Abstracción, segundo curso: principios del diseño

1. Introducción: Hola, soy Alexandra lee o Lexi para abreviar, soy artista de medios mixtos y diseñadora de joyas. Me encanta enseñar manos en aprender tanto aquí mi estudio como en Skillshare. Así que bienvenido a mi clase abstracción a uno, principios de diseño. Por lo que esta clase está destinada a ser un seguimiento a mi clase de abstracción 101 elementos de diseño en Skillshare. Los elementos del diseño son bloques de construcción utilizados para crear una obra de arte. Entonces si aún no has tenido la oportunidad de tomar esa clase, te recomiendo encarecidamente que la veas primero porque esta clase está destinada a construir sobre las experiencias de la abstracción 101. Por lo que esta serie de clases está destinada a principiantes que son nuevos en la pintura abstracta o artistas experimentados que buscan aflojarse y encontrar algunas nuevas vías de inspiración. Entonces vamos a empezar con una visión general de los siete principios del diseño y cómo funcionan con los elementos del diseño. Después de eso, vamos a sumergirnos en aprender sobre cada uno de los principios. Estaremos viendo patrón, ritmo, movimiento, contraste, énfasis, equilibrio, y unidad. Entonces esto va a ser una combinación de aprender sobre el papel de cada principio y luego una actividad práctica porque suelo ese principio en mayor profundidad. Entonces lo que vas a aprender en esta clase te dará las habilidades y confianza para pintar arte abstracto único e intuitivo. Aprenderás a criticar tu arte y a hacer preguntas sencillas para determinar si tu trabajo está terminado. No puedo esperar a ver tus proyectos. Tenemos mucho que cubrir. Así que saltemos directamente a la clase y empecemos a jugar con los principios de diseño y creemos un poco de arte abstracto divertido. Nos vemos en la clase. 2. Descripción general: En abstracción, elementos de diseño uno a uno, exploramos línea, valor, forma, espacio y color. La forma suele ser un elemento más tridimensional visto en la escultura, pero se puede considerar sombras dando forma a las formas. Estaremos viendo texturas parte de patrón en esta clase. Me resulta útil pensar en los elementos y principios del arte y diseño como los ingredientes y método de una receta alimenticia. Para una pintura exitosa, no necesitas incluir cada especia de tu alacena, tus elementos, y tampoco necesitas basar Baker flam Bay tus principios todo el tiempo. Puedes pensar en diseñar una pintura como las elecciones que tomes durante tus actividades diarias. Podría estar considerando lo que ya tienes en tu clóset mientras compras por un atuendo nuevo. Planear una comida en la tienda de abarrotes, o estrategias de coaching basadas en habilidades y posición de los jugadores. Entender cómo los elementos y principios funcionan juntos te permitirá tomar decisiones reflexivas a lo largo de tu proceso de pintura. Entonces a continuación, vamos a estar explorando la textura. 3. Textura: Textura refiere la distintiva calidad de la superficie se encuentra en todas las cosas así como los patrones visuales generales y la sensación táctil de los objetos y su entorno, tanto simulados como reales. La textura puede ser lisa, con baches, áspera, dura, visual y táctil. Se trata de un elemento que suma interés a tu trabajo. Las líneas repetidas crearán patrones que pueden parecerse a cabello o cuchillas de hierba. Las hebras asintiendo de hilo en un suéter también pueden formar textura visual. La textura visual suele ser pensada como un patrón, razón por la cual me gusta incluirla con los principales. Técnicas utilizadas en la pintura sirven para mostrar textura, IE, la técnica del cepillo seco produce una calidad simulada áspera y una aplicación pesada de pigmento con un cepillo u otro implante produce una calidad real áspera. A esto se le llama impasto. La textura física también se puede incluir con objetos naturales o encontrados para efectos táctiles reales. Hay algunos artistas que usan textura para el máximo efecto. Es difícil decir cuál es la mejor manera de abordarlo. Al igual que con los otros elementos básicos, suele haber una mezcla que puede tener color, línea, forma, asociándose con las cualidades texturales de la obra. Por lo que a continuación estaremos explorando tanto texturas reales como visuales. 4. Demo de textura 1: En esta demo, estaremos explorando diferentes tipos de medios y geles acrílicos. Aquí puedes ver los diferentes tipos de mediums y geles que tengo en mi estudio de Golden Liquitex y otras marcas. Diferentes marcas del mismo medio pueden comportarse ligeramente diferente. Entonces aquí vamos a explorar sus cualidades y hacer algunas hojas de textura para futuras referencias. En primer lugar, prepararemos un poco de papel de acuarela con Jessup. Esto le dará al papel algún diente para que el medio se pegue para darle al papel alguien que se ponga de pie a los médiums y geles más húmedos. Estoy usando una cuña de catalizador de silicio para extender el Jess alrededor en el papel. Pero también podrías usar un cuchillo de paleta para llave de hotel. Para ello. Deja que estos papeles se sequen a fondo. A continuación en la clase aplica hay un folleto llamado plantilla de medios de textura. Puedes imprimir esto como una guía para dividir