Transcripciones
1. Directorio: Dirigiendo comerciales, inmersión profunda en la industria comercial alta. En este curso, quiero guiarte un poco por los diferentes caminos de
convertirte director y cómo básicamente funciona toda la industria comercial. Estos son los temas que cubrirá este curso.
2. Introducción a la industria comercial: Todos los vemos por todas partes. Vienen en todos los tamaños y formas, formatos, y tipos, comerciales o firmas publicitarias. Pero, ¿quién los hace? En este curso, me centraré en el director y en la industria cinematográfica comercial. ¿ Cómo cobra vida un comercial? ¿ Y cuál es el papel del director en cómo convertirse en uno? Este curso te dará una guía detallada para que obtengas una visión panorámica más completa de la industria y empieces a entender cómo tener éxito en ella. Además, te proporcionaré consejos materiales y prácticos los cuales podrás aplicar en tus tratamientos y lanzamientos. Antes de entrar en detalle, me gustaría explicar brevemente el entorno publicitario y cómo funciona usando un ejemplo, el ejemplo de cómo cobra vida un comercial. Algunas de estas cosas pueden variar de un lugar a otro. Y una muy general, sólo para que estemos en la misma página y todos entiendan de lo que estamos hablando. En primer lugar, hay un cliente. Tu cliente necesita un comercial la mayor parte del tiempo como parte de toda una campaña. Pero ahora sólo estamos hablando de la película comercial. Para que los clientes puedan hacer dos cosas. O bien buscar directamente a alguien que lo produzca, lo que sería una relación directa con el cliente. A la empresa que produce el spot se le llama compañía
productora de películas o simplemente productora. Ahora, el cliente puede proporcionar una idea, un tratamiento, o incluso un guión final, o incluso ninguno de ellos, y dejar toda la creación del concepto a la productora. No voy a entrar en detalle sobre el proceso de creación de conceptos, pero básicamente, debe
haber un equipo que decida cuáles son
las metas y objetivos de marketing de la empresa y cómo
lograrlos con base en esa campaña y contenido del que forma parte el anuncio comercial. Este equipo puede ser un equipo de marketing interno o una agencia de anuncios. De todos modos, y la relación directa con el cliente, después de que se les ocurra un concepto, esperemos que
la idea sea aprobada por todas las partes. Se acuerdan presupuestos su director y equipo como sugeridos por la productora. Y si también se aprueban, entonces todo el proceso de producción inicia de la otra manera para que comercial cobre vida como a través de una agencia publicitaria. En este caso, el cliente, su mayoría empresas más grandes ordena una campaña y un comercial. El organismo desarrolla el guión basado en metas de marketing e instrucciones adicionales, que después de muchas, muchas, muchas reducciones, finalmente se aprueba. Es importante estar al tanto de cuánto tiempo y cansador de un proceso esto puede ser. Pero volveré a esto más tarde. Ahora bien, si la agencia de anuncios no tiene ni utiliza una empresa de producción interna, la agencia se pondrá en contacto tres a cinco empresas productoras que están en su lista de proveedores y les enviará el guión, concepto o idea con todos la información relativa a la campaña y spot. Ahora, la productora y persona del productor le cuesta al director, cree que es el más adecuado para el trabajo y percibir la información. Las productoras cuentan con una lista de directores y la mayoría de los casos, cada uno con un estilo y especialización diferentes. A partir de esa información, el director crea el tratamiento de los directores, una presentación en la que se explica el
acercamiento de los directores al proyecto y como visión creativa del mismo. Como mencioné antes, son
varias las productoras que reciben el breve. Esto significa que cada productora
estará representada por el director de su elección. Y éstos compiten con su trato y el presupuesto que hace el productor, sólo uno de los directores y así una productora ganará la oferta y llega a dirigir el comercial después de que se tome esa decisión. Inicia la preproducción, luego la producción y finalmente la postproducción. Como mencioné hace un momento, algunas agencias tienen su empresa de producción interna. Por lo que ellos mismos producen comerciales a sus clientes. Pero básicamente, así es como funciona. Recapitulemos. Agencia representa al cliente, generalmente proporcionando el guión. El productor compite contra otras productoras para llegar a disparar el comercial con el cliente y la agencia. El director escribe un tratamiento para la visión creativa y compite contra otros directores que todos representan a la productora para la que trabajan. Ahora que entendemos cómo se conectan estos jugadores y qué papel juegan, Vamos a dar un paso atrás y hablar del director. ¿ De dónde viene? ¿ Cómo te conviertes en uno? Y cuál es el trabajo del director de todos modos.
3. Quién o qué es el diector: El director es la persona iniciada que está a cargo de la dirección creativa e implementación. Pero su trabajo comienza mucho antes del día de rodaje. Ya mencioné el proceso de licitación y el tratamiento. El tratamiento, que discutiremos a detalle más adelante como el primer paso hacia la idea final de investigación comercial, desarrollando, diseñando la presentación, lanzándola, y luego ojalá cuando ahora comience fase de preproducción y todos los detalles se discuten y se decidan que todo se pueda organizar para el día de rodaje. Esto incluye vestuario, estilismo, ubicaciones, actuación, equipo, equipo, y muchas otras cosas que director propone sus elecciones e ideas de acuerdo a su visión. Y si al cliente le gusta y está dentro del presupuesto, se decide y generalmente no cambiará después. Ahora el equipo productor comenzará a organizar todos los artículos como ubicación,
equipo, utilería, etcétera. día de rodaje, el directo y todo el equipo ejecutan lo que se ha planeado de antemano. Pequeñas cosas podrían cambiar, pero raramente cambian los aspectos básicos. día del rodaje, el director supervisa la producción y se asegura de
ejecutar según lo previsto y de encontrar soluciones inmediatas para todo lo que va no planeado. día del rodaje, el trabajo principal de los directores es supervisar y asegurar su visión y la del cliente y ser un creador de soluciones cuando sea necesario. Entonces no es tanto preocuparse por lo que se tiene
que decir inicio, qué palabras usar y demás. Cuando
empecé, solía preguntar a otros directores, y ¿cómo diriges tú? ¿ Qué le dices a la, a los actores? Y la respuesta siempre fue algo así como, bueno, cada director tiene su propia forma de hacerlo, lo cual es correcto. Pero creo que realmente no responde lo que realmente necesita saber la persona que pregunta. Y la respuesta es, solo prepárate tanto como puedas. Asegúrate de pensar a través de cada disparo y segundo de un spot, asegúrate de anotar de ida y vuelta y luego comenzar, solo usa las palabras, gestos o lo que necesites para comunicar esta idea. Eso es, Eso es dirigir, desarrollar el rodaje de antemano y dejar claro a todos que se inicien. Simplemente ajustas si es necesario y comunicas lo que necesitas para comunicarte de la manera que mejor
puedes hacer para que todos estén en la misma página después del día de rodaje, comienza la posproducción. Post-producción significa la edición de todos los activos como imagen, sonidos, movimiento, gráficos, etc. Dependiendo del proyecto y tal vez incluso colocar o estás involucrado en la posproducción o no. Algunos directores incluso prefieren cortar su propio material. Ahora sabemos qué es y qué hace el director, pero ¿cómo te conviertes en director?
