Animación DIY para principiantes

1. Introducción: Hola, mi nombre es Ryan Conbruck, y esto es animación DIY para principiantes. Soy ilustrador y animador con antecedentes en arquitectura. He tomado el dibujo en habilidades de modelado 3-D que aprendí en arquitectura y las he aplicado a diversos proyectos personales animados. Algunos de estos proyectos incluyen un fondo animado que hice para un comediante y video musical. Actualmente estoy trabajando en mi propia serie animada la cual planeo estrenar en YouTube. En este curso, vamos a estar viendo los fundamentos de la animación. Esto incluye el diseño de personajes, el diseño de fondo, movimiento, y los principios básicos de edición y producción. Esta clase es para principiantes que disfrutan del dibujo y quieren dar vida a sus dibujos. Las habilidades en este curso pueden ser utilizadas para desarrollar storyboards, animáticas, y animaciones totalmente realizadas. Básicamente, cuando queremos ayudarte a tomar tu, el núcleo de tu idea creativa y traerla al mundo. En este curso, estaré enseñando mi proceso específico, el cual implica dibujar en Photoshop con un iPad Pro y modificar esos dibujos y After Effects. Puedes optar por utilizar otros programas además de Photoshop y After Effects como Flash. Pero espero que las habilidades que se imparten en este curso se traduzcan a otros medios y procesos. A lo largo de este curso, vamos a estar trabajando en un proyecto que consiste en elegir un diez, la 30 segunda pieza de audio. Esto puede ser una canción, un podcast, una película, sólo algo que estaremos utilizando para desarrollar storyboards y animáticas, y eventualmente una animación final. Para la primera parte de este proyecto, me gustaría que escogieras tu pieza de audio y quizá mires algunas animaciones diferentes en línea, como las animaciones para el mi hermano, mi hermano y yo podcast o el flop house. Hay muchas buenas animaciones por ahí que pasan por los principios básicos de la animación y traducir el audio en visuales. Gracias por acompañarme y no puedo esperar a ver qué se te ha ocurrido. 2. Herramientas y materiales: Para este curso, necesitarás algunos artículos. Necesitarás un cuaderno de bocetos, una gran parte de papel de periódico para dibujar storyboards rápidamente. También puedes usar un cuaderno de bocetos de storyboard. Necesitarás un equipo que sea capaz de ejecutar Adobe Creative Suite, específicamente Photoshop, After Effects y Adobe Media Encoder, además de algún software de edición de vídeo como Premiere o iMovie. Por último, necesitarás algún tipo de dispositivo de dibujo digital, como un Cintiq, que es mucho más costoso, pero tiene una pantalla encima, o una tableta Wacom Bamboo, que es mucho más barata pero obviamente no tener una pantalla. Personalmente, uso un iPad Pro con una app llamada Astropad, que espeja lo que está pasando en la pantalla de mi computadora en el iPad, así que soy capaz de dibujar en programas como Photoshop. 3. Objetivos y estilo: En esta lección, vamos a hablar de qué es lo que estás tratando de lograr con tu animación y cómo puedes desarrollar un estilo personal y consistente. Ahora bien, hay algo único en la animación en que está casi completamente desatada por la realidad. Queremos identificar cuáles son las partes de tu historia que se prestan a ser contadas a través de la animación, y asegurarnos de que estamos manteniendo esas ideas centrales en tu animación a lo largo del proyecto. Dadas estas infinitas posibilidades, quieres empezar a pensar cuáles son las reglas que comienzas a crear para ti mismo al comenzar este proceso de construcción del mundo. También es importante identificar lo que hay dentro de tu ámbito de habilidad. No quieres decidir que vas a asumir todo y luego darte cuenta de que no puedes hacerlo. Empieza a pensar en lo que puedes hacer con el equipo que tienes. Es posible que quieras hacer algún diálogo muy limitado o simplemente enfocarte en el movimiento. Trata de mantenerlo personal y mantenerlo relevante a tus habilidades. Empezaría con alguna prueba rápida. Dibuja tu personaje o fondo, descubre cuánto tiempo te lleva crear algo con lo que estés satisfecho. Si multiplicas el tiempo que lleva hacer el elemento singular, es manejable a una escala más grande? Este proceso puede