Transcripciones
1. Video de introducción: Hola a todos. Soy Simona, y soy ilustradora con sede en Londres. Mi pasión es conectar con mi público a través de ilustrar sentimientos, e ilustrar temas que les importan a la gente, como la salud mental, la diversidad y la igualdad. Soy originario de Puglia, el talón de Italia, y viviendo en Londres, me siento un poco nostálgico por el sol y el mar. Creo que por eso mis ilustraciones están llenas de estos cálidos colores relajantes, y sin embargo poderosos. En esta clase de Coursera, vamos a hablar de emociones e ilustraciones, y cómo traducir tus emociones en una ilustración. A veces nos sentimos estresados, ansiosos, o simplemente inquietos, y lo expresamos todo con las palabras. Todos sabemos que el arte puede ser terapéutico. Dividiremos la clase en diferentes pasos. Vamos a empezar por decidir el tema del que queremos hablar, después vamos a pasar a alguna investigación sobre el tema. Una vez que tengamos nuestro concepto, nuestra idea básica de nuestra ilustración, vamos a pasar a algún bosquejo. Vamos a pasar a más detalles sobre el diseño, el equilibrio, cómo construir tu ilustración en el espacio. Vamos a ver alguna teoría del color, cómo elegir la paleta de colores adecuada. Entonces en el último video, les
compartiré algunos consejos sobre cómo digitalizar su ilustración. Para seguir esta clase, no
tienes que ser un ilustrador experimentado o un artista profesional, pero solo necesitas tener los conocimientos básicos de las técnicas de dibujo, ya sean digitales o tradicionales. Al final de la clase tendrás una ilustración terminada que se puede utilizar como una sola ilustración, por ejemplo, para una postal que puedes enviar a amigos y familias. O un póster para compartirlo en línea o imprimirlo. Las emociones son tan personales y sin embargo tan comunes para muchos de nosotros, y estoy seguro que al final de esta clase, cada uno de ustedes tendrá su propia ilustración única que nos conectará a todos igual que un gran abrazo. Por favor sí comparte tu proyecto al final, y gracias por elegir esta clase.
2. Resumen del proyecto: Para esta clase, vamos a crear una ilustración para una causa que nos importa, y luego podemos usar esta ilustración para crear una postal, por ejemplo, para enviarla
a nuestros amigos y familias, o puede ser un cartel o parte de un proyecto más grande como una serie de cuaderno o un calendario, las posibilidades son realmente ilimitadas. Al iniciar un proyecto autoiniciado como este, me resulta útil tomar como punto de partida un evento o una conmemoración. Por ejemplo, para este proyecto, quería dedicar mi ilustración a la salud mental. Aprovecho con motivo del Día Mundial de la Salud Mental que ocurrió el 10 de octubre, y creé una ilustración que luego se convirtió en una postal, que envié a mis amigos y familias y seguidores. Especialmente ahora en este momento, creo que es importante compartir y conectar con los demás, y compartir el sentimiento y la idea de que no estamos solos en esta situación, estamos en ella del todo. Todo el mundo se enfrenta a un momento muy difícil. Es importante sobre todo ahora cuidarnos, cuidar nuestra salud mental, compartir nuestros sentimientos entre nosotros y sentirnos mejor. Con esta clase, aprenderás lo fundamental de la comunicación visual y la ilustración, y cómo crear una ilustración desde cero, desde el principio hasta el final. Vamos a hablar de investigación, inspiración, construir tu ilustración en tu pedazo de papel, cómo utilizar el espacio. Vamos a hablar de maquetación, color, equilibrio, todos esos conocimientos fundamentales y básicos para construir una imagen y una ilustración final. Si quieres crear un cartel o postales o cualquier otra ilustración sobre una causa que te importe, y crear conciencia sobre esa causa y compartir tus emociones, ideas y sentimientos con otros, esta es la clase perfecta para ti. El primer paso será estudiar el tema que elegimos. No empezaremos enseguida a dibujar, pero vamos a escribir una lista de todas esas palabras que nos recuerden el tema que queremos representar. Por ejemplo, en mi caso, elegí la salud mental, así que voy a anotar todas esas palabras que para mí son importantes sobre la salud mental. Para mí, la salud mental significa cuidarnos sentirnos mejor,
tratar de ser positivos, así que voy a anotar todas esas palabras que me hagan sentir mejor.
