ligera variación en el ritmo, pero significativamente menor en el registro del violín, y además añadiendo una armonía. Entonces voy a llamar a eso término medio y fondo. De verdad tenemos esta cosa muy sutil pasando aquí. Podríamos llamar a la viola parte del fondo son parte del término medio. Porque en realidad solo es complementar un par de notas en el término medio. Y luego el violonchelo de fondo. Y aquí se señala el violonchelo, ese VCL que dice cello, eso implica, creo en este caso, que la base está sentada fuera. Tenemos base regresando por aquí. Entonces esto es sólo el violonchelo. Entonces estamos escuchando mucho término medio. Y entonces el fondo es muy sutil momento de violonchelo. De acuerdo, pues escuchémoslo. Retrocede sólo un poquito. Aquí vamos. De acuerdo, Así que paramos justo aquí. Ese violonchelo es bastante tranquilo, por lo que hace que sea difícil de escuchar, pero se puede ver cómo es sólo un poco simple. Es casi como el primero que escribí para los Greensleeves. Es solo para notas que delinean el cordón es todo. En verdad es muy sencillo. Entonces hay mucho que podemos hacer ahora Quiero entrar en más de esto más con textura enfocándonos en tres principios con los que trabajamos mucho. Eso serían texturas homofónicas, polifónicas y monofónicas. Entonces hemos estado bailando alrededor de eso con todos estos ejemplos, pero como que quería sólo presentarlos de esa manera. Y ahora vamos a entrar en profundidad y hablar estos diferentes tipos de texturas y cómo podemos trabajar con ellas. Con las cuerdas. Fuera vamos. 26. Escritura homofónica: De acuerdo, a continuación vamos a hablar de tres cosas texturales. Entonces primero es la escritura homofónica y luego la escritura polifónica y la escritura monofónica. Entonces la escritura homofónica, este es un término para el que usamos, siempre lo pienso cuando realmente nos estamos enfocando en lo vertical, ¿verdad? Entonces no me preocupan estos ritmos y hacer ritmos acompañantes realmente chulos. Podemos hacer eso. Pero en lo que realmente quiero centrarme, con la escritura homofónica es la forma en que se voz el acorde. eso es en lo que quiero pensar más que en cualquier otra cosa aquí. Entonces el término escritura homofónica realmente significa que hay, hay una voz y todo está apoyando esa voz. Entonces generalmente este es el caso donde tenemos una melodía y luego solo cuerdas sosteniendo para apoyar esa melodía, ¿no? Entonces lo que tenemos aquí en la pantalla es realmente una textura homofónica. Ahí hay una melodía y luego todo solo está apoyando eso con armonía. Entonces lo que queremos hacer aquí es pensar estos acordes que hemos trazado aquí y cómo podemos hacerlos los más interesantes, ¿de acuerdo? El modo en que los tenemos aquí está bien ish, pero podemos hacerlos mejores. ¿De acuerdo? Entonces hablemos un poco más sobre el espaciado de notas y el voicing. Y para ello, vamos a retroceder en bicicleta y hablar de muy brevemente, la serie de armónicos. 27. Observa el espaciado: Vale, recuerda que cuando estés espaciando notas, puedes hacer lo que quieras. Lo que estoy a punto de decirte es algo que solo característicamente suena muy bien, sobre todo en cuerdas. Esta es una técnica que la gente viene utilizando desde hace 100 años, cientos de años, quizá doscientos, trescientos años. ¿400? Sí. En este punto, sí, 400 tal vez en cinco. Para realmente hacer un sonido grande, rico y completo. Eso podría no ser lo que quieres. Pero si eso es lo que quieres, así es como lo haces. Hay, en realidad hay un pequeño truco bastante fácil. Echemos un vistazo a la serie de armónicos. Si recuerdas la serie de armónicos, si tomaste mis clases de teoría, tal vez lo sepas. Si tomaste algunas cosas de diseño de sonido, podrías saber esto. Básicamente lo que nos dice la serie de armónicos es todos los sonidos dentro del sonido que escuchamos. Entonces cuando tocamos algo así como cuando tocamos una nota, ese aviso se compone de un montón de otras notas que se unen para hacer la nota que estamos tratando de hacer. Y la forma en que se estructuran los armónicos, eso en realidad nos da madera. Pero eso no nos preocupa ahora mismo. De lo que nos preocupa, bueno, no nos preocupa nada, pero de lo que estamos hablando es que hay un patrón definido a la serie de armónicos. Siempre funciona igual. Toma tu primera nota en la que estás empezando. En este caso, es C. ¿De acuerdo? Y eso, solo pones esto a donde sea, sea cual sea la nota que toques. Entonces digamos que tocas esto muy, muy bajo. Mira, las notas que están dentro de ese nodo que lo componen, es primero va a ser una octava más alta C, y luego va a ser una quinta por encima de eso, y luego otra octava, y luego una tercera, y luego otro tercio. Y luego un siete plano, extrañamente, y luego otra octava. Y entonces empieza a ir por la báscula. Entonces C, D, E, F, Eso significa que es F, eso es un poco afilado. G, un piso. Empezamos a conseguir algunas, algunas notas cromáticas y luego básicamente vamos cromáticas. ¿ De acuerdo? No necesitas memorizar esto ahora mismo. Esto es lo importante de esto. Observe el espacio entre los nodos. Se inicia con grandes espacios, octavas, octavas. A medida que sube, esos espacios se vuelven más pequeños hasta que solo estamos creciendo cromáticamente. Entonces esto es sólo una especie de, esto es sólo física. Es así como funciona ese sonido. Cualquier sonido fuera cualquier sonido afinado funciona, es sólo la parte inferior de él, va a tener grandes espacios en el medio. Y a medida que vayas más arriba, va a tener espacios más pequeños. ¿ De acuerdo? Es así. Espacios grandes, subes y se hacen cada vez más pequeños y más pequeños. Podemos reflejar eso con la forma en que escribimos un cordón. ¿ De acuerdo? Eso va a sonar bien. A lo mejor por la serie de armónicos, tal vez porque es sólo tradición. No lo sé, pero es lo que hacemos y suena bien. Entonces déjame reescribir estos primeros pares de acordes usando eso, y luego volveré y te mostraré cómo suena. 