tu papel Jessup usando una regla. Divida tu papel en ocho secciones. A continuación, escribe tus cuatro encabezamientos. Plano de capacidad, un tinte pastoso, absorbencia y dibujo. Y en esta hoja se explorarán dos medios diferentes fuera de pincelada de pintura acrílica en las primeras cuatro secciones, seguido de una línea dibujada con un marcador Sharpie o pintura. Deja secar la pintura. A continuación, elige tu primer medio acrílico. Estoy usando un gel de brillo pesado de Liquitex extendió una capa delgada en la primera sección. En la segunda sección hace un poco de una pintura acrílica de color diferente con el gel para teñirla. Rasca a través del gel en el primer panel para ver el color y la línea de la pintura debajo. En las secciones tercera, cuarta, extendió una fina capa de gel en el gel tintado hasta el segundo panel y raspa a través de él para ver el color de la pintura y la línea debajo. Coloca el lado de la jello y selecciona tu siguiente medio acrílico para usar. Para mi siguiente, estoy usando un ritmo de fibra de Golden. Repita los mismos pasos que antes de extender una fina capa del medio en los paneles primero, tercero, cuarto. Dependiendo de lo grueso que sea el medio, es posible que tenga que extenderlo un par de veces para obtener una capa uniforme en el papel. Al igual que antes, ahora puedes agregar pintura al medio para teñirla y extenderla. En la segunda sección, raspa por el medio para ver el color de la pintura en línea debajo. Deje que el gel y medio se seque durante unas horas hasta la noche. El grosor ralentizará el tiempo de secado. Ahora que el gel brillante pesado y la pasta de fibra están completamente secas, puedes ver qué tan transparentes u opacas son cuando están secas. El gel es claro y la pasta es opaca. A continuación, agregue una pincelada de pintura sobre las áreas de guión. Y las dos primeras secciones, esto permite ver la transparencia u opaquidad del medio gel cuando se pinta sobre. A continuación, estaremos viendo qué tan absorbente es el gel o pasta. Elige otros dos colores de pintura. Estoy usando pintura acrílica líquida y les agrego agua para que diluyan más a una pincelada de cada pintura al lado de la otra. En las terceras secciones, rocíeles un poco de agua para ver cómo el, cómo se mezclan o sangran en el gel o pasta. Se puede ver cómo la pintura simplemente se abalanza sobre el gel, pero se extiende y piensa que se hunde en la pasta. Por último, en el cuarto panel, seleccione algunos materiales de dibujo diferentes. Asegúrese de que la superficie del gel o la pasta esté completamente seca. Estoy usando un Negros para ser acostado. Todo lápiz, un lápiz de color naranja. De acuerdo color neo al crayón, un bolígrafo de punta de pincel micrón negro, y un pastel de aceite rojo. El gel brillante no agarra muy bien los materiales de dibujo. Es un poco resbaladizo y la textura de la pasta de fibra se ve realzada por los materiales de dibujo. Por lo que usando este enfoque, puedes crear una biblioteca de hojas de texturas para utilizarlas como guías de referencia para tus futuras pinturas. 5. Demo de textura 2: En esta demo, estaremos explorando tanto la textura real como la visual. Necesitarás un trozo de papel de acuarela JSR y una pasta de moldeo ligera o flexible. También necesitarás una plantilla con una variedad de recortes de espaciado. Aquí puedes ver cómo organizo mis plantillas. Se trata de un encuadernador de scrapbook de 12 por 12 pulgadas con hojas protectoras de scrapbook de plástico y un trozo de papel de scrapbook agregado entre ellas. Te recomendaría usar papel de desecho que fuera coloreado por ambos lados y que es más fácil ver tus plantillas a menos que tus plantillas sean bien amadas y cubiertas de pintura. Una vez que tengas seleccionada tu plantilla usando cinta de pintor, asegúrala y el papel de acuarela a tu mesa juntos. Había seleccionado una pasta de moldeo flexible de Liquitex, pero cuando la abrí, estaba seca sólida. Así que asegúrate de que eres su tapa está cerrada correctamente. Entonces en cambio ahora estoy usando una ligera pasta de moldeo de Golden, usando un cuchillo de paleta o una llave de hotel spread e incluso capa de la pasta sobre la plantilla sobre el papel. Raspa el exceso de pasta de la plantilla. Y cuando termine de cubrir el papel, retire la plantilla con cuidado y colóquela en una bandeja de agua de inmediato para su limpieza. No quieres tener Pasta o gel pegado en los agujeros. Tu plantilla. Deja a un lado tu papel pegado por unas horas para pasar la noche para que se seque a fondo. Ahora les voy a mostrar algunas formas de utilizar este papel texturizado. En primer lugar es una técnica de raspado de pintura utilizando papel de cuaderno de bocetos, utilizando diferentes colores de pintura acrílica líquida. Puedes usar la llave de un hotel para raspar la pintura sobre el papel texturizado. Esto capturará el patrón de la plantilla y la pintura, dando textura visual. Repita esas técnicas de raspado usando papel deli, que también se llama papel de cera seca. Este papel es delgado pero muy fuerte, por lo que puedes raspar un poco más duro para recoger más del patrón. Ahora puedes ver que somos textura visual se convierte en patrón. A continuación vamos a hacer algo de impresión mono con la placa