Animación con capas: introducción a After Effects (parte 2)

1. Introducción: Bienvenido a Intro a after effects parte dos. La segunda parte de una serie de cuatro partes para presentar Adobe After Effects a los aspirantes a animadores y diseñadores de movimiento con poca o ninguna experiencia con el software. Mi nombre es Morgan Williams y llevo más de 25 años siendo animador y director de animación. Y he estado enseñando animación y diseño de movimiento durante casi diez años en el Ringling College of Art and Design Online en School of Motion, y ahora aquí en skill share. Si no has tomado Intro to after effects parte uno, vas a querer asegurarte y ver esa clase primero porque vamos a estar construyendo sobre las lecciones de la primera parte aquí en la segunda parte. Esta serie es perfecta para diseñadores gráficos o ilustradores que están interesados en la animación o el diseño de movimiento, y o bien aún no han probado después de efectos o pueden haberlo probado y haber sido pospuestos por su complejidad. Intro to after effects es una encuesta integral de los fundamentos del software, no solo para mirar una o dos técnicas específicas, para que puedas utilizar esta poderosa y flexible herramienta para crear tus propias animaciones únicas con confianza. A lo largo de la serie, te enseñaré técnicas y prácticas profesionales y haré que tus flujos de trabajo sean inteligentes y eficientes. Así como conectar lo que aprendemos sobre el software con principios y conceptos creativos más grandes y animación y diseño de movimiento para brindarte una base sólida, tanto técnica como creativa. En la segunda parte de la serie, vamos a imaginar que estamos creando este marco de título para un show de hombre lobo conocido de cadera llamado Howl. [ MÚSICA] En el camino, vamos a aprender sobre trabajar con diferentes tipos de capas y efectos posteriores, incluyendo capas de video, capas de imagen, capas de texto, capas de ajuste y sólidos. Veremos cómo agregar y animar efectos en capas. Aprende un montón de nuevos comandos de teclas geniales y mucho más. Abramos después de los efectos y empecemos. 2. Placa de proyecto: Asegúrate de que has descargado la carpeta del proyecto y descomprimiste eso. Entonces recuerda de nuestra primera clase de la serie que dentro la carpeta del proyecto está el archivo del proyecto, el archivo.aep. Después está la carpeta de material de archivo que contiene los activos que vamos a usar en el proyecto. Ahora, solo para sumergirse un poco más en esto, Es importante entender la forma en que After Effects trabaja con los archivos de activos. Cuando importa un activo o una pieza de material de archivo como After Effects se invierte a él en un proyecto After Effects, el archivo en realidad no entra en el archivo del proyecto. Lo que sucede en su lugar es que el archivo de proyecto After Effects crea un enlace al archivo de activos en el buscador donde sea que se importe. Entonces si tienes una pieza de metraje o un activo en tu escritorio y lo importas a tu archivo de proyecto, se va a vincular a ese archivo sentado en tu escritorio. Ahora si mueves ese archivo o borras ese archivo, o cambias el nombre de ese archivo, After Effects ya no sabrá dónde está ese archivo, y cuando abras ese proyecto, recibirás un aviso de advertencia de metraje faltante y tu proyecto no podrá reproducirse ni renderizar correctamente. Este es un concepto realmente importante para entender cómo funciona After Effects con activos o metraje. Ahora, mientras no se haya eliminado, metraje faltante se puede volver a vincular haciendo doble clic en el archivo que falta en la ventana del proyecto y encontrando el archivo en el buscador de tu computadora. Pero esto es una pérdida de tiempo y realmente innecesaria si se trabaja de una manera más organizada. En general, el proceso que desea utilizar para agregar un activo a un proyecto es copiar ese activo primero en su carpeta de activos o material de archivo en su carpeta de proyecto, y luego importarlo al proyecto. Entonces si planeas mover tu proyecto a otra computadora o compartir tu proyecto con un compañero de trabajo, asegúrate de mover toda la carpeta del proyecto con tanto el archivo del proyecto como la carpeta de material de archivo incluidos. Si trabajas de esta manera de manera consistente, nunca tendrás ningún problema con los archivos que faltan en tu proyecto. Una vez que hayas descargado el archivo zip, descomprimiéndolo, puedes hacer doble clic en el archivo aep para abrir After Effects o hacer lo que hicimos en la primera clase, abrir After Effects, elegir abrir proyecto y elegir este archivo de proyecto. Una vez que tengas abierto After Effects y el archivo del proyecto, recuerda que siempre es una buena idea, como hicimos en la primera clase de la serie, hacer un incremento y guardar para asegurarnos de preservar una versión de este proyecto en caso de que hagamos un lío terrible y queremos empezar de nuevo. Nuevamente, voy a subir bajo archivo, incrementar y guardar, y vamos a hacer un guardado como avance automático ese número de versión de la versión uno a la segunda. Ahora, notemos que ya hemos hecho algunos ajustes de color a este proyecto que quiero llamar su atención. Si subimos por debajo de la configuración del proyecto de archivo y vamos a la configuración de color, se puede ver en primer lugar, que hemos establecido la profundidad de bits para los colores en 16 bits por canal, que está arriba de los ocho bits por canal que por defecto tiene. Te recomiendo ese ajuste en este caso porque estamos empezando a usar algunas imágenes y efectos más sofisticados en este proyecto. También hemos establecido el espacio de trabajo ya en sRGB, que si recuerdas de la primera clase de la serie, es una buena manera de ayudar a mantener tus colores cuando renderices. Tus colores seguirán cambiando cuando renderices hasta cierto grado, pero establecer el espacio de trabajo ayudará a preservar los colores un poco mejor. Ahora de nuevo, hicimos estos ajustes a este proyecto ya antes de que lo descargaras. Pero te recomiendo si estás iniciando un proyecto fresco para establecer tus ajustes de color en 16 bits y sRGB, eso funcionará bastante bien para la mayoría de las situaciones. Ahora también quiero hacer mención de una cosa adicional con nuestra ventana de composición aquí, ahora que estamos empezando a trabajar con proyectos más complejos. Es posible que desee cambiar la configuración de previsualización en su ventana de composición, especialmente si no tiene una computadora terriblemente rápida. Lo que recomiendo es bajar aquí a este pequeño botón aquí con este pequeño relámpago encendido en esta cajita con un relámpago y dar click en ese menú tirar hacia abajo y te recomiendo que elijas borrador rápido. Es una buena configuración general para mantener las previsualizaciones de RAM y la actualización de la pantalla a medida que estás moviendo capas alrededor funcionando sin problemas. Para el proyecto que vamos a crear para esta clase, vamos a imaginar que estamos creando el marco de título para una secuencia de título para un nuevo y fresco programa de televisión sobre dónde los lobos llamaron How. Para crear este marco de título, vamos a utilizar una combinación de imágenes de video, imágenes fotográficas, y por supuesto, tipografía. En el camino, vamos a hablar de trabajar con estos diferentes tipos de capas. También vamos a ver agregar unos efectos animadores a estas capas, trabajar con modos de mezcla y trabajar con capas de ajuste, junto con muchas otras cosas buenas. Hagamos una vista previa de RAM de cómo terminó el título aquí solo para tener una idea de lo que vamos a crear. Tenemos un divertido enfoque de collage aquí con el video time-lapse de las estrellas como nuestro fondo. Esta superposición de esta fotografía de la luna teñida a un rojo sangriento y por supuesto nuestra tipografía para el título. Esto debería ser un poco de animación divertida de crear. Vamos a sumergirnos y empecemos. 3. Importación de archivos: El primero que queremos hacer, por supuesto, es crear una nueva composición dentro de nuestro proyecto, crear nuestro marco de título. Entonces subamos a la composición del menú desplegable y elijamos Nueva composición. Nota también podemos usar las teclas de comando, Comando N. Porque estoy trabajando en un Mac, voy a estar usando comandos de teclas MAC. Si estás usando un PC, recuerda que cuando use la tecla Comando, usarás la tecla Control, y cuando use la tecla Opción, estarás usando la tecla Alt. De lo contrario, todos los demás comandos de teclas serán básicamente los mismos. Entonces sigamos adelante y elijamos Nueva Composición y lo llamaremos HowlTitle. Queremos utilizar el Preset. El mío ya está por defecto a esto porque lo he usado previamente y los efectos posteriores prácticamente siempre usarán el Preset que usaste antes de abrir aquí la nueva ventana de composición. Pero solo comprueba que estás usando este preset aquí mismo, HDTV 1080 24, 24 fotogramas por segundo. Por lo que queremos elegir eso y luego queremos asegurarnos de que nuestra duración esté fijada en 10 segundos. Recuerda nuestro código de tiempo aquí son horas, minutos, segundos, y cuadros. Por lo que queremos 10 en la segunda posición aquí. Ahora si estás viendo esta clase inmediatamente después de mi primera clase en la introducción a la serie de secuelas. Esto se fijará en 06 durante seis segundos, por lo que querrás cambiar eso a 10. El mío ya está en mora a 10 porque creé el inicial terminado HowlTitle. Ahora eso también va para el color de fondo. Es posible que tengas el color morado que usamos en la clase anterior o algún otro color si eliges algún otro color, probablemente una buena idea para devolverlo a su negro predeterminado. Así que recuerda hacer clic en la muestra aquí, obtendrás tu recolector de color y solo arrastra esto hacia abajo a la esquina, esta esquina o esta esquina realmente no importa para darte negro completo. Entonces, una vez que tengas todas esas configuraciones correctas, adelante y haz clic en “Ok”. Ahora porque aquí tengo una versión terminada de nuestro proyecto, ya he importado todos esos activos al proyecto, pero tengo copias de la fotografía y el video para que podamos revisar rápidamente el proceso de importación. También te voy a mostrar en la siguiente lección un truco genial para importar. Entonces, empecemos solo importando uno de estos archivos. En la siguiente lección, importaremos la otra y te mostraré ese truco de mano. Entonces recuerda que hay algunas maneras diferentes en las que podemos importar. Puedo usar el Comando I, que iniciará la Ventana de Diálogo de Importación, o puedo hacer doble clic en el área en blanco de la ventana del proyecto aquí. Eso no es tan útil una vez que tienes un proyecto complicado muy grande con muchos y muchos archivos. Pero mientras el proyecto sea relativamente pequeño y tengas algo de espacio en blanco aquí, un doble clic es una forma rápida de lanzar eso. Otra opción es hacer clic derecho y bajar y elegir importar archivo. Todas esas cosas lanzarán el mismo cuadro de diálogo Importar y podrás elegir un archivo para importar. Entonces sigamos adelante y elijamos el archivo de película Stars Timelapse versión 1 aquí. Ya tenemos la versión 00 importada, así que solo importemos esta. Entonces vamos a seleccionar eso y elegir “Abrir”, e importaremos ese archivo. Tenga en cuenta que cuando se selecciona el archivo, obtiene cierta información al respecto. El índice de fotogramas, la relación de aspecto, su duración, información de color, información de compresión. Dependiendo de qué tipo de archivo sea, archivo de imagen aquí solo obtenemos información de tamaño, información de color, obtendrás un conjunto diferente de información. Ahora también he incluido un archivo de biblioteca para los dos colores que vamos a usar el color del texto y el color que vamos a teñir la luna. Realmente no es necesario que uses estos colores exactos, pero si quieres seguir con la clase exactamente, puedes importar este archivo de biblioteca yendo a la ventana de la biblioteca, haciendo clic en el botón Menú aquí, eligiendo Importar biblioteca, obtendrás este pequeño cuadro de diálogo. Haz clic en “Seleccionar biblioteca” para elegir la ubicación de tu carpeta de material de archivo. Después puedes elegir el archivo de la biblioteca Aeclass2 y hacer clic en “Abrir”. Pero de nuevo, realmente no es tan necesario en este caso en particular porque en realidad son solo dos colores y solo puedes jugar y elegir los colores que quieras. Ahora antes de empezar a armar todo esto, necesitamos aún importar nuestro archivo de imagen de la luna, pero también queremos detenernos y tomarnos un minuto y conseguir que nuestra ventana de proyecto sea un poco más organizada. Entonces echemos un vistazo a eso en la siguiente lección. 