28. EJEMPLO: De acuerdo, tomemos una escucha y luego te diré lo que hice. Entonces dejé la primera parte como está, solo se puede escuchar la voz normal que teníamos. Y luego hay un par de barras de vacío. Y luego cuando la melodía vuelve por segunda vez, tienes mi voz más adecuada de esas cortes. Entonces escuchémoslo desde arriba. De acuerdo, pues déjame sacar el primer violín. Entonces solo escuchamos nuestros acordes. También quiero ralentizarlo para que realmente podamos sentarnos un poco en estos y simplemente sentir la forma en que se apilan las notas. Vayamos como muy cortos. ¿ De acuerdo? De acuerdo, probemos esto. Porlo que no hay violín y más abajo. De acuerdo, entonces he hecho algunas cosas aquí que vale la pena señalar. Lo primero que quiero señalar, porque parece contradecir algo de lo que ya hablamos. Es decir, dejé que la armonía suba bastante alto y en realidad significativamente por encima de la melodía aquí arriba. El motivo por el que hice eso es que creo que crea una línea que tipo de arcos sobre la melodía una manera que no distrae demasiado de ella. Tenemos justo esos, tenemos, no tenemos un ritmo complicado. Acabamos de tener esas notas sostenidas yendo a mi oído. No es demasiado distrayente de la melodía. Todavía puedes mantener su oído en la melodía. De hecho, déjame volver a meter la melodía. Y escuchémoslo una vez más a este tempo más lento. Y se puede ver si está de acuerdo conmigo. Y es realmente difícil aferrarse a esa melodía a ese tempo lento. Pero creo que sí. Creo que, sobre todo cuando llegas justo aquí, donde realmente está pasando, puedes sentir que estas notas suceden, así que me siento bastante bien al respecto. De acuerdo. Quiero señalar algunas otras cosas. Te habrás dado cuenta de que el div aquí, así que creo que mencioné esto antes, pero significa DVC. Significa que voy a dividir esta sección en este caso en dos. Tan violentos dos. Se van a dividir por la mitad. Y violas se van a dividir por la mitad. Entonces eso significa que puedes escribir dos nodos para ellos. Esto no es un doble tope. Esto significa que la mitad de la sección toca la nota superior y la mitad de esta sección toca la nota inferior. Usas las letras DIV solo para decirles que esto es un DVC. Yo solo quería más grueso quería más notas, así que así es como lo haces. De acuerdo, entonces ahora veamos cómo se apilan las notas. Verás que para todos estos acordes, siguen un patrón muy similar. No todos son exactamente iguales. Porque cambié algo de ello para hacer para una buena voz liderando, pero están bastante cerca. Entonces en el contrabajo tenemos justo la raíz, de verdad. Nada elegante. Gran nota baja. Que en el violonchelo tenemos esa misma cosa y octava arriba. Así que recuerda esa serie de armónicos, derecha, donde tenemos la nota y luego el siguiente nodo es una octava. Ahí hay una gran brecha. Entonces eso es lo que estoy tratando de aguantar, eso va a hacer que este sonido cálido realmente grueso. Entonces las notas empiezan a acercarse un poco. Aquí mismo se puede ver que tengo cuartos y quintos. Y mi viola, realmente apenas cuartas y quintas a lo largo de todo el camino , o ambos tonos de acorde. Entonces aquí lo tenemos, este es un acorde E menor, así que pensémoslo a través de él. Tenemos una E, tenemos una e, tenemos una B, y otra E. Así que al igual que la serie de armónicos, tengo una octava y una quinta y luego otra octava. Así va la serie de armónicos. Después a partir de ahí, tengo una G y una B. Así que solo las dos notas superiores del acorde. Y los de aquí, tengo tercios, tercios, tercios, 66, sexto, quinto, tercero otra vez, así que un poco más apretado con eso, con ese tercero e invertir el sexto, pero básicamente un tercio. Entonces a medida que subimos, voy dejando que esas armonías se pongan un poco más apretadas juntas. Y verás ese patrón todo el camino a través de algunos de estos, el patrón cambia solo porque quería que se arqueara un poco más arriba. Entonces aquí dejo, invertí un poco las dos notas para obtener la nota más alta y lo mismo y la viola, pero básicamente es el mismo patrón. ¿ De acuerdo? Y todo esto, no los necesito de ahí. Y todo esto nos hace un sonido realmente agradable, rico, cálido. Oigámoslouna vez más. Tener sentido. Entonces cuando estás pensando sólo en escribir acordes verticales así. Y esto es cierto ya sea que estés trabajando en una estructura homofónica o textura como lo estamos ahora. O si solo estás escribiendo acordes en general, siempre puedes pensar de esta manera. Si quieres este tipo de sonido grande y cálido, así es como lo haces. 29. Escritura polifónica: De acuerdo, a continuación, vamos a sumergirnos en la escritura de cuerdas polifónicas. Y aquí es donde las cosas se ponen realmente divertidas, sobre todo en las cuerdas. Al igual que muchas de las otras cosas que se pueden hacer y algunos de los otros instrumentos, pero las cuerdas simplemente están realmente construidas para esto. Simplemente puedes volverte a la locura con esto en las cuerdas y va a sonar muy bien. Bueno, déjame reformular eso. Es bastante fácil hacer que este suene bien en las cuerdas. En algunos de los otros instrumentos, los vientos en Nebraska, se necesita bastante pensar para que realmente funcione bien. Pero en la cuerda, este es simplemente un gran momento. Entonces, ¿qué es la escritura polifónica? Si tú, incluso, si tomaste mis clases de teoría, ya sabes, escritura polifónica, su contrapunto básicamente. Entonces definamos estas tres palabras. Tenemos Homofónico, Polifónico, y eventualmente después de esto vamos a hacer monofónico. Entonces esto es lo que esas tres palabras nos referimos. Homofónico significa que hay una sola melodía y luego el otro material está en apoyo de esa melodía. Entonces hay una cosa y estamos apoyando con todo lo demás. Polifónico significa que hay múltiples cosas. Realmente significa que hay múltiples ideas melódicas. Ahora uno podría ser el primer plano, ¿verdad? Y uno podría ser el término medio. Y vamos a lo mejor el fondo. Podría haber incluso más que eso ahí dentro. Podría haber cinco o seis líneas diferentes moviéndose por ahí dentro. Si miras a Bach, él era muy conocido por eso. O podría haber sólo dos líneas yendo de ida y vuelta. Pero por lo general hay un primer plano y luego uno de término medio. Y entonces podrían ser parte del fondo. Impresionante. Entonces eso es escritura polifónica. Entonces la escritura monofónica realmente significa que hay una sola línea melódica. A veces pienso en la escritura monofónica como un solo ritmo. No es exactamente cierto, pero funciona muy bien. Entonces significa que hay una melodía. Y entonces todo lo demás que estamos haciendo se mueve en ese mismo ritmo de la melodía. Podríamos tener notas diferentes. 