de gelatina. Este mide ocho por 10 pulgadas y lo he colocado encima de una paleta de pintura desechable. O puedes usar papel congelador blanco. Estoy usando pinturas acrílicas líquidas y un líquido de acristalamiento satinado de Golden. Esto ayuda a que la pintura se mantenga más húmeda por más tiempo, lo cual es necesario al hacer la impresión de Delhi. He agregado la mezcla de pintura a la placa de gelatina y luego usado un brayer de goma para extender la pintura muy fina y uniformemente. Entonces estoy usando son papel de pasta texturizada para actuar como un sello en la placa de gelatina. Se puede ver esa transferencia de pintura sobre la textura claramente. Ahora hay patrón en la placa de gelatina. Estoy usando papel de cuaderno de bocetos en ambas superficies pintadas para recoger los patrones. Se puede ver la impresión de gelatina en el papel y luego una débil impresión fantasma del papel texturizado. Este es un buen paso para limpiar tu plato o papel texturizado. También estoy limpiando la pintura de mi brayer en mi hoja de impresión fantasma. Podrás mezclar directamente la pintura y el líquido de enlace en el plato de gelatina con tu oración. Esto acelera el proceso de impresión de pintura, igual que antes. Usa tu papel texturizado como sello en la placa de gelatina. Se puede ver cómo tu sello se vuelve visualmente más interesante a medida que se le agrega cada capa de pintura. Esta vez estoy usando el papel delicatessen para sacar impresiones la placa y de Dell y papel texturizado. Y luego limpio mi plato de gelatina con el papel de impresión fantasma. Puedes usar esta combinación de pasta y plantillas para crear textura tanto real como visual es mediante collaging estos papeles impresos en tus pinturas. 6. Patrón y repetición: Patrón es las repeticiones planificadas o aleatorias de colores, líneas, valores, y texturas para crear patrones y realzar superficies de pinturas. Los patrones suelen ocurrir en la naturaleza y los artistas utilizan motivos repetidos similares para crear patrones en su trabajo. Patrón aumenta la excitación visual al enriquecer el interés superficial. Se pueden tener patrones regulares, un patrón de gota a menudo visto en telas y en un patrón regular que puede leer como textura visual. La repetición de línea, valor de color o forma refuerza cualquier idea que estés tratando de comunicarte con ese elemento de diseño. Tu espectador a menudo suelta a cierto color o forma y lo cae a través de la composición. Usa el buen juicio en tus repeticiones y evita la colocación aleatoria. Planifica cuidadosamente en su lugar repeticiones donde potenciarán el ritmo, el movimiento y el patrón, y ayudarán a los espectadores a viajar por toda la composición. Userid con repetición para evitar el aburrimiento. Considera la repetición o dispositivo para ser utilizado con cuidado en mente, ¿qué estás repitiendo? Una forma, alinear un color, o un patrón. ¿ Qué cuenta es la repetición? ¿ Puedes hacer las paces sin ninguna repetición? Cómo un poco de repetición puedes salirte con la tuya con cuánta repetición y qué elementos puedes usar y todavía tienes cosas ahora viernes para que la pieza sea interesante, esta línea de cuestionamientos se reduce a cuánto o cuán poco contrastas quieren, en qué áreas. No hay regla ni solución que funcione para cada pintura, ni tampoco hay pautas particulares. La repetición de algunos elementos es solo un aspecto a considerar en la composición. Por lo que a continuación estaremos explorando patrón y repetición. 7. Demo de patrones 1: Una de las formas más fáciles de crear patrones es mediante el uso de línea y forma. Aquí te estoy mostrando mi cuaderno de bocetos de patrones, que es de nueve por 12 pulgadas y una variedad de tamaños, un marcador sharpie negro en los lienzos He incluido una plantilla de tarjeta de patrón la cual imprimo y uso debajo de mi boceto página del libro para dos cosas. Una, detiene la tinta Sharpie de sangrar hasta la siguiente página debajo. Y 2. Entonces podrás escanear la página de tu libro de bocetos de patrones e imprimirla en un stock de tarjeta blanca para cortarla como tarjetas de patrón para futuras referencias. Por lo que utilizas cinta de pintor para asegurar la plantilla de tarjeta de patrón al reverso de la página de tu libro de bocetos. A continuación, el uso de una combinación diferente de tamaños de marcador hace que se repitan líneas o formas y cada una de las ocho secciones de plantillas, puedes hacerlas tan simples o complejas como prefieras. Si se queda atascado por ideas, ve a Pinterest o a Google Images y busca enredo Zen. Esta es una forma de arte garabateando basada en patrones dibujados a mano en blanco y negro. Es una buena idea mezclar el tamaño de tus patrones también. Es bueno tener una variedad de patrones en tus pinturas para crear interés para el espectador. Por lo que una vez que tengas tu baraja unas tarjetas de patrón, puedes usar esta herramienta para cuando te atasques en tu pintura y necesitas algo para saltar arrancarte de una cuadra. Podrás estudiar los patrones existentes en tu pintura y barajados por la cubierta, definir un nuevo patrón para agregarle. También puedes revertir el patrón en tu pintura. Si tu tarjeta muestra manchas oscuras sobre un fondo claro a manchas claras sobre un fondo oscuro. Estas tarjetas de patrón son un gran recurso para tener a la mano como pintor abstracto. 