4. Cómo te conviertes en un director: Afortunadamente, hay muchos caminos diferentes para convertirse en director en lugar de una forma exclusiva. En realidad no hay un plan general para que alguien se meta a dirigir en absoluto, sólo formas más o menos tradicionales. Y esto es muy importante entenderlo como director. Creo que como personas creativas, tendemos a compararnos con los demás. Y esto puede volverse frustrante. Si no entiendes que cada persona en la industria creativa tiene su propio camino y ritmo propio y estilo propio. Ninguna carrera es la misma. ¿ Por qué digo esto en estiramiento esto tanto? Porque si estás constantemente comparándote con los demás, te hará sentir mal porque siempre hay gente no hizo trabajos más grandes con mejor creatividad, con más presupuesto y demás. Te preguntas cómo llegaron ahí y pregunta por ahí y averigua que no es lo que esperabas en absoluto. O incluso podrías pensar, vale, Así es como tengo que hacerlo. Entonces haces exactamente lo mismo y no pasa nada. ¿ Por qué? Porque no hay ningún plano y lo que funciona para ti podría no funcionar para otra persona. Y otro problema es que tratarás de imitar y así no desarrollar tu propio estilo y voz y forma de hacer tus propias cosas. Director comercial no es una profesión protegida, lo que significa que literalmente no se puede tener educación formal y aún así convertirse en director. Esa es la teoría y el mundo real. Significa que absolutamente necesitas educarte, pero puedes elegir cómo y en qué quieres educarte. Esto puede significar que puedes inscribirte en una escuela de cine o universidad con clases no relacionadas. Se puede aprender gran parte del oficio y el conocimiento sobre el cine en Internet. Se puede iniciar como aprendiz en una productora, agencia o renta de películas o con absolutamente ningún antecedente previo. Se pueden combinar estas cosas. Podrías haber aprendido una habilidad especial que no tiene nada que ver con el cine y aún así la transición al cine. Eso nos lleva al siguiente punto, escuela de
cine o no.
5. ¿Escuela de cine o no?: Yo, yo mismo fui a la universidad con el campus de medios. Hay gente que dice que la escuela de cine es la mejor manera. Otros, digamos que no es la mejor manera en absoluto. Creo que cada camino tiene sus beneficios y desventajas. Si me preguntas, diría que la escuela de cine es genial para conectar con personas de ideas afines, para experimentar, ya que es un lugar seguro y fallar no es un problema, obtiene acceso a equipos y estudios sin costo alguno. Al menos eso fue así en mi escuela. Y por supuesto, se aprende practicando. Desventajas fuera de la escuela de cine no es el ritmo del mundo real, ritmo, y el profesionalismo no están en el mismo nivel. Es posible que aprendas gran parte de la artesanía, pero no es fácil estar preparado para el verdadero negocio. Además, es absolutamente posible asistir a la escuela de cine y graduarse sin haber aprendido nada de cine en absoluto. Y eso es porque la escuela de cine te hace una oferta, pero sí decides lo que tomas o te vas. Y muchas cosas importantes podrían no ser enseñadas y escuela de cine. Entonces sucede que muchos estudiantes salen de la escuela de cine, creen que son los próximos Ferentino, Michael Bay o Dave Meyers. Y aún no lo son porque no tienen idea de cómo funcionan las cosas. Y también les falta mucha experiencia lo cual es crucial y el negocio telefónico, por
supuesto, esta experiencia sólo se puede ganar trabajando en ese campo. Entonces, en cualquier caso, te
recomiendo que empieces a trabajar temprano en una productora o renta solo para que aprendas el oficio, equipo, el establecimiento de reglas, y al mismo tiempo, se llega a observar cómo trabajan los grandotes. No hice eso durante mis años estudiantiles, y lo lamento profundamente ya que tuve que recuperar eso después, creí que me graduaría. En caso de unos spots de especificaciones, llamarme director y los trabajos acabarían de entrar. Me equivoqué mucho. Seguro. Hay casos en los que una sola firma inició una enorme carrera, pero no siempre es así. Por lo que los animo a dar la larga caminata, comenzar por abajo, asistiendo en la producción, por ejemplo, y aprender haciendo. Te encantará trabajar en ese entorno y ganar experiencia y tiempo pasará volando y estarás en un nivel completamente nuevo para iniciar tu carrera como director o cualquier otra fila en el set. Aquí te presentamos algunos pros y contras sobre ir a la escuela de cine donde
aprendes tanto a estudiar como a hacer espumas. Los pros. Se llega a experimentar a medida que se expone a diferentes enfoques de pensar, observar y crear. Se aprende a analizar y estudiar otras firmas y sacar conclusiones de ello. Se te enseñan las habilidades y artesanías y llegar a ejercerlo, lo que te dará experiencia. Puedes elegir entre diferentes escuelas con diferentes enfoques donde o bien eliges una determinada pista y comercio y aprenderla perfectamente y especializarte en ella. O llegas a experimentar y hacer un poco de todo. Por lo que tienes una comprensión holística más antihéroe del cine. Tienes tiempo para enfocarte en lo que quieres hacer. Se encuentra en un entorno estructurado donde se llega a tratar de aprender haciendo. Estás acompañado por profesionales que te guían y corrigen te pueden dar retroalimentación. En la escuela de cine, haces grandes conexiones que podrían vincularte personas que trabajarán contigo incluso por el resto de tu carrera. Se crea una red que es muy importante en la realización de películas. Y algunas escuelas incluso te meterán en el negocio a través de programas y reconexiones. Y algunas escuelas incluso te meterán en el negocio a través de programas y conexiones. Muchas escuelas te ofrecen un alquiler gratuito donde puedes poner tus manos en cámaras, luces, sonido, y otro equipo que te permite experimentar o producir tus propias cosas, lo que te dará experiencia. Obtienes un título, un certificado. En algunas situaciones o trayectorias profesionales pueden llegar a ser importantes en el proceso de solicitud. Al estar inscrito, obtienes estatutos de estudiantes, lo que te dará muchos beneficios incluso no relacionados con el cine. Ahora los contras, las mejores escuelas son en su mayoría muy caras. La colegiatura puede ser muy alta, Pero aparte de eso, tus proyectos también son financiados por ti mismo. Puedes obtener la mayor parte de la entrada de forma gratuita en línea o por un precio mucho menor usando clases o causas en línea. Pero el punto es, ¿por qué pagar dinero si puedes conseguirlo de forma gratuita. Por supuesto, tendrás que curar calificar tus hallazgos, filtrar lo que vale y lo que no. Además, quizá no sepas qué buscar, pero creo que después de investigar un poco, comprenderás más o menos lo que buscas específicamente. También podría tener que reubicarse, lo que puede significar mayores o mayores costos de vida. A lo mejor no eres un buen alumno en cuanto a educación en clase. A lo mejor eres más el tipo de aprender al hacerlo o hacerlo tú mismo sin limitaciones estructuradas, aprendes lo que te dicen que aprendas. Estás obligado a cierta forma de aprender y a cierto contenido. Muchas veces simplemente aprendes de la a a la Z siguiendo un cierto esquema que solo te enseña a imitar cierto conocimiento, es más difícil de esta manera desarrollar tu propia forma de pensar, ejecutar, estilo y voz. Incluso con un título, no
obtienes garantía alguna para conseguir trabajo. Puede ayudar. Pero lo cierto es que sobre todo en la industria del cine comercial, nadie le interesa tu título. No les dice nada. A ellos sólo les interesa su trabajo. Entonces decides, ahora habiendo asistido a la escuela de cine o no, te llamas director, quiere un comercial directo. ¿ Cómo llegaste ahí? Bueno, necesitas una tarjeta de visita. Y en tu caso, la tarjeta de visita es tu show real, real o portafolio.
6. Cómo crear tu primer Showreel: Real como me referiré a ella, es donde exhibes tu trabajo. Puede ser en la página de inicio, puedes poner tus teléfonos en Vimeo o YouTube o simplemente enviarlos digitalmente. Pero hay que tener una manera de mostrar los trabajos que has hecho. Por lo que el cliente potencial puede imaginar qué esperar de usted en términos de calidad, estándar, y estilo creativo y voz. A continuación te presentamos dos ejemplos míos de cómo mostrar tu trabajo. Cómo crear un verdadero. Es un círculo vicioso. Porque para poder ganar empleos, es necesario haber hecho algunos trabajos. Pero, ¿qué puedes hacer cuando no tienes nada que mostrar? Seamos realistas. La mayoría de las veces, tu primer real no será el más grande, pero tienes que empezar en alguna parte. Puedes poner en trabajo estudiantil, tal vez algún trabajo que hiciste para amigo, forma gratuita donde te brindaron libertad y equipo. Hay varias formas de conseguir material sobre papel real, pero hay una en particular que ha abierto muchas puertas para muchas personas. El spot spec.