3. Elige el tema: Empecemos a anotar todas las palabras relacionadas con nuestro tema. Como dije anteriormente, elegí el tema Salud Mental. Empezaré escribiendo el tema que elegí y pensando en todas las palabras relacionadas con el tema y cómo esas palabras me hacen sentir. Cómo puedo extranet lo que estoy sintiendo en este momento. Al anotar todas estas palabras en este primer paso, recuerda ser realmente fiel a ti mismo y escuchar tus propias emociones y sentimientos. Te aconsejo que no sigas enseguida en Internet para ver qué hay del tema que elegiste. Pero realmente conéctate contigo mismo y piensa en lo que te hace sentir mejor. Por ejemplo, en mi caso, elegí la salud mental. De verdad quiero enfocarme en mí mismo y pensar por un momento a todas esas cosas que me hacen sentir mejor. Elegí relajarme, amarte a ti mismo, y el aislamiento. Yo quiero enfocarme realmente en el aislamiento. Yo quiero apuntar todas esas cosas que me hicieron sentir mejor en aislamiento. Porque la salud mental, después de todo, es pensar en sentirse mejor contigo mismo, tratar de sentirte mejor. ¿ Qué no me hace sentir mejor estando aislado? ¿ Qué puedo hacer para cuidarme o
cuidar y mi salud mental mientras estoy aislado. Lo que significa salud mental para mí, para mí salud mental significa cuidarte. Significa relajarte. Significa positividad, mantenerse positivo. Creo que en mi lista tengo algunos conceptos que me gustan, como relajarme, cuidarme, amar. También me gusta desarrollar más aislamiento a pesar de que esté en mi lista negativa, digamos. Pero quiero desarrollar el concepto de aislamiento, que es negativo. Yo quiero transformarlo en un concepto positivo. ¿ Cómo puedo representar el concepto de aislamiento, que es negativo, en una imagen positiva que permita que la gente se sienta mejor. Dejará que la gente y yo nos sintamos mejor. Ahora tengo mi concepto, mi idea de cómo quiero representar el tema del que quiero hablar. Yo quiero hablar de estar en aislamiento y seguir siendo capaz de cuidar de ti mismo, tu salud mental, y ser positivo. Ahora la hora tiene que encontrar un concepto para representar la idea de aislamiento que elegí. Aislamiento, ¿cómo me siento bien en aislamiento? Por tal vez cocinar una buena comida. Enciende algunas velas. A lo mejor disfrutar de una pizza y una película. Toda la actividad que podemos hacer ahora. Piensa, no tiene que ser una acción real, puede ser hasta abstracto. Podemos pensar, no
estás solo. Podemos pensar el hecho de que esto no es para siempre. Esta posición, no estamos en esta posición para siempre, va a mejorar. Creo que tengo el concepto que me gusta. A mí me gusta que pensemos que esto no es para siempre y va a mejorar, lo hará. Quiero desarrollar este concepto más ahora. Al pensar en el aislamiento y sentirme bien, tratando de sentirme positivo, en la positividad, empecé a pensar en florecer, el concepto de primavera. Decidí representar mi tema con flores y el concepto de volver a florecer, siendo positivo de nuevo. Yo quiero comunicarme con la gente que esta no es una situación en la que vamos a estar para siempre, pero va a mejorar, tenemos que ser positivos, y volveremos a florecer. La idea principal, mis textos que al final también quiero insertar en mi postal, es que volveremos a florecer. ¿ Cómo represento este concepto? Como se puede imaginar, la misma idea se puede representar de tantas maneras. Esta es la parte divertida de la ilustración, y ser artista, que podemos representar sentimientos
comunes que son comunes a muchos de nosotros pero de nuestra manera única.
4. Desarrollo del concepto: Antes de comenzar mi boceto me gusta tener algunas entradas visuales, y me gusta usar Pinterest para crear tableros de humor. Pinterest es un software digital. Puedes crear tu perfil, y crear tus propios tableros de humor, pueden ser públicos o privados. Es un poco como Google Images, comienzas escribiendo la palabra que quieres investigar, y luego tienes muchas imágenes, y luego entra en imágenes relacionadas. Puedes encontrar cosas relacionadas con esa palabra en las que podrías incluso pensar. A mí me gusta mucho Pinterest por esto, y luego puedes guardarlo. Podrás guardar todas las imágenes en tu pizarra de humor, para que tengas todas tus imágenes juntas. Por ejemplo, empecé escribiendo flores floreciendo. Empecé a tener todas estas lindas imágenes sobre flores, y luego encontré una amapola. Me gusta mucho el concepto de la amapola para mi ilustración porque tiene un color rojo muy brillante, muy potente, así que es buena la ilustración que quiero. A mí me gusta porque se puede representar en las diferentes etapas de la amapola desde cuando es un cogollo, y luego va a abrir, y luego finalmente abrir. Me gusta como concepto, como flor, así que decidí ir con la amapola, y creé mi tablero de humor sobre la flor. Una vez que tengo mi idea del concepto que quiero representar, ahora es el momento de agarrar algún papel, o nuestro software digital, y empezar a bosquejar.