30. Greensleeves polifónico: De acuerdo, entonces lo que he hecho aquí es que agregué acordes a la siguiente sección de la melodía, el mismo estilo que los que hicimos anteriormente para la sección homofónica, ¿no? Entonces es observar el espaciado de los acordes con los intervalos grandes en la parte inferior y los intervalos más pequeños en la parte superior derecha. Así que déjame tocar eso para ti primero. Y entonces vamos a empezar a crear algo de polifonía aquí. Esto es lo que tenemos, y sigue en ese tempo lento, pero creo que será útil una vez que agreguemos polifonía. Entonces aquí vamos. De acuerdo, y por eso me detuve. Ahora que tenemos eso, lo que vamos a hacer es empezar a jugar a conectar los puntos. Ahora bien, lo que quiero decir con eso es que vamos a encontrar lugares donde haya un gran intervalo, como aquí. Este D. Y vamos a rellenar algunas notas en el medio, conectar los puntos. Ahora, así es como voy a crear la polifonía aquí. Simplemente no podrías escribir en los acordes, sino simplemente empezar a escribir polifonía y simplemente empezar a leer todo tipo de líneas extra. Y tal vez termines con algo interesante. Pero yo te animaría a no hacer eso. Es mucho más fácil escribir en armonía primero. Y entonces empieza a conectar las cosas y a tratar de encontrar pequeños huecos que puedas llenar. Es así como haces que algo suene realmente bueno y realmente natural. Cuerda, como escribir, escribir primero la armonía y luego jugar conectar los puntos. Así que vamos a sumergirnos y jugar a conectar los puntos. 31. Cómo conectar los puntos: De acuerdo, Comencemos con estas líneas de violonchelo. Tenemos un G hasta D. Podría hacer esto con notas de trimestre, pero necesito más notas de cuarto y tengo, si voy a subir más la escala que tengo. Por lo que voy a usar corchetas. Voy a tener que hacer un pequeño tramposo aquí. Uy. Empieza aquí. Y de nuevo, la razón por la que estoy eligiendo este intervalo o este spot, porque veo un gran intervalo que puedo llenar los huecos intermedios. De acuerdo, pues tengo una G. Así que sólo voy a subir la báscula. Entonces ahora lo que realmente quiero hacer es conectar esta G a esta D. Ya estoy en la D y necesito una nota más. Así que sólo voy a hacer trampa y subir a esta e y luego volver a bajar a la d Hay un par de maneras diferentes en que podría hacer eso. También podría iniciar OneNote bajo, o empezar en la nota y luego bajar y luego volver arriba. Pero esto funcionará. Ahora lo que estoy haciendo aquí es que apenas estoy subiendo a escala y debería funcionar. Debería sonar bastante bien. En la mayoría de los casos, esto sonará perfectamente genial. Simplemente te apegas a la escala y vas a crear algunos tonos que no sean acordes. Vas a crear alguna disonancia, pero más o menos será bueno. Ahora bien, este caso en particular que acabo escribir tiene un problema en él, que hay que tener cuidado con él. Porque en realidad no puedo simplemente escribir en la báscula en este caso porque estoy en clave menor, ¿verdad? Si estás en una clave mayor, realmente no tienes que preocuparte por esto, pero en una tecla menor, tengo que preocuparme por ese tono principal, sobre todo si la melodía lo está usando. Y simplemente da la casualidad de que lo que acabo escribir Conflictos en el momento exacto. Tómalo en la melodía. Esa C se eleva al C-sharp ahí mismo, justo en el extremo de dos. Y las notas que acabo de agregar ahí mismo al final de dos, las escribía como c. Así que necesito hacer una de dos cosas. O necesito reescribir mi pequeña línea de conexión para no golpear una C ahí mismo. O necesito hacer de eso un C-Sharp. Creo que hacer de esto un C-sharp sonará bien. Creo que eso va a funcionar. Vamos a probarlo. De verdad voy a maniobrar el violonchelo aquí para que se destaque y escuchemos esto bastante bien. Entonces aquí vamos. De acuerdo, bastante bien. Busquemos otro lugar. aquí para acá sería un buen lugar. Pero creo que eso será un poco demasiado pesado para tener esta gran línea moviéndose en octavas. No creo que eso sea lo que realmente queremos. A ver si hay otra obvia. Sería uno. Habrá uno aquí. No tanto porque sólo es un paso. Definitivamente aquí no porque es lo mismo. Aunque podrías tipo de subir y bajar y luego terminar en el mismo lugar. Aquí. A ver si podemos hacer algo en la violencia. ¿ Qué tal si vamos con éste? Entonces vamos a cambiar esto. Y vamos a ver si puedo ir F, G. Sólo estoy adivinando aquí porque estos están en los mismos dos nodos, ¿no? Pero hay movimiento en ellos porque es una armonía, ¿no? Podría tener uno subir al otro. Podría hacer que los dos se muevan un poco. Pero lo que creo que quiero hacer, no me encanta esta quinta, solo moverme, así que voy a abrir ese intervalo a una sexta. Voy a ir para allá. De acuerdo, entonces ya ves que este va subiendo por tercios. La línea superior está subiendo por tercera es la línea de fondo va subiendo por segundos. De acuerdo, entonces lo que he añadido aquí es una D, F, a, así que tipo de ortografía una tríada D menor. Pero luego aterriza, poco sube y luego baja y luego aterriza en esta G, que es la tónica del siguiente acorde. Y luego nuestra voz más baja acaba de subir a la escala G a, B, y luego un poco de salto a una D. Vale, así que creo que estas sonarán bien. Ahora voy a poner en marcha esa Viola. Bajó un poco nuestro violonchelo. Y a ver si podemos escuchar eso. Es un poco raro. Esa nota. Lo oigo otra vez. Es un poco diferente, pero me gusta. En realidad. Todo funciona en ella. Es simplemente crear