4. Ventana de proyecto: Ahora como estamos trabajando aquí, no olvides ahorrar a menudo. Es posible que incluso quieras incrementar y ahorrar de vez en cuando. Tan solo para mantener las cosas en movimiento en estos videos, probablemente voy a editar mis ahorra mucho tiempo. Pero no te olvides como estás trabajando cada vez que haces un par de cosas. Sólo “Comando S” para ahorrar, sólo para estar a salvo. Hablé en la primera introducción a la clase de secuelas sobre lo importante que es mantenerse organizado cuando estás trabajando. Estamos creando proyectos relativamente simples para estas clases, pero los proyectos de secuelas más avanzados se pueden complicar muy rápidamente. Mantenerse organizado es crítico y un hábito que quieres desarrollar desde el principio. Hablamos bastante en primera clase sobre mantenernos organizados en tu ventana de línea de tiempo nombrando a tus capas y codificándolas por colores. Pero también queremos mantenernos organizados en nuestra ventana de proyecto. Por suerte, aftereffects proporciona una estructura de carpetas como buscador que hace que eso sea fácil de hacer. Tenga en cuenta que la ventana del proyecto es de muchas maneras como un buscador. Ya puedes ver que aquí hay una carpeta, la carpeta de sólidos, y luego hablaremos más de sólidos y capas de ajuste. Pero se puede ver que hay una capa sólida y una capa de ajuste en esa carpeta de sólidos que en realidad fue creada por secuelas. After-effects está tratando automáticamente de mantener un poco organizado allí. Pero como hemos estado importando archivos y creando composiciones, simplemente se apilan en esta ventana a medida que los creamos. Pero también podemos crear carpetas dentro de aquí para mantener las cosas un poco más organizadas. Hay dos formas de crear carpetas. Puedo bajar a la parte inferior de la ventana y elegir crear nueva carpeta ahí mismo, o de nuevo, puedo hacer clic derecho aquí y elegir “Nueva carpeta”. Llamemos a esta carpeta audio. Arrastremos nuestro archivo de audio a esa carpeta. Ahora sólo tenemos un archivo de audio aquí, pero sigue siendo buena idea hacer carpetas para los diferentes tipos de activos y metrajes que tienes para mantener las cosas organizadas. Voy a hacer clic y arrastrar ese archivo de audio a esa carpeta de audio. Entonces hagamos uno para nuestros archivos de video aquí. Voy a hacer clic derecho en nueva carpeta y vamos a llamar a este video. Haremos clic y arrastraremos nuestros dos archivos de video a esa carpeta. Entonces hagamos una carpeta de imágenes y arrastremos nuestra luna a esa carpeta de imágenes. Ahora también puedes, si comienzas a acumular muchas composiciones, puedes hacer una carpeta o una carpeta de precomp. Hablaremos de precomps en una próxima clase ahora mismo porque sólo tenemos unos pocos, voy a dejar esos flotantes libres. Pero de inmediato tenemos un espacio de trabajo mucho más organizado aquí dentro de nuestra ventana de proyecto. Ahora, te prometí un pequeño truco divertido. Aún no hemos importado nuestra imagen lunar. Nuevamente, reconozco que aquí tenemos una imagen lunar. Simplemente me estoy imaginando que estamos construyendo esto desde cero. Si has creado carpetas y tu trabajo de esta manera organizada. En realidad puedes importar directamente a esas carpetas, lo cual es bastante útil. vamos a importar la otra imagen lunar Aquívamos a importar la otra imagen lunary queremos que entre en la carpeta de imágenes. Si selecciono primero la carpeta de imágenes y luego golpeo comando i para importar, conseguiré mi diálogo de importación aquí y podremos seleccionar esa luna jpg. Ahora voy a pausar sólo un momento aquí porque hay una casilla importante que necesitamos desmarcar antes de importar esto. Eso es porque aquí tenemos dos jpgs llamados Luna-v00 y Luna-v01. Esto es algo bastante común que podrías tener un par de imágenes con nombres similares o números diferentes a ellos. Aquí hay un pequeño escollo en el que vas a caer si no tienes cuidado, puede causar cierta confusión real con los usuarios de secuelas que comienzan. Mira lo que sucede cuando selecciono Moon Versión 1 jpg. Tenga en cuenta que aquí abajo en la parte inferior, comprueba automáticamente esta secuencia jpg importador. Lo que eso significa es que está leyendo estos dos archivos como una secuencia de imágenes. Las secuencias de imágenes son básicamente una forma de traer una secuencia de imágenes como una película, un archivo de video. Pero eso no queremos. Simplemente queremos una imagen fija de este jpg. No vamos a conseguir eso si se comprueba la secuencia jpg del importador. Es realmente importante buscar siempre esto porque dependiendo de cómo nombre y organice sus archivos, esto a veces puede por defecto ser revisado porque las secuelas notan que había dos archivos con nombre similar con un número secuencia. Se adivinó que queremos que esta sea una secuencia de imágenes. Es de nuevo, esta cosa de secuelas, tratando de ser inteligente y servicial, que a menudo es realmente genial. Pero a veces al igual que con la autocorrección cuando estás enviando mensajes de texto, puede ser irritante. Queremos asegurarnos de una secuencia jpg importador desmarcar. Mantén un ojo en eso cuando estés importando imágenes, asegúrate de que está comprobado a menos que quieras que sea una secuencia de imágenes, lo que significa que vendrá como si se tratara de un pequeño clip de video compuesto por tu secuencia de imágenes, podría hacer eso si crea, por ejemplo, una secuencia de animación dibujada a mano en Photoshop y luego importa eso en secuelas. Pero en este caso lo queremos sin control. Solo estamos importando una vieja imagen jpg llana. Ahora sigamos adelante y pongámoslo abierto. Te darás cuenta de que porque tenemos la carpeta seleccionada antes de tocar “Comando I”, o bien hizo el menú desplegable. Importa automáticamente directamente a esa carpeta, que es realmente esbelta. Ahora eso no funcionará con el botón derecho. Esto no funcionará. Si tienes esto seleccionado, automáticamente hará clic fuera de la carpeta. Si tiene seleccionada la carpeta, bien necesita usar Comando I o el menú desplegable Importar archivo. Yo por supuesto te recomiendo usar los comandos de teclas que quieres conseguir lo más cómodo con tantos comandos de teclas como sea posible para que tu flujo de trabajo sea más profesional y eficiente. Ahora que tenemos nuestra ventana de proyecto todo ordenada y organizada, estamos listos para empezar a construir nuestro proyecto. 5. Trabajar con capas de video: Empecemos por crear nuestro fondo. Eso lo vamos a hacer con un video de lapso de estrellas. Vamos a tabular abrir nuestra carpeta de video aquí en la ventana del proyecto y vamos a agarrar estrellas versión 1 de time-lapse. Simplemente vamos a hacer clic y arrastrar eso directamente hacia abajo y dejarlo caer en nuestra línea de tiempo. Queremos asegurarnos de que estamos arrastrando eso directamente hacia abajo a este área de pila de capas, no a la propia línea de tiempo porque eso lo colocaría realmente dondequiera que lo coloquemos a lo largo de la línea de tiempo y queremos que comience justo en el fotograma 0. Queremos dar click y arrastrar eso directamente hacia abajo. Enseguida, llamemos esta capa porque este nombre es largo y poco manejable aquí. Una vez más, para mantenernos organizados, vamos a golpear la tecla “Return” y lo llamaremos BackgroundStars. Una vez que tengamos unas capas más aquí, codificaremos de color también. A pesar de que este no es un proyecto muy complicado, siempre es bueno mantener estos buenos hábitos organizacionales. Ahora, ten en cuenta que nuestro video clip aquí se reproduce igual que esperaríamos que lo hiciera. Puedo hacer clic y arrastrar en el archivo de video para moverlo de ida y vuelta en el tiempo en la línea de tiempo. También puedo elegir el punto de entrada y salida de la capa haciendo clic y arrastrando en los bordes del clip así. Hay algunas otras opciones para editar video con un aftereffect pero no vamos a sumergirnos demasiado en eso con esta clase en particular. Una gran idea a tener en cuenta sobre el video es si tienes que hacer mucha edición de video, realmente quieres usar Adobe Premiere. After Effects realmente no es un buen software de edición de video. Puedes hacer algo de edición de video en After Effects pero realmente no está hecho para eso. Una de las principales razones es que cada videoclip que traes tiene que ocupar una capa separada. Entonces no se puede, por ejemplo, sino múltiples clips de video juntos dentro de una capa. Por lo que siempre les digo a los alumnos que After Effects es genial en casi todo menos una de las cosas en las que es muy pobre es la edición de video, especialmente la edición de video compleja. Si tienes que hacer alguna complicada edición un video antes de decir añadirle efectos o animación, quieres hacerlo en Adobe Premiere y luego importar ese render en After Effects. Pero aquí no tenemos que hacer ninguna edición complicada. Ahora, la otra cosa que quiero que anoten sobre este video clip que hemos agregado a nuestra línea de tiempo es, note que en realidad tiene un punto de anclaje justo ahí en el centro. Si lo tabulo abierto, ahí está nuestra pestaña de transformación y ahí están nuestras transformaciones, todas están disponibles para nosotros, todas animables al igual que lo fueron nuestras capas de forma. Si recuerdas desde la primera clase, dije que casi todas las capas y After Effects tiene estas propiedades disponibles. Entonces puedo escalar y puedo rotar y puedo hacer cualquier cosa que pueda hacer con cualquier otra capa con esta capa de video. Pero no vamos a hacer nada tan loco con esto. Vamos a mantener esto bastante simple pero sí tenemos un problema aquí que es que nuestro videoclip es de sólo ocho segundos y 11 fotogramas y necesitamos que esto sea de 10 segundos aquí para nuestro marco de título. De igual manera que Adobe Premiere, sí tenemos la capacidad de alterar el tiempo de un videoclip. Lo que tenemos que hacer aquí es estirar esto de ocho segundos a 10 segundos, lo que ralentizará un poco el video, pero probablemente no lo suficiente que incluso notaríamos particularmente. Con la capa seleccionada, subiré a subir a Capa, Tiempo y vamos a elegir Time Stretch. Ahora, solo para mostrarte una forma ligeramente alterna de hacer esto. Si no quieres usar el menú desplegable desde la parte superior, que es un poco de tiempo extra para subir allí, también puedes simplemente hacer clic derecho en la propia “Capa”. Esto es un poco más directo y tendrás la mayoría de las opciones disponibles para ti que tienes en el menú desplegable de capas. Así que haga clic con el botón derecho en Tiempo, Tiempo Este es un pequeño efecto práctico aquí que nos permite estirar un clip en el tiempo y lo podemos hacer de un par de maneras diferentes; bien podemos hacerlo con un porcentaje para que podamos hacerlo el doble de rápido o el doble lento o la mitad otra vez más rápido o la mitad de nuevo más lento o lo que queramos hacer. O simplemente podemos establecer una nueva duración, ya sea más corta o más larga. También podemos sostenerlo o fijarlo, ya sea en el Punto de entrada de capas, Marco actual o en el Punto de salida de capa. Queremos mantenerlo en su lugar en el Layer In-Point aquí pero sabemos que necesitamos que tenga 10 segundos de duración. Entonces en lugar de tratar de resolver esto con un porcentaje, solo vamos a escribir en 10.00 durante diez segundos, luego vamos a dar clic en “Ok” y puedes ver que automáticamente estira el clip a exactamente 10 segundos. Si lo reproducimos aquí atrás con una vista previa de ram, tal vez sea un poco más lento de lo que era el clip original pero eso en realidad funcionará a nuestra ventaja ya que estamos tratando de crear esta espeluznante vibra atmosférica. Ahora, sí quieres tener cuidado con el tiempo estirando especialmente cuando estás estirando un clip más largo de lo que es. Si lo estiras demasiado, empezarás a ver realmente los marcos individuales y se pondrá tartamudeo. Pero un pequeño tramo como este realmente no va a ser muy notable en absoluto. Haciendo el clip más corto, por supuesto lo acelerará y realmente puedes eso tanto como quieras. Si bien, ten en cuenta que cuanto más lo comprima, empezará a soltar fotogramas, por lo que no estarás viendo cada fotograma en tu clip. Ahora, tenemos nuestro video clip en su lugar, y lo tenemos estirado a 10 segundos. Veamos a continuación agregar algunos efectos a esta capa para que funcione mejor para nuestro marco de título. 