5. Crea bocetos: Por fin es hora de esbozar nuestra idea. Utilizaré Adobe Fresco. Nuevamente, eres muy bienvenido y libre de usar cualquier otro software o técnica tradicional. Ahora, es hora de empezar algún boceto. No me preocupo demasiado por el diseño. Ahora, solo voy a bosquejar mi idea básica y luego ver después sobre el layout y los colores. Yo quiero representar a una persona. Voy a llevarme mi lápiz de bocetos, un poco más grande para que puedas ver. Decidí ir con la persona entre una persona y una flor para representar mi idea floreciente. Empezaré a bosquejar algunas posiciones básicas del cuerpo humano. Porque la idea es representar a alguien que se ama a sí mismo, me gusta representarlo como si se estuviera abrazando a sí misma. A lo mejor en una posición que me dio la idea de la calma y el amor propio, el abrazo de sí mismo. Está abrazando sus propias piernas con una mano encima de la otra. Ella es una especie de cruzar piernas lo que me recuerda como una posición, lo sé, me recuerda a la protección, está protegiendo a sí misma y al amor a sí mismo. Podemos ver su cara. Esta será la cara, así que no te preocupes demasiado por los detalles ahora. Sé que aquí habrá una flor en la cabeza y es solo para conocer la forma y posición básicas. Pero no te preocupes demasiado, va a ser rápido. Este está de cara a la izquierda. Intentaré tal vez representarla sobre su espalda, como si estuviera sentada quizá en el piso y podamos verla de vuelta. Porque es un personaje en medio de flor y un humano, estoy diciendo ella, pero no me preocupo realmente por el género ni por la ropa porque tiene que ser una persona real pero tampoco una persona real. Tiene que recordarnos a una persona. Pero no tiene que ser realista. Digamos que los ojos cerrados, como ella está pensando. Esta podría ser una buena por aquí. Pero sigo, tal vez quiero intentar dibujarlo en el otro lado, como mirar hacia el otro lado. Siempre en la parte de atrás. Ella está de frente a este lado pero no podemos ver realmente su cara. A lo mejor sigue sentada en el piso. A mí me gusta esta posición de sentarme en el piso. Al hablar de emociones y cómo representarlas, la posición representará al cuerpo. Es realmente importante porque el lenguaje corporal, es realmente importante expresar algo. Dibujarla en la espalda, que no podamos ver su cara nos da más sentido de lo privado, como si la pudiéramos ver, pero realmente no puede vernos como si solo estuviera concentrándose en sí misma. Bueno, si quiero comunicarme más, si quiero que mi personaje se comunique más con la persona
que mira mi ilustración, definitivamente la pondré de cara porque podemos mirarla y ella nos puede mirar, y nos conectamos. A mí me gusta la idea no sólo de tener una flor en la cabeza, sino porque está floreciendo, tal vez podría ser ella misma la planta. Entonces esta columna me recuerda a una rama o pueden ser hojas que terminan con la floración de una flor. A mí me gusta esta idea, no te preocupes demasiado por la anatomía perfecta también, siempre
podemos ajustarnos más adelante. Ahora, tiene que ser algo realmente un boceto rápido. A mí me gusta esta idea del florecer en las hojas. Yo quiero probar tal vez otra posición la cual está mirando un poco más hacia abajo, como si aún tuviera que florecer. Aquí, sólo tenemos la hoja, no la flor todavía. A mí me gusta esta idea de la columna vertebral, así que la llevaré de vuelta aquí. A lo mejor se está abrazando las piernas, pero sigue como que se pone en cuclillas en el piso. Tengo estos cuatro lenguajes corporales diferentes ahora. Analicemos un poco estos bocetos que hice, y este diferentes lenguajes corporales, y veamos qué comunican en término de sentimientos y emociones. Puedo ver en mi primera. Esta es una posición reconfortante porque es como un auto abrazo, y ella está frente a nosotros para que podamos ver sus expresiones, podemos agregar un poco los ojos cerrados y una pequeña sonrisa, muy positiva, y ella está mirando hacia la izquierda, pero ella va hacia la izquierda. Este, creo que me gustó éste porque realmente exonera toda mi idea de, no
estamos bien ahora en este momento, pero vamos a volver a florecer, por lo que todavía se está cerrando,
cerrando , yendo hacia la positividad. Este me gusta, pero tal vez es un poco demasiado triste porque me recuerda como el llanto de un niño acurrucado en una silla, llorando. A lo mejor es un poco demasiado triste. Podemos ver su rostro pero sólo los ojos por lo que sólo está triste. Sería raro poner, ya ves, una sonrisa, sería muy raro. Sólo podemos verla de vuelta. Ella está mirando hacia la izquierda. Todos ellos son los elementos para representar la tristeza. Si queremos representar algo que va realmente mal,
depresión, ansiedad, éste,
esta posición va todo hacia la tristeza. Esta a pesar de que está mirando a la derecha, sigue en la espalda por lo que no podemos ver su cara. Realmente no podemos conectarnos con el personaje. Como dije, me gusta esta idea de que la columna vertebral se transforme en hojas y luego acabe en una flor en una cabeza, pero aun así da la sensación de florecer, pero no realmente conectando, y quiero que mi público realmente conectar con el personaje. Este yo diría, es el mismo problema de esto es realmente triste,
está de frente a la izquierda, no la podemos ver mirando hacia atrás. Esta posición es muy buena si queremos representar un trauma. Esta es realmente una posición fuerte del lenguaje corporal para expresar algo realmente malo sucedió en esa persona, aislamiento, ella no quiere hablar con nadie, está enfrentando a la derecha. Para este proyecto en particular, supongo que iré con esta posición porque tiene todos los elementos que quiero representar en mi ilustración.