8. Demo 2 patrones: En esta próxima demo, te voy a mostrar cómo crear tus propios sellos personalizados para crear patrones. El primer técnica es tallar un sello usando la bola de velocidad, bloque tallado fácil. Esto es casi como un borrador rosado gigante, y es realmente fácil de tallar usando cortadores de alineación. Me resulta más fácil tener a talladores sobre la marcha. Uno con una hoja de corte más grande para quitar volumen y otro con una cuchilla de corte más pequeña. Para el trabajo detallado, utilicé un Black to debajo de todo lápiz para dibujar mi diseño sobre el bloque. Una vez que hayas terminado de tallar tu diseño, puedes usar ya sea pintura acrílica o tinta de impresión en tu sello. Estoy usando pintura acrílica negra sobre paleta desechable y libro de bocetos, papel para imprimir. Puedes cambiar la dirección del sello para crear una variedad en tu patrón. La siguiente pestaña que vamos a hacer es usar láminas de espuma artesanal, castrero, que es cartón corrugado de plástico, y cinta de alfombra de doble cara. Podrás encontrar estos dos últimos artículos en una ferretería de cajas grandes. También puedes usar el medio de gel acrílico como adhesivo para la espuma. Si no puedes encontrar cinta para alfombras y usar cartón grueso como base, es posible que quieras recubrir ambos lados del cartón para que sea más duradero para la impresión. He cortado una serie de tiras de película y las he colocado en el gel. Esto tendrá que secarse durante varias horas o durante la noche. A continuación, estoy cortando una variedad de círculos en diferentes tamaños y colocándolos en la cinta adhesiva de la alfombra. También puedes crear patrones son líneas en la espuma usando la punta del lápiz. Nuevamente, estoy usando pintura acrílica negra para estampar en mi papel de cuaderno de bocetos. Poner el sello directamente en la pintura a veces da un recubrimiento desigual de pintura. Entonces para la siguiente impresión, en realidad estoy pintando la pintura en el sello con un pincel. También puedes crear sellos individuales. Aquí tengo espuma pegada a corchos de diferentes tamaños para hacer sellos individuales. Tampoco es necesario estampar con todo el sello. Puedes tener parte de ello saliendo de la página también. Puedes rellenar los espacios en blanco en el papel con unos sellos de corcho más pequeños. Depende de ti cómo quieres crear tus patrones de sello. Nuevamente, considere tener un patrón regular, caída o patrones irregulares. 9. Ritmo: ritmo es la repetición del movimiento visual, colores, formas, o líneas. La variedad es esencial para mantener los ritmos emocionantes y activos, y para evitar la monotonía el movimiento y ritmo trabajan juntos para crear el equivalente visual de un ritmo musical. Crea un tempo visual en las obras de arte y proporciona un camino para que el ojo de los espectadores siga más allá en la pintura se define como crear ciertas marcas, colores, líneas, o formas en ella, manera continua y repetida. En otras palabras, un patrón. Vas a tener ritmo regular progresivo o fluido. La repetición y el patrón ayudan a mover el ojo de los espectadores alrededor de una pintura de una manera fácil y fluida. Actúan como facilitadores para guiar el ojo a los componentes que quieres enfatizar y para fomentar el movimiento, los intereses, el flujo, y la unidad general. Ritmo establecido variando los espacios entre elementos relacionados en una composición. Puedes usar línea y color para ayudar al ritmo, como tener un staccato, zigzag rosa caliente o un elegante flujo azul centrista. Evita interrumpir la progresión aritmética a menos que intencionalmente desees detener el movimiento. Ser consistente con la secuencia de formas y colores, pero prever la TI. Ritmos conflictivos perturban la unidad. Entonces no intentes enredar en medio de un vals. Puedes sentir cómo tu ojo se mueve rápidamente sobre verticales cercanas? El mejor lugar para un punto focal es donde el ojo se mueve a un ritmo pausado. El ritmo hace que tu elemento se mueva rápidamente a través elementos muy espaciados y más lentamente a través de intervalos más grandes. Por lo tanto, varía tus espacios en tus intervalos a lo largo de tu composición para mantener el ojo en movimiento. A continuación, estaremos explorando el ritmo. 10. Demo ritmo: En esta demo, estarás usando una hoja de papel Bristol blanco y diferentes valores de cartulina y gris claro y oscuro y negro estarán cortando estos papeles de colores en formas simples, ya sea con punzones de papel o con tijeras. El buzo metas variedad de formas, tamaños y valores. Una vez que tengas tus formas recortadas, puedes empezar a moverlas sobre el fondo blanco para obtener una sensación intuitiva ritmo compone los tamaños y el espaciado de estas formas. Puedes optar por pegar las formas del palo de pegamento si quieres conservar los arreglos. O puedes hacer lo que estoy haciendo y simplemente tomar fotos con tu smartphone o cámara digital para mirar para referencia más adelante. Juega arreglando las formas en diferentes ángulos entre sí y mezclando los oscuros y las luces o tamaños. Es casi como si estuvieras tratando de escribir una pieza musical visualmente, consiguiendo una sensación de los ritmos y el ritmo. ¿ Va demasiado rápido o lento? ¿ Es un ritmo constante? Estudia tus fotos de ritmo y ve qué arreglos te atraigan más. 11. Check-In preguntas de diseño: Pregunta de diseño, check-in, repetición, ritmo, y patrón. Por lo que tu beat visual que ayuda o dificulta la visualización de la imagen. Y de ser así, ¿qué papel juega en la creación de movimiento, estado de ánimo o estructura? ¿ Es el uso de patrón, decorativo, o de apoyo? ¿ Cómo se está utilizando el patrón para crear escala o espacio? ¿ Existe un eco visual o repetición de elementos que apoye el tema de la pieza? 