llevarte a descubrir que tu proyecto debe ser de tres minutos en lugar de 30. Una forma de empezar a construir tu estilo personal es comenzar una colección de diferentes calidades que te gustan en otras piezas de arte. Esto es realmente fácil de hacer con Pinterest o algún otro collage visual. En la serie en la que estoy trabajando, muchos de los personajes son sacados de un mural que hice hace unos años, y me ha permitido construir una biblioteca visual rápida. A medida que continúas con este proceso de recolección de todas estas imágenes visuales, debes empezar a notar patrones que aparecen que te ayudarán a construir tu propia biblioteca de imágenes. Quieres tener cuidado para diferenciar tu trabajo de tu inspiración e identificar lo que es único de tu cosmovisión y cómo puedes aplicarlo a tu propio estilo personal. Otra cosa a considerar es si tu proyecto requiere o no un guión. Un guión puede sentirse como un obstáculo para tu proceso creativo, después de todo, esto es animación y supongo que estás aquí porque estás emocionado con los visuales. Pero un guión puede ser extremadamente útil para ayudarte a delinear y entender la estructura de tu historia. El guión también sirve como un documento que traduce claramente tu visión e intención a los demás antes de que hayas tenido la oportunidad de crear los objetos visuales. Inicialmente, me encontré con que temía escribir un guión, pero una vez que lo hice, fue emocionante. El formato de script es relativamente simple, pero vamos a entrar en eso un poco más en la siguiente lección. Por último, antes de comenzar tu animación, empieza a pensar en cuánta ayuda podrías necesitar. ¿ Tienes acaso algún otro amigo artista que estaría dispuesto a colaborar en el diseño de personajes o de fondo? Empieza a pensar en cuánto control creativo podrías estar dispuesto a compartir. Para mí, quería tener un control creativo total sobre los visuales, pero estaba más que feliz de que mis amigos hicieran algunas de las voces. Para la asignación de esta lección, elige un personaje y un fondo que vaya con el clip que seleccionaste en la última lección. Dibuja el personaje y el fondo y trata de incorporar algunas de las cualidades comunes de tu tablero de inspiración. Piensa en qué movimiento estará haciendo tu personaje en la escena. ¿ Cómo interactúan con su entorno u objetos dentro de su entorno? ¿ Qué podemos aprender del personaje desde la forma en que se mueven? Una vez que tengas un personaje y un fondo más o menos esbozados, pasa a la siguiente lección donde hablaremos cómo planear las escenas para tu proyecto. 4. Planificación: Hola, y bienvenido de nuevo a animación DIY para principiantes. En esta lección, vamos a estar hablando de planeación. Dado que la animación es [inaudible] un medio visual, podrías sentirte más cómodo usando storyboards para planear tu proyecto. storyboards son una forma rápida y desechable de conseguir todas las ideas que están flotando en tu cabeza y ponerlas en papel. También es una buena manera de ver cómo funcionan esas imágenes con el tiempo, la acción y el diálogo. Cuando story-boarding, traté de pensar en términos de cualidades cinematográficas. Puede ser útil organizar cada marco por la regla de los tercios. Ya sea que lo estés haciendo mentalmente o a veces requiere realmente sacar la cuadrícula. He oído que es bueno pensar los cortes de cada escena como si fuera la cámara parpadeando. Si te quedas en una escena, puede agregar un efecto dramático, pero en la mayoría de los casos probablemente quieras cortar cada tres segundos. Obviamente, esto debería depender de que el superior venga con, pero estas son buenas reglas para empezar. No necesitas bloquearlo todavía, pero debes tener un sentido de qué proporción quieres que sea tu animación. Si estás planeando poner tu proyecto en Instagram, es posible que quieras una proporción cuadrada. Pero si estás haciendo algo un poco más tradicional, probablemente quieras apegarte a 1080 para 1920. Si planeas finalmente tener tu animación en el teatro, es posible que quieras ir tan alto como 4K. Bueno, suena técnico. Se quiere averiguarlo al inicio de su etapa de planeación para no poner mucho esfuerzo en dibujar cosas en el perímetro que eventualmente se cortarán. Escribir un guión puede sentirse desalentador