7. El punto de especificación: El spot de especificaciones generalmente se refiere a un comercial falso para marcas existentes. Falso en el sentido de que el comercial no es un trabajo oficial encargado para la marca, ni la marca se ha involucrado con ella. El concepto detrás es que recrear un spot comercial, tratando de producir algo que pudiera confundirse con un verdadero comercial de esa marca, imitando el estilo y el tono de la marca. Algunas personas dicen que debes elegir una marca grande. Otros dicen lo contrario. Deberías ir por una marca desconocida. Pero en todo caso, eres tú quien mete el dinero y crea el spot sin apoyo de la marca en absoluto. Tú haces esto. Por lo que puedes demostrar que eres capaz de dirigir un comercial en un alto nivel y entender el oficio. Es crucial que investigues tu marca para que puedas clavar el tono y el aspecto de la misma. No quieres que nadie se dé cuenta de que este no es un comercial real. Esto incluye tener un gran guión y una ejecución profesional en equipo profesional. Si es posible, el guión es algo que no debes subestimar. Todos nos creemos grandes escritores, o muchos de nosotros lo hacemos. Pero la realidad es que la escritura de guiones como oficio, no todo el mundo domina y debe dejarse a los pros. Un mal guión puede hacer que todos tus esfuerzos no valgan nada. La imagen más épica con un mal guión no ganará la atención que quieres lograr a menos que también seas el director de fotografía y puedas usar ese material para mostrar tus habilidades en DP. Pero estamos hablando de dirigir y mejor
directo y se puede mostrar a través de un gran guión. Ahora si te das cuenta de que tus habilidades de escritura no son tan grandes como
pensabas, te preguntas, ¿de dónde podrías conseguir un guión de un buen guión? Aquí te dejamos unas cuantas ideas. En primer lugar, si conoces a un redactor personalmente
le preguntó si puedes conseguir algo que haya escrito y no sirve de nada, sino cosas que harían un gran lugar. Número 2, pregunte por ahí en agencias de anuncios, suelen tener muchos guiones de deuda que nunca pasaron por la etapa final, pero aún así un grado. Número tres, encuentra un script en plataformas como speck bank, que tiene un costo. En cualquier caso, deberías estar pensando en qué tipo de director quieres ser. ¿ Qué tipo de cosas o estilo o género quieres filmar? Trato como comerciales de automóviles, firmas de moda, comedia, CGI, estilo de vida o mesa. Si tienes claro esto, debes ir por esa dirección y crear un spot que te consiga trabajos en ese campo. Esto me lleva al siguiente punto. Ponte en una caja.
8. Poner a una caja: Ponte en una caja cuando una agencia o al cliente se le presenten los tratamientos y a los directores reales, la
mayoría de las veces quieren ver su lugar en el real del director. ¿ Qué significa eso? Por ejemplo, si la marca se trata de comida, digamos chocolate, el ajuste perfecto para ellos sería un director que ya ha hecho varios spots, fue chocolate y puede mostrarlo en su real, quieren sentir que el proyecto está en buenas manos. Ahora si el director lanza en el spot de chocolate, pero solo ha provocado que se muestren spots en Israel, el cliente podría pensar que el chocolate no es su pericia. Comida en general, como directores, la
mayoría nos encantaría hacer un trabajo muy diverso porque esa es la creatividad que nos impulsa. Pero en la industria lo mejor es ser conocido por cierta habilidad específica o tema o campo. Esto puede ser videos musicales de mesa, deportes, costo de
estilo de vida, CGI, animación, niños de estilo
urbano, o cualquier otra cosa. Pero necesitas ponerte en una caja si quieres tener éxito. Es por eso que te recomiendo que pienses bien en qué tipo de trabajo
quieres hacer y salir y hacer un spot de especificidad asesino. Entonces tienes algo que mostrar y autoridad para lanzar sobre ese tema. Por supuesto, al principio es difícil encontrar tu voz y estilo. Yo mismo, sigo descubriendo, aunque no seas tan específico en cuanto a qué tema o estilo posees, traté de encontrar algo que conecte tu trabajo y asegúrate de que tu tema,
que pueda ser estilo de cámaras, gradación de color, humor, o como mencioné, cierto tema. Si tienes un trabajo muy diverso, no lo muestres todo con cada tono. Esto significa que cuando creas un tratamiento y te pidieron tu chequeo real tu trabajo por cosas que crees que podrían ayudar a ganar ese trabajo específico. Si es estilo comedia, solo manda spots cómicos, no el serio spot de fundación del cáncer. Si este spot tiene hijos en él, busca niños en tu trabajo y arena ese spot. De esta forma puedes venderte como cierto tipo de director y mostrarles que eres capaz de hacer lo que necesitan que hagas, aunque ese no sea tu verdadero campo. Esto puede incluso llevar a una situación en la que una agencia una orina conocida y reservada como el director Kids y una agencia ser euro el director de mesa top. Entonces verás, lo mejor que puedes hacer es hacerte un nombre para
algo específico para que siempre que haya un lugar alrededor de ese tema, gente piense de inmediato en ti.
9. Cómo llegar a presentar un trabajo parte 1: El director rara vez es llamado directamente por la agencia o cliente. El camino normal es que cuando haya un proyecto, la agencia lo enviará a tal vez tres productoras. Escogerán a un director que hará el tratamiento. Entonces lo que necesitas es meterte en el radar de las productoras o de un representante de ventas. El representante de ventas puede ser agencia personal que represente a creativos como DPs
y directores, y se puede llamar si una productora necesita encontrar cierto tipo de director, en cualquier caso, necesitarás esa LI, ¿quién es la productora? Simplemente busca una empresa en la que creas que tu estilo encaja con su trabajo. Paul, todas estas productoras y preséntate a ti mismo y a tu trabajo. Es posible que no te metan de inmediato en su roster, pero cuando tu trabajo es lo suficientemente bueno o ven un gran potencial que mantendrá tu nombre en mente para futuros proyectos que te podrían quedar bien. Ahora, cuando eso suceda, obtendrás una baraja de tablero o como sea que la gente lo llamara, los documentos e información, presentaciones, etc. Todo lo que debes saber sobre el proyecto, probablemente antes de empezar a hacer el tratamiento. Habrá una convocatoria de agencia en la que hablarás con los creativos. Explican de qué se trata el proyecto. Y puedes hacer preguntas para que entiendas mejor el objetivo del spot y lo que es más importante para ellos. Esta convocatoria es muy importante ya que es tu oportunidad de brillar. Tendrán una sensación de quién eres y cómo trabajas. Entonces escuche con claridad y haga buenas preguntas. Ten cuidado de no escuchar lo que quieres escuchar, sino de escuchar de cerca lo que quieren lograr con ello. Hora de la historia. Te contaré una breve historia de lo que
me pasó y que estoy asegurándome de que nunca volverá a suceder. Una vez se me presentó un breve sobre marca que normalmente nunca había hecho nada cómico IPv4. Pero querían explorar este nuevo campo. Me encanta la comedia. Por lo que vi una oportunidad de cumplir mi sueño y escuchar de cerca. Dije mi sueño. Me enfoqué tanto en lo que quería sacar de ese proyecto que
cometí el error de escuchar sólo lo que quería escuchar hasta este día. No estoy seguro de cómo podría incluso trabajar vendedores cuando obviamente no entendía ni presté atención a lo que me piden. Por lo que empecé a presentarlos con un montón de ideas que sentí que potencialmente yace el guión. Entonces se me ocurrió las ideas y espero que les encanten. Y todo lo que dijeron fue como, sí ,