6. Agrega efectos a las capas: After Effects al igual que Photoshop, tiene toneladas de efectos que podemos añadir a las capas con el fin de alterarlas de diferentes maneras. En esta clase, sólo vamos a mirar un par de efectos. No hay forma de que te pueda guiar por cada efecto del menú. Vas a querer hacer algunas explorando por tu cuenta allí. Pero veamos los conceptos básicos de cómo agregar un efecto y ajustar un efecto. Hay dos formas principales de agregar un efecto a una capa. Con la capa seleccionada, puedo subir bajo Effect. Después verás este menú gigante con sub menús con todos los diferentes efectos que tenemos disponibles aquí en After Effects. Si estás familiarizado con Photoshop, muchos de estos son similares, pero hay algunos diferentes y algunos de los que quizá estés familiarizado podrían funcionar un poco diferente, pero definitivamente notarás algunos viejos favoritos si estás acostumbrado a usar Efectos en Photoshop. El primero que vamos a usar aquí es el balance de color HLS, o tono, ligereza y saturación. Con la capa seleccionada, simplemente elegimos este efecto, y automáticamente agrega el efecto a la capa. Ahora, veremos la segunda forma de agregar un efecto en tan solo un segundo. Notemos un par de cosas. Observe antes que nada, que ha aparecido una nueva ventana, la ventana de control de efectos aquí arriba con los controles de efectos en ellos. Observe que se aparece por defecto como una pestaña en la misma ventana donde está nuestra ventana de proyecto. Apenas puedo ver la ventana del proyecto ahí, pero si hago clic en ella, ahí está la pestaña para eso. Si realmente no puedes ver y hacer clic en la “pestaña Proyecto”, simplemente haz click en estas dos flechas aquí y puedes ver puedes seleccionar de ida y vuelta entre las dos pestañas dentro de este espacio de ventana de aquí. Pero también observemos que en la capa misma, si tab abro la capa, noten que se ha agregado una nueva pestaña, la pestaña de efectos. Si tabulo eso abierto, ahí está mi balance de color, HLS. Si escribo eso abierto, aquí están los mismos controles exactos que están disponibles aquí arriba, y son exactamente los mismos. Puedes ajustarlos aquí o puedes ajustarlos aquí. Ahora, también tenga en cuenta que estos controles todos tienen cronómetros al lado de ellos. Debes recordar lo que eso significa, eso significa que todos son animables al igual que nuestras cinco propiedades, este es uno de esos aspectos de After Effects que es extremadamente poderoso. Casi todo es animable, incluyendo las propiedades sobre los efectos. Ahora bien, si estás animando una propiedad sobre un efecto, vas a tenderla a usarla aquí abajo en la línea de tiempo porque vas a estar haciendo fotogramas clave y así sucesivamente como si estuvieras animando cualquier otra capa. Si solo estás ajustando los parámetros y no necesariamente animando, posible que quieras usar la ventana de control de efectos en su lugar, solo porque es un poco más grande y un poco más fácil de acceder, no tienes que hacer clic en pestañas abiertas en fin de llegar a ella, pero de cualquier manera funcionará. Echemos un vistazo a la otra forma de agregar efectos a una capa. Entonces para hacer eso, realmente eliminemos nuestro efecto y luego también aprenderemos a eliminar un efecto. Observe que se selecciona el nombre del efecto, esta caja blanca a su alrededor. Si hago clic de distancia, haga clic en esta zona vacía que anula la selección del efecto, pero si selecciono el efecto y luego simplemente presiono la tecla “Eliminar”, ese efecto desaparece. Ahora bien, ¿de qué otra manera podemos agregar efectos a una capa? El otro camino que quizá sea un poco más eficiente si conoces el efecto que buscas es ir, con la capa seleccionada, con la capa seleccionada,a esta ventana aquí mismo, Efectos y Preajustes y puedes o bien cavar por el efectos. Ahí está nuestro balance de colores, HLS. Observe que está resaltado porque es el más reciente que utilizamos. O puedes usar esta pequeña ventana de búsqueda, de nuevo, si conoces el nombre del efecto que estás buscando, o tal vez el tipo de efecto que estás buscando y puedes probar algunos términos de búsqueda diferentes. Si escribimos aquí, coloreamos y solo empezamos a escribir balanceado para cuando lleguemos a L, puedes ver que surge con los dos efectos de balance de color. El que, por supuesto que queremos es el balance de color HLS. Ahora, con la capa seleccionada, todo lo que tengo que hacer es hacer doble clic en esto y automáticamente agrega el efecto a la capa tal y como lo hicimos antes. Ahora, otra cosa a tener en cuenta antes de ir mucho más allá aquí es que puedo agregar tantos efectos como quiera a una capa. Se pueden apilar estos. También podríamos agregar un efecto de desenfoque, y luego podríamos agregar un efecto de distorsión. Te darás cuenta de que simplemente se apilan, también es importante saberlo y no vamos a meternos demasiado en esto con este proyecto en particular, pero el orden de los efectos realmente importa. After Effects procesará cada efecto en orden, esto es particularmente importante cuando se trata de efectos de color. que puedas reordenar el orden de los efectos haciendo clic en ellos y arrastrándolos hacia arriba y hacia abajo y puedes alterar el orden que de nuevo, puede ser muy importante dependiendo de qué tipo de efectos estés usando. Pero por ahora, solo sigamos adelante y eliminemos todo menos nuestro balance de color HLS. Tenemos protuberancia seleccionada, eliminemos eso. Desenfoque bilateral, eliminemos eso y solo regresemos a nuestro balance de color, HLS. Ahora, lo que quiero hacer con nuestro efecto aquí es que quiero hacer esto un poco más oscuro. Quiero tratar de empujar un poco más el cielo hacia un azul de medianoche. Voy a empezar con el dial Hue. Ahora, el matiz es realmente poderoso porque básicamente simplemente desplaza toda la base de Hue de la imagen. Al girar esto alrededor, se puede ver que puedo hacer mi cielo casi cualquier color que quiera. Ahora bien, no queremos nada del todo tan bobo como que sólo quiero desplazar esto un poco más hacia el azul de medianoche. Voy a respaldar esto sólo un poquito. Eso es probablemente un poco demasiado lejos. Eso se ve bien ahí, justo alrededor menos 10 grados en ese dial Hue. Pero también es un poco demasiado brillante. También queremos que esto vuelva a darle esa sensación atmosférica espeluznante, para ser un poco más oscuro. Ajustemos un poco la ligereza y simplemente oscuremos eso hacia abajo. Ahora, como lo he oscurecido, se ha puesto un poco gris. Por lo que quiero impulsar un poco la saturación para traer algunos de esos colores de vuelta. Solo arrastremos esa saturación un poco más, por lo que nuestro color es un poco más rico. Antes de seguir adelante, solo hagamos una nota de lo que hemos hecho con este efecto. Observe el pequeño botón fx aquí mismo. Eso en realidad es un pequeño botón. Puedo hacer clic en eso y simplemente muy rápidamente encender y apagar el efecto. Se puede ver que tenemos un azul más profundo más rico, se siente un poco más oscuro y mal humor y atmosférico. Pasemos a la siguiente lección y añadamos nuestra imagen lunar. 7. Capas de imagen y modos de fusión: Volvamos a nuestra ventana de proyecto aquí. Cerremos nuestra pestaña de carpetas de video y abrimos nuestra pestaña de imágenes. Vamos a hacer clic y arrastrar nuestra imagen lunar una vez más directamente hacia abajo y ponerla encima de, no debajo, sino encima de nuestras estrellas de fondo. Ahora esta imagen lunar es enorme, 2400 por 2400 píxeles, lo cual es genial. Eso significa que podemos hacer mucho con él. Empecemos por cambiar el nombre de nuestra capa. Yo sólo voy a borrar la última parte del nombre aquí. Ahora una nota realmente rápida sobre la nomenclatura de capas. Hemos cambiado los nombres de estas dos capas, y las estamos viendo como su nombre de capa, pero su fuente, el archivo de activos vinculados no ha cambiado. Si hago clic aquí donde dice nombre de capa, click, lo cambio a nombre fuente y se puede ver los nombres originales siguen aquí. En otras palabras, la fuente de esta capa es la versión lunar uno JPEG. El instancia de capa de esta luna, se llama luna. Podría tener más de una instancia de ese mismo activo en este proyecto si quisiera, podría tener tres lunas diferentes y llamarlas Luna 1, 2, 3. Pero su fuente va a ser todo ese mismo JPEG. Ahora bajemos un poco el tamaño de esta luna. Es claramente más grande de lo que necesitamos que sea. Una vez más, al abrir nuestras transformaciones, tenemos nuestras cinco transformaciones habituales al igual que esperaríamos. Vamos a traer esto escalado un poco. Sólo para que podamos ver lo que estamos haciendo. Vamos a mantenerlo relativamente grande. Y aquí no estamos tratando de crear una imagen realista del cielo. Estamos creando más de un efecto de collage. También notarás que alrededor de esta imagen de la luna está negra. Ahora obviamente no queremos ver a este negro. Queremos solo la luna por su cuenta, y queremos mezclarla con el fondo para crear ese look collage. Para ello, vamos a usar un modo de mezcla. Ahora una vez más, si estás familiarizado con Photoshop, deberías estar muy familiarizado con los modos de mezcla. Pero si no estás familiarizado con Photoshop, y no has trabajado con los modos de mezcla antes. Los modos de mezcla son básicamente formas de crear diferentes tipos de relaciones de transparencia entre capas. Tenemos nuestra opacidad básica y tan solo al bajar eso, creamos una relación entre esta capa, y esa capa. Pero los modos de mezcla pueden crear una relación más compleja entre dos capas diferentes. Los modos de mezcla están disponibles aquí bajo la columna Modo. Por cualquier razón no estás viendo la columna Modo, si estás viendo la columna de interruptores que se ve así, solo tienes que hacer clic en este pequeño botón hacia abajo en la parte inferior de tu línea de tiempo, conmutadores y modos de cambiar y eso abrirá el Modo columna. Se puede ver en este momento los modos de estas capas están configurados a la normalidad. Si hago clic en ese pequeño menú pull-down, se pueden ver todos los diferentes modos de mezcla. Ahora una vez más, no voy a tener tiempo para pasar por todos los diferentes modos de mezcla contigo. Están agrupados en grupos, y dentro de cada grupo, los modos de mezcla hacen cosas algo similares, pero hay muchas de ellas. Una vez que conozcas el carácter general de cada grupo, entonces podrás jugar con los diferentes modos de mezcla dadas diferentes situaciones. Pero para ayudarte, también hemos incluido para la clase que hace un muy buen trabajo de explicar lo que hace cada modo de mezcla. Tiene una bonita referencia de imagen para cada una. Así que asegúrate y descarga eso y echa un vistazo si no estás familiarizado con trabajar con modos de mezcla. Pero en este caso en particular, porque tenemos un fondo negro que básicamente queremos noquear. Vamos a estar usando uno de los modos en el grupo add aquí. El grupo oscurecido o grupo multiplicado. Multiplicar es uno de los modos de mezcla más populares y comunes. Este grupo básicamente hará cualquier cosa que sea blanca o ligera, transparente, y lo hará más o menos transparente dependiendo de lo cerca que esté el blanco. Si es 100 por ciento blanco, será 100 por ciento transparente. Entonces solo para ver eso, elegiré multiplicar aquí. Se puede ver que todas las áreas luminosas de la luna se han ido transparentes y las áreas oscuras siguen opacas. Esto es muy efectivo cuando tienes una imagen con fondo blanco y quieres noquear ese fondo blanco. Pero también crea transparencia todo a través de la imagen dependiendo de lo liviana que sea. Pero queremos hacer lo contrario, así que vamos a estar usando uno de los