y puede sentirse como un impedimento para su proceso creativo. Pero me pareció que es esencial mantener todo funcionando sin problemas. Creo que escribir un guión se vuelve más fácil cuando haces un acuerdo contigo mismo de que puedes reescribirlo tantas veces como necesites y lo harás, por lo que es importante empezar eso muy temprano en tu proceso. Es posible que algunos proyectos no requieran un guión. Cuando estaba trabajando en un video musical, acabo de trabajar desde un storyboard. Pero escribir un guión te permite trabajar a través diversas ideas sin tener que animar cada pequeña escena. También te permite compartir esas ideas con amigos y colaboradores y obtener retroalimentación inmediata. Antes de saltar al guión, lo mejor es escribir un contorno suelto. Esto quita parte de la presión de sentarse a una página en blanco. ¿ Cuáles son los mayores beats de la historia? Qué escenas te emocionan con tu proyecto. No tienes que saber cómo terminará o empezará el proyecto. Empieza por las escenas que te interesen y saca el resto a medida que avanzas. No tengo ninguna formación de guionistas real, por lo que quizá quieras hacer alguna investigación sobre cuál es el formato oficial de guion. Lo importante es que la escena sea clara para ti y clara para la gente con la que estarás compartiendo el guión. Hay algunos scripts prácticos que ejecutan plug-ins para Google Docs. El modo en que tengo el mío montado es título y visto en la parte superior. Esto se puede utilizar para explicar el entorno y el estado de ánimo de la escena, proporcionar algunas descripciones para los personajes generales. Una vez inicias una sangría de diálogo y grita al personaje. A lo mejor proporcionar alguna dirección para cómo está hablando el personaje, por debajo de esto entre paréntesis. Si estás cambiando de personajes, comienza de nuevo y proporciona dirección adicional. También me gusta usar el guión como una forma de darme dirección sobre la obra de arte o tal vez cosas específicas que no quiero olvidar más adelante. Para la asignación de esta lección, escucha el audio que seleccionaste en la primera lección. Podría ayudar a redactar cualquier diálogo o descripciones de la acción. Empieza a dividirlo en pedazos y elige dónde te gustaría cortar la escena. Aproximadamente bosquejan cómo se ve cada corte. ¿ Cómo lo estás encuadrando? ¿ Es un tiro de primer plano, un tiro medio, o un tiro ancho? ¿ Requiere la escena un tiro establecedor o inicia en medio de la acción? Piensa en qué movimiento sucederá en la escena y cómo puedes enmarcar ese movimiento. Una vez que estés contento con el estado de tu guión gráfico o guión, pasa a la siguiente lección, donde discutiremos la producción de visuales para tu animación. 5. Estética visual: En esta lección, vamos a hablar de los visuales para tu proyecto, específicamente el estilo e identidad que vas a crear con tus personajes y fondo. En primer lugar, debes decidir si tu proyecto va a ser o no en color o en blanco y negro. Esto va a depender en gran medida de cuánta experiencia ya tengas. Si este es uno de tus primeros grandes proyectos, te recomiendo trabajar en blanco y negro porque solo hace las cosas mucho más fáciles. No obstante, si quieres usar color, sugiero que crees algo así como una marioneta en Photoshop y muevas las partes en After Effects. Hablaremos un poco más sobre cómo hacer esto en la siguiente lección. Si terminas usando color y quieres animar fotograma por fotograma, sugiero acciones de programación en Photoshop. Te mostraré cómo hacer eso al final de esta lección. Recuerda usar una referencia siempre que puedas. Pinterest es tu amigo aquí. También me gusta usar un programa 3D llamado Rhino y modelaré la forma básica que tengo en mente y bosquejaré sobre ella en Photoshop, pero también se puede animar el modelo 3D. Google SketchUp es un programa gratuito que puedes usar para hacer modelado básico, pero además no tengas miedo de construir pequeños modelos o tomar selfies solo para que tengas una referencia de cómo se ve algo. También puede ser realmente útil caminar por tu barrio y tomar algunas fotos o videos para recoger detalles que tal vez no hayas considerado de otra manera. En base a tus storyboards, ¿cuántos fondos necesitarás? Si estás acercando y alejando del mismo