sí, genial idea, pero eso no es exactamente lo que estamos buscando. Vamos a quedarnos con el guión. De acuerdo, Así que pensé de nuevo y se me ocurrió nuevas ideas que rechazaron también. Y yo estaba como, Oye, ¿no querías reírte? Hagamos reír a la gente. Pero extrañé por completo que esta marca, una marca enorme con mucha historia, no
pudiera sólo de un día a otro cambiar esa comunicación. Una de las mayores competiciones era conocida por usar humor y todos sus proyectos. Por lo que tuvimos que trazar una fina línea entre su comunicación y nuestra forma de comunicación que era crucial de entender. Y la razón por la que no entendí inicialmente fue porque tenía mi propia agenda. Yo quería hacer una película para mí y no para el cliente. Cuando hasta ahora que claramente no los escuché cuando me dijeron Queremos un solo tiro largo para cada puesto ya que habría no sólo uno, sino varios spots. Yo dije, sí, podemos hacer eso. Pero qué tal si probamos algunos cortes también, diferentes ángulos y así sucesivamente. Y entonces podemos hacer un solo tiro largo. Y al final, decidiremos cuál es mejor. Ni siquiera leí sus expresiones faciales, lo que me habría dicho de una vez por todas, solo haz lo que queremos que hagas. Como dije antes, no
tengo ni idea de cómo aún podía ganar el trabajo, pero sí. Entonces al final del rodaje, llegaron y empecé a hacer las cosas como yo quería y me dijeron. Hagámoslo por favor de esa manera. Y yo estaba como, Oye, ¿no estuvimos de acuerdo en hacerlo de esta manera? La verdad es no, no estuvimos de acuerdo en eso. Sólo en mi mente porque escuché lo que quería escuchar e interpreté todo de una manera que se ajustara a mi visión, que no era la visión del cliente. El sonido todo dramático y de alguna manera esto, pero también fue mucho más sutil de lo que te puedo decir ahora. En retrospectiva, está muy claro lo que pasó, pero en aquel entonces, era más sutil y tenía sentido para mí ya que estaba tan enfocada en mi propia visión. Entonces para hacer una larga historia corta en el set, me confundí en cuanto a por qué de repente insistieron tanto en el tiro largo mientras me centraba en los diferentes ángulos y así sucesivamente. Logramos conseguirlo de la manera que querían, pero perdimos mucho tiempo debido a mi error de no escuchar desde el principio claramente lo que realmente querían al principio. También te hablé del largo proceso de creación de un guión. Te dije que más adelante entraré más en detalle y siento que este es un buen momento apegándose a la misma historia.
10. Cómo llegar a presentar un trabajo parte 2: Había algunos puntos en el guión que me confundieron. Por un lado, entendí que era comedia, pero de nuevo, no había tanta comedia en ella. Fue muy sutil. Entonces pensé que mi trabajo era hacerlo más divertido y agregar cosas para que tuviera más sentido para mí. Podría haber estado en lo cierto de alguna manera, pero el cliente es rey y debería haber prestado atención a este importante punto. Cuando se te entrega un guión, se
te permite modificarlo ligeramente o agregar algo que potencialmente
sería todo sin cambiarlo. Esencialmente, esto es muy importante darse cuenta porque tenemos que
entender que este guión final que nos dan no es un guión que fue escrito en un momento y hecho. Para que un guión obtenga la aprobación final, tiene
que pasar por muchos, muchos filtros. Su idea inicial muchas veces no puede reconocerse con el guión final. Tantas cosas cambiaron por muchas razones diferentes. Creo que esto también le pasó a este guión en particular. Creo que fue Script lleno de chistes y acción, pero debido a la voz de la marca y la comunicación de la marca, tuvo que cambiar. Entonces las cosas fueron cambiadas, sacando, reemplazadas por otra cosa, y así sucesivamente. Tiene que pasar por tantas etapas hasta que se dé la aprobación. Que para ese punto, los creativos simplemente están contentos de que
finalmente puedan pasar por el proceso y obtener luz verde. Y ahora viene Thomas y quiere cambiar todo el asunto. Y así no es como funciona. Sé que hay excepciones a la regla, pero en la mayoría de los casos, todo lo que te pidieron es uno, entender
a qué están apuntando y ejecutar el guión de una manera que fue escrito y destinado para el número 3, dar entrada y pequeñas adiciones o modificaciones que no cambiarán la idea, sino sacar más provecho de ella. Quieren dirigir que puedan agregar este pequeño detalle que le dará más poder a toda la idea. Ahora, ¿qué puede ser esto? Puede ser cualquier cosa. La elección de los actores, una sola línea que añades, la forma en que instruye a tus actores para que hagan o digan algo determinado. Puede ser un accesorio, puede
ser incluso una pequeña pausa y reacción que no estaba en el guión. Bueno, espero que haya dejado claro este punto. Aquí te dejamos otra pequeña historia de la que aprendí y no repetiré este error. A veces el cliente o agencia, no
soy capaz de comunicar exactamente lo que quieren, o dicen algo y tú lo recibes como solo otro comentario, posición
opcional y a ellos. Es crucial. Estaba trabajando en otro proyecto cuando se mencionó una imagen muy específica. No entraré en detalle, pero dijeron algo como Mi nosotros, podríamos tener este detalle y el proyecto o algo así para conocer a Mencius. Otra opción. Y como decían, o algo así, lo
tomé como algo en lo que podría enfocarme en una etapa posterior. Entra el día del tiroteo. No estoy preparado para este tiro específico. Entonces vamos a intentarlo improvisando. Por supuesto, no funcionó. Por lo que tuvimos que hablar con el cliente y negociar si era posible simplemente
comprar esta toma específica desde una plataforma de metraje de stock. Ahora bien, ese no es el problema. Creo que si lo hubiera planeado de antemano, podría haber llegado a la misma conclusión de que comprar
ese cierto material bursátil nos ahorraría una tonelada de tiempo y evitaríamos evitar algunos problemas. Y esa es una práctica común. En mi caso, fue malo porque primero, no
me preparé correctamente, que lleva al número dos, perdí inicio de tiempo. Y tres, generó costos adicionales para los que no se habían planeado. Y sobre todo, el número 4, me hizo
parecer poco profesional por un lado porque
no estaba preparado y por otro lado porque me
hacía parecer que no lo lograba, lo cual probablemente es la peor parte de todas. El proyecto resultó bien hasta el día de hoy. Algunas personas lo ven y me dicen cuánto les gustó ese tiro específico al que tengo que admitir que ni siquiera hice ese tiro, sino que lo compré. Si se menciona algo y no estás seguro si eso es realmente importante o no, entonces solo pregúntale, ¿qué significan realmente, qué es lo que realmente quieren? Porque también puedes simplemente suponer que todo lo que dicen es igual importante o que lo que dicen es exactamente lo que significan. Escucha atentamente y luego procede a hacer las preguntas importantes para que al final estés 100% seguro de que entendiste. Pero para volver a mi punto inicial y resumir, quieren que ejecutes su idea mientras le agregas algo extra que no cambiará, sino que lo mejorará. Te cuento estas historias para que puedas aprender de mis errores y no repetirlos. Simplemente entiende, como director, trabajas para alguien y no para ti o tu carrete de espectáculo.