6. Crear el diseño: Ahora tenemos nuestro boceto final, que ya hice con fines de tiempo. ¿ Cómo voy a colocar a este personaje en la posición correcta en el espacio? Puede estar centrado, puede estar aquí, puede estar ahí, puede estar ahí. Pero, ¿cómo sé dónde poner esto en el espacio con una buena composición y equilibrio? Por lo general, uso la regla de los tercios, que se utiliza ya sea en fotografía, en pintura, cualquier técnica visual realmente. Hacer una buena composición es básicamente dividir el espacio en nueve partes iguales usando dos líneas. No tiene que ser realmente preciso en este caso. Por las intersecciones de líneas, tenemos cuatro puntos focales. Al colocar la imagen, en lugar de simplemente centrar la imagen, colocando el tema que queremos enfocar en uno de estos puntos focales, vamos a crear una composición con mucha más atención, energía, e interés. Si quiero crear una imagen realmente atractiva donde el sujeto realmente se involucre con el público, voy a colocar aquí porque es el punto más cercano al observatorio, a nosotros. Si quiero comunicar algo más lejos que el sujeto está lejos de nosotros, lo voy a colocar probablemente aquí. Si quiero crear una composición realmente equilibrada con no tensión realmente, algo realmente calmante, usaré el espacio central. En este caso, quiero usar algo de tensión, algo de energía, mi composición, y conectar mi personaje con el espectador. Entonces lo voy a colocar justo aquí. Otra regla para crear una buena composición equilibrada utilizada por todos los pintores y artistas de Leonardo Da Vinci a incluso previamente y donde se puede ver una breve descripción de la relación dorada en las diapositivas que proporcioné, es de hecho utilizar el proporción dorada, que es ésta. Si los puntos focales, que es
éste, cae donde pongo a mi personaje y voy a usar esta curva porque si todos los demás elementos en el fondo, entonces con la relación dorada es básicamente cómo va a verse
el ojo en nuestra ilustración siguiente, partiendo del punto focal y luego seguirá estas curva natural. Entonces por ejemplo, en mi ilustración, quiero incluir algún elemento de texto. Colocaré aquí mi texto. Mi ojo, incluso sin la misma proporción dorada, todavía puede seguir esta curva natural e ir directo al punto focal, podemos verlo aunque no esté ahí. Como puedes ver, utilicé un formato vertical, un retrato, pero puedes elegir usar ya sea cuadrado o paisajístico. ¿ Cómo elijo el formato en el que quiero hacer mis ilustraciones? Básicamente, depende del uso que vayas a hacer de la ilustración. ¿ Cómo elijo si uso vertical, horizontal o cuadrado? Te daré un ejemplo con algunas de mis ilustraciones. Yo uso vertical en caso de querer representar a alguien volando, como subir. Entonces en esta ilustración, es bueno usar vertical porque da la sensación de que el personaje volando arriba y arriba y arriba hacia el cielo. Si bien uso también vertical para paisaje, pero tienen más elementos verticales que horizontales, como esta es la ilustración de Berlín y esto es realmente alto. Es más importante dar importancia a estos elementos que al otro. Quiero que te enfoques más en estos elementos, la torre alta más que en el paisaje aquí. Elegí un formato vertical. bien horizontal, por ejemplo, si quiero representar más naturaleza y quiero mantener el ojo del espectador a nivel de terreno, usaré más de un formato horizontal. Si hago algo con fines de Instagram, para mi social, y ya sé que va a ser en Instagram, solo elijo el formato cuadrado. Entonces no tengo que cortar elementos importantes. Construyo la imagen directamente en nuestro formato cuadrado. Volviendo a nuestra ilustración, ahora, dijimos que tengo mi personaje, sé dónde colocarlo. Ahora es el momento de llenar el fondo con elementos importantes que están conectados a nuestro personaje. Porque esta es una flor, quiero poner a mi personaje en un fondo con unas flores más, línea
horizontal, y eso da realmente quietud a mi ilustración. Porque realmente quiero ser positivo y quiero
dar la sensación de subir e ir positivo, tiraremos más dinámicos en lugar de quietud en mis antecedentes. Para dar más una sensación de movimiento, elegiré una línea diagonal en lugar de una horizontal. Realmente da una sensación de subir. Le daré alguna hoja a mi flor y porque
quiero mantener la sensación de subir diagonal, pondré aquí una hoja más grande y quizá una pequeña allá. También si quiero en el fondo, empezaré pequeño y creciendo más alto. Todo realmente se siente como seguir esta línea diagonal. A lo mejor otro aquí. A lo mejor aquí, otra flor que se verá más como una amapola, porque dije, quiero representar a la amapola y tal vez escuchar una amapola que aún no está abierta. Tenemos este sentido del tiempo que pasa en una sola imagen porque tenemos el cerrado, el casi abierto y luego nuestro abierto. Dijimos bistec de vuelta mi relación dorada aquí. Dijimos que los textos estarán aquí para mi postal, si incluiste un texto. Si no, no tienes que preocuparte. Nuestra ilustración está empezando a obtener el look final, tenemos nuestro boceto final. Ahora realmente quiero mostrarles la diferencia de esta diagonal subiendo o bajando en cuanto a expresar la emoción correcta. Como dije, quería ser positivo, dar la sensación de crecer, pasar el