12. Movimiento y degradación: Movimiento y ritmo. Están estrechamente relacionados con el patrón y la repetición. La diferencia es el espacio entre las formas repetidas, líneas, color. Al colocar cosas en diferentes tamaños alrededor de la composición, formas una maravillosa danza de elementos que desprende un sentido ilusorio de la música. Creas un ritmo dentro de tu composición. Los objetos uniformemente espaciados son sedentarios, mientras que las colocaciones irregulares de objetos en un ángulo crean emoción y ritmo dependiendo del estado de ánimo que quieras expresar. Entender estos principios puede determinar un baile lento a un hip-hop donde tu ojo se mueve en una pintura tiene mucho que ver con el peso visual. Y el peso visual se refiere a cuánta atención comandan las diversas partes de tu pieza. ¿ A dónde va primero el ojo y a dónde va el siguiente? El movimiento es utilizado por los artistas para dirigir a los espectadores a través de su trabajo, muchas veces a un área focal. Dicho movimiento se puede dirigir a lo largo de líneas, bordes, formas, colores dentro de la obra, pero mueve el ojo con mayor facilidad en caminos de igual valor. Las líneas diagonales parecen dinámicas y las líneas verticales y horizontales son estables y calmantes. Las líneas curvas crean movimiento fluido mientras que los cambios progresivos en valor pueden llevar al ojo hacia o alejarse de los puntos centrales. Los cambios graduales en los elementos de diseño indican movimiento, proporcionando una transición graciosa de un área de color a otra. Por ejemplo, puede cambiar la temperatura de color gradualmente de cálido a frío, o cambiar los valores de color de claro a oscuro. A medida que cambian las formas, alterar los colores a la gradación apoya la Unidad mejor que el cambio abrupto. Entonces, a menos que quieras expresar un concepto como violencia o enojado, considera cómo puedes usar la gradación con elementos de diseño para crear cambio y movimiento. Los cambios graduales en los elementos de diseño se pueden ejecutar de numerosas maneras contribuyendo al movimiento rítmico a través de una pieza o en el espacio de fondo. ¿ Cómo pudiste alguna de la gradación mostrada con tu materia. A continuación, estaremos explorando el movimiento. 13. Demo de movimiento: En esta demo, necesitarás papel de cuaderno de bocetos, materiales de dibujo. Estoy usando un crayón de grafito y tus formas recortadas del ejercicio anterior. Primero calentar con líneas de dibujo en diferentes orientaciones. Y se puede variar la presión de la línea en el papel. Puedes hacer algunos de estos dibujos expresar diferentes tipos de promociones o escuchar música e intentar dibujar lo que escuches. A continuación, experimenta dibujando líneas y haz que interactúen con las formas de papel. Nuevamente, si quieres mantener estos estudios incluso pega las formas con un palo de pegamento o toma fotos digitales para referirse más adelante. Aquí la idea es mover el ojo alrededor del papel y si quieres usar la línea para llevar a tu ojo a una forma en particular o alejarte de ella. 14. Check-In preguntas de diseño: Pregunta de diseño, check-in, movimiento y dirección. ¿ Cómo se conduce el ojo del espectador a través de la composición? Dónde o por qué lo hace o dejo la imagen. ¿ Hay algo que impida o distraiga que tengo movimiento? Y si es así, ¿es intencional? Son sus ángulos, curvas, flechas, o movimientos implícitas son corrientes subyacentes que impiden al espectador explorar toda la pieza. 15. Contraste, variable: contraste se refiere a la disposición de elementos y efectos opuestos. Por ejemplo, colores oscuros aclarados, texturas lisas y ásperas, formas grandes y pequeñas. El contraste se puede utilizar para crear variedad, interés visual en el drama en una obra de arte. El contraste dinámico atrae la atención hacia el área más importante. Usa el contraste de valor para la sensación visual y el contraste de color para la expresión emocional. Contraste bordes, líneas y formas, cambiando colores para generar actividad y movimiento. A Donna, sus horizontales agregan oblicuos suaves a colores análogos. Un contraste de cortesía de parpadeo a un color clave alto, más contraste de valor. Haz que tu pieza vibre con contraste de energía a color mediante el uso de esquemas de color basados en diferencias en lugar de similitudes. Exagerar contrastes de color y valor para el impacto. Se pueden ver muchos aspectos de una pintura a través de la lente de cuánto o cuán poco contraste se tiene. Y eso considera opciones y avanzar. No quiero decir que necesites tener mucho contraste alto y hacer una buena composición. Pero si se presta atención al