11. Elección de palabras: Hablemos de la elección de las palabras. Acabamos de hablar de la importancia de la comunicación y el filtrado. Lo que escuchas en este capítulo, quiero seguir con un tema relacionado. Esto es algo que tal vez algunos discutirán. Pero en mi experiencia, he encontrado que la elección de palabras en un tono y en un tratamiento o en cualquier etapa del proceso es muy importante. Se quiere evitar el uso de palabras repetitivas o palabras que no
son específicas o palabras que pueden significar algo o peor, que pueden significar algo para una persona y algo más para otra persona. Básicamente, hay dos cosas que quieres lograr, tanto en el terreno de juego como en el tratamiento, que ambas forman parte del mismo proceso y meta. Se quiere explicar cómo se ejecuta el proyecto. Quieres asegurarte de que entiendan qué es lo que planeas y cómo planeas lograrlo. Esta parte, diría que es una parte más técnica. Se desea utilizar palabras y términos prácticos y específicos que el cliente y la agencia puedan estar seguros de que están en buenas manos. Pero en mi modesta opinión, hay otra parte mucho más importante y crucial, el tono o la voz o el sentimiento. Quieres asegurarte absolutamente de comunicar cómo se sentirá y se verá. Se quiere crear un sentimiento y una imagen en la mente del cliente. No es tan importante cómo, de
manera técnica de hablar lo lograrás. Lo importante es que seas capaz de comunicar y transmitir tus ideas una manera que sientan que saben lo que verán en el desenlace si logras esto, y entonces no será tan importante que
sepan específicamente cómo ejecutarás cada detalle. Entonces ahora hablemos del tratamiento.
12. El tratamiento parte 1: El tratamiento. Si observas este curso desde el principio, probablemente
recordarás que el tratamiento como parte del proceso de pitching, tu productora
te pide crear un tratamiento
o tratamiento de directores o interpretación de directores, o como lo llamamos en enfoque de Colombia. Por lo tanto, obtienes acceso a algunos activos como un concepto de presentación o simplemente la información que te proporcionaron y la agencia o cliente llama. El punto es, quien necesite encubrir le
proporcionará cualquier información que tenga respecto a este proyecto. Ahora tienes que crear un tratamiento en el que implemente esta información, la
pongas en estructura,
y le pongas en estructura, agregues tu tono y voz creativos. A pesar de que les mostraré algunos ejemplos, tengo que recordarles que cada tratamiento es único y no hay forma o enfoque exacto que aplique a cada proyecto igual. No obstante, hay algunas cosas que te mostraré que podrían guiarte y guiarte para que tengas una mejor comprensión de la función y propósito de un tratamiento directo. En un tratamiento, diría que hay dos o tres componentes que son cruciales para transmitir en tu visión, la información escrita que diseñan con la elección de la ilustración y referencias visuales, si es necesario también, el Referencias Audi en corto, textos e imágenes y sonido. Estos tres componentes son tus herramientas y recursos para ganar un empleo. Por supuesto, también tu show real juega un papel en él. Entonces, ¿cuál es mi enfoque general para escribir un tratamiento? Yo no tengo uno. Depende del proyecto, la información que se me proporcione y de otros factores. Pero en general, o bien de inmediato, tengo un sentimiento por el proyecto y más o menos una dirección que quiero seguir. O primero tengo que sumergirme en el proyecto e investigar mucho antes de tener una dirección general. El parte de investigación es crucial para cualquier enfoque que siempre será un extenso trabajo de investigación. Pero a veces es con lo que empiezo. Otras veces no es el primer paso. En todo caso, la investigación no es un solo paso, sino una parte continua del proceso que se interrumpe para escribir,
para diseñar o lo que sea. Pero en ningún caso, es un paso que empiezo, luego termino, y no volver a él antes de sumergirnos en los detalles, déjame decirte algunas cosas generales muy importantes sobre lo que es importante para el tratamiento. Estar en punto. A veces menos es más. La gente no quiere leer una novela. Quieren tener una explicación breve y clara sin tener que filtrar la información. Sé visual. Hay un dicho, una imagen habla más de 1000 palabras. Trata de investigar el tono y la voz de la marca, estilo, el lenguaje y la apariencia visual. Apegarse al presupuesto. Esto significa estar al tanto de tus limitaciones. Se pueden apuntar ideas increíbles y al final
no hay forma de ejecutarlas debido a la limitación presupuestal. De esta manera, su recorte y así su tratamiento será de poco valor. No intentes cambiar el guión sino elevar el potencial en algo especial. Dales lo que quieran. Nosotros. Grandes referencias independientemente del orden de los pasos. Empecemos con la parte de investigación. Digamos que se te proporcionó un guión con imágenes de algunas tomas representativas o incluso un video de referencia. La mayoría de las veces empiezo a analizar este material hasta
que estoy seguro de entender todo lo que necesito para comenzar con mi acercamiento hacia el proyecto. Si hay algo que no estoy seguro de que me quede claro o si hay alguna duda me pongo en
contacto con mi productor que está a cargo
del proyecto y le pregunto si puede contestar mis preguntas y dudas. Si no puede responderlas, se
pondrá en contacto con la agencia o cliente y tratará de resolver todas mis dudas. En realidad, la mejor opción es ponerse en contacto directamente con los creativos. Por supuesto, esa conexión se hará a través del productor, si es posible, recibe una llamada con ellos para que puedas preguntarles cosas específicas o simplemente preguntar si pueden explicar qué es importante para ellos y si pueden resolver algunas dudas, esto puede suceden incluso en varias etapas de la creación del tratamiento. Eso podrían ser varias llamadas. Dado que cuanto más trabajes en el tratamiento, más ideas tienes que filtrar. A veces el mejor filtro es el creativo. Por supuesto, no deberías declarar descaradamente preguntas como, ¿prefieres que la pintura de la pared sea verde o azul? Eso sería algo que deberías decidir si no te han dicho algo específico. A lo mejor en el terreno de juego mencionarán prefieren otro color. Pero podrías preguntar algo así como, veo que el guión lee gracioso, pero no estoy seguro de lo gracioso que quieras que sea ya que tu marca normalmente usa tono más serio, ¿quieres tener humor de diapositivas o quieres estar fuertemente financiando? Esa sería una pregunta aceptable. Ahora que he entendido y todo está claro, esto no quiere decir que ahora mi enfoque sea claro. Yo sólo estoy empezando. Sé lo que básicamente buscan. Entiendo el guión, la historia, el estilo, si el tono es serio o divertido, o inspirador o lo que sea. Y ahora tengo que hacer muchas posiciones. Sugiero que pasemos de la teoría a la práctica, y te mostraré algunos otros temas que generalmente cubro en mis tratamientos. En primer lugar, mi tratamiento inicia con una breve introducción en la que estoy de acuerdo diga unas palabras sobre el proyecto y la transición a los hechos duros. Pero primero, recuerda,
no hay orden oficial son instrucciones en cuanto a lo que tiene que estar en él o en orden decides lo
que sientes que es importante que se te mencione y le das un orden lógico. Por lo que para ser más práctico, iré paso a paso a través de un tratamiento que hice recientemente para marca colombiana. A pesar de que sí planteé toda la información sobre el cliente de agencia y cualquier cosa que sea confidencial. Después de eso, te mostraré selectivamente algunas páginas de otros tratamientos donde
hablo y referencia otros puntos que no mencioné en el primero. Eso se debe a que cada proyecto puede tener activos y requisitos únicos. Por ejemplo, para mesa, donde hay comida involucrada, al menos
necesitarás una toma de producto o una toma de consumo. La mayoría de las veces en ambos, pero en un spot que vende servicio que no será ninguno. Entonces tal vez en un tratamiento, mencionaré el disparo de producto, otro no lo haré ya que no hay ninguno o en uno hay actuando. Por lo que voy a explicar mi acercamiento hacia la actuación. Y otro spot podría no haber actuación en absoluto. A lo mejor ni siquiera serán actores involucrados. Creo que se te ocurre la idea, pero empecemos.