fondo, asegúrate de que tu archivo sea lo suficientemente grande como para que no se degrade en calidad al acercar zoom. Es posible que desee dibujar un ángulo diferente para agregar cierta diversidad a las escenas. Cuando estás diseñando tu personaje, es posible que quieras crear una hoja de caracteres para que tengas una referencia de cómo se ve ese personaje desde diferentes ángulos. Realmente no hago esto por mis animaciones, pero sí me gusta tener un personaje estándar que uso como referencia de tamaño para otros personajes. Pero en una serie animada, puede ser útil tener estas hojas de caracteres para obtener consistencia. Si estás creando un personaje que necesita moverse, asegúrate de que tus capas estén realmente organizadas bien con convenciones de nomenclatura adecuadas y que te quede muy claro. Primero dibuja aproximadamente a tu personaje, luego vuelve a dibujar todas las partes individuales del cuerpo sobre ese dibujo áspero, cada una en su propia capa. Usaremos esto para crear una jerarquía de todas las capas en After Effects para que todas se muevan simultáneamente. En Photoshop, puedes usar acciones para reducir la cantidad de tareas repetitivas que tienes. Me gusta usarlo cuando estoy seleccionando una región y quiero llenar y luego quiero crear un trazo en esa misma región para que no haya un borde blanco raro en todo el camino. Pero puedes usar acciones para muchas cosas diferentes. Para el proyecto de esta lección, escoge una escena de tu animación donde se moverá un personaje. Dibuja el personaje al inicio de la escena, al final de la escena, y al centro de la escena. Piensa en cuánta acción ocurre entre el lapso de esos momentos y luego piensa en cómo tu personaje se movería específicamente entre ellos. En la siguiente lección, hablaremos sobre cómo representar ese movimiento de diferentes maneras. 6. Tiempo y movimiento: En esta lección, vamos a hablar de movimiento y tiempo. Este es el corazón de la animación. Se puede lograr de muchas maneras diferentes pero en esta lección, vamos a estar hablando de animación fotograma por fotograma y animación de títeres. Mi método preferido es usar Photoshop para crear animaciones fotograma por fotograma. Básicamente voy a Ventana, línea de tiempo, y eso creará una secuencia de fotogramas que puedes controlar en función de qué capas estás encendiendo y desactivando. En la línea de tiempo, puede establecer el tiempo que durará cada fotograma. Como ir aquí y seleccionar la cantidad de tiempo que desea que dure el marco. Cuando esté planeando la animación, tomaré el tiempo que se supone que dure la escena y luego dividiré por unos segmentos por lo general unos seis u ocho, algo limpio e parejo, algo limpio e parejo, así que apenas más o menos bosquejar cada uno de esos marcos individuales, a veces en un color diferente para que pueda tener una mejor idea de cuánto está cambiando. Entonces una vez que consiga un movimiento suave en marcha, regresaré y redibujaré con líneas más limpias. Si tus capas están realmente bien organizadas, es posible que solo necesites animar una parte del cuerpo. Entonces con esta gaviota, se puede ver que el brazo es la única parte que se está moviendo, y simplemente dibujaré más o menos las líneas individuales de la misma manera que lo hice con la mano anterior. Por lo que una vez que el movimiento se haya suavizado, volveré a colorear todo. Una vez que hayas resuelto el movimiento principal que estás tratando de transmitir, puedes volver atrás y añadir otros detalles sutiles como respirar o mirar a tu alrededor. El otro método es usar After Effects para construir una marioneta basada en el personaje que has creado. Una vez que hayas creado tu personaje en Photoshop, puedes arrastrarlo a After Effects. Una vez que hayas agregado a tu personaje, selecciona la herramienta de pin “Marioneta” y te permitirá colocar alfileres a lo largo de tu personaje donde quieras que el personaje sea movible. Por lo que puedes simplemente mover esos puntos individuales a lo largo del tiempo, y al hacerlo puedes empezar a crear movimiento en el personaje. Hay muchas otras formas complicadas de hacer esto. Pero para los propósitos de esta lección, sólo vamos a mostrar la más simple. El otro para lo que After Effects es bueno es crear movimientos