movimiento. Es todo lo que realmente estamos haciendo aquí. Entonces, quiero decir, técnicamente estamos creando un montón de acordes nuevos y estos son acordes diferentes o la armonía ha cambiado, pero todo está pasando. Por lo que puede funcionar bien. De acuerdo, sigamos y veamos si podemos encontrar algunos más. 32. un poco de nueces: De acuerdo. Así que llevé a donde estábamos haciendo y lo acabo de hacer dos tipo de nivel extremo se metió un poco chiflado con él. Entonces creo que teníamos estas dos y ahora agregué esta y luego solo corchetas hasta el final, solo bajando, bajando y subiendo y luego como que no yendo a ninguna parte y luego bajando. Un par de cosas para señalar que hice aquí. Notarás que ambos cuando tengas DVC, pueden ser realmente independientes. No tienen que moverse juntos. Básicamente se pueden escribir dos voces diferentes. En todos estos casos. Escribí estos como, como, como haciendo lo mismo rítmicamente, pero no tienen por qué ser así. Podría haber tenido esto a en vez de tener este ser en lugar de tenerlo aguantado o volver a adjuntar esta nota cada vez, podría haberlo tenido, solo sostener esa nota y hacer un ritmo diferente. Eso estaría bien. Pero yo sólo un poco quería que se readjuntara, para enfatizar un poco la moción aquí. Una vez esta, es solo ir de ida y vuelta. Esta. Yo cambié muy rápido a octavas aquí porque realmente quería enfatizar esta renuncia. Y luego bajé esta G una octava, le pegué a esa nota baja del violín. Esa es su nota más baja. Porque funcionó bastante bien en el fondo de esa línea. Entonces esto es un poco chillón. Es mucho movimiento ajeno, pero, um, no sé, es un poco lindo. Entonces aquí lo voy a hacer, sólo escuchémoslo tal como está. Y entonces silenciaré la melodía y podremos volver a escucharla. Aquí vamos. Ahora esto es lo que es un poco genial de esto. Si mudo la melodía. Hemos tipo de con toda esta emoción extra, todo este movimiento extra que agregamos. Realmente hemos tomado esto bastante lejos de la verdadera melodía de Greensleeves. Entonces imagina que no sabes nada de esa melodía de Greensleeves. Y me quito esa melodía. Vas a encontrar naturalmente una melodía. Vas a escuchar algo que te suena a melodía probablemente. Y solo imagina esto como tu última banda sonora cinematográfica. Aquí vamos. ¿ Verdad? realidad es bastante lírico. Entonces esta es una técnica que funciona. He usado esto antes donde armonizas y orquestas melodía. Creo que deshazte de la melodía. Y lo que te queda es algo único. Todavía tiene la esencia de esa melodía, pero no es infracción de derechos de autor. No estás usando esa melodía. Entonces aunque en este caso podríamos usarlo porque es una melodía de dominio público. Pero puedes hacer esto con cualquier melodía, incluso como una canción de los Beatles orquestada. Entonces borra la melodía y ya tienes lo tuyo. De acuerdo, quiero mostrarles una técnica más para este tipo de ideas. 33. Desdibuja las líneas: Yo quiero hacer una cosa más y eso es lo que yo llamo como difuminar las líneas. Si has tomado otras clases como de composición conmigo antes, has visto esto. Pero es algo que sobre todo en las cuerdas sólo puede sonar hermoso. Así que he añadido nuestros acordes en ese mismo tipo de rico estilo de voicing al resto de la melodía. Ahora, escuchemos eso primero y luego lo terminaremos. De acuerdo, así que difuminar las líneas básicamente significa encontrar todos los posibles tonos comunes y dejar que algunos se cuelguen un poco más de lo que necesitan. Entonces comencemos con tonos comunes. De acuerdo, entonces esto sea lo mismo que ese ser. Y esta G está muy arriba porque lo movimos. Entonces tomemos esa G y sólo muévala. Y ahora los vamos a atar juntos. Entonces cuando alguna vez sea posible empatar una nota, lo vamos a hacer. Aquí. No hay nada que podamos empatar. De acuerdo, Aquí podemos empatar todo. Porque queremos el máximo sostenimiento. Aquí podemos atar este nodo superior, ¿verdad? Pero no la de abajo. Se puede atar eso. Tenga en cuenta que ahora. De acuerdo. Ahora lo que voy a hacer es ver si, bueno, déjame terminar esto primero. Yo puedo atar esto. F ahí. Ahí no hay nada. Ahí no hay nada. Pero pueden escribir eso. Ahí no tenemos nada. Ahí no hay nada. Nada ahí y eso, nada ahí. Eso, y nada en nuestra base hasta esos dos últimos acordes. ¿ De acuerdo? Entonces ahora lo que voy a hacer, sobre todo en esta parte donde nada es realmente empatar es voy a atar las cosas de todos modos. Entonces esto es lo que voy a hacer. Voy a cambiar algunas notas por aquí como esta d, dejemos que esto d no llegue ahí. Bueno, eso es, uh, ese no es un gran ejemplo y te explicaré por qué en un segundo. Esto funciona mejor que las voces superiores. Esto sería justo aquí. Está bien, compruébalo. Esta abeja va a bajar a esta a, ¿verdad? Pero lo que vamos a hacer es que vamos a dejar que eso esté colgando un poco más. Esto va a ser un poco complicado de hacer con múltiples voces, pero vamos f, a, y hagámoslo como medias notas. F. De acuerdo, ahora voy a tomar esta G, o hay una, muévala a una B. Así que si recuerdas un contrapunto, esto es básicamente nuestro esto es una suspensión. Suspensión. Lo contrario sería la anticipación es donde cambiamos la nota temprano. Pero una suspensión de esta manera, Es esencialmente significa unas cuantas cosas diferentes. Pero la suspensión de esta manera significa que vamos a suspender la nota un poco más y luego dejarla caer en el nuevo acorde. Ahora con esta otra nota, podría dejarlo aterrizar ahí mismo. O podría tener ese palo por ahí. Creo que voy a dejar que ese solo haga lo que está haciendo. ¿ De acuerdo? Entonces esa F va a golpear justo donde se supone que debe golpear, pero luego se va a resolver hacia afuera. Vamos a ver si podemos escuchar esto. De verdad enfatizan el segundo violín. Trata de escuchar esta suspensión aquí. Sientes que solo usa apóyate en él. De acuerdo. Entonces lo voy a probar. Llena el resto de estas cinco o seis medidas con un montón de ésas. Y enseguida vuelvo. 