modos de mezcla en el grupo add aquí, solo voy a usar add, y cuando elijamos eso, noten que lo que hace es que se necesita todo las zonas oscuras y las hace transparentes y si es un 100 por ciento negro, lo hace 100 por ciento transparente. Se puede ver que el negro desaparece. Esencialmente hemos cortado nuestra luna, pero también podemos ver a través de las áreas más oscuras dentro de la luna también. No es como si hubiéramos cortado exactamente la luna, pero hemos noqueado ese fondo negro y ahora tenemos una mezcla fresca entre la luna y nuestro fondo. Ahora posicionemos un poco nuestra luna y ajustemos la escala y luego alteraremos su color con un efecto. Queremos esta luna en la esquina superior aquí. Debido a que la imagen es un bonito cuadrado limpio, tenemos nuestro punto de anclaje automáticamente justo en el centro, y así lo que quiero hacer es que quiero chasquear eso a la esquina de nuestro marco. Voy a mover la luna hacia la esquina del marco y luego justo al llegar hacia el borde, voy a mantener presionada la tecla de comando. Lo que hará la tecla de comando es enganchar, chasquear. Ahora chasqueando por defecto a estar descomprometido aquí, y puedo comprobarlo para engancharlo todo el tiempo. Pero es un poco más fácil simplemente usar la tecla de comando para activar y desactivar el ajuste, para las situaciones en las que lo necesites. Lo que hará es que se enganche a los bordes o a los puntos de anclaje de otras capas. En este caso, se va a chasquear a la esquina de nuestra imagen de video. A medida que me muevo hacia la esquina de esa imagen de video, voy a mantener presionada la tecla de comando y boom, encaja ese punto de anclaje justo a esa esquina, lo cual es realmente útil. Ahora también vamos a subir un poco el tamaño de la luna. Voy a ponerlo en cerca del 85 por ciento. Vamos a animar la escala un poco más tarde. Entonces está creciendo en el marco, pero lo pondremos en 85 por ciento para ponerlo a mitad de camino. De nuevo, porque estamos tratando de crear este sentimiento atmosférico espeluznante para nuestro espectáculo de hombres lobo. Queremos que nuestra luna esté oscura, y queremos que sea sangrienta, una luna de sangre. Para ello voy a teñir la luna. Vamos a usar un efecto llamado tinte. Con la luna seleccionada, voy a subir bajo efectos y presets, y voy a teclear, tintar. Ahí está nuestro tinte bajo corrección de color. Voy a hacer doble clic en eso. Lo que hace el tinte, es básicamente tomar la imagen y en realidad, quitemos el modo de mezcla temporalmente aquí. Se lo volveremos a poner. Apagemos temporalmente el modo de mezcla para que podamos ver qué está pasando. Entonces cuando añadas el tinte, aquí lo apagaré y luego lo encenderé, básicamente mapea la imagen de negro a blanco a dos colores, y por defecto es mapear el negro a negro y el blanco a blanco, que esencialmente vuelve la imagen en blanco y negro. Ahora con tintado, puedes poner cualquier color que quieras en estos dos canales para crear cualquier efecto que quieras. Pero todo lo que queremos hacer es hacer que esta luna se sienta sangrienta. Voy a presionar el botón de reinicio aquí, se va a restablecer a los predeterminados. El primero que queremos hacer es dejar el negro en paz porque estamos usando ese modo add blend. Nosotros queremos dejar ese negro como es porque queremos noquear eso. Si ponemos un color aquí, entonces el modo add blend no noqueará eso. Vamos a echar un vistazo realmente rápido a eso para que lo entienda. Ahí hemos noqueado ese apagón. Si pongo un color ahí dentro, repente eso ya no noquea porque no es negro puro. Entonces no queremos eso, queremos dejar eso como negro. Todo lo que vamos a hacer es poner algo de color en el blanco. Ahora una vez más, ya he creado un color para la luna, pero eres bienvenido a añadir cualquier color que quieras. Entonces si hago clic en el blanco aquí, obtenemos nuestro recolector de color y puedes experimentar con diferentes tipos de colores rojo, luna de sangre. El color que elegí fue un intento de igualar las nubes sabrosas, o aurora boreal. Realmente no sé cuál es eso, del otro lado aquí. Yo quería que esos colores coincidan. Seguí adelante y utilicé este color aquí mismo para crear una relación entre esos. Pero de nuevo, eres absolutamente libre de elegir el color que quieras. Entonces tenemos nuestra luna luciendo realmente genial. Ahora estamos listos para darle algo de animación. 8. Animación de la luna: Ahora hablamos bastante en la primera clase de la serie, alivios y de cómo casi nada en la naturaleza se mueve sin algún tipo de facilidad o facilidad de entrada. Por lo que la gran mayoría del tiempo cuando estamos animando, sí ponemos alivios en nuestra animación. Pero hay momentos significativos en los que podríamos elegir no usar alivios y usar el movimiento lineal en su lugar. Una de esas épocas es cuando queremos que un movimiento parezca ser un flotador o deriva continuo sin un principio o un final. Un buen ejemplo de ello sería el movimiento de nuestra luna. Queremos fingir como si la luna apenas estuviera en continuo movimiento a lo largo de nuestra escena. No queremos verlo empezar a moverse, y no queremos verlo dejar de moverse. Simplemente queremos verlo continuamente flotando y a la deriva. Para hacer eso, no queremos usar alivios, porque los alivios nos mostrarían el inicio del movimiento cuando se alivia, y el final del movimiento cuando se alivia. Observe que las estrellas en nuestro metraje de lapso de tiempo no hacen una flexibilización, están en movimiento cuando se inicia el disparo, y siguen en movimiento mientras cortamos al final. Queremos este mismo sentimiento con nuestra luna, por lo que el movimiento comienza en el principio mismo de la escena, y se mueve hasta el final. Aquí mismo en el fotograma 0, empecemos agregando aquí un marco clave de rotación, justo en rotación cero. Entonces primero vamos a hacer que la luna gire un poco. Entonces vamos a ir todo el camino hasta el final de nuestra composición, y sólo vamos a añadir una rotación. Queremos que esto rote en la misma dirección que nuestras estrellas se están moviendo, por lo que queremos que gire en sentido contrario a las agujas del reloj. Yo sólo voy a escribir en menos 25, sólo para ir alrededor de una octava parte del camino. Echemos un vistazo a cómo se ve eso. Ahí vamos, un poco más rápido que el cielo, pero en la misma dirección. No quiero que se mueva exactamente la misma velocidad que el cielo, porque entonces se sentirá encerrado y queremos mantener esta separación, esta sensación de collage. También nota este sentido de que sea continuo. Nos hemos topado en movimiento, lo vemos en movimiento, la escena termina, sigue en movimiento. No tiene sentido que la luna esté empezando o terminando su movimiento. Eso se debe a que estamos usando estos fotogramas clave lineales sin alivios. Hagamos lo mismo con la escala. Hagamos que esto se escale suavemente un poco, así que la luna nos está invadiendo. Esto apoyará esta idea del hombre lobo donde la luna es obviamente muy significativa para la persona que es hombre lobo. Definitivamente va a estar invadiendo la vida de esta persona que se convierte en hombre lobo. Entonces vamos a tener la luna invadiendo nuestra escena. Voy a empezar con un fotograma clave de escala aquí, pero vamos a tirar un poco de la báscula hacia atrás. Vamos a tirar de nuevo al 80 por ciento y luego tendremos que escalar hasta el 90 por ciento. Eso significa que pasará por el 85 por ciento en el medio ahí, que era del tamaño que lo pusimos para nuestro diseño. Voy a usar la tecla K para saltar hacia adelante a nuestro marco clave al final aquí en nuestra rotación, y vamos a seguir adelante y escribir 90 por ciento para escalar eso un 10 por ciento. Vamos a ejecutar la vista previa de eso. Muy bien, genial. Tenemos, de nuevo, ese movimiento continuo de la luna girando, y creciendo, viniendo hacia nosotros de una manera ominosa que se ajusta a nuestro tema y a nuestro sentimiento realmente bien. En la siguiente lección, vamos a mirar a agregar nuestra tipografía. 9. Trabajar con capas de texto: Agregar tipo y secuelas es muy similar a agregar tipo en Illustrator o Photoshop, puedes ver en nuestro menú de la barra de herramientas aquí, hay una herramienta de tipo. Voy a seguir adelante y seleccionar eso y cuando seleccione esa herramienta de tipo, se abre la ventana del personaje. De nuevo, si estás familiarizado con Illustrator y Photoshop, todo esto te resultará bastante familiar, pero si no lo estás, solo pasaremos por lo básico aquí muy rápido. Yo sólo voy a dar click en nuestra imagen aquí para empezar, vamos a hacer click y vamos a escribir en el agujero de la palabra en todos los gorros. Ahora te darás cuenta cuando hicimos clic y escribimos esa palabra, creamos una capa de texto en secuelas, puedes ver la pequeña t ahí. Por defecto está codificado en rojo, ajustará estos códigos de color y un poco, y por defecto será Helvetica regular en negro a un tamaño mediumish. Ahora con la capa de tipos seleccionada aquí, puedo ajustar todas estas como yo desee, así puedo elegir diferentes fuentes en el menú de abajo aquí y puedes elegir la fuente que quieras para este proyecto en particular, voy a estar usando Gill Sans. Yo sólo voy a empezar a escribir Gill, puedes ver que aparece Gill Sans. Voy a empezar con Gill Sans regular aquí, y luego sólo voy a cambiar esto a luz. Gill Sans light, y de nuevo, por favor use la fuente que desee. Por cierto, elijo a Gill Sans porque me gusta el o perfectamente circular, lo que me hace pensar en la luna llena. También es una fuente de aspecto moderno, y este va a ser uno de esos shows de hombre lobo de cadera, como los shows de jóvenes vampiros de moda. En lugar de elegir una fuente serif, estoy eligiendo una fuente moderna, entonces quiero que o sugiera la luna. También puedo cambiar el tamaño de la fuente justo aquí haciendo clic y arrastrando a la derecha o a la izquierda para hacer la fuente más grande o más pequeña. Voy a ir con 130 sólo para hacerlo bonito y grande. Queremos que el tipo sea un color rojo para ir con nuestro tema rojo sangre aquí. Ahora sí tengo en realidad un color que podemos usar. Simplemente te mostraré rápidamente cómo llegué a ese color y luego seguiré adelante y solo seleccionaré el color que ya elegí. Otra vez puedes elegir el color que quieras, pero podemos cambiar el color o elegir un color haciendo clic en la muestra de color aquí mismo y eso nos da nuestro selector de color. Pero también hay un cuentagotas aquí mismo y a veces es bueno comenzar tus colores tomando muestras del fondo que estás usando para que puedas crear colores que se relacionen. Yo me voy a llevar el cuentagotas aquí, y voy a elegir tal vez uno de los colores de mi luna aquí. Pero tiene bastante gris en ella y también es quizá un poco demasiado fucsia. Yo quiero que sea un poco más sangriento. Una vez que haya muestreado eso, ahora voy a elegir mi recolector de color y ahora sacaremos algo de ese gris y lo moveremos un poco más hacia las naranjas para darle más de un color rojo sangre. Empezamos con este color muestreado y luego lo ajustamos, ese es un método bastante bueno para trabajar, para mantener todos tus colores relacionados en algún grado. Como dije, ya elijo un color aquí, Si quieres elegir el color que usé, vamos a necesitar, eyedrop ese color de la biblioteca, queremos abrir más que solo una de estas ventanas. Voy a mantener presionada la tecla de comando y dar clic en “Bibliotecas”, eso abrirá todas estas ventanas muy rápido aquí y me desplazaré hacia abajo. Agarré ese cuentagotas y elegiré el color del texto en realidad fue con algo que parece que me puse aún más naranjado con ese color. Ahora voy a mandar click otra vez, cierra los todos arriba. Ahora también vamos a usar un modo de mezcla en alguna transparencia sobre esto, dejamos pasar un poco del fondo. este momento, nuestro tipo es realmente solo un color plano, solo sentado encima de la imagen. Realmente no se siente integrado con la imagen, no se siente mezclado con la imagen, eso es parte de lo que se trata los modos de mezcla. Ahora, voy a usar de nuevo un modo add blend, porque los modos add blend tienden a sacar mucha de la luminancia y el color, y eso va a aligerar bastante este color. Adelante a nuestra capa de texto y añadamos nuestro modo de mezcla de anuncios, y puedes ver que