de cámara falsos. Te voy a mostrar cómo hacer el efecto paralaje, que básicamente crea la ilusión de que una cámara se está acercando a tu fondo. Esto es relativamente sencillo. Para ello, cree un archivo de Photoshop con tres capas, el primer plano, el suelo medio y el fondo. Una vez que hayas reducido las tres capas, arrastra el archivo de Photoshop a After Effects. Después podrás modificar cada una de esas capas para que se acerquen a diferentes porcentajes. El más cercano al que quieres acercar, el porcentaje más grande como 150, el medio medio al que querrás acercar a uno más pequeño, que es como 125, y luego incluso en el fondo y aún quieres que se acerque un poco poco. Pero sólo un poquito así 105 o 110. Una vez que hayas escalado cada una de esas capas, empezará a crear el efecto de acercar la escena. Para la asignación de esta lección, toma el personaje que creaste en la última lección y crea algún movimiento usando cualquiera de estas dos técnicas. En la siguiente lección, estaremos hablando de cómo dar vida a tu personaje hundiendo el sonido que está haciendo tu actor de voz con el movimiento de la boca del personaje. 7. Doblaje: En esta lección, discutiremos cómo dar dirección a tus actores de voz y cómo animar el movimiento de la boca de tu personaje para que coincida con el sonido de la voz de ese personaje. Hay un montón de micrófonos relativamente baratos que puedes conseguir que funcionarán bastante bien. Cuando grabo una voz en off, uso el Samson Go Mic y es un micrófono de bastante buena calidad pero hay que recordar mantenerlo unas nueve pulgadas frente a la cara de la persona. Para estas clases, he estado usando el Micrófono de Solapa PowerDeWise Lavalier. Si buscas algo un poco más profesional, recomiendo ir a Marco.org para encontrar una extensa revisión de diferentes podcasting y voz sobre micrófonos. Es importante grabar primero a tu actor de voz, para que tengas algo que coincida con los visuales también. Cuando estoy trabajando con alguien haciendo voz sobre, me gusta que lean un drive las primeras tomas sin efecto, solo para que se familiaricen con las líneas y luego una vez que se sientan cómodos leyendo las líneas, puedes darle algo de personalidad al personaje. Creo que también es importante probar algunas tomas diferentes del personaje. Se puede decir, hacer esto en una voz más ruda, hacerlo en voz más alta. Trata de obtener una gama de la habilidad de esa persona y luego podrás elegir la que más te guste al final. Cuando estás grabando voz sobre, es un momento de experimentar y probar muchas cosas diferentes porque es fácil grabar múltiples tomas. Se puede grabar en grabación de audio de tiempo rápido, banda de garage o audacia, entre otras cosas. Hola, ahí. Yo soy manejador y este es pueblo espacial. Para animar el habla, tu personaje necesitará alrededor de nueve formas de boca diferentes. Se puede usar más o menos pero estas nueve formas deben cubrir el rango del habla. En esta etapa, quieres mantener tus capas bastante simples. Simplemente tengo mi personaje y luego cada una de las bocas individuales forma en su propia capa. Puedes reutilizar estas formas de boca para cada uno de tus diferentes personajes pero si quieres que sea relevante para ese diseño de personaje específico, es posible que quieras usar boca diferente. A mí me gusta exportar cada forma de boca como su propio archivo PNG, que cuando la traiga a efectos posteriores, pueda controlar muy fuertemente cuánto tiempo tomará esa forma. Abrirás un nuevo archivo after effects e importarás el fondo, el personaje, las formas de la boca y el audio que grabaste en ese archivo. Primero, arrastra tu fondo a la composición, luego arrastra tu personaje así como las bocas. Selecciona tu personaje y cada una de las capas de boca y muévalas como grupo, ponlas en posición en la escena y luego trae tus audios, para que puedas averiguar qué forma tendrá que ser cada uno de esos ratones. Hola, ahí. Abre tu teléfono y entra en modo selfie y mira la forma que tu boca hace cuando dices cada una de esas palabras. Esto debería ayudarte a saber qué capas encajarían mejor con lo que se está diciendo. Entonces puedes empezar a posicionar cada una de esas bocas en base a lo que tu personaje está diciendo. Si hay un sonido H, usarías la boca