34. Suspensiones: De acuerdo. Por lo que no encontré mucho más buenos spots para usar una suspensión. En realidad sólo uno. Las suspensiones funcionan muy bien cuando tienes movimiento por todo un paso, ese es mi momento favorito para usarlas. El medio paso también puede funcionar, pero un intervalo más grande no funciona tan bien. Ese sonido de suspensión que tanto nos gusta realidad es el resultado de una disonancia de medio paso o de todo un paso. Ese es el dinero, eso es lo perfecto para hacer. Entonces encontré uno justo aquí era uno bueno. Entonces tenemos esta F. Estamos resolviendo abajo a una E, F afilada que estamos resolviendo abajo a una E. Así que ese fue un buen lugar. Yo también podría hacerlo aquí, volviendo atrás, pero hacerlo hacia adelante y hacia atrás atrás no funciona tan bien. Estas otras, no tan grandes. Como si lo hiciera aquí, tengo una e y luego una b Así que si acabo de sostener esta E por demasiado tiempo, esa E se va a sentir más como un tono de acorde al siguiente acorde, entonces se va a sentir como una suspensión. Es un poco raro de esa manera. Entonces escuchemos este y veamos si podemos llamar nuestra atención sobre él. Voy a impulsar un poco la viola para que realmente podamos escuchar eso. De acuerdo, aquí vamos. Entonces sí, es un sonido agradable. Todas estas pequeñas cosas sutiles, sin embargo, puedes difuminar las líneas. Entonces no es solo acorde, acorde, acorde, sino que tienes notas cambiando en diferentes momentos. Así es como realmente se obtiene este sonido polifónico. ¿De acuerdo? Es agregar tonos que no sean acordes. Está creando estas suspensiones. Escuchemos todo este último bit. Con estas dos suspensiones en ella. Escuchemos este último pedacito silenciando la melodía. Intentemos lo mismo que intentamos la última vez. ¿ Podría esto funcionar como cosa propia? Vamos a averiguarlo. Sí, en realidad creo que podría si buscas como un lecho de cuerdas, esto suena genial. 35. El monty completo: Una última cosa que vale la pena señalar es que hemos, lo largo de toda la duración de esta pequeña melodía. Lo hemos orquestado ahora, de tres maneras diferentes. Tenemos la manera sencilla de las tríadas. Tenemos el más lleno. Prueba, gana más completa forma de acompañamiento cordal. Aquí. Aquí tenemos movimiento polifónico, y aquí tenemos suspensiones. Entonces cuatro maneras diferentes. Lo que eso hace en realidad es mostrarnos un desarrollo de esta melodía que es bastante agradable. Siempre que tengas una melodía, no tienes que orquestarla la misma manera en todo momento. En ocasiones desarrollar los voicings a medida que llevan a través de la melodía puede darle un bonito arco, ¿verdad? Una bonita sensación de construcción. Por lo que quiero escuchar esta formalidad como pieza. No pretendía en esto ser una melodía totalmente orquestada. Yo solo lo estaba mirando en trozos, pero solo lo estaba mirando y pensando, Hey, en realidad hicimos esto de una manera que funciona muy bien. Empieza muy delgado. Se pone realmente espesa. Es un bonito arco a toda la melodía. Entonces sólo vamos a llevarnos a ello. Teniendo en cuenta que aquí mismo hay un cambio de tempo monstruoso . ¿ Deberíamos deshacernos de eso, o deberíamos, qué tal esto? Voy a deshacerme de ese cambio de temperatura. Voy a poner un cambio de tempo menos dramático al principio. Entonces vámonos, ¿ esos 50 fueron algo? Vamos como 8584. De acuerdo, entonces ahora todo será el mismo tempo si obedece a mis marcas de tempo, lo cual no siempre lo hace. Pero será un poco más lento al principio, un poco más rápido para el resto. Aquí vamos. Grupos y yo todavía tenemos la melodía silenciada. De acuerdo, aquí estamos para el bien de verdad. Me olvidé de estas dos, de estas pocas barras. Ben. 36. Escritura monofónica: De acuerdo, Hablemos a continuación de la escritura monofónica. Y no se permite hablar de aquí, sino en interés de ser una terminación, como deberíamos hablar de la escritura monofónica. Ciertamente podemos hacerlo en nuestra orquestación y las cuerdas son tan buenas en ello como cualquier otra cosa. Monofónico aquí significa una cosa. Una música, literalmente mono, una música fónica, o sonido, un sonido. Entonces una forma de usar una textura que es monofónica sería tener la melodía tan baja por sí misma. Por lo que agregué la melodía aquí otra vez al final del arreglo donde lo dejamos. Entonces es sólo empezar de nuevo aquí. Entonces esto por sí mismo, claro, eso es monofónico. Y suena tonto señalar eso, pero vale la pena pensarlo. Si estás trabajando en algo y estás tratando de construir un arca con él, como hablamos hace apenas un segundo. Considera bajarlo a sólo la melodía. Es algo realmente poderoso que puedes hacer. Hay un poco más que podemos hacer con monofónico. Podríamos sumar octavas. Entonces vamos a ver. Agreguemos, en realidad no se puede bajar ni una octava aquí. Entonces dejemos eso ahí y luego tomemos nuestros primeros violines y subamos una octava. Entonces ahora seguimos siendo monofónicos. Tenemos dos instrumentos, pero están tocando la misma música, un sonido, ¿no? Para que pudiéramos hacer esto todo el camino hacia abajo. Podríamos tener octavas yendo por todo el lugar. Vamos. Hay una octava. Hay una octava, y hay un octeto. Recuerden que éste ya es una octava abajo. Entonces ahora tenemos cinco octavas de la melodía. Eso podría ser un poco cool, vamos a escucharlo. Entonces en este caso todos estamos en primer plano realmente no hay término medio ni fondo porque solo tenemos una cosa pasando. Pero doblando de esta manera, igual que ya hemos hablado de esto antes. Al igual que al inicio de esta serie de clases de orquestación, hablamos de duplicarla octavas. Y hay una buena razón para hacerlo, ¿no? Puede esto, esta es una manera realmente poderosa sacar realmente la declaración de esta melodía. Si quieres decir, quiero que escuches esta melodía a toda costa, entonces esta es una buena manera de hacerlo. Asegúrate de que realmente lo superes. Por lo que la escritura monofónica es genial. No te olvides de eso. En realidad es solo enfocarse en una sola línea. Si agregamos una armonía, si tomamos una de estas y las cambiamos para que sean una