lo ilumina, nota ahora cómo el color en realidad se siente mucho más como el color en la luna. Sólo un pequeño consejo aquí, parte de la razón por la que terminé eligiendo este color es que ajusté el color con el modo de mezcla encendido. No es mala idea si vas a estar usando un modo de mezcla para agregar el modo de mezcla y luego jugar con tu color, ya que el modo de mezcla va a afectar cómo aparece ese color, esto obviamente es muy diferente a lo que este parece aquí. Tiene mucha más luminancia, se deriva de nuevo a esa zona fucsia que tenemos con nuestra luna, como el modo de mezcla, pero sigue saliendo de ese fondo un poco más de lo que me gustaría para este sentimiento atmosférico, espeluznante que queremos, me gustaría que se sintiera un poco más, una parte de ese cielo estrellado, poco más integrado con el fondo. Vamos a tabular nuestra capa de tipo y notemos al igual que todas nuestras otras capas, hay nuestras cinco transformaciones tal como esperábamos que fueran. Bajemos la opacidad sólo un poquito, vamos a bajarla 10 por ciento, voy a bajar al 90 por ciento, y ahí ahora se siente sólo un poco más, una parte de ese fondo, un poco más ambientado en el espacio. Ahora veamos un par de nuestras otras opciones de configuración aquí, en nuestra ventana de personajes, aquí tenemos el seguimiento. seguimiento por supuesto, es el espaciado entre todas las letras dentro de una palabra o una línea de tipo. En realidad voy a dejar eso a cero. Arriba de eso tenemos el arriendo, que es el espacio entre líneas de tipo, pero sólo tenemos una línea de tipo aquí, así que no nos vamos a preocupar por eso. Pero entonces por aquí tenemos el Kerning y definitivamente sí queremos considerar el kerning. El kerning es el espacio entre cada letra, nunca se quiere dejar los ajustes de kerning automático tal como son, las diferentes formas de las letras. Casi siempre significa que hay que ajustar individualmente el kerning. El objetivo, por supuesto, con kerning es tener una cantidad similar de espacio negativo entre cada letra. Aquellos de ustedes que son diseñadores gráficos, por supuesto, estarán muy familiarizados con kerning, no voy a tomar mucho tiempo para entrar aquí en ello, pero definitivamente necesitamos hacer unos pequeños ajustes. Para ajustar el kerning, voy a hacer clic en el tipo con mi herramienta de tipo para establecer mi cursor entre dos letras. Puedo ajustar el kerning ajustando este valor aquí, pero usar los comandos de teclas es bastante más fácil, con mi cursor ahí entre las letras, voy a mantener presionada la tecla de opción, y luego voy a hacer clic en el teclas de flecha hacia adelante y hacia atrás para alterar ese Kerning. Yo quiero esto un poco más apretado, quiero que H un poco más cerca de ese O, la forma en que por defecto, hay mucho espacio entre H y O, así que voy a apretar un poco eso. Por cierto, siempre debes configurar primero tu seguimiento, configurar primero que estás rastreando y luego entrar y ajustar tu kerning. Estoy dejando el rastreo donde está porque me gustó el espaciado general y solo estoy ajustando un poco ahí. Creo que el resto de estos campos bastante bien. Ahora vamos a estar animando esta capa tipo. Observe que la posición predeterminada del punto de anclaje está en la parte inferior izquierda, solo para que sea un poco más fácil animar y querer poner ese punto de anclaje y el centro en la línea base del tipo. Voy a agarrar nuestra herramienta de punto de anclaje y voy a traer eso, y una vez más , igual que hicimos con la luna, voy a mantener presionada la tecla de comando y eso me permite chasquear el punto de anclaje a las esquinas o el centro inferior o superior o el centro del tipo. Voy a acercarme a esa zona. Voy a mantener presionada la tecla de comando y ponerla en su lugar. Vamos a establecer nuestra posición inicial para este tipo antes de animarlo. Para ello, voy a volver a nuestra estructura de rejilla. Ahora esperemos que hayas visto y seguido junto con la primera clase de la serie donde pusimos nuestra cuadrícula 16 por 9. Si no lo hiciste, te recomiendo que vuelvas a ver eso, pero si lo hiciste, entonces deberías tener tu cuadrícula 16, 9 lista para ir. Voy a ir bajo elegir opciones de rejilla y guía y encender nuestra rejilla, queremos asegurarnos de que tenemos snap to grid comprobado. Voy a seguir adelante y agarrar nuestra herramienta de selección regular, pongamos esto abajo en la primera cuadrícula, cuadrar hacia arriba desde abajo para darnos un pequeño margen en la parte inferior. Empecemos esto inicialmente justo aquí metido en este espacio negativo debajo del poste telefónico aquí. Ahora voy a dejar esa cuadrícula encendida porque eso nos ayudará cuando creemos nuestra animación para nuestro tipo. Pero antes de animar nuestro tipo, quiero tomarme un minuto y mirar un tipo diferente de fotograma clave. Hemos mirado los marcos clave lineales, pequeño diamante, hemos mirado los extremos fáciles, fáciles outs, y los fáciles facilita que entra y sale de un marco clave. Esos son los pequeños marcos clave en forma de reloj de arena. Pero quiero mirar otro tipo de fotograma clave, el fotograma clave auto bezier. Veamos eso en la siguiente lección. 10. fotogramas de Bezier automático: Entonces, para echar un vistazo a los fotogramas clave de AutoBezier, sigamos adelante y hagamos doble clic en la composición de AutoBezier en la ventana del proyecto. Haga doble clic en eso para abrirlo. Lo que tengo configurado aquí es muy sencillo. Es un poco cuadrado, animando a través del marco, y es animando en dos piezas, la primera siendo muy, muy rápida, por lo que se puede ver el espaciado entre esos marcos muy, muy ancho ahí. Se va a mover muy, muy rápido, y luego va a golpear este fotograma clave aquí, justo en el medio, y luego va a ir más lento. También es un buen ejemplo de temporización y espaciado. Estamos moviendo la misma distancia entre estos fotogramas clave. Nuestro tiempo es mucho más corto, haciendo que este movimiento sea muy rápido, y luego de aquí para aquí, nuestro tiempo es mucho más largo, haciendo que el movimiento sea muy lento. Ahora, cuando se tiene este cambio radical de velocidad, se tiende a conseguir un clunk o un tirón, en el fotograma clave donde cambia esa velocidad. Entonces echemos un vistazo a eso. Voy a ram previsualizar esto. Ahí se puede ver que a medida que cambia de velocidad, realmente torpe, clunk justo ahí. Casi hay un imbécil, ya que cambia de velocidad. Tu primer instinto como usuario principiante de secuelas, podría ser usar faciles para tratar de suavizar esto. Ahora en algunos casos, cuando el cambio de velocidad no es demasiado drástico, puedes usar una facilidad de entrada fácil, para facilitar el movimiento más lento o por el contrario, si vas más lento a más rápido relajarte, y eso lo hará suavizar la transición. Desafortunadamente, no siempre funciona porque el porcentaje de facilidad podría no ser suficiente para suavizar el cambio de velocidad. Estaré haciendo una próxima serie, profundizando en las secuelas que abordarán el editor de gráficos de movimiento que te permite ir mucho más lejos de lo fácil facilita en controlar la velocidad y la velocidad dentro y fuera de un fotograma clave. Pero por ahora mismo, antes de meterte en el gráfico de movimiento, solo usando un fácil facilita, no tendrás suficiente control sobre ese cambio de velocidad para sacar necesariamente al imbécil. Pero funcionará a veces, en este caso particular, el cambio de velocidad es un poco demasiado drástico. Entonces echemos un vistazo a eso. Voy a hacer clic derecho en este marco clave y voy a añadir una facilidad fácil en. Notarás que el espaciado se acerca más a estos fotogramas clave, pero sigue cambiando muy, muy radicalmente de ese espaciado a ese espaciado, y verás que aún tenemos un gran tirón cuando lleguemos a esa parte más lenta. Entonces vamos a ram previsualizar eso. puede ver que sigue masturbándose. Es mejor, pero sigue siendo un poco imbécil cuando golpea ese fotograma clave más lento. Ahora de nuevo, este método, ya que tienes un cambio de velocidad de lento a rápido o más rápido lento de usar una facilidad, funcionará a veces. La otra cosa que podrías tener la tentación de probar es una facilidad fácil en otras palabras, fácil de facilitar y fácil de aliviar. Pero eso creará un problema ligeramente diferente. Así que vamos a volver a poner esto un fotograma clave lineal y vamos a hacer clic derecho y vamos a añadir una facilidad fácil. Ahora somos fáciles de relajar y fáciles de relajar, por lo que será más suave, pero aquí habrá un nuevo tema. Echemos un vistazo a eso. Se puede ver que es más suave. Pero ten en cuenta que ahora realmente llama la atención ese momento de cambio porque casi se detiene, y luego acelera de nuevo hacia el siguiente movimiento. Tenemos un alto y luego una aceleración adelante. Entonces lo que nos falta aquí es sólo una transición suave de una velocidad a otra. Dependiendo del tipo de animación que estés creando, posible que quieras esta parada y luego volver a arrancar, y en ese caso, la facilidad de entrada y facilidad de salida fácil está bien. Pero lo que queremos es sólo una transición suave de una velocidad a otra, y de alguna manera casi hemos llamado más atención al cambio de velocidad aquí. Entonces para darnos ese suave cambio de velocidad, lo que queremos usar es un fotograma clave AutoBezier. Volvamos a poner esto de nuevo a un fotograma clave lineal por comando, haciendo clic en él. Entonces, ¿qué es un fotograma clave AutoBezier? Qué hace un fotograma clave AutoBezier, y el término Bezier tiene que ver con su efecto en el gráfico de movimiento, y no vamos a sumergirnos en el gráfico de movimiento en esta serie, ya que esto es sólo una serie introductoria. Pero el AutoBezier básicamente toma la velocidad que entra en un fotograma clave y la hace coincidir con la velocidad que sale del fotograma clave. Ajunta las dos velocidades. Entonces en el punto de ese fotograma clave de AutoBezier, la velocidad que entra y sale la velocidad son la misma, pero no crea una completa facilidad de entrada o facilidad de salida, solo reúne la velocidad, para cumplir con la velocidad que entra y saliendo en medio. Ahora esto funciona muy bien para suavizar los cambios de velocidad donde no quieras una facilidad completa o una facilidad de salida completa o si una facilidad de entrada o salida no suaviza completamente el cambio de velocidad. Entonces volvamos a echar un vistazo a esto sin nada en ese fotograma clave, simplemente lineal, recordarnos el problema aquí. Entonces ahí está ese gran clunk, ese chasquido en ese cambio de velocidad. Ahora vamos a añadir el fotograma clave AutoBezier y lo hacemos pulsando comando en el fotograma clave lineal. Entonces comando click, y obtenemos este pequeño círculo, esta forma de círculo pequeño, y esa forma de círculo nos dice que tenemos el fotograma clave AutoBezier. Entonces ahora verás que tenemos una transición mucho más suave de una velocidad a la otra. Sigue siendo un cambio bastante radical, pero es una transición mucho más suave de una a otra. Casi no tenemos la sensación de que ahí haya un fotograma clave. Simplemente cambia la velocidad suavemente de una a otra. Ahora bien, te concedo que estas diferencias son muy sutiles, pero poder ver y entender y poder controlar la sutileza de tu movimiento, es realmente lo que separa a los profesionales de los amateurs en el mundo de la animación y el diseño de movimiento. Por lo que es realmente importante examinar cuidadosamente estas sutiles diferencias y empezar a entrenar realmente tu ojo para ver realmente las diferencias entre estos cambios sutiles en velocidad, velocidad, facilidad, etcétera. Ahora pasemos a la siguiente lección, donde vamos a animar nuestro tipo, y pondremos a trabajar estos fotogramas clave AutoBezier creando una animación de retención en movimiento en nuestro tipo. 11. Animación: Volvamos a nuestro marco de título de aullido aquí, y vamos a crear alguna animación para llevar nuestro tipo y sacar a nuestro tipo. Empecemos dándonos una pista de audio con la que sincronizar. Recuerda como hablamos en la primera parte de la serie, lo importante que es sincronizar siempre con una pista. Ahora bien, este track no tiene un ritmo muy, muy fuerte y sólo estamos haciendo un poco de animación. Pero incluso con animación simple, queremos