13. El tratamiento parte 2: Entonces como pueden ver, utilizo Keynote para diseñar mis tratamientos. En realidad, puedes usar cualquier programa que te convenga. Pero sugiero que hable con su productor o pregunte por ahí ¿cuál es el programa más usado? Porque me pasó que creé mi tratamiento en Keynote. Y luego tuve que pasarlo a PowerPoint porque el cliente no tenía un Mac. Sí. Entonces si puedes preguntar por ahí, tal vez consigas alguna limitación si no, solo usa el programa que más te guste. En mi caso, es Keynote. Mis diseños dependen de diferentes factores. A veces solo pongo algunas fotografías como fondo. En ocasiones será más diseño de apalancamiento, pero en este caso, esto es sólo un ejemplo. Por lo que hay que entender lo puedes hacer de cualquier manera posible. Y además, depende mucho del proyecto como colores ahí,
ahí , podría haber limitaciones de color. Al igual que caso que tu marca tenga el azul como su color principal y su competencia haya leído. Por lo que tratarás de no meter tanto el color rojo en este tratamiento porque ese no es su color. Está bien. Y entonces a veces podría ser algo totalmente serio. Por lo que tendrá un tono más oscuro. A lo mejor es algo gracioso, entonces usarás más colores. Esas son cosas que debes considerar. De acuerdo, entonces en este caso, mis paredes de tratamiento directo para una marca colombiana, no
voy a mencionar el nombre. Tampoco pondré los logotipos en ella porque porque es confidencial. Por lo que no encontrarás esos logotipos que normalmente me pongo ahí. En este caso, tenía algunos logotipos en la parte inferior, el logotipo de la productora y el logotipo de los clientes. A veces incluso pongo el logo de las agencias. Siempre depende de varios factores. En ocasiones pongo más información en la primera página. Como si fuera necesario, entonces lo haré. Si no, lo dejaré. Entonces esa sería la baraja. Entonces la mayor parte del tiempo hago una introducción, no siempre pongo un título que diga introducción también depende del proyecto, pero en este caso lo hice. Entonces. Después pongo otro subtítulo y luego un pequeño texto en el que
saludo a la gente que lo leerá y donde hago como una declaración general. A lo mejor ya diré una o dos cosas sobre el proyecto. O tal vez sólo voy a decir muchas gracias por leer mi visión de este proyecto. Está bien. Depende de ti, lo que quieras poner ahí. Entonces también, quiero decirles que no siempre es el mismo orden. En ocasiones podría haber un orden totalmente diferente. Por lo que también no tomes esto como la única forma de hacerlo. Esto es sólo un ejemplo. Entonces aquí tenemos el subtítulo de tono y voz. Pongo Geico cumple con la gente ganga. Eso en mi opinión, representaba muy bien a lo que apuntaba. Qué tipo de humor, qué tipo de tono y voz. Entonces los puse en el tratamiento y les expliqué un poco en palabras, en mis propias palabras, qué iba por. Y muchas veces, no siempre. Tendré una referencia para lo que diga. Siempre traté de tener una referencia para todo lo que expliqué o lo que quiero tratar de explicar. Porque las referencias ayudan tanto. Eso puede ser un spot, eso puede ser si escena de una película que puede estar en sólo imagen. Entonces ahí está la referencia para ello. No lo voy a mostrar. Después tuve una diapositiva de la que estaba hablando, el humor. Y sí, porque hay varios Nietzsche de,
de humor, de varios estilos. Y quieres asegurarte de que todo el mundo esté en la misma página. Y en este caso, fue mi sugerencia qué tipo de humor quería aplicar ahí. Tenía otra referencia para ello. De nuevo, no lo voy a mostrar por completo. Entonces estaba hablando del ritmo, qué tipo de adición I. Me estaba imaginando que eso no es algo que siempre lo puse ahí dentro. Pero en este caso, sentí que era importante mencionar porque se trataba de contrastes. Entonces le expliqué un poco en qué estaba pensando. Y de nuevo, referencia que si spot que había encontrado. Siguiente diapositiva es sobre cinematografía donde ponen toda la información que creo que necesitan sobre qué tipo de imagen pueden esperar de este spot. Yo explico el trabajo de cámara , explico el trabajo de color , la
iluminación, todo esto para que ya puedan tener una imagen en su mente y tomar decisiones si les gusta o no. En este caso, estaba hablando de que quería una imagen limpia, bien iluminada, colores naturales y cosas así. No quería tener demasiado movimiento y así sucesivamente. Nuevamente, referencia eso. Y entonces estaba hablando de cómo se debía ejecutar la producción. Hablé del equipo. Hablé de cómo quería probar tener un equipo pequeño porque necesitábamos movernos mucho para este proyecto. Por lo que realmente quería tener un equipo compacto y también equipo. Y hablé de cómo sugeriría dos días de tiroteo y cosas así. Después hice una diapositiva sobre localizaciones porque había varias localizaciones. La mayoría de ellos eran exteriores. Y por supuesto, aún no sabes dónde dispararás a unos cuantos cuando este trabajo. Pero tendrás que proponer algo. Y eso no tiene que ser ya un lugar existente. Pero buscas algo que puedan ser incluso una imagen de Google solo para
hacer referencia a un lugar que tú sientas funcionaría perfectamente bien para este proyecto. Y luego si ganas el trabajo, intentas encontrar un lugar similar a lo que propusiste, o recrea esta ubicación, que no es tan fácil para exterior como para interiores, donde incluso puedes usar igual de verde pantalla y hacer algunos efectos visuales. Y luego hice referencia a algunos lugares. También hablé de transiciones. Las transiciones es algo de lo que siempre hablo porque a veces solo quieres cortes duros y cosas así. Al igual que no quieres usar nada de fantasía. Y hay que decir que si necesitas transiciones, incluye VFX o algo por el estilo, es muy importante que lo comunique tanto al cliente tu productor porque tienen que saber lo que tienen que poner en el presupuesto. Entonces en este caso, hablé de transiciones tanto visualmente como a nivel sonoro. Y luego había algo muy único en el proyecto sobre un gato. No entraré en ella ya que es un proyecto confidencial. No hablaré de un gato y de cada tratamiento, pero en este caso, era importante mencionarlo. Nuevamente, una referencia que entonces tuve una diapositiva sobre diseño de
sonido que incluía hablar de diálogo directo de sonido, música, y voz en off. Después hubo una diapositiva sobre la actuación, que era muy importante hablar porque todo el proyecto era muy sencillo. Y lo más importante en la pantalla fue la actuación. Después expliqué algunos puntos que
me eran importantes que quería incluir en la actuación. Yo les dije cómo quería que fuera natural. Yo quería crear algunos contrastes y así sucesivamente. Por supuesto, también por lo tanto, encontré algunas referencias porque se quiere apoyar lo que diga con una imagen o un video. Y luego hablé del casting en sí. Explicó que buscaba gente
normal que fuera tan normal y aburrida que te haría reír. Escribí un poco entrando en detalle. Y también único de este proyecto, los patines y chistes, porque eran varios fue varios spots y cada uno de ellos tenía una obra propia. Y me proporcionaron el guión con todas esas parodias, pero traté de poner algunas cosas más que las harán aún más divertidas. Y hablé de cada uno de los spots y puse algunas ideas que podríamos discutir con el cliente. Siempre es bueno tener algunas opciones que proponer, pero también estar preparado para que no todas tus ideas sean del agrado. Y como en este caso, el producto era una app. Necesitaba algo de exposición. No es como un producto donde haces un tiro de producto. Tienes que mostrar algo en la pantalla. Tienes que mostrar algo que se mueve. Entonces se me ocurrió algunas ideas. Nuevamente, busque algunas referencias que lo apoyen, e hizo mi sugerencia. Y otra parte de todo el proyecto fueron algunos videos demo, que quería mantenerlo muy sencillo. Entonces de nuevo, escribí un texto explicando lo que imaginaba, lo que pensaba que era mejor. Encontré una bonita referencia para ello, que les mostré. También, hablé de los créditos, de títulos. Si quisiera una animación o no. Esto podría ser otra diapositiva. Si hay animación, si hay créditos que son muy importantes, que tienen algo especial, debes hablar de ello. Aunque sea una animación muy sencilla, hay