armonía, en realidad ya no estamos escribiendo música homofónica técnicamente. Pero estamos escribiendo lo que quiero hablar a continuación. Entonces digamos que me acabo de mudar. Tomo mis segundos violines y los subo un tercio. De acuerdo, Así que ahora los segundos violines se mueven, son una armonía. Sólo escuchemos eso. Vale, veo que es sutil porque ustedes aquí por familias de instrumentos haciendo lo mismo. Un pequeño segundo familia de violines, chirriando fuera de armonía, pero esto es diferente. Esto no es monofónico. Esto podríamos llamar mono rítmico. Y si te acuerdas, si tomaste aquí mis clases de puntuación cinematográfica, tal vez recuerdes hablar de esta idea mono rítmica, pero puede ser una textura realmente genial de hacer. Funciona muy bien en las cuerdas, funciona bastante bien y todo lo demás. Pero me gusta hacerlo en las cuerdas. Puede ser un sonido agradable. Entonces vayamos a un nuevo video y hablemos de eso específicamente. 37. Escritura "Monorhythmic": De acuerdo, mono rítmico. La idea aquí es que tengamos un ritmo. Podríamos tener un montón de nodos diferentes, pero sólo un ritmo. Esta es esencialmente una forma elegante de decir, voy a tomar esta melodía y voy a armonizar cada nota, pero voy a mantenerla en movimiento al mismo ritmo exacto. Entonces vas a tener básicamente acordes de bloque para cada nota. Entonces va a ser denso y vas a necesitar hacer algo para ayudar a que salga la melodía principal. Pero puede ser una textura fresca. Entonces la forma en que lo haría aquí es que puede ser bastante tedioso porque tenemos que pensar en muchas armonías. Entonces yo sólo voy a saltar aquí mismo y hacerlo. Agreguemos una línea de doble compás es separar lo que estamos haciendo. Y vamos a ir a este G. Así que normalmente nuestro acorde aquí es, ver dónde estamos en esta cosa? Esto tendrá más sentido. Ahí vamos. De acuerdo, así que estamos, acuerdo, así que normalmente querríamos un acorde E menor aquí. Así es como lo hemos ido armonizando. Cuando lleguemos a esto a, es posible que quieras algo diferente. Entonces hagámoslo realmente rápido. la forma más rápida que pude hacerlo. En realidad. Nosotros sí agarramos esto. Entonces usaré ese mismo voicing porque sabemos que eso nos gusta. De acuerdo, así que ahora aquí está nuestro acorde Mi menor. Pero ahora tengo que pensar, ¿qué voy a hacer con esto? A, a no está en el acorde E menor. Y necesito cambiar este ritmo. Si de verdad quiero que esto sea rítmico mano, necesito agregar una nota de cuarto. Aquí vamos. De acuerdo, entonces me voy a quitar esa corbata de ahí que quería que hiciera. Oh, ya veo lo que está haciendo. Ahí vamos. De acuerdo, ahora, pensemos qué acorde podría ir ahí? Podría volver a hacer un acorde E menor, simplemente volver a colocar el mismo acorde E menor, pero es, tendrá un a en la parte superior como tono no acorde. Esopodría funcionar. Pero la forma en que realmente me gusta hacer esto es en realidad totalmente armonizado todo. Por lo que mis opciones aquí en clave de E menor. Podría hacer una menor, podría hacer F sharp disminuida, que solo funcionará realmente si voy a un acorde de G a continuación, que en realidad voy a hacer, hemos estado armonizando esta barra con una G. Hagamos eso . Eso sonará un poco Arad. De acuerdo, entonces vamos a ir a F sharp. A, C es lo que necesito. Entonces solo tomemos estos dos, dos a y C. Y luego bajemos al fondo. Un poco más fácil deletrear esto de abajo hacia arriba para mí. Aquí vamos a ir F afilado, F afilado, y luego apegarnos a este patrón. Haremos otra F sharp aquí. F afilado. Y entonces tenemos un ANC allá arriba. Por lo que tenemos cubiertas todas nuestras notas. Vamos a ver qué va a ser más fácil aquí. Tenemos a, B, y E. Tomemos esto. Necesito otra F sharp. Podríamos hacerlo. Tomemos, sí, hagámoslo. Tomemosesta e. Prueba eso. De acuerdo. Ahora vamos a ir a nuestro acorde de G. Entonces voy a volver y robarlo de por aquí. Aquí está nuestro acorde de G. Bonitoacorde de G que suena. De acuerdo, ahora necesito cambiar el ritmo de esto y armonizar estos dos nodos. Pero antes de hacer eso, escuchemos lo que tenemos. Y asegurémonos de que esta línea sea alfa k Así que esta F afilada, recuerden, ese es nuestro tono principal. Realmente necesita empujar a G, Así que eso va a ir a G y eso funciona. De acuerdo, aquí tenemos un gran salto. Fácil de arreglar sin embargo. Vamos a tomar eso ahí arriba. Y esos funcionan bastante bien. De acuerdo. Entonces mira a ese líder de voz. Eso en realidad es bastante bonito. Vamos a escucharlo. Déjame darte un poquito y retrocedamos un poquito. Y luego a la derecha, Se puede escuchar. Déjame hacer un poco más para que podamos tener una mejor idea de ello. Haré los próximos dos o tres compases. Entonces regresaré y escucharemos una sección más grande de ella. Entonces el siguiente video, escucharemos un poco más. 38. Ejemplo de escritura Monorhythmic: De acuerdo, así que agregué un poco más aquí. Veamos lo que he hecho aquí. Acercar un poco aquí. ¿ De acuerdo? Entonces vimos estos, así que aquí tenemos dos G. La melodía subió. Así que agregué un acorde de C y luego volví a un G. Así que realmente traté eso como un tono pasajero GCG aquí abajo. Ah, y etiqueté mis acordes a, este fue uno interesante. Así va, la melodía va un F-sharp. Hemos estado armonizando toda esta medida como d Y puedo seguir haciendo eso aquí. Entonces le puse una D a esto, al downbeat, pero luego en el beat tres, acabo de replantear la D porque D está en ambos estos acordes, así que aún encaja con la textura. Para hacerlo de esa manera. Simplemente lo reescribes un poco y lo vuelves a tocar. Eso está bien. Podría haberlo hecho por tercera vez aquí porque esto está en ese núcleo dos. Pero no lo hice, porque hasta ahora hemos estado armonizando esta barra como si menor. Entonces no estarás, perdón, d, e, f. así que decidí usar B menor en el downbeat, E menor aquí, y luego F sharp aquí, vuelvo a la B menor en este afilado F, ya que está en el b acordemenor también. Todos estos podría haber armonizado un montón de maneras diferentes. Esta F sharp, podría haber armonizado como F-sharp disminuido de nuevo, aunque eso sería complicado porque realmente quiero, si vas a usar un acorde disminuido, realmente quieres que sea un líder acorde de tono. Entonces tendría que armonizar esto como un acorde de G, lo cual podría haber hecho porque este d está en un acorde de G, habría funcionado. No obstante, sería un poco discortante porque hasta ahora hemos estado armonizando esto como si fuera menor. Y lo cambiaría un poco, pero podría sonar bien. Así que armonice las cosas como quieras. Ese no es el punto aquí. El punto aquí es esta cosa mono rítmica. De acuerdo, tomemos una escucha lo que tenemos aquí. ¿ Verdad? Entonces es, es grande, es un gran, voluminoso casi, casi tipo de sonido de Juego de Tronos. No sé por qué estoy pensando en Game of Thrones por alguna razón. Pero es un gran sonido voluminoso. Pero puede ser genial en el contexto adecuado. 