tiempo por comenzar con la amapola cercana yendo hacia su apertura, ir hacia ella está realmente abierta. Quiero mostrarte cómo cambia el sentimiento si volteo toda la imagen. Se puede ver si le doy la vuelta a toda la imagen, parece que ella está aterrizando desde una montaña. Se transforma todo yendo hacia la positividad y subiendo a ir hacia abajo. De repente se está abrazando, sonriendo frente a nosotros, pero no da una sensación de positividad de ir hacia la floración. También porque leemos de izquierda a derecha, vamos a leer esta imagen así. Vamos a leer como está la amapola o completamente abierta aquí, luego está cerrando y luego está cerrando. Está yendo hacia atrás en lugar de ir hacia adelante con el tiempo. Cómo posicionas estas líneas diagonales es realmente importante. Si quieres dar sentido del tiempo, pasa atrás pasando hacia atrás, yendo hacia algo hacia abajo, como dije, esta es la línea a usar si quieres representar algo que empecé bien y luego va hacia la ruina. Es bueno usar sensor bajando. Si quieres representar a alguien bajando por debajo o yendo a lo profundo de los océanos nadando abajo, usas a la persona nadando aquí con esta diagonal yendo hacia abajo. Pero en este caso, porque queremos ser positivos y queremos poner todo subiendo, floreciendo, yendo hacia la primavera, vamos a usar este diseño final. También en el fondo, pongo estas plantas creciendo y creciendo para reconectar con la floración de este personaje. También como personaje principal, también las plantas de fondo están creciendo y floreciendo. Este es nuestro boceto final, ahora vamos a elegir algunos colores.
7. Elige los colores: Al hablar de emociones y cómo representarlas en una ilustración la elección correcta del color es realmente importante porque cada color tiene su propio significado. Es realmente importante crear una buena paleta de colores y probar diferentes antes de entrar en la ilustración final. Sugiero elegir una paleta de colores con tres, máximo cuatro colores para mantener la armonía y un buen equilibrio. En ocasiones uso algunas apps para ayudarme a elegir la paleta de colores, por ejemplo me gusta mucho esta app llamada Adobe Capture. Puedes descargarlo gratis y básicamente es una app de Adobe donde puedes tomar una foto de alguna cosa. Por ejemplo a veces estoy caminando por la calle y veo una muy buena ventana o un auto, me gusta el color y solo tomo una foto. Puedes descargarlo también con el teléfono, tomas una foto de algo y crea la paleta de colores basada en esa imagen. Entonces ahora tomé una foto de esta caja y la app creé una paleta de color con el amarillo, el rojo, ahí
vamos usando esta imagen. Esto es realmente útil para tener nuevas ideas de paletas de colores y es realmente bueno si quieres mantener la paleta de colores natural, por ejemplo quiero ilustrar paisaje en otoño. Si estoy en el parque y solo tomo una foto y
puedo tener esa paleta de colores con el amarillo derecho, el marrón derecho, y el verde derecho. Es una aplicación realmente útil, voy a proporcionar el enlace en los recursos o simplemente puedes tomar imágenes, pinturas
antiguas y recoger ahí el color con el Adobe y Photoshop, hay muchas técnicas diferentes para elegir paleta de colores. Yo proporcionaría también algún título de buenos libros sobre teoría del color y paleta de colores. Al hablar de emociones, los colores son realmente importantes porque cada color tiene su propio significado y en el video corto, hablé de cómo elegir una paleta de colores y qué software uso, Adobe Capture o simplemente tomando inspiración de otras pinturas o cuadros. Prueba la paleta de colores en la ilustración, obviamente
se libera si usas digital, basta con crear una nueva capa debajo de la capa de boceto. Si utilizas tradicional, ya sea un sacar boceto muy rápido de mi boceto en mi dibujo final en papel diferente y luego pruebo diferentes paletas de colores con pasteles o escaneo la ilustración
final e imprimo algunos base núcleo de la misma en papel normal solo para probar con colores y pasteles. Estamos usando digital aquí, así que voy a crear estas nuevas capas debajo y probar diferentes paleta de colores. Empezaré con el rojo de la amapola, porque elegí la amapola sobre todo por el color. El rojo es un color poderoso, es muy fuerte y creo que es bueno que nuestro personaje tenga un color fuerte que comunique energía, peleando, pero en este caso, peleando de buena manera, como luchar por florecer de nuevo. Pondré aquí en otro nivel, ya sea