que comunicarla porque tal vez el cliente quiere algo más. Y luego cierro con un agradecimiento. Y los logotipos que no incluí en este tratamiento. A ver si tenemos algunos otros ejemplos. No voy a mostrar todos los tratamientos solo fracciones para que
puedas conseguir algunas ideas de lo que podrías poner en el enfoque. Aquí hay otro trato que hice para también una empresa colombiana. Como puedes ver, el tono era mucho más oscuro. Fue comedia también, pero con un tono oscuro. Y en este caso, me sentí importante hablar de la paleta de colores que
utilizaría en las habitaciones y las ubicaciones. El diseño de interiores fue muy importante para la historia, al acto. Por lo que me aseguré de cubrir tantas cosas que pudiera. En este caso. También adjunté una selección de mi show real porque era una agencia nueva y no me conocían. A veces incluso pongo como un pequeño texto sobre mí, quién soy, qué hago, y una foto mía, pero depende del tratamiento. A veces lo hago, a veces no. Y en este proyecto, edito una diapositiva que decía, ¿para quién es? Y luego expliqué quién era nuestro principal objetivo. Y expliqué por qué. Y esa fue mi transición para hablar del tono y la voz para que
hubiera una explicación de cuáles eran las elecciones que tomé. Ahora, en este caso, hubo un disparo de producto. Entonces por supuesto que tuve que hablar de ello. Y me refiero a que en este caso con una de mis propias obras. Y también entró en detalle porque no era sólo una apariencia del producto, sino que también había una parte consumista. Y ahí quería explicar algo así como una experiencia. A veces incluso empiezo a hablar ya de Wardropero. Si es algo muy especial, si es algo muy importante para la imagen, entonces lo mencionaré también en el tratamiento. Bueno, ahora ves que hay enfoques muy diferentes. Hay temas que cubres en uno pero no en otro tratamiento. Y entiendes que si comienzas con un diseño, debes tratar de mantenerlo. trató de encontrar un diseño que represente la marca y el lenguaje y el tono que estás tratando de transmitir. Ahora bien, si te preguntas por qué puedes obtener esas referencias de, aquí te dejamos algunos consejos. Hay muchas, muchas herramientas en Internet, pero sólo te mostraré unas cuantas. Y con este conocimiento, creo que deberías poder investigar otras herramientas. Entonces por un lado hay ojeras, dot tv. Tienen muchos anuncios y comerciales y puedes navegar por ellos. Y creo que tienen una membresía pagada que te permite el uso de muchas, muchas otras herramientas. Pero en la versión gratuita, como si no inicias sesión, aún
puedes navegar por diferentes comerciales. Otra buena herramienta son los mejores anuncios en tv.com. Mismo principio. que puedas navegar por ellos, pero tendrás que pagar por cada video que descargues, o tienes una membresía Pro y luego podrás descargar tantos como quieras. Esta es una herramienta que solo encontré recientemente y me encanta aquí no encontrarás referencias para comerciales, sino para películas. Antes era gratis, pero la mejor versión ahora está terminando. Entonces va a costar algo, pero creo que vale la pena. Por lo que tienes aquí un montón de opciones para navegar. Puedes navegar por el color. Eso es pegado rojo. Entonces se puede decir en interior, exterior, exterior, etcétera. Y luego puedes buscar esas referencias y descargarlas. Creo que es genial. Y luego por supuesto está Vimeo. Siempre voy a las categorías y elijo una categoría que creo que me ayudará a encontrar una buena referencia en este caso, digamos que es moda. Y luego puedes ir a navegar por todos los videos y verlos. Hay un consejo que me gustaría darte. Digamos que vamos en un video y tal vez te guste
tanto esta referencia y desees otras referencias que se vean tal vez similares. ocasiones tienes suerte al mirar las colecciones porque a veces gente hace sus propias colecciones con temas y videos muy similares. Entonces hay este consejo de mi parte. De acuerdo, creo que con estas herramientas deberías estar listo para comenzar un tratamiento y encontrar grandes referencias. Bono, redes sociales y digital. Vivimos en un tiempo y agente que las redes sociales son muy importantes para las marcas. Este es tu momento de brillar. La mayoría de los directores solo se enfocan en el spot mismo y podría poner abajo un liner de dos sobre la parte digital, pero no subestimes el poder de un buen trato que incluye pepitas de
oro para redes sociales tratadas como una muy importante parte del tratamiento. Piensa en lo que puedes sacar del material en
días de rodaje que te puede dar ese crédito extra para ganar el trabajo. Entonces lo que sugiero debes hacer como tiempo suficiente dedicado y llegar propuestas
interesantes en cuanto a cómo explotar la parte digital del proyecto.
14. El presentación de la presentación: El pitch el pitch viene después de que hayas terminado tu tratamiento. Por lo general se te ha proporcionado la información o aburrido, obtienes un marco de tiempo específico para terminar y enviarlo y un conjunto de datos para reunión en el que el tratamiento es pitcheado por el director. En ocasiones el cliente o agencia querrá mirarlo antes del pitch y otros casos, tu pitch es la primera vez que ven el tratamiento. En cualquier caso, prepárate, pasa por ello, trata de ser específico y no te repitas. Es importante que elijas tus palabras sabiamente. Puede haber dos lanzamientos. El primero es con representantes de agencia Only. Esta es una reunión muy importante porque aquí los creativos pueden darte una gran visión de lo que es importante para ellos y para el cliente. lo que puedes cambiar o en lo que debes enfatizar más, tienes que entender que los creativos son tus aliados. Quieren vender el proyecto al cliente y
podrían tener un favorito que al final le sugerirán. Pero al final es el cliente quien tiene la última palabra. Esta etapa es de nuevo, un momento en el que podrás obtener una gran perspicacia que te ayudará a mejorar tu terreno de juego. Cuando tengas que lanzarlo al cliente,
toma el consejo y aplícalo. Con esto en mente, hablemos de cómo va el pitch. Esto puede tener lugar cara a cara o de forma remota a través de videollamada de conferencia. Últimamente, esta ha sido la forma de elección de pitcheo desde que comenzó la pandemia y la gente está trabajando de forma más remota o simplemente quiere practicar el distanciamiento social. Los principios son los mismos. Se saludan mutuamente, todos se presentan el uno al otro. Y después de una breve introducción por parte de un productor, usted como director, le he dado la palabra, ejecuta su presentación y empieza a hablar. Ojalá no sólo leyendo los textos escritos, sino parafraseando y tratando de presentar libremente y no las frases aprendidas de memoria. No quieres sonar demasiado mecánico. Por supuesto, por un lado, siempre hay
que leer expresiones, pero a veces creativos y clientes podrían ponerse una cara de póquer, parecer serios. Y esto podría molestarte un poco, pero no dejes que eso te afecte. Ten en cuenta que la mayoría de las veces tu lanzamiento no debe ser mayor a 30 minutos. Trató de ser emocional, pero también preciso. No quieres aburrir a nadie recuerda que llevan meses trabajando en ese proyecto. Y adicionalmente, no sólo escucharán uno, sino varios lanzamientos sobre el mismo guión. Así que intenta llamar su atención tanto en la forma en que te presentas como con lo que
presentas en caso de que haya un segundo pitch ahora con el cliente solo haz lo mismo que antes, aplicando solo los cambios y sugerencias que escuchaste en el primer pitch.