39. Las cuerdas son versátiles: Estamos a punto de terminar. Esta unidad es sección de la clase grande, esta pequeña clase dentro de la ilustración grande. Pero hay un par de simplemente tipo de grandes ideas con las que quiero liderar. Cosas con las que puedes tipo de lidiar mientras escribes para las cuerdas. El primero es tener en cuenta que la sección de cuerda es extremadamente versátil. Sé que si eres nuevo en la orquestación, podrías pensar, vale, voy a darle una melodía a las cuerdas cuando quiera que sea exuberante y romántica. Pero se puede hacer tanto con las cuerdas. Pueden hacer oscuro y espeluznante, exuberante y romántico, y todo lo que hay en medio. Así que recuerda que las cuerdas son salvajemente versátiles. No quiero decir el más versátil de todos los instrumentos. Porque si bien creo que eso es cierto, me va a gritar alguien que está viendo esto y dice: Bueno, toco el trombón y los tambores, el más instrumento, el instrumento es el más impresionante. Pero creo que como sección, creo que la cuerda o la más versátil. Entonces piensa en lo que pueden hacer con Dynamics. Pueden hacer de todo, desde silencio extremadamente rápido hasta realmente bastante ruidoso. Si tienes a todos tocando la bocinazo tan fuerte como pueden. Doble forte, triple forte. Pueden ser una verdadera fuerza. Diverso en cuanto a estilo. Puedes tener las cuerdas, ¿simplemente una melodía simple hasta el final para mirar un sonido más inspirado en el jazz. Podrás encontrar cuerdas en música clásica, música pop, hip hop, jazz, bebop. Todo tiene un conjunto de cuerdas, puede tener un segundo de cuerda en él. Piensa en la versatilidad en cuanto a textura, lo que pueden hacer con la textura. Se puede tener un sonido muy fino, sonido muy grueso, y todo lo intermedio. Pueden ser densos. Pueden ser suaves. Pueden ser ese tipo de cama textural. La cama, porque R es una idea interesante. Esto es algo que veremos incluso un poco más en la siguiente clase de la serie. Pero lo que quiero decir con la cama es que muchas veces cuando la gente escribe para orquesta, lo que piensan es escribir cuerdas principalmente y luego usar todos los demás instrumentos para complementar lo que están haciendo las cuerdas. Esa no es una técnica horrible. Te estás perdiendo muchas cosas que los otros instrumentos pueden hacer, pero puede ser un buen lugar para empezar, supongo. Pero pensamos en las cuerdas como el tipo de cosas que mantienen todo unido. Lo más importante en la orquesta. No iría tan lejos como para decir que eso es preciso, pero ciertamente sí se siente así la mayor parte del tiempo. Por eso escribir para un ensamble, como un conjunto de viento. Tan duro, al menos para gente como yo. Es tan difícil porque no tengo ninguna cuerda y las cuerdas son en lo que confío. Necesito que las bebidas sean el pegamento. Entonces cuando tengo que escribir para una banda de concierto o un ensamble de viento, es aterrador. Entonces no hubo columpios. Cuerdas. Tengo saxofones, lo cual ayuda, y soy cuerdas. Así que piensa solo en la extrema versatilidad de tu sección de cuerdas. Pueden hacer cualquier cosa. Las cuerdas son realmente fantásticas. Por eso realmente tenemos a tantos de ellos en la orquesta. La orquesta evolucionó durante siglos para ser este ensamble realmente perfecto. Y la razón por la que la fuerza de ello es porque las cuerdas son tan jodidamente buenas haciendo lo que hacen. ¿De acuerdo? He ido a otro tipo de gran punto que quiero hacer. 40. No tienes que usar todas las cadenas todo el tiempo: Un consejo sobre las cuerdas a tener en cuenta. Algo así hablamos de esto a lo largo de la clase, pero quiero hacerlo realmente explícito. No tienes que usar todas las cuerdas todo el tiempo. ¿ De acuerdo? Anota eso en alguna parte y guárdalo como algo en lo que siempre estás pensando mientras estás usando. Entonces esto es lo que quiero decir con eso. En primer lugar, no tienes que usar ninguna cuerda. Puedes tener una sección de tu pieza en la que las cuerdas sean un descanso. Eso está bien. A pesar de que acabo de decir hacer eso, no tener cuerdas puede ser algo aterrador y puede, pero aterrador puede ser bueno. Entonces si tienes una sección donde me gusta, no sé qué hacer con cuerdas aquí. No tengas miedo de dejar que las cuerdas simplemente descansen. Eso está bien. Puede ser bastante bienvenido texturalmente. También puedes dividir las cuerdas, como hemos visto en un par de proyectos diferentes aquí. Porque aquí, puedes tomar tu primer violín y dividirlo en dos partes. Entonces tienes tu primer violín ahora está dividido, lo que significa que pueden tocar dos notas, pero tienes la mitad de las fuerzas en cada nota, ¿no? Simplemente va a ser un poco más tranquilo. Probablemente. Eso lo puedo hacer con todas las secciones. En realidad no solemos dividir los dobles bajos, pero sí puedes, si quieres. Eso es dividirlos en dos. Puedes dividirlos en tres no es, no es recomendable como hablamos en la clase, pero puedes dividirlos en cuatro patas. Yo no lo haría más que eso, pero eso puede diluir la sección. Si quieres un sonido más silencioso, más delgado, entonces divide tu sección en dos y media, la mitad las secciones de latón, ¿verdad? Eso