alguna relación con esa pista. Ahora, ya he agotado el tiempo de espera de la pista en la versión terminada. Entonces solo para ahorrar un poco de tiempo, solo copiemos y peguemos eso. Vamos a Aullido Título Finalizado. Agarremos la capa musical aquí donde veas que he hecho algunos marcadores. Commandemos a C para copiar esa capa, volvamos a nuestro proyecto actual aquí, y comandamos V para pegar. Vamos a hacer clic y arrastrar eso hasta el fondo de nuestra pila. Ahora, ya que estamos empezando a acumular más capas aquí, sigamos adelante y también codificemos por color algunas de estas. Vamos a crear un pequeño patrón de arco iris aquí solo para separar nuestros diferentes tipos de capas. Puedes elegir los colores de capa que te gusten. Siempre me gusta divertirme con los colores de la capa un poco y crear algún patrón. Por lo que sólo haremos un simple patrón de arco iris aquí. Subiendo del verde, cambiaremos nuestras dos capas de imagen, nuestras estrellas de fondo, y nuestra luna. Ya que esas son tanto capas de imagen de video, como fotografía. Hagamos que sean iguales, los haremos amarillos, y luego hagamos nuestra capa de texto naranja y luego agregaremos dos capas finales en la parte superior, colorearemos esas rojas. De nuevo, puedes elegir el color que quieras. After Effects sí tiene colores predeterminados para diferentes tipos de capas. Por lo que puedes usar esos también hasta que empiece a ponerse un poco inmanejable, entonces quizá quieras empezar a pensar en la codificación de color de una manera que te ayude a organizar tu proyecto. Ahora, sólo echando un vistazo rápido a nuestra música aquí, acabo de marcar un par de ritmos basados en estas pequeñas notas que escuchas. Entonces abrimos la Waveform y recordarás, por supuesto, que lo cubrimos en la primera parte de la serie. Entonces si quieres saber cómo agotar el tiempo de una pista y hacer estos marcadores, vas a querer ver la Parte 1 de la serie Intro To After Effects, pero verás que tenemos estos sencillos beats a través de la pista de audio. Hagamos una vista previa y solo tengamos una escucha. Simplemente tenemos estas notas del teclado golpeando en estos latidos largos y lentos, y son muy fáciles de ver en la forma de onda. Pero eso nos dará un patrón básico a seguir para la animación de nuestro tipo. También notarás que he añadido un poco de animación a los niveles de audio, solo para crear un fundido aquí al final. El inicio de la pista aquí es el comienzo real de la pista, que funciona bien para traernos a la pista, pero, hemos interrumpido la pista, que por supuesto continúa por un par de minutos más, con nuestro corto pequeña pieza de 10 segundos, y acabo de añadir un poco de desvanecimiento aquí al final, bajando el volumen a nada al final aquí. Por lo que usaremos estas simples notas para agotar el tiempo de espera de la animación de nuestro tipo. Ahora hablemos un momento sobre la animación de nuestro tipo. Lo que vamos a hacer es deslizarlo mientras se está desvaneciendo, y luego sostenerlo un rato para que podamos leerlo, y luego vamos a deslizar el tipo a medida que se desvanezca. El concepto detrás de este tipo de animación es una sensación de arrastrarse y escabullirse. Vamos a colar al tipo y escabullirse al tipo, imaginando el movimiento de un hombre lobo rastrero. Ahora cuando animamos el tipo y el diseño de movimiento, hay un par de ideas en las que queremos pensar. En primer lugar, queremos asegurarnos de que nunca interferimos con la legibilidad. Siempre queremos poder leer el tipo mientras está en la pantalla. Cuando estás animando el tipo encendido y apagado, dependiendo de cómo estés animando el tipo encendido y apagado, normalmente no es el momento en que nuestro público va a poder leer el tipo con claridad. El público generalmente va a estar leyendo el tipo después de que aparezca y antes de que desaparezca durante el tiempo que está sosteniendo en la pantalla. Pero otra gran idea general en el diseño de movimiento y animación es que raramente queremos que el movimiento se detenga por completo. No queremos que el cuadro deje de moverse por completo. Ahora, con el tipo, a veces podemos salirnos con la suya por un rato en medio de ella moviéndose y apagándose. Pero muchas veces es más deseable y crea un poco más de interés visual si el tipo sigue moviéndose sólo un poquito, incluso durante el periodo que está sosteniendo para que podamos leerlo. Ese pequeño movimiento donde estamos sosteniendo el tipo para que podamos leerlo, pero también se sigue moviendo un poco, me gusta llamar a una espera en movimiento. Una bodega en movimiento es en realidad un término utilizado en la animación de personajes tradicionales, que es mi fondo, y el concepto es muy similar. La idea es que nunca quieras que tu personaje deje de moverse por completo, incluso cuando quieras que el personaje se mantenga en una pose para el público pueda leer esa pose con claridad, al igual que queremos que nuestra audiencia lea nuestro tipo. Entonces tienes al personaje sostener una pose, pero muévete solo un poquito, una bodega en movimiento. Esa es muy la misma idea que vamos a usar con este tipo. Vamos a moverlo rápidamente, luego vamos a aguantarlo para que el público pueda leerlo, pero moverlo lo suficiente para mantenerlo vivo, y luego vamos a sacarlo rápidamente. Vamos a utilizar esos fotogramas clave auto BCA para suavizar la transición entre el movimiento más rápido que entra, el movimiento más lento de la retención en movimiento, y el movimiento más rápido que sale. Vamos a crear nuestra animación inicial con nuestro tipo. Vamos a empezar por un movimiento de posición para deslizar el tipo en posición, luego lo vamos a flotar un rato en esa bodega móvil y luego deslizar otra vez y le agregaremos opacidad y algunos otros efectos después. Así que vamos a nuestra Capa de Aullido aquí, nuestra Capa de Tipo, y usemos nuestras teclas J para saltar de nuevo a nuestro primer marcador. Usaremos esta primera nota en el audio como punto de sincronización para llevar nuestro tipo a la pantalla. Ahora, vamos a seguir adelante y animar posición aquí, pero te voy a enseñar otro rápido conjunto de marcos clave que va a hacer esto un poco más fácil. Ahora, hasta ahora hemos estado accediendo a nuestras propiedades de transformación tabulando Abrir La Capa y luego tabulando Abrir La Transformación pestaña para llegar a nuestras propiedades de transformación. Pero podemos usar los comandos de teclado para saltar a estos un poco más fácilmente y ambos son un poco más rápidos. También nos ahorra algunos bienes raíces de pantalla aquí en nuestra línea de tiempo. Se trata de un conjunto fácil de marcos clave para recordar. Basta con recordar la palabra TRAPS; T-R-A-P-S, TRAPS. Caminemos por esas cartas y veamos cómo funcionan. Voy a seleccionar aquí nuestra capa de texto y empecemos con la T en trampas. Si presiono la tecla T, observe que abre sólo la propiedad de opacidad. Ahora, ¿por qué no es O? Bueno, eso es porque O se usa para un propósito diferente. Tenían que usar una letra diferente a O. La forma de pensar en ello es, T por transparencia, es decir, opacidad. T para la transparencia, y eso abre la propiedad de opacidad. Si vuelvo a golpear T , cierra esa propiedad. R por supuesto, es rotación, rotación abierta y cerrada. A es por supuesto, punto de anclaje. A se abre y A cierra la propiedad del punto de anclaje. P es posición, posición abierta y cerrada. S es escala, abrir y cerrar “Escala” con la tecla S, T-R-A-P-S, TRAPS, transparencia, rotación, punto de anclaje, posición, y escala. Muy fácil de recordar y una gran manera rápida de trabajar. Ahora en solo un poquito, te mostraré otro comando de teclado una vez que hayamos agregado algunos fotogramas clave. Ahora en un minuto, te mostraré otro práctico comando una vez que hayamos agregado algunos fotogramas clave aquí. Vamos a seguir adelante y golpear la tecla “P” porque vamos a animar primero la posición y vamos a hacer un poco animando hacia atrás aquí en realidad. En lugar de empezar con este primer marcador, debí haber saltado al segundo así que eso es “K” adelante al segundo marcador y vamos añadir un fotograma clave ahí mismo en esta primera posición que hemos creado. Entonces vamos a “J” hacia atrás aquí a donde vamos a querer que empiece nuestra animación y vamos a hacer clic y arrastrar nuestro tipo hacia atrás un cuadrado de cuadrícula entero justo hasta allí. Vamos a animar con esa primera cuadrícula cuadrada. Observe que aquí no estamos solapando la línea eléctrica, así que no estamos creando ninguna tangente fea ahí. Todavía estamos dentro de este espacio negativo por lo que vamos a animar a este punto. Entonces vamos a tener el tipo sentado durante su tiempo de legibilidad. Pero de nuevo, en lugar de que solo se detenga, mantengámosla viva con esa idea de retención en movimiento. Pero queremos que se muevan hold sean bastante lentos por lo que el movimiento es muy sutil de esa manera no interferirá con la legibilidad del tipo. Adelante dos de estos marcadores así que vamos en el doble del tiempo y vamos a que se vaya a la mitad de la distancia, así que será mucho, mucho más lento. Ahora solo arrastraré esto hacia adelante al siguiente marcador aquí así que solo arrastraremos esto hacia adelante medio cuadrado de cuadrícula y lo ajustaremos a ese punto. Vamos a ir la mitad de la distancia en el doble del tiempo para que eso sea realmente agradable y lento. Es solo un flotador, sólo una deriva, una bodega móvil. Está sosteniendo básicamente en esta posición, sólo moviéndose un poco y luego vamos a tener esto animado apagado. Tendremos que ir a la misma distancia, pero tal vez un poco más corto para que sea un poco más rápido. Eso es en parte porque aquí nos estamos quedando sin tiempo, pero también para volver a dar esta idea de escabullirse y esconderse, casi como si hubiéramos visto al tipo y al tipo se da cuenta de que ha sido manchado, y al igual que un hombre lobo escabulléndose, se va a agachar rápido y esconderse. Vamos a ir una distancia más corta aquí vamos sólo a nueve segundos aquí. Pero lo tendremos movido a la misma distancia, una cuadrícula completa sobre para huir y escondite. Ahora vamos a echar una vista previa de esto ahora mismo, y definitivamente vamos a ver esos imbéciles a medida que cambia la velocidad. Ahí está nuestra bodega móvil, y luego fuera se cuela. Ahora no hemos agregado la animación ampacity obviamente. Pero se puede ver cómo eso realmente torpe cuando golpea ese punto donde cambia la velocidad, y luego aquí otra vez, y luego aquí otra vez, masturba hacia adelante a medida que avanza. De nuevo, podríamos potencialmente usar y “Easy Easy” en este fotograma clave y una Easy Facilidad” fuera en este fotograma clave. Pero con este cambio de velocidad, probablemente todavía vamos a tener un imbécil ahí mismo. Este es un momento perfecto para usar los fotogramas clave de Auto Beziers para suavizar realmente esto. Añadamos esos Auto Beziers así que voy a mandar “Click” para agregar esa pequeña forma de círculo y comando “Haga clic” en este fotograma clave aquí para agregar la forma del círculo allí. Solo para estar seguros, añadamos también un fotograma clave de retención al final de nuestra secuencia de animación. Realmente no necesitamos hacer eso demasiado aquí, pero siempre me gusta practicar estos buenos hábitos, solo conseguir estos hábitos por si el cliente regresa, quiere hacer un cambio, algo cambia. Si siempre estás practicando estas buenas técnicas de seguridad, entonces tienes mucho menos de qué preocuparte por el camino. Sigamos adelante y comandamos “Opción” click solo para poner una retención al final de ese fotograma clave así que ahora echemos un vistazo a nuestro movimiento y deberíamos tener transiciones mucho mejores dentro y fuera de esa bodega móvil. Mucho más suave mucho más agradable por lo que estamos transitando suavemente dentro y fuera de ese movimiento sostenga mucho más suavemente. Hemos perdido a esos pequeños imbéciles y saltos. Ahora también queremos que esto se desvanezca y se desvanezca, por lo que está apareciendo desde el cielo nocturno, desapareciendo nuevamente en el cielo nocturno, haciendo eco de este concepto más grande del hombre lobo y porque va a desvanecerse y luego fuera, no estamos agregando alivios a los fotogramas clave de primera y última posición, igual que si