H-E. Si hay un sonido O, usarías la boca O y así sucesivamente. Dejar de lado un trozo de tiempo para trabajar en esto porque puede llevar mucho tiempo. Bueno, solo haz una versión rápida del mismo aquí. Hola, ahí. Debido a que tus ojos perciben apenas un poco más lento que tus orejas, querrás mover los marcos de los movimientos de la boca hacia atrás alrededor de uno a cuatro marcos. Hola, ahí. Es posible que desee renderizar su composición unas cuantas veces, para que pueda retocar la posición de esas bocas. Para la asignación de esta lección, graba tu propio audio y ya sea usando el archivo que acompaña a esta lección o tus propios archivos, sincroniza la boca con el discurso en tu audio. En la siguiente lección, vamos a cubrir algunos principios básicos de edición de video y flujos de trabajo. 8. Edición: En esta lección, vamos a hablar de algunos flujos de trabajo básicos de edición y cómo agregar algo de ambiente a tu animación con efectos de sonido y música. Usando After Effects, hay dos formas diferentes de exportar una escena. Puedes renderizar tu composición desde After Effects o puedes usar Adobe Media Encoder, que producirá algún archivo más manejable. Una vez que tu composición esté lista en After Effects, ve a composición, agrega a Render Queue. Aquí puede modificar su tipo de archivo. Te recomiendo Lossless si quieres calidad completa. Hay alternativas a esto en Adobe Media Encoder. Como habrás notado antes, desde la composición en After Effects, puedes seleccionar, agregar a Adobe Media Encoder Queue. Una vez que todos los ajustes estén donde los quieres, puedes presionar Render. Para los efectos de este tutorial, vamos a renderizar en Adobe Media Encoder. Una vez que hayas guardado tu archivo After Effects, abre Adobe Media Encoder. Haga clic en este pequeño signo más, y puede agregar su archivo After Effects desde allí. Dependiendo del tamaño de tu archivo, solo podría tardar algún tiempo. Puede seleccionar el formato de su archivo aquí. Estoy usando H.264. Desde este cuadro de diálogo, puede seleccionar el formato que mejor se ajuste a su animación. Después de haber seleccionado el formato que quieres, pulsa el botón de reproducción en la esquina superior derecha para renderizar. Si lo desea, puede ensamblar toda su animación dentro Adobe After Effects y exportar utilizando este método. Prefiero exportar escenas individuales en After Effects y luego importarlas todas a iMovie para ensamblarlas juntas. Creo que esto hace que sea más fácil coordinar música y otro sonido. Una vez que tus escenas estén listas, arrástralas a iMovie y empieza a colocarlas en la línea de tiempo en el orden que las desees. Puedes comenzar por colocar tus escenas y averiguar tu secuencia en base a eso, o bien puedes empezar con la música que quieras y disenar las escenas basándose en cómo encajan con esa música. Cuando tus escenas estén más o menos dispuestas, selecciona tu música y cualquier otro audio y arrástralo a iMovie. Puedes usar una escena en blanco como portador de lugar para empezar a pad out las escenas en función del tiempo de tu audio. Usa este deslizador aquí para cambiar la escala de tus escenas. Si quieres verlos todos al mismo tiempo o quieres quedarte realmente estrechado en la única escena específica. Esto ayuda mucho con la edición de más detalles minuciosos. Ya verás en esta escena que estoy tratando de poner todo en base a cómo la escena se alinea con la música. Ahí hay un riff de guitarra que dura unos tres segundos y estoy emparejando cada escena con ese riff. Una vez que tengas las escenas más grandes, puedes empezar a ajustar cada una de las escenas individuales por medio segundo o cuarto de segundo. Cuando todo es justo como te gusta, puedes exportar tu escena usando este icono en la parte superior derecha. Ese es el archivo con una flecha apuntando hacia arriba. Asegúrese de elegir la resolución adecuada. Obviamente, cuanto más alto mejor. posible que lo necesite para diferentes propósitos. Simplemente usa lo que creas que es mejor para lo que estás haciendo y apóyate hacia una mayor calidad. Puedes mejorar tu animación agregando música. Puedes encontrar algo de música gratis en el Archivo de Música Libre u otros sitios web con música gratuita. Si quieres crear algo propio, hay algunas formas