te va a adelgazar las cuerdas a la mitad. Puede ser una buena textura. También puedes tener un pop out solista en cualquier momento en las cuerdas. Puede ser una cosa hermosa que suena. Podrías tener una melodía subiendo en la pieza donde no quieres que sean esas cuerdas gruesas y quieres que sea solo esta hermosa cosita altísima que salga. Dale eso a un plan de estudios, solo escribe solo en él, y luego todos los demás descansarán. Y sólo jugará el primer jugador. Esa línea. Puede ser algo hermoso ahora se está poniendo un poco más tranquilo. Entonces hay que orquestar en torno a eso. Tienes que hacer espacio para ello. Pero tener un solo que salga puede ser precioso. En esa misma nota, se puede hacer salir un cuarteto solista. Se puede tener una sección donde sólo el, se baja a un solo violín, un solo segundo mielina, una sola viola y un solo violonchelo. Entonces básicamente un cuarteto de cuerda apenas sale como cuatro solistas. Esto es bastante común. Vemos esto mucho donde un cuarteto de cuerdas sale un poco como una corteza solista. Se puede hacer cualquier otra variación que se te ocurra, ¿verdad? Para que puedas dividir, rebanar y trocear las cuerdas como quieras. No tienes que usarlos todos todo el tiempo. 41. Las cuerdas pueden ranurar: La tercera y última pieza de sólo una especie de gran consejo. No sé, cuadro grande cosas para pensar en lo que las cuerdas, algo de lo que nunca escucharás hablar a nadie más. Esto ha sido lo mío que me encanta de trabajar con cuerdas. Lo que he encontrado con ellos que hago y todo lo que escribo. Y evité hablar realmente de cualquiera de mi propia música en esta clase hasta ahora excepto que tal vez lo hice justo al principio, pero quiero tocarte. Parte de mi música tiene ejemplos de esto siguiente, pero aquí está el consejo. No olvides que las cuerdas pueden surcar. ¿ De acuerdo? Las cuerdas pueden acanalarse. No se piensa en ello. ¿Crees, crees que hay como 50 personas? Hay como 50 personas en la sección de cuerdas. ¿ Cómo pudieron haber hecho un groove? Pueden. Es más fácil cuando se vuelve a escalar a ese tipo de cuarteto o a una textura más delgada. Pero todo el cuarteto de cuerda o una sección de cuerda puede hacer eso. Entonces lo que quiero decir con un groove es que puedes escribir bastante complejo con una sección de cadena. Estos son realmente buenos jugadores. Entonces si escribes como ritmos entrelazados, ritmos donde las cosas tienen que caer juntas muy apretadamente. Y para hacer este patrón casi como un patrón de batería donde tienes los primeros violines haciendo el, el tambor de la snare y heteroátomos y la otra violencia haciendo esto símbolos similares y la mitad de las veces. Y ese es el surco de percusión, ¿no? Sólo como ejemplo, esto es una especie de, uh, antes de que pudieras escribir eso. Y con un poco, con un buen conductor, se encerrará, ¿verdad? Debido a que estos son realmente buenos jugadores, lo van a resolver. Entonces quiero mostrarles un par de ejemplos de donde he hecho esto, donde realmente confié en las cuerdas para surco, para juntarse y hacer un groove. Me encanta hacer esto con las cuerdas. Cada vez que me siento a escribir para cuerdas, estoy como, ¿Cómo puedo hacerlas groove? Porque es un sonido tan cool y son buenos en ello y la gente no lo piensa. La gente no piensa en cuerdas, como en ranurar. Entonces déjame mostrarte dos proyectos son míos y donde yo donde hice esto. Vamos. 42. Ejemplos de ranuras: De acuerdo, esta es una pieza mía más antigua, mi tercer cuarteto de cuerda. Y específicamente quiero mirar el segundo movimiento, que está aquí. ¿ De acuerdo? Entonces este movimiento comienza con esta cosa turbia realmente oscura. Entonces esto es sólo un cuarteto de cuerda, ok, Así que esto funcionaría, esta cosa que estoy a punto de mostrarte en particular funcionaría en una orquesta completa. Pero este es un rango para el tipo Justicia Rehnquist. Entonces tenemos esto, este es un jugador en solitario haciendo, haciendo este riff. Entonces no es DVC ni nada. Pero empieza un poco en lo oscuro y turbio. Y luego este pequeño solo de viola, simplemente bonito. Y entonces aquí empezamos a conseguir estos, estos ritmos son ritmos tipo. Y empieza a formarse en un surco por aquí. Y entonces es una especie de establece su groove en esta sección de m a o es donde es realmente tipo de meterse en groove. Entonces creo que lo que voy a hacer es ir a un nuevo video. Simplemente tocaré todo el asunto, pero presta especial atención a esta materia groove que establece alrededor de o marcas de letras. De acuerdo, aquí vamos. 43. Ejemplo: yo: cuarteto de cadena No.3: De acuerdo. De acuerdo, aquí vamos. 44. Ejemplo: yo: historia del hielo: Sí, entonces ese fue el Cuarteto de Cuerdas Número tres. Obtengo un ejemplo más de esto, mío mucho más reciente. Se trata de otro cuarteto de cuerda llamado La historia del hielo. Y el primer movimiento, hay mucho de esto, hay un montón de diferentes tipos de creación de grupos de ida y vuelta. De hecho, se veía bastantes, bastantes momentos para pensarlo. Pero déjame jugar para ti el primer movimiento y verás lo que piensas. 45. ¿Qué viene después?: De acuerdo, eso nos lleva al final de la cuarta parte. Próximamente. En parte. Vamos a hacer un poco más en conjuntos. Vamos a hablar de los conjuntos no orquestales, como bandas, la banda de concierto, jazz, conjuntos de jazz, posiblemente conjuntos de metal. Cuando las bandas. La orquesta de cuerda, que es un poco diferente. Entonces una orquesta que sólo son cuerdas, sin cosas extra. Vamos a ver un poco algunos de estos grandes conjuntos y cómo nos acercamos a escribir para ellos o a organizar u orquestar para ellos. Después de eso, vamos a sumergirnos completamente en la duración de la sintasa. Sé que lo que todos ustedes han estado esperando que les recuerde es el material más técnico de la computadora de cómo hacer que las muestras de orquesta, vientos y cosas de cómo hacer que las muestras de orquesta, de metal suenen realistas. Por lo que nos sumergimos en eso cuando lleguemos allí. Mientras tanto, quédate un par de cosas más.