15. Pre Producción, día y publicación: Preproducción. De acuerdo, tú eres la afortunada esta vez. A la agencia y al cliente le encantaron su presentación. Están convencidos de que hiciste el mejor acercamiento y tu productor esa magia con los números, quieres el trabajo. Ahora bien, a pesar de que ya hiciste un tratamiento donde
hablas de algunas de las cosas que sucederán en este spot. Podría haberlo hecho más o menos detallado. Pero ahora hay un montón de cosas que también hay que tener en cuenta. A continuación te presentamos algunos puntos importantes de la lista de tareas pendientes. La mayoría de ellos no tendrás que hacerlo tú mismo, pero tendrás que dar instrucciones al otro jefe de departamentos. Te harán propuestas después de escuchar tu visión general. Después tú y los jefes de departamentos revisan opciones, y el director toma las decisiones finales. Echemos un vistazo a algunas de estas decisiones que se van a tomar. A casting si hay necesidad de actores. Pero, ¿necesitarás actores o muddles? ¿ Ya sabes qué tipo de elenco quieres? Hombre, mujer, niños, alto, pequeño, joven, viejo. Define eso y empieza a echar a la gente. Ahora bien, ¿quieres un peinado específico? Tendrás que hablar de ello. Localización scouting. Si aún no has definido qué tipo de ubicaciones exactamente necesitas, entonces búscalas. La ubicación es extremadamente importante. Encuentra la mejor ubicación que obtiene tu presupuesto. Tú. Recuerde que la ubicación es parte de la integración visual. Debe ayudarnos a contar la historia. Diseño de conjunto, qué muebles, que avisa, ¿hay una alfombra? ¿ Necesitamos un escritorio? ¿ Qué tipo de escritorio? Mira, cualquiera que sea el artículo que decidas necesitas. También hay que decidir cuál es exactamente, porque hay un millón de escritorios diferentes y cada uno es diferente de otro. Tendrás que tomar esa decisión de antemano, porque antes de empezar a conseguir esos artículos, el cliente tendrá que demostrar. Y si hay algo en el set que no le guste al cliente, no
dispararás hasta que se corrija. Shortlist. Ahora que ya sabes qué ubicación usarás, tienes que decidir qué disparos, qué ángulo y qué movimientos harás. Podrías improvisar un poco de inicio cuando
hay una gran idea que simplemente se te acerca a la mente. Pero en un mundo perfecto, te habrías ocurrido esa idea de antemano porque no quieres trabajar sin un plan. Quieres que todo esté 100% planeado. Hay excepciones como y algunos videos musicales, puedes tener más libertad. Pero en los comerciales es mejor que sepas lo que vas a hacer. Armario. Los actores pueden ajustarse, presentarse con cualquier guardarropa. Cada detalle tiene que ser planeado. Bueno, era un gen o pantalones cortos. Espera, está en la oficina, así que probablemente debería llevar traje. ¿ Qué tipo de traje? Hablemos con el jefe de departamento y veamos qué pueden sugerir. Ahora se lo mostraremos al cliente. Él quiere más opciones. Este es el uno. Check. ¿ Qué música se utilizará? Música de stock. En caso afirmativo, ¿qué tipo de música? ¿ Prefieren una partitura original? ¿ A qué quieren ir? Pidámosles algunos detalles o incluso una referencia. Ahora el compositor trabajará en la música. Dependiendo del proyecto. Esta selección y creación pueden ocurrir ya sea antes o después del rodaje. Horario de tiro. Dependiendo del tiempo que tengas para conseguir todas las tomas, que pueden ser horas o días y semanas. Tendrás que preparar un horario calculando cuánto tiempo necesitarás para preparar el conjunto de los conjuntos con el diseño del set y la iluminación. Cuánto tiempo necesitas para conseguir cada disparo, cuánto tiempo necesitas para cambios de equipo cuando utilizas diferentes tierras como por ejemplo, no
crearás el horario, pero tendrás que proporcionarle mucha información al productor, pero no sólo a ti, también a los demás departamentos. Estas y muchas, muchas más
decisiones creativas y técnicas tienen que ser tomadas por usted y ser aprobadas por el cliente. Entonces hay que comunicar estas decisiones y delegar las tareas. Ningún jefe de departamento te leerá la mente, diles exactamente lo que quieres. Te lo van a conseguir. Asegúrate de que cada detalle que necesites para el día de rodaje esté pensado y preparado. Y luego finalmente llega el día de la producción. Jornada de producción o rodaje. Hemos trabajado tanto y tanto tiempo para esto, preparado todo. Todo lo que necesitas está ahí. Ahora, el día del tiroteo ha llegado. Todo departamento es citado en una hora específica. El conjunto está preparado, se configura la
iluminación. Pasas por las escenas con los actores y luego según el horario, comienzas a rodar y solo obtendrás el tiempo que está programado para cualquier toma. Eso ya lo hemos mencionado antes, pero lo repetiré nuevamente. No se trata tanto de cómo se inicia exactamente, sino de que se comunica lo que se tiene que comunicar. Si quieres mostrarle al actor cómo actuar y tú mismo empiezas a actuar frente a ellos o a mostrar un rostro. Eso está bien. Quizá a algunos actores no les guste eso, pero si esa es la mejor manera de comunicar la idea, eso es lo que importa. Otros directores podrían simplemente explicar usando palabras, qué expresión quieren del actor, cualquiera que sea la forma o dos que uses para dirigirte. Recuerda que tampoco se trata de encontrar las respuestas en el set. Ya debes conocer las respuestas. Si tienes una reproducción perfecta y pensado en todo. En teoría, ni siquiera tienes que ser creativo. Ya lo hiciste en la fase de preparación, al
menos deberías tener. Y ahora solo ejecutas. Por supuesto, algo inesperado siempre podría suceder y cambiar las circunstancias. Pestis, si pasas por todos los escenarios y posibles problemas, pero algunas cosas simplemente pasan. Ahora no se puede simplemente ejecutar porque hay obstáculos o imposibilidades. Por lo que tienes dos opciones, arregla las circunstancias y hazlo según lo planeado o tienes un plan B y C. Piensa en diferentes opciones. En cualquier caso, encuentre soluciones que sean rápidas y prácticas. Ejecución. Y solución de problemas. Es tu trabajo en ese día de rodaje, postproducción. Dependiendo del proyecto y dónde te
encuentres, podrías o no estar involucrado en la posproducción. Esto no es tanto el campo de los directores, al menos en general, el directo no está involucrado activamente en la posproducción, pero podría sentarse con el editor, compositor, artistas de VFX y así sucesivamente y guiarlos. En cualquier caso, respiras al equipo de postproducción sobre cómo quieres editar. Te sugieres tomas que más te gustan. Les das referencias y te explicas la calificación de color que quieres, y así sucesivamente. Nuevamente, cada spot y cada proyecto es diferente y único. También lo son los equipos, y también las formas de ejecución.
16. Self: Autopromoción. Lo lograste desde el terreno de juego hasta el día de
rodaje de preproducción hasta el lanzamiento final del spot. Consigue el spot en tu mano, ponlo en tu real, si es bueno y promocionarte, pon tu trabajo en el mejor de los casos. Tienes siempre trabajo nuevo que mostrar. Pon tu trabajo en Facebook, Instagram, o cualquier plataforma de redes sociales que haya. La autopromoción es muy importante. Aunque estés en un roster donde trataron de venderte, aún
debes hacer tu parte, sacarte la voz y ponerte en contacto con los creativos de las agencias cuando sepan quién eres y tienen un buen presentimiento sobre ti en tu trabajo. Puede tener influencia en la decisión el día en que reciben tu tratamiento en su escritorio. Por lo que no se olvide de la autopromoción. De acuerdo, lo lograste a través de todo el curso. Espero que te haya sido de mucha ayuda. Si tienes alguna pregunta o sugerencia, puedes dejar un comentario. Y realmente espero que tengas éxito si quieres convertirte en director. Gracias por ver este curso. Me llamo mucho Tomas, y soy director y editor.
17. Proyecto de clase: Proyecto de clase. Ahora que sabes crear un tratamiento, qué debe haber ahí dentro, y cómo encontrar grandes referencias. ¿ Por qué no tratamos de crear un tratamiento solo con fines de aprendizaje? Imagina una marca, la marca de tu elección. Con la historia de tu elección, ni siquiera
tienes que escribirla. Tan solo imagina algo y crea un tratamiento que
me diga un poco más sobre el proyecto y cómo lo vas a ejecutar. Yo quiero conocer tu visión, tu enfoque visual. Cuéntame todo lo que se te ocurra en la mente. Tengo curiosidad. Mi nombre es Thomas a vat. Gracias por ver este curso. De verdad espero que haya sido de ayuda.
Thomas Eberhard, Distracted by Creativity