el tipo estuviera entrando y saliendo desde fuera del fotograma, queremos que el tipo aparezca ya en movimiento ya que se desvanece y continúe moviéndose a medida que lo se desvanece. Queremos fotogramas clave lineales ahí así que agreguemos algún fotograma clave de opacidad. Voy a pagar por delante aquí a este primer fotograma clave y luego voy a “K” hacia adelante de nuevo al segundo fotograma clave porque aquí es donde lo queremos a plena opacidad, que si recuerdas, no es un 100 por ciento, es al 90 por ciento. Ahora vamos a seleccionar de nuevo la capa y presionar la tecla “T” para transparencia u opacidad y vamos a seguir adelante y hacer clic en el cronómetro para agregar aquí un fotograma clave al 90 por ciento. Ahora te voy a enseñar un comando de teclas más cool aquí. Ahora tenemos fotogramas clave sobre opacidad y posición. Quiero poder verlos ambos porque quiero sincronizar de opacidad con los fotogramas clave de posición. Pero también quiero seguir guardando mi pantalla inmobiliaria aquí como lo he estado haciendo con los T-R-A-P-S, TRAPS, comandos de teclado. Voy a usar la tecla “U”. El teclado “U” es uno de mis comandos de teclado favoritos y después de efectos, uso constantemente todo el tiempo junto con TRAPS, junto con T-R-A- P-S. Lo que hace la tecla “U” es cuando seleccionas una capa que tiene fotogramas clave en ella y presionas la tecla” U”, lo que hará es que abrirá solo las propiedades con fotogramas clave en ellas. Ahora, esto es una locura de mano particularmente cuando estás editando fotogramas clave. Digamos que has establecido algunos fotogramas clave y quieres entrar y meterte un poco con ellos. Esto te permite abrir solo las propiedades que necesitas ver, solo las propiedades con las que estás trabajando y ninguna otra, ahorra mucha pantalla inmobiliaria y te mantiene enfocado en lo que estás trabajando en lugar de tener que mirar mucho de diferentes propiedades. Muy, muy útil, la tecla “U” golpeando que de nuevo cerrará la capa para arriba por lo que clave “U” para abrir todas las propiedades de marco clave, clave “U” para cerrar las propiedades de fotogramas clave. Práctico, vamos a golpear la tecla “U” y ahora podemos usar nuestras teclas “J” y “K” usaremos j para saltar atrás, y ahora pondremos nuestra opacidad aquí en cero. Saltaremos hacia adelante, saltaremos hacia adelante de nuevo a nuestro siguiente fotograma clave aquí, volveremos a establecer nuestro fotograma clave de opacidad en 90, y luego saltaremos adelante a nuestro último fotograma clave aquí y pondremos esto en cero de nuevo. Ahora, pongamos también un fotograma clave completo al final. También pongamos un fotograma clave de retención en este fotograma clave también, porque está sosteniendo este valor del 90 por ciento. En este momento, no se está desplazando de ninguna manera. Pero hay ciertas situaciones en las que secuelas crearán extrañas pequeñas derivas en tus valores, incluso entre dos fotogramas clave que son iguales. No sucederá todo el tiempo, pero sí sucede bajo ciertas circunstancias cuando creas tus fotogramas clave de ciertas maneras y si alguna vez sucede, puede ser muy frustrante, sobre todo si no te resulta familiar con lo que está pasando. Sólo para estar del lado seguro, y soy un gran creyente en operar del lado seguro. La opción de comando “Click” agregará una retención, por lo que estamos sosteniendo este valor de 90 hasta que impactemos este segundo fotograma clave, y luego ahora se animará hacia abajo a cero. Echemos un vistazo a esa animación otra vez, genial, y tenemos buena sincronización con la banda sonora. Es audio muy simple, es animación muy simple, pero incluso ese poco de sincronización es tan importante siempre que tengas la oportunidad de sincronizar, de atraer, hacerlo. Ahora definitivamente tenemos un divertido sentimiento espeluznante, astuto con este tipo, que es lo que queremos. Pero creo que podemos acentuar eso aún más con un efecto desenfoque en este tipo. Es realmente como si el desenfoque estuviera emergiendo de la noche, la forma en que nuestro espeluznante hombre lobo saldrá de la noche así que agreguemos un efecto animado, un efecto de desenfoque en nuestra próxima lección. 12. Animación de propiedades de efectos: En este punto, podemos seguir adelante y apagar nuestra grilla. No vamos a necesitar que eso venga. Adelante y apaguemos nuestra grilla. Añadamos un efecto de desenfoque a nuestro tipo. El tipo emerge no sólo con opacidad, sino que también se solidifica, se suman a nuestra sensación atmosférica espeluznante, casi como si el tipo estuviera saliendo de la niebla. Con nuestra capa de tipo seleccionada, voy a subir bajo efectos y presets y voy a escribir en desenfoque. Vamos a usar el desenfoque gaussiano. Adelante y haz doble clic en el desenfoque gaussiano para añadir eso a nuestra capa. Se puede ver nuestra ventana de control de efectos se abre con el desenfoque gaussiano en ella. Ahora no quiero que el tipo se borre después de que se desvanezca, pero quería empezar a desdibujarse. Ahora para animar una propiedad en un efecto, utilizamos el mismo procedimiento que utilizamos para animar cualquier propiedad. Empezamos haciendo click en el cronómetro. Ahora podría tabular abrir el efecto aquí y golpear el cronómetro justo aquí en la línea de tiempo pero una forma un poco más rápida de trabajar aquí es comenzar golpeando el cronómetro hacia arriba en los controles de efectos. Voy a seguir adelante y hacer clic en eso, que se tiene nuestro ajuste en cero, que es lo que queremos en este punto de la animación. Entonces voy a bajar, seleccionar la capa, voy a golpear la tecla U y eso ahora se abrirá junto con la opacidad de posición, la propiedad borrosa. Recuerde, la tecla U abrirá todas las propiedades de fotogramas clave. De inmediato tenemos justo lo que necesitamos aquí, no tenemos que meternos con muchas pestañas y tonterías. También nos estamos ahorrando mucha pantalla inmobiliaria porque si agregamos todas las transformaciones abiertas y la pestaña de efectos y la pestaña borrosa gaussiana con todas sus propiedades, estaríamos consumiendo bastante bienes raíces, mientras que ahora sólo tenemos estos tres artículos es muy útil. Ahora volvamos a J y no podemos ver el tipo en este punto. Vamos a cambiar temporalmente este valor de opacidad a 90, sólo para que podamos ver qué estamos haciendo con el desenfoque. Vamos a manipular bastante este desenfoque. Entonces voy a agregar desenfoque. Me ha llevado mucho tiempo poner en marcha esto. Si quieres acelerar cuando te estás deslizando sobre cualquier valor, haciendo clic y arrastrando sobre cualquier valor en absoluto, si mantienes presionada la tecla Mayús, saltará por un factor de cinco, creo, y podemos moverlo mucho más rápido. Vamos a saltar hasta alrededor de 100, y de hecho, sólo voy adelante y teclear 100 en. Ahora puedes ver que está brumoso y borroso, casi igual que nuestras nubes o nuestra Aurora Borealis aquí. Estamos tratando de igualar esa sensación de murkiness brumoso. Por lo que nuestro tipo simplemente saldrá de eso. Genial, esa es una sensación agradable. Ahora se está animando a la solidez aquí con nuestro tipo a plena opacidad y sin borrosidad. Regresemos nuestra opacidad a cero aquí y fijemos el resto de nuestros fotogramas clave. Sigamos adelante y pondremos aquí de nuevo en cero nuestro fotograma clave borroso. Entonces saltaremos hasta el final. Ahora solo copiemos y peguemos este primer fotograma clave. Entonces voy a seleccionar el comando de fotograma clave C, comando V para copiar y pegar esa borrosidad establecida en 100 ahí al final. Se desenfoca junto con el desvanecimiento al final. Ahora, vamos también, porque queremos que el tiempo también sea suave aquí, comandamos click para agregar nuestros beziers auto en nuestro borroso también y opción de comando haga clic para agregar nuestro fotograma clave de retención solo para asegurarnos de que mantenemos ese valor borroso todo el camino a través. Ahora bien, ¿por qué no pusimos un auto bezier en la opacidad? Facilita o autobeziers en la opacidad generalmente realmente, muy difícil de ver. En algunos casos extremos los he usado, pero en muchos, muchos casos apenas se puede ver la diferencia, sobre todo solo con fáciles fáciles. Una vez que empieces a usar el editor de gráficos de movimiento, es más probable que eso sea útil pero en este caso realmente no va a crear ninguna diferencia discernible así que solo voy a dejar eso. Si lo deseas, puedes agregar un auto beziers a estos dos si quieres y ver si puedes ver alguna diferencia. Creo que es bastante despreciable. Probablemente tampoco necesité añadirlo para la borrosa pero la borrosa es un poco más de un efecto notable. Probablemente sea un poco más notable que la opacidad. Echemos un vistazo a lo que tenemos aquí. Impresionante, muy espeluznante. Realmente se ve así cómo forma parte de todo nuestro entorno, ya que coincide con esas nubes sabias o que Aurora Borealis, tiene un color muy similar, una sensación similar. Ahora tenemos ese gran sentimiento espeluznante, espeluznante, colarse y escabullirse, así que nuestro tipo está actuando como nuestro hombre lobo. Pongamos una opción de comando, haga clic en Agregar y mantenga pulsado al final allí también. De nuevo, me gusta jugar seguro siempre que sea posible y simplemente meterme en esos buenos hábitos. Ya casi terminamos con nuestro pequeño marco de título aquí, pero me gustaría acentuar el humor del marco un poco más con una viñeta alrededor del borde. Para ello, vamos a usar una capa de ajuste. Echemos un vistazo a eso en la siguiente lección. 13. Capa de ajuste y másla Mask: Ahora, como dije, quiero agregar una viñeta a esta escena. En otras palabras, para que los bordes del marco se oscurezcan para sumar a nuestro moodiness y también crear un poco más de conformación en el marco. Nuestro fondo de cielo nocturno es todo incluso más o menos como un poco de gradiente subiendo, pero la viñeta le dará un poco más de forma y un poco más de humor y atmósfera. Ahora, para crear esta viñeta, quiero oscurecer todo en el marco, todas nuestras capas a la vez. cualquier momento que desee agregar un efecto a múltiples capas, es una buena idea usar una capa de ajuste. Ahora este es otro elemento que le resultará familiar a aquellos de ustedes que estén familiarizados con Photoshop. Trabajan de manera similar, aunque hay algunas diferencias significativas. Una capa de ajuste es esencialmente una cáscara vacía para contener efectos. Cuando pones una capa de ajuste encima de una o más capas, surtirá efecto con cualquier efecto que le pongas, cualquiera de las capas que hay debajo de ella. Veamos cómo funciona esto con nuestra viñeta aquí. Voy a seguir adelante y pestaña cerró mi tipo aquí y voy a anular la selección haciendo clic en el área en blanco de mi línea de tiempo. Subiremos bajo “Capa”, “Nuevo”, “ Capa de ajuste ” y también veamos la opción Comando Y también hará lo mismo. Voy a seguir adelante y crear esa capa de ajuste y inicialmente no va a pasar nada porque de nuevo, una capa de ajuste es solo un shell vacío al que podemos agregar efectos. Voy a nombrar a esta capa de inmediato, Vignette, para que sepamos qué es y qué va a hacer y vamos a codificarla de color rojo. Lo que queremos hacer es oscurecer los bordes de nuestro marco, queremos oscurecer todas las capas juntas. Empecemos por crear ese oscurecimiento. Lo que vamos a utilizar es un ajuste de niveles. Voy a subir bajo efectos y presets y tipear niveles. Puedes ver “Niveles” aquí bajo “Correcciones de color”. Adelante y doble click en eso, para sumar niveles. Los niveles deben ser muy familiares para aquellos de ustedes que son competentes con Photoshop. Niveles es una herramienta muy poderosa que esencialmente permite cambiar la exposición de una imagen. Está diseñado para fotografía y video, pero también funciona muy bien en ilustraciones. Para aquellos de ustedes que no están familiarizados con cómo funcionan los niveles, y por cierto, si tienen una situación de calambre como esta donde no pueden ver todos los controles en su ventana, vayan al borde de la ventana. Verás un pequeño símbolo de barra de flecha doble y puedo hacer click y arrastrar y puedo chasquear eso ahí para que podamos ver todo nuestro conjunto de controles aquí. Aquí verás dos pequeños gráficos, un histograma de todos los colores dentro de nuestra