diferentes por ahí para crear fácilmente tu propia música. Soy un gran fan de los Operadores de Bolsillo de Ingeniería Adolescente. Son estos sintetizadores y máquinas de tambor de 50 a 80 dólares que son realmente fáciles de tocar y puedes crear algunas bandas sonoras bastante geniales para tu trabajo. La otra alternativa es usar GarageBand, lo que ha hecho muy fácil hacer tus propias bandas sonoras e integrar instrumentos reales e instrumentos de software. También soy un gran fan de la aplicación FunkBox Drum Machine que te da un montón de máquinas de tambor vintage y te ayuda a crear beat bastante simple que puede funcionar muy bien como música de fondo. Para tu proyecto final, monta todas las escenas individuales que has creado en esta clase, y sincronízalas con algún audio, ya sea de habla o música. Bueno, eso debería ser suficiente para que empieces. En la siguiente lección, proporcionaré algunas recomendaciones para los próximos pasos como cómo promover su trabajo y alguna lectura posterior. 9. Compartición y recomendaciones: Enhorabuena, has completado los primeros pasos para terminar tu propia animación. En esta lección final, veremos algunas formas en que puedes promover tu trabajo y algunos recursos adicionales para aprender sobre animación. Creo que Instagram es la forma más fácil de compartir tu trabajo. Puedes obtener mucha retroalimentación muy rápidamente y puedes construir sobre una audiencia que ya tienes. Es importante asegurarse de que su configuración de exportación esté optimizada a la última versión de Instagram. Google el año y el mejor formato de video para Instagram debería darte la última versión de qué ajustes usar. Si no tienes ya una página de YouTube, yo configuraría una y empezaría a poner tu trabajo ahí también. Es importante poner tu trabajo en tantos lugares como sea posible. Cuando salí mi video musical, pasé a Reddit y solo busqué diferentes subredDits como animación, videos musicales, cualquier cosa que creyera que coincidiría con el video musical que hice. Muchos de estos SubredDits son muy acogedores de gente compartiendo su trabajo. Asegúrate de mirar las reglas de ese SubredDit para asegurarte de que no estás violando ninguno de sus términos. Otro gran recurso para compartir tu trabajo es FilmFreeway. Se trata de una base de datos de miles de festivales de cine diferentes en todo el mundo y algunos de ellos te permiten presentar tu trabajo de forma gratuita. Esta es una gran manera de construir una audiencia fuera de tu audiencia normal. Esta es tonta, pero puede ser realmente satisfactorio crear una página de IMDb para ti y empezar a publicar tu trabajo allí también. Todos los jueves por la noche, Adult Swim acoge una reunión de desarrollo donde la gente llama y lanza sus ideas. Esta puede ser una gran manera de presumir algún trabajo en el que has estado trabajando u obtener comentarios sobre lo que necesitas cambiar. HowStuff Works ha producido un fabuloso podcast llamado Drawn: The Story of Animation que recorre la historia de animación y cuántas caricaturas contemporáneas se crean. Dos de mis YouTubers favoritos son kindoflinc y Vewn. Kindoflinc tiene un gran resumen de cinco minutos sobre su proceso de animación y recomiendo encarecidamente mirarlo. Pondré un enlace a este video en la página de la clase. Otra animadora artista individual es Vewn y ella crea estas increíbles animaciones emotivas, súper detalladas que lanza cada pocos meses más o menos. Si no lo has visto ya, recomiendo encarecidamente Storyboards de Alberto Mielgo para Spider-Verse. Hace tres años cuando iniciaban la producción de Into the Spider-Verse, él y un pequeño equipo básicamente montaron un video corto que generaría la mayor parte del estilo para la última película animada de Spider-Man. Por último, si estás buscando un recurso más antiguo, Richard Williams, uno de los animadores de Who Framed Roger Rabbit, creó este gran libro llamado The Animator's Survival Kit. Es un gran recurso para las técnicas de animación dibujadas a mano. Gracias por tomarse el tiempo para ver estos tutoriales. Espero que hayan sido útiles en saltar iniciando tu interés por la animación. Por favor, comparte tu trabajo en la comunidad de Skillshare, y mira este espacio en el futuro para más tutoriales. Buena suerte.