grado de contraste en una serie de aspectos, se puede aumentar en gran medida su idea y comprensión de la composición. Cuánto o cuán poco contraste inyectas en tu pintura, en qué aspectos de la misma depende de ti y qué similitud y dónde, cuánta diferencia depende de lo que te sienta bien como artista para cualquier pintura en particular. El aburrido de una persona podría ser meditativo de otra persona. Por ejemplo, el emocionante y convincente de una persona puede ser un revoltijo accidental a otra. Contraste muy bajo en un aspecto y alto contraste en otro podría ser apropiado para una pintura mientras que una pintura diferente, mi llamado para sutilmente por todas partes. Variedad refiere los elementos de composición que difieren entre sí. Variedad crea interés visual en la energía. Mucha variedad puede hacer que una obra de arte luzca ocupada o abrumadora cuando se empareja con la unidad, la variedad ofrece al espectador puntos de interés. A continuación, estaremos explorando el contraste. 16. Demo contraste.: Para esta actividad, quiero que hagas una lluvia de ideas de una serie de opuestos usando un elemento de diseño para tu inspiración. A modo de recordatorio, los elementos de diseño están forrados, valoran el espacio, la forma y el color. Y también puedes considerar la textura. Por lo que para la línea, puedes tener grueso versus delgado para la forma, orgánico versus geométrico. Para el valor, claro versus oscuro para el color. Y puedes tener suave y silenciado versus audaz. Para la forma, el bolígrafo podría ser de tamaño, pequeño agrandar, y para la textura ninguno versus lotes. Estoy seguro de que se puede llegar con muchos ejemplos, como bordes duros versus bordes dentados y así sucesivamente. Puedes usar esta hoja de lluvia de ideas tal como está, o usar la plantilla de tarjeta y escribir o escribir tus contrastes de opuestos en las cartas. Ahora tienes una referencia para guiarte a medida que creas tu pintura y estás pensando en cómo avanzar con ella. Consulta para una buena mezcla de contrastes. Escribió tu pieza para TI crea intereses para el espectador. 17. Check-In preguntas de diseño: Pregunta de diseño, check-in, variedad y contraste. ¿ Hay suficiente o demasiada variación entre los elementos para mantener la atención del espectador? ¿ O parece haber una semejanza general que hace que las cosas sean aburridas? ¿ Se relacionan los elementos entre sí de una manera que hace que las cosas a parejo sean predecibles. ¿ Tengo suficiente variación de tallas, pequeña, mediana, y grande? ¿ Se destaca algún elemento por ser único o diferente de los que lo rodean? 18. Éfasis: El énfasis es utilizado por los artistas crean dominio y se enfocan en su trabajo. Los artistas pueden enfatizar el color, el valor, las formas u otros elementos artísticos para lograr el dominio. pueden utilizar diversos tipos de contraste para enfatizar un centro de interés. Un punto focal es el centro de la acción. Existen tres herramientas primarias que utiliza el pintor diseñador para enfatizar el dominio. Nuestro contraste, colocación, y aislamiento. El énfasis tiene que ver con encontrar tu punto focal o lo que deseas tener al espectador más atraído sobre qué elemento eliges ser dominante. Se puede crear énfasis en una variedad de formas. Aumentar la intensidad del color de un objeto, oscurecer o aligerar el contraste mediante el uso de líneas convergentes o incluso aislar el objeto que le gustaría llevar más peso visual. El área focal es el lugar en tu pintura cuando tu ojo se dibuja naturalmente a primera vista, estás pintando solo un segundo. Y lo que ves a veces es desafiante conseguir esta perspectiva en tu propio trabajo. Por lo que me resulta útil dar un paso atrás de él unos 10 pies o bien tomar una foto y vista en una pantalla, luego Glance por solo un segundo. Sé honesto sobre lo que ves. Es posible que hayas pensado que un área sea tu punto focal, pero la pieza puede no estar de acuerdo contigo. Ver un punto focal es sobre el trabajo de alto nivel. Se trata de observación. Cuando miras un cuadro o pintura y progresas, ¿qué ves primero? Ese es tu punto focal o área mayor peso visual. A continuación estaremos explorando el énfasis. 19. Demo de ÉNfasis: En mi clase anterior, abstracción, elementos de diseño uno a uno, hablamos de la regla de los tercios y cómo caen los centros de interés o puntos focales en los puntos de intersección de estas líneas divisorias. En esa clase, aplicamos una cuadrícula sobre estudios de valor R para potenciar el contraste de esos puntos. No todos los puntos de intersección necesitan ser un punto focal. De hecho, sólo debe haber una estrella del espectáculo, siendo las otras áreas que apoyan a los jugadores para ayudar a mover el ojo alrededor de la pintura. Otra herramienta compositiva muy útil que se utiliza a lo largo de la historia para llevar el ojo alrededor de la pintura a tu punto focal se llama la relación dorada. Aparece como una espiral, espiral hacia adentro como una concha. El ratio dorado se deriva de una serie matemática llamada serie Fibonacci, donde cada número sucesivo se suma al anterior. O si miras los segmentos de línea de un más b, te da un valor numérico de 1.618. Si Google la relación dorada y se puede ver aplicada a lo largo de la historia a la arquitectura, pinturas, o incluso diseños fractales modernos. Puedes experimentar usando esta relación para crear un punto focal en tu pintura. 