imagen. Esto representa la entrada, en otras palabras, cómo se ve la imagen tal como es. Entonces tenemos una salida que permite mapear los colores de entrada a través del espectro de oscuro a claro. Ahora puedes ajustar tanto la entrada como la salida. En muchos casos, cuando solo quieres ajustar la exposición general de una imagen, normalmente vas a dejar el conjunto de salida tal como está. En otras palabras, quieres una gama completa de la oscuridad a la luz. Ahora, eso sería diferente si estuvieras tratando de, digamos “Reducir el contraste”, entonces realmente te alejarías del negro en la parte inferior o lejos de la luz en la parte superior. Queremos nuestra gama completa de contraste aquí. No queremos que la imagen sea más halagada y menos contrastia. Simplemente queremos oscurecerlo como si fuera una exposición más oscura. En cambio, lo que vamos a hacer es cambiar el nivel de entrada. Esencialmente vamos a decir: “Toma un color más claro, más claro en el espectro y fícalo a negro para oscurecer toda la imagen”. Voy a agarrar este pequeño deslizador aquí y lo voy a deslizar hacia adelante y me voy a oscurecer y toda nuestra imagen. Se puede ver que es como si estuviéramos haciendo más oscura la exposición tanto de nuestra imagen lunar como de nuestro fondo. Incluso afecta al tipo, por lo que todo se ha oscurecido. Ahora eso está bien y todo, pero queremos una viñeta. No queremos toda la imagen oscura. Simplemente queremos que los bordes del marco sean oscuros. Para ello, vamos a usar una máscara. Ahora, las máscaras en After Effects se pueden complicar muy. Aquí vamos a aprender lo básico. Una máscara básicamente permite cortar una forma de una capa o un agujero en una capa. En este caso, vamos a cortar un agujero en la capa para permitir que nuestro fondo se muestre a través en el medio. El estrato en el que vamos a cortar un agujero es nuestra capa de ajuste. Vamos a cortar un agujero en la capa de ajuste para ver a través de nuestra imagen normal sin el efecto sobre ella. Una máscara es una herramienta basada en vectores y en realidad se pueden dibujar máscaras, dibujarlas a mano con la herramienta pluma, pero también se puede utilizar la herramienta de forma para dibujar máscaras con formas vectoriales básicas. Con nuestra capa de ajuste seleccionada y es muy importante que tengamos esa seleccionada porque si no tenemos la capa seleccionada cuando usamos la herramienta de forma, solo haremos una forma. Pero lo que queremos hacer en lugar de hacer una forma es cortar una máscara en nuestra capa. Queremos que esta capa sea seleccionada. Vamos a subir y vamos a agarrar la herramienta de elipse y voy a dar clic y arrastrar sobre esa capa de ajuste y voy a dibujar una elipse. Ahora de nuevo, no habría dibujado una máscara en la capa. Acababa de dibujar una forma de elipse si esta capa no hubiera sido seleccionada, sino porque la capa estaba seleccionada, en lugar de dibujar una forma, dibujo una máscara. Eso es importante recordar si estás tratando de dibujar una forma o tratando de dibujar una máscara si alguna vez consigues lo contrario, es por lo que tenías o no has seleccionado. Tan pronto como dibujamos nuestra máscara, la pestaña de la máscara aparece en nuestra capa de ajuste y notarás que la pestaña de la máscara dice Máscaras”, y luego aquí está Máscara Uno. Puedes tener múltiples máscaras en una capa y puedes crear relaciones relativamente complejas entre ellas. También puedes animar máscaras, pero lo vamos a ver en las próximas clases. En este caso, todo lo que necesitamos es cortar este agujero en nuestra capa de ajuste. Ahora mismo ves que en realidad tenemos lo contrario. Hemos cortado una forma de nuestra capa de ajuste, por lo que nuestro ajuste está dentro esa forma y fuera de la forma no tenemos el ajuste. Eso es lo contrario de lo que queremos. Bajemos a la máscara aquí y notemos que por supuesto es una máscara aditiva. En otras palabras, es cortar una forma en lugar de cortar un agujero. Para cambiar eso, solo hacemos clic en este menú Pull-Down y lo cambiamos a una máscara de resta y ahora estamos cortando un agujero en la capa de ajuste, que es lo que queremos. Pero tampoco queremos este borde duro que se vea súper bobo. Queremos un borde suave, por lo que solo se siente como si se oscureciera suavemente en el borde. Tenemos que mirar la configuración de la máscara. Vamos a Tab, Abrir, Máscara Uno, y dentro de eso, verás nuestra configuración de máscara y la que queremos usar es la pluma de máscara. Voy a dar clic y arrastrar hacia arriba en esta pluma de máscara y voy a mantener presionada la tecla Mayús porque necesitamos mucha pluma en esta máscara. Voy a mantener presionada la tecla Mayús y voy a hacer clic y arrastrar hacia arriba y voy a subir bastante lejos, tal vez alrededor de 600 o 700, algo así. Bueno, eso tal vez sea un poco mucho, bajémoslo a 500 ahí. Eso es un poco mejor. Ahora, creo que he exagerado un poco el efecto. Eso es un poco demasiado oscuro. Vamos a tirar de nuestro negro de entrada, hacia atrás un poco. Vamos a tonificar eso un poco, algo un poco más así. Eso es mejor. Tenemos un poco de transición suave al negro en los bordes. Ahora recuerda, puedo encender y apagar el efecto para poder ver la diferencia o puedo activar y desactivar la visibilidad de la capa de ajuste también. Cualquiera de los dos me permitirá ver con y sin el efecto. Se puede ver cómo eso nos da, nuevo más moodiness, es un poco más oscuro, es un poco más misterioso ya que estos bordes desaparecen en la oscuridad, realzando realmente nuestra sensación de mal humor, espeluznante. Ahora lo último que vamos a hacer es crear un fade in y desvanecerse al principio y al final de nuestro marco de título, para pulirlo. Echemos un vistazo a eso en la siguiente lección. 14. Trabajar con sólidos: Vamos a seguir adelante y tab cerró nuestra capa de viñetas aquí, y vamos a crear un desvanecido dentro y un desvanecido fuera. Ahora, todas estas capas se colocan sobre un fondo negro. Se podría pensar que para crear un fade adentro y desvanecerse, lo que queremos hacer es animar la opacidad de las capas desde 0-100. Pero hay un problema con eso en eso porque tenemos múltiples capas, modos de mezcla, pasando cosas diferentes. Si intentas animar la opacidad de cada capa, Es muy probable que acabes con algunos efectos muy inusuales en los que no planeaste por los modos de mezcla, las capas de ajuste, lo que sea que esté pasando. Las cosas se van a comportar no necesariamente de la manera que tú quieres que lo hagan. Ahora con nuestra simple escena aquí, puede que no sea tan mala, pero cuanto más complejas sean tus composiciones, más imposible será tratar de animar la opacidad en cada capa. En las próximas clases, vamos a echar un vistazo al pre-comping, lo que resolvería algunos de estos problemas. Pero también hay una forma realmente sencilla de crear un desvanecido de y salida y una composición multicapa, y eso es mediante el uso de un sólido. Si recuerdas de la parte 1 de esta serie, un sólido es una capa que es solo un cuadrado o un rectángulo de cualquier tamaño o cualquier color. Este es un ejemplo perfecto de la situación en que hay capa muy simple pero muy útil viene muy bien. Empecemos agregando nuestra capa sólida. Una vez más, vamos a subir por debajo de capa. Nuevo sólido, también Comando Y, y obtendremos nuestro cuadro de diálogo de configuración sólida. Podemos nombrar al sólido aquí mismo. Voy a llamarlo desvanecerse, desvanecerse. Yo quiero que sea del tamaño de nuestro marco, que es 1920 por 1080. Si no tienes 1920 por 1080 en tu ancho y tu altura, y quieres que tu sólido sea del tamaño de tu marco. Simplemente puedes hacer clic en Make Comp Size y automáticamente lo hará del tamaño de tu comp, lo cual es útil. Pero puedes escribir cualquier número aquí que quieras. Puedes convertirlo en un cuadrado, puedes convertirlo en un rectángulo de cualquier tamaño. Abajo en la parte inferior aquí, tienes tu recolector de color, tu recolector de color estándar. Lo que queremos es negro. Si por alguna razón no tienes negro aquí, click en el recolector de color y solo asegúrate de que tienes negro, que estás abajo en una de estas dos esquinas. A continuación, haga clic en Ok para agregar el sólido. Se puede ver que el sólido apenas aparece en la capa superior aquí. Observe que de forma predeterminada es rojo, lo cual es útil porque quiero ambas capas, que en realidad no son capas que contienen ninguna imagen. Una es nuestra capa de ajuste con nuestro efecto. Uno es solo un sólido negro para crear nuestro desvanecerse y desvanecerse. Desean que esos se marquen con el mismo color. Ahora todo lo que tenemos que hacer es simplemente animar la opacidad de este sólido. Lo que esto hará es eliminar cualquier sorpresa si tratamos animar la opacidad en todas nuestras capas, también es menos trabajo porque todo lo que tengo que hacer es animar una propiedad de opacidad en lugar de un montón de propiedad de opacidad. Eso también nos ahorra algo de tiempo. Adelante y golpeemos la tecla T para abrir nuestra propiedad de capacidad, comenzaremos la opacidad aquí en 100, y solo sigamos adelante a un segundo en. Vamos a escribir un segundo desvanecerse, y sólo vamos a animar eso hacia abajo a cero. Let's Command Option haga clic para agregar un marco clave de retención allí solo para estar seguro. Entonces seguiremos adelante a nueve segundos, un segundo antes del final. Golpea otro fotograma clave ahí, automáticamente se convierte en una retención. Entonces Comando haga clic para convertir eso de nuevo en un marco clave lineal, y luego iremos hasta el final aquí y teclearemos 100 para desvanecer esto. Vamos a ram previsualizar nuestro marco de título terminado. Muy bonito. Genial. Estamos todos listos para renderizar nuestro proyecto. 15. Renderización: Ahora, miramos los procedimientos de render en la última clase, pero vamos a revisarlos rápidamente aquí. Con nuestra composición seleccionada, vamos a subir bajo composición, añadir a Adobe Media Encoder Q. Recuerda ser paciente mientras Adobe Media Encoder Q se inicia y agrega tu composición a la cola. A veces tardará varios minutos. Una vez que se abra el Media Encoder Q y se agregue, su renderizado a la cola, haga clic debajo del preset aquí, y de nuevo, tenga paciencia ya que la conexión de enlace dinámico está configurada y se encontrará en la configuración de exportación. Puede cambiar el nombre de salida si lo desea, o la ubicación en la que se está renderizando. Simplemente voy a dejarlo por valor de por valor del nombre de la composición y renderizado en la carpeta AME creada automáticamente dentro de mi carpeta de proyecto. Voy a bajar a la configuración de video aquí. Desplázate hacia abajo y vamos a cambiar la codificación de velocidad de bits a 2 pases. Vamos a cambiar la tasa de bits objetivo a ocho, y la tasa de bits máxima a 10. Una vez que hayamos hecho eso, haremos clic en OK y cuando estemos listos para renderizar, pulsa el botón verde render. Recuerda ser paciente mientras estás renderizando. El tiempo de render será diferente dependiendo de tu proyecto, y la velocidad, y la configuración de tu sistema informático. 16. ¡Nos vemos en la próxima clase!: Espero que hayas aprendido mucho de la segunda intro a la clase After Effects. Hemos hablado mucho de trabajar con diferentes tipos de capas en After Effects. Hemos mirado las capas de imagen, las capas de vídeo, las capas de texto, las capas de ajuste y los sólidos. También hemos analizado cómo agregar un efecto animado y cómo trabajar con modos de mezcla. Hemos aprendido acerca de los fotogramas clave autobase A, y el valor de agregar retenciones en movimiento a la animación de texto. En el camino, hemos creado un marco de título genial para nuestro nuevo show imaginario bien fuera. Ahora, por supuesto, si lo deseas, puedes conformar tu propia serie de televisión, película o videojuego o usar tu programa, película o videojuego existente favorito y crear tu propio marco de título. Pero ya sea que sigas exactamente conmigo o si hiciste lo tuyo juntando este proyecto, me encantaría ver lo que se te ocurre y sé que tus compañeros estudiantes también lo harían. Recuerda renderizar y publicar tu marco de título. Continuaremos nuestra exploración de After Effects en la tercera parte de la serie. Muchas gracias por mirar, y nos vemos en la siguiente clase.