puedes guardar el color del interruptor si estás en Photoshop o en el caso del fresco, suelo hacer esto en otra capa, así que después solo puedo volver a recoger el color con la herramienta gota, por lo que hicimos esto. Puedes hacer todo en una sola capa cuando intentas el color o puedes usar diferentes capas, así que después de que sea más fácil cambiarlo. Iré con verde turquesa, que es uno de mis colores favoritos, lo uso mucho en mi ilustración porque es realmente
más delicado que el verde y da una sensación de calma. Si piensas en escuelas, hospitales, todos
tienen paredes con turquesa o azul
claro porque es un color realmente calmante. No tienes que ser, perdón, preciso en esta etapa. Cambié el pincel. No me preocupo por ser preciso en absoluto. Es solo saber qué color va a dónde y si funciona en conjunto porque podemos aplicar la teoría, pero hasta que no vea algo con los ojos, realmente no
sé si está funcionando o no, así que la única manera de saber es para probar. Entonces para el cielo, trato de mantener tres, máximo cuatro colores en mi paleta de colores y luego una vez que tengas tu color, puedes ir con el mismo color, pero ligeramente menos saturado o menos oscuro como este, tal vez un poco más. Sí, así que voy a crear otro nivel para mis antecedentes. Voy a hacer esto y luego iré recto con el cubo, así que ahorra tiempo. A mí me gusta, se ve bien hasta ahora. Necesitamos un tercer color para la Tierra aquí dentro. Yo quería un color fuerte que diera positividad y realmente atraiga la atención. El amarillo es perfecto como nuestro color brillante. Recuerda a la positividad del Sol. Imagina un campo de amapolas en primavera con el sol brillando. Estos tres colores son muy armónicos juntos. Entonces para mi personaje, sólo
nos quedaremos con el amarillo e iremos con menos saturación y está funcionando bien. A lo mejor necesitamos equilibrar más. Esconde estos. Tenemos que equilibrar un poco más. Equilibrar siempre es bueno poner un elemento en la esquina opuesta. Si toda nuestra ilustración se basa en esta esquina, necesitamos poner un pequeño elemento para equilibrar el peso es como pensar en una escala de peso. Tienes que equilibrar poner de la misma manera más o menos en ambos. Yo quiero equilibrar en esta esquina. En mi caso, tomaré el mismo color de mi personaje y mi elemento de balance será mi texto. Yo quiero insertar. Volveremos a florecer. Si no tienes texto. Si estás usando un paisaje donde hay algo de cielo, suele ser muy bonito equilibrar todo con una nube en la esquina que cierra el marco. Puedes insertar algunas nubes o puedes insertar otra hoja de un árbol. Puede ser cualquier cosa, puede ser cualquier elemento que esté conectado con tu ilustración, siempre y cuando no sea demasiado prominente, usa un color que usaste aquí en esta esquina. Podría ser de este color o el amarillo. No uses el rojo. Es decir, no uses el color que usaste en el centro. Usa el color que usaste más cerca de este rincón de tu imagen. Voy a borrar esto. Vuelvo a poner mi texto en mi caso, y luego jugaría con estos. Tengo estos cuatro colores y tocaré todas mis ilustraciones con estos colores. Si quiero seguir con las plantas en la parte posterior, usaré el amarillo. No uses ningún otro color, usa solo estos cuatro colores que elijas para tu paleta de colores. Si quiero resaltar las líneas en la hoja, jugaré con el espacio negativo. Usaré el color del fondo. A lo mejor esta hoja puede ser en realidad amarilla, por lo que equilibra el amarillo de esta parte. Es realmente como, pienso en este paso como un tablero de ajedrez, como puedes usar los colores como un tablero de ajedrez. Si esto es amarillo, esto es azul, entonces esto es amarillo. No pongas demasiado color realmente similar uno al lado del otro, pero traté de alternar los colores. Quiero usar algún elemento más rojo para volver a tomar el rojo. A lo mejor voy a hacer las mejillas y luego trataré de usar también el color de mi personaje para equilibrar con la hoja. también me gusta jugar con espacio negativo. Esto es algo muy personal con mi estilo, pero como lo estamos haciendo juntos, te
mostraré como dividir un elemento donde está la línea. Por ejemplo, en este caso de mi personaje, la línea de mi personaje divide la hoja en dos. Me gusta jugar con paleta de colores y alternar los colores. Si la hoja sale fuera de mi personaje, uso el color de mi personaje y la hoja que va dentro, uso el color del fondo o el tercer color que utilicé en este caso, este verde y el mismo con esta hoja. Entonces al final, puedo agregar elementos, no te
preocupes por el final que quieres agregar elementos está bien. A lo mejor quiero agregar algunos pequeños detalles ahí al final. También en esta etapa, no
tienes que ser súper perfecto con todos los detalles. Al igual que elegir el color básico, el color general de toda la composición y al final, puedes agregar los pequeños detalles. Sólo recuerda que es realmente importante cuando dibujas digital. Dibujo cada pequeño elemento en una capa diferente. Si no estoy satisfecho al final, puedo cambiar fácilmente el color de una sola hoja o el color de las mejillas del color del interior del punto p con mucha facilidad.