20. Check-In preguntas de diseño: Pregunta de diseño, check-in, dominio en énfasis. ¿ Qué me llama la atención primero? ¿ Y por qué es ahí donde quiero que vaya el ojo del espectador? ¿ Existe una jerarquía visual que deje claro cuando una cosa es más importante que otra cosa? ¿ Existe algún elemento que sea la estrella del espectáculo y está siendo apoyado por los otros elementos? 21. Balance y proporción: Rebote un arte se refiere al uso de elementos simétricos, formas de igual peso a ambos lados de un punto central, o elementos asimétricos, formas y formas son desiguales, pero aún equilibradas en cuanto a su peso visual. Encontrar este equilibrio puede ser un reto a la hora de pintar, pero cuanto más experimentes y practiques, más fácil será obtener la sensación de lo que significa el equilibrio. Y nuestro trabajo con equilibrio simétrico está bien equilibrado y se ve incluso en estable cuando un lado de la obra se espeja al otro tiene simetría absoluta. Cuando el equilibrio simétrico no es exacto, se llama simetría bilateral. Una obra de arte con equilibrio asimétrico es más pesada o más ligera en algunas áreas, puede parecer inestable y hace que el espectador se sienta incómodo. El equilibrio asimétrico como mirada dinámica a las obras de arte y a menudo llama la atención sobre los puntos focales en la composición. Y las ilustraciones con balance radial están dispuestas alrededor de un componente central, las formas y los objetos en una composición de balance radial parecen irradiarse fuera de un punto focal circular de la obra. Los diseños asimétricos son generalmente más complejos que los simétricos, pero a menudo mantienen tu interés por más tiempo porque requieren una atención extra para identificar su equilibrio. Considera combinar, a diferencia de elementos como plumas y plomo, podrías equilibrarlo área muy densa, visualmente pesada no sería espacio abierto expansivo. Esta pieza no sería simétrica, pero puede sentirse equilibrada. Proporcional tiene que ver con el tamaño y la escala de diversos elementos en una pintura. Cada elemento está en relación con el otro y también con el conjunto. Estos diferentes elementos no deben luchar entre sí por importancia si lo son, el mensaje general y la composición de una pieza será confuso y poco claro. Los artistas pueden utilizar escala y proporción de Creta. Sensaciones como profundidad, realismo, desorientación y drama. Escala sobre ART describe el tamaño de un objeto en relación con otro, y también se refiere a nuestra percepción de perspectiva y proporción. Obras de arte que parecen realistas o escaladas de manera similar a objetos del mundo real. Escala en el arte también puede referirse al tamaño general de la obra. La escala jerárquica es una técnica utilizada en el arte, frecuentemente utilizada en escultura y pintura, en la que el artista representa objetos dentro una escala natural para mostrar su importancia o falta de los mismos. Esta manipulación de tamaño llama la atención del espectador donde el artista quiere atención. A continuación, estaremos explorando el equilibrio. 22. Demo de balance: En esta actividad, estaremos explorando el equilibrio radial dibujando mandalas I Mandela, que significa círculo y sánscrito, es un patrón geométrico circular que está destinado a ser un objeto de meditación con el fin de ayudar a un desarrollo espiritual, Te proporcioné tres plantillas diferentes para asistirte y empezar a dibujar tu Mandela, cada una dividida en ocho secciones. Estoy usando papel de cuaderno de bocetos y un sharpie negro para dibujar mis diseños. Nuevamente, mirar los patrones de enredo Zen puede ser una gran inspiración para diseñar tu Mandela. En aras del tiempo, sólo estoy dibujando en un segmento del círculo. Normalmente completarías cada anillo del círculo comenzando en el centro y trabajando tu camino hacia el exterior del círculo hacia tu Mandela. Puedes agregar color a tu Mandela cuando esté completa, o dejarlo en blanco y negro. Cuando esté completo, podrá admirar la simetría radial que creó como un girasol o copo de nieve. 23. Check-In preguntas de diseño: Pregunta de diseño, check-in, proporción y saldo. Mirando escala y proporción. Tercera forma de contar qué tan grandes o pequeños, distantes o cierran las imágenes. ¿ Cuál es el nivel de los ojos del espectador y cómo afecta esto a la respuesta que tenemos a la imagen? ¿ Sentimos la relación de las partes de la imagen con el todo? ¿ De qué manera el formato de la obra ayuda u obstaculiza la imagen? ¿ Equilibrio? ¿ Existe una sensación de peso visual que haga que la composición se sienta desequilibrada? ¿ Existe algún elemento que pueda eliminarse sin afectar la composición a ninguna otra áreas parezcan innecesariamente desordenadas. ¿ Otras áreas se sienten vacías a cualquier área parecen causar tensión por la proximidad a un borde de una forma general de la obra. 24. Unidad y armonía: La unidad es uno de los aspectos más importantes del arte bien diseñado y es planeado por el artista. Unity proporciona la calidad cohesiva que hace que un campo de obra sea completo y terminado. Cuando todos los elementos de una obra