8. Cómo agregar los detalles finales: ¿ Verdad? Está bien. Está bien.
9. Digitalizar la ilustración: Como dije al principio en el último video, quiero mostrarte cómo integro mis texturas de acuarela en muchos dibujos digitales o cómo digitalizar tu ilustración final si trabajabas en tradicional. Voy a tomar como ejemplo, estas texturas que antes hice es una textura de acuarela. Vamos a escanearlo, te
mostraré cómo escanearlo en Photoshop, y cómo ponerlo junto con la ilustración. Es el mismo proceso que quieres escanear tu ilustración final, luego limpiar y ajustar algo de exposición y algunos contrastes en Photoshop. Empecemos por poner la ilustración en el escáner, y luego abrir Photoshop, y vaya a Archivo, Importar,
Soporte, elija el “Escáner”, Inicio. Recuerda lo muy importante para personalizar la configuración haciendo clic aquí y luego ajustar la calidad de la imagen escaneada. Ajusta la resolución a 300 DPI, que es la resolución mínima para imprimir documentos e imagen en color, Ok, y luego Escanear. Una vez que tenemos nuestra ilustración de textura en Photoshop, suelo tomar la herramienta Recortar y recortar todo el borde o las piezas que no necesitamos. Entonces lo que hago es ir a Imagen, Ajuste, Niveles. Pero aún mejor, vamos a Capa, Nueva Capa de Ajuste, y luego voy a jugar con los Niveles. Al hacer esto, en realidad aplicamos el ajuste a una nueva capa y no en el archivo original. De esta manera, podemos volver a nuestro archivo original si no nos gusta el ajuste y hacer un ajuste sin tocar el archivo original real. Simplemente voy a ajustar ligeramente el contraste. Ahora vamos a salvarlo. Guardar como. Normalmente lo guardo en TIFF, lo que me da la oportunidad, textura, de mantener la calidad original, ese DPI original sin perder ninguna calidad. Puedo guardarlo como copia, Guardar. Aquí en la opción de Opciones TIFF, marque ninguno para que no tengamos ninguna compresión, y Ok. Ahora hemos guardado nuestra textura. Abramos de nuevo nuestro expediente original. Queremos insertar la textura en y vamos a ir a Archivo, Colocar, y encontrar la palabra textura, Lugar. Pongámoslo tan grande como el archivo. Normalmente juego con el modo Mezclar. Como puedes ver, cada uno de estos tiene una interacción diferente con la capa debajo. Podrás jugar con ellos, elegir el mejor efecto que te satisfaga. Vamos por Multiplicar, y luego ajustar la Opacidad. Ajustar Relleno hasta que estés más feliz con el resultado. También puedes duplicar tu capa haciendo clic en mantener pulsado e ir a este pequeño ícono con un plus. Esto duplicará nuestra capa, luego aplicar otro modo de mezcla en la segunda capa, y tendrás efectos aún más diferentes. Una vez que estés contento con él, vamos a guardarlo, File. Podemos ahorrar diferente dependiendo de cómo vamos a usar esta ilustración. Si desea guardarlo para su uso en web, por ejemplo, compartir en redes sociales o subir en su sitio web, vamos a Archivo, Exportar, Guardar para Web. Entonces aquí, elegimos “JPEG”, y aquí, podemos ajustar el tamaño en píxeles de nuestra imagen. Si quiero usarlo en Instagram, por ejemplo, puedo hacer que este archivo sea menos grande y en realidad mejor subirlo en Internet cambiando este número en pixel. Porque 3000 pixels es un poco demasiado, así que voy a ir a 1024, que para Instagram está bien, y guardar. Voy a guardarlo en mi escritorio por ahora. Si bien si quieres usarlo para imprimir, recuerda guardar de una manera diferente. Ir a Archivo, Guardar como. Normalmente uso Photoshop PDF cuando voy a imprimir, y pondré en el nombre del archivo de impresión, para que pueda recordar que es el de alta resolución. A modo de copia, podemos quitar las capas porque no las necesitamos, podemos guardar todas como una capa única pero manteniendo la calidad PDF. Ese es nuestro archivo listo para imprimir. Compresión, deja todo como está porque por defecto, va con la máxima calidad y solo Guardar PDF. Ese será nuestro archivo listo para imprimir. Con el mismo proceso, si trabajamos con técnica tradicional, podemos volver a poner nuestra ilustración en el escáner, ir a abrir nuestro Photoshop, ir al archivo, importar, soporte