se ven como pertenecen juntos, el artista ha logrado la unidad. La unidad, también conocida como armonía, es un principio de señal que forza la cohesión de una obra de arte. Cuán completo, consistente y completo. Aparece. Unidad en el arte. No es necesariamente sólo una repetición del mismo elemento una y otra vez, sino como la agradable combinación de elementos para crear una composición armoniosa. armonía resulta de relaciones de elementos y diseños similares como líneas reparadoras, color monocromático o análogo, movimiento serino, valores cercanos o formas y tamaños comparables. Todos ellos contribuyen a un sentido de unidad, ese diseño de principio rector. Algunas de las formas en que un diseñador o artista logra la unidad incluyen el uso de formas similares, uso de patrones similares, armonización de colores, el uso del espacio, uso de un solo fondo. Crear unidad y arte a menudo se basa más en un sentido que en un sentido estricto de las reglas. Tiene otros dos resolviendo cualquier elemento conflictivo y haciendo que el trabajo general se junte en armonía. unidad ocurre cuando la obra tiene sentido de terminación y cada elemento sirve a su propósito en relación con todos los demás. Por lo que a continuación estaremos explorando la unidad. 25. Demo de unidad: En esta actividad, estaremos buscando crear unidad armonizando los colores de la pintura. Necesitarás una variedad de colores de pintura acrílica fluida y también el SAT y el medio de acristalamiento. Aquí estoy pintando una serie de pinceladas de colores sobre papel de medio mixto. Se puede ver lo vibrantes saturados que son los colores, lo que los hace contrastar fuertemente entre sí. Si mezclo un poco de cada color en una sola mezcla, crea un color madre neutro, que ahora contiene todos los colores que contiene. A continuación, si añado un poco de este color Madre volver a cada uno de los colores de pintura originales. Ayudará a armonizar o tener los colores de las pinturas se relacionen entre sí. Los nuevos colores están un poco apagados, pero lee ahora como una familia de colores relacionados. Otra forma de comer, de unir o armonizar los colores de pintura es pintar un glaseado de colores encima de ellos. Aquí estoy usando quinacridona, oro hace con el líquido de acristalamiento para crear un glaseado de color. glaseado necesita ser transparente para poder trabajar para armonizar como si estuvieras mirando a través de vidrieras. Ahora todos los colores de la pintura debajo del esmalte se han desplazado ligeramente juntos hacia un color más dorado. 26. Check-In preguntas de diseño: Pregunta de diseño, check-in, unidad y armonía. ¿ Completa la obra vista? ¿ Parece que los elementos están trabajando bien juntos para apoyar al personaje principal? ¿ Están peleando entre sí? ¿ Están compitiendo por la atención? ¿ El trabajo sintiendo la misma persona lo hizo? O algunas partes parecen fuera de carácter a ciertas áreas parecen no resueltas o tentativas. 27. Criticar preguntas: ¿ Por qué deberías criticar tu trabajo? El propósito principal de una crítica es ayudarte a resolver temas que están causando problemas en una obra de arte y ayudarte a decidir si se hace algo. El objetivo es identificar las áreas problemáticas y luego determinar opciones para resolverlo. Son siete pasos para autocriticar tu trabajo. En primer lugar, toma una foto de tu imagen, por lo que te ves obligado a objetivar la obra. Segundo, inventario, cómo está funcionando cada elemento. Tercero, identificar cuáles son los problemas. Cuatro, considere las opciones para los cambios. En quinto lugar, hacer un cambio a la vez. Seis, evalúe cómo funcionan los principios. Y séptimo, repita el proceso hasta que sientas que has llegado a una buena solución. En los folletos, proporcioné una plantilla de matriz de diseño que puedes usar al realizar tu autocrítica. Puede que no tengas todos los elementos son principios en tu pintura. Pero ahora puedes hacerte preguntas mientras revisas tu pintura. En resumen, haz una lista de comprobación y estudia tu obra reciente para ver cómo usas estas importantes herramientas de diseño, cuáles aparecen con mayor frecuencia tu trabajo, cuáles son los más efectivos, donde tus puntos débiles. Los elementos y principios del diseño están destinados a ser lineamientos, memorizarlos, usarlos conscientemente y eventualmente se convierten en segunda naturaleza para ti. 28. Conclusión: Gracias por llevar mi abstracción de clase a uno principios de diseño. Cubrimos muchos ejercicios en poco tiempo para explorar estos siete principios de diseño. Aprendimos a usar estos principios para fortalecer nuestra obra de arte y criticar lo que podría faltar y cómo solucionarlo. Mi próxima clase será todo sobre el color. Por lo que he tocado un poco en el color durante la abstracción 101 y 21. Pero la abstracción de tres a uno, explorar el color se centrará en mezclar colores y mirar las relaciones de color. Entonces quien sea que uses tus habilidades y técnicas, me encantaría ver lo que haces. Entonces por favor sube a la sección de proyectos y conéctate conmigo en Instagram en Lexi lee studio. Y si has disfrutado de esta clase, por favor no olvides dejar una crítica positiva. Y espero que pronto vuelvas a aprender conmigo. Gracias, y que tengan un gran día.