WIA, iniciar, elegir nuestro escáner, Está bien. Recuerda siempre personalizar los ajustes, ajustar la calidad, mínimo 300 DPI, que es el DPI mínimo para alta resolución. Imprimir, Está bien, escanea, ahí vamos. Una vez que tenga mi ilustración, puedo volver a recortar el borde justo sobre ella. Entonces voy a trabajar de nuevo no en el ajuste en la imagen pero
voy a ir Nueva capa de ajuste. Voy a jugar con los niveles para ajustar el contraste. Nuevamente, estos nos permiten realizar ajustes en una nueva capa sin tocar la imagen original real. Tan solo un poquito, así que queremos mantener los colores originales simplemente ajustando el contraste y hacer que el color sea más vibrante. Entonces suele ser bueno hacer zoom para ver si hay algo que queremos dejar. Por ejemplo, aquí tengo esto y puedo tomar mi herramienta, la herramienta de parche. Recuerda desbloquear la capa original. Tenemos que trabajar en la imagen real. Ahí vamos. Con esto, puedo limpiar todo lo que no me gusta. Por lo general, el escáner hace este efecto sucio en el borde para que pueda trabajar en esto. Puedo limpiar todas las cosas que no me gustan una vez que estoy satisfecho con los colores. Si quiero agregar más borde, realidad
puedo sostener Alt Windows y agrandar el lienzo. Ahora, tengo más borde, y luego puedo agregar otra capa, sostenerla, cambiarla atrás. Toma nuestra gota de ojos, toma el color del fondo, llena de cubo. Si ahora tenemos este borde, podemos volver a la capa de nuestra imagen. También podemos usar la herramienta de borrador, poner la dureza al mínimo, cero por ciento, comprobar el tamaño, y podemos eliminar. Esto es realmente sólo tener paciencia y hacerlo, realmente no
hay otras formas de hacer esto. Si queremos ir recto cuando hacemos clic en nuestro borrador, podemos mantener pulsado Shift y va a ir justo derecho hacia abajo así obviamente. Ahora no lo estoy haciendo realmente en detalles muy precisos. Esto es solo para mostrarte el proceso. Pero sí, he limpiado todas las piezas que no me gustaron. Yo diría que ahora está listo, y luego otra vez, como antes, vamos a guardarlo, exportar, guardar para Web si queremos usarlo como imagen para subir en línea. Podemos poner
aquí un número menor de píxel para que la imagen sea más pequeña para su publicación en línea. Instagram, Facebook, esta resolución está bien. De lo contrario para imprimir, vamos Guardar como, guardar como Photoshop PDF, como copia. Puedes mover las capas con esto y guardar. Recuerda no tocar nada aquí porque por defecto va de máxima calidad. Guardar como PDF. Entonces recuerda siempre guardar una copia como PSD real si quieres cambiar en el futuro. Puede guardar Photoshop PSD o TIFF. Guardar en las capas. Normalmente lo hago en capas para que pueda recordar es la capa real. No guardes como copia pero recuerda mantener capas. Vas a guardar en el archivo cada una de las capas, y en el futuro si quieres eliminar este ajuste, queremos poner otra capa de ajuste o queremos cambiar cualquier cosa, tenemos todas nuestras capas guardadas.
10. Conclusión: Enhorabuena, hiciste la clase, terminaste tu propia obra de arte
e ilustración, y quiero mostrarte al final en qué se convirtió mi ilustración. Lo imprimí y lo envié a mis amigos, y familias, y simpatizantes, y seguidores. El ejemplo, se puede ver se puede utilizar de muchas maneras. Se puede imprimir y enviar. Se puede simplemente compartir como un post social para crear conciencia de tu causa, o puede ser parte de un proyecto más grande. Puedes tomar, por ejemplo, todas las palabras que encontraste al principio y junto a esta ilustración, puedes ilustrar todas las demás palabras que encontraste, y crear una serie de ilustraciones con el mismo tema, y luego podría convertirse en un proyecto más grande como un pequeño e-book, o un pequeño libro ilustrado que quieres producir por ejemplo. Personalmente me siento mucho mejor cuando ilustro algo sobre una causa que me importa, o cuando me conecto con mis propios sentimientos sobre un tema como la salud mental, y a veces descubro sentimientos o emociones que realmente no conocía, o no estaba al tanto. Porque es un proceso que realmente me conecta conmigo mismo y lo que estoy sintiendo en ese momento en particular al pensar en ese tema. De verdad, de verdad espero que te haya gustado la clase y por favor compartas tu proyecto al final, y gracias de nuevo por elegir mi clase.
Simona De Leo, Freelance illustrator
